Robert Altman

Dimitris Stamatios | 28 grudnia, 2022

Streszczenie

Robert Bernard Altman (20 lutego 1925 – 20 listopada 2006) był amerykańskim reżyserem filmowym, scenarzystą i producentem. Altman jest znany jako pięciokrotnie nominowany do Oscara za najlepszą reżyserię i jako trwała postać ery Nowego Hollywood.

Jego styl filmowy obejmował wiele gatunków, ale zwykle z „wywrotowym” twistem, który zazwyczaj opierał się na satyrze i humorze, aby wyrazić swoje osobiste poglądy. Altman zyskał reputację „antyhollywoodzkiego” i nonkonformistycznego zarówno w tematyce, jak i w stylu reżyserii. Aktorzy szczególnie lubili pracować pod jego kierunkiem, ponieważ zachęcał ich do improwizacji, inspirując w ten sposób ich własną kreatywność.

W swoich filmach preferował duże zespoły aktorskie i opracował technikę nagrywania wielośladowego, w której dialogi wielu aktorów nakładały się na siebie. Dzięki temu film był bardziej naturalny, bardziej dynamiczny i bardziej złożony dla widza. Stosował również bardzo ruchomą pracę kamery i obiektywy zmiennoogniskowe, aby wzmocnić działania rozgrywające się na ekranie. Krytyczka Pauline Kael, pisząc o jego stylu reżyserskim, powiedziała, że Altman potrafił „zrobić filmowe fajerwerki z prawie niczego”. Do najbardziej znanych dokonań reżyserskich Altmana należą M*A*S*H (1970), McCabe & Mrs. Miller (1971), The Long Goodbye (1973), Nashville (1975), 3 Women (1977), The Player (1992), Short Cuts (1993) i Gosford Park (2001).

W 2006 roku Akademia Filmowa uhonorowała dorobek Altmana Honorową Nagrodą Akademii. Nigdy nie zdobył konkurencyjnego Oscara, mimo siedmiu nominacji. Jego filmy M*A*S*H, McCabe & Mrs. Miller, The Long Goodbye oraz Nashville zostały wybrane do United States National Film Registry. Altman jest jednym z trzech twórców, których filmy zdobyły Złotego Niedźwiedzia w Berlinie, Złotego Lwa w Wenecji i Złotą Palmę w Cannes (pozostali dwaj to Henri-Georges Clouzot i Michelangelo Antonioni).

Altman urodził się 20 lutego 1925 roku w Kansas City w stanie Missouri, jako syn Helen (z domu Matthews), potomka Mayflower z Nebraski, i Bernarda Clementa Altmana, zamożnego sprzedawcy ubezpieczeń i hazardzisty amatora, który pochodził z rodziny z wyższej klasy. Przodkowie Altmana byli niemieccy, angielscy i irlandzcy; jego ojcowski dziadek, Frank Altman, Sr., anglicyzował pisownię nazwiska rodzinnego z „Altmann” na „Altman”. ale nie kontynuował wyznawania ani praktykowania religii jako dorosły, chociaż określano go jako „rodzaj katolika” i katolickiego dyrektora. Kształcił się w szkołach jezuickich, w tym w Rockhurst High School, w Kansas City. W 1943 roku ukończył Wentworth Military Academy w Lexington w stanie Missouri.

Wkrótce po ukończeniu studiów, w wieku 18 lat, Altman wstąpił do Sił Powietrznych Armii Stanów Zjednoczonych. Podczas II wojny światowej Altman wykonał ponad 50 misji bombowych jako drugi pilot samolotu B-24 Liberator w 307 Grupie Bombowej na Borneo i w Holenderskich Indiach Wschodnich. Po zwolnieniu z wojska w 1947 roku, Altman przeniósł się do Kalifornii. Pracował w reklamie dla firmy, która wynalazła maszynę do tatuowania psów. W 1948 roku sprzedał RKO scenariusz do filmu Bodyguard, którego był współtwórcą wraz z George”em W. Georgem. Natychmiastowy sukces zachęcił Altmana do przeniesienia się do Nowego Jorku, gdzie próbował zrobić karierę jako pisarz. Nie odniósłszy większych sukcesów, w 1949 roku powrócił do Kansas City, gdzie przyjął pracę jako reżyser i scenarzysta filmów przemysłowych dla Calvin Company. Altman wyreżyserował około 65 filmów przemysłowych i dokumentalnych dla Calvin Company. Dzięki wczesnej pracy nad filmami przemysłowymi, Altman eksperymentował z techniką narracji i rozwinął charakterystyczne dla siebie wykorzystanie nakładających się na siebie dialogów. W lutym 2012 roku wczesny film Calvina w reżyserii Altmana, Modern Football (1951), został odnaleziony przez filmowca Gary”ego Hugginsa.

Przeczytaj także: cywilizacje – Seleucydzi

1950s

Pierwsze próby Altmana w reżyserii telewizyjnej miały miejsce w serialu dramatycznym DuMont Pulse of the City (1953-1954), oraz w jednym z odcinków serialu zachodniego The Sheriff of Cochise z 1956 roku. W 1956 roku został zatrudniony przez lokalnego biznesmena do napisania i wyreżyserowania w Kansas City filmu fabularnego o przestępczości nieletnich. Film, zatytułowany The Delinquents, nakręcony za 60 000 dolarów, został zakupiony przez United Artists za 150 000 dolarów i wypuszczony w 1957 roku. Choć prymitywny, ten film o wykorzystywaniu nastolatków zawierał fundamenty późniejszej twórczości Altmana w postaci swobodnych, naturalistycznych dialogów. Po sukcesie filmu Altman po raz ostatni przeniósł się z Kansas City do Kalifornii. Współreżyserował The James Dean Story (1957), film dokumentalny wprowadzony do kin w celu wykorzystania niedawnej śmierci aktora i skierowany do jego rodzącego się kultu. Obie prace zwróciły uwagę Alfreda Hitchcocka, który zatrudnił Altmana jako reżysera do swojego serialu CBS Alfred Hitchcock Presents. Po zaledwie dwóch odcinkach Altman zrezygnował z powodu różnic z producentem, ale dzięki temu udało mu się rozpocząć udaną karierę telewizyjną. W ciągu następnej dekady Altman pracował intensywnie w telewizji (i prawie wyłącznie w serialach dramatycznych) reżyserując wiele odcinków Whirlybirds, The Millionaire, U.S. Marshal, The Troubleshooters, The Roaring 20s, Bonanza, Bus Stop, Kraft Mystery Theater, Combat! a także pojedyncze odcinki kilku innych godnych uwagi seriali, w tym Hawaiian Eye, Maverick (odcinek czwartego sezonu „Bolt From the Blue” również napisany przez Altmana i z udziałem Rogera Moore”a), Lawman, Surfside 6, Peter Gunn i Route 66.

