David Bowie

gigatos | Dezembro 29, 2021

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Resumo

David Bowie (IPA: ˈdeɪ.vɪd ˈboʊ.i), pseudónimo de David Robert Jones (Londres, 8 de Janeiro de 1947 – Nova Iorque, 10 de Janeiro de 2016), foi um cantor-compositor britânico, multi-instrumentista e actor. É considerado um dos artistas musicais mais influentes do século XX.

A paixão de Bowie pela música levou-o a aprender a tocar o saxofone em tenra idade. Após a formação de bandas, foi a solo no início dos anos 70, abrangendo cinco décadas de música rock e ganhando a reputação de aperfeiçoar o género glam rock.

As suas colaborações com Tony Visconti e Brian Eno, veteranos do início da rocha glamorosa dos anos 70, foram significativas e frutuosas, e estabeleceu com eles uma sólida e profunda amizade que durou vários anos.

Embora não sendo as suas actividades principais, Bowie também se dedicou à pintura e ao cinema, trabalhando como actor com realizadores como Martin Scorsese, David Lynch e Christopher Nolan. Entre os filmes em que estrelou estão The Man Who Fell to Earth, Furyo, Miriam Wakes at Midnight, Absolute Beginners, Labyrinth, Basquiat, The Prestige e My West.

Com cerca de 150 milhões de álbuns vendidos durante a sua vida, David Bowie é um dos artistas mais vendidos do mundo e em 2007 foi nomeado o quarto cantor mais rico do mundo pela revista Forbes.

Em 2008, foi classificado em 23º lugar na lista dos 100 melhores cantores da Rolling Stone, que identificou Life on Mars, Space Oddity, Fame and Heroes como as suas melhores canções. Além disso, cinco dos seus álbuns estão incluídos na lista dos 500 Melhores Álbuns da Rolling Stone.

Em 2019, Bowie foi nomeado “o maior animador do século XX” através de uma sondagem conduzida pela BBC Dois.

Infância e Adolescência (1947-1961)

David Robert Jones nasceu em Brixton, um subúrbio do sul de Londres, a 8 de Janeiro de 1947. A sua mãe, Margaret Mary Burns, conhecida como ”Peggy”, era caixa de cinema, enquanto o seu pai, Haywood Stenton Jones, era um ex-serviço que tinha acabado de regressar da frente e que mais tarde se tornou director da Prisão de Bromley. Aos seis anos de idade, ele e a sua família mudaram-se da sua casa em 42 Stansfield Road para uma nova casa em Bromley, outro subúrbio do sul de Londres, onde logo se interessou pela música dos Estados Unidos: ”Quando eu era muito novo, vi o meu primo a dançar ao som do cão de caça de Elvis”, contou mais tarde, ”e nunca a tinha visto levantar-se e agitar-se assim para qualquer outra canção. O poder dessa música atingiu-me realmente. David começou a ouvir discos de Fats Domino e Little Richard enquanto ainda na escola e cultivou um interesse crescente pelo ritmo e blues, skiffle e rock ”n” roll, bem como outras formas de arte. Quando um professor lhe perguntou o que queria ser quando crescesse, ele disse que queria ser o Elvis britânico.

Um papel fundamental no seu desenvolvimento musical foi desempenhado pelo seu meio-irmão Terry Burns, nascido em 1937 de uma relação anterior com a sua mãe. “Terry foi o começo de tudo para mim”, disse David anos mais tarde, ”ele lia muitos escritores de batidas e ouvia músicos de jazz como John Coltrane e Eric Dolphy… enquanto eu ainda estava na escola, ele ia ao centro todos os sábados à noite para ouvir jazz em clubes diferentes… ele estava a crescer o cabelo e, à sua maneira, era um rebelde… tudo isto teve uma grande influência sobre mim. e confinado à ala psiquiátrica do Hospital Cane Hill de Londres desde os anos 70 até 1985, quando se suicidou ao atirar-se para a frente de um comboio, Terry inspirou o cantor de várias maneiras, como o demonstra o álbum The Man Who Sold the World de 1970 e faixas como The Bewlay Brothers de 1971 e Jump They Say de 1993.

Em 1958 David começou a cantar como menino de coro na Igreja St. Mary”s com os amigos George Underwood e Geoffrey MacCormack, e no ano seguinte recebeu o seu primeiro saxofone como presente da sua mãe. Aconselhado por Terry, começou a ter lições do saxofonista de jazz Ronnie Ross: “Para mim, o saxofone representava a Geração Beat da Costa Oeste, aquele período da cultura americana que tanto me fascinava. Esse instrumento tornou-se para mim um emblema, um símbolo de liberdade. Ao longo da sua carreira, aprenderia a tocar muitos instrumentos, mostrando mais talento na guitarra rítmica do que na guitarra principal.

Outra experiência formativa na educação musical de David foi uma breve passagem pela loja de discos em Bromley, durante a qual ele ficou fascinado com a música de James Brown, Ray Charles e Jackie Wilson, então pouco conhecido na Europa. Em 1960 juntou-se a um grupo de estudantes da Bromley Technical High School interessados em arte, e os seus talentos criativos foram encorajados pelo professor progressista Owen Frampton, pai do guitarrista Peter Frampton, com quem mais tarde colaboraria. Dois anos mais tarde, surgiu a oportunidade de se juntar a George Underwood numa das bandas da escola e começou a aventura artística de David.

Os anos pré-Deram (1962-1966)

Em meados de 1962, David e Underwood juntaram-se a alguns alunos que tinham formado um grupo chamado The Kon-rads, que tinha sido fundado pelos alunos da Bromley Technical High School Neville Wills e Dave Crook no início de 1962; Underwood ofereceu-se para cantar para eles e, em Junho, trouxe David para cantar A Picture of You de Joe Brown e ajudar com vocais numa capa de Bruce Channel”s Hey! Baby by Bruce Channel. David começou a usar o seu saxofone tenor e os Kon-rads tiveram um renascimento. O primeiro concerto documentado foi realizado a 16 de Junho numa festa escolar. “Os Kon-rads fizeram capas de todas as canções que fizeram as paradas”, David relatou 30 anos mais tarde. “Éramos uma das melhores bandas de covers da zona e trabalhámos muito”.

No final do ano, Underwood deixou a banda e foi substituído por um novo cantor, Roger Ferris, enquanto David Crook foi substituído na bateria por Dave Hadfield. As fileiras da banda foram aumentadas com a chegada de Rocky Shahan no baixo, do guitarrista Alan Dodds e dos cantores de apoio Christine e Stella Patton. “Entrei inicialmente como saxofonista”, disse David, “mas depois o nosso cantor Roger Ferris foi espancado por alguns saxofonistas no Civic em Orpington, por isso comecei a cantar”. Os Kon-rads jogavam em clubes juvenis, salões paroquiais e até tinham um uniforme castanho de bombazina. David começou a experimentar a sua atitude de palco e a introduzir novas ideias para tornar a banda mais ”atraente”, mudou o nome para Dave Jay, inspirado pelo grupo de batidas Peter Jay e os Jaywalkers, e também começou a compor as suas próprias canções, algumas das quais foram adicionadas ao repertório da banda que incluía canções como In the Mood, China Doll e Sweet Little Sixteen. Foi durante este período que Underwood, durante uma discussão na escola por causa de uma rapariga chamada Carol Goldsmith, lhe deu um murro no olho esquerdo e o anel no dedo provocou uma midríase crónica traumática. O resultado foi uma dilatação permanente do aluno, que caracterizaria os seus olhos para sempre e o deixaria com uma percepção alterada da profundidade e da luz (“quando conduzo não vejo os carros a vir na minha direcção, vejo-os apenas a ficar maiores”, diria ele em 1999). O resultado mais óbvio desse murro foi que o pupilo no seu olho esquerdo permaneceu permanentemente dilatado. Ao contrário da crença popular, a íris não mudou de cor, embora, devido à pupila paralisada, se possa ter a impressão de que o olho esquerdo é esverdeado, enquanto que o olho direito permaneceu azul.

Em Agosto de 1963, o gerente da Decca Records Eric Easton convidou os Kon-rads para uma audição depois de os ter visto em concerto em Orpington. A 30 de Agosto, nos estúdios do Decca West Hampstead, o grupo decidiu apresentar I Never Dreamed, uma canção que David tinha escrito com base na notícia de um acidente de avião. Além de escrever a letra da canção, David, de 16 anos, apareceu como backing vocalist e tocou saxofone no que é considerado a sua primeira gravação conhecida em estúdio. No entanto, a audição não foi bem sucedida e contribuiu para a sua saída dos Kon-rads. Em pouco tempo, Kon-rads tornou-se demasiado limitativo para David: “Eu queria entrar no ritmo e no blues”, contou ele mais tarde, “mas eles não concordaram”. Eles queriam manter-se no Top 20. Por isso, parti.

