Antoni Tàpies

gigatos | Agosto 13, 2022

Resumo

Antoni Tàpies i Puig, I Marqués de Tápies (Barcelona, 13 de Dezembro de 1923 – ibidem, 6 de Fevereiro de 2012), foi um pintor, escultor e teórico da arte espanhol. Um dos principais expoentes mundiais do informalismo, é considerado um dos artistas espanhóis mais notáveis do século XX. O trabalho do artista catalão tem um centro de estudo e conservação na Fundació Antoni Tàpies em Barcelona.

Autodidacta, Tàpies criou o seu próprio estilo dentro da arte vanguardista do século XX, combinando tradição e inovação num estilo abstracto, mas cheio de simbolismo, dando grande importância ao substrato material da obra. Vale a pena destacar o marcado sentido espiritual dado pelo artista à sua obra, onde o apoio material transcende o seu estado para significar uma análise profunda da condição humana.

O trabalho dos Tàpies tem sido muito apreciado tanto a nível nacional como internacional, e tem sido exibido nos museus mais prestigiados do mundo. Ao longo da sua carreira recebeu inúmeros prémios e distinções, incluindo o Wolf Foundation Prize for the Arts (1981), a Medalha de Ouro da Generalitat de Catalunya (1983), o Prémio Príncipe das Astúrias para as Artes (1990), a Medalha Unesco Picasso (1993) e o Prémio Velázquez para as Artes Plásticas (2003). Em reconhecimento da sua carreira artística, o Rei Juan Carlos I concedeu-lhe o título de Marquês de Tàpies a 9 de Abril de 2010.

O trabalho de Antoni Tàpies está na tradição destas explosões que de vez em quando ocorrem no nosso país e que movem tantas coisas mortas. É autenticamente Barceloniana com irradiação universal. Por isso, merece toda a minha admiração.

Tàpies era o filho do advogado Josep Tàpies i Mestres e Maria Puig i Guerra, filha de uma família de políticos catalães. A profissão do seu pai e as relações da família da sua mãe com membros da vida política catalã fomentaram uma atmosfera liberal durante a infância do artista. Tàpies sempre observou que o confronto entre o anticlericalismo do seu pai e o catolicismo ortodoxo da sua mãe o levou a uma busca pessoal por uma nova espiritualidade, que encontrou nas filosofias e religiões orientais, principalmente no budismo Zen.

Pela sua própria admissão, a sua vocação artística foi despertada por um número de Natal da revista D”Ací i d”Allà em 1934, que apresentou um amplo panorama da arte moderna internacional. Um dos acontecimentos que marcou a sua vida foi a sua convalescença do consumo aos 18 anos, circunstância que o fez repensar o sentido da sua vida, bem como a sua vocação, pois durante a sua recuperação dedicou-se intensamente ao desenho. As condições febris que sofreu fizeram-no sofrer alucinações frequentes, que seriam essenciais para o desenvolvimento do seu trabalho. Durante a sua estadia no sanatório Puig d”Olena (1942-1943) refugiou-se na música (Wagner) e na literatura (Ibsen, Nietzsche, Thomas Mann), e fez cópias de Van Gogh e Picasso.

Combinou os seus estudos de direito na Universidade de Barcelona, que tinha iniciado em 1943, com a sua paixão pela arte. Finalmente virou-se para a pintura e abandonou os seus estudos em 1946. Autodidacta, estudou apenas brevemente na Academia de Nolasc Valls. Montou o seu primeiro estúdio de pintura em Barcelona em 1946.

Em 1948 foi um dos fundadores da revista e do movimento conhecido como Dau al Set, relacionado com o Surrealismo e o Dadaismo. O líder deste movimento foi a poetisa Joan Brossa, e a Tàpies juntaram-se a Modest Cuixart, Joan-Josep Tharrats, Joan Ponç, Arnau Puig e mais tarde Juan Eduardo Cirlot. A revista durou até 1956, mas Tàpies tinha partido para Paris em 1950 e tinha-se distanciado do grupo, embora tenha continuado a contribuir esporadicamente para a publicação.

