Robert Rauschenberg
gigatos | 6 lutego, 2022
Streszczenie
Milton Ernest „Robert” Rauschenberg (22 października 1925 – 12 maja 2008) był amerykańskim malarzem i grafikiem, którego wczesne prace antycypowały ruch pop-artu. Rauschenberg jest dobrze znany ze swoich Combines (1954-1964), grupy dzieł sztuki, które wykorzystywały przedmioty codziennego użytku jako materiały artystyczne i które zacierały różnice między malarstwem a rzeźbą. Rauschenberg był zarówno malarzem, jak i rzeźbiarzem, ale zajmował się także fotografią, grafiką, papieroplastyką i performance.
Rauschenberg otrzymał wiele nagród podczas swojej prawie 60-letniej kariery artystycznej. Do najważniejszych z nich należy Międzynarodowa Wielka Nagroda w dziedzinie malarstwa na 32. Biennale w Wenecji w 1964 roku oraz National Medal of Arts w 1993 roku.
Rauschenberg mieszkał i tworzył w Nowym Jorku oraz na wyspie Captiva na Florydzie, aż do śmierci 12 maja 2008 roku.
Rauschenberg urodził się jako Milton Ernest Rauschenberg w Port Arthur w Teksasie, syn Dory Caroliny (z domu Matson) i Ernesta R. Rauschenberga. Jego ojciec był z pochodzenia Niemcem i Czirokezem, a matka z pochodzenia Holenderką. Jego ojciec pracował w Gulf States Utilities, firmie zajmującej się oświetleniem i energią. Jego rodzice byli fundamentalistycznymi chrześcijanami. Miał młodszą siostrę Janet Begneaud.
W wieku 18 lat Rauschenberg został przyjęty na Uniwersytet Teksański w Austin, gdzie zaczął studiować farmakologię, ale wkrótce potem zrezygnował z powodu trudności zajęć – nie zdając sobie sprawy z tego, że jest dyslektykiem – oraz z powodu niechęci do przeprowadzenia sekcji żaby na lekcji biologii. W 1944 roku został wcielony do Marynarki Wojennej Stanów Zjednoczonych. W Kalifornii służył jako technik neuropsychiatryczny w szpitalu Marynarki Wojennej aż do zwolnienia w 1945 lub 1946 roku.
Rauschenberg studiował następnie w Kansas City Art Institute oraz w Académie Julian w Paryżu, gdzie poznał Susan Weil, koleżankę ze studiów. W 1948 roku Rauschenberg dołączył do Weil, zapisując się do Black Mountain College w Północnej Karolinie.
W Black Mountain Rauschenberg poszukał Josefa Albersa, założyciela Bauhausu w Niemczech, o którym przeczytał w sierpniowym numerze magazynu Time z 1948 roku. Miał nadzieję, że rygorystyczne metody nauczania Albersa okiełznają jego nawykowe niechlujstwo. Wstępne kursy projektowania Albersa opierały się na ścisłej dyscyplinie, która nie pozwalała na żadne „nieoparte na wpływach eksperymenty”.
Rauschenberg stał się, według własnych słów, „Albersowskim oszołomem, wybitnym przykładem tego, o czym on nie mówił”. Chociaż Rauschenberg uważał Albersa za swojego najważniejszego nauczyciela, bardziej kompatybilną wrażliwość znalazł u Johna Cage”a, uznanego kompozytora muzyki awangardowej. Podobnie jak Rauschenberg, Cage odszedł od dyscyplinarnych nauk swojego instruktora, Arnolda Schönberga, na rzecz bardziej eksperymentalnego podejścia do muzyki. Cage zapewnił Rauschenbergowi bardzo potrzebne wsparcie i zachętę we wczesnych latach jego kariery, a obaj pozostali przyjaciółmi i artystycznymi współpracownikami przez kolejne dekady.
W latach 1949-1952 Rauschenberg studiował u Vaclava Vytlacila i Morrisa Kantora w Art Students League w Nowym Jorku, gdzie poznał kolegów artystów Knoxa Martina i Cy Twombly”ego.
