Giorgio de Chirico
gigatos | 31 grudnia, 2021
Streszczenie
Giorgio de Chirico, bardziej poprawnie Giorgio de Chirico (wł: Giorgio de Chirico, 10 lipca 1888 – 20 listopada 1978) był włoskim malarzem, pisarzem i rzeźbiarzem, znanym jako jeden z artystów, którzy ukształtowali gatunek malarstwa metafizycznego (Pittura metafisica) oraz ze swojego wpływu na XX-wieczne ruchy artystyczne, takie jak surrealizm i Neue Sachlichkeit.
W jego malarstwie dominują elementy wizjonerskie i poetyckie, a szczególny nacisk de Chirico kładzie na enigmatyczne kompozycje i wieloznaczność przedmiotów. Styl neoklasyczny, który przyjął po 1919 roku, podobnie jak niemal cała jego twórczość po okresie malarstwa metafizycznego, przez wielu krytyków uważany był za gorszy, ale jego twórczość z lat 1911-19 uznawana jest przez większość z nich za ważną i wyróżniającą się w historii sztuki nowoczesnej.
De Chirico urodził się w Volos i był najstarszym synem Evaristo i Gemmy de Chirico. Jego przodkowie byli z pochodzenia Włochami, którzy osiedlili się i zamieszkiwali wschodnią część basenu Morza Śródziemnego kilka pokoleń temu. Jego ojciec pracował jako inżynier i nadzorował budowę sieci kolejowej w Tesalii w 1881 r., a matka była byłą śpiewaczką operową. Jego rodzina osiedliła się na stałe w Grecji w 1897 r., dziewięć lat po jego urodzeniu. Jego brat, Andrea Alberto, również robił karierę malarską i literacką, używając od 1914 r. pseudonimu Alberto Savinho. Greckie środowisko i kultura, w której dorastał de Chirico, były dla niego źródłem inspiracji. W tekście autobiograficznym opisał swoje dzieciństwo w nawiązaniu do mitologii starożytnej Grecji, a w szczególności do mitu o wyprawie Argonautów wyruszających z Volos, pisząc: „pierwsze lata życia spędził w krainie klasycyzmu, bawiąc się na brzegach, które widziały, jak Argo rozpoczyna swoją podróż, u stóp góry, która była świadkiem narodzin gorgopodarosa Achillesa i mądrych pouczeń jego nauczyciela, centaura”. Evaristo de Chirico chciał, aby jego syn wykonywał zawód inżyniera, ale ostatecznie rozbudził w swoich dzieciach zainteresowania artystyczne i powierzył ich edukację prywatnym korepetytorom. Pierwszym nauczycielem De Chirico był młody grecki malarz z Triestu o nazwisku Maurudis. Później, w latach 1903-5, studiował w ateńskiej Szkole Sztuk Pięknych pod kierunkiem Georgiosa Roilosa, Konstantinosa Volonakisa i George”a Iakovidisa. W maju 1905 r. zmarł jego ojciec, co prawdopodobnie miało związek z niepowodzeniem w egzaminach końcowych szkoły w tym samym roku.
Jesienią 1906 roku zamieszkał wraz z matką i bratem w Monachium, gdzie rozpoczął studia w Królewskiej Akademii Sztuk Pięknych, uczęszczając na kursy rysunku i malarstwa. Opuścił Akademię przed ukończeniem studiów i latem 1909 r. zamieszkał w Mediolanie. Mniej więcej w tym samym czasie zetknął się z twórczością Friedricha Nietzschego, która miała katalizujący wpływ na jego rozwój i kształtowanie się stylu. W 1910 roku namalował Enigmę jesiennego popołudnia (ok. 1910, kolekcja prywatna), obraz określany często jako pierwszy przykład malarstwa metafizycznego. Wyróżnia się intensywnie enigmatyczną atmosferą, zawierającą elementy poetyckie i przenoszącą rozpoznawalne przedmioty lub codzienne sceny w sferę niewytłumaczalnego.
