William Shakespeare

gigatos | 11 lutego, 2022

Streszczenie

William Shakespeare (Stratford-upon-Avon, Warwickshire, Królestwo Anglii, ok. 23 kwietnia 1564-lipiec.-Stratford-upon-Avon, Warwickshire, Królestwo Anglii, 23 kwietnia-lipiec.

Według Encyclopædia Britannica, „Szekspir jest powszechnie uznawany za największego pisarza wszech czasów, wyjątkową postać w historii literatury. Sława innych poetów, takich jak Homer i Dante Alighieri, czy powieściopisarzy, takich jak Lew Tołstoj czy Charles Dickens, przekraczała granice państw, ale żaden z nich nie osiągnął takiej sławy jak Szekspir, którego dzieła są obecnie czytane i wystawiane częściej i w większej liczbie krajów niż kiedykolwiek wcześniej. Spełniła się zatem przepowiednia jednego z jego wielkich współczesnych, Bena Jonsona: „Szekspir nie należy do jednej epoki, lecz do wieczności”.

Amerykański krytyk Harold Bloom umieszcza Szekspira obok Dantego Alighieri na szczycie swojego „zachodniego kanonu”: „Żaden inny pisarz nie dysponował tak wielkimi zasobami językowymi jak Szekspir, tak obfitymi w Love”s Labours Lost, że mamy wrażenie, iż raz na zawsze osiągnięto wiele granic języka. Największa oryginalność Szekspira polega jednak na przedstawieniu postaci: Bottom jest melancholijnym triumfem; Shylock, stale dwuznacznym problemem dla nas wszystkich; ale Sir John Falstaff jest tak oryginalny i tak wymowny, że za jego pomocą Szekspir obraca o sto osiemdziesiąt stopni to, co to znaczy stworzyć człowieka za pomocą słów”.

Jorge Luis Borges napisał o nim: „Szekspir jest najmniej angielskim z angielskich poetów. W porównaniu z Robertem Frostem (z Nowej Anglii), z Williamem Wordsworthem, z Samuelem Johnsonem, z Chaucerem i z niewiadomymi, którzy pisali lub śpiewali elegie, jest niemal cudzoziemcem. Anglia jest ojczyzną niedopowiedzenia, dobrze wychowanej powściągliwości; hiperbola, nadmiar i przepych są typowe dla Szekspira”.

Szekspir był czczonym poetą i dramaturgiem w swoich czasach, ale jego reputacja nie osiągnęła obecnych szczytów aż do XIX wieku. Zwłaszcza romantycy wychwalali jego geniusz, a wiktorianie czcili Szekspira z nabożeństwem, które George Bernard Shaw nazwał „bardolatrią”.

W XX wieku jego sztuki były wielokrotnie adaptowane i odkrywane na nowo przez różnego rodzaju ruchy artystyczne, intelektualne i dramatyczne. Szekspirowskie komedie i tragedie zostały przetłumaczone na wszystkie najważniejsze języki, są nieustannie studiowane i wystawiane w różnych kontekstach kulturowych i politycznych na całym świecie. Co więcej, wiele cytatów i aforyzmów, którymi opatrzone są jego sztuki, weszło do codziennego użytku, zarówno w języku angielskim, jak i w innych językach. A jeśli chodzi o życie osobiste, przez lata pojawiło się wiele spekulacji na temat jego życia, kwestionujących jego seksualność, przynależność religijną, a nawet autorstwo jego dzieł.

Niewiele jest udokumentowanych faktów z życia Szekspira, choć prawdopodobne jest, że urodził się 23 kwietnia 1564 roku. Można jedynie stwierdzić, że został ochrzczony w kościele Świętej Trójcy w Stratford-upon-Avon, Warwickshire, 26 kwietnia tego samego roku, a zmarł tam 23 kwietnia 1616 roku, według kalendarza juliańskiego (3 maja według gregoriańskiego), w domniemanym dniu swoich 52. urodzin.

Przeczytaj także: biografie-pl – Konstantyn V Kopronim

Początki

William Shakespeare (pisany również jako Shakspere, Shaksper i Shake-speare, ponieważ pisownia w czasach elżbietańskich nie była ani stała, ani bezwzględna) urodził się w Stratford-upon-Avon w kwietniu 1564 roku. Był trzecim z ośmiorga dzieci, które urodziły się Johnowi Shakespeare”owi, dobrze prosperującemu kupcowi, który zyskał sławę w dzielnicy, i Mary Arden, wywodzącej się z rodziny o bogatym rodowodzie.

W chwili jego narodzin rodzina mieszkała przy Henley Street w Stratford-upon-Avon. Dokładny dzień jego narodzin nie jest znany, ponieważ w tym czasie sporządzano jedynie metrykę chrztu, w tym przypadku 26 kwietnia, należy więc przyjąć, że urodził się kilka dni wcześniej (2 lub 3 dni), a nie więcej niż tydzień później, jak to było w zwyczaju. Jerzego, być może przez analogię do dnia jego śmierci, 23 kwietnia 1616 r., według kalendarza juliańskiego, ale data ta nie jest poparta żadnym dokumentem, choć jest najbardziej prawdopodobna.

Ojciec Szekspira, który w chwili narodzin Williama był u szczytu zamożności, wkrótce potem wypadł z łask. Oskarżony o nielegalny handel wełną, stracił znaczącą pozycję w samorządzie miejskim. Sugeruje się również, że ewentualne pokrewieństwo z wiarą katolicką, po obu stronach rodziny, mogło odegrać rolę w jego oskarżeniu.

William Shakespeare prawdopodobnie uczył się we wczesnym wieku w miejscowym gimnazjum, Stratford Grammar School, położonym w centrum jego rodzinnego miasta, co musiało zapewnić mu intensywną edukację w zakresie gramatyki łacińskiej i literatury. Chociaż jakość szkół gimnazjalnych w okresie elżbietańskim była raczej nierówna, istnieją przesłanki, że ta w Stratfordzie była całkiem dobra. Uczęszczanie Szekspira do tej szkoły jest czystym domysłem, opartym na fakcie, że miał on prawo do bezpłatnej edukacji jako syn urzędnika samorządowego. Nie istnieje jednak żaden dokument, który by to potwierdzał, gdyż akta parafialne zaginęły. W tym czasie prowadził ją John Cotton, nauczyciel o szerokim humanistycznym wykształceniu i katolik; szkoła gramatyczna (odpowiednik hiszpańskiego gimnazjum z XVI wieku lub dzisiejszej matury) nauczała od 8 do 15 roku życia, a edukacja skupiała się na nauce łaciny; na wyższych poziomach zabronione było używanie języka angielskiego, aby zachęcić do biegłego posługiwania się językiem łacińskim; dominowało studiowanie przetłumaczonych na łacinę dzieł Ezopa, Owidiusza i Wergiliusza, autorów, z którymi Szekspir był zaznajomiony.

28 listopada 1582 roku, w wieku osiemnastu lat, Szekspir poślubił Anne Hathaway, lat 26, z Temple Grafton, niedaleko Stratfordu. Dwaj sąsiedzi Anny, Fulk Sandalls i John Richardson, zeznali, że nie było żadnych przeszkód w przeprowadzeniu ceremonii. Wydaje się, że był pośpiech w organizacji ślubu, być może dlatego, że Anna była w trzecim miesiącu ciąży. Po jego ślubie nie ma prawie żadnych śladów Williama Szekspira w historycznych zapiskach, aż do momentu, gdy pojawia się na londyńskiej scenie teatralnej. 26 maja 1583 roku w Stratfordzie została ochrzczona pierworodna córka tej pary, Susanna. Wkrótce potem ochrzczono także syna Hamneta i córkę Judytę, urodzone bliźnięta. Sądząc z testamentu dramaturga, który jest nieco pogardliwy dla Anne Hathaway, małżeństwo nie było udane.

Późne lata osiemdziesiąte XV wieku znane są jako „stracone lata” dramaturga, ponieważ nie ma żadnych dowodów na to, gdzie przebywał, ani z jakiego powodu zdecydował się przenieść ze Stratfordu do Londynu. Według jednej z legend, która dziś jest mało wiarygodna, został on przyłapany na polowaniu na jelenie w parku Sir Thomasa Lucy, miejscowego sędziego i zmuszony do ucieczki. Według innej hipotezy, mógł on dołączyć do zespołu teatralnego Lord Chamberlain”s Men podczas przejazdu przez Stratford. XVII-wieczny biograf, John Aubrey, odnotowuje świadectwo syna jednego z towarzyszy pisarza, że Szekspir mógł spędzić jakiś czas jako wiejski nauczyciel.

Przeczytaj także: mitologia_p – Ozyrys

Londyn i jego przejście przez teatr

W 1592 roku Szekspir był już w Londynie, pracując jako dramaturg, i był na tyle znany, że zasłużył na pogardliwy opis Roberta Greene”a, który przedstawia go jako „karierowiczowską kawkę, upiększoną naszymi piórami”, który ze swoim tygrysim sercem owiniętym w komediową skórę uważa się za zdolnego do imponowania białym wierszem jak najlepsi z was”, a także mówi, że „uważa się za jedynego shake-scena w kraju” (w oryginale Greene używa słowa shake-scene, nawiązując zarówno do reputacji autora, jak i jego nazwiska, w grze paronomazji).

W 1596 roku, w wieku zaledwie jedenastu lat, zmarł Hamnet, jedyny syn pisarza, i został pochowany w Stratfordzie 11 sierpnia tego samego roku. Niektórzy krytycy twierdzą, że śmierć syna mogła zainspirować Szekspira do napisania Hamleta (ok. 1601), przeróbki wcześniejszej sztuki, która niestety nie zachowała się.

Do 1598 roku Szekspir przeniósł swoją rezydencję do parafii św. Heleny w Bishopsgate. Jego nazwisko znajduje się na czele listy aktorów w „Every Man in His Humour” Bena Jonsona.

Wkrótce został aktorem, pisarzem, a w końcu współwłaścicielem zespołu teatralnego znanego jako Lord Chamberlain”s Men, nazwanego, jak inne w tamtych czasach, na cześć arystokratycznego patrona, Lorda Chamberlaina. Firma stała się tak popularna, że po śmierci Elżbiety I i wstąpieniu na tron Jakuba I, nowy monarcha wziął ją pod swoją opiekę, zmieniając nazwę na King”s Men.

W 1604 roku Szekspir był swatem córki swojego gospodarza. Dokumentacja prawna z 1612 r., kiedy sprawa została wniesiona do sądu, pokazuje, że w 1604 r. Szekspir był najemcą Christophera Mountjoya, hugenockiego rzemieślnika z północno-zachodniego Londynu. Uczeń Mountjoya, Stephen Belott, zamierzał poślubić córkę swego pana, więc dramaturg został wybrany na pośrednika, który miał pomóc w negocjacjach dotyczących szczegółów posagu. Dzięki usługom Szekspira małżeństwo zostało zaaranżowane, ale osiem lat później Belott pozwał teścia za niezapłacenie w całości umówionego posagu. Pisarz został wezwany do złożenia zeznań, ale nie pamiętał proponowanej przez siebie kwoty.

