Alexander Archipenko

Dimitris Stamatios | Agosto 12, 2022

Resumo

Alexander Porfyrovych Archipenko era um escultor americano de origem ucraniana, nascido em Kiev a 30 de Maio de 1887 e falecido em Nova Iorque a 25 de Fevereiro de 1964.

O filho de um engenheiro, Alexander Archipenko, também estudou matemática. O artista ficou fascinado com a relação entre arte e ciência. Formou-se em pintura e escultura em Kiev e Moscovo de 1902 a 1906. Durante este período, ficou fascinado com ícones bizantinos, frescos e mosaicos em Kiev. Após uma estadia em Moscovo, mudou-se para Paris em 1908, onde entrou em contacto com os movimentos vanguardistas, em particular com o grupo cubista. Instalou-se em La Ruche, 2, passage de Dantzig, um antigo pavilhão de vinhos da Exposição Universal de 1889, convertido em estúdios de artistas. Trabalhou sozinho, preferindo ir ao Louvre para estudar escultura grega arcaica em vez de ir ao Beaux-Arts, onde desprezava o ensino académico. O artista já tinha censurado os seus professores na escola de arte de Kiev, que acabaram por o expulsar. Influenciado por Rodin até às suas obras apresentadas em Moscovo em 1906, afirmou-se aos 24 anos como um dos líderes da escultura de vanguarda em Paris.

Em 1910, expôs no Salon des indépendants em Paris. Na sexta-feira 21 de Abril de 1911, no 27º Salon des indépendants, as obras de Albert Gleizes, Jean Metzinger, Robert Delaunay, Henri Le Fauconnier, André Lhote, Joseph Csaky e Archipenko foram objecto de críticas incendiárias dignas do que foi provocado pela exposição Fauve. Considerado como “master-cubes”, até Guillaume Apollinaire ficou desconcertado com esta exposição. Foram censurados pelo desvio do cubismo, a sua caricatura e mesmo o seu anti-academismo. A ausência de Picasso e Braque (que expuseram exclusivamente com a galeria de Daniel-Henry Kahnweiler) nesta exposição foi lamentada.

A sua primeira exposição individual teve lugar na Alemanha, no Museu Folkwang Hagen, em 1912. Nesse ano, abriu uma escola de arte em Paris e juntou-se à Secção d”Or, produzindo as suas primeiras pinturas em relevo: as esculturas-pinturas. Em Outubro de 1912, na Galerie de la Boétie, foi organizada a primeira exposição do grupo da Secção d”Or, com Léger, Gleizes, Metzinger, Gris, Marcel Duchamp, Raymond Duchamp-Villon, Jacques Villon, Lhote, La Fresnaye, Marcoussis e Archipenko. Trinta e um artistas com duzentas pinturas sem a presença de Picasso. Esta exposição tem um carácter didáctico: o cubismo entrou numa fase teórica quatro anos após o seu nascimento. A exposição da Secção d”Or provocou duras críticas a estas obras revolucionárias: Apollinaire defendeu-as nas suas colunas em L”Intransigeant ou em prefácios de catálogos.

Em 1913, quatro das suas obras foram exibidas no Salão Armory em Nova Iorque. Fez as suas primeiras gravuras que foram reproduzidas na publicação futurista italiana Lacerba em 1914. Participou no Salon des Indépendants em 1914 e na Bienal de Veneza em 1920. Durante os anos de guerra, o artista viveu em Cimiez, perto de Nice. De 1919 a 1921, viajou para Genebra, Zurique, Paris, Londres, Bruxelas, Atenas e outras cidades europeias para exibir a sua obra. A sua primeira exposição individual nos Estados Unidos teve lugar em 1921, em Nova Iorque, na Société Anonyme. Em 1923, deixou Berlim para os Estados Unidos onde, ao longo dos anos, abriu várias escolas de arte em Nova Iorque, Woodstock, Los Angeles e Chicago. Durante os trinta anos seguintes, ensinou nos Estados Unidos em escolas de arte e universidades, mesmo na efémera Nova Bauhaus. Tornou-se um cidadão americano em 1928.

Em 1933, expôs no Pavilhão Ucraniano em Chicago como parte da Feira Mundial do Século do Progresso. De 1937 a 1939, foi instrutor associado na New Bauhaus School of Industrial Arts, em Chicago. A maioria das obras do artista em museus alemães foram confiscadas pelos nazis com a intenção de purgar a arte degenerada. Em 1947, criou esculturas que foram iluminadas a partir do interior. Acompanhou uma exposição itinerante da sua obra por toda a Alemanha em 1955 e 1956. Começou a escrever o seu livro Archipenko: 50 Anos de Criação 1908-1958, que foi publicado em 1960. O livro contém contribuições de cinquenta historiadores de arte e textos de Archipenko sobre criação artística. Foi eleito para a Academia Americana de Artes e Letras em 1962.

