Cy Twombly

gigatos | Janeiro 3, 2022

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Resumo

Cy Twombly, nascido Edwin Parker Twombly Jr. a 25 de Abril de 1928 em Lexington, Virginia – falecido a 5 de Julho de 2011 em Roma, era pintor, desenhador, escultor e fotógrafo americano.

Cy Twombly pertence à geração de Robert Rauschenberg, Jasper Johns ou Brice Marden, renovando a arte americana após a geração de expressionistas abstractos como Jackson Pollock, Mark Rothko ou Barnett Newman.

A sua obra intercepta algumas das principais questões da arte do século XX, tais como o dilema da abstracção-figuração, a influência da psicanálise, o primitivismo, o papel da escrita e do signo na pintura, a homenagem aos antigos (mitologia, poesia, pintura antiga), e as ligações artísticas entre a Europa e a América.

Origem familiar

Edwin Parker Twombly Jr, conhecido como “Cy”, nasceu em 1928 em Lexington, Virgínia. O seu pai, Edwin Parker Twombly, conhecido como “Cy” (1894-1974), foi jogador de basebol com os Chicago White Sox. Tomou a alcunha do famoso lançador Denton True Young (1867-1955), conhecido como “Cy Young” (Cy para “Cyclone”).

O pintor Cy Twombly assumirá portanto não só o primeiro e último nome do seu pai, mas também o seu apelido. Cy Twombly Sr. é professor de desporto na Universidade de Washington e Lee em Lexington.

Formação e primeiras exposições nos EUA

Desde muito jovem, Cy Twombly estava interessado em desenhar e pintar. Entre 1942 e 1946, teve aulas na sua cidade natal com o pintor espanhol Pierre Daura (um antigo aluno do pai de Picasso), que tinha sido refugiado em França durante muito tempo e tinha vindo para os Estados Unidos após ter casado com uma mulher da Virgínia em 1938.

Em 1946, Twombly entrou na Escola Darlington em Roma, Geórgia. Passou o Verão de 1947 com uma colónia de artistas em Ogunquit e Groveland. Depois, de 1947 a 1949, frequentou a Escola do Museu de Boston. Regressando à sua cidade natal para estudar na Universidade de Washington e Lee (Lexington), foi encorajado a juntar-se à Art Students League of New York (1950-1951). Foi lá que conheceu os pintores Knox Martin e Robert Rauschenberg. A conselho deste último, passou algum tempo em 1951 e 1952 no Black Mountain College, perto de Asheville, na Carolina do Norte, um local de intercâmbio e encontros intelectuais onde a vanguarda nova-iorquina se reuniu. Aí esfregou ombros com Franz Kline, Robert Motherwell, Ben Shahn, o poeta Charles Olson, o músico John Cage e a bailarina e coreógrafa Merce Cunningham.

A sua primeira exposição foi realizada em Novembro de 1951 na Seven Stairs Gallery em Chicago graças a Aaron Siskind; foi exibido na Kootz Gallery em Nova Iorque, ao mesmo tempo através de Robert Motherwell. Uma bolsa do Museu de Belas Artes da Virgínia em 1952 permitiu-lhe viajar com Robert Rauschenberg para a Europa, Espanha, Itália, França e Norte de África de Setembro de 1952 a Maio de 1953. Durante esta viagem, os dois pintores descobriram Roma, Veneza, Florença, Assis, bem como Casablanca, Marraquexe e Tânger. Cy Twombly participou em escavações arqueológicas em banhos romanos.

No seu regresso aos Estados Unidos em 1953, Twombly e Rauschenberg expuseram na Stable Gallery em Eleanord Ward, para críticas negativas. Entre o Outono de 1953 e a Primavera de 1954, Twombly cumpriu as suas obrigações militares nos serviços de criptografia em Washington D.C. De volta a Nova Iorque, partilhou o estúdio que Robert Rauschenberg alugou na Fulton Street por algum tempo. A sua vida em Nova Iorque foi marcada por novas amizades, nomeadamente com Jasper Johns e Jackson Pollock, e por novas exposições na Stable Gallery em 1956 e 1957. A partir de 1959 foi exibido por Leo Castelli, um famoso galerista de Nova Iorque, proprietário de uma galeria de origem italiana. Na última parte da sua carreira, esteve ligado à Galeria Gagosiana.

