Andy Warhol

gigatos | Janeiro 10, 2022

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Resumo

Andy Warhol (6 de Agosto de 1928 – 22 de Fevereiro de 1987) era um artista, realizador e produtor americano que era uma figura de proa no movimento de arte visual conhecido como arte pop. Os seus trabalhos exploram a relação entre expressão artística, publicidade, e cultura de celebridades que floresceu nos anos 60, e abrangem uma variedade de meios, incluindo pintura, serigrafia, fotografia, filme, e escultura. Alguns dos seus trabalhos mais conhecidos incluem as pinturas de serigrafia Campbell”s Soup Cans (1962) e Marilyn Diptych (1962), os filmes experimentais Empire (1964) e Chelsea Girls (1966), e os eventos multimédia conhecidos como Exploding Plastic Inevitable (1966-67).

Nascido e criado em Pittsburgh, Warhol prosseguiu inicialmente uma carreira de sucesso como ilustrador comercial. Após ter exposto o seu trabalho em várias galerias no final dos anos 50, começou a receber reconhecimento como artista influente e controverso. O seu estúdio de Nova Iorque, The Factory, tornou-se um conhecido local de encontro que reuniu intelectuais ilustres, drag queens, dramaturgos, gente de rua boémia, celebridades de Hollywood, e patronos ricos. Promoveu uma colecção de personalidades conhecidas como superestrelas de Warhol, e é creditado com a inspiradora expressão amplamente utilizada “15 minutos de fama”. No final dos anos 60, geriu e produziu a banda de rock experimental The Velvet Underground e fundou a revista Interview. É autor de numerosos livros, incluindo A Filosofia de Andy Warhol e Popismo: Os anos sessenta de Warhol. Viveu abertamente como homem gay antes do movimento de libertação gay. Em Junho de 1968, foi quase morto pela feminista radical Valerie Solanas, que o alvejou dentro do seu estúdio. Após uma cirurgia à vesícula biliar, Warhol morreu de arritmia cardíaca em Fevereiro de 1987, aos 58 anos de idade, em Nova Iorque.

Warhol tem sido objecto de numerosas exposições retrospectivas, livros, e filmes de longa e documentários. O Museu Andy Warhol na sua cidade natal de Pittsburgh, que detém uma extensa colecção permanente de arte e arquivos, é o maior museu dos Estados Unidos dedicado a um único artista. Um artigo de 2009 no The Economist descreveu Warhol como o “sinlwether do mercado da arte”. Muitas das suas criações são muito coleccionáveis e altamente valiosas. O preço mais alto alguma vez pago por uma pintura de Warhol é de $105 milhões por uma serigrafia de 1963 intitulada Silver Car Crash (Double Disaster). As suas obras incluem algumas das pinturas mais caras alguma vez vendidas.

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Início da vida e começo (1928-1949)

Warhol nasceu a 6 de Agosto de 1928, em Pittsburgh, Pennsylvania. Foi o quarto filho de Ondrej Warhola (americanizado como Andrew Warhola, Sr., 1889-1942) e Júlia (de solteira Zavacká, 1892-1972), cujo primeiro filho nasceu na sua terra natal, a Áustria-Hungria, e morreu antes da sua mudança para os EUA.

Os seus pais eram emigrantes da classe trabalhadora Lemko de Mikó, Áustria-Hungria (agora chamada Miková, localizada no nordeste da Eslováquia de hoje). O pai de Warhol emigrou para os Estados Unidos em 1914, e a sua mãe juntou-se a ele em 1921, após a morte dos avós de Warhol. O pai de Warhol trabalhava numa mina de carvão. A família vivia na Rua Beelen, 55 e mais tarde na Rua Dawson, 3252, no bairro de Oakland, em Pittsburgh. A família era católica rutena e frequentava a Igreja Católica Bizantina de St. John Chrysostom. Andy Warhol tinha dois irmãos mais velhos-Pavol (Ján nasceu em Pittsburgh. O filho de Pavol, James Warhola, tornou-se um ilustrador de livros infantis de sucesso.

Na terceira classe, Warhol tinha a Coreia de Sydenham (também conhecida como Dança de St. Vitus), a doença do sistema nervoso que causa movimentos involuntários das extremidades, que se acredita ser uma complicação da escarlatina que causa mancha de pigmentação da pele. Por vezes, quando estava confinado à cama, desenhava, ouvia o rádio e recolhia imagens de estrelas de cinema à volta da sua cama. Warhol descreveu mais tarde este período como sendo muito importante para o desenvolvimento da sua personalidade, conjunto de habilidades e preferências. Quando Warhol tinha 13 anos, o seu pai morreu num acidente.

Quando adolescente, Warhol formou-se na Escola Secundária Schenley em 1945, e quando adolescente, Warhol também ganhou um Prémio de Arte e Escrita Escolástica. Depois de terminar o liceu, a sua intenção era estudar educação artística na Universidade de Pittsburgh na esperança de se tornar professor de arte, mas os seus planos mudaram e ele inscreveu-se no Instituto Carnegie de Tecnologia, agora Universidade Carnegie Mellon em Pittsburgh, onde estudou arte comercial. Durante o seu tempo lá, Warhol juntou-se ao Clube de Dança Moderna do campus e à Sociedade de Artes Beaux. Foi também director de arte da revista de arte estudantil, Cano, ilustrando uma capa em 1948 e uma página inteira de ilustração de interiores em 1949. Acredita-se que estas são as suas duas primeiras obras de arte publicadas. Warhol ganhou um Bacharelato em Belas Artes em desenho pictórico, em 1949. Mais tarde nesse ano, mudou-se para Nova Iorque e iniciou uma carreira na ilustração de revistas e publicidade.

1950s

O início da carreira de Warhol foi dedicado à arte comercial e publicitária, onde a sua primeira comissão tinha sido a de desenhar sapatos para a revista Glamour no final dos anos 40. Na década de 1950, Warhol trabalhou como desenhador para o fabricante de sapatos Israel Miller. Enquanto trabalhava na indústria do calçado, Warhol desenvolveu a sua técnica de “linha manchada”, aplicando tinta ao papel e depois manchando a tinta enquanto ainda húmida, o que se assemelhava a um processo de impressão na escala mais rudimentar. A sua utilização de papel de decalque e tinta permitiu-lhe repetir a imagem básica e também criar variações infinitas sobre o tema. O fotógrafo americano John Coplans recordou que

ninguém desenhou sapatos como o Andy fez. Ele de alguma forma deu a cada sapato um temperamento próprio, uma espécie de sofisticação manhosa, tipo Toulouse-Lautrec, mas a forma e o estilo passaram com precisão e a fivela estava sempre no sítio certo. As crianças no apartamento [que Andy partilhou em Nova Iorque – nota de Coplans] notaram que os vampiros nos desenhos dos sapatos de Andy continuavam a ficar cada vez mais longos, mas Miller não se importava. Miller adorava-os.

Em 1952, Warhol teve a sua primeira exposição individual na Galeria Hugo em Nova Iorque, e embora essa exposição não tenha sido bem recebida, em 1956, foi incluído na sua primeira exposição colectiva no Museu de Arte Moderna, Nova Iorque. Os desenhos de tinta “caprichosos” de Warhol de anúncios de sapatos figuraram em algumas das suas primeiras exposições na Galeria Bodley, em Nova Iorque, em 1957.

Warhol utilizava habitualmente o expediente de traçar fotografias projectadas com um epidiascópio. Usando impressões de Edward Wallowitch, o seu “primeiro namorado”, as fotografias sofreriam uma transformação subtil durante o traçado frequentemente rápido de contornos e eclosão de sombras de Warhol. Warhol utilizou a fotografia de Wallowitch, Young Man Smoking a Cigarette (c.1956), para um desenho de 1958 para uma capa de livro que apresentou a Simon and Schuster para o romance de pasta de Walter Ross, The Immortal, e mais tarde utilizou outras para a sua série de pinturas.