Os primeiros trabalhos de Tàpies foram enquadrados no quadro do Surrealismo, mas a partir desse momento ele mudou o seu estilo e tornou-se um dos expoentes principais do Informalismo. Um representante da chamada “pintura de matéria”, Tàpies utilizou materiais para as suas obras que não são considerados artísticos, mas sim reciclados ou descartados, tais como corda, papel ou pó de mármore.

Em 1948 expôs pela primeira vez a sua obra no I Salon d”Octubre em Barcelona, mostrando duas obras de 1947: Pintura e Encolado. Em 1949 participou na exposição Un aspecto de la joven pintura catalana no Institut Français de Barcelona, onde foi visto por Eugeni d”Ors, que o convidou para o VII Salón de los Once, em Madrid (1950). Em 1950 teve a sua primeira exposição individual nas Galeries Laietanes de Barcelona, onde expôs novamente em 1952. Com uma bolsa do Instituto Francês, viajou para Paris (1950), onde conseguiu expor no Concurso Internacional Carnegie em Pittsburgh, e onde conheceu Picasso.

Em 1950 foi seleccionado para representar a Espanha na Bienal de Veneza, onde participou várias vezes. Em 1953 expôs em Chicago e Madrid; nesse ano, a negociante de arte Martha Jackson organizou uma exposição para ele em Nova Iorque, tornando-o conhecido nos Estados Unidos. Nesse mesmo ano ganhou o primeiro prémio no Salão de Jazz de Barcelona, e conheceu o crítico Michel Tapié, conselheiro da Galerie Stadler em Paris, onde expôs em 1956 e várias vezes desde então. Em 1954 casou com Teresa Barba i Fàbregas, com quem teve três filhos: Antoni (poeta), Clara e Miquel Àngel.

Foi um dos fundadores do grupo Taüll em 1955, juntamente com Modest Cuixart, Joan-Josep Tharrats, Marc Aleu, Josep Guinovart, Jordi Mercadé e Jaume Muxart. Nesse ano foi premiado na III Bienal Hispanoamericana em Barcelona, e exibido em Estocolmo com Tharrats, apresentado por Salvador Dalí. Em 1958, teve uma sala especial na Bienal de Veneza, e ganhou o primeiro Prémio Carnegie e o Prémio Unesco.

Em 1960 participou na exposição New Spanish Painting and Sculpture no MOMA em Nova Iorque. Desde então expôs em Barcelona, Madrid, Paris, Nova Iorque, Washington, Berna, Munique, Bilbao, Buenos Aires, Hanôver, Caracas, Zurique, Roma, Sankt Gallen, Colónia, Kassel, Londres, Cannes, etc., e recebeu prémios em Tóquio (1960), Nova Iorque (1964) e Menton (1966). Em 1967 entrou na órbita do comerciante de arte Aimé Maeght e expôs no Musée d”Art Moderne em Paris (1973), Nova Iorque (1975) e na Fundação Maeght (1976).

Nos anos 70, o seu trabalho assumiu uma tonalidade mais política, com reivindicações catalãs e oposição ao regime franquista, geralmente com palavras e sinais nos seus quadros, tais como as quatro faixas da bandeira catalã (El espíritu catalán, 1971). Este activismo também o levou a acções como o encerramento do convento dos Capuchinhos em Sarrià para criar uma união estudantil democrática (1966) ou a marcha para Montserrat em protesto contra o julgamento de Burgos (1970), pelo qual foi preso por um curto período de tempo.