Para Archipenko, “é difícil classificar a obra de um artista em períodos”. Ele acrescenta: “Nunca pertenci a escolas: fui expulso das escolas. Fiz pesquisa, inventei e experimentei, depois fui imitado. Para cada artista, a arte é um fluxo criativo ascendente para a descoberta individual da verdade nas formas da natureza e os períodos são apenas caixas na mente dos críticos.

O problema levantado pela escultura segundo Archipenko é o volume e a ligação das massas umas às outras. Nisto ele é ainda mais extremo do que escultores modernos como Brancusi ou Duchamp-Villon que, como ele, são membros do grupo da Secção Dourada. A sua principal questão é a do vazio, que tem a força do objecto ausente e assim cria volume. A simplificação e a obviedade dos volumes, mantendo o aspecto figurativo, são os princípios da sua escultura. A sua arte, caracterizada por um grande rigor matemático, deixa um lugar predominante ao corpo feminino. Ele gosta de recordar a omnipresença dos ídolos de pedra dos antigos eslavos na sua infância.

Picasso tinha desenvolvido as primeiras regras desta gramática escultórica: policromia, integração dos mais diversos materiais, utilização rítmica dos planos, e o aparecimento de formas abertas. Tal como a pintura, a escultura cubista preocupa-se principalmente com a relação entre objectos e espaço, com os volumes e vazios que os separam ou nos quais estão inseridos. A influência do futurismo italiano, especialmente através de Boccioni, que Archipenko conheceu em 1912, levou à formação de formas dinâmicas. Archipenko explorou especialmente a dialéctica de formas côncavas e convexas.

Desenvolveu um estilo pessoal com massas corporais estereometricamente simplificadas, figuras espacialmente eretas, formas biseladas, ângulos agudos, fracturas cristalinas do inventário formal do Cubismo e foi também inspirado pelo maneirismo.

Com excepção de Boccioni, nenhum escultor colocou a análise do espaço, o problema central desta década, como um absoluto. Nenhum artista empurrou a interacção entre volume e vazio de forma tão pessoal para domínios expressivos e líricos, dinâmicos e estatuísticos. Conseguiu uma união entre o rigor formal e o apelo lúdico. Unificou de uma só forma os quatro elementos elusivos: espaço, transparência, luz e reflexão, resultando numa escultura moderna com uma forma côncava.

Torso (1909) é a sua primeira escultura com tendências cubistas. Mostra como ele desarticula volumes e os perfura a fim de fazer penetrar o espaço.

Em 1909 e no ano seguinte, ainda nada sabia do Cubismo e foi inspirado pelas esculturas dobradas de Barlach ou Köllwitz (Mulher e Gato em 1910 ou Mulher com Gato em 1911). Em 1911-12, desdobraram-se, e sente-se a influência cubista nas suas coxas e braços inchados ou, pelo contrário, um eticismo (Mulher a caminhar em 1912). A partir de 1911, participou activamente no movimento cubista. Os problemas plásticos que a sua escultura enfrentou nessa altura eram resolutamente novos: volumes completos, a relação entre os vazios e os volumes completos em ocos. Ele queria simbolizar a “realidade ausente”. Com Femme qui marche em 1912, poupou pela primeira vez uma cabeça em negativo. Em 1912, identificou o seu tema favorito: a interpenetração do corpo e do espaço, o desenvolvimento de curvas côncavas e convexas para que a forma escultórica se torne de alguma forma perceptível através da sua matriz. Ele desenvolve a sua própria teoria de formas complementares: cada vazio gera a sua antítese imaginária.

Com Medrano, criado em 1912, criou a sua primeira montagem de vários materiais pintados (vidro, madeira e metal). Em constante pesquisa artística, desenvolveu novos métodos de criação e criou uma interacção entre a pintura e a escultura. Com Medrano I Le Jongleur, em 1912, usou madeira, vidro e arame metálico. Medrano são bonecos articulados que se assemelham a arlequins de madeira utilizando vidro, folha metálica, arame, cones cilíndricos e discos energizados por tinta policromada. Com esta libertação da forma, Archipenko rompeu com a escultura tradicional e estabeleceu-se como um dos mestres da vanguarda. Ele reviveu um género negligenciado desde o século XVII pela escultura ocidental, a policromia.