Rauschenberg ożenił się z Susan Weil latem 1950 roku w domu rodzinnym Weil w Outer Island, Connecticut. Ich jedyne dziecko, Christopher, urodziło się 16 lipca 1951 roku. Rozstali się w czerwcu 1952 roku i rozwiedli w 1953 roku. Później Rauschenberg utrzymywał romantyczne związki m.in. z Cy Twombly i Jasperem Johnsem. Jego partnerem przez ostatnie 25 lat życia był artysta Darryl Pottorf,
W latach 70. zamieszkał w NoHo na Manhattanie w Nowym Jorku.
Rauschenberg zakupił Beach House, swoją pierwszą posiadłość na wyspie Captiva, 26 lipca 1968 roku. Nieruchomość ta stała się jednak jego stałym miejscem zamieszkania dopiero jesienią 1970 roku.
Rauschenberg zmarł na niewydolność serca 12 maja 2008 roku na wyspie Captiva na Florydzie.
Podejście Rauschenberga było czasem nazywane „neodadaistycznym”, którą to etykietę dzielił z malarzem Jasperem Johnsem. Rauschenberg słynnie stwierdził, że „malarstwo odnosi się zarówno do sztuki, jak i do życia” i chciał pracować „w szczelinie pomiędzy nimi”. Podobnie jak wielu jego dadaistycznych poprzedników, Rauschenberg zakwestionował rozróżnienie pomiędzy obiektami sztuki a przedmiotami codziennego użytku, a jego użycie materiałów readymade powtórzyło intelektualne kwestie poruszone przez Fontannę Marcela Duchampa (1917). Dadaistyczne wpływy Duchampa można również zaobserwować w obrazach Jaspera Johnsa przedstawiających cele, cyfry i flagi, które były znajomymi symbolami kulturowymi: „rzeczy, które umysł już zna”.
W Black Mountain College, Rauschenberg eksperymentował z różnymi artystycznymi mediami, w tym grafiką, rysunkiem, fotografią, malarstwem, rzeźbą i teatrem; jego prace często zawierały jakąś ich kombinację. W Black Mountain stworzył swoje obrazy Night Blooming (1951), wciskając kamyki i żwir w czarny pigment na płótnie. W tym samym roku, we współpracy z Susan Weil, w swoim nowojorskim mieszkaniu wykonał plany całego ciała, które „mają nadzieję przekształcić w ekrany i tapety”.
Od jesieni 1952 do wiosny 1953 roku Rauschenberg podróżował po Włoszech i Afryce Północnej ze swoim kolegą i partnerem Cy Twombly. Tworzył tam kolaże i małe rzeźby, w tym Scatole Personali i Feticci Personali, z materiałów znalezionych. Wystawiał je w galeriach w Rzymie i Florencji. Ku zaskoczeniu Rauschenberga, wiele z tych prac zostało sprzedanych; wiele z tych, które nie zostały sprzedane, wrzucił do rzeki Arno, zgodnie z sugestią krytyka sztuki, który recenzował jego wystawę.
Po powrocie do Nowego Jorku w 1953 roku Rauschenberg zaczął tworzyć rzeźby ze znalezionych materiałów z okolicy Dolnego Manhattanu, takich jak złom, drewno i sznurek. Przez całe lata 50. Rauschenberg utrzymywał się z projektowania wystaw sklepowych dla Tiffany & Co. i Bonwit Teller, najpierw z Susan Weil, a później we współpracy z Jasperem Johnsem pod pseudonimem Matson Jones.
W słynnym incydencie z 1953 roku Rauschenberg zażądał rysunku od abstrakcyjno-ekspresjonistycznego malarza Willema de Kooninga, aby wymazać go w ramach artystycznej wypowiedzi. Ta konceptualna praca, zatytułowana Erased de Kooning Drawing, została wykonana za zgodą starszego artysty.