Desde então, realizou numerosas exposições individuais e antológicas: Tóquio, 1976; Nova Iorque, 1977; Roma, 1980; Amesterdão, 1980; Madrid, 1980; Veneza, 1982; Milão, 1985; Viena, 1986; Bruxelas, 1986; MNCARS, Madrid, 2000; Micovna Pavilion, Royal Garden, Praga, 1991; MOMA, Nova Iorque, 1992; Guggenheim Museum, Nova Iorque, 1995; Kirin Art Space Harajuku, Tóquio, 1996; Centro per l”Arte Contemporanea Luigi Pecci, Prato, 1997. O trabalho de Antoni Tàpies tem sido exposto nos principais museus de arte moderna do mundo. Além de ter sido nomeado doutor honoris causa por várias universidades, Tàpies recebeu vários prémios, incluindo o Wolf Foundation Prize for the Arts (1981), a Medalha de Ouro da Generalitat de Catalunya (1983) e o Prince of Asturias Prize for the Arts (1990).

Em 1990 a Fundació Antoni Tàpies, instituição criada pelo próprio artista para promover a arte contemporânea, abriu as suas portas ao público no edifício do antigo Editorial Montaner i Simón, uma obra modernista de Lluís Domènech i Montaner. A fundação tem também a função de um museu, com um grande número de obras doadas pelo artista, bem como uma biblioteca e um auditório.

Tàpies foi também autor de desenhos cénicos (Or i sal, de Joan Brossa, 1961) e ilustrações para livros, principalmente de Brossa (Ú no és ningú, 1979); dedicou-se também ao desenho de cartazes, realizando uma exposição do seu principal trabalho de cartaz em 1984, bem como à produção gráfica: gravuras, litografias, serigrafias, etc. Em 2002 produziu o cartaz para as festividades de Mercè em Barcelona.

Como teórico da arte, Tàpies publicou artigos em Destino, Serra d”Or, La Vanguardia, Avui, etc., a maioria dos quais recolhidos nos livros La práctica del arte (1970), El arte contra la estética (1974), La realidad como arte (1982) e Por un arte moderno y progresista (1985), bem como na autobiografia Memoria pessoal (1977). Nas suas obras atacava tanto a arte tradicional como a extrema vanguarda da arte conceptual.

Com a transição para o século XXI, Tàpies continuou a receber numerosas distinções nacionais e internacionais, e foram organizadas exposições retrospectivas da sua obra nos melhores museus e galerias do mundo. Em 2003, por ocasião do seu octogésimo aniversário, foi realizada uma retrospectiva das suas melhores obras na Fundació Antoni Tàpies, tendo o público assistido a um dia aberto. Do mesmo modo, em 2004, foi organizada uma homenagem à sua figura no MACBA em Barcelona, com uma grande exposição de 150 obras produzidas desde os anos 40 até à actualidade, incluindo pinturas, esculturas, desenhos e várias criações do artista brilhante.

Os seus actos públicos mais recentes incluem a sua colaboração com José Saramago em 2005 em defesa do grupo pacifista basco Elkarri, e a doação no mesmo ano da sua obra 7 de noviembre ao Parlamento da Catalunha para assinalar o 25º aniversário da sua restauração. Em Outubro de 2007 doou uma obra original sua à campanha contra o encerramento das emissões da TV3 em Valência, para que as suas reproduções pudessem ser vendidas por dez euros e assim pagar a multa imposta à ACPV pela Generalitat Valenciana. No mesmo ano deixou uma mensagem na Caja de las Letras do Instituto Cervantes, que só será aberta em 2022. A 9 de Abril de 2010 foi nomeado Marquês de Tàpies pelo Rei Juan Carlos I.

Antoni Tàpies morreu a 6 de Fevereiro de 2012 na sua casa em Barcelona com a idade de 88 anos.

Praticamente autodidacta no campo artístico, Tàpies era contudo um homem de grande cultura, amante da filosofia (Nietzsche), literatura (Dostoyevsky) e música (Wagner). Foi um grande defensor da cultura catalã, com a qual estava profundamente impregnado: era um grande admirador do escritor místico Ramon Llull (de quem produziu um livro de gravuras entre 1973 e 1985), bem como do românico catalão e da arquitectura modernista de Antoni Gaudí. Ao mesmo tempo, era um admirador da arte e da filosofia orientais, que como Tàpies esbatiam a fronteira entre a matéria e o espírito, entre o homem e a natureza. Influenciado pelo budismo, mostrou no seu trabalho como a dor, tanto física como espiritual, é inerente à vida.

