Pieter Bruegel (starszy)
gigatos | 11 stycznia, 2022
Streszczenie
Pieter Bruegel (ok. 1525-1530 – 9 września 1569) był najważniejszym artystą holenderskiego i flamandzkiego malarstwa renesansowego, malarzem i grafikiem, znanym ze swoich pejzaży i scen chłopskich (był pionierem w czynieniu obu typów tematów głównymi w dużych obrazach.
Oprócz patrzenia w przyszłość, jego sztuka ożywia średniowieczne tematy, takie jak marginalne drolleries zwykłego życia w iluminowanych manuskryptach i kalendarzowe sceny pracy rolniczej na tle krajobrazu, i umieszcza je w znacznie większej skali niż wcześniej, i w drogim medium malarstwa olejnego. To samo czyni z fantastycznym i anarchicznym światem, który rozwija się w renesansowych grafikach i ilustracjach książkowych.
Czasami określa się go jako „chłopa Bruegla”, aby odróżnić go od wielu późniejszych malarzy z jego rodziny, w tym jego syna Pietera Brueghela Młodszego (jego krewni nadal używali „Brueghel” lub „Breughel”.
Przeczytaj także: biografie-pl – Lucian Freud
Wczesne życie
Dwa główne wczesne źródła do biografii Bruegla to relacja Lodovica Guicciardiniego o Niderlandach (1567) i Schilder-boeck Karela van Mandera z 1604 roku. Guicciardini zapisał, że Bruegel urodził się w Bredzie, ale van Mander podał, że Bruegel urodził się w wiosce (dorp) niedaleko Bredy o nazwie „Brueghel”, co nie pasuje do żadnego znanego miejsca. Nic nie wiadomo o jego pochodzeniu rodzinnym. Van Mander zdaje się zakładać, że pochodził on z chłopskiego środowiska, zgodnie z nadmiernym naciskiem, jaki van Mander i wielu wczesnych historyków i krytyków sztuki kładło na chłopskie sceny rodzajowe Bruegla.
Z faktu, że Bruegel wstąpił do cechu malarzy w Antwerpii w 1551 roku, wnioskuje się, że urodził się między 1525 a 1530 rokiem. Jego mistrzem, jak podaje Van Mander, był antwerpski malarz Pieter Coecke van Aelst.
W latach 1545-1550 był uczniem Pietera Coecke, który zmarł 6 grudnia 1550 roku. Wcześniej jednak Bruegel pracował już w Mechelen, gdzie udokumentowano, że między wrześniem 1550 a październikiem 1551 roku asystował Peeterowi Baltensowi przy pracach nad ołtarzem (obecnie zaginionym), malując skrzydła techniką grisaille. Bruegel prawdopodobnie otrzymał tę pracę dzięki znajomościom z Mayken Verhulst, żoną Pietera Coecke. Ojciec Mayken i jej ośmioro rodzeństwa byli artystami lub poślubili artystów i mieszkali w Mechelen.
Przeczytaj także: biografie-pl – Friedrich Nietzsche
Podróże
W 1551 roku Bruegel został wolnym mistrzem w cechu świętego Łukasza w Antwerpii. Wkrótce potem wyruszył do Włoch, prawdopodobnie przez Francję. Zwiedził Rzym i, dość awanturniczo jak na tamte czasy, do 1552 roku dotarł do Reggio Calabria na południowym krańcu lądu, gdzie na jednym z rysunków uwiecznił miasto w płomieniach po tureckim najeździe. Prawdopodobnie udał się dalej na Sycylię, ale w 1553 roku był już z powrotem w Rzymie. Tam poznał miniaturzystę Giulio Clovio, którego testament z 1578 roku wymienia obrazy Bruegla; w jednym przypadku jest to wspólne dzieło. Dzieła te, najwyraźniej pejzaże, nie zachowały się, ale marginalne miniatury w rękopisach Clovio przypisywane są Brueglowi.