Com a rápida expansão da indústria discográfica, a RCA Records contratou a Warhol, juntamente com outro artista freelancer, Sid Maurer, para desenhar capas de álbuns e materiais promocionais.

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1960s

Warhol foi um dos primeiros a adoptar o processo de serigrafia como uma técnica para fazer pinturas. Em 1962, Warhol foi ensinado por Max Arthur Cohn no seu negócio de artes gráficas em Manhattan. No seu livro Popism: The Warhol Sixties, Warhol escreve: “Quando se faz algo exactamente errado, sempre se faz alguma coisa”.

Em Maio de 1962, Warhol foi apresentado num artigo na revista Time com a sua pintura “Big Campbell”s Soup Can Can Opener (Vegetable)” (1962), que iniciou o seu motivo mais sustentado, a lata de sopa Campbell”s. Este quadro tornou-se o primeiro quadro de Warhol a ser exibido num museu quando foi exibido no Wadsworth Atheneum em Hartford em Julho de 1962. A 9 de Julho de 1962, a exposição de Warhol abriu na Galeria Ferus em Los Angeles com as latas de sopa Campbell”s, marcando a sua estreia na arte pop da Costa Oeste.

Em Novembro de 1962, Warhol tem uma exposição na Eleanor Ward”s Stable Gallery em Nova Iorque. A exposição incluiu as obras Gold Marilyn, oito da série clássica “Marilyn” também denominada “Flavor Marilyns”, Marilyn Diptych, 100 Latas de Sopa, 100 Garrafas de Coca-Cola, e 100 Contas de Dólares. Os Flavor Marilyns foram seleccionados a partir de um grupo de catorze telas da sub-série, cada uma medindo 20″ x 16″. Algumas das telas receberam o nome de vários sabores de Life Savers, incluindo Marilyn de Cereja, Marilyn de Limão, Menta, Lavanda, Uva ou Marilyn de Alcaçuz. As outras são identificadas pelas suas cores de fundo. Gold Marilyn, foi comprada pelo arquitecto Philip Johnson e doada ao Museu de Arte Moderna. Na exposição, Warhol conheceu o poeta John Giorno, que iria estrelar no primeiro filme de Warhol, Sleep, em 1964.

Foi durante a década de 1960 que Warhol começou a fazer pinturas de objectos icónicos americanos como notas de dólar, nuvens de cogumelos, cadeiras eléctricas, latas de sopa Campbell”s, garrafas de Coca-Cola, celebridades como Marilyn Monroe, Elvis Presley, Marlon Brando, Troy Donahue, Muhammad Ali, e Elizabeth Taylor, bem como manchetes de jornais ou fotografias de cães da polícia atacando manifestantes afro-americanos durante a campanha de Birmingham no movimento dos direitos civis. Durante estes anos, fundou o seu estúdio, “The Factory” e reuniu sobre ele uma vasta gama de artistas, escritores, músicos, e celebridades underground. O seu trabalho tornou-se popular e controverso. Warhol tinha isto a dizer sobre a Coca-Cola:

O que é óptimo neste país é que a América iniciou a tradição onde os consumidores mais ricos compram essencialmente as mesmas coisas que os mais pobres. Pode-se estar a ver televisão e ver Coca-Cola, e sabe-se que o Presidente bebe Coca-Cola, Liz Taylor bebe Coca-Cola, e basta pensar, também se pode beber Coca-Cola. Uma Coca-Cola é uma Coca-Cola e nenhuma quantidade de dinheiro lhe pode dar uma Coca-Cola melhor do que aquela que o vagabundo da esquina está a beber. Todas as Coca-Colas são iguais e todas as Coca-Colas são boas. Liz Taylor sabe-o, a Presidente sabe-o, o vagabundo sabe-o, e você sabe-o.

Em Dezembro de 1962, o Museu de Arte Moderna de Nova Iorque acolheu um simpósio sobre arte pop, durante o qual artistas como Warhol foram atacados por “capitularem” ao consumismo. Os críticos ficaram chocados com a aceitação aberta de Warhol da cultura do mercado, que deu o tom para a sua recepção.

Warhol teve a sua segunda exposição na Galeria Stable na Primavera de 1964, que apresentava esculturas de caixas comerciais empilhadas e espalhadas pelo espaço para se assemelharem a um armazém. Para a exposição, Warhol encomendou caixas de madeira e gráficos serigrafados sobre elas. As esculturas-Brillo Box, Del Monte Peach Box, Heinz Tomato Ketchup Box, Kellog”s Cornflakes Box, Campbell”s Tomato Juice Box, e Mott”s Apple Juice Box – vendidas por $200 a $400, dependendo do tamanho da caixa.

Um evento fulcral foi a exposição do Supermercado Americano na galeria do Upper East Side de Paul Bianchini, no Outono de 1964. A exposição foi apresentada como um ambiente típico de pequeno supermercado, excepto que tudo nele – desde os produtos, enlatados, carne, cartazes na parede, etc. – foi criado por artistas pop proeminentes da época, entre eles a escultura Claes Oldenburg, Mary Inman e Bob Watts. Warhol desenhou um saco de papel de 12 dólares branco com uma lata vermelha de sopa Campbell”s. A sua pintura de uma lata de sopa Campbell”s custou $1,500 enquanto cada lata autografada vendia por 3 por $18, $6,50 cada. A exposição foi um dos primeiros eventos de massa que confrontou directamente o público em geral com a arte pop e a perene questão de saber o que é arte.

Como ilustrador de publicidade nos anos 50, Warhol utilizava assistentes para aumentar a sua produtividade. A colaboração continuaria a ser uma definição (o que era particularmente verdade nos anos 60. Um dos colaboradores mais importantes durante este período foi Gerard Malanga. Malanga ajudou o artista com a produção de serigrafias, filmes, esculturas e outros trabalhos em “The Factory”, o estúdio de alumínio de Warhol, revestido com folha de alumínio e prata, na Rua 47 (mais tarde mudado para a Broadway). Outros membros da multidão de Warhol”s Factory incluíam Freddie Herko, Ondine, Ronald Tavel, Mary Woronov, Billy Name, e Brigid Berlin (de quem ele aparentemente teve a ideia de gravar as suas conversas telefónicas).

Durante a década de 1960, Warhol também preparou uma comitiva de boémios e excêntricos de contracultura a quem atribuiu a designação de “Superstars”, incluindo Nico, Joe Dallesandro, Edie Sedgwick, Viva, Ultra Violet, Holly Woodlawn, Jackie Curtis, e Candy Darling. Todas estas pessoas participaram nos filmes da Fábrica, e alguns, como Berlim – amigos de Warhol até à sua morte. Figuras importantes no mundo do artcinema underground de Nova Iorque, tais como o escritor John Giorno e o cineasta Jack Smith, também aparecem nos filmes Warhol (muitas estreias no New Andy Warhol Garrick Theatre e na 55th Street Playhouse) dos anos 60, revelando as ligações de Warhol a uma gama diversificada de cenas artísticas durante esta época. Menos conhecido foi o seu apoio e colaboração com vários adolescentes durante esta época, que mais tarde alcançariam proeminência na vida, incluindo o escritor David Dalton, e o artista Bibbe Hansen (mãe do músico pop Beck).

A 3 de Junho de 1968, a escritora feminista radical Valerie Solanas filmou Warhol e Mario Amaya, crítico de arte e curador, no estúdio de Warhol, The Factory. Antes das filmagens, Solanas tinha sido uma figura marginal na cena da Fábrica. Foi autora em 1967 do Manifesto SCUM, um tratado feminista separatista que defendia a eliminação dos homens; e apareceu no filme I, um Homem, de Warhol 1968. Anteriormente, no dia do ataque, Solanas tinha sido afastado da Fábrica depois de pedir a devolução de um guião que tinha dado a Warhol. O guião tinha sido aparentemente despropositado.

