Alfred Stieglitz

gigatos | Janeiro 4, 2022

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Resumo

Alfred Stieglitz HonFRPS (1 de Janeiro de 1864 – 13 de Julho de 1946) foi um fotógrafo americano e promotor de arte moderna que foi fundamental ao longo dos seus 50 anos de carreira para fazer da fotografia uma forma de arte aceite. Para além da sua fotografia, Stieglitz era conhecido pelas galerias de arte de Nova Iorque que dirigiu no início do século XX, onde introduziu muitos artistas europeus de vanguarda nos Estados Unidos.

Stieglitz nasceu em Hoboken, Nova Jersey, o primeiro filho de imigrantes judeus alemães Edward Stieglitz (1833-1909) e Hedwig Ann Werner (1845-1922). O seu pai era tenente do Exército da União e trabalhava como comerciante de lã. Teve cinco irmãos, Flora (1865-1890), gémeos Julius (1867-1937) e Leopold (1867-1956), Agnes (1869-1952) e Selma (1871-1957). Alfred Stieglitz, vendo a estreita relação dos gémeos, desejou ter uma alma gémea própria durante a sua infância.

Stieglitz frequentou o Charlier Institute, uma escola cristã em Nova Iorque, em 1871. No ano seguinte, a sua família começou a passar os Verões no Lago George, nas Montanhas Adirondack, tradição que continuou até à idade adulta de Stieglitz.

Para poder ser admitido no City College de Nova Iorque, Stieglitz foi matriculado numa escola pública para o seu primeiro ano do liceu, mas considerou a educação inadequada. Em 1881, Edward Stieglitz vendeu a sua empresa por 40.000 dólares e mudou a sua família para a Europa durante os anos seguintes, para que os seus filhos recebessem uma melhor educação. Alfred Stieglitz matriculou-se no Real Ginásio em Karlsruhe. No ano seguinte, Alfred Stieglitz estudou engenharia mecânica na Technische Hochschule em Berlim. Inscreveu-se numa aula de química ministrada por Hermann Wilhelm Vogel, um cientista e investigador, que trabalhou nos processos químicos para o desenvolvimento de fotografias. Em Vogel, Stieglitz encontrou tanto o desafio académico de que necessitava como uma saída para os seus crescentes interesses artísticos e culturais. Recebeu uma mesada de $1,200 (equivalente a $32,181 em 2020).

Em 1884, os seus pais regressaram à América, mas Stieglitz, de 20 anos, permaneceu na Alemanha e recolheu livros sobre fotografia e fotógrafos na Europa e nos EUA. Comprou a sua primeira máquina fotográfica, uma máquina de película de 8 × 10 placas, e viajou pelos Países Baixos, Itália e Alemanha. Tirou fotografias de paisagens e de trabalhadores do campo. A fotografia, escreveu mais tarde, “fascinou-me, primeiro como um brinquedo, depois como uma paixão, depois como uma obsessão”.

Através do seu auto-estudo, ele viu a fotografia como uma forma de arte. Em 1887, escreveu o seu primeiro artigo, “A Word or Two about Amateur Photography in Germany”, para a nova revista The Amateur Photographer. Escreveu então artigos sobre os aspectos técnicos e estéticos da fotografia para revistas em Inglaterra e na Alemanha.

Ganhou o primeiro lugar pela sua fotografia, The Last Joke, Bellagio, em 1887, de Amateur Photographer. No ano seguinte ganhou o primeiro e segundo prémios no mesmo concurso, e a sua reputação começou a espalhar-se à medida que várias revistas de fotografia alemãs e britânicas publicavam o seu trabalho.

Em 1890, a sua irmã Flora morreu ao dar à luz, e Stieglitz regressou a Nova Iorque.

Nova Iorque e o Clube de Câmaras (1891-1901)

Stieglitz considerou-se um artista, mas recusou-se a vender as suas fotografias. O seu pai comprou um pequeno negócio de fotografia para ele, para que pudesse ganhar a vida na profissão escolhida. Porque exigia imagens de alta qualidade e pagava salários elevados aos seus empregados, a Photochrome Engraving Company raramente tinha lucro. Escreveu regularmente para a revista The American Amateur Photographer. Ganhou prémios pelas suas fotografias em exposições, incluindo a exposição conjunta do Boston Camera Club, da Photographic Society of Philadelphia e da Society of Amateur Photographers of New York.

Em finais de 1892, Stieglitz comprou a sua primeira câmara manual, uma câmara de película Folmer e Schwing 4×5, que utilizava para tirar duas das suas imagens mais conhecidas, Winter, Fifth Avenue e The Terminal. Antes disso, utilizou uma câmara de película de chapa 8×10 que necessitava de um tripé.

Stieglitz ganhou uma reputação pela sua fotografia e pelos seus artigos de revista sobre como a fotografia é uma forma de arte. Na primavera de 1893, tornou-se co-editor de The American Amateur Photographer. A fim de evitar o aparecimento de preconceitos nas suas opiniões e porque a Photochrome estava agora a imprimir as fotogravuras para a revista, Stieglitz recusou-se a sacar um salário. Ele escreveu a maioria dos artigos e críticas da revista, e era conhecido tanto pelo seu conteúdo técnico como pelo seu conteúdo crítico.