Przeczytaj także: bitwy – Bitwa u przylądka Artemizjon

1960s

W latach 60-tych Altman zyskał pozycję reżysera telewizyjnego dzięki swojej umiejętności szybkiej i efektywnej pracy przy ograniczonym budżecie. Choć często zwalniano go z projektów telewizyjnych za odmowę dostosowania się do wymogów sieci, Altman zawsze był w stanie zdobyć nowe zlecenia. W 1964 roku producenci postanowili rozszerzyć „Once Upon a Savage Night”, jeden z jego odcinków Kraft Suspense Theatre, do wydania jako film telewizyjny pod tytułem Nightmare in Chicago.

Dwa lata później Altman został zatrudniony do wyreżyserowania niskobudżetowego filmu o podróżach kosmicznych Countdown, ale został zwolniony w ciągu kilku dni od zakończenia projektu, ponieważ odmówił zmontowania filmu do rozsądnej długości. Kolejny film wyreżyserował dopiero w Zimny dzień w parku (1969), który okazał się katastrofą zarówno pod względem krytycznym, jak i kasowym.

W ciągu dekady Altman zaczął wyrażać w swoich dziełach podteksty polityczne. W szczególności wyrażał antywojenne nastroje związane z wojną w Wietnamie. Z tego powodu kariera Altmana nieco ucierpiała, gdyż zaczęto go kojarzyć z ruchem antywojennym.

Przeczytaj także: biografie-pl – Gajah Mada

1970s

W 1969 roku Altman otrzymał propozycję napisania scenariusza do filmu MASH, adaptacji mało znanej powieści z czasów wojny koreańskiej, satyrycznie opisującej życie w służbach mundurowych. Altman niechętnie podjął się realizacji, a zdjęcia były tak burzliwe, że Elliott Gould i Donald Sutherland próbowali zwolnić Altmana za jego niekonwencjonalne metody filmowania. Mimo to, MASH został powszechnie okrzyknięty klasykiem po premierze w 1970 roku. Film zdobył Złotą Palmę na festiwalu w Cannes w 1970 roku i zdobył pięć nominacji do Oscara. Był to najlepiej zarabiający film Altmana, wydany w czasie, gdy w Stanach Zjednoczonych narastały nastroje antywojenne. Archiwum Akademii Filmowej zachowało MASH w 2000 roku.

Uznany za wielki talent, Altman odniósł sukcesy dzięki McCabe & Mrs. Miller (1971), rewizjonistycznemu westernowi, w którym ostre piosenki Leonarda Cohena podkreślają surową wizję amerykańskiej granicy; The Long Goodbye (1973), kontrowersyjnej adaptacji powieści Raymonda Chandlera (Thieves Like Us (1974), adaptacji powieści Edwarda Andersona, sfilmowanej wcześniej przez Nicholasa Raya jako They Live by Night (oraz Nashville (1975), w którym silny wątek polityczny został osadzony w świecie muzyki country. Gwiazdy filmu pisały własne piosenki; Keith Carradine zdobył Oscara za utwór „I”m Easy”. Choć jego filmy często spotykały się z podzielonymi ocenami, wielu wybitnych krytyków filmowych epoki (m.in. Pauline Kael, Vincent Canby i Roger Ebert) pozostało niezłomnie wiernych jego stylowi reżyserskiemu przez całą dekadę.

Widzowie potrzebowali trochę czasu, aby docenić jego filmy, a on nie chciał być zmuszony do zadowalania przedstawicieli studia. W 1970 roku, po premierze MASH, założył Lion”s Gate Films, by mieć swobodę niezależnej produkcji. Firmy Altmana nie należy mylić z obecnym Lionsgate, kanadyjskim

Przeczytaj także: cywilizacje – Austro-Węgry

1980s

W 1980 roku wyreżyserował film muzyczny Popeye. Wyprodukowany przez Roberta Evansa i napisany przez Julesa Feiffera film oparty był na komiksie

W 1981 roku reżyser sprzedał Lion”s Gate producentowi Jonathanowi Taplinowi, po tym jak jego polityczna satyra Health (nakręcona na początku 1979 roku z myślą o premierze świątecznej) została odłożona na półkę przez długoletniego dystrybutora 20th Century Fox po słabych pokazach testowych i festiwalowych w 1980 roku. Odejście z Foxa długoletniego zwolennika Altmana, Alana Ladda Jr. również odegrało decydującą rolę w opóźnieniu premiery filmu.

Nie mogąc zapewnić sobie dużego finansowania w erze blockbusterów po Nowym Hollywood z powodu swojej rtęciowej reputacji i szczególnie burzliwych wydarzeń wokół produkcji Popeye”a, Altman zaczął „reżyserować literackie dramaty przy ograniczonym budżecie na scenę, do domowego wideo, telewizji i ograniczonej premiery kinowej”, w tym uznany Secret Honor i Come Back to the Five and Dime, Jimmy Dean, Jimmy Dean, krytycznie antypodstawowa adaptacja sztuki, którą Altman wyreżyserował na Broadwayu.

W 1982 roku Altman wystawił na Uniwersytecie Michigan spektakl The Rake”s Progress Igora Strawińskiego, gdzie jednocześnie prowadził kurs poświęcony swoim filmom. Niedługo potem powrócił do filmu Sekretny honor ze studentami. W 2008 roku Biblioteka Uniwersytetu Michigan nabyła archiwum Altmana. Był także współautorem przebojowego singla Johna Andersona „Black Sheep” z 1983 roku.

Nastoletnia komedia O.C. i Stiggs (1985), będąca nieudanym powrotem do hollywoodzkiego kina, retrospektywnie scharakteryzowana przez Brytyjski Instytut Filmowy jako „prawdopodobnie najmniej udany film Altmana”, otrzymała opóźnioną, ograniczoną premierę komercyjną w 1987 roku, po tym jak została odłożona na półkę przez MGM.

