Agnes Martin
gigatos | Março 29, 2022
Resumo
Agnes Bernice Martin RCA (22 de Março de 1912 – 16 de Dezembro de 2004), era uma pintora abstracta americana. A sua obra foi definida como um “ensaio de discrição sobre a interioridade e o silêncio”. Embora seja frequentemente considerada ou referida como uma minimalista, Martin considerou-se uma expressionista abstracta. Recebeu uma Medalha Nacional das Artes do National Endowment for the Arts em 1998. Foi eleita para a Royal Canadian Academy of Arts em 2004.
Agnes Bernice Martin nasceu em 1912 para agricultores presbiterianos escoceses em Macklin, Saskatchewan, uma das quatro crianças. A partir de 1919, cresceu em Vancouver: 237 Mudou-se para os Estados Unidos em 1931 para ajudar a sua irmã grávida, Mirabell, em Bellingham, Washington: 237 Preferiu o ensino superior americano e tornou-se cidadã americana em 1950. Martin estudou no Western Washington University College of Education, Bellingham, Washington, antes de receber o seu B.A. (1942) do Teachers College, Columbia University. Foi enquanto vivia em Nova Iorque que Martin se interessou pela arte moderna e foi exposto a artistas como Arshile Gorky (1904-1948), Adolph Gottlieb (1903-1974), e Joan Miró (1893-1983). Teve inúmeras aulas de estúdio no Teachers College e começou a considerar seriamente uma carreira como artista.
Em 1947 frequentou a Escola de Verão da Universidade do Novo México em Taos, Novo México: 237 Depois de ouvir palestras do estudioso Zen Budista D. T. Suzuki na Columbia, interessou-se pelo pensamento asiático, não como uma disciplina religiosa, mas como um código de ética, uma forma prática de passar pela vida. Alguns anos após a graduação, Martin matriculou-se na Universidade do Novo México, Albuquerque, onde também ensinou cursos de arte antes de regressar à Universidade de Columbia para obter o seu mestrado (1952) em arte moderna. Mudou-se para Nova Iorque em 1957 e viveu num loft em Coenties Slip na baixa de Manhattan: 238 The Coenties Slip foi também o lar de vários outros artistas e dos seus estúdios. Havia um forte sentido de comunidade, embora cada um tivesse as suas próprias práticas e temperamentos artísticos. O Coenties Slip foi também um paraíso para a comunidade queer nos anos 60. Especula-se que Martin esteve romanticamente envolvido com a artista Lenore Tawney (1907-2007) durante esta época. Pioneira do seu tempo, Agnes Martin nunca expressou publicamente a sua sexualidade, mas foi descrita como uma “homossexual fechada”. A biografia de 2018 de Agnes Martin: Pioneira, Pintora, Ícone descreve várias relações românticas entre Martin e outras mulheres, incluindo o comerciante Betty Parsons. Ela empregava frequentemente uma lente feminista quando criticava o trabalho de colegas artistas. Jaleh Mansoor, historiadora de arte, declarou que Martin estava “demasiado empenhada numa relação feminista com a prática, talvez, para a objectivar e rotular como tal”. Vale a pena notar que a própria Martin não se identificou como feminista e mesmo uma vez disse a uma jornalista nova-iorquina numa entrevista que pensava que “o movimento feminino tinha falhado”.
Martin era publicamente conhecido por ter esquizofrenia, embora não estivesse documentado até 1962. Até uma vez optou pela terapia de choque eléctrico para tratamento no Hospital Bellevue em Nova Iorque. Martin teve o apoio dos seus amigos do Coenties Slip, que se juntaram após um dos seus episódios para pedir a ajuda de um respeitado psiquiatra, que como coleccionador de arte era um amigo da comunidade. No entanto, a sua luta foi em grande parte privada e individual, e o efeito total da doença mental na sua vida é desconhecido.