Istnieje kilka dokumentów dotyczących spraw prawnych i transakcji biznesowych, które pokazują, że w czasie pobytu w Londynie Szekspir stał się na tyle zamożny, że kupił posiadłość w Blackfriars i stał się właścicielem drugiego co do wielkości domu w Stratfordzie.

Przeczytaj także: bitwy – Bitwa pod Verdun

Ostatnie lata

W 1611 roku Szekspir przeniósł się na emeryturę do rodzinnej wsi, ale został uwikłany w różne sprawy sądowe, takie jak spór o ogrodzenie wspólnej ziemi, które, jeśli z jednej strony zachęcało do wypasu owiec, to z drugiej skazywało biednych, pozbawiając ich jedynego źródła utrzymania. Ponieważ pisarz miał pewien interes ekonomiczny w takich nieruchomościach, ku niezadowoleniu niektórych zajął neutralne stanowisko, które zapewniło mu jedynie własne korzyści. W marcu 1613 roku dokonał swojego ostatniego zakupu, nie w rodzinnym mieście, ale w Londynie, kupując za 140 funtów dom i podwórze w pobliżu teatru Blackfriars, z czego na miejscu zapłacił tylko 60 funtów, bo następnego dnia zastawił dom na resztę na rzecz sprzedawcy. Nawiasem mówiąc, Szekspir nie zarejestrował zakupu wyłącznie na swoje nazwisko, ale powiązał je z nazwiskami Williama Johnsona, Johna Jacksona i Johna Hemynge”a, przy czym ten ostatni był jednym z aktorów, którzy promowali wydanie First Folio. Skutkiem prawnym tej procedury, pisze wielki biograf Szekspira Sidney Lee, „było pozbawienie jego żony, jeśli przeżyła, prawa do posagu wdowiego na tej posiadłości”; ale kilka miesięcy później nastąpiła katastrofa: spłonął Globe Theatre, a wraz z nim wszystkie rękopisy dramaturga, wraz z jego komedią Cardenio, zainspirowaną epizodem z Don Kichota z La Manchy; wiemy o tej sztuce, ponieważ 9 września 1653 roku wydawca Humphrey Maseley uzyskał licencję na publikację sztuki, którą określa jako Historię Cardenio, autorstwa Fletchera i Shakespeare”a; Sidney Lee twierdzi, że żaden dramat o tym tytule nie dotarł do nas i że prawdopodobnie należy go utożsamiać z zaginioną komedią Cardenno lub Cardenna, która została dwukrotnie wystawiona przed sądem przez zespół Szekspira, po raz pierwszy w lutym 1613 roku, z okazji uroczystości zaślubin księżniczki Elżbiety, a po raz drugi 8 czerwca, przed ambasadorem księcia Sabaudii, czyli na kilka dni przed spaleniem teatru Globe.

W ostatnich tygodniach życia Szekspira człowiek, który miał poślubić jego córkę Judytę – karczmarz Thomas Quiney – został oskarżony przed lokalnym sądem kościelnym o rozwiązłość. Kobieta o nazwisku Margaret Wheeler urodziła dziecko i twierdziła, że Quiney jest jego ojcem. Zarówno kobieta, jak i jej dziecko zmarli wkrótce potem. Wpłynęło to jednak na reputację przyszłego zięcia pisarza i Shakespeare zmienił swój testament, aby zabezpieczyć dziedzictwo córki przed ewentualnymi problemami prawnymi Quineya.

Szekspir zmarł 23 kwietnia 1616 roku, według kalendarza juliańskiego (3 maja według kalendarza gregoriańskiego). Był żonaty z Anne aż do jej śmierci, a przeżyły go dwie córki, Susannah i Judith. Ta pierwsza wyszła za mąż za dr Johna Halla. Jednak ani dzieci Susannah, ani Judith nie miały potomstwa, więc obecnie nie ma żyjących potomków pisarki. Krążyły jednak pogłoski, że Szekspir był prawdziwym ojcem swojego chrześniaka, poety i dramatopisarza Williama Davenanta.

Zawsze istniała tendencja do wiązania śmierci Szekspira z pijaństwem – zmarł, według najbardziej rozpowszechnionych komentarzy, w wyniku wysokiej gorączki, będącej skutkiem jego pijaństwa – ale wydaje się, że dramaturg spotkał się z Benem Jonsonem i Michaelem Draytonem, aby wspólnie z kolegami świętować nowe pomysły literackie. Najnowsze badania niemieckich naukowców wykazały, że jest bardzo prawdopodobne, iż angielski dramaturg cierpiał na raka.

Szczątki Szekspira spoczęły w prezbiterium kościoła Świętej Trójcy w Stratfordzie. Zaszczyt pochowania go w prezbiterium, w pobliżu ołtarza głównego kościoła, nie wynikał z jego prestiżu jako dramaturga, ale z wykupienia od kościoła dziesięciny za 440 funtów (w tamtych czasach była to znaczna suma). Pomnik pogrzebowy Szekspira, wzniesiony przez jego rodzinę na murze obok grobu, przedstawia go w postawie pisarskiej, a co roku, na pamiątkę jego urodzin, w jego ręce umieszczane jest nowe pióro.

Zgodnie z ówczesnym zwyczajem, gdy brakowało miejsca na nowe groby, opróżniano stare i przenoszono ich zawartość do pobliskiego ossuarium. Być może obawiając się, że jego szczątki mogą zostać ekshumowane, według Encyclopaedia Britannica, sam Shakespeare ułożyłby następujące epitafium na swój nagrobek:

Legenda głosi, że nieopublikowane dzieła Szekspira spoczywają razem z nim w grobie. Nikt nie odważył się sprawdzić prawdziwości tej legendy, być może w obawie przed klątwą wspomnianego epitafium.

Nie wiadomo, który z istniejących portretów Szekspira jest najwierniejszy wizerunkowi pisarza, gdyż wiele z nich to falsyfikaty, namalowane po fakcie na podstawie ryciny z Pierwszego Folio. Za najdokładniejszy uważa się tzw. Portret Chandosa, pochodzący z lat 1600-1610, znajdujący się w National Portrait Gallery (Londyn). Przedstawia autora w wieku około czterdziestu lat, z brodą i pozłacanym kolczykiem w lewym uchu.

Przeczytaj także: biografie-pl – Ethelred II Bezradny

Debata na temat Szekspira

Ciekawe, że cała wiedza, jaka dotarła do potomnych na temat jednego z autorów zachodniego kanonu, jest niczym więcej jak konstruktem złożonym z najróżniejszych spekulacji. Dyskutowano nawet o tym, czy Szekspir jest prawdziwym autorem swoich sztuk, przypisując je Francisowi Baconowi, Christopherowi Marlowe”owi (w rzeczywistości wszystkie te wymysły wynikają z prostego faktu, że dostępnych danych o autorze jest bardzo niewiele i kontrastują z ogromem jego genialnego dzieła, które jest płodne i rodzi najbardziej pokrętne interpretacje.

Prawie sto pięćdziesiąt lat po śmierci Szekspira w 1616 roku zaczęły pojawiać się wątpliwości co do prawdziwego autorstwa przypisywanych mu sztuk. Krytycy dzielili się na „Stratfordczyków” (zwolenników tezy, że William Szekspir, urodzony i zmarły w Stratfordzie, był prawdziwym autorem przypisywanych mu sztuk) i „anty-Stratfordczyków” (zwolenników przypisywania tych sztuk innemu autorowi). To drugie stanowisko jest obecnie w zdecydowanej mniejszości.

Z dokumentów historycznych wynika, że w latach 1590-1620 ukazało się kilka sztuk i wierszy przypisywanych autorowi Williamowi Szekspirowi, a w zespole, który wystawiał te sztuki, Lord Chamberlain”s Men (później King”s Men), był aktor o tym nazwisku. Aktor ten może być utożsamiany z Williamem Szekspirem, który według zapisów mieszkał i zmarł w Stratfordzie, gdyż ten ostatni w swoim testamencie dokonał pewnych darowizn na rzecz członków londyńskiego zespołu teatralnego.

Tak zwani „Stratfordczycy” uważają, że aktor ten jest również autorem sztuk przypisywanych Szekspirowi, opierając się na fakcie, że noszą one to samo nazwisko, oraz na wierszach encomiastic zawartych w wydaniu First Folio z 1623 roku, w których znajdują się odniesienia do „Łabędzia z Avonu” i jego „pomnika ze Stratfordu”. Ten ostatni odnosi się do jego pomnika pogrzebowego w kościele Świętej Trójcy w Stratfordzie, na którym, nawiasem mówiąc, jest on przedstawiony jako pisarz, i którego opisy przez odwiedzających miejscowość pochodzą co najmniej z lat trzydziestych XVI wieku. Zgodnie z tym poglądem sztuki Szekspira napisał sam William Szekspir ze Stratfordu, który opuścił rodzinne miasto i odniósł sukces jako aktor i dramaturg w Londynie.

Tak zwani „anty-stratfordczycy” nie zgadzają się z tym. Według nich, Szekspir ze Stratfordu byłby niczym więcej niż słomianym człowiekiem, ukrywającym prawdziwe autorstwo innego dramaturga, który wolałby zachować swoją tożsamość w tajemnicy. Teoria ta ma różne podstawy: rzekome niejasności i luki w dokumentacji historycznej dotyczącej Szekspira; przekonanie, że sztuki te wymagałyby wyższego poziomu kultury niż ten, który Szekspir, jak się uważa, posiadał; rzekomo ukryte w sztukach zakodowane przesłania; paralele między postaciami w sztukach Szekspira a życiem niektórych dramaturgów.

W XIX wieku najpopularniejszym alternatywnym kandydatem był Sir Francis Bacon. Wielu ówczesnych „anty-stratfordczyków” było jednak sceptycznych wobec tej hipotezy, nawet jeśli nie potrafili zaproponować alternatywy. Amerykański poeta Walt Whitman poświadczył ten sceptycyzm, kiedy powiedział Horace Traubel: „Jestem z wami, koledzy, kiedy mówicie ”nie” Shaksperowi (sic): to jest tak daleko, jak mogę się posunąć. Co do Bacona, cóż, zobaczymy, zobaczymy. Od lat 80. najpopularniejszym kandydatem jest Edward de Vere, 17. hrabia Oksfordu, zaproponowany przez Johna Thomasa Looneya w 1920 r. i przez Charltona Ogburna w 1984 r. Poeta i dramaturg Christopher Marlowe również był brany pod uwagę jako alternatywa, choć jego wczesna śmierć zdegradowała go do drugiego miejsca. Zgłoszono wiele innych kandydatur, które jednak nie zyskały większego poparcia.