Włochy opuścił w 1554 r., a do Antwerpii dotarł w 1555 r., kiedy to Hieronim Cock, najważniejszy wydawca w północnej Europie, opublikował zestaw grafik według jego projektu, znany jako Wielkie pejzaże. Trasa powrotna Bruegla jest niepewna, ale wiele dyskusji na ten temat stało się bezprzedmiotowych w latach osiemdziesiątych, gdy zdano sobie sprawę, że słynna seria wielkich rysunków górskich pejzaży, o których sądzono, że powstały w czasie podróży, nie jest wcale autorstwa Bruegla. Jednak wszystkie rysunki z podróży, które uważa się za autentyczne, przedstawiają pejzaże; w przeciwieństwie do większości innych XVI-wiecznych artystów odwiedzających Rzym, Bruegel zdaje się ignorować zarówno klasyczne ruiny, jak i współczesne budynki.
Przeczytaj także: biografie-pl – Wespazjan
Antwerpia i Bruksela
Od 1555 do 1563 roku Bruegel mieszkał w Antwerpii, ówczesnym centrum wydawniczym północnej Europy, pracując głównie jako projektant ponad czterdziestu odbitek dla Cocka, choć jego datowane obrazy zaczynają się od 1557 roku. Z jednym wyjątkiem, Bruegel sam nie obrabiał klisz, lecz wykonywał rysunek, na podstawie którego pracowali specjaliści Cocka. Poruszał się w ożywionych humanistycznych kręgach miasta, a jego zmiana nazwiska (w tym samym czasie zmienił pismo, którym się podpisywał, z gotyckiego blacklettera na rzymskie kapitały.
Van Mander wspomina, że przed śmiercią kazał żonie spalić rysunki, być może projekty druków, z napisami „zbyt ostrymi lub sarkastycznymi (…) albo z wyrzutów sumienia, albo z obawy, że mogłaby zostać skrzywdzona lub w jakiś sposób pociągnięta do odpowiedzialności za nie”, co doprowadziło do wielu spekulacji, że były one politycznie lub doktrynalnie prowokacyjne, w klimacie ostrych napięć w obu tych dziedzinach.
Bruegel urodził się w czasie wielkich zmian w Europie Zachodniej. Humanistyczne ideały z poprzedniego wieku wpływały na artystów i uczonych. Włochy były u schyłku swojego wysokiego renesansu sztuki i kultury, kiedy artyści tacy jak Michał Anioł i Leonardo da Vinci malowali swoje arcydzieła. W 1517 roku, około osiem lat przed narodzinami Bruegla, Marcin Luter napisał dziewięćdziesiąt pięć tez i rozpoczął reformację protestancką w sąsiednich Niemczech. Reformacji towarzyszył ikonoklazm i powszechne niszczenie sztuki, także w Niderlandach. Kościół katolicki postrzegał protestantyzm i jego ikonoklazm jako zagrożenie dla Kościoła. Sobór Trydencki, który zakończył się w 1563 r., ustalił, że sztuka religijna powinna być bardziej skoncentrowana na tematyce religijnej, a mniej na rzeczach materialnych i walorach dekoracyjnych.
W tym czasie Niderlandy były podzielone na siedemnaście prowincji, z których część chciała odłączyć się od panowania Habsburgów w Hiszpanii. W międzyczasie reformacja doprowadziła do powstania wielu wyznań protestanckich, które zyskały zwolenników w Siedemnastu Prowincjach pod wpływem nowo powstałych luterańskich państw niemieckich na wschodzie i nowo powstałej anglikańskiej Anglii na zachodzie. Habsburscy monarchowie Hiszpanii próbowali wprowadzić politykę ścisłego ujednolicenia religijnego dla Kościoła katolickiego w swoich domenach i egzekwowali ją za pomocą inkwizycji. Narastające antagonizmy religijne i zamieszki, manewry polityczne i egzekucje doprowadziły w końcu do wybuchu wojny osiemdziesięcioletniej.
W tej atmosferze Bruegel osiągnął szczyt swojej malarskiej kariery. Dwa lata przed jego śmiercią rozpoczęła się wojna osiemdziesięcioletnia między Zjednoczonymi Prowincjami a Hiszpanią. Mimo że Bruegel nie dożył jej końca, siedem prowincji uzyskało niepodległość i utworzyło Republikę Holenderską, podczas gdy pozostałe dziesięć pozostało pod kontrolą Habsburgów po zakończeniu wojny.