Entre a Europa e os Estados Unidos – O Viajante

Em 1957, durante uma segunda estadia em Itália, que deveria ser temporária, decidiu estabelecer-se permanentemente em Roma. Nesse mesmo ano conheceu Tatiana Franchetti, pintora e descendente de uma família de mecenas das artes. Casaram em Nova Iorque a 20 de Abril de 1959 e tiveram um filho, Cyrus Alessandro, nascido a 18 de Dezembro do mesmo ano. A partir daí, Cy Twombly viveu entre a Europa e os Estados Unidos, tendo sucessivamente ou por vezes simultaneamente residências e estúdios em Roma, Nova Iorque, Lexington, Sperlonga, Bolsena, Bassano em Teverina, Gaeta, e visitando regularmente Robert Rauschenberg na ilha de Captiva (Florida).

A vida do pintor foi marcada por numerosas viagens, nomeadamente para França, onde viveu em Paris, no Hotel La Louisiane, para a Alemanha, Suíça, Egipto (1962), Iémen (1983) e Índia (1973). No Verão de 1991, Cy Twomby seguiu o itinerário do poeta romântico inglês Lord Byron até à Grécia.

Reconhecimento internacional

Twombly foi convidado para a Bienal de Veneza de 1964. Em 1968, o Milwaukee Art Center montou a sua primeira retrospectiva nos Estados Unidos da América. Este reconhecimento foi acentuado em 1979 com uma retrospectiva no Museu Whitney de Arte Americana. Posteriormente, expôs em todo o mundo: Kunsthaus Zurich em 1987, Musée national d”art moderne em Paris em 1988, MoMA em Nova Iorque em 1994, bem como em Houston Texas (onde a Menil Collection abriu uma secção especialmente concebida para a sua obra em 1995 num edifício concebido por Renzo Piano em estreita colaboração com o pintor), em Los Angeles, em Berlim… O Brandhorst Museum em Munique apresenta também um grande número das suas obras (todo um nível é dedicado ao pintor com, como destaque, o ciclo Lepanto de 2001).

Em 1996, recebeu o prémio Praemium Imperiale na categoria de Pintura e em 2001, o Leão de Ouro na Bienal de Arte Contemporânea de Veneza.

Cy Twombly morreu a 5 de Julho de 2011 em Roma.

Breve cronologia da obra pintada

O trabalho de Cy Twombly pode ser dividido aproximadamente em sete períodos sucessivos.

O catálogo raisonné coloca o início em 1948, embora haja uma fotografia do jovem aos 16 anos de idade pintando sobre uma paisagem natural em Ogunquit, Maine (fotografia intitulada Cy Twombly com caixa de pintura + Guarda-chuva de Charles Woodburry . Estas primeiras pinturas são pouco publicadas e não são bem conhecidas.

Entre 1951 e 1953, o artista utilizou nas suas telas um material grosso e áspero, pintando grandes formas primitivas, muitas vezes fálicas. Esta fase, dominada por um cromatismo limitado ao preto e branco, foi alimentada em particular pela viagem a Roma e ao Magrebe com Robert Rauschenberg.

1955 foi o ano de uma série de quadros, todos eles perdidos, excepto o Panorama. O cenário, destruído pelo artista, é conhecido graças a uma fotografia tirada por Robert Rauschenberg no estúdio que partilharam na Fulton Street em Nova Iorque. Nestas telas, uma linha branca clara, recortada e abstracta percorre um fundo uniformemente preto. Esta série é frequentemente comparada aos esforços de Cy Twombly durante o seu serviço militar (1953) para desaprender a técnica clássica do desenho, praticando no escuro.