A 16 de Novembro de 1893, o Stieglitz de 29 anos casou com Emmeline Obermeyer de 20 anos, irmã do seu amigo íntimo e associado de negócios Joe Obermeyer e neta do cervejeiro Samuel Liebmann. Casaram na cidade de Nova Iorque. Stieglitz escreveu mais tarde que não amava Emmy, como ela era comummente conhecida, quando se casaram e que o seu casamento não foi consumado durante pelo menos um ano. Filha de um rico proprietário de uma cervejaria, ela tinha herdado dinheiro do seu pai. Stieglitz veio a lamentar a sua decisão de casar com Emmy, uma vez que ela não partilhava dos seus interesses artísticos e culturais. O biógrafo de Stieglitz, Richard Whelan, resumiu a sua relação dizendo que Stieglitz “ressentiu-se amargamente por não se ter tornado seu gémeo”. Ao longo da sua vida, Stieglitz manteve um fetiche pelas mulheres mais jovens.

No início de 1894, Stieglitz e a sua esposa levaram uma lua-de-mel atrasada para França, Itália e Suíça. Stieglitz fotografou extensivamente durante a viagem, produzindo algumas das suas primeiras imagens famosas como A Venetian Canal, The Net Mender e A Wet Day on the Boulevard, Paris. Enquanto esteve em Paris, Stieglitz conheceu o fotógrafo francês Robert Demachy, que se tornou um correspondente e colega para toda a vida. Em Londres, Stieglitz conheceu The Linked Ring founders George Davison e Alfred Horsley Hinton, ambos permaneceram seus amigos e colegas durante grande parte da sua vida.

Mais tarde, após o seu regresso, Stieglitz foi unanimemente eleito como um dos dois primeiros membros americanos do The Linked Ring. Stieglitz viu este reconhecimento como o impulso de que necessitava para intensificar a sua causa de promoção da fotografia artística nos Estados Unidos. Na altura, havia dois clubes fotográficos em Nova Iorque, a Society of Amateur Photographers e o New York Camera Club. Stieglitz demitiu-se do seu cargo na Photochrome Company e como editor da American Amateur Photographer e passou a maior parte de 1895 a negociar uma fusão dos dois clubes.

Em Maio de 1896, as duas organizações juntaram-se para formar o The Camera Club of New York. Embora lhe tenha sido oferecida a presidência da organização, tornou-se vice-presidente. Desenvolveu programas para o clube e esteve envolvido em todos os aspectos da organização. Disse ao jornalista Theodore Dreiser que queria “tornar o clube tão grande, o seu trabalho tão distinto e a sua autoridade tão final que pode usar satisfatoriamente o seu grande prestígio para obrigar ao reconhecimento individual dos artistas sem e dentro das suas paredes”.

Stieglitz transformou o actual boletim informativo do Camera Club numa revista, Camera Notes, e foi-lhe dado o controlo total sobre a nova publicação. A sua primeira edição foi publicada em Julho de 1897. Foi logo considerada a melhor revista fotográfica do mundo. Durante os quatro anos seguintes, Stieglitz utilizou o Camera Notes para defender a sua crença na fotografia como uma forma de arte, incluindo artigos sobre arte e estética ao lado de impressões de alguns dos principais fotógrafos americanos e europeus. A crítica Sadakichi Hartmann escreveu “pareceu-me que a fotografia artística, o Camera Club e Alfred Stieglitz eram apenas três nomes para uma e a mesma coisa”.

Continuou também a tirar as suas próprias fotografias. No final de 1896, puxou à mão as fotogravuras para uma primeira carteira do seu próprio trabalho, Picturesque Bits of New York and Other Studies. Continuou a expor em exposições na Europa e nos EUA, e em 1898 tinha ganho uma sólida reputação como fotógrafo. Recebeu 75 dólares (equivalente a 2.333 dólares em 2020) pela sua estampa favorita, Winter – Fifth Avenue. Dez das gravuras de Stieglitz foram seleccionadas nesse ano para o primeiro Salão Fotográfico de Filadélfia, onde se conheceu e depois se tornou amigo de Gertrude Käsebier e Clarence H. White.

A 27 de Setembro de 1898, nasceu a filha de Stieglitz, Katherine “Kitty”. Usando a herança de Emmy, o casal contratou uma governanta, uma cozinheira e uma camareira. Stieglitz trabalhou ao mesmo ritmo que antes do nascimento da sua filha, e como resultado, o casal viveu predominantemente vidas separadas sob o mesmo tecto.

Em Novembro de 1898, um grupo de fotógrafos em Munique, Alemanha, montou uma exposição dos seus trabalhos em conjunto com uma exposição de gravuras gráficas de artistas que incluíam Edvard Munch e Henri de Toulouse-Lautrec. Chamavam-se “Secessionistas”, um termo a que Stieglitz se agarrou tanto pelo seu significado artístico como social. Quatro anos mais tarde, ele usou este mesmo nome para um grupo de fotógrafos pictóricos recentemente formado que ele organizou em Nova Iorque.

Em Maio de 1899, Stieglitz recebeu uma exposição de um homem só, constituída por oitenta e sete impressões, no Clube de Câmaras. O esforço de preparação para esta exposição, juntamente com os contínuos esforços para produzir Notas de Câmara, fez-se sentir na saúde de Stieglitz. Para diminuir o seu fardo, trouxe os seus amigos Joseph Keiley e Dallet Fugeut, nenhum dos quais era membro do Camera Club, como editores associados do Camera Notes. Aborrecidos por esta intrusão de estranhos, para não mencionar a sua própria presença cada vez menor na publicação do Clube, muitos dos membros mais antigos do Clube começaram a fazer campanha activa contra a autoridade editorial de Stieglitz. Stieglitz passou a maior parte de 1900 a encontrar formas de ultrapassar estes esforços, envolvendo-o em prolongadas batalhas administrativas.