Martin saiu abruptamente de Nova Iorque em 1967, desaparecendo do mundo da arte para viver sozinho. Após dezoito meses de acampamento na estrada, tanto no Canadá como no oeste dos Estados Unidos, Martin instalou-se em Mesa Portales, perto de Cuba, Novo México (1968-1977). Alugou uma propriedade de 50 acres e viveu uma vida simples numa casa de adobe que construiu para si, acrescentando quatro outros edifícios ao longo dos anos. Durante estes anos não pintou, até 1971, quando foi abordada pelo curador Douglas Crimp que estava interessado em organizar a sua primeira exposição individual não comercial. Posteriormente, Martin começou a escrever e a dar palestras em várias universidades sobre o seu trabalho. Lentamente, o interesse de Martin pela pintura também se renovou. Aproximou-se da Galeria Pace sobre o seu trabalho e o fundador da galeria, Arne Glimcher (b.1938), tornou-se o seu revendedor para toda a vida. Finalmente capaz de possuir a sua própria propriedade, mudou-se para Galisteo, Novo México, onde viveu até 1993: 240 Também lá construiu uma casa de adobe, escolhendo ainda um estilo de vida austero. Embora ainda preferisse a solidão e vivesse sozinho, Martin era mais activo no mundo da arte, viajando extensivamente e expondo no Canadá, nos Estados Unidos e internacionalmente. Em 1993 mudou-se para uma residência de reforma em Taos, Novo México, onde viveu até à sua morte em 2004.: 242
Muitos dos seus quadros têm nomes positivos, como Happy Holiday (1999) e I Love the Whole World (2000). Numa entrevista em 1989, discutindo a sua vida e a sua pintura, Agnes Martin disse: “A beleza e a perfeição são a mesma coisa. Elas nunca ocorrem sem felicidade”.
O seu trabalho está mais intimamente associado a Taos, com alguns dos seus primeiros trabalhos visivelmente inspirados pelo ambiente desértico do Novo México. No entanto, há também uma forte influência da sua jovem criação no Canadá rural, particularmente nas vastas e tranquilas pradarias de Saskatchewan. Embora se descrevesse como uma pintora americana, nunca esqueceu as suas raízes canadianas, regressando depois disso, deixou Nova Iorque em 1967, bem como durante as suas extensas viagens nos anos 70. Algumas das primeiras obras de Martin foram descritas como campos simplificados de agricultores, e a própria Martin deixou o seu trabalho aberto à interpretação encorajando comparações das suas telas monocromáticas e não embelezadas com paisagens.
Mudou-se para Nova Iorque a convite da artista
Em 1976 realizou o seu primeiro filme, Gabriel, um filme paisagístico de 78 minutos que apresenta um rapazinho que vai dar um passeio. Um segundo filme, Captivity, nunca foi concluído depois de o artista ter atirado o corte rude para a lixeira da cidade.
De acordo com uma entrevista filmada com ela que foi lançada em 2003, ela tinha-se mudado de Nova Iorque apenas quando lhe foi dito que tinha alugado o seu sótão
Para além de alguns auto-retratos e algumas paisagens de aguarela, os primeiros trabalhos de Martin incluíam pinturas biomórficas em cores subjugadas feitas quando o artista teve uma bolsa para trabalhar em Taos entre 1955 e 1957. No entanto, ela fez o seu melhor para procurar e destruir pinturas dos anos em que estava a dar os seus primeiros passos para a abstracção.