Os anos 1955-1959, marcados pela mudança para Roma em 1957, mostram uma certa unidade na brancura dos fundos sobre os quais se espalham finos sinais de vários tipos. Este período inclui grandes séries e obras como Academy, Criticism, Free Wheeler, etc. pintadas em 1955 em Nova Iorque, intituladas aleatoriamente com a cumplicidade de Jasper Johns e Robert Rauschenberg e por vezes interpretadas como uma resposta à crítica feroz que Twombly sofreu após as suas primeiras exposições (lemos “Fuck” várias vezes na Academy). Esta série continuou com a Arcadia em 1958, que era formalmente muito semelhante mas utilizava um tema muito diferente, uma referência à Arcadia pintada por Nicolas Poussin em particular. 1959 viu múltiplas variações destas superfícies brancas atravessadas por sinais discretos com : a série Untitled, conhecida como Lexington Paintings, na qual os sinais se fragmentam em pequenas entidades, os 24 desenhos no conjunto Poemas ao mar, que é uma homenagem a Stéphane Mallarmé (descoberto por Twombly em 1957) e evoca a fertilidade da mulher do pintor, que estava grávida na altura, e finalmente, concluindo o ano desde que foi pintado durante a noite de Ano Novo, 1959-1960, The Age of Alexander, que inaugura a recente paternidade do artista (o seu filho nasceu a 18 de Dezembro de 1959).

Os cinco anos que se seguiram, de 1960 a 1964, foram dominados por uma energia irracional expressa tanto no trabalho (cores exacerbadas, composições anárquicas, tintas muitas vezes aplicadas directamente com as mãos) como nos temas (sexualidade, escatologia, violência de certos mitos, etc.). A série Ferragosto, com o nome de um festival pagão que Twombly viveu em 1961 num clima muito quente, é o auge deste surto barroco. Estas formas e temas coincidem com a nova vida italiana de Twombly, mas também com a primeira infância do seu filho. Foi alimentada por confrontos com a grande história da arte: Escola de Fontainebleau (1960, em referência à Escola de Fontainebleau), Império de Flora (1961, em ligação com Nicolas Poussin), Interior holandês (1961), as duas versões da Escola de Atenas (1961 e 1964, em referência ao fresco de Rafael dos Alojamentos do Vaticano, Aquiles Mourning the Death of Patroclus (1962), etc. O ponto de viragem deste período foi a exposição na galeria de Leo Castelli em 1964 do ciclo Nove Discursos sobre Commodus (pintado em 1963 e relatando a trágica vida e morte do imperador romano Commodus), severamente criticada em particular pelo líder da arte mínima Donald Judd.

Este novo confronto com os críticos americanos atrasou a produção de Twombly durante vários meses, antes de iniciar o período conhecido como as “pinturas de quadro negro” (1966-1970), assim chamado por causa da sua semelhança com o quadro negro da escola. Executados com tinta industrial (fundo) e lápis de cera (formas), estes numerosos trabalhos fazem claramente lembrar o Panorama e os seus homólogos destruídos de 1955. No entanto, os motivos são frequentemente mais rigorosos e austeros, o que encorajou uma ligação com a arte mínima então em voga nos Estados Unidos. As referências à arte e mesmo à música permanecem: o título Night Watch recorda Rembrandt and Treatise on the Veil (1970) deve tanto aos desenhos drapeados de Leonardo da Vinci como à composição de betão de Pierre Henry. Este período árido e rigoroso continuou com séries de formas diferentes mas de espírito semelhante: Bolsena (1969, nome da cidade italiana onde as pinturas foram feitas) e as famosas pinturas de Nini (1970, nome de Nini Pirandello, esposa do dono de uma galeria e amigo de Twombly que tinha morrido recentemente). A primeira série multiplica as figuras geométricas anotadas, enquanto a segunda é composta de entrelaçamentos que sugerem o indizível perante a morte.