Um dos poucos destaques desse ano foi a apresentação de Stieglitz a um novo fotógrafo, Edward Steichen, no Primeiro Salão Fotográfico de Chicago. Steichen, originalmente um pintor, trouxe muitos dos seus instintos artísticos para a fotografia. Os dois tornaram-se bons amigos e colegas.

Devido à tensão contínua da gestão do Clube de Câmaras, no ano seguinte, ele entrou em colapso na primeira de várias avarias mentais. Passou grande parte do Verão na casa da família no Lago George, Oaklawn, recuperando. Quando regressou a Nova Iorque, anunciou a sua demissão do cargo de editor do Camera Notes.

A sessão fotográfica e o trabalho da câmara (1902-1907)

A fotógrafa Eva Watson-Schütze exortou-o a estabelecer uma exposição que seria julgada exclusivamente por fotógrafos que, ao contrário dos pintores e outros artistas, conheciam a fotografia e as suas características técnicas. Em Dezembro de 1901, foi convidado por Charles DeKay do Clube Nacional de Artes a montar uma exposição na qual Stieglitz teria “todo o poder para seguir as suas próprias inclinações”. Em dois meses, Stieglitz tinha reunido uma colecção de gravuras de um círculo estreito dos seus amigos, que, em homenagem aos fotógrafos de Munique, chamou a Sessão Fotográfica. Stieglitz não estava apenas a declarar uma secessão das restrições artísticas gerais da época, mas especificamente da supervisão oficial do Clube de Câmara. A exposição abriu no Clube das Artes no início de Março de 1902, e foi um sucesso imediato.

Começou a formular um plano para publicar uma revista de fotografia pictórica completamente independente para levar a cabo os padrões artísticos do Photo-Secessionista. Em Julho, tinha-se demitido totalmente do cargo de editor da Camera Notes, e um mês depois publicou um prospecto para uma nova revista a que chamou Camera Work. Estava determinado que seria “a melhor e mais sumptuosa das publicações fotográficas”. O primeiro número foi impresso quatro meses mais tarde, em Dezembro de 1902, e tal como todos os números subsequentes, continha belas gravuras fotográficas puxadas à mão, escritos críticos sobre fotografia, estética e arte, e resenhas e comentários sobre fotógrafos e exposições. O trabalho fotográfico foi “a primeira revista fotográfica a ser visual em foco”.

Stieglitz foi um perfeccionista, e mostrou em todos os aspectos do Trabalho de Câmara. Ele fez avançar a arte da impressão de fotogravura, exigindo padrões sem precedentes para as impressões em Trabalho de Câmara. A qualidade visual das gravuras era tão elevada que quando um conjunto de gravuras não chegou para uma exposição de Photo-Secession em Bruxelas, uma selecção de gravuras da revista foi pendurada no seu lugar. A maioria dos espectadores partiu do princípio de que estavam a olhar para as fotografias originais.

Ao longo de 1903, Stieglitz publicou Camera Work e trabalhou para exibir o seu próprio trabalho e o dos fotossecessionistas enquanto lidava com as tensões da sua vida doméstica. O fotógrafo luxemburguês americano Edward Steichen, que mais tarde seria o coadjutor da exposição histórica The Family of Man, foi o fotógrafo mais frequentemente apresentado na revista. Fuguet, Keiley, e Strauss, os três editores associados de Stieglitz na Camera Notes, trouxeram consigo para a Camera Work. Mais tarde, ele disse que só ele embrulhou e enviou individualmente cerca de 35.000 exemplares de Camera Work ao longo da sua publicação.

Em 1904, Stieglitz estava de novo mentalmente e fisicamente exausto e decidiu levar a sua família para a Europa em Maio. Planeou uma agenda esgotante de exposições, reuniões e excursões e desmaiou quase à chegada a Berlim, onde passou mais de um mês a recuperar. Passou grande parte do resto de 1904 a fotografar a Alemanha enquanto a sua família lá visitava os seus parentes. No seu regresso aos EUA, Stieglitz parou em Londres e encontrou-se com líderes do Linked Ring, mas não conseguiu convencê-los a criar um capítulo da sua organização na América (tendo Stieglitz como director).

A 25 de Novembro de 1905, as “Pequenas Galerias da Sessão Fotográfica” abriram na Quinta Avenida com uma centena de impressões de trinta e nove fotógrafos. Steichen tinha recomendado e encorajado Stieglitz, no seu regresso da Europa, a arrendar três quartos em frente ao apartamento de Steichen, que o casal sentia que seria perfeito para exibir fotografia. A galeria tornou-se um sucesso instantâneo, com quase quinze mil visitantes durante a sua primeira temporada e, mais importante ainda, com vendas de estampas que totalizaram quase 2.800 dólares. O trabalho do seu amigo Steichen, que tinha um apartamento no mesmo edifício, foi responsável por mais de metade dessas vendas.

Stieglitz continuou a concentrar os seus esforços na fotografia, à custa da sua família. Emmy, que esperava ganhar um dia o amor de Stieglitz, continuou a dar-lhe uma mesada da sua herança.

Na edição de Outubro de 1906 da Camera Work, disse o seu amigo Joseph Keiley: “Hoje, na América, a verdadeira batalha para a qual a sessão fotográfica foi estabelecida foi realizada – o sério reconhecimento da fotografia como um meio adicional de expressão pictórica”.

