Barnett Newman

gigatos | Maio 12, 2022

Post Views: 15

Resumo

Barnett Newman (29 de Janeiro de 1905, Nova Iorque – 4 de Julho de 1970, Nova Iorque) era um pintor americano. É um dos mais importantes representantes do expressionismo abstracto e um dos primeiros pintores da Colorfield Painting.

Alternatives:InfânciaA infânciaInfância:Infancia

O pai ganhava a vida a vender peças de máquinas de costura a operários de fábricas de vestuário. Barnett Newman tinha quatro irmãos e irmãs. O mais velho morreu na infância, fazendo de Barnett o mais velho dos irmãos. Abraham Newman iniciou um negócio de vestuário industrial. O seu negócio prosperou e em 1915 a família Newman tinha-se mudado para Belmont Avenue, um bairro de classe média no Bronx. Ali, Barnett desfrutou de uma infância repleta de aulas de desporto e piano.

Os Newmans eram sionistas e as crianças frequentavam a Escola Nacional Hebraica no Bronx. Para além das aulas da escola, as crianças são ensinadas em casa por jovens judeus da Europa.

Alternatives:AdolescênciaAdolescenciaA adolescência

De 1919 a 1923, Barnett Newman estudou na Escola Secundária DeWitt Clinton. Newman relatou mais tarde que fazia regularmente gazeta da escola para entreter no Metropolitan Museum of Art, nas proximidades.

Durante o seu primeiro ano no liceu, Newman procurou um nome médio, que se tornou Benedict, um derivado do seu nome hebraico Baruch. Mais tarde, ele seria chamado “Barney” e depois “B.B.”. Newman usou um “B” extra na sua assinatura que usou para o resto da sua vida em todos os seus documentos oficiais.

Como finalista no liceu, Newman trabalhou no seu desenho em aula seis dias por semana na Liga dos Estudantes de Arte. Foi recompensado quando o seu desenho de Much-labored-over foi escolhido numa exposição da melhor obra estudantil.

Nesta escola, de 1923 a 1927, Newman conheceu Adolph Gottlieb, que já tinha começado a sua vida como artista desde que Gottlieb tinha abandonado o liceu em 1921 para estudar arte e visitar a Europa. Tornaram-se amigos e visitaram regularmente o Museu Metropolitano de Arte.

Depois do liceu, Newman matriculou-se na Universidade de Nova Iorque, onde estudou filosofia. Contribuiu com artigos para o jornal escolar The Campus e para uma revista literária estudantil The Lavander. Por exemplo, ele publicou uma revista de Roger Fry. Durante os seus estudos, tornou-se amigo de Aaron Siskind, um artista que mais tarde se tornaria um conhecido fotógrafo.

Na década de 1930 pintou o que se diz terem sido obras expressionistas, mas destruiu-as todas. Tornou-se então escritor e crítico de arte, organizando exposições e escrevendo prefácios de catálogos. Mais tarde, tornou-se membro do Grupo Uptown.

Alternatives:Depois da universidadeApós a universidade

Em 1929, quando a bolsa de valores caiu em Outubro, o negócio do vestuário familiar está em crise. Enquanto o seu irmão deixava o negócio, Barnett Newman continuou a tentar ajudar o seu pai a salvar a empresa. Mas o negócio continua a entrar em colapso. Barnett deixou a empresa e tentou tornar-se um professor de arte no sistema de escolas públicas de Nova Iorque. Tornou-se um professor de arte substituto, ganhando $7,50 por dia.

Através do seu amigo, Gottlieb, ele conheceu o pintor Milton Avery nos anos 30. Tornaram-se o centro de um grupo de jovens artistas que se reuniam frequentemente na casa de Milton Avery para estudar o seu trabalho e discutir literatura. Newman e Gottlieb viveram juntos durante este período.

Alguns anos mais tarde, Newman apresentou um manifesto com um amigo intitulado “The Need for Public Action by Men of Culture”, que tinha três partes: educação mais ampla, maior consideração pelo artesanato e promoção da vida cultural.

Em 1934, Newman fez amizade com Annalee Greenhouse, com quem partilhava e gostava de música. Ela tornou-se sua esposa algum tempo depois.