Os quarenta anos seguintes, de 1971 a 2011, podem ser reunidos, apesar da constante renovação do trabalho do Cy Twombly. A partir daí, a cor dominou, o material pictórico fluiu frequentemente, a escrita (poemas) estava particularmente presente e os grandes ciclos tornaram-se mais regulares (Cinquenta dias em Iliam, pinturas verdes, Quatro Estações, Coroação de Sesostris, Lepanto, Baco, Peónia, Rosas, etc.). A execução particularmente longa da maior pintura do artista abrange parte deste período: iniciada em 1972, Untitled (Say goodbye, Catullus, to the shores of Asia minor) foi concluída em 1994 para ser exposta na Gagosian Gallery em Nova Iorque, em paralelo com a grande retrospectiva no MoMA. O pintor alterna entre temas elegíacos (particularmente amor e exílio) e temas épicos (guerras dos períodos antigo e moderno). Esta dualidade é idealmente expressa em duas grandes obras gráficas que formam pingentes: Apollo e o Artista e Marte e o Artista (1975). Os últimos anos, alimentados em particular por várias colaborações com clientes franceses (Yvon Lambert) e alemães (o casal Brandhorst), deram origem a formatos de cor muito grandes (Bacchus, Peony, Roses).

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Uma obra própria, combinando gestualidade, mitologia e poesia

O trabalho de Cy Twombly desenvolveu-se à margem das correntes dominantes na arte americana e foi organizado em vastas séries e ciclos. Nunca ilustrativo, nunca puramente abstracto, permanece fora dos debates sobre figuração, o que constitui um aparente paradoxo formal. Isto confere-lhe um carácter múltiplo e único, que se reflecte na amplitude e diversidade das suas obras no papel.

Ao apresentar a sua primeira exposição em Paris em 1961, Pierre Restany, um crítico de arte contemporânea, escreveu:

“O seu design gráfico é poesia, reportagem, gesto furtivo, libertação sexual, escrita automática, auto-afirmação e recusa também… não há nem sintaxe nem lógica, mas um estremecimento do ser, um sussurro que vai até ao fundo das coisas.

A obra pintada mostra uma grande diversidade nas suas técnicas e questões. Muitas das suas telas são superfícies brancas nas quais são pintados todo o tipo de vestígios: números, cruzes, padrões geométricos, manchas de dedos, rabiscos em escotilhas ou loops, derrames sangrentos ou escatológicos e finalmente algumas palavras (nomes de deuses ou heróis antigos, versos de poetas famosos, etc.). A tinta a óleo absorve as cores do humor do corpo (do branco cremoso ao castanho, passando por todas as gradações de rosa e vermelho) e mistura-se com o papel e os lápis de cor da infância. A escrita é confusa, as letras maiúsculas são misturadas com letras pequenas, as palavras mais simples são riscadas. Quando o trabalho estiver terminado, a maior parte da superfície da tela permanece em branco. Aqui está, então, o encontro de uma forma de primitivismo infantil, as profundezas da psicanálise e da cultura clássica (que, através dos modos da sua intrusão na tela e da escolha dos títulos, parece ser sempre o horizonte absoluto do universo do pintor).

“Twombly construiu um corpus de inscrições que regeneram toda uma cultura que é alfabetizada, antiga e inactiva. A sua arte é uma luta contra o apagamento do verdadeiro conhecimento, da génese dos deuses e do mundo, e do seu substrato mítico. Assim, Twombly deixou-nos Tables. Uma tabela de matéria, de matéria prima.