W 1911 roku przeniósł się do Paryża, wcześniej odwiedzając na kilka dni Turyn, który uwiecznił później w serii obrazów. Wykorzystując znajomości brata w paryskich kręgach artystycznych, de Chirico został ciepło przyjęty i w 1912 roku na Salonie Jesiennym wystawiono trzy jego prace: autoportret oraz kompozycje Enigma jesiennego popołudnia i Enigma wyroczni. W następnym roku wziął również udział w Wystawie Niezależnych, prezentując prace Melancholia odlotu, Enigma godziny oraz Enigma przyjazdu i zmierzchu. Guillaume Apollinaire, wpływowa postać na paryskiej scenie artystycznej, był jednym z pierwszych gorących zwolenników jego twórczości i wkrótce de Chirico dołączył do brata w szerszym kręgu artystów, do którego należeli słynni malarze, tacy jak Pablo Picasso i Francis Picabia. Podczas I wojny światowej jego produktywność była mocno ograniczona. De Chirico był dezerterem od marca 1912 r. i został skazany na więzienie. Kiedy w 1915 roku Włochy wypowiedziały wojnę Austrii, amnestię otrzymali wszyscy dezerterzy, którzy natychmiast się zgłosili. de Chirico wykorzystał ten fakt i w maju 1915 roku ostatecznie zgłosił się we Florencji. W następnym miesiącu został oddelegowany do Ferrary, gdzie nadal malował z ograniczeniem, starając się jednocześnie utrzymać kontakty w Paryżu, zwłaszcza z Paulem Guillaume, który był wyłącznym sprzedawcą jego dzieł. W czasie wojny utrzymywał też kontakty z Apollinairem i Tristanem Jarrahem, współpracując z dadaistycznymi periodykami. W Ferrarze związał się z malarzem Ardengo Sophizzi i pisarzem Giovanni Papini, dążąc do rozpowszechnienia malarstwa metafizycznego we Włoszech, do czego przyczynił się również Savinio. W 1917 roku do tego samego miasta przeniósł się malarz Carlo Carra, który zaprzyjaźnił się z de Chirico, przyswajając sobie wiele elementów malarstwa metafizycznego. Później Cara domagał się ojcostwa, co doprowadziło do jego sporu z de Chirico.
Pod koniec 1918 roku opuścił Ferrarę i zamieszkał z matką w Rzymie. Kilka miesięcy później w Galerii Bragaglia (Casa d”Arte Bragaglia) zorganizowano jego pierwszą dużą wystawę indywidualną, która jednak nie okazała się sukcesem. Tylko jeden z jego obrazów został sprzedany, a krytyk sztuki Roberto Longhi – mający duży wpływ na włoską scenę artystyczną w tym czasie – negatywnie skomentował jego Malarstwo metafizyczne. W tym okresie de Chirico nadal publikował eseje, głównie we włoskim czasopiśmie Valori Plastici, w którym znalazło się wiele teoretycznych esejów na temat malarstwa metafizycznego. Jego wydawca, Mario Brolio (1891-1948), był również głównym dystrybutorem dzieł de Chirico we Włoszech i pierwszym, który wydał poświęconą mu monografię (Giorgio de Chirico. 12 tavole in fototipia precedute da giudizi critici), zawierającą serię esejów m.in. Apollinaire”a, Sophizziego, Papiniego, Cara i Louisa Vossela. W Rzymie de Chirico należał do kręgu teatralnego skupionego wokół włoskiego kompozytora Alfredo Caselli i pisarza Luigiego Pirandello.
W czerwcu 1919 roku de Chirico doznał czegoś, co później nazwał „epifanią”, prawdopodobnie po obejrzeniu dzieła Tycjana w Galerii Borghese w Rzymie, co wyznacza fazę przejściową we wczesnych latach dwudziestych. W ramach głębokiej przemiany zaczął kopiować dzieła mistrzów włoskiego renesansu, naśladując ich styl i rozwijając styl neoklasyczny, znacznie różniący się od jego wcześniejszych kreacji. Mniej więcej w tym samym czasie jego „metafizycznymi” pracami zachwycali się surrealiści, którzy później wyparli się go z powodu zwrotu ku stylowi neoklasycznemu i neoromantycznemu. W maju 1925 r. odbyła się duża wystawa indywidualna w Galerie de l”Effort Moderne Leonsa Rosenberga, a pod koniec tego samego roku zamieszkał w Paryżu, gdzie nastąpił szczególnie owocny okres, w którym zdobył znaczną sławę, zarówno w stolicy Francji, jak i w innych krajach europejskich. Drugi pobyt w Paryżu trwał do 1929 roku, w którym to roku zrealizował zamówienie na dekorację domu Leonsa Rosenberga scenami walk rzymskich gladiatorów. W tym samym okresie ukazała się jego powieść Hebdomeros, wykonał też serię litografii do reprintu zbioru poezji Apollinaire”a Caligrammes. Na początku lat 30. kilkakrotnie zmieniał miejsce zamieszkania, szukając odpowiednich warunków do wystawiania swoich prac. Przez pewien czas mieszkał we Włoszech, brał udział w Biennale w Wenecji, a w 1934 roku powrócił do Paryża, gdzie rozpoczął nową serię prac pod nazwą Tajemnicze łaźnie (Bagni misteriosi), mającą ilustrować poemat Jeana Cocteau Mitologie (Mitologia). W sierpniu 1935 roku przeniósł się do Nowego Jorku, gdzie mieszkał przez kolejne dwa lata i zorganizował w sumie pięć wystaw swoich prac. Mimo sukcesów, w styczniu 1938 r. powrócił do Włoch.