Dois meses mais tarde, o Stieglitz de 42 anos conheceu a artista Pamela Colman Smith, de 28 anos, que desejava que os seus desenhos e aguarelas fossem expostos na sua galeria. Decidiu mostrar o seu trabalho porque achava que seria “altamente instrutivo comparar desenhos e fotografias, a fim de julgar as possibilidades e limitações da fotografia”. A sua exposição abriu em Janeiro de 1907, com muito mais visitantes na galeria do que qualquer uma das anteriores exposições fotográficas, e logo todas as suas obras expostas foram vendidas. Stieglitz, na esperança de capitalizar a popularidade da exposição, tirou fotografias do seu trabalho artístico e emitiu um portfólio separado das suas impressões em platina do seu trabalho.

O Steerage, 291 e a arte moderna (1907-1916)

No final da Primavera de 1907, Stieglitz colaborou numa série de experiências fotográficas com o seu amigo Clarence H. White. Tiraram várias dezenas de fotografias de dois modelos vestidos e nus e imprimiram uma selecção utilizando técnicas invulgares, incluindo tonificação, enceramento e desenho em estampas de platina. Segundo Stieglitz, superou “a impossibilidade da máquina fotográfica de fazer certas coisas”.

Ganhou menos de $400 durante o ano devido ao declínio das assinaturas de trabalhos de câmara e à baixa margem de lucro da galeria. Durante anos, Emmy tinha mantido um estilo de vida extravagante que incluía uma governanta a tempo inteiro para Kitty e dispendiosas férias europeias. Apesar das preocupações do seu pai com os seus crescentes problemas financeiros, a família Stieglitz e a sua governanta navegaram mais uma vez através do Atlântico.

A caminho da Europa, Stieglitz levou o que é reconhecido não só como a sua imagem de assinatura mas também como uma das fotografias mais importantes do século XX. Apontando a sua câmara para os passageiros da classe inferior na proa do navio, captou uma cena que intitulou The Steerage. Não a publicou nem exibiu durante quatro anos.

Enquanto estava na Europa, Stieglitz viu a primeira demonstração comercial do processo de fotografia a cores Autochrome Lumière, e em breve estava a experimentá-lo em Paris com Steichen, Frank Eugene e Alvin Langdon Coburn. Levou consigo três dos Autocromos de Steichen para Munique, a fim de fazer reproduções a quatro cores para inserção numa futura edição de Camera Work.

Foi-lhe pedido que se demitisse do Camera Club, mas devido a protestos de outros membros, foi reintegrado como membro vitalício. Logo após ter apresentado um espectáculo inovador dos desenhos de Auguste Rodin, os seus problemas financeiros forçaram-no a fechar as Pequenas Galerias por um breve período, até Fevereiro de 1908, quando foi reaberto com o novo nome “291”.

Stieglitz intercalou deliberadamente exposições do que ele sabia que seria arte controversa, como os desenhos sexualmente explícitos de Rodin, com o que Steichen chamou de “arte compreensível”, e com fotografias. A intenção era “estabelecer um diálogo que permitisse a 291 visitantes ver, discutir e ponderar as diferenças e semelhanças entre artistas de todas as categorias e tipos: entre pintores, desenhadores, escultores e fotógrafos; entre artistas europeus e americanos; entre figuras mais antigas ou mais estabelecidas e praticantes mais novos e mais jovens”. Durante este mesmo período, o National Arts Club montou uma “Exposição Especial de Arte Contemporânea” que incluiu fotografias de Stieglitz, Steichen, Käsebier e White juntamente com pinturas de Mary Cassatt, William Glackens, Robert Henri, James McNeill Whistler e outros. Pensa-se que esta foi a primeira grande exposição nos Estados Unidos em que os fotógrafos foram colocados em pé de igualdade com os pintores.

Durante a maior parte de 1908 e 1909, Stieglitz passou o seu tempo a criar espectáculos a 291 e a publicar Camera Work. Não foram tiradas fotografias durante este período que aparecem no catálogo definitivo da sua obra, Alfred Stieglitz: O Conjunto de Chaves.

Em Maio de 1909, o pai de Stieglitz, Edward, morreu, e no seu testamento deixou ao seu filho a quantia então significativa de $10.000 (equivalente a $288.037 em 2020). Stieglitz utilizou esta nova infusão de dinheiro para manter a sua galeria e o seu trabalho de câmara em funcionamento durante os próximos anos.

Durante este período, Stieglitz conheceu Marius de Zayas, um artista enérgico e carismático do México, que se tornou um dos seus colegas mais próximos, ajudando tanto nas exposições na galeria como na apresentação de Stieglitz a novos artistas na Europa. À medida que a reputação de Stieglitz como promotor da arte moderna europeia aumentava, ele foi logo abordado por vários novos artistas americanos que esperavam ter as suas obras expostas. Stieglitz ficou intrigado com a sua visão moderna, no espaço de meses Alfred Maurer, John Marin e Marsden Hartley tinham todos as suas obras penduradas nas paredes de 291.

Em 1910, Stieglitz foi convidado pelo director da Albright Art Gallery para organizar uma grande exposição do melhor da fotografia contemporânea. Embora o anúncio de um concurso aberto para a exposição tenha sido impresso em Camera Work, o facto de Stieglitz estar encarregue da mesma gerou uma nova ronda de ataques contra ele. Um editorial na revista American Photography afirmou que Stieglitz já não podia “perceber o valor do trabalho fotográfico de mérito artístico que não se coaduna com um estilo particular tão característico de todas as exposições sob os seus auspícios”. Há meia geração atrás, esta escola era progressiva, e muito adiantada em relação ao seu tempo. Hoje não está a progredir, mas é uma força reaccionária do tipo mais perigoso”.