Zaadaptowany przez Altmana i Sama Sheparda dla The Cannon Group z nominowanej do nagrody Pulitzera sztuki Sheparda, Głupiec z miłości, poradził sobie lepiej niż większość jego filmów z epoki, zarabiając 900 000 dolarów w kraju przy budżecie 2 milionów dolarów i pozytywnych recenzjach Rogera Eberta i Vincenta Canby”ego. Wciąż jednak nie udało mu się zdobyć powszechnej popularności wśród publiczności.

Pewne uznanie krytyki przyniósł mu telewizyjny mockument „Tanner ”88″ (1988), zrealizowany wspólnie z Garrym Trudeau, osadzony w środowisku kampanii prezydenckiej Stanów Zjednoczonych, za który otrzymał Primetime Emmy Award.

Przeczytaj także: biografie-pl – Tristan Tzara

1990s

W 1990 roku Altman wyreżyserował Vincenta i Theo, biograficzny film o Vincencie van Goghu, który miał być miniserialem telewizyjnym przeznaczonym do emisji w Wielkiej Brytanii. Wersja kinowa filmu okazała się skromnym sukcesem w Stanach Zjednoczonych, stanowiąc istotny punkt zwrotny w odrodzeniu krytycznym reżysera.

Swoją karierę ożywił na poważnie filmem Gracz (1992), satyrą na Hollywood. Współprodukowany przez wpływowego Davida Browna (Żądło, Szczęki, Kokon) film był nominowany do trzech Oscarów, w tym za najlepszą reżyserię. Nie zdobył Oscara, ale został uznany za najlepszego reżysera przez Festiwal Filmowy w Cannes, BAFTA i Nowojorskie Koło Krytyków Filmowych.

Altman wyreżyserował następnie Short Cuts (1993), ambitną adaptację kilku opowiadań Raymonda Carvera, która przedstawiała życie różnych mieszkańców Los Angeles w ciągu kilku dni. Duża obsada i przeplatanie się wielu różnych wątków przypominały jego filmy z lat 70. Altman zdobył Złotego Lwa na Międzynarodowym Festiwalu Filmowym w Wenecji w 1993 roku i kolejną nominację do Oscara dla najlepszego reżysera.

Reszta lat 90. przyniosła Altmanowi ograniczony sukces. W 1994 roku jego film Prêt-à-Porter (znany również jako Ready to Wear) zyskał duży rozgłos przedpremierowy, ale okazał się komercyjną i krytyczną klapą, choć otrzymał kilka nominacji do nagród końcowych, w tym dwa Złote Globy i zdobył nagrodę National Board of Review za najlepszą kreację aktorską w zespole. W 1996 roku Altman nakręcił Kansas City, wyrażając swoją miłość do jazzu lat 30. poprzez skomplikowaną historię porwania. Historia ta zebrała słabe lub pozytywne recenzje, ale nie zarobiła prawie nic w kasie, podobnie jak thriller prawniczy The Gingerbread Man z 1998 roku.

W 1999 roku zamknął dekadę na plusie filmem Cookie”s Fortune, dziwaczną czarną komedią o samobójstwie zamożnej starszej pani. Był to jego pierwszy od prawie 6 lat film, który zwrócił się z nawiązką i który zebrał pozytywne recenzje krytyków. W 1999 roku został wybrany na Członka Amerykańskiej Akademii Sztuki i Nauki.

Przeczytaj także: biografie-pl – Lorenzo di Credi

2000s

Gosford Park (2001), zrealizowana w dużej obsadzie zagadka morderstwa w brytyjskim domu na wsi, znalazła się na listach dziesięciu najlepszych filmów tego roku według wielu krytyków. Zdobył Oscara za najlepszy scenariusz oryginalny (Julian Fellowes) oraz sześć kolejnych nominacji, w tym dwie dla Altmana, jako najlepszy reżyser i najlepszy film.

Praca z niezależnymi studiami, takimi jak zamknięte już Fine Line, Artisan (które zostało wchłonięte przez dzisiejsze Lionsgate) i USA Films (obecnie Focus Features), dała Altmanowi przewagę w tworzeniu takich filmów, jakie zawsze chciał robić bez ingerencji studia. W czerwcu 2006 roku ukazała się filmowa wersja serialu Garrisona Keillora A Prairie Home Companion. Aż do śmierci Altman wciąż rozwijał nowe projekty, w tym film na podstawie Hands on a Hard Body: The Documentary (1997).

W 2006 roku Akademia Filmowa przyznała Altmanowi Honorową Nagrodę Akademii za całokształt twórczości. Podczas przemówienia ujawnił, że około dziesięć lub jedenaście lat wcześniej przeszedł przeszczep serca. Reżyser zażartował, że być może Akademia przedwcześnie uznała jego dorobek, gdyż on sam czuje, że ma przed sobą jeszcze cztery dekady życia.

Przeczytaj także: biografie-pl – Trzęsienie ziemi w Kantō (1923)

Maverick i autor

Po udanej karierze w telewizji, Altman w wieku średnim rozpoczął nową karierę w przemyśle filmowym. Zrozumiał ograniczenia twórcze narzucone przez gatunek telewizyjny i teraz postanowił reżyserować i pisać filmy, które wyrażałyby jego osobiste wizje dotyczące amerykańskiego społeczeństwa i Hollywood. Jego filmy będą później określane jako „autorskie ataki” i „idiosynkratyczne wariacje” na temat tradycyjnych filmów, zazwyczaj wykorzystujące subtelną komedię lub satyrę jako sposób wyrażania swoich obserwacji.

Jego filmy były zazwyczaj związane z tematami politycznymi, ideologicznymi i osobistymi, a Altman był znany z „odmawiania kompromisu dla własnej wizji artystycznej.” Był opisywany jako „anty-hollywoodzki”, często ignorował presję społeczną, która dotykała innych w branży, co utrudniało mu obejrzenie wielu jego filmów. Powiedział, że jego niezależność jako filmowca pomogła mu ogólnie:

Nie sądzę, żeby żył lub żył jakikolwiek filmowiec, który miałby lepszą passę niż ja. Nigdy nie byłem bez projektu i zawsze był to projekt z mojego własnego wyboru. Więc nie wiem, jak bardzo mogłoby być lepiej. Nie stałem się potentatem, nie buduję zamków i nie mam ogromnej osobistej fortuny, ale byłem w stanie robić to, co chciałem i robiłem to bardzo często.