A iniciação dos Tàpies à arte foi através de desenhos realistas, principalmente retratos de família e amigos. O seu primeiro contacto com a arte de vanguarda da época levou-o a subscrever um surrealismo com um tom mágico influenciado por artistas como Joan Miró, Paul Klee e Max Ernst, um estilo que se cristalizou no seu período em Dau al Set.

Dau al Set foi um movimento influenciado principalmente pelo dadaísmo e pelo surrealismo, mas que também recorreu a muitas fontes literárias, filosóficas e musicais: redescobriram o místico místico mallorquino Ramon Llull, a música de Wagner, Schönberg e o jazz, a obra artística de Gaudí e a obra literária de Poe e Mallarmé, a filosofia de Nietzsche e o existencialismo alemão, a psicologia de Freud e Jung, e assim por diante. A sua pintura era figurativa, com uma marcada componente mágico-fantasiosa, bem como um carácter metafísico, com uma preocupação pelo destino do homem.

Depois do seu tempo em Dau al Set, em 1951 iniciou uma fase de abstracção geométrica, passando ao informalismo em 1953: em 1951 viajou para Paris, onde se familiarizou com as novas tendências europeias e novas técnicas pictóricas (aqui entrou em contacto com artistas informalistas como Jean Fautrier e Jean Dubuffet). O informalismo foi um movimento que surgiu após a Segunda Guerra Mundial, mostrando a marca deixada pela guerra numa concepção pessimista do homem, influenciado pela filosofia existencialista. Artisticamente, as origens do Informalismo podem ser rastreadas até à abstracção de Kandinsky e às experiências realizadas com vários materiais pelo Dadaismo. O informalismo também procura uma inter-relação com o espectador, dentro do conceito de “trabalho aberto” expresso pelo teórico italiano Umberto Eco.

Dentro do Informalismo, os Tàpies pertenciam à chamada “pintura de matéria”, também conhecida como “art brut”, que se caracteriza pela mistura técnica e pela utilização de materiais heterogéneos, muitas vezes resíduos ou reciclados, misturados com os materiais tradicionais da arte em busca de uma nova linguagem de expressão artística. Os principais expoentes da pintura da matéria foram, além de Tàpies, os artistas franceses Fautrier e Dubuffet e o espanhol Manolo Millares. A partir dos anos 50, a pintura da matéria foi o principal meio de expressão de Tàpies, e ele trabalhou nela com diferentes peculiaridades até à sua morte.

As obras mais características de Tàpies são aquelas em que ele aplica a sua mistura de diferentes materiais em composições que assumem a consistência das paredes, às quais acrescenta diferentes elementos distintivos através de sinais que realçam o carácter comunicativo da obra, assemelhando-se à arte popular do graffiti. Esta consistência semelhante a uma parede sempre atraiu Tàpies, que também gostava de relacionar o seu estilo com a etimologia do seu próprio apelido:

“A parede é uma imagem que encontrei um pouco de surpresa. Foi depois de algumas sessões de pintura em que lutei tanto com o material plástico que estava a utilizar e o preenchi com tantos arranhões que, de repente, a pintura mudou, deu um salto qualitativo, e transformou-se numa superfície calma e tranquila. Descobri que tinha pintado uma parede, uma parede, que estava ao mesmo tempo relacionada com o meu nome.