Martin elogiou Mark Rothko por ter “chegado a zero para que nada se interpusesse no caminho da verdade”. Seguindo o seu exemplo, Martin também reduziu-se aos elementos mais redutores para encorajar uma percepção de perfeição e para enfatizar a realidade transcendente. O seu estilo de assinatura foi definido por uma ênfase na linha, grelhas, e campos de cor extremamente subtil. Particularmente nos seus anos de descoberta no início dos anos 60, criou telas de 6 × 6 pés quadrados que eram cobertas por densas, minuciosas e suavemente delineadas grelhas de grafite. Na exposição de 1966 Pintura Sistémica no Museu Solomon R. Guggenheim, as grelhas de Martin foram assim celebradas como exemplos de arte Minimalista e foram penduradas entre obras de artistas como Sol LeWitt, Robert Ryman, e Donald Judd. Embora minimalistas na forma, no entanto, estas pinturas eram bastante diferentes em espírito das dos seus outros homólogos minimalistas, mantendo pequenas falhas e traços inconfundíveis da mão do artista; ela afastou-se do intelectualismo, favorecendo o pessoal e o espiritual. As suas pinturas, declarações e escritos influentes reflectiam frequentemente um interesse pela filosofia oriental, especialmente taoísta. Devido à dimensão espiritual acrescida da sua obra, que se tornou cada vez mais dominante após 1967, ela preferiu ser classificada como uma expressionista abstracta.
Martin trabalhou apenas em preto, branco e castanho antes de se mudar para o Novo México. A última pintura antes de abandonar a sua carreira, e deixou Nova Iorque em 1967, Trompete, marcou uma partida em que o único rectângulo evoluiu para uma grelha global de rectângulos. Nesta pintura, os rectângulos foram desenhados a lápis sobre lavagens irregulares de tinta cinzenta translúcida. Em 1973, voltou a fazer arte, e produziu um portfolio de 30 serigrafias, Num Dia Claro. Durante o seu tempo em Taos, introduziu lavagens leves em pastel nas suas grelhas, cores que brilhavam na luz variável. Mais tarde, Martin reduziu a escala da sua assinatura 72 × 72 quadros quadrados a 60 × 60 polegadas e deslocou o seu trabalho para utilizar bandas de cor etérea. Outra partida foi uma modificação, se não um refinamento, da estrutura da grelha, que Martin tem utilizado desde o final dos anos 50. No Untitled No. 4 (1994), por exemplo, vê-se as estrias suaves da linha do lápis e as lavagens de cor primária de tinta acrílica diluída misturada com gesso. As linhas, que englobavam esta pintura, não eram medidas por uma régua, mas sim intuitivamente marcadas pelo artista. Nos anos 90, a simetria daria frequentemente lugar a larguras variáveis de faixas horizontais.
Lawrence Alloway observou que Martin está na primeira geração do estilo do Expressionismo Abstracto, o que é significativo e “mostra o seu empenho no assunto exaltado” e a sua capacidade de “transformá-lo na linguagem da pintura que dá às obras a sua aura de dignidade silenciosa”.
Desde a sua primeira exposição individual em 1958, a obra de Martin foi objecto de mais de 85 exposições individuais e duas retrospectivas, incluindo o inquérito, Agnes Martin, organizado pelo Whitney Museum of American Art, Nova Iorque, que mais tarde viajou para a Jamaica (1992-94) e Agnes Martin: Pinturas e Desenhos 1974-1990 organizados pelo Museu Stedelijk, Amsterdão, com locais subsequentes em França e na Alemanha (1991-92). Em 1998, o Museu de Belas Artes de Santa Fé, Novo México, montou Agnes Martin Works on Paper. Em 2002, a colecção Menil, Houston, montou Agnes Martin: The Nineties and Beyond. Nesse mesmo ano, o Museu de Arte de Harwood na Universidade do Novo México, Pandora, organizou Agnes Martin: Pinturas de 2001, bem como um simpósio em homenagem a Martin, por ocasião do seu 90º aniversário.