Nos seus últimos anos, e apesar da sua idade avançada, o artista renovou-se consideravelmente. Desde o motivo mais grosseiramente pintado, as estrias coloridas da tinta fluem para o bordo inferior da tela. Cada motivo traz as suas próprias cores, de modo que o fundo de alguns quadros é uma justaposição de pingos cujas tonalidades se alternam aleatoriamente. Os rabiscos energéticos deram assim lugar a um gesto mais amplo com tinta líquida sobre a qual a gravidade actua. Além disso, a paleta é mais rica e as cores (especialmente os amarelos e vermelhos) atingem uma intensidade que é rara na história da pintura. Aqui Twombly prova as suas qualidades como colorista. Um novo tema acompanhou esta entrada em cor: flores. Em telas ou tábuas de vários metros de comprimento, rosas Twombly pintadas ou peónias fora de escala em grandes movimentos sinuosos. Versos de Rainer Maria Rilke, Emily Dickinson, Patricia Waters, T.S. Eliott ou Ingeborg Bachmann acompanham estes motivos. Uma constante permanece: a rejeição da maestria. A escrita é riscada, riscada, por vezes sumariamente apagada; os motivos fingem ser desajeitados; a gravidade, combinada com a textura do suporte e a viscosidade da tinta, destrói as formas e gera estrias aleatórias. Os ciclos de Lepanto, Blossoms e Roses são os melhores exemplos destas recentes inovações.

Em 2001, Cy Twombly foi convidado por Harald Szeemann, director da Bienal de Veneza, a propor uma exposição sobre o tema “A Fundação do Ser Humano”. Para este evento em particular, criou um grande ciclo narrativo dedicado à Batalha de Lepanto, a famosa batalha naval que teve lugar a 7 de Outubro de 1571 na Grécia, no Golfo de Lepanto. Esta exposição chama-se ”Lepanto”. O interesse de Twombly no assunto começou com as representações da batalha em tapeçarias feitas a partir de um conjunto de quadros de Luca Cambiaso para o Rei Filipe II de Espanha. O artista organizou “Lepanto” de uma forma sinfónica e cinematográfica com quatro imagens de chamas, folhas cadentes, e um relato muito abstracto da batalha. A suite “Lepanto” foi então permanentemente instalada no Museu Brandhorst em Munique.

Trabalhos sobre papel

Não há hierarquia entre a pintura e o desenho com Cy Twombly. Vários dos seus trabalhos em papel são considerados como pontos altos da sua obra, tais como Poemas ao Mar (1959) ou os homólogos Apolo e o artista e Marte e o artista de 1975.

No final dos anos 50, graffitis e arranhões aparecem no papel, justapostos com letras, palavras e números. As citações reais aparecem por vezes ao lado dos graffiti espalhados, que são frequentemente riscados ou mesmo apagados.

Os desenhos dos anos 60 apresentam uma explosão de material, manifestada no uso intensivo de lápis de cor e pastel e uma superfície saturada com graffitis e números.

Durante a década de 1970, deu lugar de destaque à colagem, na qual produziu uma série de quadros que utilizavam o mesmo motivo. Produziu então formatos muito grandes, dedicados à mitologia Greco-Latina, que tinha sido a fonte do seu trabalho desde os finais dos anos 50.

O uso de tinta, bem como lápis e pastel, intensificou-se no início dos anos 90 e atingiu o seu auge numa série de desenhos datados de 2001. Estas obras, nas quais o artista quebra a divisão tradicional entre pintura e desenho, constituem um pico sem precedentes na sua arte.

Escultura

Cy Twombly também fez esculturas, montagens de objectos modestos que cobriu com tinta branca. Uma fotografia de 1946 mostra a precocidade desta investigação. Estabeleceu a sua estética já em 1948 com uma obra sem título composta em particular de maçanetas de porcelana (guardadas no Art Institute of Chicago). Continuou nesta linha durante os meses que passou no estúdio de Robert Rauschenberg na Fulton Street, em Nova Iorque, depois de 1952, e prolongou-a ao longo da sua carreira. Flores, barcos, monumentos e mitologias formam temas comuns com a obra pintada. A unificação das formas montadas por tinta branca recorda a importância do branco em todo o trabalho de Twombly (o branco do papel, da tela, etc.) mas é associado pelo próprio artista, no caso das esculturas, ao mármore antigo.