„Altman był prawdziwym filmowym awanturnikiem”, stwierdza autor Ian Freer, ponieważ sprzeciwiał się komercyjnemu konformizmowi przemysłu filmowego: „Był plagą filmowego establishmentu, a jego prace na ogół rzucały bystre, pogardliwe oko na szerokość amerykańskiej kultury, często eksplodując gatunkami i archetypami postaci; Altman był zafascynowany ludźmi z niedoskonałościami, ludźmi takimi, jakimi są naprawdę, a nie takimi, jakimi chciałyby cię widzieć filmy”. Reżyser Alan Rudolph, podczas specjalnego hołdu dla Altmana, określa jego styl tworzenia filmów jako „Altmanesque”.

Przez swój niezależny styl reżyserowania zyskał złą reputację wśród scenarzystów i osób zajmujących się biznesem filmowym. Przyznaje: „Mam złą reputację wśród pisarzy, wypracowaną przez lata: ”Och, on nie robi tego, co piszesz, bla bla bla” … Ring Lardner był na mnie bardzo wkurzony”, za to, że nie trzymałem się jego scenariusza: 18 Altman nie dogadywał się też dobrze z szefami studiów, raz uderzył jednego z dyrektorów w nos i wrzucił go do basenu, bo ten nalegał, by wyciął sześć minut z filmu, nad którym pracował:  9

Lepsza była jego opinia wśród aktorów. Z nimi jego niezależność rozciągała się czasem na wybór aktorów, często wbrew konsensusowi. Cher, na przykład, przypisuje mu zapoczątkowanie swojej kariery zarówno sztuką sceniczną, jak i filmem, Come Back to the Five and Dime, Jimmy Dean, Jimmy Dean (1982). „Bez Boba nigdy nie zrobiłabym kariery filmowej. Wszyscy mówili mu, żeby mnie nie obsadzał. Każdy. … Nikt nie dałby mi spokoju. Jestem przekonana, że Bob był jedynym, który był na tyle odważny, by to zrobić”. Inni, jak Julianne Moore, opisuje pracę z nim:

Wiesz, cała ta gadka o tym, że Bob był takim irytującym, trudnym typem człowieka? Cóż, nigdy nie był taki w stosunku do aktora czy kreatywnej osoby, którą widziałem. Nigdy, nigdy, nigdy. Zachowywał to wszystko dla ludzi z pieniędzmi..:  431

Reżyser Robert Dornhelm powiedział, że Altman „patrzył na film jak na czyste, artystyczne miejsce”. Na przykład przy Short Cuts (1993) dystrybutor „błagał go” o obcięcie kilku minut z długości, aby zachować komercyjność: „Bob po prostu myślał, że antychryst próbuje zniszczyć jego sztukę. To byli ludzie o dobrych intencjach, którzy chcieli, żeby dostał to, na co zasłużył, czyli wielki komercyjny hit. Ale kiedy przychodziło do sztuki lub pieniędzy, on był ze sztuką”:  438

Sally Kellerman, dostrzegając samowolę Altmana, do dziś z żalem patrzy na rezygnację z szansy zagrania w jednym z jego filmów:

Właśnie skończyłam kręcić Last of the Red Hot Lovers, kiedy Bob zadzwonił do mnie pewnego dnia do domu. „Sally, czy chcesz wystąpić w moim obrazie po następnym?” zapytał. „Tylko jeśli to będzie dobra rola”, odpowiedziałam. Rozłączył się na mnie.

Przeczytaj także: biografie-pl – Wilhelm Zdobywca

Tematy i zagadnienia

W przeciwieństwie do reżyserów, których twórczość mieści się w różnych gatunkach filmowych, takich jak westerny, musicale, filmy wojenne czy komedie, twórczość Altmana była określana przez różnych krytyków jako bardziej „antygatunkowa”. Wynika to częściowo z satyrycznego i komediowego charakteru wielu jego filmów. Geraldine Chaplin, córka Charliego Chaplina, porównała humor w jego filmach do filmów swojego ojca:

Są zabawne we właściwy sposób. Zabawni w sposób krytyczny – wobec tego, jaki jest świat i w jakim świecie żyjemy. Obaj byli geniuszami na swój sposób. Zmieniają twoje doświadczenie rzeczywistości. Mają swój świat i mają swój humor. Ten humor jest tak rzadki: 287

Altman dał jasno do zrozumienia, że nie lubi „opowiadania historii” w swoich filmach, w przeciwieństwie do sposobu, w jaki robi się większość telewizji i filmów głównego nurtu. Według biografa Altmana, Mitchella Zuckoffa, „nie lubił słowa ”opowieść”, uważając, że fabuła powinna być drugorzędna wobec eksploracji czystych (lub, jeszcze lepiej, nieczystych) ludzkich zachowań.”: xiii Zuckoff opisuje cele leżące u podstaw wielu filmów Altmana: „Uwielbiał chaotyczną naturę prawdziwego życia, ze sprzecznymi perspektywami, zaskakującymi zwrotami akcji, niewyjaśnionymi działaniami i niejednoznacznymi zakończeniami. Szczególnie kochał wiele głosów, czasem kłócących się, czasem zgadzających się, najlepiej nakładających się na siebie, przyjęcie koktajlowe lub scenę uliczną uchwyconą tak, jak ją przeżył”: xiii Julianne Moore, po obejrzeniu kilku jego filmów, przypisuje stylowi reżyserii Altmana swoją decyzję o zostaniu aktorką filmową, a nie sceniczną:

Czułem to naprawdę mocno. I pomyślałem: „Nie wiem, kim jest ten facet, ale właśnie to chcę robić. Chcę robić tego rodzaju pracę.” Od tego czasu oglądałem jego filmy, kiedy tylko mogłem, i zawsze był moim absolutnie ulubionym reżyserem, za to, co mówił tematycznie i emocjonalnie, i jak czuł się z ludźmi..:  324

Autor Charles Derry pisze, że filmy Altmana „charakteryzują się przenikliwymi obserwacjami, wymownymi wymianami zdań i momentami krystalicznie czystego ujawnienia ludzkiej głupoty”. Ponieważ Altman był bystrym obserwatorem społeczeństwa i „szczególnie interesował się ludźmi”, zauważa Derry, wiele z jego filmowych postaci miało „tę niechlujną niedoskonałość związaną z istotami ludzkimi takimi, jakimi są, z życiem takim, jakim się je przeżywa”. W rezultacie jego filmy są często pośrednią krytyką amerykańskiego społeczeństwa.