Najbardziej rozpowszechnione w kręgach akademickich jest stanowisko, że William Shakespeare ze Stratfordu był autorem sztuk, które noszą jego imię.

Ostatnio jednak pogłoski o autorstwie Szekspira nasiliły się po wypowiedziach aktorów Dereka Jacobi i Marka Rylance”a. Obaj wydali tzw. oświadczenie o uzasadnionych wątpliwościach co do tożsamości słynnego dramaturga. Oświadczenie stawia pytanie, czy William Szekspir, XVI-wieczny prostak wychowany w niepiśmiennym domu w Stratford-upon-Avon, napisał genialne sztuki, które noszą jego imię. W oświadczeniu argumentuje się, że człowiek, który ledwie potrafił czytać i pisać, nie mógł posiąść tak rygorystycznej wiedzy prawniczej, historycznej i matematycznej, jaka jest obecna w tragediach, komediach i sonetach przypisywanych Szekspirowi.

Przez lata istniały teorie, że William Szekspir był jedynie pseudonimem, za którym mogły się ukrywać inne znakomite nazwiska, takie jak Christopher Marlowe (1564-1593), filozof i człowiek pióra Francis Bacon (1561-1626) czy Edward de Vere (1550-1604), 17. hrabia Oksfordu. Jacobi twierdzi, że faworyzuje Edwarda de Vere, który uczestniczył w życiu dworskim za panowania Elżbiety I (1533-1603), i opisuje go jako swojego preferowanego „kandydata”, biorąc pod uwagę rzekome podobieństwa między biografią hrabiego a licznymi wydarzeniami opisanymi w książkach Szekspira.

Jaki jest jeden z głównych powodów, dla których kwestionowano autorstwo Szekspira? World Book Encyclopedia wskazuje na „odmowę uwierzenia, że aktor ze Stratford on Avon mógł napisać takie sztuki”. Jego wiejskie pochodzenie nie pasowało do obrazu, jaki mieli o wielkim pisarzu”. Encyklopedia dodaje, że większość rzekomych pisarzy „należała do szlachty lub innych uprzywilejowanych klas”. Dlatego wielu z tych, którzy kwestionują literackie ojcostwo Szekspira, uważa, że „tylko wykształcony, wyrafinowany, pochodzący z wyższej klasy autor mógł napisać te sztuki”. Wielu badaczy uważa jednak, że Szekspir je napisał.

Wiele mówi się o życiu osobistym autora i jego domniemanym homoseksualizmie, spekulacje te znajdują główną podstawę w bardzo oryginalnym zbiorze sonetów, który został opublikowany, najwyraźniej bez jego zgody. Podejrzewano również, że miał kochankę lub kochanki, które unieszczęśliwiły jego małżeństwo, gdyż jego żona i matka trójki dzieci była dużo starsza i w ciąży przed ślubem. Podejrzenie to opiera się na słynnym cytacie z jego testamentu: „Zostawiam ci moje drugie najlepsze łóżko”, fragmencie, który stał się powodem najrozmaitszych interpretacji i nielicznych spekulacji. Najbardziej ogólna z nich wiąże się z faktem, że związek pary nie był do końca satysfakcjonujący. Inna wskazuje na to, że dramaturg zadedykował swojej żonie sonet zatytułowany Żona świata.

Uważnie śledzono też okrucieństwo Szekspira wobec postaci kobiecych w sonetach, a co za tym idzie – wobec naiwności mężczyzny, który wpada w ich sieci. Tematy rozwiązłości, cielesności i fałszu kobiet – opisane i z humorem skrytykowane przez dramaturga – są wystarczającym dowodem dla tych, którzy zakładają, że miałby on pewne upodobanie do mężczyzn i odżegnywał się od kokieterii pań, w każdym razie zawsze wspominanych w aluzji do ich powierzchowności i materialistycznych zainteresowań.

Zob. część poniższego fragmentu jego sonetu 144:

Widać tu wyraźnie ostrą szekspirowską krytykę roli kobiety, która na pierwszy rzut oka zdaje się stać pomiędzy romansem dramaturga a jego mecenasem. Ci, którzy kwestionują to założenie, zarzucają, że poetycki głos sonetu niekoniecznie odpowiada osobowości autora.

Prawda jest taka, że Szekspir parodiuje jego perspektywę, co widzimy w cytacie:

Cały ten problem rozmywa się, gdy na chwilę zatrzymamy się nad niektórymi z jego najsłynniejszych teatralnych fragmentów. W jednej ze swoich komedii, zatytułowanej Jak wam się podoba, Szekspir podkreśla zepsucie męskiego świata i zdolność kobiety – Rosalindy – do przywrócenia pierwotnego porządku i zaprowadzenia pokoju. Jednak, choć bohaterką fabuły jest postać kobieca, odwagi i zdolności do wielkich czynów nabiera dopiero wtedy, gdy wciela się w rolę mężczyzny, Ganimede – postaci mitologicznej, męskiego kochanka Jowisza.

Przechodząc do tragedii, przypadek Króla Leara jest również bardzo reprezentatywny. Autor podkreśla tu zaślepienie mężczyzn, zwłaszcza Leara, który wygania swoją córkę Kordelię za to, że jako jedyna z trzech sióstr wyraziła swoją szczerość. Feministyczne badania sugerowałyby, że Szekspir atakował współczesne mu społeczeństwo i że używał fikcyjnych nazwisk i miejsc, aby uniknąć prześladowań na dworze.

Broni kobiety i uświadamia mężczyznom, że uciszenie jej zakończy się katastrofą, jak to ma miejsce w zakończeniu Leara, a inne opinie o sztuce mówią, że kobiety nie mogły według dramaturga zasiadać na tronie, bo pociągałoby to za sobą chaos i kontrowersje. Kiedy król Lear oddaje władzę swoim dwóm najstarszym córkom, Goneryli i Reganie, te gwałtownie zmieniają swoje zachowanie wobec ojca i poddają go opresyjnym torturom, które stopniowo pochłoną jego życie. Rząd podupada, a królewska świta się rozpada, aż do momentu, gdy władzę przejmuje mężczyzna.

W 1559 roku, pięć lat przed narodzinami Szekspira, za panowania Elżbiety I, Kościół Anglii oddzielił się ostatecznie, po okresie niepewności, od Kościoła katolickiego. Z tego powodu na angielskich katolików wywierano naciski, by przeszli na anglikanizm, a także ustanowiono prawa prześladujące tych, którzy odmówili konwersji. Niektórzy historycy twierdzą, że w czasach Szekspira istniała znacząca i powszechna opozycja wobec narzucania nowej wiary. Niektórzy krytycy, na podstawie dowodów zarówno historycznych jak i literackich, twierdzą, że Szekspir był jednym z tych przeciwników, choć nie byli w stanie tego udowodnić w sposób rozstrzygający. Pewne jest to, że Szekspir czuł się bardziej komfortowo pod rządami filokatolickiego Jakuba I niż antykatolickiej Elżbiety I.

Istnieją przesłanki, że niektórzy członkowie rodziny dramatopisarza byli katolikami. Najważniejszym z nich jest pamflet podpisany przez Johna Shakespeare”a, ojca poety, w którym rzekomo wyznaje on swój sekretny katolicyzm. Tekst, znaleziony w XVIII wieku w jednej z krokwi w miejscu narodzin Szekspira, został przeanalizowany przez czołowego uczonego, Edmonda Malone”a. Jednak zaginął, więc nie można udowodnić jego autentyczności. John Shakespeare był również wśród tych, którzy nie uczęszczali na nabożeństwa, ale podobno było to „z obawy przed ściganiem za długi”, według komisarzy, a nie dlatego, że nie akceptował religii anglikańskiej.

Matka Szekspira, Mary Arden, należała do znanej katolickiej rodziny z Warwickshire; w 1606 roku jej córka Susannah była jedną z niewielu kobiet mieszkających w Stratfordzie, które odmówiły przyjęcia komunii, co może sugerować pewne sympatie dla katolicyzmu. Archidiakon Richard Davies, XVIII-wieczny duchowny anglikański, napisał podobno o Szekspirze: „Umarł jako papista”. Co więcej, czterech z sześciu nauczycieli szkoły w Stratfordzie, do której pisarz uczęszczał w młodości, było sympatykami katolicyzmu, a Simon Hunt, prawdopodobnie jeden z nauczycieli Szekspira, został w końcu jezuitą.

Chociaż żadna z tych teorii nie dowodzi niezbicie, że Szekspir był katolikiem, historyk Clare Asquith jest zdania, że sympatie Szekspira dla katolicyzmu są dostrzegalne w jego pisarstwie. Według Asquith, Szekspir używa pozytywnych określeń, takich jak „wysoki” (i negatywnych – „niski”, „ciemny”) w stosunku do protestantów.

Choć wiele nie wiadomo o edukacji Szekspira, pewne jest, że artysta nie miał dostępu do wykształcenia uniwersyteckiego, a jego przyjaciel Ben Jonson, który miał, ubolewał kiedyś nad „jego małą ilością łaciny i jeszcze mniejszą greki”, co nie przeszkodziło mu nazwać go „słodkim łabędziem z Avonu” i dodać, że „nie jest on z jednego wieku, ale z wszystkich czasów”. W pewnym sensie jego nienajgorsze wykształcenie (w Stratfordzie była dobra szkoła i Szekspir mógł się w niej nauczyć wielu łacińskich klasyków) było zaletą, gdyż jego kultura nie była ukształtowana na wzór powszechny w jego czasach; jako autodydakta William Szekspir, jak zauważa znawca i tłumacz jego dzieł kompletnych Luis Astrana Marín, miał dostęp do niezwykle rzadkich źródeł literackich dzięki przyjaźni z księgarzem. Analizy jego pism ujawniają, że był żarłocznym czytelnikiem; niektóre z nich to istne setki tekstów zaczerpniętych z najróżniejszych źródeł. Istnieją jednak cztery główne źródła jego twórczości.

Po pierwsze, historycy angielscy, a zwłaszcza drugie wydanie The Chronicles of England, Scotlande, and Irelande Raphaela Holinsheda, opublikowane w 1587 roku, jako źródło dla niektórych jego dramatów historycznych, dla fabuły Makbeta oraz dla części Króla Leara i Cymbelina; Żywoty równoległe Plutarcha w przekładzie z francuskiej wersji Jacques”a Amyota dokonanym przez jego przyjaciela Thomasa Northa (1573), z których zaczerpnął Tytusa Andronikusa, Juliusza Cezara, Koriolana oraz Antoniusza i Kleopatrę, a także Eseje Montaigne”a w przekładzie Johna Florio (1603), które ukształtowały niektóre fragmenty Burzy.