W 1961 roku Rauschenberg zastosował podobne podejście konceptualne, przedstawiając ideę jako samo dzieło sztuki. Został zaproszony do wzięcia udziału w wystawie w Galerie Iris Clert w Paryżu, gdzie artyści mieli przedstawić portrety Clert, właścicielki galerii. Zgłoszenie Rauschenberga składało się z telegramu, w którym deklarował: „To jest portret Iris Clert, jeśli tak twierdzę.”
Do 1962 roku obrazy Rauschenberga zaczęły zawierać nie tylko znalezione przedmioty, ale także znalezione obrazy. Po wizycie w studiu Andy”ego Warhola w tym samym roku, Rauschenberg zaczął używać procesu sitodruku, zwykle zarezerwowanego dla komercyjnych środków reprodukcji, do przenoszenia fotografii na płótno. Obrazy wykonane w latach 1962-1964 skłoniły krytyków do utożsamienia twórczości Rauschenberga z pop-artem.
Rauschenberg eksperymentował z technologią w swoich dziełach sztuki od czasu wykonania swoich wczesnych Combines w połowie lat 50-tych, gdzie czasami używał działających radioodbiorników, zegarów i wentylatorów elektrycznych jako materiałów rzeźbiarskich. Swoje zainteresowanie technologią zgłębiał później podczas współpracy z naukowcem z Bell Laboratories, Billym Klüverem. Razem zrealizowali niektóre z najbardziej ambitnych eksperymentów Rauschenberga opartych na technologii, takich jak Soundings (1968), instalacja świetlna, która reagowała na dźwięk otoczenia. W 1966 roku Klüver i Rauschenberg oficjalnie powołali do życia Experiments in Art and Technology (E.A.T.), organizację non-profit założoną w celu promowania współpracy pomiędzy artystami i inżynierami.
W 1969 roku NASA zaprosiła Rauschenberga, aby był świadkiem startu Apollo 11. W odpowiedzi na to przełomowe wydarzenie, Rauschenberg stworzył serię litografii Stoned Moon. Polegała ona na łączeniu diagramów i innych obrazów z archiwów NASA z jego własnymi rysunkami i odręcznym tekstem.
Od 1970 roku Rauschenberg pracował w swoim domu i studiu w Captiva na Florydzie. Pierwszymi pracami, które stworzył w swoim nowym studio były Cardboards (1971-72) i Early Egyptians (1973-74), w których wykorzystał lokalnie pozyskiwane materiały, takie jak karton i piasek. Podczas gdy jego poprzednie prace często podkreślały miejskie obrazy i materiały, Rauschenberg teraz preferował efekt naturalnych włókien znajdujących się w tkaninach i papierze. Drukował na tekstyliach techniką solvent-transferu, aby stworzyć prace Hoarfrost (te ostatnie zawierały duże połacie kolażu tkanin na panelach drewnianych. W cyklu Jammer (1975-76) Rauschenberg wykorzystał kolorowe tkaniny, zainspirowany podróżą do Ahmedabadu w Indiach, miasta słynącego z tekstyliów. Bezobrazowa prostota serii Jammer stanowi uderzający kontrast z wypełnionymi obrazami Hoarfrostami i ziarnistością jego najwcześniejszych prac wykonanych w Nowym Jorku.
Międzynarodowe podróże stały się centralną częścią procesu artystycznego Rauschenberga po 1975 roku. W 1984 roku Rauschenberg ogłosił w Organizacji Narodów Zjednoczonych rozpoczęcie projektu Rauschenberg Overseas Culture Interchange (ROCI). Projekt ROCI, niemal w całości finansowany przez artystę, składał się z siedmioletniej podróży do dziesięciu krajów świata. W każdym z nich Rauschenberg robił zdjęcia i tworzył dzieła sztuki inspirowane odwiedzanymi kulturami. Powstałe w ten sposób prace były prezentowane na lokalnej wystawie w każdym kraju. Rauschenberg często ofiarowywał dzieło sztuki lokalnej instytucji kulturalnej.