W przypadku wielu filmów Altmana treści satyryczne są oczywiste: MASH (McCabe & Mrs. Miller (Autor Matthew Kennedy stwierdza, że Nashville (A Wedding (Sam Altman powiedział, że The Player (1992) był „bardzo łagodną satyrą” na temat hollywoodzkiego przemysłu filmowego, a Vincent Canby zgodził się z tym, stwierdzając, że „jako satyra, The Player łaskocze. Nie rysuje krwi.” Satyra jego filmów czasami prowadziła do ich porażki w kasie, jeśli ich satyryczny charakter nie był zrozumiany przez dystrybutora. Altman obwinia o porażkę kasową Długiego pożegnania (1973), kryminału, błędny marketing filmu jako thrillera:

Po otwarciu obraz okazał się wielką, wielką klapą. … Poszedłem do Davida Pickera i powiedziałem: „Nie możesz tego zrobić. Nie dziwię się, że ten pieprzony obraz zawodzi. Sprawia złe wrażenie. Robisz z tego thriller, a tak nie jest, to satyra.

Altman obwinia również o niepowodzenie O.C. & Stiggs to, że był sprzedawany jako typowy „film dla nastolatków”, a nie jako to, co nakręcił – „satyra na film dla nastolatków”, jak powiedział.

Przeczytaj także: biografie-pl – Georgia O’Keeffe

Dialog improwizacyjny

Altman preferował historie wyrażające wzajemne powiązania między kilkoma postaciami, bardziej interesowały go motywacje postaci niż zawiłe fabuły. W związku z tym miał tendencję do szkicowania jedynie podstawowej fabuły filmu, określając scenariusz jako „projekt” akcji. Zachęcając swoich aktorów do improwizowania dialogów, Altman zyskał miano „reżysera aktora”, co przyciągnęło do niego wielu znanych aktorów. Wykonawcy lubią pracować z Altmanem, ponieważ „daje im swobodę rozwijania postaci i często zmienia scenariusz poprzez improwizację i współpracę” – zauważa Derry. Richard Baskin mówi, że „Bob był raczej niezwykły w swoim sposobie pozwalania ludziom na robienie tego, co robili. Ufał, że możesz robić to, co robisz i dlatego zabijałbyś dla niego”.

: 282 Geraldine Chaplin, która występowała w Nashville, wspomina jedną ze swoich pierwszych sesji próbnych:

Powiedział: „Czy przynieśliście swoje scenariusze?”. Powiedzieliśmy, że tak. On powiedział: „No to wyrzućcie je. Nie potrzebujecie ich. Musicie wiedzieć, kim jesteście, gdzie jesteście i z kim jesteście”. … To było jak bycie na scenie przy pełnej sali w każdej sekundzie. Wszystkie cyrkowe sztuczki, które miałeś w swoim ciele, robiłeś tylko dla niego.: 282

Altman regularnie pozwalał swoim aktorom rozwijać postać poprzez improwizację podczas prób, a czasem podczas właściwego filmowania. Taka improwizacja była rzadkością w filmie ze względu na wysokie koszty produkcji filmowej, która wymaga starannego planowania, precyzyjnych scenariuszy i prób, zanim kosztowny film został wystawiony. Mimo to Altman wolał używać improwizacji jako narzędzia pomagającego jego aktorom rozwijać ich charakter. Altman powiedział, że „kiedy już zaczniemy kręcić, to jest to bardzo ustawiona rzecz. Improwizacja jest źle rozumiana. Nie puszczamy ludzi luzem”. Chociaż starał się unikać dyktowania aktorom każdego ruchu, woląc pozwolić im na kontrolę:

Kiedy robię casting do filmu, większość mojej pracy twórczej jest już wykonana. Muszę tam być, aby włączyć przełącznik i dać im zachętę jako postać ojca, ale oni wykonują całą pracę. … Wszystko, co staram się zrobić, to ułatwić aktorowi pracę, ponieważ kiedy zaczynasz kręcić, to aktor jest artystą. … Muszę dać im pewność siebie i zobaczyć, że mają pewną ochronę, aby mogli być kreatywni. … Pozwalam im robić to, po co w pierwszej kolejności zostali aktorami: tworzyć.

Carol Burnett pamięta, jak Altman przyznał, że wiele pomysłów w jego filmach pochodziło od aktorów. „Nigdy nie słyszy się, żeby reżyser tak mówił. To była naprawdę zdumiewająca rzecz”, powiedziała: 328 Inni, tacy jak Jennifer Jason Leigh, stali się twórcami:

Inspirował cię z czystej konieczności do wymyślania rzeczy, do których nie wiedziałeś, że jesteś zdolny, które nie wiedziałeś, że masz w sobie. Był tak autentycznie złośliwy i tak cholernie zabawny. 435

Lubił pracować z wieloma tymi samymi wykonawcami, w tym z Shelley Duvall i Bertem Remsenem (Jeff Goldblum, Lily Tomlin, Lyle Lovett, Henry Gibson, David Arkin i John Schuck (Tim Robbins, Carol Burnett, Belita Moreno, Richard E. Grant, Geraldine Chaplin, Craig Richard Nelson, Sally Kellerman i Keith Carradine (po 3 filmy). Krin Gabbard dodaje, że Altman lubił korzystać z aktorów, „którzy rozkwitają jako improwizatorzy”, takich jak Elliott Gould, który wystąpił w trzech jego filmach, MASH, The Long Goodbye i California Split. Gould wspomina, że podczas kręcenia MASH, swojej pierwszej pracy aktorskiej z Altmanem, on i jego partner Donald Sutherland nie sądzili, że Altman wie, co robi. Po latach napisał: „Myślę, że z perspektywy czasu Donald i ja byliśmy dwoma elitarnymi, aroganckimi aktorami, którzy naprawdę nie rozumieli geniuszu Altmana”:  174 Inni z obsady natychmiast docenili styl reżyserski Altmana. René Auberjonois wyjaśnia:

Myśleliśmy, że tak właśnie wyglądają filmy. Że są tak radosnym doświadczeniem. Jeśli miałeś jakąkolwiek karierę, szybko zauważyłeś, że większość reżyserów nie ufa aktorom, nie chce widzieć ich gry. To była różnica z Bobem Altmanem. Kochał aktorów i chciał widzieć, jak grają..:  175