Depois de deixar a Bromley Technical High School, David começou a trabalhar como aprendiz de ilustrador para a agência de publicidade americana J. Walter Thompson. “Eu era um visualizador júnior”, diria ele em 1993, “era uma qualificação importante, mas eu estava realmente apenas a fazer colagens. E nunca tive oportunidade de provar o meu valor porque a agência estava repleta de talento. Um aspecto positivo do trabalho foi conhecer Ian, um colega fã de John Lee Hooker: “Encontrei um álbum de John Lee Hooker e um álbum de Bob Dylan numa loja no Soho. Comprei dois exemplares de ambos e, como Ian me tinha apresentado a John, dei-lhe o álbum de Dylan. Descobri estes dois artistas num só dia. Foi algo mágico. “A influência da música do bluesman americano é evidenciada pelo nome do trio que David formaria depois dos Kon-rads com George Underwood na guitarra e harmónica e a baterista Viv Andrews, The Hooker Brothers (embora por vezes tenham outros nomes, como The Bow Street Runners e Dave”s Reds & Blues). A banda tocou covers e ganhou alguns concertos no Peter Melkin”s Bromel Club e no Ravensbourne College of Art, mas foi de curta duração e depois de alguns concertos que o Andrews deixou. David e Underwood lançaram as bases para o trio com quem fariam o seu primeiro registo, o Rei Abelhas, uma 45 chamada Liza Jane. O nome do grupo foi inspirado por uma canção do bluesman Slim Harpo, I”m a King Bee. Os outros membros, além de David e Underwood, foram Roger Bluck, Dave “Frank” Howard e Bob Allen, na guitarra, baixo e bateria, respectivamente. “Nem me lembro quais eram os seus nomes”, confessaria ele em 1993, “eram do Norte de Londres e eram quase profissionais”. Bastante assustador”. No entanto, ele e Underwood, como Underwood confidenciou, depressa assumiram o controlo da banda: “Impusemos os nossos gostos aos outros”.

Na Primavera de 1964 David contactou o gerente Leslie Conn, que garantiu ao King Bees uma audição com Decca e a oportunidade de gravar o single, bem como um concerto no Marquee Club e participações no Júri Juke Box da BBC e nos programas televisivos The Beat Room. Conn conseguiu inicialmente um concerto do Rei Abelhas na festa de aniversário de casamento da Bloom no Soho. “Foi tudo bastante embaraçoso”, contou David anos mais tarde. Tiveram tempo para jogar Got My Mojo Working e Hoochie Coochie Man antes de Bloom gritar: “Tirem-nos daqui! Eles estão a arruinar a minha festa”! A audição com o Decca revelou-se mais satisfatória e pouco tempo depois permitiu-lhes finalmente gravar Liza Jane. Assim, a 5 de Junho de 1964, o primeiro 45 oficial de Bowie foi lançado, embora creditado a Davie Jones com o King Bees, e o cantor deixou o seu emprego na agência de publicidade. Para promover o single, Conn arranjou à banda uma série de aparições em vários locais de Londres. David teve a oportunidade de fazer a sua primeira aparição no Marquee Club, e no Juke Box Jury da BBC (6 de Junho) e no The Beat Room (27 de Junho). No entanto, a falta de sucesso de Liza Jane, que vendeu muito poucos dos 3500 exemplares impressos, significou o fim do seu tempo com o grupo.

Em Agosto, juntou-se aos Manish Boys, que já estavam activos há quatro anos e eram considerados como estando na vanguarda da chamada batida Medway, e no final do ano deu a sua primeira entrevista televisiva. Já activos há quatro anos, Johnny Flux, Paul Rodriguez, Woolf Byrne, Johnny Watson, Mick White e Bob Solly estavam pouco entusiasmados com a chegada de David, como o próprio Solly disse ao Colector de Recordes mensal do Reino Unido em 2000: “No início não queríamos, mas Conn disse: “Ele tem um contrato recorde, ele só tem um recorde e pode ser uma vantagem para si””. David assumiu uma posição de domínio e virou o grupo em direcção ao ritmo e ao blues. A 18 de Agosto, o Chatham Standard anunciou: ”outra notícia dos rapazes é que agora acompanham a estrela Decca Davie Jones, cuja banda o Rei Abelhas o deixou cair”. No dia seguinte, David tocou pela primeira vez com os Manish Boys em Eel-Pie Island, um famoso local de jazz em Twickenham.

A 6 de Outubro, a banda fez a sua primeira gravação no Regent Sound Studios, onde gravaram capas de “Hello Stranger” de Barbara Lewis, “Duke of Earl” de Gene Chandler e “Love is Strange” de Mickey & Sylvia. Embora a primeira faixa tenha sido considerada para um lançamento de 45rpm, nenhuma das faixas foi lançada. Um mês mais tarde Bowie deu a sua primeira grande entrevista na televisão, mas teve pouco a ver com a sua música. Agora com cabelo loiro, numa tentativa de ganhar publicidade, afirmou ter fundado uma associação chamada Liga Internacional para a Protecção do Pêlo de Animais, e foi como ”presidente” que se viu entrevistado pelo romancista Leslie Thomas na edição de 2 de Novembro do Evening News and Star (a manchete era ”Quem está por detrás da franja?”). No dia 1 de Dezembro a banda começou uma digressão de seis datas na qual tocaram como banda de apoio para Gene Pitney, os Kinks, Marianne Faithfull e Gerry e os Pacemakers. Com a excepção de Liza Jane e Last Night (escritas pelos Manish Boys e utilizadas como abre-fogo), o som das suas actuações baseou-se principalmente em blues e alma americana, variando entre James Brown, Ray Charles e os Yardbirds.

A carreira de gravação dos Manish Boys deu uma volta no início de 1965, quando foram vistos pelo produtor americano Shel Talmy, conhecido por arranjar e produzir The Kinks” You Really Got Me e, um pouco mais tarde, o álbum de estreia dos The Who. Como resultado, a 5 de Março, a banda lançou as 45 rpm I Pity the Fool on Parlophone, que também apresentava o então desconhecido Turner Jimmy Page. No entanto, a gravação e mistura do single não teve a aprovação dos outros membros e o resultado final desagradou à maior parte da banda. Quando Leslie Conn conseguiu assegurar-lhes um slot de TV da BBC no dia 8 de Março para os Gadzooks! É Tudo Acontece, David viu-se envolvido na segunda campanha publicitária com o seu comprimento de cabelo. O Daily Mirror publicou um artigo intitulado ”War for David”s Hair” e no dia seguinte o Daily Mail relatou que a banda tinha sido expulsa do espectáculo e que David tinha dito ”Eu não cortaria o cabelo se o Primeiro Ministro me pedisse, quanto mais para a BBC”. No dia da emissão, o Evening News publicou uma fotografia da cantora pop mais publicitada da semana, a cortar o cabelo para aparecer no programa.

I Pity the Fool did not benefit from either the TV appearance or the publicity that came with it, e David separou-se do grupo após uma discussão sobre o aparecimento do seu nome no single (a canção tinha sido atribuída simplesmente aos Manish Boys apesar de inicialmente ter concordado em que aparecesse como obra de Davie Jones and the Manish Boys). Apesar do fracasso de I Pity the Fool, o produtor Shel Talmy conseguiu assegurar um contrato com a Parlophone. Em Abril, David estava a liderar o Lower Third. A banda, que tinha vindo de Margate e se tinha formado em 1963, precisava de novos membros depois de três dos seus membros partirem, e David fez uma audição na La Discotheque no Soho com Steve Marriott, que partiu imediatamente para formar a Small Faces. Durante estes dias Bowie também fez uma audição (principalmente no Marquee Club) para outros grupos, incluindo os High Numbers, que em breve iriam explodir como The Who. A 17 de Maio de 1965, uma actuação no Grand Hotel em Littlestone deu oficialmente origem a Davy Jones e ao Lower Third, que incluía Denis ”Tea-Cup” Taylor na guitarra, Graham ”Death” Rivens no baixo e Les Mighall na bateria (mais tarde substituído por Phil Lancaster). “Penso que queria que fosse uma banda de ritmo e blues”, disse Bowie em 1983. “Estávamos a fazer muitas músicas de John Lee Hooker e a tentar adaptar as suas coisas à grande batida, sem muito sucesso. Mas estava na moda na altura: todos escolhiam um músico de blues… o nosso era Hooker”.