Przeczytaj także: bitwy – Bitwa pod Kannami
Chłopi
Pieter Bruegel specjalizował się w malarstwie rodzajowym, którego bohaterami byli chłopi, często z elementem pejzażu, choć malował również dzieła religijne. Uczynienie życia i obyczajów chłopów głównym tematem dzieła było rzadkością w malarstwie czasów Bruegla, a on sam był pionierem malarstwa rodzajowego. Wiele z jego chłopskich obrazów dzieli się na dwie grupy pod względem skali i kompozycji, przy czym obie były oryginalne i miały wpływ na późniejsze malarstwo. Jego wcześniejszy styl ukazuje dziesiątki małych postaci, widzianych z wysokiego punktu widzenia i rozmieszczonych dość równomiernie w centralnej przestrzeni obrazu. Scenerią jest zazwyczaj przestrzeń miejska otoczona budynkami, w której postacie mają „zasadniczo oderwany sposób przedstawiania”, z jednostkami lub małymi grupami zaangażowanymi w swoją własną, odrębną działalność, ignorującymi wszystkie inne.
Jego ziemskie, pozbawione sentymentów, ale żywe przedstawienia rytuałów życia wiejskiego – w tym rolnictwa, polowań, posiłków, festiwali, tańców i zabaw – są unikalnymi oknami na zanikającą kulturę ludową, choć wciąż charakterystyczne dla dzisiejszego życia i kultury belgijskiej, a także doskonałym źródłem dowodów ikonograficznych dotyczących zarówno fizycznych, jak i społecznych aspektów XVI-wiecznego życia. Na przykład, jego słynny obraz Przysłowia niderlandzkie, pierwotnie Błękitny płaszcz, ilustruje dziesiątki ówczesnych aforyzmów, z których wiele jest nadal w użyciu w obecnych flamandzkich, francuskich, angielskich i holenderskich. Środowisko flamandzkie stanowiło dużą grupę odbiorców artystycznych dla obrazów przepełnionych przysłowiami, ponieważ przysłowia były dobrze znane i rozpoznawalne, a także zabawne. Zabawy dziecięce ukazują różnorodność rozrywek, z których korzystają młodzi ludzie. Jego zimowe pejzaże z 1565 roku, takie jak Myśliwi w śniegu, są traktowane jako dowód potwierdzający surowość zim podczas Małej Epoki Lodowcowej. Bruegel często malował wydarzenia społeczne, jak w Weselu chłopskim i Walce między karnawałem a postem. W obrazach takich jak Wesele chłopskie Bruegel malował pojedynczych, rozpoznawalnych ludzi, podczas gdy ludzie w Walce między karnawałem a wielkim postem są nieidentyfikowalnymi, muffinkowymi alegoriami chciwości i obżarstwa.
Bruegel malował również sceny religijne w szerokiej flamandzkiej scenerii pejzażowej, jak w Nawróceniu Pawła i Kazaniu św. Nawet jeśli tematyka obrazów Bruegla była niekonwencjonalna, to ideały religijne i przysłowia, które przyświecały jego obrazom, były typowe dla północnego renesansu. Trafnie przedstawiał osoby niepełnosprawne, jak np. w obrazie „Ślepy prowadzi ślepego”, który przedstawiał cytat z Biblii: „Jeśli ślepy prowadzi ślepego, obaj wpadną do rowu” (Mt 15, 14). Używając Biblii do interpretacji tego obrazu, sześciu ślepców jest symbolem ślepoty ludzkości, która dąży do osiągnięcia ziemskich celów, zamiast skupić się na naukach Chrystusa.
Wykorzystując obfitość ducha i siłę komiczną, Bruegel stworzył jedne z najwcześniejszych w historii sztuki obrazów ostrego protestu społecznego. Przykładem mogą być obrazy takie jak Walka między karnawałem a postem (satyra na konflikty reformacji protestanckiej) oraz ryciny takie jak Dupa w szkole i Skrzynie na śliwki.
W latach 60. Bruegel przeszedł do stylu ukazującego tylko kilka dużych postaci, zazwyczaj na tle pejzażu bez odległego widoku. Jego obrazy zdominowane przez pejzaż mają charakter pośredni, zarówno jeśli chodzi o liczbę, jak i wielkość postaci.
