Simone Martini
gigatos | 13 lutego, 2022
Streszczenie
Simone Martini (Siena, ok. 1284 – Awinion, 1344) był włoskim malarzem i jedną z największych postaci średniowiecznego malarstwa sieneńskiego. Przez całe życie otrzymywał zlecenia z najwyższych kręgów, był pierwszym „nadwornym artystą” w Sienie na Sobór Dziewięciu, namalował serię fresków w najważniejszym kościele franciszkanów w Asyżu, otrzymał zlecenie od Królestwa Neapolu, a później pracował na dworze papieskim. Z lokalnego malarza stał się artystą o międzynarodowej sławie. On i krąg jego uczniów przekazali ważne wzorce malarskie, które były wykorzystywane przez wielu innych artystów europejskich i całe szkoły malarskie.
Niewiele wiadomo o życiu i osobowości Simone Martiniego. Giorgio Vasari w swojej książce „Najwybitniejsi malarze, rzeźbiarze i architekci” opisał historię jej życia wraz z historią kilku innych toskańskich malarzy, ale informacje zawarte w książce są niedokładne. Vasari nie znał nawet dokładnie jego nazwiska, nazywając go Simone Memmi, myląc go z jego szwagrem Lippo Memmi. Urodził się w Sienie lub niedaleko tego miasta około 1284 roku. Jego ojciec pracował jako pomocnik malarzy, pomagając w przygotowaniu fresków. Prawdopodobnie studiował w warsztacie Duccio di Buoninsegna i stał się uznanym artystą przed 1315 rokiem. W latach 1312-1315 wykonał rysunki do witraży w kaplicy św. Marcina w bazylice św. Franciszka w Asyżu. W 1315 r. namalował Maesta w sali rady Palazzo Pubblico (ratusz) w Sienie, a następnie pracował nad freskami w kaplicy św. Marcina w Asyżu. Jego sława szybko rosła i w 1317 r., wkrótce po trzydziestych urodzinach, został zaproszony na dwór Andegawenów w Neapolu, gdzie otrzymał roczne stypendium i został pasowany na rycerza. Świadczy o tym polecenie wypłaty z 23 lipca 1317 r., gdzie jest on określony jako rycerz, a nie malarz. Pod koniec pierwszego i na początku drugiego dziesięciolecia XIV wieku stworzył szereg obrazów panelowych, ale tylko dwa z nich mogą być datowane, z których najważniejszy jest sygnowany obraz dla kościoła św. Katarzyny Aleksandryjskiej w Pizie, namalowany w 1319 roku, a drugi to ołtarz obecnie w Orvieto, z 1320 roku. Nie zachowały się żadne inne prace z tych lat, więc wobec braku źródeł nie można określić, które z wielu dzieł były jego autorstwa, a które zostały wykonane przez jego asystentów. W drugiej dekadzie XIV wieku miał już w swoim warsztacie wielu naśladowców. Z nazwiska znani są tylko jego brat Donato oraz późniejsi szwagrowie Lippo i Federico Memmi. W latach dwudziestych XIII w. otrzymał w Sienie liczne zlecenia, o czym świadczą zachowane dokumenty, mówiące na ogół o sumach wypłacanych artyście. W 1321 r. musiał przemalować część Maesta, a w 1322 i 1323 r. otrzymał kilka zleceń na dekorację Palazzo Pubblico. Prace te uległy zniszczeniu, a na podstawie dokumentów nie można ustalić, jakie to były zlecenia. W 1324 r. ożenił się z córką Memmo di Filippuccio, Giovanną. Malarz był już wtedy zamożnym człowiekiem, a na krótko przed ślubem kupił dom i podarował żonie w prezencie ślubnym 240 złotych monet. Wchodząc w związek małżeński z rodziną Memmo, zbliżył się jeszcze bardziej do Lippo Memmo, a relacja ta trwała do końca jego życia. Augustyna w Sienie oraz przeznaczony do prywatnej adoracji obraz św. Łazarza, króla węgierskiego, powstały prawdopodobnie w latach dwudziestych XIII wieku. W 1326 r. namalował panel dla Palazzo del Capitano del Popolo. Było to znaczące dzieło, o czym może świadczyć znaczna suma, jaką zapłacono za nie artyście, ale brak jest innych informacji na ten temat. W następnym roku namalował dwie flagi, które zostały podarowane Republice Sieny]]. Król Robert z Neapolu podarował ją swojemu synowi, księciu Karolowi z Kalabrii. W 1329 lub 1330 roku namalował dwa anioły dla Palazzo Pubblico i tam też namalował portret Marco Regoli, straconego później za zdradę stanu. Również te freski znane są tylko z przekazów źródłowych. Najpopularniejsze dzieło Martiniego, portret Guidoriccio da Folignano, powstał również w 1330 roku. W 1333 r. namalował dla katedry w Sienie Pozdrowienie Anielskie, ostatnie znane dzieło przed wyjazdem do Awinionu. Sztuka sieneńska rozpowszechniła się również poprzez miniatury. Przypisuje mu się autorstwo pięknie ilustrowanego mszału znajdującego się w bibliotece watykańskiej, a także dużej akwareli i miniatury z rozcieńczonej tempery, którą namalował do kodeksu należącego do Petrarki (obecnie w Biblioteca Ambrosiana w Mediolanie). Z jego dzieł powstałych w czasie pobytu w Awinionie zachowało się jedynie kilka fragmentów fresków w kościele Notre-Dame-des-Doms, przedstawienie Świętej Rodziny w Walker Art Gallery w Liverpoolu (1342) oraz fragmenty wieloczęściowego ołtarza w Antwerpii, Paryżu i Berlinie. Simone Martini zmarł w Awinionie latem 1344 roku. Nie miał własnych dzieci, więc w testamencie podzielił swój majątek (dwa domy, winnice i sporą sumę pieniędzy) między żonę, dwie siostrzenice Francescę i Giovannę oraz dzieci brata Donato. Jego żona prawdopodobnie wróciła do Sieny w 1347 r., aby uciec przed zarazą.