Amaya recebeu apenas lesões menores e teve alta do hospital mais tarde no mesmo dia. Warhol foi gravemente ferido pelo ataque e mal sobreviveu. Sofreu efeitos físicos para o resto da sua vida, incluindo ser obrigado a usar um espartilho cirúrgico. O tiroteio teve um efeito profundo na vida e arte de Warhol.

Solanas foi preso no dia seguinte à agressão, depois de se ter entregue à polícia. Como explicação, ela disse que Warhol “tinha demasiado controlo sobre a minha vida”. Foi-lhe posteriormente diagnosticada esquizofrenia paranóica e acabou por ser condenada a três anos sob o controlo do Departamento de Correcções. Após o tiroteio, a cena da Fábrica aumentou fortemente a sua segurança, e para muitos a “Fábrica 60s” terminou (“As superestrelas dos velhos tempos da Fábrica não se aproximavam muito da nova Fábrica”).

Warhol tinha isto a dizer sobre o ataque:

Antes de ser alvejado, sempre pensei que estava mais para metade do que para todos os outros – sempre suspeitei que estava a ver televisão em vez de viver a vida. As pessoas dizem por vezes que a forma como as coisas acontecem nos filmes é irreal, mas na verdade é a forma como as coisas acontecem na vida que é irreal. Os filmes fazem com que as emoções pareçam tão fortes e reais, enquanto que quando as coisas realmente acontecem, é como ver televisão – não se sente nada. Mesmo quando eu estava a ser filmado e desde então, soube que estava a ver televisão. Os canais mudam, mas é tudo televisão.

Em 1969, Warhol e o jornalista britânico John Wilcock fundaram a revista Interview.

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1970s

Warhol teve uma exposição retrospectiva no Museu Whitney de Arte Americana em 1971. O seu famoso retrato do líder comunista chinês Mao Tse Tung foi criado em 1973. Em 1975, publicou The Philosophy of Andy Warhol (1975). Uma ideia expressa no livro: “Ganhar dinheiro é arte, e trabalhar é arte e bom negócio é a melhor arte”.

Em comparação com o sucesso e o escândalo do trabalho de Warhol nos anos 60, os anos 70 foram uma década muito mais tranquila, à medida que ele se tornou mais empreendedor. Ele socializou em vários locais nocturnos em Nova Iorque, incluindo Max”s Kansas City e, mais tarde na década de 1970, Studio 54. Era geralmente considerado como um observador calmo, tímido e meticuloso. O crítico de arte Robert Hughes chamou-lhe “a toupeira branca da Union Square”.

Em 1977, Warhol foi encarregado pelo coleccionador de arte Richard Weisman de criar, Atletas, dez retratos compostos pelos principais atletas da época.

Segundo Bob Colacello, Warhol dedicou muito do seu tempo a reunir novos e ricos patronos para comissões de retratos – incluindo o Xá do Irão Mohammad Reza Pahlavi, a sua esposa Imperatriz Farah Pahlavi, a sua irmã Princesa Ashraf Pahlavi, Mick Jagger, Liza Minnelli, John Lennon, Diana Ross, e Brigitte Bardot. Em 1979, os revisores não gostaram das suas exposições de retratos de personalidades e celebridades dos anos 70, chamando-lhes superficiais, fáceis e comerciais, sem qualquer profundidade ou indicação do significado dos temas.

Em 1979, Warhol e o seu amigo de longa data Stuart Pivar fundaram a Academia de Arte de Nova Iorque.

1980s

Warhol teve um ressurgimento de sucesso crítico e financeiro na década de 1980, em parte devido à sua filiação e amizade com uma série de prolíficos artistas mais jovens, que dominavam o “mercado de touros” da arte nova-iorquina da década de 1980: Jean-Michel Basquiat, Julian Schnabel, David Salle e outros chamados Neo-Expressionistas, bem como membros do movimento Transavantgarde na Europa, incluindo Francesco Clemente e Enzo Cucchi. Warhol também ganhou credibilidade nas ruas e o grafiteiro Fab Five Freddy prestou homenagem a Warhol pintando um comboio inteiro com latas de sopa Campbell.

Warhol também estava a ser criticado por se ter tornado meramente um “artista de negócios”. Críticos publicaram a sua exposição de 1980 Dez retratos de judeus do século XX no Museu Judaico em Manhattan, que Warhol – que não estava interessado no judaísmo e nos judeus – descreveu no seu diário como “Vão vender”. Em retrospectiva, porém, alguns críticos passaram a considerar a superficialidade e comercialidade de Warhol como “o espelho mais brilhante dos nossos tempos”, alegando que “Warhol tinha capturado algo irresistível sobre o zeitgeist da cultura americana nos anos 70”.

Warhol também tinha uma apreciação pelo intenso glamour de Hollywood. Ele disse uma vez: “Eu adoro Los Angeles. Eu amo Hollywood. São tão bonitos. Tudo é plástico, mas eu adoro plástico. Eu quero ser plástico”. O Warhol passeava ocasionalmente pelas passarelas da moda e fazia endossos de produtos, representado pela Zoli Agency e mais tarde pela Ford Models.

Antes dos Jogos Olímpicos de Inverno de Sarajevo de 1984, juntou-se a 15 outros artistas, incluindo David Hockney e Cy Twombly, e contribuiu com uma estampa de Speed Skater para a colecção de Arte e Desporto. O patinador de velocidade foi utilizado para o cartaz oficial dos Jogos Olímpicos de Inverno de Sarajevo.

Em 1984, a Vanity Fair encarregou o Warhol de produzir um retrato do Príncipe, a fim de acompanhar um artigo que celebrava o sucesso da Purple Rain e do filme que a acompanhava. Referindo-se aos muitos retratos de celebridades produzidos por Warhol ao longo da sua carreira, Orange Prince (1984) foi criado usando uma composição semelhante à série Marilyn “Flavors” de 1962, entre alguns dos primeiros retratos de celebridades de Warhol. O Príncipe é retratado numa paleta de cores pop comummente utilizada por Warhol, em laranja brilhante com destaques de verde brilhante e azul. As características faciais e o cabelo são impressos em preto sobre o fundo cor-de-laranja.

Em Setembro de 1985, a exposição conjunta de Warhol com Basquiat, Paintings, abriu para críticas negativas na Galeria Tony Shafrazi. Nesse mês, apesar da apreensão de Warhol, a sua série Reigning Queens, em serigrafia, foi exibida na Galeria Leo Castelli. No Andy Warhol Diaries, Warhol escreveu: “Deviam ser apenas para a Europa – aqui ninguém se preocupa com a realeza e será mais uma má crítica”.

Em Janeiro de 1987, Warhol viajou para Milão para a abertura da sua última exposição, Última Ceia, no Palazzo delle Stelline. No mês seguinte, Warhol e o músico de jazz Miles Davis modelaram para o desfile de moda de Koshin Satoh no túnel de Nova Iorque, a 17 de Fevereiro de 1987.

Morte

Warhol morreu em Manhattan às 6:32 da manhã do dia 22 de Fevereiro de 1987, aos 58 anos de idade. De acordo com notícias, ele tinha estado a recuperar bem de uma cirurgia à vesícula biliar no Hospital de Nova Iorque antes de morrer durante o sono devido a um súbito batimento cardíaco irregular pós-operatório. Antes do seu diagnóstico e operação, Warhol atrasou a verificação dos seus problemas recorrentes na vesícula biliar, pois tinha medo de entrar nos hospitais e de consultar médicos. A sua família processou o hospital por cuidados inadequados, dizendo que a arritmia foi causada por cuidados inadequados e intoxicação por água. O caso de negligência foi rapidamente resolvido fora do tribunal; a família de Warhol recebeu uma soma de dinheiro não revelada.