W przeciwieństwie do telewizji i tradycyjnych filmów, Altman unikał również „konwencjonalnego opowiadania historii” i wybierał pokazywanie „ruchliwego zamieszania prawdziwego życia”, zauważa Albert Lindauer. Wśród różnych technik mających na celu osiągnięcie tego efektu, jego filmy często zawierają „obfitość dźwięków i obrazów, przez ogromne obsady lub zwariowane postacie, wielokrotne wątki lub brak wątków w ogóle, … i poleganie na improwizacji.” Kilka miesięcy przed śmiercią Altman próbował podsumować motywy stojące za jego stylem filmowania:

Zrównuję tę pracę bardziej z malarstwem niż z teatrem czy literaturą. Historie mnie nie interesują. W zasadzie bardziej interesują mnie zachowania. Nie reżyseruję, tylko oglądam. Muszę być zachwycony, jeśli oczekuję, że widzowie będą zachwyceni. Ponieważ to, co naprawdę chcę zobaczyć od aktora, to coś, czego nigdy wcześniej nie widziałem, więc nie mogę im powiedzieć, co to jest. Staram się zachęcać aktorów, żeby nie brali udziału w rozmowach na zmianę. Aby zajmowali się rozmową jako rozmową. Myślę, że na tym polega ta praca. To stworzenie strefy komfortu, żeby aktor mógł wyjść poza to, co wydawało mu się, że może zrobić: 8

Przeczytaj także: biografie-pl – William Bryan

Techniki dźwiękowe

Altman był jednym z niewielu filmowców, którzy „zwracali pełną uwagę na możliwości dźwięku” podczas filmowania. Starał się odwzorować naturalne dźwięki rozmów, nawet przy dużej obsadzie, podłączając ukryte mikrofony do aktorów, a następnie nagrywając ich rozmowy nad sobą z wieloma ścieżkami dźwiękowymi. Podczas kręcenia filmu nosił zestaw słuchawkowy, aby zapewnić, że ważne dialogi będą słyszalne, bez ich podkreślania. W ten sposób uzyskano „gęste doświadczenie dźwiękowe” dla widzów, pozwalające im usłyszeć wiele urywków dialogu, tak jakby podsłuchiwali różne prywatne rozmowy. Altman uznał, że choć duże obsady szkodzą filmowi komercyjnie, „lubię widzieć, jak dużo się dzieje”.

Altman po raz pierwszy zastosował nakładające się na siebie ścieżki dźwiękowe w MASH (1970), technikę dźwiękową, którą autor filmów Michael Barson opisuje jako „zapierającą dech w piersiach innowację w tamtym czasie”. Opracował ją, jak powiedział Altman, aby zmusić widzów do zwrócenia uwagi i zaangażowania się w film, jakby byli jego aktywnym uczestnikiem. Według niektórych krytyków, jedno z bardziej ekstremalnych zastosowań tej techniki znajduje się w McCabe i pani Miller (1971), również uważanym za jeden z jego najlepszych filmów.

Historyk filmu

Przeczytaj także: biografie-pl – Charles Bukowski

Obsada zespołowa

Nakładające się na siebie dialogi dużych grup aktorów dodają filmom Altmana złożoności, przez co przy pierwszym obejrzeniu często krytykowano je jako chaotyczne lub rozłączne. Niektórzy z jego krytyków zmienili zdanie po ponownym obejrzeniu. Brytyjski krytyk filmowy David Thomson wystawił Nashville (1975) złą recenzję po pierwszym obejrzeniu, ale później napisał: „Ale powrót do Nashville i niektórych wcześniejszych filmów, … skłonił mnie do refleksji: Pozostaje enigmatyczne, jak zorganizowane lub celowe jest Nashville …. Mozaika, czyli mieszanka, pozwala na wolność i ludzką idiosynkrazję, którą Renoir mógł podziwiać.” Podczas realizacji filmu aktorzy byli zainspirowani, a współgwiazda Ronee Blakley była przekonana o ostatecznym sukcesie filmu:

Tak, myślałem, że to będzie wspaniałe, cała praca była tak dobra, każdy aktor był natchniony, a zespół Altmana był intensywnie kompetentny, a on był tym rzadkim rodzajem geniusza, który wie, co działa, a co nie w momencie, w którym to się dzieje.

Thomson uznał później te aspekty za część stylu Altmana, począwszy od MASH (1970): „MASH zaczął rozwijać kluczowy dla Altmana styl nakładających się na siebie, rozmytych dźwięków i obrazów tak śliskich od powiększeń, że nie było poczucia kompozycji. To właśnie sprawia, że Nashville jest tak absorbujące”. Altman wyjaśnił, że dla niego takie nakładające się na siebie dialogi w jego filmach były bliższe rzeczywistości, zwłaszcza w przypadku dużych grup: „Jeśli masz czternaście osób przy stole obiadowym, wydaje mi się dość mało prawdopodobne, że tylko dwie z nich będą rozmawiać”. Pauline Kael pisze, że Altman, „mistrz dużych zespołów, luźnej akcji i nakładających się głosów, pokazuje, że (…) potrafi zrobić filmowe fajerwerki z prawie niczego”.

Przeczytaj także: biografie-pl – Gabriel Fahrenheit

Fotografia

Charakterystyczny styl reżyserski Altmana przeniósł się na jego preferencje dotyczące pracy kamery. Wśród nich znalazło się zastosowanie kompozycji panoramicznych, mających na celu uchwycenie wielu osób lub czynności rozgrywających się na ekranie w tym samym czasie. W niektórych filmach, takich jak McCabe i pani Miller, stworzył wraz z operatorem Vilmosem Zsigmondem potężną atmosferę wizualną, np. sceny z użyciem płynnej kamery, obiektywów typu zoom, czy efekt zadymienia przy użyciu specjalnych filtrów przeciwmgielnych. Reżyser Stanley Kubrick powiedział Altmanowi, że „praca kamery była wspaniała” i zapytał: „Jak to zrobiłeś?”.