Przeczytaj także: bitwy – Bitwa pod Cajamarca
Elementy krajobrazu
Bruegel zaadaptował i uczynił bardziej naturalnym styl pejzażu światowego, który ukazuje małe postacie w wyimaginowanym panoramicznym krajobrazie widzianym z podwyższonego punktu widzenia, obejmującym góry i niziny, wodę i budynki. Po powrocie z Włoch do Antwerpii, w latach 50. XV wieku wydawca Hieronim Cock zlecił mu wykonanie rysunków do serii rycin „Wielkie pejzaże”, które miały zaspokoić rosnące zapotrzebowanie na obrazy krajobrazów.
Niektóre z jego wcześniejszych obrazów, jak Pejzaż z ucieczką do Egiptu (Courtauld, 1563), w pełni mieszczą się w konwencji patinirskiej, ale już Pejzaż z upadkiem Ikara (znany z dwóch kopii) miał pejzaż w stylu patinirskim, w którym już największą postacią była postać rodzajowa, będąca jedynie przechodniem dla domniemanego tematu narracyjnego, a może nawet nie zdająca sobie z tego sprawy. Data zaginionego oryginału Bruegla jest niejasna, ale prawdopodobnie jest on stosunkowo wczesny, a jeśli tak, to zapowiada tendencję jego późniejszych dzieł. W latach sześćdziesiątych XV wieku wczesne sceny zatłoczone tłumem bardzo małych postaci, czy to chłopskich postaci rodzajowych, czy też postaci z narracji religijnych, ustępują miejsca niewielkiej liczbie znacznie większych postaci.
Jego słynny zestaw pejzaży z postaciami rodzajowymi przedstawiającymi pory roku jest kulminacją jego stylu pejzażowego; pięć zachowanych obrazów wykorzystuje podstawowe elementy krajobrazu światowego (tylko jeden pozbawiony jest skalistych gór), ale przekształca je we własnym stylu. Są one większe niż większość poprzednich dzieł, ze sceną rodzajową z kilkoma postaciami na pierwszym planie i panoramicznym widokiem widzianym obok lub przez drzewa. Bruegel znał styl pejzażowy szkoły naddunajskiej także z rycin.
Cykl poświęcony miesiącom roku zawiera kilka najbardziej znanych dzieł Bruegla. W 1565 roku bogaty mecenas z Antwerpii, Niclaes Jonghelinck, zlecił mu namalowanie serii obrazów przedstawiających każdy miesiąc roku. Historycy sztuki nie są zgodni co do tego, czy cykl ten liczył pierwotnie sześć czy dwanaście dzieł. Dziś przetrwało tylko pięć z tych obrazów, a niektóre z miesięcy są połączone w jedną ogólną porę roku. Tradycyjne flamandzkie luksusowe księgi godzin (1416) posiadały strony kalendarza, na których znajdowały się Prace Miesięcy, przedstawienia w krajobrazie prac rolnych, pogody i życia społecznego typowych dla danego miesiąca.
Po powrocie z Włoch do Antwerpii Bruegel zarabiał na życie tworząc rysunki, które były przerabiane na grafiki dla wiodącego wydawcy w mieście, a właściwie w północnej Europie, Hieronima Koguta. W swoim „Domu Czterech Wiatrów” Cock prowadził dobrze naoliwioną produkcję i dystrybucję, wydajnie produkując różnego rodzaju druki, które były bardziej zainteresowane sprzedażą niż najlepszymi osiągnięciami artystycznymi. Większość odbitek Bruegla pochodzi z tego okresu, ale do końca życia Bruegel nadal tworzył rysunkowe projekty odbitek, pozostawiając tylko dwie ukończone z serii Czterech Pór Roku. Odbitki były popularne i można przypuszczać, że zachowały się wszystkie opublikowane. W wielu przypadkach dysponujemy również rysunkami Bruegla. Chociaż tematyka jego grafik była często kontynuowana w malarstwie, istnieją znaczne różnice w emfazie pomiędzy tymi dwoma dziełami. Dla współczesnych i przez długi czas, aż do czasu, gdy publiczne muzea i dobre reprodukcje obrazów uczyniły je bardziej znanymi, Bruegel był o wiele bardziej znany dzięki swoim grafikom niż obrazom, co w dużej mierze wyjaśnia krytyczną ocenę jego osoby jako twórcy jedynie komicznych scen chłopskich.