Pouco antes da morte de Warhol, os médicos esperavam que Warhol sobrevivesse à cirurgia, embora uma reavaliação do caso cerca de trinta anos após a sua morte tenha mostrado muitas indicações de que a cirurgia de Warhol era de facto mais arriscada do que se pensava inicialmente. Foi amplamente noticiado na altura que Warhol morreu de uma cirurgia “de rotina”, embora ao considerar factores como a sua idade, um historial familiar de problemas na vesícula biliar, a sua ferida de bala anterior, e o seu estado médico nas semanas que antecederam o procedimento, o risco potencial de morte após a cirurgia parecesse ter sido significativo.

Os irmãos de Warhol levaram o seu corpo de volta para Pittsburgh, onde um velório de caixão aberto foi realizado na Casa Funerária Thomas P. Kunsak. O caixão de bronze sólido tinha calhas douradas e estofos brancos. O Warhol estava vestido com um fato de caxemira preto, uma gravata de paisley, uma peruca de platina, e óculos de sol. Foi disposto segurando um pequeno livro de orações e uma rosa vermelha. A liturgia fúnebre foi realizada na Igreja Católica Bizantina do Espírito Santo no lado Norte de Pittsburgh. O elogio foi feito por Monsenhor Peter Tay. Yoko Ono e John Richardson foram oradores. O caixão estava coberto de rosas brancas e samambaias de espargos. Após a liturgia, o caixão foi conduzido para o Cemitério de S. João Baptista Católico Bizantino em Bethel Park, um subúrbio do sul de Pittsburgh.

No túmulo, o padre disse uma breve oração e aspergiu água benta sobre o caixão. Antes de baixar o caixão, a amiga de Warhol e directora de publicidade da Entrevista Paige Powell deixou cair um exemplar da revista, uma T-shirt da Entrevista, e um frasco do perfume “Beautiful” da Estée Lauder para dentro da sepultura. Warhol foi enterrado ao lado da sua mãe e do seu pai. No dia 1 de Abril de 1987 realizou-se uma cerimónia fúnebre em Manhattan para Warhol, na Catedral de St. Patrick”s.

Pinturas

No início dos anos 60, a arte pop era uma forma experimental que vários artistas estavam a adoptar independentemente; alguns destes pioneiros, tais como Roy Lichtenstein, tornar-se-iam mais tarde sinónimos do movimento. Warhol, que se tornaria famoso como o “Papa da Pop”, voltou-se para este novo estilo, onde temas populares poderiam fazer parte da paleta do artista. As suas primeiras pinturas mostram imagens tiradas de desenhos animados e anúncios, pintadas à mão com pingos de tinta. Marilyn Monroe era uma pintura de arte pop que Warhol tinha feito e era muito popular. Essas gotas emularam o estilo dos expressionistas abstractos bem sucedidos (como Willem de Kooning). As primeiras pinturas de arte pop de Warhol foram exibidas em Abril de 1961, servindo de pano de fundo para a montra da loja Bonwit Teller de Nova Iorque. Esta foi a mesma fase em que os seus contemporâneos da Pop Art Jasper Johns, James Rosenquist e Robert Rauschenberg também já tinham sido agraciados.

Foi a galerista Muriel Latow que apresentou as ideias tanto para as latas de sopa como para as pinturas em dólares do Warhol. A 23 de Novembro de 1961, Warhol passou a Latow um cheque de $50 que, de acordo com a biografia de Warhol de 2009, Pop, The Genius of Warhol, foi o pagamento pela ideia das latas de sopa como assunto. Para a sua primeira grande exposição, Warhol pintou as suas famosas latas de sopa Campbell”s, que ele afirmou ter comido ao almoço durante a maior parte da sua vida.

A partir destes inícios, desenvolveu o seu estilo e temas posteriores. Em vez de trabalhar num tema de assinatura, como começou a fazer, trabalhou cada vez mais num estilo de assinatura, eliminando lentamente o artesanato do processo artístico. Warhol utilizava frequentemente a serigrafia; os seus desenhos posteriores foram traçados a partir de projecções de slides. No auge da sua fama como pintor, Warhol teve vários assistentes que produziram os seus múltiplos silk-screen, seguindo as suas instruções para fazer diferentes versões e variações.

Warhol produziu tanto trabalhos cómicos como sérios; o seu sujeito poderia ser uma lata de sopa ou uma cadeira eléctrica. Warhol utilizou as mesmas técnicas – telas de seda, reproduzidas em série, e frequentemente pintadas com cores brilhantes – quer tenha pintado celebridades, objectos do quotidiano, ou imagens de suicídio, acidentes de automóvel, e desastres, como na série Morte e Desastre de 1962-63.

Em 1979, Warhol foi encomendado pela BMW para pintar uma versão de corrida Grupo 4 do então “supercarro de elite” BMW M1 para a quarta parcela do Projecto BMW Art Car. Foi relatado na altura que, ao contrário dos três artistas que o precederam, Warhol optou por pintar directamente no automóvel em vez de deixar que os técnicos transferissem o seu desenho de modelo em escala para o carro. Foi indicado que Warhol gastou apenas um total de 23 minutos para pintar o carro inteiro.

Alguns dos trabalhos de Warhol, bem como a sua própria personalidade, têm sido descritos como sendo Keatonesque. Warhol tem sido descrito como sendo burro para os meios de comunicação social. Por vezes recusou-se a explicar o seu trabalho. Ele sugeriu que tudo o que se precisa de saber sobre o seu trabalho é “já lá ”na superfície””.

As suas manchas de tinta Rorschach destinam-se a ser comentários pop sobre a arte e sobre o que poderia ser a arte. O seu papel de parede de vaca (literalmente, papel de parede com um motivo de vaca) e as suas pinturas de oxidação (telas preparadas com tinta de cobre que foi depois oxidada com urina) também são dignas de nota neste contexto. Igualmente notável é a forma como estes trabalhos – e os seus meios de produção – espelharam a atmosfera na “Fábrica” de Andy, em Nova Iorque. O biógrafo Bob Colacello fornece alguns detalhes sobre as “pinturas de urina” de Andy:

Victor … era o fantasma de Andy que mijou nas Oxidações. Ele viria à Fábrica para urinar em telas que já tinham sido preparadas com tinta à base de cobre por Andy ou Ronnie Cutrone, um segundo mijão-fantasma muito apreciado por Andy, que disse que a vitamina B que Ronnie tomou tornava a cor mais bonita quando o ácido na urina tornava o cobre verde. Será que Andy alguma vez usou a sua própria urina? O meu diário mostra que quando ele começou a série, em Dezembro de 1977, o fez, e havia muitos outros: rapazes que tinham vindo almoçar e bebido demasiado vinho, e achavam engraçado ou até lisonjeador que lhe pedissem para ajudar Andy a ”pintar”. Andy tinha sempre um pequeno salto extra na sua caminhada, enquanto os conduzia ao seu estúdio.

O retrato de Warhol de 1982 de Basquiat, Jean-Michel Basquiat, é uma serigrafia sobre uma “pintura de mijo de cobre oxidado”. Após muitos anos de serigrafia, oxidação, fotografia, etc., Warhol voltou à pintura com um pincel na mão. Em 1983, Warhol começou a colaborar com Basquiat e Clemente. Warhol e Basquiat criaram uma série de mais de 50 grandes obras de colaboração entre 1984 e 1985. Apesar das críticas quando estas foram mostradas pela primeira vez, Warhol chamou a algumas delas “obras-primas”, e elas foram influentes para o seu trabalho posterior.