Po drugie, jako źródło inspiracji należy wymienić nowelierów (od Mateo Bandello pochodzi historia Como gustéis oraz Romeo i Julia, która zainspirowała także Castelvines y Monteses Lope de Vega i Los bandos de Verona Francisco Rojasa Zorrilli; od Giambattisty Giraldiego Cinthio – Otello; od Giovanniego Boccaccia A buen fin no hay mal tiempo, a od Giovanniego Fiorentina Kupiec wenecki i Wesołe żony z Windsoru; A buen fin no hay mal tiempo Giovanniego Boccaccia oraz Kupiec wenecki i Wesołe kumoszki z Windsoru Giovanniego Fiorentina; niektóre dzieła zainspirował również Chaucer) oraz różnego rodzaju utwory różne, w tym hiszpańskie, jak Noches de invierno Antonia de Eslavy czy Silva de varia lección Pero Mexíi.

Po trzecie, inspirowała go także poprzedzająca go angielska produkcja dramatyczna, z której czerpał bogactwo fabuł, postaci i zasad kompozycyjnych. Czasem nawet przerabiał całe sztuki (np. wcześniejszy Hamlet przypisywany Thomasowi Kydowi z 1589 roku, który odniósł sukces i nie zachował się, ale zainspirował późniejszego Szekspira). Cytował lub przywoływał teksty z wielu sztuk, szczególnie wyczulony na wzór Christophera Marlowe”a w swoich wczesnych utworach. Ten naśladowczy zapał nie pozostał niezauważony przez współczesnego mu Roberta Greene”a, który wziął go za plagiatora i napisał w 1592 roku, nawiązując do znanej bajki przytoczonej przez Horacego, co następuje:

Wreszcie Szekspir był też dobrze zorientowany w mitologii (znał dobrze Metamorfozy Owidiusza) i w retoryce, choć jego styl niekiedy świadomie wymyka się sztywnym i mechanicznym symetriom tej ostatniej, a innym razem okazuje się zbytnim graczem słów, jak to było wówczas w modzie w euforyzmie, rozpowszechnionym przez Johna Lyly”ego, a wywodzącym się ze stylu Antonia de Guevary, choć Szekspir wypowiadał się przeciwko jego przesadzie.

Szekspir uznawał się za wielkiego asymilatora (siła syntezy cechuje wielkich poetów, podobnie jak np. Dantego Alighieri) i deklarował to w Sonecie LXXVI; ale twierdził też w tym sonecie, że potrafi przewyższyć swoje wzorce, czyniąc coś radykalnie starego nowym, tchnąc w to nowe życie. Zamiast wymyślać lub odwoływać się do oryginalności, wziął istniejące już historie, jak Hamlet, i dał im to, czego brakowało im do wybitności. Niemniej jednak i na przekór wszystkiemu okazał się również całkowicie oryginalny, niekiedy świadomie odcinając się od wszelkiej tradycji, jak w Sonetach, które odwracają wszystkie kanony petrarkizmu, opracowując śpiewnik przeznaczony dla mężczyzny i w których domaga się, ni mniej ni więcej, tylko porzucenia narcyzmu epoki, porzucenia narcyzmu epoki, porzucenie narcyzmu chwili na rzecz transcendencji wieczności poprzez miłość, co może wydawać się dość abstrakcyjne, ale tak właśnie abstrakcyjne i enigmatyczne są te wiersze, z których każdy zawsze zawiera dramatyczny ruch, wezwanie do działania.

Przeczytaj także: bitwy – Bitwa pod Castillon

Tło: teatr elżbietański

Kiedy Szekspir rozpoczynał swoją działalność teatralną, przechodziła ona przemiany okresu przejściowego. Pierwotnie teatr w Anglii był popularnym widowiskiem, związanym z innymi popularnymi rozrywkami tamtych czasów, takimi jak wabienie niedźwiedzi (walka zakutego w łańcuchy niedźwiedzia z wściekłymi psami). Jej korzeni należy szukać w późnym średniowieczu, w potrójnej tradycji dramatycznej: misteriów, o tematyce religijnej, przeznaczonych do uświetniania świąt różnych cechów; moralitetów lub moralitetów, o charakterze alegorycznym, wystawianych przez zawodowych aktorów; oraz dworskich interludiów, sztuk przeznaczonych dla rozrywki szlachty.

Najwybitniejsi szlachcice sponsorowali grupy aktorów noszące ich nazwiska. W ten sposób w epoce elżbietańskiej powstały takie firmy jak The Hundson Men (później Lord Chamberlain”s Men), The Admiral”s Men i The Queen”s Men, wśród najważniejszych. Przy pewnych okazjach te zespoły teatralne występowały w pałacach swoich arystokratycznych patronów. Na przykład The King”s Men, po objęciu zespołu patronatem przez króla Jakuba I, występowali na dworze raz w miesiącu. Posiadanie poparcia mecenasa było niezbędne dla zapewnienia przyszłego sukcesu sztuki.

Przedstawienia były pierwotnie wystawiane na wewnętrznych dziedzińcach karczm. Nawet w czasach Szekspira, w niektórych z tych miejsc nadal odbywały się przedstawienia teatralne. Nie nadawały się one jednak zbytnio do przedstawień, gdyż działalność gospody utrudniała niekiedy występy. Sprzeciwiały się im również władze, które niepokoiły się panującymi tam nieporządkami i awanturami, a także „niegodziwymi praktykami nietrzymania moczu”, które miały tam miejsce. Czynnik higieny również działał na ich niekorzyść: zaraza była bardzo częsta, a masowe zgromadzenia nie sprzyjały zdrowiu.

Z tych powodów stopniowo pojawiały się przepisy regulujące działalność teatralną, a uzyskanie licencji na występy w karczmach stawało się coraz trudniejsze. Doprowadziło to do budowy na obrzeżach miasta bardziej przytulnych, stałych teatrów, a także do konsolidacji i profesjonalizacji kariery aktorskiej. Pierwszy teatr, zwany po prostu Teatrem, został zbudowany w 1576 roku. Kolejne powstały później: The Curtain, The Rose, The Swan i The Globe. Ten ostatni, zbudowany w 1599 r. i położony, podobnie jak pozostałe, poza miastem, aby uniknąć problemów z City of London, był najsłynniejszy z nich wszystkich i ulubiony przez towarzystwo, którego członkiem był William Shakespeare.

Wszystkie te teatry były budowane na wzór dziedzińców karczm. Żaden z nich nie zachował się w stanie oryginalnym, ale dzięki pewnym wzmiankom z epoki można sobie z grubsza wyobrazić ich kształt. Były to sześcio- lub ośmiokątne (zdarzają się wyjątki) pomieszczenia z umiarkowanie zadaszoną sceną, która wchodziła lekko w środek otwartej areny otoczonej dwoma lub trzema piętrami galerii. Podest składał się z dwóch poziomów, jeden nieco ponad metr nad areną, zadaszony i wsparty na kolumnach, drugi nieco wyżej, z dachem skrywającym aparaturę potrzebną do obsługi urządzeń scenicznych i manewrowania inscenizacją. Może nieść flagę, a nawet symulować wieżę.

Teatry te miały bardzo dużą liczbę miejsc siedzących. Obliczono na przykład, że The Globe może pomieścić około 2000 widzów.

Początkowo status społeczny komediantów, zwłaszcza tych najskromniejszych, nie był łatwo odróżnialny od statusu włóczęgi czy żebraka. Z czasem jednak, wraz z otwarciem nowych teatrów, aktorzy epoki elżbietańskiej stopniowo osiągali coraz wyższy status społeczny.

Skąpa scenografia sprawiała, że to na wykonawcy spoczywała główna odpowiedzialność za spektakl, przez co jego technika miała tendencję do nadinterpretacji języka, gestykulacji i krzykliwych kostiumów. Ponieważ kobietom nie wolno było wychodzić na scenę, role kobiece powierzano dzieciom lub nastolatkom, co sprzyjało komicznej grze erotycznej dwuznaczności. Mowa była bardzo ważna, a fakt, że scena została wysunięta nieco w głąb dziedzińca, sprawił, że często wykorzystywano ją do monologów. Brak malowanych tła sprawiał, że aktor często odwoływał się do wyobraźni widza, a pisarz do hipotypów. Publiczność była zróżnicowana i heterogeniczna, a co za tym idzie – mieszały się w niej siermiężne aluzje i sprośne, sprośne żarty z najbardziej kulturalną i wyrafinowaną galanterią miłosną i najbardziej pokrętną pedanterią eufemistyczną.

Widzowie przychodzili do teatru za cenę zależną od komfortu oferowanego miejsca. Najtańsze bilety wymagały stania i wystawiania się na działanie czynników atmosferycznych; najmniej przystępne cenowo bilety faworyzowały szlachtę i bogaczy, którzy mogli siedzieć pod osłoną i z dala od słońca.

Zawód dramatopisarza nie był dobrze wynagradzany, a wszelkie prawa do sztuk przechodziły na firmy, które je wystawiały; dlatego sztuki często ulegały wielokrotnym przeróbkom i adaptacjom przez różne pióra, nie zawsze umiejętnie i z szacunkiem, nie mówiąc już o cięciach, którym poddawane były pod wpływem kaprysu aktorów. Nazwisko autora było wymieniane (często niedokładnie) dopiero dwa lub trzy lata później, więc pisarze nie cieszyli się owocami swojej pracy, chyba że posiadali udziały w firmie, jak to było w przypadku Szekspira i innych dramaturgów, którzy pracowali razem i dzielili się zyskami.

Jedną z najważniejszych cech teatru elżbietańskiego, a w szczególności szekspirowskiego, jest wielość poziomów, na których obracają się jego fabuły. Tragiczne, komiczne, poetyckie, ziemskie i nadprzyrodzone, realne i fantastyczne w mniejszym lub większym stopniu przenikają się w tych sztukach. Przejścia między tym, co melancholijne, a tym, co aktywne, są szybkie i często przejawiają się w pojedynkach i walkach na scenie, co musiało stanowić żywą choreografię, bardzo odpowiadającą ówczesnym gustom.

Głupiec jest ważną postacią w twórczości Szekspira, gdyż daje mu swobodę wypowiedzi i luz. Uznano, że jego niedostosowanie umysłowe lub ułomność fizyczna pozwalają mu mówić rzeczy lub wyrażać opinie na kontrowersyjne tematy, które byłyby zakazane w ustach większych postaci. Bez wątpienia ten chwyt był idealny dla angielskiego pisarza, ponieważ każda krytyka królewskości mogła być usprawiedliwiona przez przypisanie jej bohaterowi, który nie myśli jak większość ludzi, biorąc pod uwagę niedoskonałości, na które cierpi.

Przeczytaj także: biografie-pl – Echnaton

Teatr Szekspira

Wobec braku holograficznych rękopisów i dokładnych dat powstania utworów, bardzo trudno jest ustalić szekspirowską chronologię bibliograficzną. Pierwsze Folio, w którym zebrano większość jego twórczości literackiej, zostało wydane przez dwóch aktorów z jego zespołu, Johna Hemingesa i Henry”ego Condella, w 1623 roku, osiem lat po śmierci autora. Książka ta dzieliła jego twórczość dramatyczną na Historie, Komedie i Tragedie. Sporządzono 750 egzemplarzy, z których do naszych czasów zachowała się jedna trzecia, w większości niekompletna. Dzięki tej pracy zachowała się połowa niewydrukowanej twórczości dramatycznej dramaturga, gdyż Szekspirowi nie zależało na tym, by przejść do historii jako dramatopisarz.