A 20 de Agosto, o grupo lançou o single You”ve Got a Habit of Leaving, gravado no IBC Studios durante uma sessão na qual, para além do B-side Baby Loves That Way, foram gravadas duas outras demos (disponíveis na colecção Early On 1991): Sigo-te e Fico contente por não ter ninguém. No mesmo dia do lançamento do single, o Lower Third abriu para The Who no Bournemouth Pavilion e David conheceu Pete Townshend pela primeira vez, outra grande fonte de inspiração para o cantor inglês. Pouco depois deixou Leslie Conn para o seu primeiro gerente a tempo inteiro, Ralph Horton. Estes 45 também se revelaram um fracasso e David largou Leslie Conn pelo seu primeiro gerente a tempo inteiro Ralph Horton, cuja primeira decisão foi supervisionar a transformação dos quatro adolescentes de cabelo comprido: decalcado com as últimas calças de moda e gravatas florais da Carnaby Street, forçou-os a um corte de cabelo com estilo modista e encorajou o uso de laca de cabelo. Este último perturbou alguns membros do grupo mas não David, que já estava apaixonado pela imagem de dança dos mods e do seu novo porta-voz, The Who. Horton assegurou ao Lower Third uma série de concertos de Verão e a banda começou a comportar-se como o grupo de Roger Daltrey e Pete Townshend, esmagando os seus instrumentos no final das suas actuações. “Éramos conhecidos como a segunda banda mais desordeira de Londres”, Denis Taylor relatou anos mais tarde. A 31 de Agosto, o Lower Third gravou uma demo de duas faixas, Baby That”s a Promise e Silly Boy Blue, que continuou a mostrar a influência de grupos como os Kinks e os Small Faces, bem como a Motown r&b.

Nesta altura, o cantor adoptou oficialmente o nome artístico ”David Bowie”, para evitar confusão com Davy Jones of the Monkees. Mais tarde disse que escolheu o nome devido às facas de caça com o mesmo nome: “Queria algo que expressasse o desejo de cortar as mentiras e tudo isso. Aparentemente, a inspiração veio a David depois de ver o filme de 1960 The Battle of the Alamo, no qual o fabricante de facas Jim Bowie foi interpretado por Richard Widmark.

Ralph Horton não provou ser a melhor compra do Terceiro Inferior em termos de capacidade e capacidade financeira, tanto que foi ele, consciente das suas próprias limitações, que contactou Kenneth Pitt, o gerente de Manfred Mann (e Bob Dylan”s quando visitou o Reino Unido) e lhe pediu para ajudar o Terceiro Inferior. Pitt recusou, mas aconselhou David a mudar o seu nome para evitar ser confundido com o Davy Jones que estava a ficar famoso com os Macacos. Alguns dias mais tarde, a 17 de Setembro de 1965, David anunciou ao resto da banda que doravante seria conhecido como David Bowie. Pouco depois, Bowie e o Terceiro Inferior asseguraram um contrato com a Pye Records, que em breve produziria o seu primeiro disco com o produtor Tony Hath.

A 2 de Novembro, a banda falhou uma audição para um programa de televisão da BBC onde tocou uma versão rock de Chim Chim Cheree (uma canção do filme Mary Poppins), Out of Sight (uma cover de James Brown) e Baby That”s a Promise. Um tipo de cockney, não particularmente original, um cantor sem personalidade, que canta as notas erradas e desafinado”, foi um dos comentários mais duros da comissão sobre Bowie.

1965 terminou com a gravação de três canções no Pye Studios em Marble Arch: Now You”ve Met The London Boys (retrabalhado e lançado um ano depois como The London Boys), e o que seriam os lados A e B dos novos 45: Can”t Help Thinking About Me and I Say To Myself. Na noite de Ano Novo, o grupo tocou com Arthur Brown em Paris e ficou durante alguns dias. A libertação do single era iminente, mas o tratamento preferencial de David durante a campanha publicitária foi fundamental para criar uma clivagem entre ele e o resto do grupo. Tudo chegou a um ponto alto a 29 de Janeiro de 1966 no Clube Bromel em Bromley, quando o Terceiro Inferior se recusou a jogar depois de ter sido dito por Horton que não seriam pagos nessa noite. A separação da banda deixou Bowie com um single para promover e nenhuma banda para o acompanhar. Apesar de algumas críticas encorajadoras, o disco (o seu primeiro nos EUA) foi um fracasso como os seus antecessores, mas gerou interesse suficiente para ganhar Bowie a sua primeira entrevista no Melody Maker a 26 de Fevereiro, e uma aparição no programa Ready Steady Go! da ITV, onde interpretou a canção com uma nova banda, The Buzz, a 4 de Março.

David Bowie e os Buzz, nomeadamente John Hutchinson (guitarra), Derek Fearnley (baixo), John Eager (bateria) e Derek Boyes (teclados), tinham dado a primeira de uma série de actuações ao vivo na Universidade de Leicester a 10 de Fevereiro de 1966. Sobre o seu encontro com Bowie, Hutchinson disse anos depois: “Conheci-o pela primeira vez depois de ter passado um ano a tocar ritmo e blues com os Apaches em Gotemburgo, em 1965. Apareci para uma audição muito profissional no Marquee Club em Wardour Street, Londres, numa manhã de sábado e correu bem. Penso que David me escolheu porque eu estava a usar roupa sueca, um casaco de camurça, jeans e tamancos azuis, ninguém em Inglaterra tinha visto nada disso até então e penso que Bowie ficou impressionado. Eu também era o melhor dos guitarristas que tinha aparecido para a audição de qualquer maneira”!

Três dias após a aparição na televisão em Ready, Steady, Go! a banda gravou Do Anything You Say, que seria lançada como 45 a 1 de Abril e creditada apenas a David, evitando assim os mal-entendidos presentes nas bandas anteriores. “Desde o primeiro dia”, disse o baterista John Eager, “percebemos que éramos de facto David e a sua banda de apoio”. Ralph Horton contactou novamente Kenneth Pitt, e entretanto a banda iniciou uma série de concertos no Marquee Club, chamados ”Bowie Showboat”, que teriam lugar nas tardes de domingo até 12 de Junho. Depois de assistir ao segundo destes concertos, Pitt tornou-se oficialmente o manager de Bowie e Horton assumiu o papel de assistente e organizador de concertos.

A 15 de Junho, John Hutchinson decidiu deixar o Buzz devido à falta de pagamento, e nas semanas seguintes Bowie foi forçado a tocar um par de concertos sem guitarrista antes de assinar com o antigo Anteeeks Billy Gray. Contudo, o produtor Tony Hatch decidiu excluir o que restava da banda da gravação do novo single I Dig Everything, que estava agendado para lançamento no mês seguinte, e utilizar alguns músicos de sessão. O 45 foi lançado a 19 de Agosto, e provou ser mais um fracasso comercial apesar de algumas críticas encorajadoras na imprensa comercial, pelo que em Setembro Tony Hatch e Pye libertaram Bowie do seu contrato. O novo gerente conseguiu interessar a Deram Records e o produtor Mike Vernon, com quem iria em breve gravar o seu álbum de estreia intitulado simplesmente David Bowie.

Mas as coisas não estavam a correr bem com o Buzz, principalmente devido à nova direcção narrativa em que as canções de Bowie estavam a mover-se. O grupo deixou de existir a 2 de Dezembro após um concerto em Shrewsbury, no mesmo dia em que a Rubber Band foi lançada, embora Boyes, Fearnley e Eager tenham continuado a participar na gravação de David Bowie (e de outras faixas não álbicas como The Laughing Gnome) até Fevereiro de 1967.

No final do ano, durante as sessões do álbum, David também escreveu uma canção para o actor e cantor inglês Paul Nicholas, para a qual também contribuiu com vocais de apoio. O que se tornaria o terceiro single de Oscar (o nome artístico usado por Nicholas) em Junho de 1967 intitula-se Over the Wall We Go e é uma brincadeira sobre condenados fugitivos e polícias incompetentes.

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Estranhidade espacial e sucessos iniciais (1967-1969)

Cada vez mais orientado para uma carreira a solo, juntou-se brevemente a várias bandas em 1967 e, com a Riot Squad, gravou Little Toy Soldier, uma canção sadomasoquista com claras referências a Vénus em Peles pelo Velvet Underground. A decadência de Lou Reed, no entanto, dá lugar a uma atmosfera de sala de música enriquecida por gritos, tosse, molas rangentes, explosões e outros ruídos feitos pelo engenheiro de som e futuro produtor de Space Oddity Gus Dudgeon.