Em 1984, Warhol foi encarregado pelo coleccionador e galerista Alexander Iolas de produzir um trabalho baseado no livro A Última Ceia de Leonardo da Vinci para uma exposição no antigo refeitório do Palazzo delle Stelline em Milão, em frente ao mural de Santa Maria delle Grazie onde pode ser visto o mural de Leonardo da Vinci. Warhol excedeu as exigências da comissão e produziu cerca de 100 variações sobre o tema, na sua maioria serigrafias e pinturas, e entre elas uma escultura em colaboração com Basquiat, os Dez Sacos de Seda (Última Ceia). A exposição de Milão que abriu em Janeiro de 1987 com um conjunto de 22 serigrafias, foi a última exposição tanto para o artista como para o galerista. A série da Última Ceia foi vista por alguns como “indiscutivelmente a sua maior”, mas por outros como “sem espírito, sem religião” e “sem espírito”. É a maior série de obras de temática religiosa de qualquer artista norte-americano.

O artista Maurizio Cattelan descreve que é difícil separar os encontros diários da arte de Andy Warhol: “Isso é provavelmente a maior coisa sobre Warhol: a forma como ele penetrou e resumiu o nosso mundo, ao ponto de ser basicamente impossível distinguir entre ele e a nossa vida quotidiana, e em todo o caso inútil”. Warhol foi uma inspiração para a revista Cattelan e compilações de fotografias, tais como Permanent Food, Charley, e Toilet Paper.

No período imediatamente antes da sua morte, Warhol estava a trabalhar em Carros, uma série de pinturas para a Mercedes-Benz.

Mercado de arte

O valor do trabalho de Andy Warhol tem estado numa interminável trajectória ascendente desde a sua morte em 1987. Em 2014, as suas obras acumularam 569 milhões de dólares em leilão, o que representou mais de um sexto do mercado global de arte. No entanto, tem havido alguns mergulhos. Segundo o negociante de arte Dominique Lévy, “O comércio Warhol move algo como uma serra a ser puxada para cima: sobe e desce, mas cada nova alta e baixa está acima da última”. Ela atribui isto ao afluxo consistente de novos coleccionadores intrigados por Warhol. “Em momentos diferentes, tiveram diferentes grupos de coleccionadores a entrar no mercado Warhol, e isso resultou em picos de procura, depois satisfação e um abrandamento”, antes que o processo repita outra demografia ou a geração seguinte.

Em 1998, Orange Marilyn (1964), uma representação de Marilyn Monroe, vendida por 17,3 milhões de dólares, que na altura estabeleceu um novo recorde como o preço mais alto pago por uma obra de arte Warhol. Em 2007, um dos quadros de Warhol de 1963 de Elizabeth Taylor, Liz (Colored Liz), que era propriedade do actor Hugh Grant, vendido por $23,7 milhões de dólares na Christie”s.

Em 2007, Stefan Edlis e Gael Neeson venderam a Marilyn Turquesa de Warhol (1964) ao financiador Steven A. Cohen por 80 milhões de dólares. Em Maio de 2007, Green Car Crash (1963) vendeu por $71,1 milhões de dólares e Lemon Marilyn (1962) vendeu por $28 milhões de dólares no leilão de arte contemporânea e pós-guerra da Christie”s. Em 2007, a Grande Caneca de Sopa Campbell”s (1964) foi vendida num leilão da Sotheby”s a um coleccionador sul-americano por 7,4 milhões de dólares. Em Novembro de 2009, 200 One Dollar Bills (1962) na Sotheby”s por 43,8 milhões de dólares.

Em 2008, Oito Elvises (1963) foi vendido por Annibale Berlingieri por 100 milhões de dólares a um comprador privado. A obra retrata Elvis Presley numa pose de pistoleiro. Foi exposta pela primeira vez em 1963 na Galeria Ferus em Los Angeles. Warhol fez 22 versões do Duplo Elvis, nove das quais são realizadas em museus. Em Maio de 2012, o Double Elvis (Tipo Ferus) foi vendido em leilão na Sotheby”s por 37 milhões de dólares. Em Novembro de 2014, o Duplo Elvis (Tipo Ferus) vendeu por $81,9 milhões na Christie”s.

Em Maio de 2010, um auto-retrato roxo de Warhol de 1986, que era propriedade do estilista Tom Ford, foi vendido por 32,6 milhões de dólares na Sotheby”s. Em Novembro de 2010, Men in Her Life (1962), baseado em Elizabeth Taylor, vendido por $63,4 milhões na Phillips de Pury e Coca-Cola (4) (1962) vendido por $35,3 milhões na Sotheby”s. Em Maio de 2011, o primeiro auto-retrato de Warhol de 1963-64 foi vendido por $38,4 milhões e um auto-retrato vermelho de 1986 foi vendido por 27,5 milhões na Christie”s. Em Maio de 2011, Liz

Em Novembro de 2013, Warhol raramente viu o díptico de 1963, Silver Car Crash (Double Disaster), vendido na Sotheby”s por $105,4 milhões, um novo recorde para o artista. Em Novembro de 2013, Coca-Cola (3) (1962), vendido na Christie”s por $57,3 milhões de dólares. Em Maio de 2014, White Marilyn (1962) vendeu na Christie”s por $41 milhões de dólares. Em Novembro de 2014, Four Marlons (1964), que representa Marlon Brando, vendeu por $69,6 milhões de dólares na Christie”s. Em Maio de 2015, Silver Liz (díptico), pintada em 1963-65, vendida por $28 milhões e Colored Mona Lisa (1963) vendida por $56,2 milhões na Christie”s. Em Maio de 2017, Warhol”s 1962 pintou a lata de sopa Big Campbell”s com abridor de latas (Vegetable) vendida por $27,5 na Christie”s.

Colectores

Entre os primeiros coleccionadores de Warhol e apoiantes influentes encontravam-se Emily e Burton Tremaine. Entre as mais de 15 obras de arte compradas, Marilyn Diptych (agora na Tate Modern, Londres) e A boy for Meg (agora na National Gallery of Art em Washington, DC), foram compradas directamente do estúdio de Warhol em 1962. Num Natal, Warhol deixou uma pequena cabeça de Marilyn Monroe à porta do Tremaine no seu apartamento em Nova Iorque, em agradecimento pelo seu apoio e encorajamento.

Filmografia

Warhol assistiu à estreia em 1962 da composição estática de La Monte Young chamada Trio for Strings e posteriormente criou a sua famosa série de filmes estáticos. O cineasta Jonas Mekas, que acompanhou Warhol à estreia do Trio, afirma que os filmes estáticos de Warhol foram directamente inspirados pela performance. Entre 1963 e 1968, realizou mais de 60 filmes, mais cerca de 500 pequenos retratos a preto e branco “teste de ecrã” dos visitantes da Fábrica. Um dos seus filmes mais famosos, Sleep, monitoriza o poeta John Giorno a dormir durante seis horas. O filme Blow Job de 35 minutos é uma imagem contínua da cara de DeVeren Bookwalter supostamente recebendo sexo oral do cineasta Willard Maas, embora a câmara nunca se incline para baixo para ver isto. Outro, Empire (1964), consiste em oito horas de filmagens do Empire State Building em Nova Iorque ao anoitecer. O filme Eat consiste em um homem a comer um cogumelo durante 45 minutos.

Batman Drácula é um filme de 1964 que foi produzido e realizado por Warhol, sem a permissão da DC Comics. Foi exibido apenas nas suas exibições de arte. Fã da série Batman, o filme de Warhol foi uma “homenagem” à série, e é considerado a primeira aparição de um Batman descaradamente camuflado. O filme foi até há pouco tempo considerado perdido, até que cenas do filme foram exibidas com alguma duração no documentário Jack Smith e a Destruição da Atlântida de 2006.

O filme de Warhol, Vinil de 1965, é uma adaptação do popular romance distópico de Anthony Burgess, A Clockwork Orange. Outros registam encontros improvisados entre Factory Regulars como Brigid Berlin, Viva, Edie Sedgwick, Candy Darling, Holly Woodlawn, Ondine, Nico, e Jackie Curtis. O lendário artista underground Jack Smith aparece no campo de filmagens.