Przez krótki czas, przed wybuchem II wojny światowej, mieszkał w Paryżu, po czym ponownie wrócił do Mediolanu. Przez całe lata 40. jego prace były regularnie wystawiane we Włoszech, a on sam nadal podejmował się realizacji zamówień publicznych, przyjmując nowy styl, z elementami neobaroku, ale także polemiką wobec sztuki nowoczesnej. W 1942 roku wziął udział w 23. Biennale w Wenecji, pokazując swoje prace we własnej galerii, ale bez pozytywnych recenzji. Jego późniejsza twórczość spotkała się z silnym nastrojem kontrowersji ze strony krytyków, a sam de Chirico uważał się za niedocenionego ze względu na swój ogólny wkład w modernizm. Poprzez liczne eseje wyrażał swój sprzeciw wobec tego, co postrzegał jako „dyktaturę” modernizmu, a w latach 1950-3 organizował „anty-biennale”, na których prezentował prace artystów „anty-nowoczesnych”. W następnych latach doszło do serii skandali i procesów związanych z fałszerstwami jego dzieł. Sam De Chirico wykonywał kopie lub wielokrotne wersje swoich najsłynniejszych obrazów, co w pewnym stopniu sprzyjało takim zjawiskom fałszerstwa na dużą skalę. Pracował do ostatnich lat swojego życia. Systematycznie zajmował się teatrem, wyróżniają się też jego prace „neometafizyczne”, wystawione po raz pierwszy w Mediolanie w 1968 roku. W 1974 roku został uhonorowany przez Akademię Sztuk Pięknych, a rok później mianowano go członkiem Akademii Francuskiej. De Chirico zmarł 20 listopada 1978 roku w Rzymie w wieku 90 lat. W 1986 roku powstała Fundacja Giorgio i Isa de Chirico, której celem jest zachowanie jego twórczości.
We wczesnej twórczości de Chirico można odnaleźć charakterystyczną technikę malarstwa metafizycznego, a także wpływy Baiclina i Klingera, szczególnie widoczne we wczesnych pracach, takich jak Umierający Centaur (1909, Kolekcja Assitalia, Rzym). De Chirico szczególnie cenił mityczne i symboliczne pejzaże Baiclina oraz enigmatyczne, a czasem „nadprzyrodzone” grafiki Klingera. Od wczesnych lat wprowadzał do swoich obrazów elementy mitologiczne, nierozerwalnie związane z odniesieniami autobiograficznymi. Jego metafizyczna ikonografia związana była z twórczością Nietzschego, a w szczególności z niektórymi z jego najważniejszych tekstów filozoficznych, takich jak Oto człowiek i Tade efi Zarathustra. Obraz „Enigma wyroczni” (ok. 1910, kolekcja prywatna) jest typowym przykładem kierunku, w jakim miał podążać de Chirico. W tym samym dziele przedstawiona postać jest wierną kopią obrazu Odyseusz i Kalipso (1882) Arnolda Baiklina. Za pierwszy „metafizyczny” obraz De Chirico uważa się Enigmę jesiennego popołudnia (1910, Kolekcja Prywatna), dzieło inspirowane Piazza Santa Croce we Florencji, w którym po raz pierwszy zrezygnował z elementów narracji, zdając się wyłącznie na poetyckie cechy dzieła, próbując przekazać pojęcie enigmy kryjącej się za codziennym doświadczeniem. Choć zainspirowany florenckim placem Santa Croce, de Chirico przekształcił jego elementy architektoniczne, zmieniając renesansowy szczyt kościoła w antyczną grecką świątynię, czy zastępując pomnik Dantego antycznym posągiem. Ujawnienie równoległej rzeczywistości było jednym z centralnych tematów jego Malarstwa metafizycznego.