Simone Martini był naśladowcą Duccio di Buoninsegna i prawdopodobnie w jego środowisku uczył się sztuki malarskiej. Znał też innowacje Giotta, ale świadomie nie chciał z nich korzystać. Bliska mu była francuska sztuka gotycka, której eleganckie linie rozpoznawalne są w jego pracach. Dzięki niemu szkoła sieneńska cieszyła się przez krótki czas sławą większą niż florencka. Pracował w Asyżu, Neapolu, Rzymie i w Pałacu Papieskim w Awinionie. Poza oficjalnymi zleceniami Republiki niewiele pracował w Sienie, a dużo więcej dla Anjou z Neapolu. Dzięki jego pracy w Awinionie cechy malarstwa sieneńskiego, z jego kompozycją i kolorystyką w stylu bizantyjskim oraz zachodnią linią gotycką, rozprzestrzeniły się najpierw na Francję, a później na inne części Europy. Styl ten może być postrzegany jako bezpośredni prekursor międzynarodowego gotyku. Oprócz fresków, stworzył również wiele obrazów panelowych, a te łatwe do przenoszenia drewniane panele były głównym czynnikiem w rozprzestrzenianiu się jego reputacji na dużych obszarach i późniejszej popularyzacji stylu sieneńskiego w całej Europie. Często stosował złote tła, na które nie miały wpływu nowe osiągnięcia w dziedzinie reprezentacji przestrzennej. W wielu przypadkach używał metalowego narzędzia z wygrawerowanym końcem do drukowania motywów kwiatowych i innych motywów dekoracyjnych na złotym tle, zaznaczając ramy, chwały lub obszycia odzieży. To właśnie w twórczości Simone Martiniego po raz pierwszy obserwujemy indywidualistyczną reprezentację jego portretów w malarstwie średniowiecznym. Przykładem tego jest portret z profilu króla Roberta z Neapolu lub postać kardynała Gentile da Montefiore w kaplicy św.
Simone Martini prawdopodobnie stworzył swoje pierwsze dzieła w Sienie na początku XIV wieku. Jego najwcześniejszym znanym dziełem jest Madonna z Dzieciątkiem, która znajduje się w Galerii Obrazów w Sienie (nr 583). Był on centralnym punktem wieloczęściowego obrazu panelowego, na co wskazują otwory wywiercone w ramie. Madonna jest zwrócona twarzą do widza, ma wyprostowaną postawę, a płaszcz szczelnie okrywa jej ciało. Cechy te można przypisać sztuce Duccio, ale w obrazie widoczne są także innowacje Martiniego, takie jak charakterystyczny kształt chusty okrywającej głowę Madonny, światła i cienie na ubraniach postaci, ruch Dzieciątka, które odwraca się, by stanąć twarzą w twarz ze świętym (obecnie zaginionym) po prawej stronie, jej kręcone włosy i doskonale wyrzeźbione uszy. Inne z jego wczesnych dzieł zostało odkryte w kościele San Lorenzo in Ponte w San Gimignano, a badania sugerują, że zostało namalowane między 1311 a 1314 rokiem. Jest to obraz Madonny, ale tylko twarz postaci można uznać za dzieło Simone Martiniego, gdyż w 1413 roku Cenni di Francesco przemalował prawie cały fresk. Mimo bardzo złego stanu fresku, przedstawienie twarzy Madonny w świetle i pozostałe fałdy płaszcza przypominają Madonnę z Sieneńskiej Galerii Obrazów. W Sienie znajduje się również jego obraz Madonny Miłosierdzia, który mógł powstać w tym samym okresie. Już w tym obrazie rozpoznawalne są cechy stylistyczne Duccio, zwłaszcza w układzie postaci pod płaszczem Maryi, ale innowacją Martiniego jest poczucie przestrzeni oddzielającej postacie, ożywioną postać Maryi i fałdy jej płaszcza.