O seu filme mais popular e criticamente bem sucedido foi Chelsea Girls (1966). O filme foi altamente inovador na medida em que consistiu na projecção simultânea de dois filmes de 16 mm, com duas histórias diferentes a serem mostradas em tandem. A partir da cabine de projecção, o som seria levantado para um filme para elucidar essa “história” enquanto que para o outro era baixado. A multiplicação de imagens evocava as obras de seda seminais de Warhol do início dos anos 60.

Warhol era fã do trabalho cinematográfico do realizador Radley Metzger e comentou que o filme de Metzger, The Lickerish Quartet, era “uma obra-prima escandalosamente perversa”. Blue Movie – um filme em que a super estrela Viva de Warhol faz amor na cama com Louis Waldon, outra super estrela de Warhol – foi o último filme de Warhol como realizador. O filme, um filme seminal na Idade de Ouro do Porno, foi, na altura, controverso pela sua abordagem franca de um encontro sexual. Blue Movie foi exibido publicamente em Nova Iorque em 2005, pela primeira vez em mais de 30 anos.

Na sequência das filmagens de 1968, um Warhol recluso renunciou ao seu envolvimento pessoal na produção de filmes. O seu acólito e assistente de realização, Paul Morrissey, assumiu as tarefas de realização de filmes para o colectivo Factory, orientando o cinema da marca Warhol para um cinema mais convencional, baseado em narrativas, de exploração de filmes B com Carne, Lixo, e Calor. Todos estes filmes, incluindo o mais recente Drácula de Andy Warhol e Frankenstein de Andy Warhol, foram muito mais mainstream do que qualquer coisa que Warhol como realizador tinha tentado. Estes últimos filmes “Warhol” estrelaram Joe Dallesandro – mais de uma estrela Morrissey do que uma verdadeira superestrela Warhol.

No início da década de 1970, a maioria dos filmes realizados por Warhol foram retirados de circulação por Warhol e pelas pessoas à sua volta que dirigiam o seu negócio. Após a morte de Warhol, os filmes foram lentamente restaurados pelo Museu Whitney e são ocasionalmente projectados em museus e festivais de cinema. Poucos dos filmes dirigidos por Warhol estão disponíveis em vídeo ou DVD.

Música

Em meados da década de 1960, Warhol adoptou a banda o Velvet Underground, tornando-os um elemento crucial do espectáculo de arte de performance multimédia Inevitável Exploding Plastic. Warhol, com Paul Morrissey, actuou como gerente da banda, apresentando-os ao Nico (que actuaria com a banda a pedido da Warhol). Enquanto dirigia o The Velvet Underground, Andy tinha-os vestidos de preto para actuarem em frente de filmes que também apresentava. Em 1966, ele “produziu” o seu primeiro álbum The Velvet Underground & Nico, bem como forneceu a arte do seu álbum. A sua participação efectiva na produção do álbum equivalia a pagar simplesmente o tempo de estúdio. Após o primeiro álbum da banda, Warhol e o líder da banda Lou Reed começaram a discordar mais sobre a direcção que a banda deveria tomar, e a sua amizade artística terminou. Em 1989, após a morte de Warhol, Reed e John Cale reuniram pela primeira vez desde 1972 para escrever, actuar, gravar e lançar o álbum conceptual Songs for Drella, um tributo a Warhol. Em Outubro de 2019, uma fita áudio de música publicamente desconhecida de Reed, baseada no livro de 1975 de Warhols, “The Philosophy of Andy Warhol: From A to B and Back Again”, foi descoberto num arquivo no Museu Andy Warhol em Pittsburgh.

Warhol desenhou muitas capas de álbuns para vários artistas, começando com a capa fotográfica do álbum de estreia de John Wallowitch, This Is John Wallowitch!!! (1964). Concebeu a capa dos álbuns dos The Rolling Stones Sticky Fingers (1971) e Love You Live (1977), e dos álbuns de John Cale The Academy in Peril (1972) e Honi Soit em 1981. Uma das últimas obras de Warhol foi um retrato de Aretha Franklin para a capa do seu álbum de ouro Aretha de 1986.

Warhol influenciou fortemente a nova banda de rock wavepunk Devo, bem como David Bowie. Bowie gravou uma canção chamada “Andy Warhol” para o seu álbum Hunky Dory de 1971. Lou Reed escreveu a canção “Andy”s Chest”, sobre Valerie Solanas, a mulher que matou Warhol, em 1968. Ele gravou-a com o Velvet Underground, e esta versão foi lançada no álbum VU em 1985. Bowie interpretaria mais tarde Warhol no filme de 1996, Basquiat. Bowie recordou como o encontro com Warhol na vida real o ajudou no papel, e relatou os seus primeiros encontros com ele:

Encontrei-o algumas vezes, mas raramente partilhamos mais do que banalidades. A primeira vez que nos vimos, caiu um silêncio constrangedor até ele comentar os meus sapatos amarelos brilhantes e começar a falar entusiasticamente. Ele queria ser muito superficial. E aparentemente sem emoção, indiferente, tal como um peixe morto. Lou Reed descreveu-o mais profundamente quando uma vez me disse que deviam trazer uma boneca de Andy para o mercado: uma boneca que se acaba e não se faz nada. Mas consegui observá-lo bem, e isso foi uma ajuda para o filme Pedimos emprestadas as suas roupas ao museu em Pittsburgh, e estavam intactas, não lavadas. Nem os bolsos foram esvaziados: continham panquecas, brancas e mortíferas de teint que Andy sempre manchou no rosto, um cheque rasgado em pedaços, a morada de alguém, muitos comprimidos homeopáticos e uma peruca. Andy usava sempre aquelas perucas de prata, mas nunca admitiu que fossem perucas. Um dos seus cabeleireiros tem-me dito ultimamente que tinha as suas perucas cortadas regularmente, como se fosse cabelo verdadeiro. Quando a peruca foi aparada, ele vestiu outra no mês seguinte, como se o seu cabelo tivesse crescido.

A banda Triumph também escreveu uma canção sobre Andy Warhol, “Stranger In A Strange Land” do seu álbum Thunder Seven de 1984.

Livros e impressão

Começando no início dos anos 50, Warhol produziu várias carteiras não vinculadas do seu trabalho.

O primeiro de vários livros auto-publicados pela Warhol foi 25 Cats Name Sam e One Blue Pussy, impresso em 1954 por Seymour Berlin em papel com marca de água da marca Arches, utilizando a sua técnica de linha manchada para as litografias. A edição original foi limitada a 190 cópias numeradas, coloridas à mão, utilizando as lavagens de tinta do Dr. Martin. A maioria destas foram dadas por Warhol como presentes a clientes e amigos. A cópia nº 4, inscrita “Jerry” na capa e entregue a Geraldine Stutz, foi utilizada para uma impressão fac-símile em 1987, e o original foi leiloado em Maio de 2006 por 35.000 dólares por Doyle New York.

Outros livros auto-publicados por Warhol incluem:

O livro de Warhol A La Recherche du Shoe Perdu (1955) marcou a sua “transição de artista comercial para artista de galeria”. (O título é uma peça sobre palavras de Warhol sobre o título do autor francês Marcel Proust”s À la recherche du temps perdu).

Depois de ganhar fama, Warhol “escreveu” vários livros que foram publicados comercialmente:

Warhol criou a revista de moda Entrevista que ainda hoje é publicada. Pensa-se que o guião de título da capa seja a sua própria caligrafia ou a da sua mãe, Julia Warhola, que muitas vezes fazia trabalhos de texto para as suas primeiras peças comerciais.

Leia também, historia-pt – Renascimento

Outros meios de comunicação social

Embora Andy Warhol seja mais conhecido pelas suas pinturas e filmes, foi autor de obras em muitos meios diferentes.