Stieglitz escreveu ao colega fotógrafo George Seeley “A reputação, não só da sessão fotográfica, mas também da fotografia está em jogo, e eu pretendo reunir todas as forças disponíveis para ganhar para nós”. A exposição foi inaugurada em Outubro com mais de 600 fotografias. Os críticos elogiaram em geral as belas qualidades estéticas e técnicas das obras. No entanto, os seus críticos constataram que a grande maioria das impressões da exposição eram dos mesmos fotógrafos que Stieglitz conhecia há anos e cujas obras tinha exposto em 291. Mais de quinhentas das gravuras provinham apenas de trinta e sete fotógrafos, incluindo Steichen, Coburn, Seeley, White, F. Holland Day, e o próprio Stieglitz.

Na edição de Janeiro de 1911 da Camera Work, Stieglitz, desdenhoso do que entendia como comercialismo, reimprimiu uma crítica do espectáculo de Buffalo com palavras depreciativas sobre White e as fotografias de Käsebier. White nunca perdoou a Stieglitz. Ele iniciou a sua própria escola de fotografia, e Käsebier e White co-fundaram os “Fotógrafos Pictóricos da América”.

Ao longo de 1911 e início de 1912, Stieglitz organizou exposições de arte moderna revolucionárias em 291 e promoveu nova arte juntamente com a fotografia nas páginas de Camera Work. No Verão de 1912, ficou tão encantado com a arte não fotográfica que publicou um número de Camera Work (Agosto de 1912) dedicado exclusivamente a Matisse e Picasso.

No final de 1912, os pintores Walter Pach, Arthur B. Davies e Walt Kuhn organizaram uma exposição de arte moderna, e Stieglitz emprestou algumas peças de arte moderna de 291 para a exposição. Também concordou em ser listado como vice-presidente honorário da exposição juntamente com Claude Monet, Odilon Redon, Mabel Dodge e Isabella Stewart Gardner. Em Fevereiro de 1913, a exposição Armory Show da bacia hidrográfica abriu em Nova Iorque, e em breve a arte moderna foi um importante tema de discussão em toda a cidade. Viu a popularidade da exposição como uma reivindicação do trabalho que tinha vindo a patrocinar aos 291 anos nos últimos cinco anos. Montou uma exposição das suas próprias fotografias aos 291 anos de idade para ser apresentada ao mesmo tempo que a exposição Armory Show. Mais tarde, escreveu que permitindo que as pessoas vissem tanto fotografias como pinturas modernas ao mesmo tempo “proporcionava a melhor oportunidade ao estudante e ao público para uma compreensão mais clara do local e do objectivo dos dois meios de comunicação social”.

Em Janeiro de 1914, o seu melhor amigo e colega de trabalho Joseph Keiley morreu, o que o deixou perturbado durante muitas semanas. Ele também ficou perturbado com o surto da Primeira Guerra Mundial por várias razões. Ele estava preocupado com a segurança da família e dos amigos na Alemanha. Precisava de encontrar uma nova impressora para as fotogravuras para o trabalho de câmara, que tinham sido impressas na Alemanha durante muitos anos. A guerra causou um declínio significativo na economia americana e a arte tornou-se um luxo para muitas pessoas. No final do ano, Stieglitz estava a lutar para manter vivos tanto 291 como o Trabalho de Câmara. Publicou a edição de Abril da Camera Work em Outubro, mas seria mais de um ano antes de ter tempo e recursos para publicar a próxima edição.

Entretanto, os amigos de Stieglitz de Zayas, Paul de Haviland, e Agnes Meyer convenceram-no de que a solução para os seus problemas era assumir um projecto totalmente novo, algo que o iria envolver de novo nos seus interesses. Ele publicou uma nova revista, chamada 291 depois da sua galeria, que pretendia ser o epítome da cultura de vanguarda. Embora tenha sido um triunfo estético, foi um desastre financeiro e cessou a publicação após doze números.

Durante este período, Stieglitz tornou-se cada vez mais intrigado com uma estética visual mais moderna para a fotografia. Ele tomou consciência do que se passava na pintura e escultura de vanguarda e descobriu que o pictórico já não representava o futuro – era o passado. Foi influenciado em parte pelo pintor Charles Sheeler e pelo fotógrafo Paul Strand. Em 1915, Strand, que vinha ver espectáculos aos 291 anos há muitos anos, introduziu Stieglitz a uma nova visão fotográfica que foi encarnada pelas linhas arrojadas das formas quotidianas. Stieglitz foi um dos primeiros a ver a beleza e graça do estilo de Strand, e deu a Strand uma grande exposição aos 291 anos. Dedicou também quase toda a última edição de Camera Work às suas fotografias.

Em Janeiro de 1916, Stieglitz recebeu uma carteira de desenhos a carvão de uma jovem artista chamada Georgia O”Keeffe. Stieglitz foi tão levada pela sua arte que, sem conhecer O”Keeffe ou mesmo obter a sua permissão para mostrar as suas obras, fez planos para expor o seu trabalho aos 291 anos. A primeira vez que O”Keeffe ouviu falar disto foi de outra amiga que viu os seus desenhos na galeria em finais de Maio desse ano. Ela finalmente conheceu Stieglitz depois de ter ido a 291 e de o ter castigado por ter mostrado a sua obra sem a sua permissão.