Przeczytaj także: biografie-pl – Vicente Yáñez Pinzón
Maestà
Jego pierwsze poważne zadanie miało miejsce w jego rodzinnym mieście. Budowa Palazzo Pubblico została ukończona na początku XIV wieku, a on namalował Madonnę, opiekunkę miasta, w komnacie rady wewnątrz budynku w 1315 roku, w towarzystwie świętych i aniołów, zaledwie cztery lata po tym, jak Duccio ukończył ołtarz w katedrze. Wynika z tego, że Simone Martini był już w tym czasie uznanym mistrzem, w przeciwnym razie to Duccio, a nie Simone Martini, otrzymałby zlecenie na stworzenie tak ważnego dzieła. Tutaj Madonna nie jest już postacią półbizantyjską, ale nosi koronę, jak Madonny francuskie. Na jej kolanach leży Dzieciątko Jezus, które w jednej ręce trzyma błogosławieństwo, a w drugiej zwój. Piotr, Paweł, Jan Chrzciciel i Jan Ewangelista trzymają w górze duży kolorowy baldachim z płótna, którego zasłona jest odwrócona do widza tak, że widoczna jest wewnętrzna strona. Zadaszenie z kolorowej tkaniny wsparte jest na cienkich kolumnach. Krzesło tronowe jest w stylu gotyckim, przypominającym XIV-wieczne trójdzielne ołtarze, co sugeruje, że artystę od początku pociągał francuski gotyk, jeszcze zanim poznał go bliżej na dworze papieskim w Awinionie. Rysy świętych otaczających Madonnę nie są zbyt indywidualne, nie są zbyt ekspresyjne, a ich wyraz twarzy jest łagodny i pozbawiony gwałtowności. Malarz umieścił postacie w płaszczyznach jedna za drugą, starając się stworzyć wrażenie przestrzenności. Po lewej stronie ozdobnego tronu znajdują się św. Katarzyna Aleksandryjska, św. Jan Ewangelista, św. Maria Magdalena, św. Gabriel Archanioł i św. Paweł, a po prawej św. Barbara, św. Jan Chrzciciel, św. Agnieszka, św. W dolnym rzędzie klęczą czterej święci patroni Sieny w towarzystwie dwóch aniołów, którzy ofiarowują Madonnie róże i lilie. Duży fresk jest obramowany szeroką dekoracyjną ramą, na przemian z popiersiami proroków i motywami roślinnymi, a także zawiera herb miasta Sieny w małych medalionach. W czterech rogach ramy umieszczono czterech ewangelistów z ich symbolami. Oprócz tradycyjnych farb Sinmone używał innych materiałów, a w niektórych częściach fresku rzeźbił w ścianie lub tworzył podwyższone powierzchnie, aby osiągnąć pożądany efekt. Zwój, który trzyma Jezus, to prawdziwy papier, a tekst na nim to prawdziwy atrament. Czerpał również wiele ze sztuki sieneńskich złotników, motyw ten jest najbardziej widoczny w projekcie fotela tronowego. Przy klęczących postaciach od podłogi, około cztery metry nad ziemią, biegnie linia, na której lekko zmieniają się kolory. Prawdopodobnie pomiędzy tymi dwoma częściami przebywał w Asyżu, gdzie w kaplicy św. Marcina badał powierzchnie i wykonywał rysunki. W sześć lat po ukończeniu budowy częściowo przemalował Maestę, ponieważ jej fragmenty zostały uszkodzone w wyniku przenikania wody deszczowej. Niewykluczone, że postacie Marii, Dzieciątka Jezus i dwóch aniołów trzymających kwiaty są efektem tego przemalowania, gdyż noszą znamiona stylistyczne dojrzałego okresu twórczości malarza.