Em 1935, retomou um trabalho que tinha feito como estudante sobre a defesa dos direitos dos funcionários públicos (professores, colectores de lixo, etc.) a que chamou “A Resposta” e escreveu: “Os livros que recomendamos” e promulgou livros como “A Ética de Spinoza”, “A República de Platão” e um texto-espelho intitulado: “Os livros que condenamos” e citou as obras de Marx ou Lênin.

Leia também, historia-pt – Blitzkrieg

Alternatives:A sua carreira docenteA sua carreira de professorA sua carreira de docente

A 30 de Junho de 1936, Annalee e Barnett casaram-se. O casal queria mudar-se para o Maine, mas as preocupações financeiras obrigaram-nos a regressar aos seus postos de ensino em Nova Iorque.

Em 1939, Annalee conseguiu um emprego regular como professor numa escola secundária em Queens (William Cullen Bryant School).

Uma aguarela de Newman intitulada ”Country Studio” fazia parte de uma exposição de arte organizada por membros da Associação de Professores de Arte em Março de 1940. Esta aguarela é quase semelhante à campanha: “Podemos desenhar?” que tinha aparecido dois anos antes. Em Outubro do mesmo ano, Newman decidiu abandonar algumas das aulas de serigrafia nocturna que estava a dar. Prosseguiu o seu interesse pelas ciências naturais. Frequentou cursos no Museu Americano de História Natural e foi eleito membro associado da União Americana de Ornitólogos. Durante o Verão, Barnett e Annalee estudaram aves e vida marinha no Maine e depois fizeram cursos de botânica e ornitologia na Universidade de Cornell em Ithaca, Nova Iorque.

Carreira artística

Em 1943, Barnett Newman escreveu o prefácio do catálogo da primeira exposição do AMA, os Artistas Modernos Americanos. Esta exposição foi um protesto contra o Metropolitan Museum of Art em Nova Iorque devido à sua exclusão da arte moderna das suas exposições. Em 1945, dedicou-se a vários escritos que seriam publicados post mortem, tais como: “A Imagem de Plasma”, um ensaio expondo as suas ideias sobre arte abstracta. Nesse mesmo ano, Newman e a sua esposa souberam que alguns membros da família tinham sido deportados pelos nazis. Foi nesta altura que se tornaram amigos próximos de Tony Smith, um arquitecto e artista que o ajudou a organizar exposições. No final desse ano, Newman juntou-se aos artistas que expõem na exposição da Betty Parsons. Esta foi a primeira exposição de Newman desde a exposição de 1940 com os seus amigos, os membros da Associação de Professores de Arte.

Em 1947, Newman conheceu Jackson Pollock e Lee Krashner. Newman e Pollock forjaram uma forte amizade. Pollock foi um artista que expôs o seu trabalho na última exposição “Art of This Century” criada por Peggy Guggenheim. A amiga de Newman, Betty Parson, acrescentou mais tarde Pollock aos artistas que ela expôs na sua galeria. Newman preparou um evento na galeria da Betty Parson nesse mesmo ano, onde expôs as suas obras: Gea e Euclidian Abyss.

Em Junho de 1947, o pai de Newman morreu. No final do ano escolar, Newman deixou o seu emprego e o seu casamento para viver com o único rendimento de Annalee, a sua esposa. Newman escreveu um ensaio intitulado The First Man Was an Artist (O Primeiro Homem Foi um Artista). Este ensaio apareceu na primeira edição da Tiger”s Eye, uma pequena revista de arte. Ele deu um grande contributo ao escrever sobre o tema “Porque pinto”, no qual disse: “Um artista pinta para que tenha algo para ver, por vezes tem de escrever para que também tenha algo para ler. No mesmo ano, o seu trabalho Euclidian Abyss foi exibido pelo Abismo Abstracto e Surrealista da Arte Americana no Art Institute of Chicago em Novembro de 1947. Este quadro foi a primeira venda da Newman. A pintura foi comprada por coleccionadores em Connecticut.