Pouco depois O”Keeffe conheceu Paul Strand, e durante vários meses ela e Strand trocaram cartas cada vez mais românticas. Quando Strand contou ao seu amigo Stieglitz sobre o seu novo anseio, Stieglitz respondeu contando a Strand sobre a sua própria paixão por O”Keeffe. Gradualmente o interesse de Strand foi diminuindo, e Stieglitz aumentou. No Verão de 1917, ele e O”Keeffe estavam a escrever um ao outro “os seus pensamentos mais privados e complicados”, e era evidente que algo muito intenso se estava a desenvolver.

O ano de 1917 marcou o fim de uma era na vida de Stieglitz e o início de outra. Em parte devido à mudança estética, à mudança dos tempos provocada pela guerra e à sua crescente relação com O”Keeffe, já não tinha o interesse nem os recursos para continuar o que tinha feito durante a última década. No período de alguns meses, ele dissolveu o que restava da sessão fotográfica, deixou de publicar Camera Work e fechou as portas de 291. Era também claro para ele que o seu casamento com Emmy tinha acabado. Tinha finalmente encontrado “o seu gémeo”, e nada se interporia no seu caminho da relação que desejava durante toda a sua vida.

O”Keeffe e a arte moderna (1918-1924)

No início de Junho de 1918, O”Keeffe mudou-se do Texas para Nova Iorque depois de Stieglitz ter prometido que lhe forneceria um estúdio tranquilo onde ela poderia pintar. No espaço de um mês ele tirou a primeira de muitas fotografias dela nua no apartamento da sua família enquanto a sua mulher Emmy estava fora, mas ela regressou enquanto a sessão ainda estava em curso. Ela tinha suspeitado que algo se passava entre os dois durante algum tempo, e disse-lhe para parar de a ver ou sair. Stieglitz partiu e encontrou imediatamente um lugar na cidade onde ele e O”Keeffe podiam viver juntos. Eles dormiram separadamente durante mais de duas semanas. No final de Julho estavam juntos na mesma cama, e em meados de Agosto quando visitaram Oaklawn “eram como dois adolescentes apaixonados”. Várias vezes por dia subiam as escadas ao seu quarto, tão ansiosos por fazer amor que começavam a despir-se enquanto corriam”.

Uma vez fora do seu apartamento, o Emmy mudou de ideias. Devido aos atrasos legais causados por Emmy e os seus irmãos, passariam mais seis anos até que o divórcio estivesse finalizado. Durante este período, Stieglitz e O”Keeffe continuaram a viver juntos, embora de vez em quando ela fosse sozinha para criar arte. Stieglitz utilizava os seus tempos separados para se concentrar na sua fotografia e na promoção da arte moderna.

O”Keeffe era a musa que Stieglitz sempre quisera. Ele fotografou O”Keeffe obsessivamente entre 1918 e 1925 naquele que foi o período mais prolífico de toda a sua vida. Durante este período, produziu mais de 350 gravuras montadas de O”Keeffe que retratavam uma vasta gama do seu carácter, humor e beleza. Fez muitos estudos de perto de partes do seu corpo, especialmente das suas mãos isoladas por si próprias ou perto do seu rosto ou cabelo. A biógrafa de O”Keeffe Roxanna Robinson afirma que a sua “personalidade era crucial para estas fotografias; era isto, tanto quanto o seu corpo, que Stieglitz estava a gravar”.

Em 1920, Stieglitz foi convidado por Mitchell Kennerly das Galerias Anderson em Nova Iorque a montar uma grande exposição das suas fotografias. No início de 1921, ele pendurou a primeira exposição individual das suas fotografias desde 1913. Das 146 impressões que pôs à vista, apenas 17 tinham sido vistas anteriormente. Quarenta e seis eram de O”Keeffe, incluindo muitos nus, mas ela não foi identificada como modelo em nenhuma das gravuras. Foi no catálogo desta exposição que Stieglitz fez a sua famosa declaração: “Eu nasci em Hoboken. Sou uma americana. A fotografia é a minha paixão. A busca da Verdade é a minha obsessão”. O que é menos conhecido é que ele condicionou esta declaração, seguindo-a com estas palavras:

NOTA: Na DECLARAÇÃO acima, o seguinte, tornando-se rapidamente “obsoleto”, os termos não aparecem: ARTE, CIÊNCIA, BELEZA, RELIGIÃO, cada ISM, ABSTRACÇÃO, FORMA, PLASTICIDADE, OBJECTIVIDADE, SUBJECTIVIDADE, MESTRE VELHO, ARTE MODERNA, PSICOANÁLISE,ESTÉTICA, FOTOGRAFIA PICTORIAL, DEMOCRACIDADE, CEZANNE, “291”, PROIBIÇÃO. O termo VERDADE entrou, mas pode ser expulso por qualquer um.

Em 1922, Stieglitz organizou uma grande exposição de pinturas e gravuras de John Marin nas Galerias Anderson, seguida de um enorme leilão de quase duzentas pinturas de mais de quarenta artistas americanos, incluindo O”Keeffe. Energizado por esta actividade, iniciou um dos seus empreendimentos mais criativos e invulgares – fotografando uma série de estudos de nuvens simplesmente pela sua forma e beleza. Disse ele:

Eu queria fotografar nuvens para descobrir o que tinha aprendido em quarenta anos sobre fotografia. Através de nuvens para baixar a minha filosofia de vida – para mostrar que (o sucesso das) minhas fotografias (não era) devido ao assunto – não a árvores ou rostos especiais, ou interiores, a privilégios especiais – as nuvens estavam lá para todos…

No final do Verão tinha criado uma série a que chamou “Música – Uma Sequência de Dez Fotografias de Nuvens”. Durante os doze anos seguintes, ele tiraria centenas de fotografias de nuvens sem qualquer ponto de referência de localização ou direcção. Estas são geralmente reconhecidas como as primeiras fotografias intencionalmente abstractas, e continuam a ser algumas das suas fotografias mais poderosas. Ele viria a referir-se a estas fotografias como Equivalentes.