Przeczytaj także: biografie-pl – Jacopo Tintoretto
Kaplica Świętego Marcina
W Asyżu Simone Martini wykonał serię fresków w kaplicy Świętego Marcina, jednym z niższych kościołów Bazyliki Świętego Franciszka. Kaplica została poświęcona w 1312 roku przez kardynała Gentile da Montefiore, który w swoim testamencie zapisał Zakonowi Franciszkanów pokaźną sumę sześciuset złotych monet na pokrycie kosztów dekoracji kaplicy. Ten cykl fresków związany jest również z dworem neapolitańskim, gdyż w jego realizacji brał udział król Robert, jako wykonawca testamentu jego twórcy, kardynała Montefiore, zwanego Legatem Węgier. Data powstania malowideł ściennych w kaplicy św. Marcina jest przedmiotem kontrowersji, także ze względu na ich jakość artystyczną, gdyż niewiele zachowało się sygnowanych i datowanych dzieł z dojrzałego okresu twórczości Martiniego. Najbardziej prawdopodobna data powstania malowideł ściennych to pierwsza połowa lat dwudziestych XIII wieku, niektórzy badacze uważają, że pochodzą one z okresu o kilka lat wcześniejszego, z roku 1317. Na podwyższonej półokrągłej powierzchni ściany wejściowej kaplicy artysta przedstawił najpopularniejszych świętych tamtych czasów (św. Franciszek z Asyżu, św. Antoni Padewski, św. Maria Magdalena, św. Katarzyna Aleksandryjska, św. Ludwik Francuski, św. Ludwik Tuluzański, św. Klara z Asyżu i św.) Kiedy Martini zaprojektował cykl fresków do kaplicy, te przedstawienia świętych prawdopodobnie nie były zawarte w pierwotnych planach, ale prawdopodobnie zostały wykonane w 1317 roku na cześć świętego Ludwika z Tuluzy, w roku jego kanonizacji.Cykl fresków przedstawia życie świętego Marcina, który urodził się w IV wieku w Panonii, został żołnierzem, a później poświęcił swoje życie całkowicie religii. Malarz, wybierając sceny z życia świętego do przedstawienia, szukał ideologicznej paraleli z freskami o życiu świętego Franciszka w powyższej bazylice. Freski „Święty Marcin dzielący swój płaszcz z żebrakiem” „Aż do pogrzebu świętego” przedstawiają życie świętego Marcina w dziesięciu scenach cudów i innych znaczących czynów. Ich atmosfera oddaje życie na średniowiecznych dworach. Dziesięć scen z życia św. Marcina oddzielonych jest ornamentalnie zdobionymi ramami. Pierwotnie były one opatrzone napisami, które jednak obecnie całkowicie wyblakły i stały się nieczytelne. Oprócz fresków, witraże w kaplicy są również ważnymi dziełami sztuki, prawdopodobnie na podstawie rysunków Simone Martini, zanim kaplica została pomalowana. Witraże były wykonywane zawsze przed malowaniem kaplic, ponieważ kolorowe szkło znacznie zmieniało oświetlenie wnętrza, a tym samym efekt malowideł. W półkolistym łuku nad wejściem namalował scenę „Poświęcenia kaplicy”. Na obrazie kardynał Gentile klęczy przed św. Marcinem, który pomaga mu podnieść się z ziemi. Scena rozgrywa się pod gotyckim cyborium o półkolistych łukach z trzema ramionami po każdej stronie. Realistyczny portret kardynała w ujęciu Simone jest jednym z najwcześniejszych w nurcie realizmu. Sceny z życia św. Marcina następują po sobie w trzech pasmach, od lewej do prawej i od dołu do góry, zaczynając od wejścia. W dolnym rzędzie „Święty Marcin dzieli się płaszczem z żebrakiem”, „Sen świętego Marcina”, „Święty Marcin zostaje pasowany na rycerza” i „Święty zrzeka się broni”, w środkowym rzędzie „Cud Zmartwychwstałego Dzieciątka”, „Medytacja”, „Cudowna Msza”, „Cud ognia”, w górnym rzędzie „Śmierć świętego Marcina” i „Pogrzeb świętego Marcina”.
Przeczytaj także: biografie-pl – René Magritte
Cykl fresków na św.
Pierwsze cztery z dziesięciu scen przedstawiają świętego jako osobę świecką.
Przeczytaj także: biografie-pl – Huang Di
Święte obrazy w transepcie Bazyliki św.
W dolnym kościele Bazyliki św. Franciszka, w transepcie po prawej stronie, na zewnętrznej ścianie kaplicy św. Mikołaja, Simone Martini namalował szeroki pas siedmiu świętych oraz Madonnę z Dzieciątkiem. Freski mogły zostać namalowane około 1318 roku, ale niektórzy badacze uważają, że możliwe jest, iż powstały dekadę później. Cały zespół otoczony jest ozdobną ramą, postacie oddzielone są cienkimi kolumnami, linie są harmonijne, a kolory użyte do ich namalowania jasne. Franciszka, Ludwika z Tuluzy, Elżbiety Węgierskiej, Małgorzaty, księcia Imre, Szczepana, Matki Bożej z Dzieciątkiem i Łazarza.