W Nashville Altman używał scenografii o zauważalnych kolorach czerwieni, bieli i błękitu. W Długim pożegnaniu nalegał, by Zsigmond utrzymał kamerę w ruchu, montując ją do poruszających się obiektów. Zsigmond twierdzi, że Altman „chciał zrobić coś innego” w tym filmie i powiedział mu, że „chce, żeby kamera się ruszała – cały czas. W górę, w dół. Do środka i na zewnątrz. Z boku na bok.” Autor zdjęć Roger Deakins, omawiając wykorzystanie obiektywów zmiennoogniskowych, powiedział: „Uważam, że kręcenie filmu z obiektywem zmiennoogniskowym byłoby dość ekscytujące, gdyby chodziło o ten obserwacyjny, wędrujący rodzaj spojrzenia, z którego znany był Robert Altman. Umieszczał kamerę na wysięgniku, unosił się nad sceną i wybierał ujęcia w miarę upływu czasu – całkiem niezły sposób pracy.”

Zsigmond wspomina też, że praca z Altmanem była zabawą:

Lubiliśmy raczej robić rzeczy „improv”. Altman jest wielkim improwizatorem. W ciągu pierwszych kilku dni zdjęć „tworzył” różne podejścia na poczekaniu. Pokazywał mi, jak chciał, żeby kamera się poruszała – zawsze się poruszała. Co było zabawne. Aktorzy to uwielbiali, a ja zawsze miałem wyzwanie, żeby znaleźć sposób na nakręcenie tego, co Altman wymyślił.

Zdjęcia Vilmosa Zsigmonda do filmu „McCabe i pani Miller” otrzymały nominację do nagród Brytyjskiej Akademii Filmowej.

Przeczytaj także: historia-pl – Wojny wandejskie

Wyniki muzyczne

Altman był znany z tego, że używając muzyki w swoich filmach był bardzo selektywny, często wybierając muzykę, którą osobiście lubił. Reżyser Paul Thomas Anderson, który z nim pracował, zauważa, że „wykorzystanie muzyki przez Altmana jest zawsze ważne”, dodając: „Bob kochał swoją muzykę, prawda? Mój Boże, on kochał swoją muzykę”. Ponieważ był „wielkim fanem” muzyki Leonarda Cohena, mówiąc na przykład, że „just get stoned and play that stuff” all the time wykorzystał trzy jego piosenki w McCabe and Mrs. Miller (1971), a kolejną do finałowej sceny w A Wedding (1978).

Do Nashville (1975), Altman zlecił napisanie wielu nowych piosenek muzyki country przez swoją obsadę, aby stworzyć realistyczną atmosferę. Włączył „nawiedzającą powtarzającą się melodię” w Długim pożegnaniu (1973), a do partytury Popeye (1980) zatrudnił Harry”ego Nilssona i Van Dyke Parksa:  347

Wielu ekspertów muzycznych pisało o wykorzystaniu muzyki przez Altmana, w tym Richard R. Ness, który napisał o partyturach do wielu filmów Altmana w artykule, uważanym za cenne źródło zrozumienia techniki filmowej Altmana. Podobnie, profesor kinoznawstwa Krin Gabbard napisał analizę wykorzystania przez Altmana muzyki jazzowej w Short Cuts (1993), zauważając, że niewielu krytyków rozważało „znaczenie muzyki” w filmie.

Jazz był również znaczący w Kansas City (1996). W tym filmie muzyka jest uważana za podstawę opowieści. Altman stwierdza, że „cały pomysł polegał na tym, żeby nie być zbyt konkretnym w kwestii historii”, ale żeby sam film był „raczej rodzajem jazzu”. Technika Altmana polegająca na uczynieniu tematu filmu formą muzyki, została uznana za „eksperyment, którego nikt wcześniej nie próbował”, przy czym Altman przyznaje, że była ryzykowna. „Nie wiedziałem, czy to zadziała. … Jeśli ludzie ”dostają to”, to naprawdę mają tendencję do lubienia tego.”

Do reżyserów, na których Altman wywarł wpływ, należą Paul Thomas Anderson, Wes Anderson, Judd Apatow, Richard Linklater, Alejandro González Iñárritu, Noah Baumbach, David Gordon Green, bracia Safdie, Harmony Korine i Michael Winterbottom.

jako dyrektor

Altman otrzymał wiele nagród i nominacji, w tym siedem nominacji do Oscara, zdobywając honorowego Oscara w 2006 roku. Otrzymał siedem nominacji do nagród Brytyjskiej Akademii Filmowej, dwukrotnie wygrywając za filmy Gracz (1992) i Gosford Park (2001). Otrzymał nagrodę Primetime Emmy Award za wybitną reżyserię serialu dramatycznego za film „Tanner ”88″ (1988). Otrzymał także pięć nominacji do Złotego Globu, zdobywając nagrodę dla najlepszego reżysera za film „Gosford Park”. Otrzymał również wiele nagród na festiwalach filmowych, w tym prestiżową Złotą Palmę na Festiwalu Filmowym w Cannes za film „M*A*S*H” oraz nagrodę na Festiwalu Filmowym w Cannes dla najlepszego reżysera za film „Gracz”. Otrzymał również Złotego Niedźwiedzia na Międzynarodowym Festiwalu Filmowym w Berlinie oraz Złotego Lwa na Festiwalu Filmowym w Wenecji. W 1994 roku otrzymał nagrodę Amerykańskiej Gildii Reżyserów Filmowych za całokształt twórczości.

Przeczytaj także: biografie-pl – Élisabeth Vigée-Lebrun

Rodzina

Altman był trzykrotnie żonaty: Jego pierwszą żoną była LaVonne Elmer. Byli małżeństwem od 1947 do 1949 roku i mieli córkę Christine. Jego drugą żoną była Lotus Corelli. Byli małżeństwem od 1950 do 1955 roku i mieli dwóch synów, Michaela i Stephena. W wieku czternastu lat Michael napisał tekst do „Suicide Is Painless”, piosenki przewodniej do filmu Altmana, MASH. Stephen jest scenografem, który często pracował z ojcem. Trzecią żoną Altmana była Kathryn Reed. Byli małżeństwem od 1957 roku do jego śmierci w 2006 roku. Mieli dwóch synów, Roberta i Matthew. Altman został ojczymem dla Konni Reed, gdy poślubił Kathryn.

Zmarła w 2016 roku Kathryn Altman była współautorką książki o Altmanie, która ukazała się w 2014 roku. Pełniła funkcję konsultanta i narratora filmu dokumentalnego Altman z 2014 roku, a także przemawiała na wielu retrospektywnych pokazach filmów męża.