No ano seguinte, 1948, Newman pintou Onement I. Esta pintura deve ser vista como um grande avanço na sua carreira, os dois anos seguintes deviam ser os mais produtivos da sua vida. Onement I faz parte da série Onement, juntamente com Onement II e Onement III. No início do Outono, William Baziotes, David Hare, Robert Motherwell, e Mark Rothko formaram uma escola de arte cooperativa. Newman sugeriu o nome da escola, Artist”s Subjects, para enfatizar a importância do objecto na arte abstracta.

Em 1949, Newman fez dezassete obras no mesmo ano, as mais produtivas da sua carreira. Em Janeiro, Newman juntou-se à faculdade Subjects do artista. O casal Newman ajudou a organizar palestras para a escola. Apesar da sua popularidade, a escola fechou em Maio de 1949.

Em 1950, Newman teve a sua primeira exposição individual na galeria da Betty Parsons. Imediatamente após esta primeira exposição, Barnett Newman disse numa sessão de arte do Studio 35: “Estamos, de certa forma, a fazer o mundo à nossa imagem. Usando o seu talento como escritor, Newman lutou para reforçar a sua nova imagem como artista e para promover o seu trabalho. Mas as revisões foram em grande parte negativas. ARTNews escreve: “Newman está lá para chocar, mas não está lá para chocar a burguesia – isso já foi feito. Ele gosta de chocar outros artistas. Apenas um quadro (Fim do Silêncio) foi vendido aos amigos da sua esposa. Após a exposição, o lucro de Newman foi de $84,14.

Juntamente com outros dezassete artistas, Newman escreveu uma carta de protesto contra o Museu Metropolitano de Arte e a sua visão negativa da arte moderna. A carta apareceu no New York Times a 22 de Maio de 1950 e desencadeou uma enxurrada de editoriais em publicações locais e nacionais. Nesse mesmo ano fez a sua primeira escultura Aqui I, de madeira e gesso. O artista reflectiu sobre a verticalidade e enfatizou-a nesta obra em bronze. No mesmo ano fez também The Wild, que é uma lona longa e estreita. A sua superfície é pintada de cor laranja e o seu bordo é cinzento-azul.

Em Abril de 1951, Newman expôs uma segunda vez na galeria da Betty Parsons. Foi nesta exposição que uma pintura de 5,40 metros de comprimento e 2,40 metros de largura, Vir Heroicus Sublimis, apareceu pela primeira vez. Infelizmente, os críticos condenaram-no mais uma vez e nenhum dos quadros foi vendido. Acabou por retirar o seu trabalho da galeria e aí cessou toda a actividade. Esta pintura tornar-se-ia mais tarde a sua obra mais famosa.

Num ensaio intitulado “Sentimentos é tudo”, publicado em 1952, o crítico Clement Greenberg reconheceu tardiamente o trabalho de Newman de 1950 e 1951 nas suas exposições e denunciou os seus críticos. Ele declarou: “Newman é um artista muito importante e original”. Em Abril de 1952, Newman foi excluído do Museu de Arte Moderna, que mostrava quinze artistas americanos, incluindo muitos dos seus amigos, tais como Pollock e Rothko. Este evento magoou profundamente Newman. No catálogo da exposição, pode-se ler: “Para o meu amigo Barnett Newman, que também deveria ter sido representado nesta exposição”.

Em Junho de 1953, comprou de volta algumas das suas obras. Declarou que queria remover todas estas ”pequenas” pinturas da vista do público. Esta acção é representativa do desejo de Newman de se retirar do mundo oficial da arte. Não voltou a expor até 1955.

Em 1955, Newman atingiu a idade de cinquenta anos e embora a sua esposa tenha iniciado um segundo emprego, a situação financeira do casal era precária. O casal contraiu empréstimos e penhorou objectos de valor. No mesmo ano, o crítico Clement Greenberg elogiou a arte de Newman, descrevendo-a como “profunda e honesta” mas também afirmando que era discípulo de Still e que o seu trabalho era muito semelhante ao do seu amigo Rothko. Esta última declaração irritou profundamente Newman. Podemos citar por exemplo a sua carta de 9 de Abril de 1955, “Carta a Sidney Janis: – É verdade que Rothko fala com o lutador. Ele luta, contudo, para subjugar o mundo dos filisteus. A minha luta contra a sociedade burguesa convenceu-me a rejeitá-la totalmente”.