Król Robert z Neapolu, przyjaciel Petrarki, doszedł do władzy po tym, jak jego brat Ludwik abdykował z korony. Ludwik wstąpił do zakonu franciszkanów, później został biskupem Tuluzy, a po śmierci został kanonizowany. Król Robert chciał upamiętnić swojego brata, dlatego w 1317 r. (jednocześnie z jego kanonizacją) zlecił artyście namalowanie jego portretu. Panel został pierwotnie namalowany w kaplicy kościoła San Lorenzo Maggiore w Neapolu i do dziś jest wystawiony w Galerii Obrazów Capodimonte w Neapolu. Panel został oprawiony w szeroką ramę ozdobioną liliami, godłem rodu Anjou. Ludwik ukazany jest w centrum kompozycji, siedzący na tronie, w sztywnym ujęciu frontalnym. Książę nosi ozdobną, wysoką szatę kapłańską nałożoną na habit franciszkański, a na głowie nosi mitrę biskupią zdobioną kamieniami szlachetnymi i perłami. W prawej ręce trzyma pasterski kij, a w lewej koronę królewską, którą trzyma nad głową brata. Świętego koronują dwa anioły, przeplatając w ten sposób ziemską i niebiańską koronację Ludwika. Obraz oddaje królewską godność postaci, dzięki anatolijskiemu dywanowi, prawdziwemu szklanemu krążkowi spajającemu szaty, a także dzięki przedstawieniom biżuterii i ozdobnych sukien postaci. Robert z Anjou chciał w ten sposób podkreślić legalność swojego panowania, uchronić się przed oskarżeniami o uzurpację tronu, a także podkreślić fakt, że malarz prawdopodobnie namalował realistyczny portret króla, postać św. Ludwika wydaje się niematerialna, patrząca w dal, najwyraźniej należąca już do sfery boskiej, podczas gdy jego brat, w przeciwieństwie do niego, jest częścią ziemskiej rzeczywistości
Przeczytaj także: historia-pl – Maurowie
Sceny z życia świętego Ludwika z Tuluzy
W dolnej części panelu znajduje się historia św. Ludwika z Tuluzy w pięciu scenach. Na pierwszym obrazie święty Ludwik przyjmuje konsekrację na biskupa Tuluzy. Ze względów politycznych dokonano tego w tajemnicy w grudniu 1296 r. w Rzymie w obecności papieża Bonifacego VIII i króla Karola II Neapolitańskiego (ojca Ludwika), który chciał uzyskać większe wpływy na obszarze o dużym znaczeniu dla króla Francji Filipa IV. Ludwik nie chciał brać udziału w grach politycznych i był gotów pełnić funkcję biskupa tylko wtedy, gdy mógł wstąpić do zakonu franciszkanów. Na drugim obrazie Ludwik składa śluby 5 lutego 1297 r. na podstawie tajnego paktu z papieżem i staje się członkiem zakonu franciszkańskiego, na trzecim rozdaje święty pokarm potrzebującym, na czwartym jego pogrzeb, godny czyn dla najwyższego kapłana, a na piątym jeden z jego cudownych czynów wskrzeszenia dziecka, które zmarło niedługo wcześniej.
Badania sugerują, że poliptyk św. Katarzyny (obraz wielopanelowy) jest w całości dziełem Simone Martini. Niektórzy badacze sugerują, że postacie męczenników: św. Dominika i św. Piotra zostały wykonane przez jego asystentów, ale jest to mało prawdopodobne, ponieważ udział asystentów został podkreślony dopiero w późniejszym okresie jego twórczości. W kronikach klasztoru Santa Caterina w Pizie znajduje się informacja, że zlecenie otrzymał w 1319 r. niejaki Petrus Converus, a dzieło przeznaczone było do głównego ołtarza klasztoru. Jest on nadal wystawiany w muzeum San Matteo w Pizie i jest uważany za najważniejszy sygnowany obraz artysty. Ołtarz składa się z siedmiu części, z których każda podzielona jest na trzy części. W ołtarzu znajdują się łącznie czterdzieści trzy postacie apostołów, męczenników, biskupów i proroków. Na przestrzeni wieków fragmenty płyty były układane obok siebie w różnej kolejności. Obecnie trójkąty powyżej ukazują Zbawiciela w centrum, z królem Dawidem grającym na harfie i Mojżeszem z tablicami po obu stronach, oraz prorokami Jeremiaszem, Izajaszem i Ezechielem. W drugim rzędzie na każdym z siedmiu paneli znajdują się dwie postacie. W centrum znajdują się archaniołowie Michał i Gabriel, z apostołami i ewangelistą Mateuszem. Na złotym tle widnieją ich imiona, a każdy z nich trzyma w ręku egzemplarz Ewangelii. Od lewej do prawej: Tadeusz, Szymon, Filip, Jakub Młodszy, Andrzej, Piotr, Paweł, Jakub Starszy, Mateusz Ewangelista, Bartłomiej, Tomasz i Mateusz Apostoł. W środkowym rzędzie znajdują się duże figury Marii Magdaleny, św. Dominika, św. Jana Ewangelisty, Matki Bożej z Dzieciątkiem, św. Jana Chrzciciela, św. Piotra Męczennika i św. Nad wizerunkiem Madonny w ramie widnieje podpis artysty „Symon de Senis me pinxit”. Dolny rząd, kolejność części predelli, jest mniej problematyczny. W centrum znajduje się Chrystus z Matką Boską i św. Szczepan, Apollonia, Jerome, Luca, Grzegorz, Łukasz, Tomasz z Akwinu, Augustyn z Hippony, Agnieszka, Ambroży, Orszula i Wawrzyniec. Podział malowidła na wiele części umożliwił artyście przedstawienie, oprócz postaci tradycyjnie występujących w tego typu dziełach, także innych postaci, takich jak święci Jerzy i Grzegorz, związanych z zakonem zamawiającego dominikanina. Domonkosa, założyciela Zakonu Domonkosa, oraz św. Piotra Męczennika. Tomasza z Akwinu w chwale, choć jego kanonizacja odbyła się dopiero w 1323 roku.