Przeczytaj także: historia-pl – Średniowieczne optimum klimatyczne

Domy

W latach 60. Altman przez lata mieszkał w Mandeville Canyon w Brentwood w Kalifornii. Przez całe lata 70. rezydował w Malibu, ale w 1981 roku sprzedał ten dom i firmę produkcyjną Lion”s Gate. „Nie miałem wyboru”, powiedział The New York Times. „Nikt nie odbierał telefonów” po klapie Popeye”a. Przeniósł swoją rodzinę i siedzibę firmy do Nowego Jorku, ale ostatecznie przeniósł się z powrotem do Malibu, gdzie mieszkał aż do śmierci.

Przeczytaj także: biografie-pl – Wanli

Poglądy polityczne

W listopadzie 2000 roku Altman twierdził, że przeprowadzi się do Paryża, jeśli George W. Bush zostanie wybrany, ale zażartował, że miał na myśli Paryż w Teksasie, kiedy to się stało. Zauważył, że „stan będzie lepszy, jeśli on (Bush) będzie poza nim”. Altman był jawnym użytkownikiem marihuany i służył jako członek rady doradczej NORML. Był również ateistą i aktywistą antywojennym. Był jedną z wielu osób publicznych, w tym lingwisty Noama Chomsky”ego i aktorki Susan Sarandon, które podpisały deklarację „Not in Our Name” sprzeciwiającą się inwazji na Irak w 2003 roku. Julian Fellowes uważa, że antywojenna i antybushowska postawa Altmana kosztowała go utratę Oscara dla najlepszego reżysera za Gosford Park. 478

Altman gardził serialem telewizyjnym M*A*S*H, który powstał po jego filmie z 1970 roku, uznając go za antytezę tego, o czym był jego film, a jego antywojenne przesłanie za „rasistowskie”. W komentarzu do MASH na DVD z 2001 roku jasno przedstawił powody, dla których nie aprobował serialu.

Altman zmarł na białaczkę w Cedars-Sinai Medical Center w Los Angeles 20 listopada 2006 roku, w wieku 81 lat.

Kolega Paul Thomas Anderson zadedykował Altmanowi swój film z 2007 roku There Will Be Blood. Anderson pracował jako rezerwowy reżyser przy filmie A Prairie Home Companion w celach ubezpieczeniowych na wypadek, gdyby schorowany 80-letni Altman nie mógł dokończyć zdjęć.

Podczas uroczystego hołdu dla Altmana kilka miesięcy po jego śmierci, został on opisany jako „pasjonat filmowy” i autor, który odrzucił konwencję, tworząc to, co reżyser Alan Rudolph nazwał „altmanowskim” stylem filmów. Preferował duże obsady aktorskie, naturalne nakładające się na siebie rozmowy, zachęcał swoich aktorów do improwizacji i wyrażania wrodzonej kreatywności, ale bez strachu przed porażką. Lily Tomlin porównała go do „wielkiego łagodnego patriarchy, który zawsze zwracał uwagę na ciebie jako aktora”, dodając, że „przy nim nie boisz się ryzykować”.

Wiele z jego filmów opisywanych jest jako „kwaśne satyry i kontrkulturowe studia charakterów, które na nowo zdefiniowały i ożywiły współczesne kino.” Chociaż jego filmy obejmowały większość gatunków filmowych, takich jak westerny, musicale, filmy wojenne czy komedie, był uważany za „antygatunek”, a jego filmy były „szczerze wywrotowe”. Znany był z tego, że nienawidził „foniczności”, którą widział w większości filmów głównego nurtu i „chciał je eksplodować” poprzez satyrę.

Aktor Tim Robbins, który zagrał w wielu filmach Altmana, opisuje niektóre z unikalnych aspektów jego metody reżyserskiej:

Na swoich planach filmowych stworzył niepowtarzalny i wspaniały świat, … gdzie złośliwy tata uwalniał „dziecięcych aktorów” do zabawy. Gdzie wyobraźnia była zachęcana, pielęgnowana, wyśmiewana, obejmowana i Altman-izowana. Słodka anarchia, której wielu z nas nie czuło od czasów szkolnych, uwolniona przez dzikie serce Boba.

Osobiste archiwum Altmana znajduje się na Uniwersytecie Michigan i obejmuje około 900 pudełek z osobistymi dokumentami, scenariuszami, dokumentami prawnymi, biznesowymi i finansowymi, zdjęciami, rekwizytami i innymi materiałami. Altman nakręcił na uniwersytecie Tajny honor, a także wyreżyserował tam kilka oper.

Od 2009 roku nagroda Roberta Altmana przyznawana jest reżyserowi, reżyserowi castingu oraz zespołowej obsadzie filmów na corocznym rozdaniu nagród Independent Spirit.

W 2014 roku ukazał się pełnometrażowy film dokumentalny Altman, który przygląda się jego życiu i twórczości za pomocą klipów filmowych i wywiadów.

Źródła

1. Robert Altman
2. Robert Altman
3. ^ Powerfully realized study of Vincent van Gogh and his brother Theo marks a return to the mainstream arena for director Robert Altman. Brilliantly acted, splendid film fare should be welcomed in specialty houses and beyond.[17]
4. ^ When The Player came out in 1992, it was greeted as a welcome comeback for director Robert Altman, who spent much of the previous decade working small—making filmed plays instead of the ambitious, character-heavy genre reinventions he”d been known for in the 1970s. But Altman actually reclaimed his „critics” darling” status two years earlier with Vincent & Theo, a luminous biopic about painter Vincent Van Gogh (played by Tim Roth) and his art-dealer brother (Paul Rhys).[18]
5. (en) « Robert Altman | Biography, Movies, & Facts », sur Encyclopedia Britannica (consulté le 14 mars 2019)
6. 1 2 The Religious Affiliation of Robert Altman (неопр.). Adherents.com (28 июля 2005). Дата обращения: 22 ноября 2006. Архивировано из оригинала 4 февраля 2006 года.
7. Butler, Robert W.. Finally, An Attitude Adjustment: Hollywood”s Establishment Now Embraces Rebel Director Altman (5 марта 2006), С. 5.
8. «Interview: Robert Altman» Архивная копия от 13 ноября 2019 на Wayback Machine, The Guardian
9. Director Robert Altman dead at 81. (Memento vom 21. Dezember 2006 im Internet Archive) CNN, 22. November 2006.