A mãe de Stieglitz, Hedwig, morreu em Novembro de 1922, e como ele fez com o seu pai enterrou a sua dor no seu trabalho. Passou algum tempo com Paul Strand e a sua nova esposa Rebecca (Beck), reviu o trabalho de outro recém-chegado chamado Edward Weston e começou a organizar uma nova mostra do trabalho de O”Keeffe. A sua exposição abriu no início de 1923, e Stieglitz passou grande parte da Primavera a comercializar o seu trabalho. Finalmente, vinte dos seus quadros foram vendidos por mais de 3.000 dólares. No Verão, O”Keeffe partiu mais uma vez para o isolamento do Sudoeste, e durante algum tempo Stieglitz esteve sozinha com Beck Strand no Lago George. Tirou-lhe uma série de fotografias nuas, e logo se apaixonou por ela. Eles tiveram um breve caso físico antes de O”Keeffe regressar no Outono. O”Keeffe pôde contar o que tinha acontecido, mas como não via o novo amante de Stieglitz como uma séria ameaça à sua relação, deixou passar as coisas. Seis anos mais tarde, ela teria o seu próprio caso com Beck Strand no Novo México.

Em 1924, o divórcio de Stieglitz foi finalmente aprovado por um juiz, e dentro de quatro meses ele e O”Keeffe casaram numa pequena cerimónia privada na casa de Marin. Foram para casa sem uma recepção ou lua-de-mel. O”Keeffe disse mais tarde que casaram para ajudar a acalmar os problemas da filha de Stieglitz, Kitty, que nessa altura estava a ser tratada num sanatório de depressão e alucinações. Para o resto das suas vidas juntas, a sua relação foi, como a biógrafa Benita Eisler a caracterizou, “um conluio … um sistema de acordos e compromissos, tacitamente acordado e realizado, na sua maioria, sem troca de palavras. Preferindo evitar o confronto na maioria das questões, O”Keeffe foi o principal agente de conluio no seu sindicato”.

Nos próximos anos, O”Keeffe passaria muito do seu tempo a pintar no Novo México, enquanto Stieglitz raramente deixava Nova Iorque, excepto nos verões, na propriedade familiar do seu pai, no Lago George, nos Adirondacks, o seu local de férias favorito. O”Keeffe disse mais tarde “Stieglitz era um hipocondríaco e não podia estar a mais de 50 milhas de um médico”.

No final de 1924, Stieglitz doou 27 fotografias ao Museu de Belas Artes de Boston. Foi a primeira vez que um grande museu incluiu fotografias na sua colecção permanente. No mesmo ano, recebeu a Medalha de Progresso da Royal Photographic Society por promover a fotografia e recebeu uma Bolsa de Honra da Sociedade.

A Galeria Intima e Um Lugar Americano (1925-1937)

Em 1925, Stieglitz foi convidado pelas Galerias Anderson para organizar uma das maiores exposições de arte americana, intitulada Alfred Stieglitz Apresenta Sete Americanos: 159 Pinturas, Fotografias, e Coisas, Recentes e Nunca Antes Mostradas ao Público por Arthur G. Dove, Marsden Hartley, John Marin, Charles Demuth, Paul Strand, Georgia O”Keeffe e Alfred Stieglitz. Apenas um pequeno quadro de O”Keeffe foi vendido durante a exposição de três semanas.

Pouco depois, foi oferecido a Stieglitz o uso continuado de uma das salas das Galerias Anderson, que utilizou para uma série de exposições por alguns dos mesmos artistas na exposição dos Sete Americanos. Em Dezembro de 1925, abriu a sua nova galeria, “The Intimate Gallery”, que apelidou de “The Room” devido à sua pequena dimensão. Durante os quatro anos seguintes, organizou dezasseis exposições de obras de Marin, Dove, Hartley, O”Keeffe e Strand, juntamente com exposições individuais de Gaston Lachaise, Oscar Bluemner e Francis Picabia. Durante este tempo, Stieglitz cultivou uma relação com o influente novo coleccionador de arte Duncan Phillips, que adquiriu várias obras através da The Intimate Gallery.

Em 1927, Stieglitz apaixonou-se pela Dorothy Norman, de 22 anos de idade, que era então voluntária na galeria, e eles apaixonaram-se. Norman era casado e tinha um filho, mas ela vinha à galeria quase todos os dias.

O”Keeffe aceitou uma oferta de Mabel Dodge para ir ao Novo México para o Verão. Stieglitz tirou partido do seu tempo fora para começar a fotografar Norman, e começou também a ensinar-lhe os aspectos técnicos da impressão. Quando Norman teve um segundo filho, ela esteve ausente da galeria durante cerca de dois meses antes de regressar com regularidade. Em pouco tempo, tornaram-se amantes, mas mesmo depois de o seu caso físico ter diminuído alguns anos depois, continuaram a trabalhar juntos sempre que O”Keeffe não estava presente até à morte de Stieglitz em 1946.