Odbitki są w większości rycinami, choć od około 1559 roku niektóre z nich są akwafortami lub mieszankami obu technik. Tylko jeden kompletny drzeworyt został wykonany z projektu Bruegla, inny pozostał niekompletny. Ta, Brudna żona, jest najbardziej niezwykłym zachowaniem (obecnie Metropolitan Museum of Art) rysunku na drewnianym klocku przeznaczonym do druku. Z jakiegoś powodu, specjalista, który wyciął blok, podążając za rysunkiem, a jednocześnie niszcząc go, wykonał tylko jeden róg projektu, zanim przerwał pracę. Projekt pojawia się następnie jako rycina, być może wkrótce po śmierci Bruegla.
Do jego największych sukcesów należy cykl alegorii, wśród których znalazło się kilka projektów przejmujących wiele z bardzo indywidualnej maniery jego rodaka Hieronima Boscha: Siedem grzechów głównych i Cnoty. Grzesznicy są groteskowi i nie do zidentyfikowania, a alegorie cnót często noszą dziwne nakrycia głowy. O tym, że naśladownictwo Boscha dobrze się sprzedawało, świadczy jego rysunek Duża ryba zjada małą rybę (obecnie Albertina), który Bruegel podpisał, ale w wersji drukowanej Cock bezwstydnie przypisał Boschowi.
Chociaż Bruegel przypuszczalnie je wykonywał, nie zachowały się żadne rysunki, które byłyby wyraźnie studiami przygotowawczymi do obrazów. Większość zachowanych rysunków to gotowe projekty do odbitek lub rysunki pejzażowe, które są w miarę skończone. Po znacznym oczyszczeniu przypisów w ostatnich dziesięcioleciach, prowadzonym przez Hansa Mielke, obecnie powszechnie uznaje się, że sześćdziesiąt jeden arkuszy rysunków jest autorstwa Bruegla. Z tej rzezi wyłonił się nowy „Mistrz Górskich Pejzaży”. Kluczowym spostrzeżeniem Mielkego było to, że znak wodny lilii na papierze kilku arkuszy znaleziono dopiero od około 1580 roku, co doprowadziło do szybkiej akceptacji jego propozycji. Inna grupa około dwudziestu pięciu rysunków pejzaży, z których wiele jest sygnowanych i datowanych jako autorstwa Bruegla, jest obecnie przypisywana Jacobowi Savery”emu, prawdopodobnie z okresu poprzedzającego śmierć Savery”ego w 1603 roku. Nie bez znaczenia jest fakt, że dwa rysunki przedstawiające mury Amsterdamu datowane są na rok 1563, ale zawierają elementy zbudowane dopiero w latach 90. Wydaje się, że grupa ta została wykonana jako celowe fałszerstwo.
Około 1563 roku Bruegel przeniósł się z Antwerpii do Brukseli, gdzie ożenił się z Mayken Coecke, córką malarza Pietera Coecke van Aelst i Mayken Verhulst. Jak zapisano w archiwach katedry w Antwerpii, ich zgłoszenie do ślubu zostało zarejestrowane 25 lipca 1563 roku. Samo małżeństwo zostało zawarte w kościele kaplicy w Brukseli w 1563 roku.
Pieter Starszy miał dwóch synów: Pietera Brueghela Młodszego i Jana Brueghela Starszego (obaj zachowali nazwisko Brueghel). Ich babka, Mayken Verhulst, kształciła synów, ponieważ „Starszy” zmarł, gdy obaj byli bardzo mali. Starszy z braci, Pieter Brueghel, z kompetencją i sporym sukcesem komercyjnym kopiował styl i kompozycje ojca. Jan był znacznie bardziej oryginalny i bardzo wszechstronny. Był ważną postacią w przejściu do stylu barokowego we flamandzkim malarstwie barokowym i holenderskim malarstwie Złotego Wieku w wielu jego gatunkach. Często współpracował z innymi czołowymi artystami, m.in. z Peterem Paulem Rubensem przy wielu pracach, w tym przy Alegorii wzroku.