Pierwsze Folio zawiera wyłącznie utwory dramatyczne (nie ma w nim liryki), w liczbie 36: 11 tragedii, 15 komedii i 10 sztuk historycznych. Nie obejmuje on niektórych sztuk tradycyjnie przypisywanych Szekspirowi, takich jak komedie Perykles i Dwaj szlachetni królewicze, ani dramatu historycznego Edward III. O ile w przypadku Peryklesa udział Szekspira wydaje się dość pewny, o tyle nie dotyczy to dwóch pozostałych sztuk, tak że liczba tytułów włączonych do kanonu szekspirowskiego waha się, w zależności od wersji, między 37 a 39.

Jak wiele tragedii zachodnich, tragedia Szekspira często przedstawia bohatera, który spada z bezdroża łaski i kończy się śmiercią, wraz z bliską proporcją reszty ciała przewodniego. Sugeruje się, że zwrot dramatopisarski w tym gatunku jest biegunowym przeciwieństwem komedii; egzemplifikuje on poczucie, że istoty ludzkie są nieuchronnie nieszczęśliwe z powodu własnych błędów, a nawet ironicznie tragicznego wykonywania swoich cnót, lub z powodu natury losu, czyli kondycji człowieka do cierpienia, upadku i śmierci…. Innymi słowy, jest to przedstawienie, które z konieczności ma nieszczęśliwe zakończenie.

Szekspir komponował tragedie od samego początku swojej kariery: jedną z najwcześniejszych była tragedia rzymska Tytus Andronikus, a kilka lat później Romeo i Julia. Jednak największe uznanie zyskały dzieła powstałe w ciągu siedmiu lat, między 1601 a 1608 rokiem: Hamlet, Otello, Król Lear, Makbet (cztery główne) oraz Antoniusz i Kleopatra, a także mniej znane Tymon Ateński oraz Troilus i Kressyda.

Wielu podkreślało w tych sztukach arystotelesowską koncepcję tragedii: że bohater musi być postacią godną podziwu, ale ułomną, a publiczność musi być w stanie go zrozumieć i mu współczuć. W istocie każda z tragicznych postaci Szekspira jest zdolna zarówno do dobra, jak i do zła. W sztuce zawsze podkreśla się koncepcję wolnej woli; (anty)bohater może upaść lub zepsuć się i odkupić się przez swoje czyny. Autor natomiast prowadzi ich do nieuchronnej zguby.

Poniżej wymienione są wszystkie tragedie Szekspira, ułożone według przybliżonej daty ich powstania:

Do istotnych cech komedii szekspirowskiej należą: komiczny vis, dialektyka języka pełnego kalamburów, kontrast między postaciami przeciwstawianymi sobie przez klasę społeczną, płeć, płeć lub władzę (reprezentatywnym przykładem może być Poskromienie złośnicy, tłumaczone też czasem jako Poskromienie złośnicy); erotyczne aluzje i konotacje, przebieranki oraz tendencja do chaotycznego rozproszenia i zagubienia, aż do momentu, gdy akcja opowieści doprowadzi do odzyskania tego, co zostało utracone i odpowiedniego przywrócenia w ramach tego, co naturalne. Panorama komedii obejmuje również eksplorację społeczeństwa, w którym wszyscy jego członkowie są jednakowo badani, w sposób bardzo odmienny od sposobu postrzegania społeczeństwa w jego sztukach historycznych, osadzonych na makiawelicznym dążeniu do władzy („drabina z piasku”, ze względu na pustkę treści) i zakłócaniu boskiego, kosmicznego porządku, który król reprezentuje na ziemi. Komedia, jako galeria typów społecznych, jest więc u Szekspira przestrzenią szerszą niż tragiczna i historyczna i lepiej oddaje społeczeństwo jego czasów, choć i na tym polu wyróżnia się talent autora do tworzenia postaci szczególnie zindywidualizowanych, jak w przypadku Falstaffa.

O ile ton fabuły jest często burleskowy, to niekiedy, jak w Kupcu weneckim, kryje się w niej niepokojący pierwiastek tragiczny. Poruszając tematy, które mogą wywołać tragiczny skutek, Szekspir stara się w typowy dla siebie sposób, nie opowiadając się po żadnej ze stron, nie proponując środków zaradczych, nie moralizując i w ogóle nie głosząc kazań, nauczyć o niebezpieczeństwach, jakie niosą ze sobą wady, zło i irracjonalność człowieka, bez potrzeby popadania w destrukcję, która pojawia się w jego tragediach, a przywracanie ładu i porządku pozostawia Naturze.

Zakończenia komedii są na ogół uroczyste i przyjemne. Należy zauważyć, że wulgarny i pełen dwuznaczności język, a także mnogość różnych punktów widzenia, zmiany fortun i zachwianie tożsamości stanowią niezawodny składnik, któremu często towarzyszą zaskakujące zbiegi okoliczności. Parodia seksu, rola przebrania i magiczna moc natury naprawiająca szkody i rany zadane przez skorumpowane i żądne chciwości społeczeństwo to transcendentne elementy komedii szekspirowskiej.

Człowiek całkowicie zmienia swój sposób myślenia i działania, schroniwszy się na pustkowiu i uciekając od cywilizacji, poddając się grze przeciwieństw. Na koniec warto zauważyć, że sfera społeczna, którą posługuje się Szekspir w swoich sztukach, jest być może nieco węższa niż ta, którą odnajdujemy w większości komedii.

Jak już wspomniano, błazen – postać bardzo popularna na ówczesnym dworze – jest niezachwianym elementem, na którym dramaturg czuje się swobodniej, wyrażając swoje myśli, zważywszy, że opinie takiej osoby nigdy nie były uznawane za ważne – to doskonały pretekst do elaboratów.

Datę powstania komedii Szekspira szacuje się na lata 1590-1612, jako punkt wyjścia i zwieńczenie jego twórczości pisarskiej. Pierwszy i najmniej rozbudowany to Dwaj panowie z Werony, następnie Kupiec wenecki, Wiele hałasu o nic, Jak wam się podoba, Opowieść zimowa, Burza i wiele innych wymienionych poniżej:

Należy wyraźnie zaznaczyć, że Burza, Opowieść zimowa, Cymbeline i Perykles przez wielu uważane są za poetyckie fantazje (w języku angielskim używa się terminu romance), ponieważ posiadają cechy, które odróżniają je od reszty komedii.

Pierwsze Folio klasyfikuje jako „dzieła historyczne” (historie) tylko te, które dotyczą stosunkowo niedawnej historii Anglii. Inne sztuki o tematyce historycznej, takie jak te osadzone w starożytnym Rzymie, czy nawet Makbet, w którym występuje prawdziwy król Szkocji, nie są tutaj klasyfikowane. Jest ich w sumie jedenaście (lub dziesięć, jeśli pominąć Edwarda III, współcześnie uważanego za apokryf). Źródło, z którego korzystał dramaturg przy komponowaniu tych sztuk, jest dobrze znane: są to Kroniki Rafaela Holinsheda.

Poniżej znajduje się lista tych utworów, ułożona według przybliżonej daty ich powstania.

Istnieją poważne wątpliwości co do autorstwa pierwszego z tej listy, Edwarda III. Ostatni z nich, Henryk VIII, został prawdopodobnie napisany we współpracy z Johnem Fletcherem, który zastąpił Szekspira na stanowisku głównego dramaturga w zespole King”s Men.

W ramach jego sztuk historycznych zazwyczaj grupuje się dziesięć sztuk, które napisał o królach angielskich, tzw. cykl historyczny, który Szekspir poświęcił siedmiu królom angielskim, z tego cyklu wyłączone są sztuki o królu Learze (król legendarny) i Makbecie (oparta na życiu króla szkockiego Makbeta) oraz sztuka o Edwardzie III (choć coraz więcej wskazuje na to, że została napisana przez Szekspira, przynajmniej częściowo, jej autorstwo nie zostało ustalone). Cykl ten wyklucza króla Jana i Henryka VIII, ponieważ nie są oni zgodni z sekwencją historyczną.

Osiem z tych sztuk zgrupowanych jest w dwóch tetralogiach, których kolejność powstawania nie pokrywa się z chronologią przedstawianych wydarzeń historycznych. Pierwsza z tych tetralogii składa się z trzech poświęconych panowaniu Henryka VI (1422-1461) oraz z jednej poświęconej ambitnemu i strasznemu Ryszardowi III (panującemu w latach 1483-1485). Wszystkie zostały skomponowane prawdopodobnie między 1590 a 1594 rokiem.

Druga tetralogia, na którą składają się Ryszard II, dwie części Henryka IV i Henryk V, przenosi się w czasie. Skupia się na panowaniu Ryszarda II (1377-1399), Henryka IV (1399-1413) i Henryka V (1413-1422). Wszystkie te utwory zostały skomponowane w latach 1594-1597.

Biorąc pod uwagę, że duża część społeczeństwa była niepiśmienna, sztuki te były dobrym sposobem przekazywania historii, a w konsekwencji rozwijania patriotyzmu i miłości do kultury angielskiej, a także zaszczepiania poczucia odrzucenia wojen domowych. Sztuki historyczne nie tylko dostarczały rozrywki, ale także potwierdzały i uzasadniały władzę monarchii wobec tych, którzy mogliby kwestionować jej legalność. W sztukach Szekspira król, podobnie jak w sztukach Lope de Vegi, jest reprezentantem kosmicznego porządku na ziemi. To właśnie to, co badacze o randze Greenblatta będą później analizować, koncentrując się na dominującym dyskursie i zdolności elżbietańskiego teatru do utwierdzania królewskiej władzy, utrzymywania porządku i zniechęcania do przewrotów.

Biorąc pod uwagę zależność zespołów teatralnych od arystokratycznych mecenasów (a w przypadku The King”s Men od władzy królewskiej), logiczne jest, że pisano i wystawiano sztuki z udziałem postaci historycznych należących do szlachty i ważnych dla historii Anglii. Tak jest w przypadku Henryka V, zwycięzcy w bitwie pod Agincourt nad wojskami Francji, odwiecznego rywala Anglii. Podejmując ważne fakty historyczne, ignorując porażki i wyolbrzymiając heroizm zwycięstwa, które przypisywano panującemu monarsze, dzieła te zdołały zwiększyć powszechne przywiązanie do korony.