No início de 1929, foi dito a Stieglitz que o edifício que albergava a Sala seria demolido no final do ano. Após uma última mostra do trabalho de Demuth em Maio, retirou-se para o Lago George para o Verão, exausto e deprimido. Os Strands angariaram quase dezasseis mil dólares para uma nova galeria para Stieglitz, que reagiu duramente, dizendo que era altura de os “jovens” fazerem algum do trabalho que ele tinha vindo a realizar durante tantos anos. Embora Stieglitz tenha acabado por pedir desculpa e aceite a sua generosidade, o incidente marcou o início do fim da sua longa e estreita relação.

No final do Outono, Stieglitz regressou a Nova Iorque. A 15 de Dezembro, duas semanas antes do seu sexagésimo quinto aniversário, abriu “An American Place”, a maior galeria que já tinha conseguido. Tinha a primeira câmara escura que já tinha tido na cidade. Anteriormente, tinha pedido emprestado outros quartos escuros ou trabalhado apenas quando estava no Lago George. Continuou a mostrar exposições individuais ou em grupo dos seus amigos Marin, Demuth, Hartley, Dove e Strand durante os dezasseis anos seguintes. O”Keeffe recebeu pelo menos uma grande exposição por ano. Controlava ferozmente o acesso às suas obras e promovia-a incessantemente mesmo quando os críticos lhe faziam críticas menos favoráveis. Muitas vezes durante este tempo, só se viam durante o Verão, quando estava demasiado calor na sua casa no Novo México, mas escreviam um ao outro quase semanalmente com o fervor das almas gémeas gémeas.

Em 1932, Stieglitz montou uma retrospectiva de quarenta anos de 127 das suas obras no The Place. Ele incluiu todas as suas fotografias mais famosas, mas também escolheu propositadamente incluir fotografias recentes de O”Keeffe, que, devido aos seus anos ao sol do Sudoeste, parecia mais velha do que os seus quarenta e cinco anos, em comparação com os retratos de Stieglitz do seu jovem amante Norman. Foi uma das poucas vezes em que ele agiu mal para O”Keeffe em público, e pode ter sido como resultado dos seus argumentos cada vez mais intensos em privado sobre o seu controlo da sua arte.

Mais tarde nesse ano, montou uma exposição das obras de O”Keeffe ao lado de algumas pinturas amadoras em vidro de Becky Strand. Ele não publicou um catálogo da exposição, que os Strands tomaram como um insulto. Paul Strand nunca perdoou a Stieglitz por isso. Ele disse: “O dia em que entrei na Photo-Secession 291 em 1907 foi um grande momento na minha vida… mas o dia em que saí de An American Place em 1932 não foi menos bom. Era ar fresco e libertação pessoal de algo que se tinha tornado, pelo menos para mim, de segunda categoria, corrupto e sem sentido”.

Em 1936, Stieglitz voltou brevemente às suas raízes fotográficas, montando uma das primeiras exposições de fotografias de Ansel Adams em Nova Iorque. A exposição foi um sucesso e David McAlpin comprou oito fotografias de Adams. Também montou uma das primeiras exposições do trabalho de Eliot Porter dois anos mais tarde. Stieglitz, considerado o “padrinho da fotografia moderna”, encorajou Todd Webb a desenvolver o seu próprio estilo e a mergulhar no meio.

No ano seguinte, o Museu de Arte de Cleveland montou a primeira grande exposição do trabalho de Stieglitz fora das suas próprias galerias. No curso de garantir que cada estampa fosse perfeita, ele próprio trabalhou até à exaustão. O”Keeffe passou a maior parte desse ano no Novo México.

Últimos anos (1938-1946)

No início de 1938, Stieglitz sofreu um grave ataque cardíaco, um dos seis ataques coronários ou anginosos que o atingiriam nos oito anos seguintes, cada um dos quais o deixou cada vez mais enfraquecido. Durante as suas ausências, Dorothy Norman geriu a galeria. O”Keeffe permaneceu na sua casa do Sudoeste desde a Primavera até ao Outono deste período.

No Verão de 1946, Stieglitz sofreu um derrame fatal e entrou em coma. O”Keeffe voltou a Nova Iorque e descobriu que Dorothy Norman estava no seu quarto de hospital. Ela partiu e O”Keeffe estava com ele quando ele morreu. Segundo a sua vontade, um simples funeral foi assistido por vinte dos seus amigos e familiares mais próximos. Stieglitz foi cremado, e, com a sua sobrinha Elizabeth Davidson, O”Keeffe levou as suas cinzas ao Lago George e “colocou-o onde ele podia ouvir a água”. No dia seguinte ao funeral, O”Keeffe tomou o controlo de An American Place.

Stieglitz produziu mais de 2.500 fotografias montadas ao longo da sua carreira. Após a sua morte, O”Keeffe montou um conjunto do que considerou ser o melhor das suas fotografias que ele tinha montado pessoalmente. Em alguns casos ela incluiu versões ligeiramente diferentes da mesma imagem, e estas séries são inestimáveis pela sua compreensão sobre a composição estética de Stieglitz. Em 1949, doou a primeira parte do que chamou o “conjunto chave” de 1.317 fotografias de Stieglitz à National Gallery of Art em Washington, DC. Em 1980, acrescentou ao conjunto mais 325 fotografias suas tiradas por Stieglitz, incluindo muitos nus. Agora com 1.642 fotografias, é a maior e mais completa colecção de trabalhos de Stieglitz em qualquer parte do mundo. Em 2002, a Galeria Nacional publicou um catálogo de dois volumes de 1.012 páginas que reproduz o conjunto completo de chaves, juntamente com anotações detalhadas sobre cada fotografia.

Em 2019, a Galeria Nacional publicou uma Edição Online actualizada do Conjunto de Chaves Alfred Stieglitz.

Fontes