Bardzo trudno jest datować dzieła artysty z początku lat dwudziestych XIII wieku, a w przypadku wielu z nich nie można nawet z całą pewnością ustalić, kto był ich autorem. Dzieje się tak dlatego, że asystenci, którzy blisko współpracowali z mistrzem, pracowali w jego warsztacie w dużej liczbie, często używając nawzajem swoich pędzli, a czasem nawet podpisując wykonane przez siebie dzieła. Typowym przykładem tego zjawiska jest poliptyk z Orvieto. Data jego powstania nie została jeszcze ustalona, ale pochodzi z lat dwudziestych XIII wieku i został wykonany dla kościoła św. Obecnie jest on wystawiony w Opera del Duomo w Orvieto. Powstał on na zlecenie biskupa Sovany, Trasmunda Monaldeschiego, który zapłacił za niego sto sztuk złota. Płyta składała się pierwotnie z siedmiu części, ale dziś dwie zewnętrzne płyty zostały utracone. W centrum znajduje się Madonna z Dzieciątkiem, a także św. Piotr, Maria Magdalena, Dominik i Paweł. Poliptyk, znajdujący się obecnie w Isabella Steward Gardner Museum w Bostonie, może być współczesny poprzedniemu, a może powstał nieco później. Pierwotnie namalowany dla kościoła Santa Maria dei Servi w Orvieto, ołtarz składa się z pięciu części. Również tutaj w centrum przedstawiona jest Madonna z Dzieciątkiem, którą od lewej do prawej strony flankują: św. Paweł, św. W trójkątnych polach nad głównymi postaciami, w centrum obok Chrystusa, który ukazuje swoje rany, pojawiają się aniołowie, trzymający w prawych rękach symbole Męki Pańskiej (kolumnę, bicz, koronę cierniową, krzyż i włócznię). Stylistycznie panel ten bliższy jest obrazowi dla klasztoru Santa Caterina w Pizie niż poliptykowi z Orvieto. Postacie mają eleganckie linie, ich dłonie są starannie opracowane. Grupa dzieł z lat dwudziestych XIII wieku jest prawie niemożliwa do datowania, ponieważ nie zachowała się żadna pisemna dokumentacja. Do tej grupy można zaliczyć panel Madonny z Dzieciątkiem i Aniołami w Opera del Duomo w Orvieto, inny taki obraz, męczennika w Ottawie, panel św. Łucji i św. Katarzyny w Settignano oraz dwie Madonny w Galerii Obrazów w Sienie. Niektórzy badacze uważają również, że krucyfiks w kościele Misericordia w San Casciano in Val di Pesa jest dziełem Simone Martiniego, pochodzącym z około 1321 roku, ale i na to nie ma pisemnych dowodów.
Po kilku latach spędzonych w Asyżu, Orvieto, a także pracy w Pizie, powrócił do Sieny w 1324 r., ożenił się i prawdopodobnie pozostał w mieście przez wiele lat. W tym czasie był już powszechnie znanym artystą. Namalował kilka fresków dla ratusza w Sienie, ale dzieła te nie zachowały się i wiemy o nich tylko ze źródeł, które mówią o sumach wypłacanych artyście. Augustyna w Tarano, słynny portret Guidoriccio da Folignano i Pozdrowienie Anielskie, które znajdują się obecnie w Uffizi.