Fotografia

Twombly é também um fotógrafo, uma actividade em que se encontra a modéstia e doçura poética que permeia toda a sua obra.

1980s

1990s

2000s

Ano 2010

Twombly”s Three Studies for the Bold (1998-1999) foi comprado em 2004 pela Galeria de Arte de New South Wales por A$4,5 milhões.

Em 2015, um quadro de Cy Twombly de 1968, estimado em $60 milhões e representando seis linhas do que parecem rabiscos circulares brancos num quadro cinzento, vendido por $70,5 milhões em leilão em Nova Iorque.

Em 2017, numa venda da Christie”s, o grande quadro de Twombly, Leda e o Cisne, de 1962, custou 52,8 milhões de dólares (47 milhões de euros).

O caso do “beijo

Em 2007, uma exposição intitulada Blooming, uma dispersão de Flores e outras Coisas, foi dedicada ao Cy Twombly no Hôtel de Caumont, que alberga a Colecção Lambert em Avignon.

Durante esta exposição, uma artista cambojana, Rindy Sam, colocou uma impressão dos seus lábios manchados com batom numa tela toda branca do Tríptico dedicado ao Phaedrus de Platão, degradando seriamente este conjunto estimado em 2 milhões de euros. O jovem compareceu perante o tribunal de Avignon a 9 de Outubro de 2007. A sentença foi proferida em Novembro. Foi pedida uma multa de 4.500 euros.

Acórdão de 16 de Novembro: Rindy Sam é condenado a pagar 1.500 euros de indemnização (500 euros à Fundação) e 1 euro de indemnização ao Cy Twombly, tal como solicitado pelo artista. É também imposta uma pena de 100 horas de serviço comunitário. A decisão sobre os custos do restauro dos trabalhos foi adiada para 28 de Fevereiro de 2008 pelo tribunal. Os seus advogados, Patrick Gontard e Jean-Michel Ambrosino, propuseram a substituição do trabalho por uma nova tela idêntica.

A 2 de Junho de 2009, o Tribunal de Recurso de Nîmes condenou-o a pagar 18,840 euros à colecção Lambert pelo custo de restauro do quadro. A decisão está em conformidade com a pronunciada em primeira instância pelo tribunal penal de Avignon em Agosto de 2008. Deve também pagar 500 euros ao pintor, mas também a Yvon Lambert, o proprietário do quadro, e à colecção que o alberga, pelas despesas relacionadas com a sua defesa.

O tecto do Louvre

O Musée du Louvre em Paris encomendou ao Twombly a criação de um tecto permanente para um dos seus principais salões (a Sala de Bronze Grega) desde 2010. Esta é a segunda comissão do Estado francês após uma cortina de palco para a Bastilha da Opéra em 1989. A 23 de Março de 2010, Cy Twombly assistiu à inauguração do seu tecto de 400 m2, intitulado The Cieling, para o Salon des Bronzes, no primeiro andar da ala Sully. Este tecto “Giotto azul” tem cerca de quarenta círculos de outras cores no bordo do rectângulo que forma, representando escudos antigos e sete cartuchos com os nomes de sete escultores famosos da antiguidade grega: Cephisodotus, Lysippus, Myron, Phidias, Polyclitus, Praxiteles e Scopas.

Nesta ocasião, Cy Twombly foi nomeado Cavaleiro da Legião de Honra pelo Ministro da Cultura, Frédéric Mitterrand.

Em Fevereiro de 2021, a Fundação Cy Twombly denunciou “uma afronta odiosa” pelo Louvre após a remodelação da sala, “uma mudança completa na qualidade da luz do dia, que é absorvida pelas paredes vermelhas, em vez de ser reflectida pelo branco, iluminando assim as cores escolhidas para o tecto. O resultado é que o tecto perdeu a atmosfera delicada e arejada do projecto do artista e é agora sobrecarregado por este novo e artificial dispositivo cromático. Na sua opinião, trata-se de “graves danos ao trabalho de Twombly, em violação dos direitos morais do artista” e a Fundação procura a intervenção do Ministério da Cultura.