Por ocasião do décimo aniversário da galeria de Betty Parsons, expôs uma das suas obras “Horizon Light”. Esta foi a sua primeira exposição pública desde 1951. Depois, até 1957, não fez quaisquer pinturas e, se o fez, abandonou-as. O seu amigo, Jackson Pollock, mostra o estúdio de Newman a Ben Heller, um jovem coleccionador, que compra dois quadros, Adam e Queen of the Night I por $3.500. Pouco tempo depois, Jackson Pollock morreu num acidente de automóvel em Long Island, que afectou grandemente o casal Newman.

Em Junho de 1957, Newman foi incluído na exposição do Instituto de Artes de Minneapolis. Mas os seus problemas com os críticos continuaram: “A coisa mais estúpida do programa é Barnett Newman com Vir Heroicus Sublimis. Alguns meses mais tarde, no final do ano, Newman sofreu um ataque cardíaco e foi hospitalizado durante seis semanas.

Posteriormente, em 1958, foi ajudado pela sua esposa, mãe e irmã no seu apartamento e pintou muito pouco, incluindo dois quadros que mais tarde foram chamados Primeira Estação e Segunda Estação. Estas pinturas foram as primeiras de uma longa série intitulada “Estações da Cruz”. Mais tarde, Ben Heller, o jovem coleccionador, convidou Alfred Barr e Dorothy Miller do Museu de Arte Moderna a visitar o estúdio de Newman. Quatro dos seus quadros, Abraham, Concord, Horizon Light e Adam, foram depois expostos em viagem no Museu de Arte Moderna e ele foi para Milão, Madrid, Berlim, Amesterdão, Bruxelas, Paris e Londres, regressando a Nova Iorque no ano seguinte.

Numa viagem de negócios em 1959, Arnold Rudlinger, historiador de arte suíço e director de museus que viria a ser considerado como um dos pioneiros da arte americana na Europa, viu uma obra de Newman intitulada Day Before One. Ele comprou a obra e tornou-se a primeira pessoa a ter uma colecção pública com uma obra de Newman. Mais tarde, o MoMA seguiu o exemplo e tornou-se o primeiro museu americano a realizar uma obra de Newman.

Barnett Newman teve então uma exposição organizada por Clement Greenberg, o crítico de arte e consultor de galeria. Os críticos continuaram hostis, mas a exposição foi de interesse para a geração mais jovem de artistas de Nova Iorque, para quem foi a primeira oportunidade de ver o seu trabalho. Em Agosto de 1959, o casal Newman viajou para o Canadá, onde Barnett organizou um workshop de Verão para artistas canadianos. Tornou-se muito influente para estes jovens artistas, muitos dos quais foram então para Nova Iorque. Um deles, o escultor Robert Murray, disse mais tarde: “Ele ajudou-nos com a nossa paranóia provincial… Ele fez parecer importante ser um artista.

Em 1960, completou as telas em bruto com tinta preta. Foi nesta altura que ele começou a pensar nas Estações da Cruz como uma série. Trabalhou nele durante os próximos seis anos. Trabalhará também em trabalhos gráficos, o que não faz há onze anos. Fez uma série de vinte e dois desenhos a tinta, medindo 4,20 metros por 3 metros. Em Janeiro de 1961, o quadro Vir Heroicus Sublimis foi comprado por Ben Heller. Outras vendas nesse ano foram L”Errance e Onement VI.

Em Fevereiro, Barnett Newman caiu numa depressão profunda na sequência da morte súbita do seu irmão mais novo, George. Para o tirar desta situação, o seu amigo Cleve Gray convida-o a juntar-se a um projecto litográfico no Centro de Arte Gráfica do Instituto Pratt. Esta foi a sua primeira experiência com a gravura. Pouco tempo depois, pintou um quadro dedicado ao seu irmão George em ecru e preto, Surgit la lumière (Para George).