Przeczytaj także: historia-pl – Republika Federalna Niemiec (1949–1990)
Ołtarz bł. Augustyna w Tarano
August był popularną postacią tamtych czasów. Studiował prawo na Uniwersytecie Bolońskim, a następnie wstąpił do Zakonu św. Augustyna, gdzie został generałem Zakonu. U szczytu swej kariery postanowił przenieść się na emeryturę do pustelni San Leonardo al Lago, niedaleko Sieny. Ołtarz składa się z pięciu paneli, przedstawiających jego samego i cztery z jego cudów. Augustyna, nad trumną bł. Augustyna. Wraz z poświęconym mu ołtarzem, trumną i tablicą tworzyły charakterystyczny zespół pamiątkowy. Tablicę można datować tylko w przybliżeniu, ale prawdopodobnie była już ukończona w 1324 roku, kiedy w mieście odbywały się wielkie i kosztowne uroczystości na cześć Augusta. W centrum panelu znajduje się młoda postać Augusta trzymającego księgę (Statuty Zakonu św. Augustyna). Malarz przedstawił go w chwale, mimo że nie został kanonizowany. Drzewa obok niego i starsi pustelnicy namalowani w medalionach nad nim są nawiązaniem do ustronnego życia pustelniczego, jakie prowadził w San Leonardo al Lago. Cztery cuda polegają na tym, że pomagał ludziom (w trzech przypadkach dzieciom), którzy ulegli wypadkom. Cud wilka atakującego dziecko ukazuje miasto Siena, cud dziecka spadającego z balkonu ukazuje ulicę w mieście, cud dziecka wypadającego z kołyski ukazuje wnętrze domu, a cud rycerza spadającego do wąwozu ukazuje okolice Sieny w tle.
Przeczytaj także: wazne_wydarzenia – Zimna wojna
Tablica Świętego László
Lazio w Altomonte (Altomonte, Museo della Consolazione) została wykonana dla Filippo di Sangineto, wpływowego neapolitańskiego dworzanina, który na polecenie cesarza przebywał przez dłuższy czas w Sienie. Niewielki panel składał się prawdopodobnie z dwóch części, z których zachowana część przedstawia króla Węgier św. Wybór tematu wyraża bliskie więzi, jakie łączyły zleceniodawcę z węgierską gałęzią rodu Anjou. Święty stoi na ozdobnym złotym tle, w ręku trzyma topór bojowy. Kolorystyka panelu jest jasna, a kształt płaszcza świętego daje wrażenie przestrzenności.
Przeczytaj także: biografie-pl – Henryk Żeglarz
Guidoriccio da Folignano
Mówi się, że Martini namalował portret generała Guidoriccio da Folignano w komnacie rady Palazzo Pubblico w 1330 r., w roku, w którym stłumił bunt miast Montemassi i Sassoforte, które zbuntowały się przeciwko rządom Republiki Sieneńskiej. Podczas ostatniej renowacji odkryto, że fresk został namalowany od prawego górnego, a nie lewego górnego rogu, jak to jest w zwyczaju. Mural został wykonany bardzo szybko, w ciągu siedmiu lub ośmiu dni, przy czym namalowanie generała i jego konia zajęło tylko jeden dzień. Dwie małe wioski przedstawione są na wzgórzu, u ich stóp znajduje się obóz wojsk sieneńskich, a w centrum generał na koniu. Za nim znajduje się prosto namalowane tło z ciemnoniebieskim niebem. Malarz przywiązywał dużą wagę do przedstawiania obozów, insygniów, sztandarów, broni i zbroi. Mural należy do szczytowych osiągnięć sieneńskiej sztuki freskowej, łącząc w sobie monumentalność i dekoracyjność, a także inicjatywy realistycznego portretu i początki realistycznego malarstwa pejzażowego w abstrakcyjnej, drogowskazowej wizji. W 1980 roku pod obrazem odkryto inny fresk o dużej wartości artystycznej, pochodzący prawdopodobnie z okresu po 1330 roku, który może poddać w wątpliwość zarówno datę, jak i autora portretu Guidoricca. Naukowcy nie są jeszcze w stanie z całą pewnością stwierdzić, czy jest to dzieło Simone Martini. Ostatnia konserwacja wykazała, że cała lewa strona obrazu, łącznie z przedstawieniem zamku Montemassiego, została przemalowana w XV lub XVI wieku. Badania wykazały również, że po prawej stronie obrazu nałożone są na siebie cztery warstwy tynku. Sugeruje to, że pod krajobrazem przedstawionym na obrazie mogą znajdować się pozostałości starszego malowidła, ale aby to ustalić, należałoby usunąć część obecnego malowidła. Tak więc data i autor obrazu pozostają niepewne.