Também de significado primordial na obra de Tàpies é o carácter iconográfico que ele acrescenta às suas obras através de diferentes sinais como cruzes, luas, asteriscos, letras, números, figuras geométricas, etc. Para Tàpies estes elementos têm um significado alegórico relacionado com o mundo interior do artista, evocando temas transcendentais como a vida e a morte, ou a solidão, a falta de comunicação ou a sexualidade. Cada figura pode ter um significado específico: quanto às letras, A e T significam as iniciais do seu nome ou para Antoni e Teresa (o M ele explica como se segue:

“Todos nós temos um M desenhado nas linhas da palma da mão, que se refere à morte, e no pé há rugas em forma de S; tudo combinado foi Morte Certa”.

Outra característica distintiva de Tàpies era a sua austeridade cromática; geralmente movia-se em gamas de cores austeras, frias e terrosas, tais como ocre, castanho, cinzento, bege ou preto. O artista dá-nos a sua própria explicação:

“Se vim para fazer pinturas apenas em cinzento, é em parte devido à reacção que tive ao colorismo que caracterizou a arte da geração anterior à minha, uma pintura em que as cores primárias eram muito utilizadas. Estar continuamente rodeado pelo impacto da publicidade e da sinalização característica da nossa sociedade também me levou a procurar uma cor mais interiorizada, que poderia ser definida como a escuridão, a luz dos sonhos e do nosso mundo interior. A cor castanha está relacionada com uma filosofia intimamente ligada ao franciscanismo, com o hábito dos frades franciscanos. Há uma tendência para procurar o que as cores alegres dizem: vermelho, amarelo; mas para mim, as cores cinzentas e castanhas são mais interiores, estão mais relacionadas com o mundo filosófico”.

No seu trabalho, Tàpies reflectiu uma grande preocupação pelos problemas do ser humano: doença, morte, solidão, dor e sexo. Os Tàpies deram-nos uma nova visão da realidade mais simples e quotidiana, exaltando-a até às alturas da verdadeira espiritualidade. A concepção de vida dos Tàpies foi alimentada pela filosofia existencialista, que enfatiza a condição material e mortal do homem, a angústia da existência da qual Sartre falou; a solidão, doença e pobreza que percebemos nos Tàpies pode também ser encontrada na obra de Samuel Beckett e Eugène Ionesco. O existencialismo aponta para o trágico destino do homem, mas também vinga a sua liberdade, a importância do indivíduo, a sua capacidade de acção face à vida; desta forma, Tàpies visava, através da sua arte, fazer-nos reflectir sobre a nossa própria existência:

“Penso que uma obra de arte deve deixar o espectador perplexo, fazê-los meditar sobre o sentido da vida”.

Na década de 1970, influenciado pela arte pop, começou a utilizar objectos mais sólidos nas suas obras, tais como peças de mobiliário. No entanto, a utilização de elementos quotidianos no trabalho dos Tàpies não tem o mesmo objectivo que na pop-art, onde são utilizados para banalizar a sociedade de consumo e os meios de comunicação social; em contraste, no trabalho dos Tàpies está sempre presente o substrato espiritual, o significado de elementos simples como evocativos de uma ordem universal maior.

O Tàpies é frequentemente considerado um precursor da arte povera, na sua utilização de materiais pobres e resíduos, embora mais uma vez se deva salientar a diferença conceptual entre os dois estilos.

No seu trabalho mais característico no domínio do informalismo da matéria, os Tàpies utilizavam técnicas que misturavam pigmentos de arte tradicional com materiais como areia, roupa, palha, etc., com predominância de colagem e montagem, e uma textura próxima do baixo-relevo.

Tàpies definiu a sua técnica como “mista”: pintou sobre tela, em formatos médios, em posição horizontal, depositando uma camada homogénea de tinta monocromática, na qual aplicou a “mistura”, uma mistura de pó de mármore esmagado, ligante, pigmento e óleo, aplicada com uma faca de palete ou com as suas próprias mãos.

Quando estava quase seco, fiz uma grade com tecido de hessian, aplicada à superfície, e quando foi aderida rasguei-a, criando uma estrutura em relevo, com áreas rasgadas, arranhadas ou mesmo perfuradas, que contrastava com os aglomerados e densidades de material de outras áreas da pintura. Depois fez uma nova grelha com várias ferramentas (sovela, faca, tesoura, pincel). Finalmente, acrescentou sinais (cruzes, luas, asteriscos, letras, números, etc.), em composições que lembram graffitis, assim como manchas, aplicadas por gotejamento.