Inni członkowie rodziny to Jan van Kessel Starszy (wnuk Jana Brueghela Starszego) i Jan van Kessel Młodszy. Poprzez Davida Teniersa Młodszego, zięcia Jana Brueghela Starszego, rodzina jest również spokrewniona z całą rodziną malarzy Teniers oraz rodziną malarzy i rzeźbiarzy Quellinus, poprzez małżeństwo Jana-Erasmusa Quellinusa z Cornelią, córką Davida Teniersa Młodszego.
Sztuka Bruegla przez długi czas była bardziej ceniona przez kolekcjonerów niż krytyków. Jego przyjaciel Abraham Ortelius opisał go w albumie przyjaźni z 1574 roku jako „najdoskonalszego malarza swojego wieku”, ale zarówno Vasari, jak i Van Mander widzą w nim w zasadzie komicznego następcę Hieronima Boscha.
Ale dzieła Bruegla były, o ile nam wiadomo, zawsze chętnie kolekcjonowane. Bankier Nicolaes Jonghelinck posiadał szesnaście obrazów; jego brat Jacques Jonghelinck był rzeźbiarzem i medalierem, który również prowadził znaczące interesy handlowe. Wykonywał medale i grobowce w międzynarodowym stylu dla brukselskiej elity, zwłaszcza dla kardynała Granvelle”a, który był również zagorzałym mecenasem Bruegla. Granvelle był właścicielem co najmniej dwóch Bruegli, w tym Courtauld Lot do Egiptu, ale nie wiemy, czy kupił je bezpośrednio od artysty. Siostrzeniec i spadkobierca Granvelle”a został pozbawiony swoich Bruegli przez Rudolfa II, bardzo chłonnego austriackiego cesarza Habsburgów. Seria Miesięcy trafiła do zbiorów habsburskich w 1594 roku, podarowana bratu Rudolfa, a następnie przejęta przez samego cesarza. Rudolf był w końcu właścicielem co najmniej dziesięciu obrazów Bruegla. Pokolenie później Rubens posiadał jedenaście lub dwanaście, które w większości przeszły w ręce antwerpskiego senatora Pietera Stevensa, a następnie zostały sprzedane w 1668 roku.
Syn Bruegla, Pieter, wciąż mógł utrzymać siebie i duży zespół pracowni przy tworzeniu replik lub adaptacji dzieł Bruegla, a także własnych kompozycji w podobnym stylu, sześćdziesiąt lat lub więcej po ich namalowaniu. Najczęściej kopiowane dzieła nie były na ogół tymi, które są dziś najbardziej znane, choć może to wynikać z dostępności pełnowymiarowych, szczegółowych rysunków, z których najwyraźniej korzystano. Najczęściej kopiowanym obrazem jest Pejzaż zimowy z (odnotowano 127 kopii). Wśród nich znajdują się obrazy wykonane na podstawie niektórych rysunkowych projektów Bruegla, zwłaszcza Wiosny.
Brueghel wywarł duży wpływ na twórców chłopskich scen rodzajowych w następnym stuleciu. Poza rodziną Brueghelów, wczesnymi postaciami byli Adriaen Brouwer (ok. 16056-1638) i David Vinckboons (1576-c. 1632), obaj urodzeni we Flamandii, ale spędzający większość czasu w północnych Niderlandach. Oprócz ogólnej koncepcji takich kermowych tematów, Vinckboons i inni artyści przejęli od Bruegla „takie środki stylistyczne, jak perspektywa z lotu ptaka, ornamenty roślinne, jasna paleta i przysadziste, odrażające postacie”. Czterdzieści lat po ich śmierci, a ponad sto lat po Brueglu, Jan Steen (1626-79) nadal wykazywał szczególne zainteresowanie brueglowskimi zabiegami.