No mês de Abril seguinte foi lançado um novo 45, The Laughing Gnome, descrito por Roy Carr e Charles Shaar Murray do New Musical Express como “sem dúvida o exemplo mais embaraçoso da iuvenália de Bowie”, e pelo biógrafo David Buckley como “totalmente estúpido, se bem que perversamente cativante”. Apesar da falta de sucesso do single, o seu primeiro álbum, David Bowie, foi lançado em Junho de 1967. Entretanto, foram gravadas outras faixas para Deram, mas Deram recusou-se a lançá-las, também por causa das fracas vendas do álbum. O actor e mímico Lindsay Kemp disse mais tarde: “Escutei-o até o esgotar”. No Outono do mesmo ano, Let Me Sleep Beside You e Karma Man foram gravados. Estas também não foram lançadas por Deram, mas a primeira das duas foi o início de uma das principais colaborações de Bowie, com Tony Visconti, que tinha conhecido nos estúdios da sua editora David Platz.

Foi por volta desta altura que a sua experiência cinematográfica começou, com a sua participação na curta-metragem de Michael Armstrong, The Image; falando dela novamente em 1983, Bowie descreveu-a como “material de vanguarda subterrâneo a preto e branco, feito por um certo tipo…. Ele queria fazer um filme sobre um pintor a desenhar um retrato de um adolescente, mas o retrato ganha vida e, basicamente, acaba por ser o cadáver de alguém. Não me lembro bem do enredo… foi terrível”.

Após uma actuação do novo single Love You Till até terça-feira no programa de televisão holandês Fanclub e uma actuação no Stage Ball em Londres, dançando para a instituição de caridade British Heart Foundation, onde cantou com a Bill Savill Orchestra, em 18 de Dezembro de 1967 interpretou uma “sessão da BBC” para o programa de rádio Top Gear de John Peel, na qual Bowie foi acompanhado pela orquestra de dezasseis elementos de Arthur Greenslade. Depois, a 28 de Dezembro, na Oxford Playhouse, terminou uma primeira corrida de Pierrot em Turquesa, com base num triângulo amoroso entre Pierrot, Columbine e Arlequim. O papel de Cloud, desempenhado por Bowie, era o de uma espécie de personagem narrador, cujas constantes mudanças estavam empenhadas em iludir e enganar o infeliz protagonista. Durante o espectáculo tocou When I Live My Dream and Sell Me a Coat, juntamente com três composições especialmente escritas (Threepenny Pierrot, Columbine e The Mirror), todas acompanhadas ao piano por Michael Garrett. O jornal local Oxford Mail escreveu: ”David Bowie compôs algumas canções fascinantes, que ele canta com uma esplêndida voz sonhadora”, ao mesmo tempo que descobriu que o espectáculo como um todo ”só consegue insinuar as verdades universais que Marcel Marceau consegue expressar”.

Em 27 de Fevereiro de 1968 Bowie viajou para Hamburgo para gravar três canções para o programa 4-3-2-1 Musik Für Junge Leute da ZDF. No seu regresso, gravou In the Heat of the Morning e London Bye Ta-Ta com Visconti, mas a recusa de Deram em libertá-los levou o cantor a deixar definitivamente a etiqueta.

Na Primavera, as actuações de Pierrot em Turquoise no Mercury Theatre e Intimate Theater de Londres continuaram com algum sucesso. Bowie gravou então uma segunda sessão de canções na BBC, seguida de um concerto no Middle Earth Club em Covent Garden, onde apoiou T. Rex, e uma no Royal Festival Hall. Em ambas as aparições interpretou a curta peça mímica Jetsun e o Eagle, que deu origem ao Wild Eyed Boy da Freecloud, inspirado pelo clérigo e poeta tibetano Milarepa e actuou com música de fundo que incluía Silly Boy Blue.

Depois de uma breve aparição em The Pistol Shot, um drama da BBC baseado na vida do poeta russo Pushkin, Bowie foi viver com a sua parceira Hermione no South Kensington, em Londres, e começou a planear um espectáculo de um homem só, especificamente para o circuito do cabaré, reunindo um repertório que alternava entre as suas próprias canções (When I”m Five, Love You Till Tuesday, The Laughing Gnome, When I Live My Dream, Even a Fool Learns to Love) e capas de Beatles como Yellow Submarine e All You Need Is Love; Realizou duas audições no Verão para realizar o seu espectáculo, mas ambas não foram bem sucedidas. Formou então o trio acústico Turquoise com Hermione e Tony Hill, antigo guitarrista com Misunderstood, com um repertório que incluía algumas das suas composições mais bizarras, incluindo a inédita Ching-a-Ling e uma selecção de capas que representaram a primeira incursão de Bowie na obra de Jacques Brel.

O primeiro concerto verdadeiro de Bowie foi a 14 de Setembro na Roundhouse em Londres; depois de algumas datas, o guitarrista Tony Hill partiu e foi substituído por John Hutchinson. Renomeada Feathers, a banda estreou a 17 de Novembro no Country Club em Haverstock Hill. Para além das canções, o trio revezou-se recitando poesia enquanto Bowie executava a sua peça mímica A Máscara.

Enquanto os dois grupos Slender Plenty e The Beatstalkers lançavam a canção Bowie tinha escrito no ano anterior, Silver Tree Top School for Boys, os últimos compromissos do ano foram ambos para a televisão alemã: a segunda aparição no 4-3-2-1 Musik Für Junge Leute e a aparição no Für Jeden Etwas Musik, onde Bowie interpretou uma peça de mímica e cantou uma canção.

Outra reunião importante para Bowie teve lugar no início de 1969, com a americana Mary Angela Barnett, de 19 anos, que quatro meses mais tarde se tornou sua sócia e depois sua esposa em Março de 1970; mas a reunião com Barnett estava principalmente ligada ao conhecimento comum de Calvin Mark Lee, director europeu da divisão A&R da Mercury Records em Nova Iorque, com quem Bowie já se tinha encontrado em 1967, na reunião com o director-geral Simon Hayes. Segundo os biógrafos Peter e Leni Gillman, parece também que Calvin Mark Lee estava envolvido com o cantor numa relação que ia para além da mera amizade, e este pode ter sido o “trio” a que Bowie se referiu muitos anos mais tarde, quando declarou provocadoramente numa entrevista que conheceu a sua futura esposa quando “ambos namorávamos o mesmo homem”.

No dia 22 de Janeiro Bowie gravou um anúncio para o gelado Lyons Maid”s Luv, realizado por Ridley Scott, e quatro dias depois começou a filmar o álbum de vídeo Love You Till até terça-feira. Durante este período, ele e John Hutchinson deram a sua primeira actuação ao vivo do ano na Universidade de Sussex. Também participou em algumas datas da tournée do Tyrannosaurus Rex, apresentando sequências de mímica, e tentou sem sucesso fazer uma audição para o musical Hair no Teatro Shaftesbury de Londres.

Nos mesmos dias, Bowie e Hutchinson abandonaram a mímica e a poesia e concentraram-se em sons populares mais sofisticados, baseados em guitarras acústicas gémeas e harmonias vocais. Gravaram uma demo acústica de dez peças, que constituiu a base para o novo álbum.

Antes do Verão, a cantora e a sua nova parceira, a jornalista do Sunday Times Mary Finnigan, criaram um clube folclórico no pub Three Tuns em Beckenham e começaram a realizar reuniões semanais com a participação de cada vez mais intelectuais, poetas, estudantes de cinema e outras pessoas criativas. Esta nova realidade chamava-se Crescimento.

A 14 de Junho, Bowie e Visconti foram os convidados de Strawbs no programa Colour Me Pop da BBC, e alguns dias mais tarde as gravações começaram no novo LP nos Estúdios Trident no Soho, onde o engenheiro de som Dudgeon supervisionou as duas faixas que compunham as primeiras 45 do álbum, Space Oddity e Wild Eyed Boy da Freecloud. Estas sessões foram uma oportunidade para Bowie tocar com novos músicos que mais tarde voltariam a trabalhar com ele: o baixista Herbie Flowers, que também tocaria no álbum Diamond Dogs de 1974, e Rick Wakeman, que tinha trabalhado no álbum Hunky Dory de 1971, e o próprio Visconti.

Apenas três semanas após a gravação e a tempo da primeira aterragem na lua da Apollo 11, o Space Oddity 45 foi lançado a 11 de Julho de 1969 em duas versões diferentes, tanto no Reino Unido como nos EUA, para uma boa recepção na imprensa especializada.

No final do mês, viajou com Pitt para Valletta para o Festival da Canção de Malta, onde Bowie actuou When I Live My Dream e o anteriormente inédito No-One; Alguém, enquanto alguns dias depois houve a sua primeira actuação em Itália em Monsummano Terme, para o International Record Award, onde ganhou o seu primeiro prémio para When I Live My Dream.