Ele não acrescentou elementos de fixação, o que significava que as obras se degradavam rapidamente – a mistura é bastante efémera – mas Tàpies defendeu a decomposição como uma perda da ideia da eternidade da arte; ele gostava que as suas obras reflectissem a sensação da passagem do tempo. Os seus próprios vestígios no seu trabalho, as incisões que fez, que para ele foram um reflexo da natureza, também contribuíram para isso.

O início dos Tàpies foi no campo do desenho, geralmente na tinta da Índia, e dedicou-se principalmente ao retrato, de preferência de família e amigos, com grande realismo: Josep Gudiol, Antoni Puigvert, Pere Mir i Martorell, Self-Portrait (1944). Interessou-se por novas técnicas, e começou a deixar a sua marca na sua obra: Zoom (1946), um retrato invertido, em forma de sol, com um tom amarelo influenciado por Van Gogh e um branco espanhol muito puro, dando uma forte luminosidade.

Por volta de 1947, produziu desenhos mais fluidos, influenciados por Matisse. Mais tarde começou o seu trabalho, que já era autenticamente pessoal, com materiais espessos e pinceladas curtas e separadas, com um ar primitivo e expressionista, com um tema mágico e panteísta (Tríptico, 1948).

Durante o período Dau al Set, Tàpies fez parte de um surrealismo mágico figurativo, influenciado por Joan Miró, Paul Klee e Max Ernst: Ninfas, Dryads e Harpias (O Gato, influenciado por Klee, chiaroscuro forte, mundo fantástico, irreal, cores escuras; A Mágoa de Brunhilde, influenciada pelo Expressionismo Alemão nos contrastes de cor, luz e sombra), e A Dor de Brunhilde, influenciada pelo Expressionismo Alemão nos contrastes de cor, luz e sombra.

Finalmente, após o seu tempo em Dau al Set, em 1951 iniciou uma fase de abstracção geométrica, passando em 1953 para o informalismo com uma tendência material que deveria ser característica do seu trabalho. Os seus trabalhos adquiriram gradualmente uma densidade mais espessa, com impasto muito denso, incorporando gratinado, que costumava realizar com uma escova invertida, criando relevo. Também fez colagens com jornais ou cartão, e materiais reciclados ou mesmo detríticos, mostrando a influência de Kurt Schwitters (Colagem de cordas e arroz). As suas cores típicas eram escuras: castanho, ocre, bege, castanho, castanho, preto; o branco é normalmente “sujo”, misturado com tons escuros. Só esporadicamente se desdobrou em cores vibrantes, como o vermelho (Vermelho e Preto com Áreas Rasgadas, 1963-1965) e o azul (Azul e Duas Cruzes, 1980).

Em 1954 fez painéis escultóricos em relevo na fachada do edifício de escritórios Finanzauto na Rua Balmes, 216 em Barcelona, com motivos alusivos aos Piaristas, os proprietários do edifício.

Entre 1955 e 1960 teve o seu período mais radicalmente materialista, com um estilo austero, com cores neutras e terrestres e uma profusão de sinais: cruz, T (de Tàpies), cruz em cruz (X), 4 (para os quatro elementos e os quatro pontos cardeais, como símbolo da terra), etc.: Grande pintura cinzenta (1956), Grande pintura oval (1956), Grande pintura oval branca (1957), pintura em forma de T (1960).