W początkach dramatu szekspirowskiego chodziło o legitymizację władzy dynastii Tudorów, intronizowanej w 1485 roku, właśnie po obaleniu Ryszarda III, jednej z najbardziej odrażających postaci dramatu szekspirowskiego. Przystąpienie Tudorów do tronu budziło pewne wątpliwości, zarówno ze względu na ich walijskie pochodzenie, jak i na problematyczność ich roszczeń do tronu (podobno Henryk VII, pierwszy monarcha z tej dynastii, opierał swoje prawa na pochodzeniu od francuskiej księżniczki Katarzyny, wdowy po Henryku V, która kilka lat później ponownie wyszła za mąż za Owena Tudora, walijskiego szlachcica o niewielkim wpływie na monarchię krajową).

Istnieją jednak krytycy, którzy uważają, że historyczne sztuki Szekspira zawierają zawoalowaną krytykę monarchii, zamaskowaną w celu uniknięcia potencjalnych problemów z prawem.

Narracje rycerskie pisane prozą lub wierszem były powszechnym gatunkiem fantastyki bohaterskiej w Europie od średniowiecza do renesansu; książki rycerskie w języku angielskim, francuskim, hiszpańskim, włoskim i niemieckim mogły również zawierać mity arturiańskie oraz legendy celtyckie i anglosaskie; magia i fantazja były również zaangażowane, a nostalgia za utraconą przedchrześcijańską mitologią wróżek i innymi zabobonami była również wyczuwalna. Ta legendarna narracja, której ostatnim wyrazem i arcydziełem była być może Śmierć Artura sir Thomasa Malory”ego, stała się już alternatywna i popularna, utożsamiana z językiem wernakularnym, w przeciwieństwie do bardziej moralizatorskiej narracji chrześcijańskiej, związanej ze sferą kościelną, przeznaczonej dla bardziej wyselekcjonowanej publiczności i po łacinie. Aby zdefiniować ten typ popularnych treści, wybrano termin romans lub novellesque.

W Wielkiej Brytanii, pod koniec XVI i na początku XVII wieku, romans wyłonił się jako gatunek fantastyczny, w którym oprócz pewnych charakterystycznych konwencji (rycerze obdarzeni specjalnymi mocami, magia, czary, zmiany rzeczywistości, zaloty postaci kobiecej, wyczyny i brawurowe przygody), dodano fakt podboju Ameryki: tygla ras i kultur barbarzyńskich, który służył jako inspiracja dla wielu podróżników i dramaturgów. U Williama Szekspira sztuką, która łączy w sobie wszystkie wymienione konwencje i kształtuje je w teatralny spektakl tyleż interesujący, co nierealny, jest Burza, uważana za dramatyczny testament Szekspira, ponieważ była to prawdopodobnie jego ostatnia sztuka.

Po raz pierwszy wystawiono ją w 1611 roku, a po raz drugi wystawiono ją około lutego 1613 roku z okazji ślubu Elżbiety Stuart, córki króla Jakuba I, z księciem Fryderykiem z Heidelbergu. W sztuce można odnaleźć wiele paraleli z najważniejszymi postaciami epoki jakobińskiej: maska zaślubinowa, którą Prospero tworzy dla przyjemności Mirandy i Ferdynanda, odpowiada boskim postaciom Ceres i Junony, obiecującym szczęśliwą przyszłość, jeśli szczęśliwa para obieca zachować czystość aż do ślubu. Mogło to odpowiadać monarsze, który był równie dobrze znany z rygorów swojej tradycyjnej moralności, jak i z chorobliwego zainteresowania magią i czarami, które również pojawiają się w sztuce. Rzeczywiście, praktyki te prowadziły do palenia kobiet między XVI a XVIII wiekiem, a Jakub I bez wahania skazywał na śmierć każdego, kto był podejrzany o odprawianie takich ceremonii. Temat Burzy mógł się więc przejawić jedynie w monarsze – Prospero – zainteresowanym położeniem kresu złemu czarowi starej wiedźmy, która groziła naruszeniem porządku społecznego wyspy. Magiczny świat tego okresu pojawia się jednak ponownie w innych nowelistyczno-fantastycznych komediach ostatniego okresu twórczości Szekspira, takich jak:

Burza uważana jest za dramatyczny testament Szekspira. Książę Prospero, rozbitek na wyspie, pół-człowiek i pół-bóg z powodu swoich magicznych mocy, zainspirowany jedną z Zimowych nocy Antonia de Eslavy, łamie w końcu różdżkę, rozmyślając o swojej ograniczonej mocy, i niemal niemożliwe jest, by nie włożyć jego słów w usta samego Szekspira:

Niektóre ze sztuk napisanych przez Szekspira wspólnie z Johnem Fletcherem zaginęły, jak na przykład Cardenio, zainspirowany epizodem z Don Kichota Miguela de Cervantesa, czy Dwaj szlachetni rycerze (ta ostatnia sztuka nie znalazła się w Pierwszym Folio, dlatego wielu czytelników kwestionuje autorstwo dramaturga). Z drugiej strony, biorąc pod uwagę zmienność wielu inscenizacji Szekspira, niektórzy twierdzą, że połowa z nich pasowałaby do profilu i stylu Fletchera.

Szekspir posiadał, jak wszyscy wielcy poeci, wielką moc syntezy; pisał całym językiem, miał zniuansowany i rozbudowany leksykon. Dbał o retoryczną stylizację swojego wiersza, często osadzonego nieco w barokowej tradycji konceptualistycznej eufemizmu, dlatego dziś raczej trudnego do zrozumienia i rozszyfrowania nawet dla samych Anglików; świadomie unikał retorycznych symetrii, zbyt oczywistych opozycji pojęć; język był wówczas językiem proteuszowym, a znaczenia słów nie były jeszcze jednoznacznie ustalone przez repertuar leksykalny. Jeśli jego przepracowany język jest i był (i był nawet wtedy, gdy Voltaire atakował w swoich Listach angielskich antyklasyczną nadętość jego stylu) przeszkodą w docenieniu dzieła autora, to prawdą jest również, że jest on podstawą, na której można docenić dzieło autora, prawdą jest również, że jest to fundament, na którym spoczywa jego sława i prestiż jako szlifierza metafor i wynalazcy neologizmów porównywalnych z innymi znanymi dramaturgami i poetami jego czasów, takimi jak Hiszpanie Miguel de Cervantes, Lope de Vega, Francisco de Quevedo, Luis de Góngora i Calderón de la Barca.

Ogólnie rzecz biorąc, krytycy podkreślają dwa główne aspekty twórczości dramatycznej Williama Szekspira.

Po pierwsze, nieludzka wręcz obojętność i oderwanie autora od rzeczywistości swoich bohaterów, którą dzieli również z największą introspekcją i głębią w kreowaniu swojej psychologii. Szekspir nie moralizuje, nie wygłasza kazań, nie proponuje wiary, przekonań, etyki ani żadnego rozwiązania ludzkich problemów: porusza, i robi to lepiej niż ktokolwiek inny, niektóre z podstawowych niepokojów ludzkiej kondycji (być albo nie być, niewdzięczność, być synowskim (Król Lear) albo nie, pusta ambicja), ale nigdy nie daje odpowiedzi: Nie wiemy, co myślał Szekspir, dla którego spektakl świata jest sprawą bez znaczenia, nawet jeśli jego wizja jest pesymistyczna i ponura wobec nędznej i minimalnej pozycji, jaką zajmuje człowiek z tego samego materiału co sen w tajemniczym, głębokim, niezrozumiałym i pozbawionym sensu wszechświecie. Podczas gdy hiszpański teatr barokowy przedkłada to, co boskie, nad to, co ludzkie, Szekspir w równym stopniu podziela jego zachwyt (a właściwie zdziwienie) nad tym, co niebiańskie, jak i tym, co ziemskie:

Jest więcej rzeczy na niebie i ziemi, Horatio, niż wszystko, o czym może marzyć twoja filozofia.

Ponieważ Szekspir jest otwarty na wszystko, nie narzuca sobie żadnych ograniczeń religijnych, etycznych czy filozoficznych; każe Juliuszowi Cezarowi powiedzieć, że „ze wszystkich cudów, jakie słyszałem, najdziwniejsze wydaje mi się to, że ludzie powinni się bać”, a w każdym razie można się bać tylko „strachu innych”.

Krytycy wskazywali niekiedy na stały wątek mizantropii w jego twórczości, a z drugiej strony tylko kosmiczne oderwanie od wszystkiego, co boskie i ludzkie, jest w stanie ułożyć takie frazy:

Życie to historia opowiadana przez idiotę, historia pełna ryku i wściekłości, która nic nie znaczy.

Albo:

Praworządna natura powie: „To był jeden człowiek…. Kiedy pojawi się kolejny?

Po drugie, krytycy podkreślali niezwykłą siłę syntezy „Łabędzia z Avonu” jako liryka; jego fantazja potrafi zobaczyć wszechświat w pigułce; jako twórca postaci, każda z nich stanowi sama w sobie światopogląd, dlatego nazywano go poetą poetów. Ryszard III, Hamlet, Otello, Brutus, Makbet, Lady Makbet, Falstaff… to autentyczne kreacje. Jednak, i właśnie z tego powodu, jest on również krytykowany: bohaterowie jego sztuk wydają się autystyczni, nie umieją słuchać siebie nawzajem i pozostają zamknięci w swoim świecie na głębokie zrozumienie drugiego człowieka. Jakież współczucie łączy Hamleta z jego biedną, udręczoną dziewczyną Ofelią? Czy Marek Antoniusz i Kleopatra, którzy, będąc kochankami, są wobec siebie chorobliwie podejrzliwi, kiedykolwiek „słuchali” siebie nawzajem? Krytyk Harold Bloom wskazał na to jako na jedną z najbardziej zauważalnych i drażliwych różnic między Szekspirem a Cervantesem. U tego ostatniego istnieje empatia, przyjaźń i więź międzyludzka między jego bohaterami, dzięki czemu uczą się oni od siebie nawzajem i rozwijają, podczas gdy autystyczni tragiczni bohaterowie Szekspira nie są w stanie zrozumieć siebie nawzajem i zrealizować tego ludzkiego zbliżenia.

Do badań nad Szekspirem podchodzono z wielu różnych perspektyw. Początkowo historyzm analizował jego twórczość z historycznego i zewnętrznego punktu widzenia, skupiając swoją uwagę na tym, co pozaliterackie. W reakcji na to neokrytycyzm skłaniał się bardziej ku analizie samego dzieła, pomijając wszelkie elementy pozaliterackie. Głównym wyrazicielem tej szkoły krytyki był Stephen Greenblatt.

W ostatnich latach studia nad Szekspirem z perspektywy feministycznej, ostro krytykowane przez autorki takie jak Bloom, zyskały pewną popularność w kręgach akademickich.

Przeczytaj także: biografie-pl – Edward III

Poezja Szekspira

Szekspir był nie tylko dramaturgiem o niekwestionowanej randze, ale także poetą i sonnecistą, a powszechnie uważa się, że cenił siebie bardziej jako liryka niż jako dramatopisarza i tylko jako taki miał nadzieję przetrwać swoje czasy. Choć pisał głównie długie poematy narracyjne i mitologiczne, jest szczególnie pamiętany jako wyjątkowy autor sonetów czysto lirycznych.