Sexualidade

Warhol era homossexual. Em 1980, disse a um entrevistador que ainda era virgem. O biógrafo Bob Colacello, que esteve presente na entrevista, sentiu que era provavelmente verdade e que o pouco sexo que tinha era provavelmente “uma mistura de voyeurismo e masturbação – usar a afirmação de virgindade de Warhol pareceria ser contrariada pelo seu tratamento hospitalar em 1960 para condilomas, uma doença sexualmente transmissível. Também tem sido contrariada pelos seus amantes, incluindo Warhol muse BillyBoy, que disse ter tido relações sexuais até ao orgasmo: “Quando ele não estava a ser Andy Warhol e quando estava apenas sozinho com ele, era uma pessoa incrivelmente generosa e muito amável. O que me seduziu foi o Andy Warhol que eu vi sozinho. De facto, quando eu estava com ele em público, ele a modos que me enervou…. Eu dizia: “És simplesmente detestável, não te suporto”. Billy Name também negava que Warhol fosse apenas um voyeur, dizendo: “Não posso suportar-te: “Ele era a essência da sexualidade. Ele permeava tudo. Andy exudou-o, juntamente com a sua grande criatividade artística….E trouxe uma alegria a todo o mundo da arte em Nova Iorque”. “Mas a sua personalidade era tão vulnerável que se tornou uma defesa para colocar a frente em branco”. Os amantes de Warhol incluíam John Giorno, Charles Lisanby, e Jon Gould. O seu namorado de 12 anos foi Jed Johnson, que conheceu em 1968, e que mais tarde alcançou a fama como designer de interiores.

O facto de a homossexualidade de Warhol ter influenciado o seu trabalho e moldado a sua relação com o mundo da arte é um importante tema de estudo do artista e é uma questão que o próprio Warhol abordou em entrevistas, em conversas com os seus contemporâneos, e nas suas publicações (por exemplo, Popism: The Warhol 1960s). Ao longo da sua carreira, Warhol produziu fotografias eróticas e desenhos de nus masculinos. Muitos dos seus trabalhos mais famosos (retratos de Liza Minnelli, Judy Garland, e Elizabeth Taylor, e filmes como Blow Job, My Hustler e Lonesome Cowboys) desenham a partir da cultura gay subterrânea ou exploram abertamente a complexidade da sexualidade e do desejo. Como tem sido abordado por vários estudiosos, muitos dos seus filmes estrearam em teatros de pornografia gay, incluindo o New Andy Warhol Garrick Theatre e a 55th Street Playhouse, no final dos anos 60.

Os primeiros trabalhos que Warhol submeteu a uma galeria de belas artes, desenhos homoeróticos de nus masculinos, foram rejeitados por serem demasiado abertamente gays. Em Popism, o artista recorda ainda uma conversa com o cineasta Emile de Antonio sobre a dificuldade que Warhol tinha em ser aceite socialmente pelos então mais famosos (mas fechados) artistas gays Jasper Johns e Robert Rauschenberg. De Antonio explicou que Warhol era “demasiado abelhudo e isso aborrece-os”. Em resposta a isto, Warhol escreve: “Não havia nada que eu pudesse dizer a isso. Era tudo demasiado verdade. Por isso, decidi que não me ia importar, porque essas eram todas as coisas que eu não queria mudar de qualquer maneira, que eu não achava que “devia” querer mudar… Outras pessoas podiam mudar as suas atitudes, mas eu não”. Ao explorar a biografia de Warhol, muitos voltam-se para este período – finais dos anos 50 e princípios dos anos 60 – como um momento chave no desenvolvimento da sua persona. Alguns têm sugerido que a sua frequente recusa em comentar o seu trabalho, em falar sobre si próprio (limitando-se em entrevistas a respostas como “Um, não” e “Um, sim”, e permitindo frequentemente que outros falem por ele) – e até mesmo a evolução do seu estilo pop – pode ser rastreada até aos anos em que Warhol foi despedido pela primeira vez pelos círculos interiores do mundo artístico de Nova Iorque.

Crenças religiosas

Warhol era um católico Rutheniano praticante. Ofereceu-se regularmente como voluntário em abrigos para sem abrigo na cidade de Nova Iorque, particularmente durante os períodos mais movimentados do ano, e descreveu-se a si próprio como uma pessoa religiosa. Muitos dos trabalhos posteriores de Warhol descreveram temas religiosos, incluindo duas séries, Details of Renaissance Paintings (1984) e The Last Supper (1986). Além disso, um corpo de obras com temática religiosa foi encontrado postumamente na sua propriedade.

Durante a sua vida, Warhol frequentou regularmente a Liturgia, e o padre da igreja de Warhol, São Vicente Ferrer, disse que o artista ia lá quase diariamente, embora não fosse observado a comungar ou a confessar-se e a sentar-se ou ajoelhar-se nos bancos ao fundo. O padre pensou que tinha medo de ser reconhecido; Warhol disse que estava consciente de ser visto numa igreja de Rito Romano atravessando ele próprio “à maneira ortodoxa” (da direita para a esquerda em vez do contrário).

A sua arte é visivelmente influenciada pela tradição cristã oriental, tão evidente nos seus locais de culto.

O irmão de Warhol descreveu o artista como “realmente religioso, mas ele não queria que as pessoas soubessem disso porque é privado”. Apesar da natureza privada da sua fé, no elogio de Warhol, John Richardson descreveu-o como devoto: “Ao meu certo conhecimento, ele foi responsável por pelo menos uma conversão. Ele tinha um orgulho considerável em financiar os estudos do seu sobrinho para o sacerdócio”.

Colecções

Warhol era um coleccionador ávido. Os seus amigos referiam-se às suas numerosas colecções, que enchiam não só a sua casa de quatro andares, mas também uma unidade de armazenamento próxima, como “Andy”s Stuff”. A verdadeira extensão das suas colecções só foi descoberta após a sua morte, quando o Museu Andy Warhol em Pittsburgh levou 641 caixas das suas “Coisas”.

As colecções de Warhol incluíam um cartaz da Coca-Cola, e pinturas do século XIX juntamente com menus de aviões, facturas não pagas, massa de pizza, romances de pasta pornográfica, jornais, selos, panfletos de supermercado, e frascos de biscoitos, entre outras excentricidades. Também incluía obras de arte significativas, tais como a Miss Bentham de George Bellows. Uma das suas principais colecções era a sua peruca. Warhol possuía mais de 40 e sentia-se muito protector das suas perucas, que foram cosidas por um fabricante de perucas de Nova Iorque a partir de cabelo importado de Itália. Em 1985, uma rapariga arrancou-lhe a peruca de Warhol da cabeça. Mais tarde foi descoberto na entrada do diário de Warhol para esse dia que ele escreveu: “Não sei o que me impediu de a empurrar pela varanda”.

Em 1960, tinha comprado um desenho de uma lâmpada por Jasper Johns.

Outro item encontrado nas caixas de Warhol no museu em Pittsburgh era um pé humano mumificado do Antigo Egipto. O curador de antropologia no Museu Carnegie de História Natural sentiu que Warhol muito provavelmente o encontrou numa feira da ladra.

Andy Warhol também recolheu muitos livros, com mais de 1200 títulos na sua colecção pessoal. Destes, 139 títulos foram identificados publicamente através de um catálogo da Sotheby”s Auction de 1988, The Andy Warhol Collection, e podem ser vistos online. A sua colecção de livros reflecte o seu eclético gosto e interesses, e inclui livros escritos por e sobre alguns dos seus conhecidos e amigos. Alguns dos títulos da sua colecção incluem The Two Mrs. Grenvilles: Um romance de Dominick Dunne, Artists in Uniformes de Max Eastman, Andrews” Diseases of the Skin: Dermatologia clínica por George Clinton Andrews, D.V. por Diana Vreeland, Sangue de um poeta por Jean Cocteau, Aguarelas por Francesco Clemente, Pequeno Mundo, Olá! por Jimmy Savo, Rostos Ocultos por Salvador Dalí, e O Livro de Receitas Dinah Shore por Dinah Shore.