Também importante no trabalho dos Tàpies é a presença do corpo humano, geralmente em partes separadas, em formas esquemáticas, muitas vezes com a aparência de deterioração, o corpo parece rasgado, atacado, trespassado. Isto pode ser visto em El fuego interior (Relevo ocre y rosa (Relevo em forma de axila) (Cráneo blanco (Crânio branco) (Corpo (1986) reflecte uma figura recôndita, evocativa da morte – que é realçada pela palavra “Tartaros”, o inferno grego); Días de Agua I (Dias de Água I) (1987), um corpo submerso em ondas de tinta cinzenta, evocando a lenda de Hero e Leandro (Dias de Água I) (1987).

Outra das características do Tàpies é o seu uso profuso dos mais diversos objectos nas suas obras: Caja de cordeles (1946) já antecipava esta tendência, com uma caixa cheia de cordas dispostas de forma radial, reminiscente de um escalpe; Puerta metálica y violín (1956) é uma composição curiosa dos dois elementos acima mencionados, aparentemente antitéticos, um devido ao seu carácter prosaico e o outro devido à sua elevada conotação artística e intelectual; Palha prensada com X (Cushion and Bottle (1970), uma nova conjunção de dois objectos díspares, visa contrastar uma almofada de gosto burguês refinado com uma simples garrafa de vidro com um ar quase proletário.

Figuras geométricas são também importantes na obra de Tàpies, talvez influenciadas pela arte românica catalã ou primitiva e oriental: Oval Branco (Matéria Dobrada (1981), uma tela semelhante ao sudário de Cristo, com certas reminiscências que recordam Zurbarán, pintor admirado por Tàpies; A Escada (1974), como símbolo de ascensão, inspirada em obras de Miró como o Latido de Cão na Lua ou o Carnaval do Arlequim.

Embora a evolução do trabalho de Tapian tenha sido uniforme desde os seus primórdios no Informalismo, surgiram ao longo do tempo diferenças subtis tanto na técnica como no conteúdo: entre 1963 e 1968 foi influenciado em certa medida pela Arte Pop na sua abordagem ao mundo da realidade envolvente, na qual o objecto quotidiano é realçado: Matéria em Forma de Chapéu, A Moldura, Mulher, Matéria em Forma de Noz, Mesa e Cadeiras (1968), Matéria com um Cobertor (1968), Grande Feixe de Palha (1968), Palha Prensada (1969). Entre 1969 e 1972 deu preponderância aos temas catalães: Atención Cataluña (1969), El espíritu catalán (1971), Pintura románica con barretina (1971), Sardana (1971), Inscripciones y cuatro barras sobre arpillera (1971-1972), Cataluña-Libertad (1972).

No período 1970-1971 teve uma fase conceptualista, trabalhando com materiais prejudiciais, com manchas de graxa ou matérias-primas: Pica de lavar com cruz, Mueble con paja, Palangana con Vanguardias, Paja cubierta con trapo. Após um período de crise até ao final dos anos 70, quando se concentrou na escultura e na gravura, a partir de 1980 renovou técnicas e temas, regressando a um certo informalismo. Também durante essa década, sob a influência da arte pós-moderna – especialmente do neo-expressionismo alemão – incorporou mais elementos figurativos, geralmente como uma homenagem aos estilos e artistas tradicionais na história da arte, como em Recuerdo (1982), que alude a Leonardo Da Vinci, ou Materia ocre (1984) e Mancha marrón sobre blanco (1986), que evocam o barroco.

Nos anos 90 recebeu uma série de comissões institucionais: em 1991 pintou As Quatro Crónicas, na Sala Tarradellas do Palácio da Generalitat de Catalunya. Em 1992 foi encarregado de decorar os pavilhões murais da Catalunha e do Comité Olímpico Internacional para a Exposição Universal em Sevilha. No mesmo ano surgiu uma grande controvérsia sobre o projecto encomendado pela Câmara Municipal de Barcelona para decorar a Sala Oval do Palácio Nacional de Montjuïc, o local do MNAC. Tàpies planeou uma escultura em forma de meia, 18 metros de altura, com o significado, segundo ele, de “uma humilde meia dentro da qual se propõe a meditação e com a qual eu quero representar a importância na ordem cósmica das pequenas coisas”. No entanto, devido à rejeição popular do projecto e à oposição do governo catalão, a obra nunca foi concluída. Mesmo assim, anos mais tarde o artista retomou o projecto e construiu o seu trabalho no terraço da Fundació Antoni Tàpies, como principal obra representativa da Fundação após a sua reabertura em 2010, após dois anos de remodelação do museu. No entanto, o projecto original de 18 metros não foi construído, mas sim uma versão reduzida de 2,75 metros.