Przeczytaj także: biografie-pl – Aaron Spelling
Pozdrowienia od anioła
Pozdrowienia od anioła to jedno z najpopularniejszych dzieł Simone Martini, a zarazem jedno z najbardziej gotyckich. Ansanusa w katedrze w Sienie, namalowany w 1333 roku, obecnie znajduje się w Galerii Uffizi we Florencji. Jego ramę stanowi bogato inkrustowana architektura gotycka, artykułowana łamanymi łukami. W głównym tryptyku (obrazie trzypanelowym) Madonna w płaszczu kurczy się, słysząc anielskie przesłanie. Jej rysy są napięte, jakby zbudzone ze snu przez anioła. Artysta ze szczególną starannością oddał postać anioła. W ręku trzyma gałązkę palmową, a fałdy jego specjalnej szaty w kratę dają poczucie jego burzliwego wyglądu. Jego skrzydła są dopracowane z pieczołowitością malarza miniaturowego. Oparcie krzesła pokryte jest czerwonym całunem ozdobionym delikatnymi złotymi motywami kwiatowymi. Obok postaci, elegancji obrazowi dodają precyzyjnie oddane detale, ozdobny brzeg mszału, marmurowa posadzka i wazon z liliami. Medaliony w górnej części panelu przedstawiają, od lewej do prawej, proroków Jeremiasza, Ezechiela, Izajasza i Daniela, zidentyfikowanych na podstawie ich imion wypisanych na zwojach, które trzymają w rękach. Żywe, subtelne przedstawienie dialogu między aniołem a Maryją sprawia, że mistyka Simone Martiniego jest do dziś żywa i ukochana. Dwie postacie świętych po obu stronach tryptyku namalował prawdopodobnie szwagier artysty, Lippo Memmi, na co wskazuje fakt, że różnią się one znacznie od postaci centralnych, a ponadto są sygnowane przez Memmiego.
Simone Martini przeniósł się do Awinionu na zaproszenie kardynała Jacopo Stefaneschi na początku 1336 roku wraz z rodziną i kilkoma asystentami i tam zmarł w 1344 roku. W ciągu ośmiu lat pobytu w Awinionie otrzymał wiele zleceń, ale większość jego dzieł uległa zniszczeniu. Freski Jezus z aniołami i Madonna z Dzieciątkiem, zamówione przez kardynała Stefaneschi dla drzwi Notre-Dame-des-Doms, są fragmentarycznymi synopiami. Szczególna atrakcyjność tych synopsji polega na tym, że dają one wgląd w proces twórczy, korekty i zmiany ikonograficzne dokonywane w trakcie pracy. Po raz pierwszy zastosował tu ikonografię Madonny Pokornej, gdzie Maryja nie siedzi na tronie, lecz na ziemi. Jerzego, namalowanego na fasadzie kościoła, który został zniszczony na początku XIX wieku, zachowała się jedynie rycina z XVII wieku. Ten fresk również powstał na zamówienie kardynała Jacopo Stefaneschi i był nie tylko przedstawieniem jego patrona, ale również ucieleśniał ideę kościelną. Tutaj fresk przypominał, że chrześcijańscy rycerze mieli taki sam obowiązek uwolnienia Kościoła uwięzionego w Awinionie, jak św. Jerzy uratowania księżniczki przed smokiem. Ozdobił też księgę dla kardynała, malując postać Matki Boskiej wyrywającej dziecko z czyśćca na początku kodeksu pieśni maryjnych, który nabył arcykapłan. Podczas pobytu w Awinionie Simone Martini nawiązał bliską przyjaźń z Petrarką i namalował jego portret Laury. Portret, o którym poeta wspomina w dwóch sonetach, zaginął, zachowała się natomiast miniatura na karcie tytułowej, inspirowana humanistycznie zarówno w temacie, jak i koncepcji, którą namalował do kodeksu należącego do Petrarki. Książka zawiera dzieła Wergiliusza z komentarzami Serwiusza. Na obrazie widać, jak Serwiusz odsuwa zasłonę, by pokazać poecie rycerza, chłopa i pasterza. Miniatura namalowana akwarelą i rozcieńczoną temperą, z prześwitującymi warstwami farby i harmonijnymi, rytmicznymi liniami, powstała pod wpływem francuskiego malarstwa gotyckiego. Spośród ostatnich dzieł Poliptyk Męki Pańskiej (którego fragmenty rozproszone są w muzeach całej Europy) tak bardzo różni się stylistycznie od innych prac wykonanych w Awinionie, że jego data jest niepewna. Panele tego niewielkiego poliptyku, zamówionego dla prywatnej dewocji, przedstawiają życie Chrystusa w eleganckich wariacjach na temat kompozycji Duccio z Oktawy Mistycznej. Niektórzy uczeni uważają, że został on ukończony przed jego przeprowadzką do Awinionu, a następnie przewieziony do Francji. Inni uważają, że jest to jedno z jego ostatnich dzieł, zamówione przez Napoleone Orsini, który zmarł w Awinionie w 1342 roku. Za tą teorią przemawia fakt, że w tle pojawia się herb rodziny Orsini. Ostatnim znanym dziełem Simone Martiniego jest obraz Świętej Rodziny, sygnowany i datowany na 1342 rok. (Liverpool, Walker Art Gallery). Jest to kolejny niewielkich rozmiarów prywatny obrazek dewocyjny, charakteryzujący się elegancją i harmonią emaliowanych, jasnych barw. Z ostatnich dwóch lat życia Simone Martini, w czasie których jej dzieła uległy zniszczeniu, nie zachowały się żadne pisemne zapiski.
Źródła