Em 2002, o Serviço Postal dos EUA emitiu um selo de 18 cêntimos comemorativo do Warhol. Desenhado por Richard Sheaff de Scottsdale, Arizona, o selo foi revelado numa cerimónia no Museu Andy Warhol e apresenta a pintura de Warhol “Self-Portrait, 1964”. Em Março de 2011, uma estátua cromada de Andy Warhol e a sua câmara Polaroid foi revelada na Union Square, em Nova Iorque.

Uma cratera em Mercúrio foi baptizada com o nome de Warhol em 2012.

Fundação Warhol

A vontade de Warhol ditou que todo o seu património – com excepção de alguns modestos legados a membros da família – fosse criar uma fundação dedicada ao “avanço das artes visuais”. Warhol tinha tantos bens que a Sotheby”s levou nove dias a leiloar os seus bens após a sua morte; o leilão custou mais de 20 milhões de dólares.

Em 1987, de acordo com a vontade de Warhol, a Fundação Andy Warhol para as Artes Visuais começou. A fundação serve como património de Andy Warhol, mas tem também a missão de “promover a expressão artística inovadora e o processo criativo” e está “concentrada principalmente no apoio a trabalhos de natureza desafiante e muitas vezes experimental”.

A Artists Rights Society é o representante americano dos direitos de autor da Andy Warhol Foundation for the Visual Arts para todas as obras de Warhol, com excepção dos alambiques de filmes de Warhol. O representante americano dos direitos de autor para os alambiques cinematográficos Warhol é o Museu Warhol em Pittsburgh. Além disso, a Fundação Andy Warhol para as Artes Visuais tem acordos em vigor para o seu arquivo de imagens. Todas as imagens digitais de Warhol são exclusivamente geridas pela Corbis, enquanto todas as imagens de transparência de Warhol são geridas pela Art Resource.

A Fundação Andy Warhol publicou o seu Relatório Anual do 20º Aniversário como um conjunto de três volumes em 2007: Vol. I, 1987-2007; Vol. II, Grants & Exhibitions; e Vol. III, Legacy Program.

A Fundação está em vias de compilar o seu catálogo raisonné de pinturas e esculturas em volumes que cobrem blocos de anos de carreira do artista. Os volumes IV e V foram lançados em 2019. Os volumes subsequentes estão ainda em processo de compilação.

A Fundação continua a ser uma das maiores organizações de concessão de subsídios para as artes visuais nos EUA.

Muitas das obras e posses de Warhol estão expostas no Museu Andy Warhol em Pittsburgh. A fundação doou mais de 3.000 obras de arte ao museu.

Warhol fundou a revista Interview, um palco para celebridades que ele “endossou” e uma equipa de negócios liderada pelos seus amigos. Colaborou com outros em todos os seus livros (alguns dos quais foram escritos com Pat Hackett.) Poder-se-ia até dizer que ele produziu pessoas (como no “Superstar” Warholian e no retrato Warholian). Warhol endossou produtos, apareceu em anúncios publicitários, e fez frequentes aparições de celebridades em programas de televisão e em filmes (apareceu em tudo desde Love Boat e o filme de Richard Pryor Dynamite Chicken).

A este respeito, Warhol era fã de “Art Business” e “Business Art” – ele, de facto, escreveu sobre o seu interesse em pensar na arte como negócio na Filosofia de Andy Warhol de A a B e de Volta a B.

Filmes

Warhol apareceu como ele próprio no filme Cocaine Cowboys (1979) e no filme Tootsie (1982).

Após a sua morte, Warhol foi retratado por Crispin Glover no filme de Oliver Stone The Doors (1991), por David Bowie no filme de Julian Schnabel Basquiat (1996), e por Jared Harris no filme de Mary Harron I Shot Andy Warhol (1996). Warhol aparece como personagem na ópera Jackie O de Michael Daugherty (1997). O actor Mark Bringleson faz um breve camafeu como Warhol em Austin Powers: International Man of Mystery (1997). Muitos filmes do cineasta avant-garde Jonas Mekas apanharam os momentos da vida de Warhol. Sean Gregory Sullivan retratou Warhol no filme 54 (1998). Guy Pearce retratou Warhol no filme Factory Girl (2007) sobre a vida de Edie Sedgwick. O actor Greg Travis retratou Warhol numa breve cena do filme Watchmen (2009).

No filme Highway to Hell um grupo de Andy Warhols faz parte da Good Intentions Paving Company, onde almas bem intencionadas são moídas na pavimentação. No filme Men in Black 3 (2012), Andy Warhol revela-se realmente um agente MIB infiltrado W (interpretado por Bill Hader). Warhol está a dar uma festa na Fábrica em 1969, onde é procurado pelos Agentes K e J do MIB (J do futuro). O agente W está desesperado para terminar o seu trabalho disfarçado (“Estou tão sem ideias que estou a pintar latas de sopa e bananas, por amor de Deus!”, “Tens de fingir a minha morte, está bem? Já não consigo ouvir música de cítara” e “não consigo distinguir as mulheres dos homens”).

Andy Warhol (retratado por Tom Meeten) é uma das personagens principais do programa de televisão britânico Noel Fielding”s Luxury Comedy de 2012. A personagem é retratada como tendo maneirismos de robô. Na longa-metragem de 2017 The Billionaire Boys Club Cary Elwes retrata Warhol num filme baseado na história verdadeira sobre Ron Levin (retratado por Kevin Spacey), um amigo de Warhol que foi assassinado em 1986. Em Setembro de 2016, foi anunciado que Jared Leto iria retratar o personagem título do filme Warhol, um filme de drama biográfico americano a ser produzido por Michael De Luca e escrito por Terence Winter, baseado no livro Warhol: The Biography by Victor Bockris.

Televisão

Warhol apareceu como personagem recorrente na série de televisão Vinyl, interpretada por John Cameron Mitchell. Warhol foi retratado por Evan Peters na série americana Horror Story: Cult episódio “Valerie Solanas Died for Your Sins”: Escumalha”. O episódio retrata a tentativa de assassinato de Warhol por Valerie Solanas (Lena Dunham).

No início de 1969, Andy Warhol foi encarregado pela Braniff International de aparecer em dois anúncios televisivos para promover a campanha de luxo da companhia aérea “When You Got It – Flaunt It”. A campanha foi criada pela agência de publicidade Lois Holland Calloway, que foi liderada por George Lois, criador de uma famosa série de capas da revista Esquire Magazine. A primeira série comercial envolveu a união de pessoas improváveis que partilhavam o facto de ambas terem voado na Braniff Airways. Warhol foi emparelhado com a lenda do boxe Sonny Liston. O estranho comercial funcionou como os outros que apresentavam companheiros de viagem improváveis, como o pintor Salvador Dalí e a lenda do basebol Whitey Ford.

Foram criados dois comerciais adicionais para Braniff que apresentavam pessoas famosas a entrar num jacto Braniff e a serem saudadas por uma anfitriã Braniff enquanto abraçavam o seu estilo de voo Braniff. Warhol foi também apresentado no primeiro destes anúncios que também foram produzidos por Lois e foram lançados no Verão de 1969. Lois declarou incorrectamente que foi encomendado pela Braniff em 1967 para ser representado durante esse ano, mas nessa altura o doyenne Mary Wells Lawrence, que era casado com o presidente da Braniff e presidente Harding Lawrence, representava nessa altura o transportador baseado em Dallas. Lois sucedeu à Wells Rich Greene Agency em 1 de Dezembro de 1968. Os direitos dos filmes de Warhol para Braniff e os seus contratos assinados são propriedade de um trust privado e são administrados pela Braniff Airways Foundation em Dallas, Texas.

Livros

Uma biografia de Andy Warhol, escrita pelo crítico de arte Blake Gopnik, foi publicada em 2020 sob o título Warhol.

Fontes