Począwszy od połowy lat 80. Rauschenberg skupił się na sitodruku na różnych metalach, takich jak stal i lustrzane aluminium. Stworzył wiele serii tak zwanych „obrazów metalowych”, w tym: Borealis (1988-92), Urban Bourbons (1988-1996), Phantoms (1991) i Night Shades (1991). Ponadto, w latach 90. Rauschenberg nadal wykorzystywał nowe materiały, pracując jednocześnie z bardziej rudymentarnymi technikami. W ramach swojego zaangażowania w najnowsze innowacje technologiczne, w późnych seriach obrazów przenosił cyfrowe, atramentowe obrazy fotograficzne na różne nośniki malarskie. W przypadku Arcadian Retreats (1996) przeniósł obrazy na mokry fresk. Zgodnie ze swoim zaangażowaniem w ochronę środowiska, Rauschenberg używał w procesie transferu biodegradowalnych barwników i pigmentów oraz wody, a nie chemikaliów.
Przeczytaj także: biografie-pl – Jarosław I Mądry
Białe obrazy, czarne obrazy i czerwone obrazy
W 1951 roku Rauschenberg stworzył serię Białych Obrazów w tradycji malarstwa monochromatycznego ustanowionej przez Kazimierza Malewicza, który zredukował malarstwo do jego najistotniejszych cech dla doświadczenia estetycznej czystości i nieskończoności. Białe Obrazy zostały pokazane w Eleanor Ward”s Stable Gallery w Nowym Jorku jesienią 1953 roku. Rauschenberg używał codziennej białej farby domowej i wałków malarskich do tworzenia gładkich, nieupiększonych powierzchni, które w pierwszej chwili wydają się być pustym płótnem. Zamiast jednak postrzegać je jako pozbawione treści, John Cage opisał Białe Obrazy jako „lotniska dla świateł, cieni i cząsteczek”; powierzchnie, które odzwierciedlały delikatne zmiany atmosferyczne w pomieszczeniu. Sam Rauschenberg mówił, że wpływ na nie miały warunki otoczenia, „tak że można niemal powiedzieć, ile osób znajduje się w pokoju. „Podobnie jak Białe Obrazy, czarne obrazy z lat 1951-1953 były wykonywane na wielu panelach i były w przeważającej mierze pracami jednokolorowymi. Rauschenberg nakładał matową i błyszczącą czarną farbę na fakturowane podłoże z gazety na płótnie, czasami pozwalając gazecie pozostać widoczną.
Do 1953 roku Rauschenberg przeszedł od serii Białych Obrazów i czarnych obrazów do wzmożonego ekspresjonizmu serii Czerwonych Obrazów. Uważał czerwień za „najtrudniejszy kolor”, którym można malować i podjął to wyzwanie, kapiąc, wklejając i wyciskając warstwy czerwonego pigmentu bezpośrednio na płótno, które zawierało wzorzystą tkaninę, gazetę, drewno i gwoździe. Złożone, materialne powierzchnie Czerwonych Obrazów były prekursorami znanej serii Combine Rauschenberga (1954-1964).
Przeczytaj także: historia-pl – Państwa centralne
Łączy
Rauschenberg zbierał porzucone przedmioty na ulicach Nowego Jorku i przynosił je do swojego studia, gdzie włączał je do swoich prac. Twierdził, że „chciał czegoś innego niż to, co mógłbym zrobić sam i chciałem wykorzystać niespodziankę, kolektywność i hojność w znajdowaniu niespodzianek. Tak więc obiekt sam w sobie został zmieniony przez swój kontekst i dlatego stał się nową rzeczą.”