As suas esculturas a pinturas criadas em 1912 são relevos pintados em gesso. Entre pintura e escultura, estudou a relação recíproca entre forma e cor, uma acentuando ou diminuindo a outra. Estas duas artes são unificadas ou contrastadas a um nível visual e espiritual, dependendo do objectivo.

De 1913 a 1916, a forma dominou a realidade. Com The Dance em 1912, definiu um espaço interior ascendente imbuído de leveza através do arabesco formado por um casal. Ele organizou esta escultura em torno do vazio. Neste trabalho sobre o vazio e a plenitude, teve o cuidado de não completar os corpos, cujos membros parou quando a plasticidade lhe ordenou que o fizesse, introduzindo o vazio como interveniente, como na Mulher em 1915, cuja cabeça é desenhada à volta de uma fenda.

Em 1913, criou uma escultura de arame que Apollinaire chamou “en baleine de parapluie”. Mais tarde, o seu tratamento do cubismo voltar-se-ia para o construtivismo.

Com La Boxe em 1913, o artista tentou traduzir a energia brutal do desporto em formas abstractas. Os boxeadores são reduzidos a formas afiadas que se entrecruzam e colidem violentamente, os músculos são substituídos por energia rítmica.

A Tête constructiviste (1913) é feita de um conjunto de aviões. O Gondolier (1914) é composto em secções ligeiramente deslocadas a fim de dar um sentido de movimento na perspectiva futurista. Com Still Life (1915), este inovador também dá uma das suas raras pinturas em relevo.

À sua chegada aos Estados Unidos no início da década de 1920, abraçou a tradição: prevalece a suavidade, perfeita e relaxada. Com Femme (1920), regressou imediatamente à escultura com uma figura alta de metal num painel pintado. Ele tornou-se tradicional.

De 1924 a 1928 desenvolveu o Archipentura.  As arquipeintura em 1924 são telas colocadas em movimento por motores inteligentemente ocultos: um mecanismo eléctrico na base do dispositivo põe em movimento a estrutura central e milhares de fragmentos pintados aparecem sucessivamente na superfície para formar um quadro completo. Esta invenção foi implementada em Nova Iorque. A sua pesquisa tem sido sempre a animação visual das suas obras, quer perfurando-as na massa para que o espaço as penetre, quer utilizando materiais como o vidro, madeira ou metal e até mesmo para as suas esculturas-pinturas, acrescentando cor.

En Famille (1935) é uma obra concentrada influenciada pelo construtivismo.

Nas duas dimensões, há também um trabalho excepcional como esta figura feminina em guache, cujas massas castanhas e brancas alternadas criam o relevo do corpo (Moonlight em 1937).

Nas décadas de 1940 e 50, continuou as suas explorações artísticas utilizando materiais e técnicas. Para a figura assise, por exemplo, ele usou plástico cortado e iluminado. Assumiu as suas formas iniciais, a maioria das quais tinha desaparecido, em formatos gigantescos (Figuras d”acier em 1951, Cléopâtre em 1957). Na década de 1950, percebeu que tinha cometido um erro na sua orientação durante algum tempo e começou a pasticar os seus começos ou a reconstruí-los, uma vez que muitas das suas obras não sobreviveram à Primeira Guerra Mundial.

A partir do final dos anos 50, voltou ao seu estilo cúbico-construtivista, com figuras altamente geométricas, preservando vazios significativos, e mais frequentemente simétricos (Kimono em 1961 ou Roi Salomon em 1963).

Leia também, biografias-pt – Muhammad Ali Jinnah

Ligações externas

Fontes

1. Alexander Archipenko
2. Alexander Archipenko
3. ^ “Alexander Archipenko”. Retrieved 27 July 2022.
4. ^ Donald H. Karshan, Archipenko, Content and Continuity 1908–1963, Kovlan Gallery, Chicago, 1968. p. 40.
5. ^ Halich, W. (1937) Ukrainians in the United States, Chicago ISBN 0-405-00552-0
6. https://www.collectienederland.nl/dimcon/defundatie/1998
7. a b Integrált katalógustár. (Hozzáférés: 2014. április 26.)
8. a b SNAC (angol nyelven). (Hozzáférés: 2017. október 9.)
9. Integrált katalógustár. (Hozzáférés: 2014. december 11.)
10. a b http://vocab.getty.edu/page/ulan/500022523
11. a b https://rkd.nl/explore/artists/2295