Krytyczne traktowanie Bruegla jako twórcy komicznych scen chłopskich utrzymywało się aż do końca XIX wieku, nawet po tym, jak jego najlepsze obrazy stały się powszechnie widoczne, gdy królewskie i arystokratyczne kolekcje zostały zamienione na muzea. Było to częściowo wytłumaczalne, gdy jego dzieła były znane głównie z kopii, druków i reprodukcji. Nawet Henri Hymans, którego praca z lat 189091 była pierwszym ważnym wkładem do nowoczesnej nauki o Brueglu, mógł opisać go w ten sposób: „Jego pole dociekań nie jest z pewnością najrozleglejsze; jego ambicje również są skromne. Ogranicza się do wiedzy o ludzkości i najbardziej bezpośrednich przedmiotach”, a tego zdania żaden współczesny badacz raczej nie przyjmie. Ponieważ jego pejzaże, w dobrej kolorowej reprodukcji, stały się najbardziej lubianymi dziełami, zrozumiano jego znaczenie w historii sztuki pejzażowej.
Ogólnie przyjmuje się, że zachowało się około czterdziestu obrazów, z których dwanaście znajduje się w Kunsthistorisches Museum w Wiedniu. Wiadomo, że wiele innych zaginęło, w tym to, co według van Mandera sam Bruegel uważał za swoje najlepsze dzieło, „obraz, w którym triumfuje prawda”.
Jego obraz Pejzaż z upadkiem Ikara, obecnie uważany za jedyny zachowany w kopiach, jest tematem ostatnich wersów wiersza „Musée des Beaux Arts” W. H. Audena z 1938 roku:
Był on również tematem wiersza Williama Carlosa Williamsa z 1960 roku i został wspomniany w filmie science fiction Nicolasa Roega Człowiek, który spadł na Ziemię z 1976 roku. Ponadto, ostatni zbiór poezji Williamsa nawiązuje do wielu dzieł Bruegla.
Obraz Bruegla „Dwie małpy” był tematem wiersza Wisławy Szymborskiej „Dwie małpy Bruegla” z 1957 roku.
Reżyser Lars von Trier wykorzystał obrazy Bruegla również w swoim filmie Melancholia (2011). W ten sposób nawiązał do Solaris Tarkowskiego, filmu o podobnej tematyce.
Jego obraz „Procesja na Kalwarię” z 1564 roku stał się inspiracją dla polsko-szwedzkiej koprodukcji filmowej „Młyn i krzyż” z 2011 roku, w której Bruegla zagrał Rutger Hauer. Obrazy Bruegla w Kunsthistorisches Museum zostały pokazane w filmie Godziny muzealne z 2012 roku, gdzie jego dzieła są obszernie omawiane przez przewodnika.
Seamus Heaney nawiązuje do Brueghela w wierszu „The Seed Cutters”. David Jones nawiązuje do obrazu The Blind Leading the Blind w swoim prozatorskim wierszu In Parenthesis: „the stumbling dark of the blind, that Breughel knew about – ditch circumscribed”.
Michael Frayn w swojej powieści Headlong wyobraża sobie zaginiony panel z cyklu Miesiące z 1565 roku, który powraca nierozpoznany, co wywołuje szalony konflikt między miłośnikiem sztuki (i pieniędzy) a posiadającym go chamem. Wiele uwagi poświęca się sekretnym motywom, jakimi kierował się Bruegel, malując go.
W swojej książce American Barricade, Danniel Schoonebeek nawiązuje do kilku obrazów Brueghela w wierszu „Poem for a Seven-Hour Flight”, zwłaszcza w wersach: „Jestem psami gończymi w Brueghelu czy znasz psy gończe oto pojedynczy lis, którego zabiłem czy będziesz go nosił na swoich ramionach czy się wstydzisz”.
Autor Don Delillo wykorzystał obraz Bruegla „Triumf śmierci” w swojej powieści „Underworld” i opowiadaniu „Pafko pod ścianą”. Uważa się, że obraz „Łowcy na śniegu” miał wpływ na klasyczne opowiadanie o tym samym tytule napisane przez Tobiasa Wolffa i zamieszczone w książce „W ogrodzie północnoamerykańskich męczenników”.
W przedmowie do swojej powieści Szaleństwo świata autor Jesse Bullington wyjaśnia, że obraz Bruegla Przysłowia niderlandzkie nie tylko zainspirował tytuł, ale także w pewnym stopniu fabułę. Różne rozdziały są wprowadzane za pomocą przysłowia przedstawionego na obrazie, które nawiązuje do elementu fabuły.
Źródła