Po krótkim pobycie w Turynie, w latach 1912-5, de Chirico stworzył serię prac zatytułowaną Kwadraty Włoch. Charakteryzuje je wspólna tematyka pustynnych placów ozdobionych zazwyczaj nielicznymi figurami lub rzeźbami, wielość perspektyw i wszechobecna atmosfera melancholii. W kilku pracach z tej serii de Chirico przedstawił postać mitologicznej Ariadny, jak w Melancholii (1912, Eric & Salome Estorick Foundation), Ariadnie (1913, Metropolitan Museum of Art, Nowy Jork), Zmierzchu Ariadny (1913, Private Collection) i Nagrodzie Widzącego (1913, Philadelphia Museum of Fine Arts, USA). Miasto Turyn było również tematem kilku jego obrazów, w szczególności Mole Antonelianna, jeden z najwyższych budynków we Włoszech, który był prawdopodobnie inspiracją dla Nostalgii nieskończoności (1912, MoMA) i Wielkiej Wieży (1913, Galeria Północna Nadrenia-Westfalia).
Obecność w Paryżu zapewniła mu kontakt z wpływowymi środowiskami artystycznymi miasta, zwłaszcza z Guillaume Apollinaire”em, Pablo Picasso i grupą surrealistów. Apollinaire jako jeden z pierwszych docenił jego obrazy, które stały się obiektem podziwu awangardowych artystów, a on sam stał się jednym z „bohaterów” ruchu surrealistycznego. W październiku 1913 roku Apollinaire napisał jedną z pierwszych recenzji twórczości de Chirico w czasopiśmie L”Intransigeant, stwierdzając: „Sztuka tego młodego malarza jest ezoteryczna i mózgowa, niepowiązana z twórczością innych malarzy, którzy zostali odkryci w ostatnich latach. Nie pochodzi od Matisse”a czy Picassa, nie pochodzi też od impresjonistów. Ta oryginalność jest wystarczająca, aby zapewnić sobie naszą uwagę.” W tej samej recenzji Apollinaire określił obrazy de Chirico jako „dziwnie metafizyczne”. Liczne rękopisy de Chirico świadczą o tym, że już w 1911 roku używał on tego samego terminu dla określenia swojej twórczości. Przyjaźń z Apollinairem znalazła wyraz w serii portretów namalowanych przez de Chirico, a Apollinaire z kolei zadedykował mu wiersz Océan de terre i był właścicielem kilku jego obrazów.
Rok 1914 uważany jest za szczytowy okres jego „metafizycznego” malarstwa, gdyż właśnie wtedy ukończył jedne z najważniejszych prac. Wśród nich wyróżniają się Child”s Mind (1914, Stockholm Museum of Modern Art), jeden z jego najsłynniejszych obrazów, który należał do André Bretona, Portret Guillaume”a Apollinaire”a (1914, Centrum Georges”a Pompidou) i Love Song (1914, MoMA). Podczas pobytu w Ferrarze jego twórczość charakteryzowała się dywersyfikacją, przyjmowaniem nowych motywów i tematów. W serii obrazów przedstawiał wnętrza z dziwnymi i niejednorodnymi przedmiotami, takimi jak przyrządy geometryczne, mapy czy ciastka w różnych kształtach, inspirując się w pewnym stopniu witrynami sklepowymi miasta, które wywarły na nim ogromne wrażenie. Ferrara była również idealną scenerią dla serii kompozycji ozdobionych manekinami (lalkami bez twarzy), symboliczną konstrukcją, którą de Chirico zaczął stosować podczas pobytu w Paryżu, zainspirowany postacią z poematu dramatycznego Savinho Les Chants de la mi-mort (Pieśni półśmiertelnych). Manekiny De Chirico, typowe dla szkoły malarstwa metafizycznego, wyrażają w jednej interpretacji nowoczesną figurę ślepego jasnowidza z antyku i często pojawiały się w jego twórczości, np. w obrazach Jasnowidz (191415, MoMA) i Alarmujące Muzy (1918, kolekcja prywatna). W tym samym okresie zintensyfikował działania na rzecz upowszechnienia malarstwa metafizycznego poprzez liczne teksty i artykuły teoretyczne oraz współpracę z Carlo Cara. Do najważniejszych dzieł powstałych w tym okresie należą Sen Toby”ego (191722, kolekcja prywatna), inspirowany tematycznie Księgą Toby”ego, a także Hektor i Andromacha (1917, kolekcja prywatna), Wielki metafizyk (1917, kolekcja prywatna) i Ewangeliczna martwa natura (1916, Muzeum Sztuk Pięknych, Osaka).