A gravação continuou durante todo o Verão e Visconti recrutou vários outros músicos para a ocasião, incluindo o guitarrista Rats Mick Ronson, que fez a sua estreia oficial com o cantor britânico a tocar um pequeno solo de guitarra na secção do meio de Wild Eyed Boy da Freecloud. Em meados de Agosto, um festival gratuito organizado pela Growth, a oficina de arte de Bowie, realizou-se no Beckenham Recreation Ground, onde os Strawbs também se apresentaram. Cerca de 3 000 pessoas participaram, e o evento foi imortalizado na canção Memória de um Festival Livre, embora pareça que o humor de Bowie nesse dia estava em desacordo com os sentimentos nostálgicos expressos na canção, talvez devido à morte do seu pai, que tinha morrido alguns dias antes de uma pneumonia. No entanto, o festival de Beckenham foi a saída de Bowie do movimento hippie, enojado pela mediocridade e indolência de muitos dos seus aderentes, e o último acto do atelier de arte do Crescimento, que foi essencialmente frequentado por espectadores apáticos e não pelos colaboradores activos que pretendia.

No final de Agosto, depois de gravar uma versão de Space Oddity para o programa de televisão holandês Doebidoe, conseguiu que Pitt assinasse um contrato com a Mercury Records para um novo disco a ser distribuído no Reino Unido pela sua subsidiária Philips. A escolha do produtor recaiu inicialmente sobre George Martin, mas Tony Visconti foi escolhido.

Após uma actuação ao vivo no Library Gardens em Bromley, em Outubro, gravou a sua primeira aparição no programa Top of the Pops da BBC, onde actuou Space Oddity, que por essa altura tinha atingido o número 5 nas tabelas do Reino Unido e foi o seu primeiro verdadeiro sucesso. Seguiu-se uma gravação da BBC com Junior”s Eyes para o Dave Lee Travis Show. Ao mesmo tempo Bowie e Barnett mudaram-se para Beckenham, para um edifício no Haddon Hall, que em anos posteriores se tornou o estúdio de gravação não-oficial, bem como um estúdio fotográfico e uma área comum para a comitiva do cantor. Durante este período interpretou a canção de sucesso Space Oddity em várias ocasiões, incluindo o programa Hits à gogo da televisão suíça e o 4-3-2-1 Musik für Junge Leute da ZDF.

Isto coincidiu com o lançamento do seu segundo álbum, que foi lançado no Reino Unido como David Bowie, o mesmo título do seu primeiro LP, e nos EUA como Man of WordsMan of Music; foi apenas em 1972 que foi relançado pela RCA como Space Oddity, pelo qual ficou conhecido para sempre. O vinil ganhou o título do disco mais caro alguma vez vendido no Discogs em 2016. Bowie, que realizou uma série de faixas do novo LP, alternando com capas, ainda não tinha tido muita experiência ao vivo, e essas poucas estavam principalmente limitadas a ritmo amplificado e blues, por isso não estava preparado para a recepção fria ao seu novo estilo acústico: “Não me apercebi de como era o público na altura. Houve um renascimento mod que se tinha transformado no movimento skinhead. Eles acharam-me insuportável.

Durante este período, após ter o seu cabelo cortado ao estilo militar devido à sua participação alguns meses antes no filme The Virgin Soldiers, no qual desempenhou o papel de soldado, apresentou-se com uma permanente de caracóis desarrumados, que continuaria a praticar até ao início dos anos setenta.

No final de 1969 assistiu a um concerto muito bem sucedido no Royal Festival Hall, embora a ausência de jornalistas tenha impedido que o evento fosse coberto pela imprensa nacional. Entre os poucos que reviram o concerto esteve Tony Palmer do Observador que o descreveu como “abrasador” e disse que o Space Oddity foi “espectacularmente bom”, embora outras actuações como An Occasional Dream tenham sido descritas por ele como “sombrio, monótono e cheio de auto-comiseração”.

1969 terminou com a gravação de Ragazzo solo, ragazza sola, a versão italiana de Space Oddity, embora com letra sem relação com o original, e Hole in the Ground, que foi apresentada no concerto beneficente Save Rave ”69. Apesar do segundo álbum se ter revelado um fracasso comercial, vendendo pouco mais de 5.000 cópias no Reino Unido até Março de 1970, Bowie foi eleito o melhor artista novo numa sondagem de opinião dos leitores em Music Now!, enquanto Penny Valentine of Disc and Music Echo nomeou o álbum Space Oddity do ano.

A metamorfose: do ”folclore” ao ”glam rock” (1970-1971)

Os seus primeiros compromissos em 1970 foram a gravação de The Looking Glass Murders, uma adaptação televisiva de Pierrot em Turquoise, que foi filmada no Gateway Theatre em Edimburgo, e a gravação de The Prettiest Star, com Marc Bolan na guitarra principal. As carreiras das duas futuras estrelas, ambas produzidas por Visconti, cruzaram-se várias vezes durante a década de 1970. Entretanto, num concerto no Marquee Club, houve uma reunião com Mick Ronson, que se tornou guitarrista a tempo inteiro de Bowie, juntando-se ao baterista de Visconti e Junior”s Eyes John Cambridge. O novo grupo chamava-se Hype, abreviatura de hipocrisia, a ironia de Bowie sobre a hipocrisia que rodeava o mundo da música alternativa. “Escolhi deliberadamente esse nome porque queria algo que soasse um pouco forte, por isso agora ninguém pode dizer que foram enganados”, dizia Bowie à Melody Maker. O novo quarteto estreou nas sessões da BBC no mês de Fevereiro seguinte. Pouco depois, o Hype fez a sua estreia em concerto na Roundhouse de Londres, onde, após meses de experiências pessoais com fatos e maquilhagem, teve lugar a metamorfose: Bowie forçou o grupo a usar as extravagantes roupas costuradas pela mulher e namorada de Visconti. Cada membro também assumiu a identidade de um personagem de banda desenhada e Bowie, em meias multicoloridas de lurex, botas altas e uma capa azul, tornou-se “Rainbowman”. O concerto é considerado o nascimento do glam rock, mas a recepção pública foi fria; até os membros do Hype pareceram cépticos, excepto Bowie, que parecia não ter dúvidas: ”depois daquele concerto eu parei, não tentei outras coisas porque sabia que era bom”, contou ele no New Musical Express alguns anos mais tarde, ”eu sabia o que queria fazer e tinha a certeza que muitos outros também o fariam. Mas eu teria sido o primeiro.

Pouco depois de Bowie ter regressado à Escócia, como convidado na noite de esqui Cairngorm da Grampian TV; acompanhado por uma grande orquestra de televisão, apresentou London Bye Ta-Ta e fez um número de dança com Angela e Lindsay Kemp. Entretanto Visconti e Ronson montaram um estúdio de gravação no Haddon Hall, onde grande parte do material deste período foi produzido. O meio-irmão de Bowie Terry Burns, que era um residente voluntário no Hospital Cane Hill, visitou frequentemente o estúdio, e estas visitas tiveram uma grande influência em algumas das composições que entraram no novo álbum.

Depois foram lançadas as 45 rpm The Prettiest Star, uma verdadeira declaração de amor à Barnett, recebendo considerável atenção das revistas de música britânicas desde que foi lançada após o sucesso de Space Oddity. No entanto, a recepção positiva da imprensa não encontrou uma resposta comercial e o single não vendeu mais de 800 exemplares. Para o mercado americano, a Mercury Records preferiu concentrar-se numa gravação nova, mais concisa e enérgica da Memória de um Festival Livre, mas isto provou ser um fracasso.

A 20 de Março de 1970, David Bowie e Angela Barnett casaram-se na Câmara Municipal de Bromley, numa cerimónia informal em que participaram alguns amigos e a mãe de Bowie. Cinco dias mais tarde, The Hype gravou outra sessão na BBC para o espectáculo de Andy Ferris, depois separou-se e a banda tocou o seu último concerto no Hotel Star em Croydon. Durante este tempo, Angela trabalhou arduamente para ajudar David, por exemplo, na ligação com promotores e relações públicas em geral, na reserva de locais para o seu marido actuar, no controlo da iluminação e som para os concertos, etc. Ela também contribuiria para a nova imagem da banda e da banda. Ela também contribuiria para a nova imagem andrógina do seu marido, aconselhando-o, entre outras coisas, sobre a sua escolha de trajes, penteados e falar em público.