Komentarz Rauschenberga dotyczący rozdźwięku między sztuką a życiem stanowi punkt wyjścia do zrozumienia jego wkładu jako artysty. Dostrzegał on potencjalne piękno w niemal wszystkim; powiedział kiedyś: „Naprawdę współczuję ludziom, którzy uważają, że takie rzeczy jak mydelniczki, lustra czy butelki po coli są brzydkie, ponieważ otaczają się takimi rzeczami przez cały dzień i musi ich to unieszczęśliwiać.” Jego seria Combine nadała przedmiotom codziennego użytku nowe znaczenie, wprowadzając je w kontekst sztuki pięknej obok tradycyjnych materiałów malarskich. Kombinezony zlikwidowały granice między sztuką a rzeźbą, tak że oba te elementy były obecne w jednym dziele sztuki. Chociaż „Combines” technicznie odnosi się do prac Rauschenberga z lat 1954-1964, Rauschenberg nadal wykorzystywał przedmioty codziennego użytku, takie jak ubrania, gazety, miejskie śmieci i karton, przez cały okres swojej kariery artystycznej.
Charlene (1954) i Collection (1954) były jego utworami przejściowymi, które doprowadziły do powstania Combines.
Krytycy początkowo postrzegali Kombinaty w kategoriach ich jakości formalnych: koloru, faktury i kompozycji. Formalistyczny pogląd z lat 60. został później obalony przez krytyka Leo Steinberga, który stwierdził, że każdy Kombinat był „powierzchnią receptorową, na której rozrzucone są przedmioty, na której wprowadzane są dane”. Według Steinberga horyzontalność tego, co nazwał „płaską płaszczyzną obrazu” Rauschenberga, zastąpiła tradycyjną wertykalność malarstwa, a następnie umożliwiła powstanie unikalnych, związanych z materiałem powierzchni prac Rauschenberga.
Przeczytaj także: biografie-pl – Aleksander Jagiellończyk
Spektakl i taniec
Rauschenberg zaczął odkrywać swoje zainteresowanie tańcem po przeprowadzce do Nowego Jorku na początku lat 50. Po raz pierwszy zetknął się z tańcem awangardowym i sztuką performance w Black Mountain College, gdzie uczestniczył w Theatre Piece No. 1 (1952) Johna Cage”a, często uważanym za pierwszy Happening. Zaczął projektować scenografię, oświetlenie i kostiumy dla Merce”a Cunninghama i Paula Taylora. Na początku lat 60. zaangażował się w radykalne eksperymenty taneczno-teatralne w Judson Memorial Church w Greenwich Village, a w maju 1963 roku stworzył choreografię do swojego pierwszego spektaklu, Pelican (1963), dla Judson Dance Theater. Rauschenberg przyjaźnił się z tancerzami związanymi z Cunninghamem, takimi jak Carolyn Brown, Viola Farber i Steve Paxton, z których wszyscy pojawiali się w jego choreografiach. Pełnoetatowy związek Rauschenberga z Merce Cunningham Dance Company zakończył się po światowym tournée w 1964 roku. W 1966 roku Rauschenberg stworzył spektakl Open Score w ramach 9 Evenings: Theatre and Engineering w 69th Regiment Armory w Nowym Jorku. Cykl ten przyczynił się do powstania Experiments in Art and Technology (E.A.T.).
W 1977 roku Rauschenberg, Cunningham i Cage po raz pierwszy od trzynastu lat spotkali się jako współpracownicy, by stworzyć Travelogue (1977), do którego Rauschenberg stworzył kostiumy i scenografię. Po 1967 roku Rauschenberg nie tworzył już własnych choreografii, ale przez resztę swojej kariery artystycznej współpracował z innymi choreografami, w tym z Trishą Brown.
Przeczytaj także: biografie-pl – Georges de La Tour
Prowizje
Przez cały okres swojej kariery Rauschenberg projektował liczne plakaty wspierające ważne dla niego sprawy. W 1965 roku, kiedy magazyn Life zlecił mu stworzenie wizualizacji współczesnego Inferno, nie wahał się dać upustu swojej wściekłości na wojnę w Wietnamie i inne współczesne problemy społeczno-polityczne, w tym przemoc na tle rasowym, neonazizm, zabójstwa polityczne i katastrofę ekologiczną.