Além de participar numa série internacional de exposições colectivas como a Bienal de Veneza (1997, 1980, 1976), a Bienal de Whitney (1995, 1977), e Documenta, Kassel, Alemanha (1972), Martin foi galardoado com várias honras, incluindo o Prémio Lifetime Achievement em nome da Associação de Mulheres para a Arte do Colégio de Arte (o Prémio Governador para a Excelência e Realização nas Artes dado pelo Governador Gary Johnson, Santa Fé, Novo México (a Medalha Nacional das Artes atribuída pelo Presidente Bill Clinton e o National Endowment for the Arts (o Leão de Ouro por Contribuição para a Arte Contemporânea na Bienal de Veneza (o Prémio Alexej von Jawlensky atribuído pela cidade de Wiesbaden, Alemanha (e eleição para a Academia Americana e Instituto de Artes e Letras, Nova Iorque (1989).
As exposições continuam a ser montadas desde a sua morte em 2004, incluindo Agnes Martin: Fechando o Círculo, Cedo e Tarde 10 de Fevereiro de 2006 – Mar 04, 2006 na Galeria Pace. Outras exposições foram realizadas em Nova Iorque, Zurique, Londres, Dublin, Edimburgo, Cambridge (Inglaterra), Aspen, Albuquerque, British Columbia no Canadá. Em 2012, o Museu de Arte de Harwood em Taos, Novo México, Universidade do Novo México, lançou uma ampla exposição intitulada, Agnes Martin Before the Grid, em homenagem ao seu ano centenário. Esta exposição foi a primeira a focar o trabalho e a vida de Martin antes de 1960. A exposição centrou-se em muitas obras, nunca antes vistas, que Martin criou em Columbia, Coentis Slip e nos primeiros anos no Novo México. Foi também a primeira a considerar Martins luta com a saúde mental, sexualidade e a importante relação de Martin com Ad Reinhardt. Em 2015, Tate Modern fez uma retrospectiva da sua vida e carreira desde os anos 50 até ao seu último trabalho em 2004, que irá viajar para outros museus após a exposição em Londres. No Museu de Arte da Universidade de Michigan, Martin foi apresentado na exposição “Reductive Minimalism”: Women Artists in Dialogue, 1960-2014 que examinou as duas gerações de arte Minimalista lado a lado, de Outubro de 2014 a Janeiro de 2015. A exposição incluiu Anne Truitt, Mary Corse, e os artistas contemporâneos Shirazeh Houshiary e Tomma Abts.
Ela também foi apresentada em Branco no Branco: Cor, Cena, e Espaço no Museu de Arte Contemporânea da Cidade de Hiroshima. De Outubro de 2015 a Abril de 2016, Martin foi exposta em Opening the Box: Desembalar o Minimalismo na The George Economou Collection em Atenas, Grécia, juntamente com Dan Flavin e Donald Judd. De 2015 a 2017 teve numerosas exposições individuais, algumas no Aspen Art Museum em Aspen Colorado, Tate Modern em Londres, K20, Kunstsammlung Nordhein-Westfalen em Düsseldorf, Los Angeles County Museum of Art (LACMA) em Los Angeles, Solomon R. Guggenheim Museum in the Upper East Side, no Palácio dos Governadores, The New Mexico Museum of History em Santa Fé. Ela participou na exposição em curso Progressão Intuitiva no Fisher Landau Center for Art em Long Island City, Nova Iorque, de Fevereiro de 2017 a Agosto de 2017.
Em 2016, foi apresentada uma exposição retrospectiva das suas obras dos anos 50 a 2004 no Museu Solomon R. Guggenheim em Nova Iorque. Em 2016 também foi apresentada na Exposição Dansaekhwa e Minimalismo na Blum & Poe, Los Angeles e no início do ano na exposição intitulada Aspectos do Minimalismo: Selecções das Colecções do East End no Museu Guild Hall em East Hampton, Nova Iorque.
Ela também foi apresentada em Making Space: Women Artists and Postwar Abstraction no The Museum of Modern Art em Midtown, Nova Iorque, que iluminou as mulheres artistas que trabalharam após a Segunda Guerra Mundial e antes do início do movimento feminista. A exposição decorreu entre Abril de 2017 e Agosto de 2017 e contou com Lee Krasner, Helen Frankenthaler, e Joan Mitchell, Lygia Clark, Gego, Magdalena Abakanowicz, Louise Bourgeois, e Eva Hesse.