Em 1994, Tàpies foi encomendado pela Universidade Pompeu Fabra para adaptar um espaço como capela secular, ou seja, como lugar de recolhimento para reflexão e meditação. O espaço fazia parte da Agora Rubió i Balaguer da universidade, concebida pelo arquitecto Jordi Garcés, que liga os antigos edifícios do quartel Roger de Llúria e Jaume I no subsolo, e que, além da capela, contém um auditório e um salão de exposições. Os Tàpies conceberam o espaço como um refúgio do mundo exterior, deixando a estrutura arquitectónica como estava, com paredes de betão, instalando uma série de intervenções artísticas para completar o ar de recolhimento da capela: o Díptico mural do Sino e a Serpente e Prato escultóricos, bem como algumas cadeiras de campanário penduradas numa parede e um tapete de hesse, tudo para produzir um ambiente de meditação e repouso. A escultura é colocada sobre um altar, com um grande prato de porcelana sobre o qual a serpente é colocada; podemos vislumbrar o antecedente do projecto da meia para o Palácio Nacional, que também teria sido colocada sobre um altar.

Na escultura, desde o seu início na técnica de montagem nos anos 70, passou a utilizar terracota a partir de 1981 e bronze a partir de 1987, sempre na mesma linha da sua pintura, com técnicas mistas e a utilização de materiais reciclados ou resíduos, em associações por vezes invulgares que procuram chocar o espectador. Destacam-se a sua homenagem a Picasso (Parc de la Ciutadella, 1983), e o mosaico cerâmico na Plaça de Catalunya em Sant Baudílio de Llobregat (1983), bem como a instalação intitulada Cloud and Chair at the Fundació Tàpies (1989).

Fontes

1. Antoni Tàpies
2. Antoni Tàpies
3. a b c Juan Eduardo Cirlot, Tàpies, p. 75.
4. a b Xavier Barral, Pintura i pintors del segle XX, en Art de Catalunya. Pintura moderna i contemporània, p. 304.
5. a b AA.VV., Diccionario de pintores y escultores españoles del siglo XX, p. 4148.
6. a b c d AA.VV., Gran Enciclopèdia Catalana, p. 123.
7. a b c d e Youssef Ishaghpour: Antoni Tàpies. Works, writings, interviews. Ediciones Polígrafa, Barcelona 2006, S. 151.
8. a b c Diether Rudloff: Unvollendete Schöpfung. Künstler im zwanzigsten Jahrhundert. Urachhaus, Stuttgart 1982, S. 134.
9. Francisco Calvo Seraller (Einl.): Guggenheim Museum Bilbao Collection. Guggenheim, Bilbao 2009, ISBN 978-84-95216-61-8, S. 527.
10. « La septième face du dé »
11. Victoria Combalía et Concha Lomba, Tàpies, éd. Sarpe, coll. Los genios de la Pintura Española, Madrid, 1990, p. 12
12. William Grimes, « Antoni Tàpies, a Painter With Textures, Dies at 88 », in New York Times, jeudi 8 février 2012.
13. Jean Frémon, Tàpies, éd. Galerie Maeght Lelong, 1983, p. 14
14. a b c d et e Tapié, p. 11
15. ^ “1923-1943”. Fundació Antoni Tàpies. Archived from the original on 24 September 2015. Retrieved 1 April 2015.
16. ^ “1944-1948”. Fundació Antoni Tàpies. Archived from the original on 24 September 2015. Retrieved 1 April 2015.
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