Pierwsza wzmianka o tych ostatnich znajduje się w Palladis Tamia (Wit”s Treasury) (Londyn, 1598) autorstwa licencjata z Cambridge Francisa Meresa, który chwali Szekspira za jego „cukrowe sonety”; wzmianka ta pokazuje, że ich rękopiśmienne kopie krążyły w tym czasie wśród jego bliskich przyjaciół:

Jak dusza Euforbiusza uważała się za żyjącą w Pitagorasie, tak dowcipna i słodka dusza Owidiusza żyje w melodyjnym i łagodnym języku Szekspira. Świadectwo, jego Wenus i Adonis, jego Lukrecja, jego Sonety cukrowe, znane jego intymnym przyjaciołom. I jak Plaut i Seneka uważani są za najlepszych w komedii i tragedii wśród Latynosów, tak Szekspir wśród Anglików jest najdoskonalszy w obu gatunkach. Z komedii warto wspomnieć Dwóch panów z Werony, Równouprawnienie, Stracone zachody miłości, Wygrane zachody miłości, Sen nocy letniej i Kupca weneckiego. Z tragedii – Ryszard II, Ryszard III, Henryk IV, Król Jan, Tytus Andronikus oraz Romeo i Julia. I jak Epio Stolo powiedział, że Muzy przemówiłyby w języku Plauta, gdyby chciały mówić po łacinie, tak ja mówię, że Muzy przemówiłyby w pięknej frazie Szekspira, gdyby chciały mówić po angielsku.

Wkrótce potem, w 1599 r., niektóre z jego sonetów, 138 i 144, oraz trzy zawarte w komedii Stracone zachody miłości, zostały wydrukowane (z licznymi zmianami w późniejszych wydaniach) w zbiorze liryków zatytułowanym The Passionate Pilgrim, miscellany różnych autorów fałszywie przypisywane w całości Łabędziowi z Avon, a zawierające wśród innych sonetów osiem innych, które słusznie zostały mu przypisane ze względu na styl i treść. Dopiero w 1609 roku ukazało się tajemnicze kompletne wydanie, prawdopodobnie bez zgody autora, nakładem niejakiego T. T. (Thomas Thorpe, wydawca zaprzyjaźniony z pisarzami i sam piszący). Dedykacja jest dla niejakiego pana W. H.

Nie sposób ustalić z całą pewnością, kto kryje się za tymi inicjałami i wysunięto różne teorie co do osoby, która się za nimi kryje; najbardziej prawdopodobne jest, że był to jeden ze stałych mecenasów poety, a zdecydowana większość krytyków skłania się ku temu, że inicjały są odwrócone i że jest to Henry Wriothesley (1573), hrabia Southampton, ponieważ Szekspir już wcześniej publicznie wyraził mu swoje uznanie, dedykując inne wiersze: Wenus i Adonis oraz Gwałt na Lucrece. Ale innym możliwym kandydatem jest William Herbert, hrabia Pembroke i syn Marii Herbert, siostry Sir Philipa Sidneya, słynnego poety, który skomponował Arkadię; na korzyść tego ostatniego przemawia również to, że miał on intensywne przywiązanie do teatru i był patronem King”s Men, zespołu teatralnego Szekspira. Obaj byli przystojnymi szlachcicami, oddanymi mecenatowi sztuki i literatury, a przy tym znacznie młodszymi od poety, co jest wymogiem, który musi spełniać każdy prawdziwy odbiorca wierszy.

Porządek ustalony przez edycję Thorpe”a utrwalił osobliwą strukturę, bardzo różną od typowego włoskiego śpiewnika petrarkijskiego; nie ma tu bowiem utworów w innych metrach, które mogłyby przełamać monotonię, metrum jest bardzo odmienne od klasycznego sonetu (składa się z trzech serwentesów i kupletu, tzw. sonet szekspirowski) i poświęcone jest w przeważającej części przyjaźni (lub miłości) do człowieka, którego często interpeluje, by stworzyć własny obraz i podobieństwo:

Stwórz innego siebie, z uczucia do mnie, aby piękno przetrwało dla ciebie lub twojego.

Zostaje więc wpisany w całkowicie odnowioną i oryginalną tradycję, z czego sam poeta ironicznie zdawał sobie sprawę:

Dlaczego moje wiersze są tak pozbawione nowych form, tak buntownicze wobec wszelkiej odmiany czy żywej zmiany? Dlaczego wraz z upływem czasu nie skłaniam się ku nowo odkrywanym metodom i dziwnym chwytom? Dlaczego piszę zawsze o jednej rzeczy, zawsze tak samo, a moje wynalazki owijam w znaną szatę, podczas gdy każde słowo niemal ogłasza moje imię, ujawnia swoje narodziny i wskazuje źródło? Och, wiedz o tym, słodka miłości, że piszę zawsze o tobie, i że ty i miłość jesteście moim wiecznym tematem; tak że cały mój talent polega na tym, że nowe ubieram w stare słowa i ponownie używam tego, czego już użyłem. Bo jak słońce jest co dzień nowe i stare, tak moja miłość zawsze powtarza to, co już zostało powiedziane.

Można go podzielić na dwa kolejne cykle sonetów: 126, sławiących jasnowłosego, przystojnego przyjaciela wysokiego urodzenia, mecenasa poety, któremu proponuje on porzucenie samotności, narcyzmu i rozkoszy oraz spłodzenie dziedziców, oraz 28 ostatnich, dotyczących ciemnoskórej kobiety, która była zamężna, jak można wnioskować z aluzji w sonecie 152, i zapewne wykształcona, skoro umiała grać na szpinecie lub klawesynie. Dwa z tych sonetów rozpatrywane są oddzielnie, gdyż są to wersje tego samego epigramu z Antologii greckiej.

Z drugiej strony, w triadzie Szekspira, enigmatycznego adresata i mrocznej damy pojawia się niekiedy także rywal poety, co dodatkowo komplikuje historię miłości, która w ówczesnym języku mogłaby być rozumiana także jako przyjaźń lub ten szczególny rodzaj dylematu, jaki nawiązuje się między poetą a jego patronem. Eksperci (William Minto, później Edward Dowden, Tylor i Frederick Furnivall) w większości utrzymują, że tym poetą był hellenista George Chapman, ponieważ jest on identyfikowany jako autor aleksandryn, wersów, które były wówczas dość rzadkie w angielskiej metryce i które były używane tylko przez tego autora.

Tematy Sonetów to miłość i czas, które są sobie w pewien sposób przeciwstawne; w tych drugich temat przemijania jest eksplorowany dogłębnie, niekiedy aż do metafizyki. W każdym sonecie jest też dramatyczny ruch; można też docenić przede wszystkim moralną i duchową wartość przesłania oraz filozofię, jaką nam pozostawia: jak najlepiej wykorzystać tę niewielką ilość czasu, jaką daje nam życie, by oddać się mu w pełni. Claudio Guillén zauważa również, że „Szekspir ośmiela się mówić rzeczy nowe, zupełnie nowe, takie jak brak rozróżnienia między przyjaźnią a miłością, a także zasadniczy brak rozróżnienia między miłością mężczyzny a miłością kobiety”.

Chronologia sonetów jest trudna do ustalenia, ale przypuszcza się, że powstały one między 1592 a 1597 rokiem.

Każda epoka historyczna nadawała priorytet pewnym sztukom, zgodnie z panującymi w niej względami i interesami. Panująca w XVIII wieku koncepcja „poetyckiej sprawiedliwości” doprowadziła do odrzucenia wielu tragedii Szekspira, gdyż według jego kryteriów teatr powinien promować przykłady cnót. Angielski krytyk Samuel Johnson (1709-1784) nie zaakceptował zakończenia Króla Leara, które uznał za okrutne i niepotrzebne, a wersja Nahuma Tate”a z 1681 roku zastąpiła wersję Szekspira aż do połowy XIX wieku, zadziwiając czytelniczą publiczność wielkim sukcesem: ma szczęśliwe zakończenie, w którym Kordelia i Lear triumfują nad przeszkodami, a bohaterka wychodzi za mąż za Edgarda, prawowitego dziedzica hrabiego Gloucester.

W 1731 roku słynny aktor David Garrick (1717-1779) wystąpił po raz pierwszy w roli garbatego Ryszarda III na scenie teatru w londyńskich slumsach i odniósł spektakularny sukces. Kiedy objął dyrekcję eleganckiego Drury Lane Theatre, jego olśniewający występ wywołał istną „Szekspiromanię”, która osiągnęła apogeum, gdy Garrick sam zorganizował pierwszy jubileusz na cześć poety w Stratfordzie (1769), wydarzenie, które wywołało taki entuzjazm, że nawet Irlandia pod jego szyldem ekshumowała fałszywe dokumenty literackie przypisywane Szekspirowi. Do 1772 roku Garrick zmienił znaczną część Hamleta, usuwając scenę z grabarzami i zwalniając Laertesa z winy za truciznę w jego mieczu. Co więcej, królowej Gertrudzie udaje się przeżyć i wieść życie pokuty, co nie ma miejsca w oryginale. W tym samym czasie sława dramatopisarza rozeszła się po całej Europie; W tym samym roku Gotthold Ephraim Lessing opublikował w Niemczech Hamburgische Dramaturgie, zbiór krytycznych studiów teatralnych, w których opowiadał się za odrzuceniem klasycznej tragedii francuskiej i nowym wyniesieniem Szekspira, podobnie jak Johann Gottfried Herder w 1771 roku w swoim Blättern von Deutscher Art und Kunst. Podobnie jak Garrick w Anglii, Friedrich Ludwig Schröder, aktor i reżyser teatralny, przyczynił się swoim pierwszym przedstawieniem Hamleta w Niemczech (1777) do ożywienia Szekspira na niemieckiej scenie. Goethe wystawiał sztuki Szekspira i Calderóna w Weimarze, gdy otrzymał zlecenie kierowania teatrem księstwa, a sam i Friedrich von Schiller doświadczyli wpływu angielskiego geniusza we własnych sztukach. W Hiszpanii w 1772 roku Hamleta przełożył Ramón de la Cruz, a w 1798 roku Leandro Fernández de Moratín.

Odrodzenie Szekspira (podobnie jak Pedra Calderóna de la Barca) było decydującym wydarzeniem w historii teatru europejskiego, gdyż sprzyjało pojawieniu się preromantyzmu, a jednocześnie umożliwiło powstanie niemieckiego dramatu narodowego, a później francuskiego dramatu romantycznego Victora Hugo.

W 1807 roku Thomas Bowdler opublikował Szekspira rodzinnego, wersję zmodyfikowaną, by jego zdaniem była bardziej odpowiednia dla kobiet i dzieci, która nie mogła „obrażać cnotliwego i religijnego umysłu”. Ta adaptacja dała początek angielskiemu słowu bowdlerize, które oznacza purytańską cenzurę.