30 grudnia 1979 roku Miami Herald wydrukował 650 000 egzemplarzy niedzielnego magazynu „Tropic” z okładką zaprojektowaną przez Rauschenberga. W 1983 roku zdobył nagrodę Grammy za projekt okładki do albumu Talking Heads Speaking in Tongues. W 1986 roku Rauschenberg otrzymał od BMW zlecenie na pomalowanie pełnowymiarowego BMW 635 CSi w ramach szóstej odsłony słynnego projektu BMW Art Car Project. Samochód Rauschenberga był pierwszym w tym projekcie, w którym znalazły się reprodukcje dzieł z Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku, a także jego własne fotografie.
W 1998 roku Watykan zamówił u Rauschenberga dzieło na cześć Jubileuszu Roku 2000, które miało być wystawione w Sali Liturgicznej Ojca Pio w San Giovanni Rotondo we Włoszech. Pracując wokół tematu Sądu Ostatecznego, Rauschenberg stworzył Szczęśliwą Apokalipsę (1999), dwadzieścia stóp długości makietę. Ostatecznie została ona odrzucona przez Watykan, który uznał, że przedstawianie przez Rauschenberga Boga jako anteny satelitarnej jest niewłaściwym odniesieniem teologicznym.
Rauschenberg miał swoją pierwszą indywidualną wystawę w Betty Parsons Gallery wiosną 1951 roku. W 1953 roku, podczas pobytu we Włoszech, został zauważony przez Irene Brin i Gaspero del Corso, którzy zorganizowali jego pierwszą europejską wystawę w swojej słynnej galerii w Rzymie. W 1953 roku Eleanor Ward zaprosiła Rauschenberga do udziału we wspólnej wystawie z Cy Twombly”m w Stable Gallery. Na swojej drugiej indywidualnej wystawie w Nowym Jorku w Charles Egan Gallery w 1954 roku, Rauschenberg zaprezentował swoje Red Paintings (1953-1953) i Combines (1954-1964). Leo Castelli zorganizował indywidualną wystawę Combines Rauschenberga w 1958 roku. Jedyną transakcją sprzedaży było nabycie przez samego Castellego Łóżka (1955), które obecnie znajduje się w kolekcji Museum of Modern Art w Nowym Jorku.
Pierwsza retrospektywa kariery Rauschenberga została zorganizowana przez Muzeum Żydowskie w Nowym Jorku w 1963 roku. W 1964 roku został jednym z pierwszych amerykańskich artystów, którzy zdobyli Międzynarodową Wielką Nagrodę w dziedzinie malarstwa na Biennale w Wenecji (Mark Tobey i James Whistler zdobyli wcześniej nagrody za malarstwo odpowiednio w 1895 i 1958 roku). W 1976 i 1978 w Stanach Zjednoczonych odbyła się retrospektywa jego twórczości, zorganizowana przez National Collection of Fine Arts (obecnie Smithsonian American Art Museum) w Waszyngtonie.
W latach 90. odbyła się retrospektywa w Solomon R. Guggenheim Museum w Nowym Jorku (1997), która do 1999 roku podróżowała do muzeów w Houston, Kolonii i Bilbao. Wystawa Combines była prezentowana w Metropolitan Museum of Art, Nowy Jork (podróżowała do Museum of Contemporary Art, Los Angeles, Centre Georges Pompidou, Paryż, Moderna Museet, Sztokholm, do 2007). Pierwsza pośmiertna retrospektywa Rauschenberga odbyła się w Tate Modern (podróżowała do Museum of Modern Art, Nowy Jork, i San Francisco Museum of Modern Art do 2017 roku).
Kolejne wystawy obejmują: Robert Rauschenberg: Jammers, Gagosian Gallery, Londyn ( A Visual Lexicon, Leo Castelli Gallery (Rauschenberg in China, Ullens Center for Contemporary Art, Beijing (oraz Rauschenberg: The 1
Rauschenberg mocno wierzył w siłę sztuki jako katalizatora zmian społecznych. Projekt Rauschenberg Overseas Culture Interchange (ROCI) rozpoczął się w 1984 roku jako próba zainicjowania międzynarodowego dialogu i zwiększenia zrozumienia kulturowego poprzez ekspresję artystyczną. Wystawa ROCI została zaprezentowana w National Gallery of Art, D.C., w 1991 roku, kończąc tournee po dziesięciu krajach: Meksyk, Chile, Wenezuela, Chiny, Tybet, Japonia, Kuba, ZSRR, Niemcy i Malezja.