Em Janeiro de 1962, recusou convites para eventos importantes como a Galeria de Arte Moderna em Washington e o evento “Geometric Abstraction” no Whitney Museum of American Art em Nova Iorque. Foi também durante este ano que ele produziu um quadro chamado O Terceiro. Com a ajuda de Robert Murray, Newman participou num casting com a sua escultura Here I (To Marcia) de 1950 na Fundição de Arte Moderna em Queens. Recebeu o nome de Marcia Weisman, que o incitou a lançar.

A 23 de Outubro de 1962, Newman e De Kooning realizaram uma exposição do seu trabalho na galeria de Tony Smith. As ondas de críticas estavam finalmente a favor de Newman, e ele foi agora declarado um dos “artistas mais notáveis vivos hoje”.

Em 1965, o trabalho de Newman foi incluído em dois eventos que celebraram o fim do Expressionismo Abstracto em Filadélfia, The Decisive Years: 1943-1953 e em Los Angeles, New York School, The First Generation: Paintings of the 1940s e 1950s. Nesse mesmo ano, Newman fez outra escultura de aço Here II na Treitel Gratz Company que complementou Here I. Alguns meses mais tarde, Walter Hopps, um curador, nomeou Newman como figura central num grupo de artistas que seleccionou para o Pavilhão dos Estados Unidos na Oitava Bienal de São Paulo. Os outros seis artistas tinham vinte anos como júnior de Newman. Eles são Billy Al Bengston, Larry Bell, Robert Irwin, Donald Judd, Larry Poons, e Frank Stella. A pedido do artista, as sete pinturas e duas esculturas são apresentadas fora de concurso. Com este evento, Newman encantou os jornalistas. Ganhou a admiração de Oscar Niemeyer, um arquitecto, e do famoso futebolista Pelé. Mas ele também impressionou os artistas de São Paulo com o seu conhecimento da história da arte.

Em 20 de Abril de 1966, o Guggenheim em Nova Iorque realizou uma exposição apenas do trabalho de Newman, incluindo as pinturas das Estações da Cruz. Estas “Estações” ganharam atenção muito para além dos limites habituais do mundo da arte e a sua obra foi exposta em todo o mundo, particularmente na Europa. Continuou a trabalhar na fundição de Treitel Gratz, onde fez uma escultura em Corten e aço inoxidável chamada Be III. Nesse mesmo ano fez também a sua primeira pintura utilizando cores primárias, que deveria ser a base da série de quatro Who”s Afraid of Red, Yellow and Blue completada com acrílicos. Fez várias pinturas nesse ano, incluindo uma de cerca de 5 metros de comprimento, Voice of Fire, que foi utilizada no pavilhão americano na Feira Mundial de Montreal em 1967, uma das suas pinturas mais impressionantes.

Em Agosto de 1967, Newman foi convidado a falar sobre a dimensão espiritual da arte contemporânea no primeiro Congresso Internacional sobre Religião, Arquitectura e Artes Visuais em Nova Iorque. No seu discurso, Newman afirmou: “O que importa para um verdadeiro artista é a distinção entre lugar e não lugar; e quanto maior for a obra de arte, maior será esse sentimento. E esse sentimento é uma dimensão espiritual fundamental. Pouco tempo depois, Newman começou a trabalhar com a Fundição North Haven em Connecticut, que se especializou no fabrico de grandes obras de arte. Newman fez uma escultura monumental, Broken Obelisk, que mais tarde foi exposta em muitas galerias de arte. Enquanto trabalhava no seu obelisco, Newman considerou a ideia de uma pintura triangular.

Em Novembro de 1967, os Newmans vieram à Europa para a abertura de “The Poetry of Vision” em Dublin, uma exposição de arte contemporânea e antiga que apresenta Who”s Afraid of Red, Yellow and Blue II, Queen of the Night II, e Now II. A 21 de Dezembro de 1967, Newman assina uma carta aberta na New York Review of Books protestando contra o anti-semitismo na União Soviética.

A 25 de Março de 1969, Newman abriu a sua primeira galeria, M. Knoedler and Company, que mostraria o seu trabalho dos anos 60. As quatro obras Who”s Afraid of Red, Yellow and Blue tiveram muito sucesso, assim como Now II, Anna”s Light e as duas pinturas triangulares que tinha acabado de completar, Jericho e Chartres. Depois veio a primeira monografia publicada sobre Newman, escrita por Thomas Hess.