Charles Olson

O poeta Charles Olson apoiou Cy Twombly quando este último foi residente no Black Mountain College em 1951 e 1952. Em 1951 escreveu um poema em prosa intitulado Cy Twombly que leu:

« Veio um homem que lidou com a brancura. E com o espaço. Ele era um americano. E talvez a sua genialidade estivesse mais na inocência do que na candura agora necessária. Em todo o caso, ele não era compreendido. »

Roland Barthes

Roland Barthes, cuja análise do trabalho de Cy Twombly é uma das mais perspicazes, escreve num grande texto dedicado “a Yvon, Renaud e William”:

“Como nomear o que ele faz? As palavras surgem espontaneamente (“desenho”, “grafismo”, “rabiscar”, “esquerda”, “infantil”). E imediatamente surge um problema linguístico: estas palavras, ao mesmo tempo (o que é muito estranho), não são nem falsas nem satisfatórias: pois por um lado, o trabalho de TW coincide bem com a sua aparência, e devemos ousar dizer que é plana; mas por outro lado – este é o enigma – esta aparência não coincide bem com a linguagem que tanta simplicidade e inocência deve despertar em nós que olhamos para ela… O material mostrará a sua essência, mostrar-nos-á a certeza do seu nome: é o lápis. “

“Diz-se uma memória, celebra-se um prazer. O nome, a imagem alusiva, a dedicação, a data. Tudo sem arestas, em movimento, como que atirado para o delírio plano. Pode-se reconhecer um deus nele, se se quiser. Não é um deus qualquer. Nem em qualquer altura, nem sob qualquer máscara. “Então ele reconheceu o deus”. Uma situação homérica clássica, a teofania por detrás da epifania por vezes mais trivial. O convite de Twombly é explicitamente desta ordem. O seu herói calmo e decidido – ele próprio – regista estas revelações”.

– Philippe Sollers, “Les épiphanies de Twombly”, em: Éloge de l”infini

“Há poucas áreas ou inspirações no trabalho de Twombly que eu gosto menos, e muito poucas que eu não gosto de todo. Mas há um campo que amo mais do que tudo, é verdade, e que é o grande campo lírico, o dos tributos, muitas vezes em polípticos, a Goethe, Sapho, Virgil, Theocritus ou Valery. A poesia plástica nunca deixa de ser um estremecer porque, por mais literária que seja a sua inspiração, e carregada da cultura mais fina e amorosa, é o sopro, o ar, as viagens, a paisagem e a folhagem apressada, o cheiro de uma montanha à vista do mar.

– em Renaud Camus, Aguets – Diário de 1988

“Os gráficos de Cy Twombly são emocionais e implicitamente eróticos. A escrita gráfica de Twombly parece uma pintura de acção sobre uma parede antiga. Através da escrita emocional e erótica de Twombly, a cor, o material e a linha reaparecem, mas o já conhecido é libertado do seu desgaste, reescrito de tal forma que continua a surpreender-nos”.

– em Écriture poétique et langage plastique (Au même titre éditions)

“O trabalho de Cy Twombly é um trabalho julgador, a sua presença é óbvia e convincente. Já está nos olhos de quem o vê, exige-o, vai para além da convicção. Está nesta relação imediata ou falta-lhe, não será para si, não desta vez. Está comprometido no seu gesto, faz parte da sua colagem. É isso, compreende quem se aproxima dele, faz parte da sua encenação, está dentro dele, faz parte do seu comentário.

– em Marcelin Pleynet “Dessein des lettres des chiffres et des mots”. Pintura a ouvido” (1974)

Fontes