W 1919 roku w jego karierze artystycznej nastąpiła nowa istotna zmiana – de Chirico zwrócił się wytrwale ku studiom nad włoskimi mistrzami klasycznymi. W eseju opublikowanym w listopadzie 1919 roku w czasopiśmie Valori Plastici, zatytułowanym Powrót do umiejętności (wł. Il ritorno al mestiere), wyraźnie zadeklarował powrót do tradycyjnej ikonografii, deklarując chęć bycia „malarzem klasycznym”. W swoim eseju de Chirico szczegółowo wyraził nowe idee, które formułował, dochodząc do wniosku, że chciałby, aby wszystkie jego prace były opatrzone trzema słowami Pictor classicus sum. W późniejszej twórczości rozwinął styl neoklasyczny, starając się naśladować mistrzów włoskiego renesansu, czego typowym przykładem jest obraz Pożegnanie Argonautów (ok. 1920, zbiory prywatne). Lata 20. były dla de Chirico okresem ciągłych zmian i intensywnych poszukiwań. W tym czasie „metafizyczne” obrazy, które wcześniej tworzył, zostały na nowo odkryte przez grupę francuskich surrealistów. Kilku artystów należących do ruchu surrealistycznego dostrzegło wpływ de Chirico na swoją twórczość, m.in. René Magritte, Yves Tanguy i Max Ernst. André Breton w opublikowanym w 1920 roku eseju o Giorgio de Chirico określił go jako wiodącą postać w kształtowaniu się nowej mitologii. Grupa surrealistów uznała wartość dzieł z okresu 1910-19, kiedy to, według José Pierre”a, de Chirico był „idealnym modelem artysty surrealistycznego”, ale odrzuciła jego późniejsze prace, z wyjątkiem powieści Evdomeros. Rozbieżność poglądów de Chirico z surrealistami została sformalizowana w 1926 roku, kiedy to w siódmym numerze pisma grupy La Révolution Surréaliste, Breton określił go mianem „zagubionego geniusza”.
Na początku lat 30. de Chirico wykonał serię obrazów w stylu Renoira, w czasie, gdy jego sztuka w ogóle przechodziła szereg zmian, również przyjmując rodzaj akademickiego realizmu. Na szczególną uwagę zasługują obrazy z cyklu Tajemnicze kąpiele, które zaczął malować w 1934 roku, a które wystawione zostały dwa lata później w Nowym Jorku. Charakteryzują się one wielokrotnym przedstawianiem tafli wody, z obecnością nagich pływaczek i mężczyzn w garniturach. De Chirico zainspirował się Tajemniczymi Wannami Maxa Klingera i to one stały się punktem końcowym jego drogi w kierunku odnowy formy i poszukiwania nowych motywów. W 1929 r. ukazało się jego najważniejsze dzieło literackie, powieść Evdomeros. Krytycy nie są zgodni co do gatunku literackiego, jaki reprezentuje, a krytyk literacki Giorgio Manganelli określił ją jako „repozytorium obrazów”, uznając, że nie jest to powieść narracyjna. Został on ciepło przyjęty przez grupę surrealistów, mimo że zerwała ona kontakty z de Chirico.
Po powrocie do Mediolanu pod koniec 1939 roku pracował nad neobarokowymi dziełami inspirowanymi twórczością Rubensa czy Velázqueza, które zaprezentował w 1942 roku na Biennale w Wenecji. Typowym przykładem tego stylu, który kontynuował w następnych latach, jest obraz Kąpiący się (1945, Fundacja Giorgio i Isa de Chirico). W 1971 roku Claudio Bruni Sakraischik zaczął nagrywać jego twórczość, a dwa lata później ukazała się pierwsza antologia jego tekstów wydana przez Wienland Schmied.
Źródła