O trabalho de Newman é controverso mas amplamente elogiado pela comunidade. As críticas negativas dos críticos não deixam dúvidas sobre a importância de Newman. As suas exposições atraíram tanta atenção como as retrospectivas do museu de Willem de Kooning e David Smith que tiveram lugar no mesmo ano. Nesse ano, executou Zim Zum I, que originalmente pretendia ter 3,60 metros de altura mas que reduziu para 2,40 metros para que pudesse ser enviado para Tóquio para uma exposição no Museu ao Ar Livre de Hakoone.

Dez das suas pinturas e três das suas esculturas que abrangem a carreira de Newman de 1946 a 1969 aparecem na exposição de Nova Iorque Painting and Sculpture 1940-1970, organizada por Henry Geldzahler para o Museu Metropolitano de Arte. Mais tarde nesse ano, Newman iniciou os planos para grandes exposições retrospectivas a serem organizadas por Thomas Hess na Tate Gallery em Londres, no Grand Palais em Paris, no MoMA em Nova Iorque e no Stedelijk Museum em Amesterdão, entre outros.

Em Janeiro de 1970, Newman contribuiu para o centenário do Museu Metropolitano de Arte, onde escreveu: “Sempre tive um desgosto, mesmo um desdém, por reproduções e fotografias de obras de arte, mesmo da minha própria obra. Só posso sentir-me afortunado por a minha educação artística não ter vindo do exame de fotografias e superproduções de slides ou mesmo de professores, mas sim de mim próprio face à realidade.

Em 17 de Maio de 1970, a Universidade Brandeis em Waltham, Massachusetts, honrou o trabalho de Newman com uma Medalha de Artes Criativas em Pintura.

A 4 de Julho de 1970, aos sessenta e cinco anos de idade, Barnett Newman morreu de ataque cardíaco no seu estúdio perto do quadro Who”s Afraid of Red, Yellow, and Blue IV. Também no seu estúdio encontra-se uma tela inacabada de 5,40 metros por 2,40 metros, uma tela triangular em ângulo recto e três das suas obras concluídas mas ainda sem título.

Leia também, biografias-pt – Badur II

Alternatives:Primeiros trabalhosPrimeiras obras

Nos anos 40, o seu estilo era bastante surrealista e depois tornou-se mais maduro. Isto é caracterizado por áreas de cor separadas por finas linhas verticais, fechos de correr como ele as chama. Nos seus primeiros trabalhos com estes fechos, os campos de cor não são uniformes, mas mais tarde as cores são puras e planas.

Em 1947, expôs duas obras na galeria de Betty Parson, Gea e Euclidian Abyss. Sobre um fundo preto, linhas verticais amarelas que não são bem verticais estão a tornar-se cada vez mais importantes no seu trabalho. Estes fechos marcam a singularidade do artista e continuarão a ser um elemento constante na carreira de Newman.

Ele próprio pensou que tinha atingido a maturidade total do seu estilo com a série Onement em 1948. Estes são trabalhos com fundo borgonhês e fechos verticais de outras cores. Provocam agitação e emoção no espectador. Newman disse sobre estas obras: “Há transformações de sentimento específicas e separadas que podem ser experimentadas em frente de cada quadro”.

Em algumas pinturas dos anos 50, como The Wild, que tem dois metros e meio de comprimento e quatro centímetros de largura, o fecho está presente, se não a obra em si. Newman também fez algumas esculturas, incluindo Here I, que são essencialmente representações tridimensionais de fechos de correr.