Bowie continuou a actuar ao vivo como artista a solo, na sua maioria executando faixas de Space Oddity, mas também pré-visualizando faixas que acabariam em álbuns subsequentes. Gravou também a faixa inédita Tired of my life, que Bowie terá escrito quando tinha 16 anos, e lançou The World of David Bowie, a primeira colecção oficial de faixas do seu álbum de estreia e algumas faixas inéditas anteriormente. As sessões de gravação para The Man Who Sold the World começaram nos estúdios Trident de 18 de Abril a 22 de Maio. Cambridge foi substituída na bateria por Mick “Woody” Woodmansey, antigo colega de Ronson Rats, enquanto Visconti passou a maior parte das sessões a tentar estimular os recém-casados, lutando contra a sua aparente apatia pelo projecto. A banda cresceu para cinco com a chegada do tecladista Ralph Mace, um executivo da Philips Records que se tinha tornado a referência de Bowie na etiqueta no início do ano, durante a gravação de The Prettiest Star.

Quando as gravações terminaram, o trabalho de Bowie abrandou, e descontente com a direcção que Pitt estava a tentar tomar, foi com o jovem conselheiro jurídico Tony Defries para a casa do gerente, que concordou em libertá-lo de quaisquer obrigações profissionais. Os dois separaram-se amigavelmente e Defries tornou-se o gestor a tempo inteiro do artista. Pitt continuou a ser uma das figuras mais influentes do período inicial do cantor britânico, fazendo investimentos pessoais significativos, embora muito inferiores aos fundos disponibilizados pelo colega de Defries Laurence Myers, com quem tinha acabado de criar o Gem Music Group; o seu último compromisso com Pitt foi na cerimónia de entrega dos prémios Ivor Novello a 10 de Maio no Talk Of the Town em Londres, onde Bowie cantou Space Oddity e ganhou um prémio. A canção foi executada num grande arranjo orquestral arranjado por Paul Buckmaster e conduzido por Les Reed, e a actuação foi transmitida por satélite na Europa e nos EUA, mas no Reino Unido só foi tocada na rádio.

Entretanto, o sucesso do ano anterior com a mesma pista estava a diminuir, pelo que em Outubro Defries negociou um acordo com a Chrysalis Records, assegurando um adiantamento de £5000, enquanto Bowie canalizou as suas energias para um período de escrita intensiva. O Homem Que Vendeu o Mundo foi lançado nos Estados Unidos a 4 de Novembro de 1970 e foi bem recebido pelos críticos apesar das fracas vendas. A guitarra de Hard Rock de Ronson foi uma mudança notável em relação à atmosfera predominantemente folclórica e acústica do álbum anterior. As letras eram mais complexas e menos directas do que antes, e os temas mais profundos seriam transpostos para as obras posteriores de Bowie: ambiguidade sexual, personalidades divididas, isolamento, loucura, falsos gurus, totalitarismo. Bowie estava em breve a pensar no seu próximo álbum. Bob Grace, director-geral da Chrysalis, alugou os estúdios londrinos da Rádio Luxemburgo, onde o cantor começou a gravar novo material, incluindo a faixa Oh! As suas coisas bonitas.

No ano seguinte, o novo 45, Holy Holy, foi lançado, apesar de um atraso de seis meses na gravação devido a negociações contratuais. Alguns dias mais tarde a pista foi realizada no programa Six-One: Newsday, da TV Granada, mas não foi um êxito. 1971 foi um momento fulcral na carreira de Bowie, um momento em que Defries foi fundamental para a realização e promoção das ideias nascidas do génio do cantor; o gestor estava a revolucionar radicalmente toda a organização que tinha marcado a sua carreira até então, e convenceu-o a romper a relação com Tony Visconti, que era culpado de manter relações com Marc Bolan, que agora competia com Bowie como a prima donna do glam rock. Visconti saiu e concentrou-se na produção de Marc Bolan e T. Rex, mantendo o nome Hype e contratando o cantor de ratos Benny Marshall para se juntar a Ronson e Woodmansey. Retomaria o trabalho com Bowie em 1974, quando as relações entre o cantor e Defries estavam a deteriorar-se.

Em Fevereiro, Bowie embarcou na sua primeira viagem aos Estados Unidos para a curta viagem promocional de The Man Who Sold the World. Embora o seu casamento com Angela lhe tivesse dado um cartão verde, Bowie não pôde actuar devido a acordos sindicais com a Federação Americana de Músicos, e a promoção foi limitada a aparições e entrevistas pessoais em Washington, Nova Iorque, Chicago, Filadélfia, São Francisco e Los Angeles. Numa destas entrevistas, anunciou a John Mendelsohn da Rolling Stone que queria “introduzir a mímica num cenário ocidental tradicional, para captar a atenção do público com uma série de movimentos muito estilizados, muito japoneses”. Na mesma ocasião declarou também que a música rock “deve ser vestida de prostituta, como uma paródia de si mesma, deve ser uma espécie de palhaço, de Pierrot”. A música é a máscara que esconde a mensagem. A música é o Pierrot e eu, o artista, sou a mensagem”.

Depois deste breve interlúdio americano Bowie regressou aos Estúdios Trident para completar o novo álbum Hunky Dory, produzindo novas faixas incluindo Changes e Life on Mars? Entre os músicos inicialmente empregados encontravam-se vários estudantes de Dulwich que se tinham dado o nome de Runk, incluindo o guitarrista Mark Carr Pritchard, que estava em Arnold Corns, o baixista Polak de Somogyl e o baterista Ralph St. Laurent Broadbent. Outros músicos com quem tinha trabalhado em meses anteriores foram também considerados para gravações subsequentes, incluindo o baterista de Space Oddity Terry Cox e Tony Hill, que Bowie tinha conhecido desde 1968.

O Homem Que Vendeu o Mundo foi lançado no Reino Unido quase um ano após as gravações terem terminado, mas apesar das críticas favoráveis, uma vez que tinha estado no estrangeiro, as vendas foram desastrosas. O contrato de Bowie com a Mercury estava prestes a expirar, mas a empresa iria renová-lo para outro álbum. No mês seguinte, o representante da companhia discográfica Robin McBride chegou de Chicago a Londres para lhe oferecer um novo contrato de três anos. Defries respondeu que se Mercúrio tomasse a opção de renovação para um novo registo, dar-lhe-iam “a maior porcaria de sempre”, informando-o que em nenhuma circunstância Bowie registaria outra nota com Mercúrio, que concordou em rescindir o contrato.

Bowie estava a preparar material para o novo álbum a um ritmo furioso e chamou em Ronson e Woodmansey; Ronson concordou e trouxe o baixista Trevor Bolder para substituir Visconti. O alinhamento das futuras Aranhas de Marte começou a emergir.

A banda mudou-se para Haddon Hall para ensaiar novas composições, e Bowie decidiu usar a próxima sessão da BBC a 3 de Junho como montra para o seu novo círculo de músicos, incluindo os amigos Dana Gillespie, George Underwood e Geoffrey Alexander, para apresentar algumas novas canções, incluindo Kooks, compostas para o seu filho Zowie. A 23 de Junho, Bowie assistiu ao Glastonbury Fayre, que contou com actuações de Hawkwind, Traffic, Joan Baez e Pink Floyd, entre outros. A lista de concertos da noite anterior tinha sido alongada demais, e o concerto de Bowie tinha sido cancelado porque as autoridades tinham insistido para que o evento terminasse às 22h30; destemido, Bowie começou a tocar às 5 da manhã com alguns inconvenientes que interromperam Oh! You Pretty Things e continuou com mais seis faixas, incluindo Memory of a Free Festival.

A gravação de Hunky Dory continuou nos Estúdios Trident durante todo o Verão e em Agosto Defries voou para Nova Iorque com 500 cópias promocionais de um vinil chamado BOWPROMO 1A11B1, com canções de Dana Gillespie de um lado e algumas novas gravações de Bowie do outro, incluindo Andy Warhol, Queen Bitch e os Bombardeiros não lançados. Após alguns dias, o gerente regressou com um contrato com a RCA.

Durante as fases finais da Hunky Dory apareceu outro elemento crucial na futura carreira de Bowie. No Verão de 1971, a Roundhouse em Londres encenou a produção americana Pork, a adaptação por Andy Warhol de uma colecção de conversas gravadas nos círculos sombrios de Nova Iorque, com o travesti Wayne County, o desinibido Geri Miller e Cherry Vanilla com o próprio Tony Zanetta a tocar Warhol. Para o público britânico, as cenas de masturbação, homossexualidade, drogas e aborto foram uma afronta inaceitável ao bom gosto. O espectáculo recebeu imensa publicidade gratuita dos comentários ultrajantes da imprensa, e para Bowie, o contacto com a esquisitice de Warhol foi um novo ponto de viragem. Este evento e o seu encontro com o artista americano no mês seguinte ajudaram a dar-lhe a visão para fundir música e performance, mudando o seu visual e usando os meios de comunicação para criar a sua nova imagem de estrela de rock. O seu papel em palco já não se limitava ao de um cantor-músico com uma boa utilização dos movimentos corporais, mas sim ao de um actor-músico.