O trabalho de Martin pode ser encontrado nas principais colecções públicas dos Estados Unidos, incluindo o Museu de Arte do Novo México, Santa Fé, NM; Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, NY; The Chinati Foundation, Marfa, TX; Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Smithsonian Institution, Washington, D.C.; Los Angeles Museum of Contemporary Art; The Menil Collection, Houston, TX; Metropolitan Museum of Art, Nova Iorque; The Museum of Modern Art, Nova Iorque; National Gallery of Art, Washington, D.C. C.; Nelson-Atkins Museum of Art, Kansas City; San Francisco Museum of Modern Art; Solomon R. Guggenheim Museum, Nova Iorque; Wadsworth Atheneum Museum of Art, Hartford; Walker Art Center, Minneapolis; Whitney Museum of American Art, Nova Iorque; e Des Moines Art Center, Des Moines, IA, entre outros. O seu trabalho é sobre “visão a longo prazo” e faz parte do acervo permanente da Dia Art Foundation, Beacon, Nova Iorque.
As explorações internacionais da obra de Martin incluem o Tate, Londres e Magasin 3 Stockholm Konsthall, Estocolmo, Suécia.
Martin tornou-se uma inspiração para artistas mais jovens, de Eva Hesse a Ellen Gallagher.
A sua imagem está incluída no icónico cartaz de 1972 “Some Living American Women Artists” de Mary Beth Edelson.
Em 1994, o Museu de Arte de Harwood em Taos, parte da Universidade do Novo México, anunciou que iria renovar o seu edifício Pueblo-revival e dedicar uma ala ao trabalho de Martin. A galeria foi concebida de acordo com o desejo do artista, a fim de acomodar o presente de sete grandes pinturas sem título de Martin, feitas entre 1993 e 1994. Um gabinete de arquitectura de Albuquerque, Kells & Craig, desenhou a galeria octogonal com um oculo instalado em cima, e quatro bancos amarelos Donald Judd colocados directamente debaixo do oculo. O presente das pinturas e a concepção e construção da galeria foram negociados e supervisionados por Robert M. Ellis, então director da Harwood e amigo íntimo de Martin”s. Hoje, a Galeria Agnes Martin atrai visitantes de todo o mundo e foi comparada por estudiosos à Chapelle du Rosaire de Vence (Capela Matisse), à Capela de Corbusier de Notre Dame du Haut em Ronchamp, e à Capela Rothko em Houston.
Em 2007, Martin”s Loving Love (2000) foi vendido por 2,95 milhões de dólares na Christie”s, Nova Iorque. Em 2015, Untitled
O compositor John Zorn”s Redbird (1995) foi inspirado e dedicado a Martin.
Wendy Beckett, no seu livro American Masterpieces, disse sobre Martin: “Agnes Martin fala frequentemente de alegria; ela vê-a como a condição desejada de toda a vida. Quem discordaria dela? Ninguém que tenha passado muito tempo perante uma Agnes Martin, deixando que a sua paz se comunicasse, recebendo a sua inexplicável e inefável felicidade, alguma vez ficou desiludido. O trabalho impressiona, não só com a sua delicadeza, mas com o seu vigor, e este poder e interesse visual é algo que tem de ser experimentado”.
O poema do poeta Hugh Behm-Steinberg “Gridding, após algumas frases de Agnes Martin” discute padrões no mundo natural, faz um paralelo entre a escrita e a pintura, e termina com uma linha sobre a admiração do poeta pela obra de Martin.
O seu trabalho inspirou um rabisco do Google no 102º aniversário do seu nascimento a 22 de Março de 2014. O rabisco toma tons de cor do trabalho tardio de Agnes Martin que é marcado por bordas suaves, cores suaves e faixas distintamente horizontais, viradas para seis barras verticais, uma para cada letra do logotipo do Google.
Fontes