W 1970 roku Rauschenberg stworzył program o nazwie Change, Inc., który miał na celu przyznawanie jednorazowych dotacji w wysokości do 1000 dolarów artystom wizualnym w oparciu o potrzeby finansowe. W 1990 roku Rauschenberg stworzył Fundację Roberta Rauschenberga (RRF), aby promować świadomość na temat spraw, na których mu zależało, takich jak pokój na świecie, środowisko i kwestie humanitarne. W 1986 roku Rauschenberg otrzymał nagrodę Złotej Płyty przyznawaną przez Amerykańską Akademię Osiągnięć. W 1993 roku prezydent Bill Clinton odznaczył go National Medal of Arts. W 2000 roku Rauschenberg został uhonorowany nagrodą amfAR Award of Excellence for Artistic Contributions to the Fight Against AIDS.
Obecnie RRF jest właścicielem wielu dzieł Rauschenberga z każdego okresu jego kariery. W 2011 roku fundacja we współpracy z Galerią Gagosian zaprezentowała wystawę The Private Collection of Robert Rauschenberg, na której zaprezentowano wybrane dzieła z osobistej kolekcji Rauschenberga. Dochód z wystawy pomógł sfinansować działalność filantropijną fundacji. Również w 2011 roku fundacja uruchomiła projekt „Artysta jako aktywista” i zaprosiła artystę Sheparda Faireya, aby skupił się na wybranej przez siebie kwestii. Wydane przez niego prace zostały sprzedane w celu zebrania funduszy dla Koalicji na rzecz Bezdomnych. Każdego roku RRF wspiera młodych artystów i organizacje artystyczne poprzez granty i współpracę filantropijną. RRF prowadzi kilka programów rezydencyjnych, które odbywają się w siedzibie fundacji w Nowym Jorku oraz w posiadłości zmarłego artysty na wyspie Captiva na Florydzie.
W 2013 roku Dale Eisinger z Complex umieścił Open Score (1966) na siódmym miejscu swojej listy największych dzieł sztuki performance wszech czasów.
W 2010 roku Studio Painting (1960-61), jeden z Combines Rauschenberga, pierwotnie szacowany na 6 do 9 milionów dolarów, został kupiony z kolekcji Michaela Crichtona za 11 milionów dolarów w Christie”s w Nowym Jorku. W 2019 roku Christie”s sprzedał sitodrukowy obraz Buffalo II (1964) za 88,8 mln dolarów, bijąc poprzedni rekord artysty.
Przeczytaj także: biografie-pl – Lucian Freud
Lobbing na rzecz tantiem odsprzedaży utworów przez artystów
Na początku lat 70. Rauschenberg lobbował w Kongresie Stanów Zjednoczonych, aby uchwalono ustawę, która rekompensowałaby artystom odsprzedaż ich prac na rynku wtórnym. Rauschenberg podjął walkę o honoraria dla artystów po tym, jak baron taksówkowy Robert Scull sprzedał część swojej kolekcji abstrakcyjnych ekspresjonistów i dzieł pop-artu za 2,2 miliona dolarów. Scull pierwotnie kupił obrazy Rauschenberga Odwilż (mniej więcej dekadę później Scull sprzedał te prace za 85 000 i 90 000 dolarów na aukcji w Sotheby Parke Bernet w Nowym Jorku w 1973 roku.
Wysiłki lobbingowe Rauschenberga zostały nagrodzone w 1976 roku, kiedy to gubernator Kalifornii Jerry Brown podpisał ustawę California Resale Royalty Act of 1976. Po zwycięstwie w Kalifornii artysta nadal dążył do wprowadzenia ogólnokrajowego ustawodawstwa dotyczącego honorariów odsprzedaży.
Źródła