Atraído pela sua ousadia, sexualidade tórrida, estilo de rua de Nova Iorque e ligações Warhol, Bowie apressou-se a apresentar o novo elenco a Defries no seu regresso dos EUA. Quando Defries deixou o Gem Music Group em 1972 e fundou a MainMan Management, a sua empresa totalmente detida por ele para gerir a enorme quantidade de negócios que Bowie seria capaz de fazer, alguns dos principais jogadores da Pork foram contratados e tiveram papéis proeminentes na empresa.

Com Hunky Dory terminado, Bowie regressou à América com Angela, Defries e Ronson para assinar um novo contrato com a RCA. Tal como na sua viagem anterior, Bowie não pôde actuar, mas a sua estadia permitiu-lhe conhecer pessoalmente Warhol, e ele tocou a canção que lhe foi dedicada. Como Bowie revelou em 1997, Warhol não reagiu positivamente: “Penso que ele pensou que estava a ser humilhado pela canção ou algo assim, e essa não era realmente a minha intenção, era um tributo irónico. Ele aceitou muito mal, mas gostou dos meus sapatos…. Eu estava a usar um par que Marc Bolan me tinha dado, um amarelo canário brilhante, com um calcanhar e um dedo do pé arredondado, porque Warhol também tinha o hábito de desenhar sapatos, por isso tínhamos algo de que falar. Nos mesmos dias, tiveram lugar dois outros encontros importantes: Dennis Katz da RCA apresentou-o a Lou Reed num restaurante e na mesma noite, numa festa no Max”s Kansas City, conheceu Iggy Pop, um encontro que se revelaria fundamental para ambas as suas carreiras.

No seu regresso à Europa, os compromissos de Bowie ao vivo e em estúdio continuaram, com gravações de The Rise and Fall of Ziggy Stardust e The Spiders from Mars a começar a 9 de Setembro com uma capa do cantor-compositor americano Ron Davies” It Ain”t Easy. A 21 de Setembro, houve outra sessão da BBC para Sounds of the 70s com ”Whispering” Bob Harris, na qual Bowie e Ronson tocaram Brel”s Amsterdam. Quatro dias depois houve a primeira actuação ao vivo com as futuras Aranhas de Marte, com a adição de Tom Parker ao piano, no Friars Club em Aylesbury.

A 8 de Novembro, teve início a primeira sessão real, produzindo muitas das faixas para o novo álbum. Estas incluíam novas versões de Moonage Daydream e Hang On To Yourself, as famosas Ziggy Stardust e Lady Stardust, as duas últimas das quais já tinham sido gravadas numa demonstração acústica nos estúdios da Rádio Luxemburgo alguns meses antes. As faixas descartadas incluíam Shadow Man, Sweet Head, Velvet Goldmine, uma nova versão de Holy Holy, e uma interpretação redonda e redonda de Chuck Berry”s Around and Around.

Hunky Dory foi lançado a 17 de Dezembro de 1971, altura em que Bowie estava a meio caminho de gravar o seu próximo álbum e de trabalhar noutra mudança de imagem e estilo. O novo trabalho viu um regresso a um som mais popular dominado pelo piano de Rick Wakeman e os arranjos de ópera de Mick Ronson, e acima de tudo a capacidade de composição de Bowie, mas apesar das críticas brilhantes na imprensa especializada e do lançamento do single Changes, a campanha promocional foi inadequada e as vendas foram fracas. Nos EUA parou no número 93 da Billboard 200 e no Reino Unido teve de esperar até que Ziggy Stardust fosse libertado antes de ser marcado. Hunky Dory foi ainda considerado o seu primeiro autêntico álbum ”clássico” ao longo dos anos.

A Era Ziggy Stardust (1972-1973)

O verdadeiro avanço veio em 1972, com o álbum The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars, no qual foi acompanhado pela banda homónima The Spiders from Mars e que continha a maioria dos seus clássicos, que continuaram a repetir-se em cada um dos seus concertos, mesmo trinta anos mais tarde: de Starman a Moonage Daydream, Rock ”n” Roll Suicide a Ziggy Stardust e Space Oddity, uma versão da qual Bowie actuou no seu primeiro vídeo clipe, filmado nos estúdios da RCA em Nova Iorque, nesse mesmo ano.

Entre 1972 e 1973, fez uma digressão por um espectáculo onde o verdadeiro personagem Bowie e o personagem Ziggy Stardust se tornaram indistintos. Vestido com collants de cores apertadas, fatos flamboyant e cabelo tingido de vermelho vivo, Bowie deu início ao primeiro espectáculo de Ziggy no ambiente íntimo de Tolworth”s Toby Jug Pub a 10 de Fevereiro de 1972. O espectáculo, posteriormente apresentado a audiências maiores, finalmente catapultou Bowie para os holofotes dos media britânicos durante os próximos seis meses de digressão, ganhando-lhe enorme popularidade e crescente aclamação tanto por parte de audiências como de críticos. Hordas de jovens rapazes e raparigas afluíram aos seus concertos, impressionados com o rock de glamour melódico e duro e com a atitude sexualmente libertada da efebe Ziggy. A Ascensão e Queda de Ziggy Stardust e as Aranhas de Marte, combinando os elementos de rocha dura de The Man Who Sold the World com a abordagem mais pop e experimental de Hunky Dory, foi lançada em Junho de 1972. Atingiu o número cinco no Reino Unido e permaneceu nas cartas durante cerca de dois anos, conduzindo também o Hunky Dory de seis meses de idade de volta às cartas. Este sucesso deveu-se em grande parte ao aparecimento de Bowie no Top of the Pops, onde interpretou o single (do novo álbum) Starman, que também atingiu o número dez. Em semanas o single John, I”m Only Dancing, e não no álbum, e All the Young Dudes, uma canção escrita e produzida para Mott the Hoople, foram também lançados e tornaram-se êxitos britânicos. A Volta a Ziggy Stardust continuou nos Estados Unidos da América.

Durante este período, Bowie contribuiu como produtor e músico, juntamente com Ronson, para o maior sucesso comercial da carreira de Lou Reed, o álbum Transformer, considerado um marco do glam rock.

O título veio de uma peça de teatro sobre palavras reflectindo a dupla personalidade de Bowie na altura: por um lado o Aladino (Aladdin Sane) sobrenaturalmente saudável e, por outro, o rapaz louco (A lad insane). Famosa tornou-se a imagem icónica da capa do álbum, uma fotografia de meio comprimento de Bowie em maquilhagem Aladdin Sane, com um relâmpago vermelho no rosto, uma das representações mais reconhecíveis e emblemáticas do artista ao longo das décadas.

O amor de Bowie pela representação e pela teatralidade levou-o à imersão total no seu alter ego musical andrógino. Em retrospectiva, o músico disse: “No palco eu era um robô e fora do palco eu tinha emoções. É provavelmente por isso que preferi vestir-me de Ziggy em vez de David. Com o sucesso vieram dificuldades pessoais: desempenhar repetidamente o mesmo papel tornou cada vez mais difícil para Bowie separar as suas personagens da sua verdadeira personalidade; ”Ziggy”, disse Bowie, ”não me deixaria durante anos”. Esse foi o ponto em que tudo foi longe demais. Toda a minha personalidade foi afectada. Tornou-se muito perigoso. Comecei a questionar seriamente a minha sanidade.

Os últimos concertos de Ziggy, que incluíram canções de Ziggy Stardust e Aladdin Sane, foram totalmente teatrais e incluíram momentos estudados de pathos no palco alternando com gestos desconcertantes, com Bowie simulando fellatio com a guitarra de Ronson. Terminou este período com o anúncio dramático de que se ia reformar como Ziggy num concerto no Hammersmith Odeon de Londres, a 3 de Julho de 1973, no auge do seu sucesso.

Depois de dissolver as Aranhas de Marte, Bowie tentou afastar-se definitivamente da persona Ziggy. Reflectindo o sucesso do momento, todos os álbuns do seu catálogo traseiro também estavam a vender bem: The Man Who Sold the World foi reeditado em 1972, juntamente com Space Oddity. A faixa Life on Mars? foi lançada como single em Junho de 1973 e atingiu o número três nas cartas do Reino Unido. Pin Ups, uma colecção de capas das canções favoritas de Bowie dos anos sessenta, foi lançada em Outubro e atingiu o número um nas tabelas do Reino Unido. Em 1973 havia seis álbuns Bowie nas tabelas do Reino Unido, e o sucesso comercial, pelo menos em casa, estava bem encaminhado.