Embora as pinturas de Newman pareçam ser puramente abstractas e muitas delas fossem originalmente sem título, os nomes que mais tarde lhes deu relacionam-se com temas específicos, muitas vezes com um tema judeu. Duas obras do início dos anos 50, por exemplo, chamam-se Adam, e depois também Uriel (1954) e Abraão (1949), uma pintura muito escura, que certamente tem o nome do patriarca da Bíblia mas que também era o nome do pai de Newman que morreu em 1947. Newman expressa um certo misticismo com os títulos das suas obras. Adam”, o primeiro nome do personagem bíblico, é próximo de adom, que significa vermelho, e dam, que significa sangue. Esta pintura de tonalidade vermelha é o resultado da identidade judaica de Newman, com a qual ele estava muito preocupado, especialmente durante os horrores da Segunda Guerra Mundial, o Holocausto. Ele disse: “Quando Hitler estava a devastar a Europa, poderíamos expressar-nos pintando uma bela rapariga nua deitada num sofá? A esta pergunta ele respondeu com abstracção.

A série de pinturas incluindo variações de bege com riscas verticais negras, The Stations of the Cross (1958-1964), começou pouco depois de Newman ter recuperado de um ataque cardíaco e é vista como um ponto alto da carreira. A série é legendada Lema sabachthani – “Porque me abandonaste? – palavras ditas por Cristo na cruz. Newman vê as suas palavras como tendo um significado universal. A série foi também vista como um memorial às vítimas do Holocausto. Newman quis expressar a tragédia e violência universais em relação à paixão.

Alternatives:Trabalhos tardiosObras tardias

Os trabalhos posteriores de Newman, tais como as séries Who”s Afraid of Red, Yellow e Blue, que é inteiramente feita de cores primárias, e os fechos dão uma dinâmica a toda a pintura. Estas obras são feitas de cores puras e vibrantes, muitas vezes em grandes telas – Anna”s Light (1968), nome em memória da sua mãe que morreu em 1965, é a maior, oito metros quarenta por dois metros setenta. Newman também trabalhou em telas não rectangulares no final da sua vida, como Chartres (1969), que é triangular, e depois voltou à escultura, fazendo algumas peças em aço polido. As suas pinturas posteriores são feitas com tinta acrílica em vez de tinta a óleo, como nas suas obras anteriores. Das suas esculturas, o Obelisco Quebrado é o maior e mais conhecido, representando um obelisco de cabeça para baixo com a ponta apoiada na ponta de uma pirâmide.

Também produziu uma série de litografias, os 18 Cantos (1963-64), que, de acordo com Newman, evocam música. O seu trabalho também inclui algumas gravuras. Dedica os seus trabalhos à sua esposa Annalee.

Em 1962, fez uma grande tela cor de laranja com dois fechos amarelos, O Terceiro. Sobre este trabalho, Newman disse: “Sinto que os meus fechos não dividem as minhas pinturas. Sinto que eles fazem exactamente o oposto, unificam o todo.

Newman é geralmente considerado um expressionista abstracto, com base no seu trabalho em Nova Iorque nos anos 50, onde ele e outros expressionistas abstractos desenvolveram um estilo abstracto que nada tinha em comum com a arte europeia. No entanto, a sua rejeição de pincéis expressivos como os utilizados por outros expressionistas abstractos como Clyfford Still e Mark Rothko, e o uso de áreas de cor plana em superfícies bem definidas, pode fazer dele um precursor dos artistas da Pintura de Bordos Duros, Pintura de Campos de Cor e movimentos de Minimalismo (arte), tais como Frank Stella.

Newman não alcançou grande sucesso como artista durante a maior parte da sua vida, sendo ofuscado por figuras coloridas como Jackson Pollock. O crítico influente Clement Greenberg escreveu artigos entusiasmados sobre ele, mas só no final da sua vida é que foi seriamente considerado. No entanto, influenciou muitos jovens pintores.

Newman sempre insistiu que os seus telespectadores devem ver o seu trabalho de perto a fim de serem envoltos pelas cores densas. As suas pinturas devem dar ao espectador a sensação de afogamento em cor pura. A sua arte é abstracta, total e intransigente. Ele disse: “Diz-se que levei a pintura abstracta aos seus limites, enquanto que para mim é óbvio que apenas fiz um novo começo.

Newman morreu em Nova Iorque de um ataque cardíaco em 1970.

Alternatives:FontesFontes:Fonte:Fonte

Leia também, biografias-pt – Plutarco

Alternatives:BibliografiaBibliotecaBiblioteca .Biblioteca:

Alternatives:NotasObservaçõesNotaNotas .

Fontes