W epoce wiktoriańskiej przedstawienia charakteryzowały się na ogół archeologiczną próbą rekonstrukcji epoki, a inscenizatorzy i aktorzy mieli obsesję na punkcie realizmu historycznego zgodnie z dokumentalną metodologią pozytywizmu. Awangarda artystyczna dotknęła także dramaturgów: Gordon Craig w 1911 roku podjął próbę stworzenia kubistycznego Hamleta. Jego obrazoburcza koncepcja sceny otworzyła drogę do różnych estetycznych rewizji sztuk Szekspira w XX wieku. W 1936 roku Orson Welles wystawił w Harlemie nowatorskiego Makbeta, przenosząc nie tylko epokę sztuki, ale i zatrudniając afroamerykańskich aktorów. W filmie fabularnym Laurence”a Oliviera Henryk V, nakręconym ku czci uczestników II wojny światowej, niektóre fragmenty zostały uwypuklone, aby zachęcić Brytyjczyków do patriotyzmu, a najważniejszym z nich była przemowa monarchy do swoich żołnierzy przed bitwą pod Agincourt przeciwko wojskom francuskim. Podobnie jest z niezliczonymi adaptacjami teatralnymi i filmowymi do dnia dzisiejszego.

Tak więc adaptacje, interpretacje i przekręcenia dzieła Szekspira były przez długi czas wytworem partykularnych interesów moralnych, politycznych i estetycznych, a one przesłoniły ponurą koncepcję życia, którą Szekspir autentycznie oferuje.

Jeśli chodzi o jego wpływ na inne kultury, a w szczególności na kulturę latynoską, Szekspir zawsze był bogatym źródłem inspiracji dla pisarzy nowożytnych i współczesnych, ale jego obecność zaznaczyła się tak naprawdę dopiero w XIX wieku. W Ameryce Hiszpańskiej pisarze tacy jak Rubén Darío, a w szczególności eseista José Enrique Rodó, czytali Burzę ze szczególnym zainteresowaniem. Rodó, na przykład, wyartykułował w swoim znanym eseju Ariel (1900) całą interpretację Ameryki opartą na mitach dwóch jej głównych bohaterów, Ariela i Kalibana.

Ale na jego koronację na autora literatury powszechnej trzeba było czekać w Hiszpanii aż do końca XVIII wieku, kiedy to Wolter wzbudził wśród hiszpańskiego Oświecenia pewną ciekawość dla angielskiego pisarza poprzez to, co powiedział o nim w swoich Listach angielskich; Ramón de la Cruz przetłumaczył Hamleta w 1772 roku z francuskiej redukcji Jeana-François Ducisa (1733-1816), który zaadaptował francuskie przekłady tragedii Szekspira na wiersz bez znajomości angielskiego zgodnie z gustami neoklasycyzmu, eliminując gwałtowne zakończenie, wśród innych retuszy. Przekład ten jednak nigdy nie został opublikowany. Z kolei Leandro Fernández de Moratín wydrukował swój własny egzemplarz, również na podstawie złej wersji francuskiej Ducisa, dodając inne braki do tych, które miał jego model (Madryt: Villalpando, 1798).

Istniały też inne wersje poszczególnych dzieł (Macbé lub Los Remordimientos, 1818, Manuela Garcíi, także z francuskiej wersji Ducisa), ale dopiero w drugiej połowie XIX wieku podjęto globalne próby przetłumaczenia całego dorobku autora, do czego niewątpliwie przyczynił się prestiż, jaki autor zyskał dzięki niesłabnącemu uwielbieniu, jakim darzył go niemiecki romantyzm.

Rok 1872 był rokiem fundamentalnym w hiszpańskiej recepcji Szekspira. Ukazały się pierwsze bezpośrednie przekłady z języka angielskiego: Obras de William Shakspeare trad. fielmente del… inglés con presencia de las primeras ediciones y de los textos d á luz por los más célebres comentadores del inmortal poeta, Madrid, 1872-1877 (Imp. Manuel Minuesa, R. Berenguuillo). Tłumaczenie jest autorstwa Matíasa de Velasco y Rojas, markiza Dos Hermanas, ale nie wyszło poza trzy tomy; drugi i trzeci wydrukowano w 1872 roku, pierwszy z jego wierszami i sonetami, drugi z Kupcem weneckim, a trzeci z Julią i Romeo.

W latach 1872-1876 Jaime Clark przetłumaczył Romea i Julię; Hamleta; Otella; Króla Leara; Kupca weneckiego; Jak wam się podoba; Dwunastą noc i Burzę. W 1873 roku gibraltarczyk William Mcpherson rozpoczął druk swojego przekładu 23 sztuk w białej hendecasylabice, z ważnymi prologami.

Z drugiej strony, od 1872 do 1912 roku przedstawienia jego sztuk były częste w Madrycie; Szekspir pojawił się nawet jako postać w Un drama nuevo Manuela Tamayo y Bausa, choć już wcześniej występował w tej roli w dramacie Enrique Zumela Guillermo Shakespeare (Granada: José María Zamora, 1853). Podobnie krytycy hiszpańscy podjęli po raz pierwszy pogłębione studia nad Szekspirem; pierwszymi byli Guillermo Macpherson i jego przyjaciel Eduardo Benot (1885), a zwłaszcza Eduardo Juliá Martínez (1918), który wykorzystał datę stulecia do spopularyzowania postaci Szekspira za pomocą swego rodzaju powieści biograficznej, która pod tytułem Shakespeare y su tiempo: historia y fantasía (1916) miała na celu wyeksponowanie „prawdy pośród pozorów rozrywki” (s. xii). Praca jest dobrze udokumentowana, o czym świadczą obfite przypisy i końcowe aneksy (po tym Juliá napisał interesującego Szekspira w Hiszpanii (1918), który posłużył za podstawę pracy Alfonsa Para o tym samym tytule. Przetłumaczył m.in. Króla Leara na język kataloński i hiszpański. W 1916 roku, zbiegając się z trzecią rocznicą śmierci dramaturga, napisał po katalońsku Vida de Guillem Shakespeare, która ukazała się po hiszpańsku w 1930 roku, i w tym samym roku Contribución a la bibliografía española de Shakespeare; jego poświęcenie zostanie uwieńczone dwoma kolosalnymi dziełami, jednym opublikowanym w 1935 roku, Shakespeare en la literatura española, w dwóch tomach, a drugim w roku następnym, pośmiertnym Representaciones shakespearianas en España, również w dwóch tomach. Należy tu również wspomnieć o innym hiszpańskim szekspirologu, Ricardo Ruppert y Ujaravi (1920), pisarzu realistycznym Juanie Valerze oraz członkach Pokolenia ”98, takich jak Miguel de Unamuno i Valle-Inclán, którzy poświęcili kilka esejów Łabędziowi z Avonu.

Wśród tłumaczeń wyróżniają się dzieła kompletne w ośmiu tomach autorstwa wspomnianego już Williama Macphersona (1885-1900), opatrzone odpowiednimi wstępami. Uprzywilejowane miejsce zajmują również Dzieła wszystkie Szekspira Rafaela Martíneza Lafuente, choć są one najprawdopodobniej retranslacjami z francuskiego, gdyż zawierają w prologu fragmenty esejów Victora Hugo o życiu i twórczości dramaturga, które poprzedziły francuski przekład. Cały utwór, a nawet przypisywane mu tytuły, zawiera wersja prozatorska Luisa Astrany Marína, opublikowana w latach 1920-1930, która była szeroko czytana przez Federica Garcíę Lorkę; Astrana skomponował również biografię, którą przedrukował w rozszerzonej formie, oraz opracował całościowe studium jego twórczości, które wykorzystał jako wstęp do swojego monumentalnego wydania. Na uwagę zasługują również przekłady i adaptacje dokonane przez symbolistów Antonio Ferrera i Roberta (Noche de Epifanía (Romeo i Julia (1918) i Hamlet (1918) Gregorio Martíneza Sierry. W Biblioteca del Ateneo de Madrid znajduje się również znaczna liczba opracowań i tłumaczeń wykorzystanych i zgromadzonych przez Williama Macphersona i Rafaela Martíneza Lafuente.

Wśród współczesnych tłumaczeń, oprócz słynnego i wspomnianego już przekładu prozą Luisa Astrany Marína, należy wymienić Obras completas José Maríi Valverde (Barcelona: Planeta, 1967), również prozą, oraz dwujęzyczne wydania z hiszpańską wersją w wierszu ślepym, przygotowane przez Instytut Szekspirowski w Walencji, poświęcony temu w całości od 1980 roku pod kierunkiem Manuela Ángela Conejero i Jenaro Talensa. Na uwagę zasługują również wersje niektórych sztuk najważniejszego hiszpańskiego dramatopisarza tragicznego drugiej połowy XX wieku, Antonio Buero Vallejo. Ángel Luis Pujante od 1986 roku zajmuje się również nowym tłumaczeniem jego dzieł wszystkich dla Editorial Espasa-Calpe.

Wreszcie, na Uniwersytecie w Murcji stworzono bazę danych online zawierającą teksty wszystkich tłumaczeń historycznych tekstów Szekspira na język hiszpański, pięć biografii autora, materiały uzupełniające oraz bibliografię opracowaną przez Ángela-Luisa Pujante i Juana F. Cerdá Szekspir w Hiszpanii. Bibliografia adnotowana dwujęzyczna

Wśród filmowych wersji biografii Szekspira znajdują się Zakochany Szekspir (1998) w reżyserii Johna Maddena, Miguel i William (2007) reżyserki i scenarzystki Inés París o Miguelu de Cervantesie i Szekspirze oraz Anonimowi (2011) w reżyserii Rolanda Emmericha, stawiający możliwą odpowiedź na pytanie o autorstwo jego dzieł w kontekście politycznej intrygi.

Na podstawie tekstów Szekspira powstało około 250 filmów, co świadczy o ogromnym wpływie jego twórczości. Najczęściej filmowane sztuki jest Hamlet, z 61 adaptacji filmowych i 21 seriali telewizyjnych między 1907 i 2000.Niektóre filmy oparte na sztukach Szekspira obejmują następujące:

Przeczytaj także: biografie-pl – Emil Adolf von Behring

Tragedia

Są one wymienione w porządku alfabetycznym. Zobacz listę w porządku chronologicznym powyżej.

Przeczytaj także: biografie-pl – Paweł I Romanow

Komedia

Są one wymienione w porządku alfabetycznym. Zobacz listę w porządku chronologicznym powyżej.

Przeczytaj także: biografie-pl – Alfred Nobel

Dramat historyczny

Są one wymienione w porządku alfabetycznym. Zobacz listę w porządku chronologicznym powyżej.

Przeczytaj także: biografie-pl – Cheops

Inne prace

Źródła

1. William Shakespeare
2. William Shakespeare