No final do ano, Bowie teve uma breve mas intensa relação com Amanda Lear, que ele descobriu quando a viu na capa do álbum For Your Pleasure da Roxy Music. Foi o próprio Bowie que a persuadiu a desistir da modelação para uma carreira como cantora, chegando mesmo a financiar aulas de canto e dança.

Funk, “alma de plástico” e “Diamond Dogs” (1974-1975)

Em Março de 1974, Bowie embarcou no transatlântico SS France, chegando aos Estados Unidos a 1 de Abril, estabelecendo-se inicialmente em Nova Iorque.

O álbum dos Diamond Dogs do mesmo ano foi o resultado de duas ideias diferentes: um musical abortado baseado no futuro apocalíptico descrito no romance de George Orwell de 1984, e as primeiras influências soul e funk que começaram a rastejar na música de Bowie.

Com êxitos como Rebel Rebel e Diamond Dogs, o álbum foi para número um no Reino Unido e número cinco nos EUA. Para promover o álbum, Bowie embarcou na espectacular tournée dos Diamond Dogs, aparecendo nas principais cidades da América do Norte entre Junho e Dezembro de 1974. A tournée altamente teatral coincidiu com a crescente dependência de cocaína de Bowie, que lhe causou uma série de problemas físicos devido à debilitação. Em Abril de 1975, Bowie mudou-se para uma casa nas colinas de Los Angeles na Califórnia, onde passou um dos períodos mais negros da sua vida, obcecado pela sua paixão pelo ocultismo e debilitado pelo abuso de drogas pesadas. Contudo, este período sombrio contribuiu em parte para o nascimento da sua próxima persona.

O próprio Bowie, dada a sua saúde precária, comentou sobre o seu próximo álbum ao vivo, David Live, dizendo ironicamente que deveria ter sido intitulado “David Bowie está vivo e bem, mas vive apenas em teoria”. Contudo, David Live solidificou o estatuto de Bowie como estrela de rock, atingindo o número dois no Reino Unido e o número oito nos EUA. Após uma pausa em Filadélfia, onde Bowie gravou novo material, a digressão continuou com mais ênfase na música soul, a última grande paixão de Bowie.

O resultado das sessões de Filadélfia foi o álbum Young Americans, lançado em 1975, no qual Bowie finalmente derramou a sua persona colorida de herói do rock e se atirou de cabeça para a música negra americana. O biógrafo Christopher Sandford escreveu: ”ao longo dos anos, muitos músicos britânicos tentaram tornar-se ”negros” ao imitar a música negra americana, mas poucos tiveram sucesso, assim como Bowie.

O som distinto e elaborado do álbum, que Bowie descreveu como ”alma plástica”, foi uma nova partida radical no seu estilo musical. A única Fama, co-escrita com John Lennon e Carlos Alomar, foi tirada aos Jovens Americanos e ganhou ao Bowie uma posição de duas semanas número um nos gráficos dos EUA. O álbum marcou uma fase importante na evolução musical de Bowie, uma vez que foi o primeiro dos seus álbuns a afastar-se do rock e a aproximar-se de sons mais funk, mais comoventes, criando uma espécie de ”R&B branco”.

Quando Bowie ouviu estes detalhes, o MainMan já estava endividado, muitas contas tanto no Reino Unido como nos EUA tinham ficado por pagar e as despesas tinham aumentado, juntamente com os investimentos mal orientados de Defries. Bowie sentiu-se traído e explorado; a sua primeira reacção foi reduzir as despesas exorbitantes do concerto e adoptar trajes e cenários mais sóbrios, rebaptizando a digressão com o nome de Philly Dogs Tour. A 29 de Janeiro de 1975 foi aos escritórios da RCA e anunciou a sua partida do MainMan, obtendo um adiantamento para os próximos Jovens Americanos. No dia seguinte, a carta de resolução do contrato chegou ao MainMan.

Os anos do ”Duque Branco” e a trilogia de Berlim (1976-1979)

O lançamento do álbum de continuação Station to Station em Janeiro de 1976 foi seguido em Fevereiro por uma digressão de três meses e meio na Europa e nos EUA para promover o álbum e as actuações dramáticas da nova persona de Bowie, o fino Duque Branco.

Este novo alter ego marcou um dos muitos pontos de viragem artística na sua carreira, agora distante do clamor do glamour multicolor do rock de alguns anos antes. O “Duque Branco” personificava um carácter aristocrático com roupas sóbrias e elegantes, hipotéticas simpatias de direita e uma forte paixão pelo ocultismo. Embora muitos destes elementos fossem apenas artifícios de palco do artista multifacetado, o nome ”Duque Branco” entrou no imaginário colectivo do público e rapidamente se tornou o seu apelido mais comum para o resto da sua carreira.

Os destaques deste período incluíram a faixa título do álbum, influenciada pelo som dos grupos alemães de krautrock, as baladas Word on a Wing e Wild Is the Wind, uma capa de uma canção tornada famosa por Nina Simone, e as faixas funky TVC 15 e Stay. A banda que acompanhou Bowie no palco incluía o guitarrista Carlos Alomar, o baixista George Murray e o baterista Dennis Davis, que ficaria com Bowie até ao final da década. A digressão foi um grande sucesso, mas também gerou controvérsia política, tal como uma data em Estocolmo, onde Bowie foi acusado de fazer a seguinte declaração: “A Grã-Bretanha beneficiaria com o advento de um líder fascista”, e pouco tempo depois a polícia de fronteira deteve-o na fronteira polaco-russa por possuir memorabilia nazi.

O controverso caso culminou no que ficou conhecido como o “incidente da Estação Victoria” em Londres, no mês de Maio seguinte. Na tarde de 2 de Maio de 1976, no seu regresso à Grã-Bretanha após uma ausência de dois anos, Bowie deixou a estação, balançando o seu braço esquerdo para uma multidão de fãs adoradores, que foi confundida com uma saudação nazi, fotografada e publicada no New Musical Express. Bowie alegou que o fotógrafo tinha simplesmente ”congelado” o seu gesto de braço em pleno ar, como parte de uma saudação normal. A maioria da imprensa britânica ignorou o incidente, mas os tablóides especularam sobre as alegadas tendências nazis de Bowie, alimentando a história com citações recicladas de anos anteriores, tais como a entrevista de Bowie a Cameron Crowe na qual ele disse “Adolf Hitler foi uma das primeiras verdadeiras estrelas do rock”, ou citando a canção Somebody Up There Likes Me do álbum dos Jovens Americanos, na qual ele falou do regresso de Hitler. Mais tarde Bowie pediu desculpa publicamente por estas atitudes ambíguas, culpando-as do seu vício em cocaína e da sua sobre-identificação com o personagem ”Duque Branco”: ”Estava doido, estava totalmente louco. Estava mais interessado na mitologia do que em toda a história do Hitler e do totalitarismo.

Foi também durante este período que Bowie teve a sua primeira experiência cinematográfica real, estrelando no filme de ficção científica The Man Who Fell to Earth de Nicolas Roeg, que o lançou depois de o ter visto no documentário Cracked Actor, sobre a tournée dos Diamond Dogs no ano anterior. Para a ocasião, David também começou a compor algumas peças instrumentais que teriam sido a banda sonora do filme, mas que em vez disso se tornaram parte das suas gravações subsequentes.

Em 1976 Bowie mudou-se para a Suíça, comprando uma grande moradia em Blonay, nas colinas perto de Montreaux, no Lago de Genebra, onde o seu uso de cocaína aumentou ainda mais e ameaçou seriamente a sua saúde. Determinado a ficar limpo e a distrair-se do stress do ambiente musical, Bowie começou a pintar, produzindo várias obras pós-modernistas. Também tinha o hábito de levar um caderno de esboços em digressão para desenhar quando se sentia inspirado e começou a fotografar o que lhe agradava. O seu interesse pela pintura cresceu a tal ponto que visitou grandes exposições europeias e visitou também muitas galerias de arte em Genebra, o Brücke-Museum em Berlim e tornou-se, nas palavras do biógrafo Christopher Sandford, “um prolífico produtor e coleccionador de arte contemporânea”; as suas pinturas foram expostas em muitas exposições individuais e algumas foram compradas por museus no Reino Unido e nos EUA. Através do seu website Bowieart.com, ele também esteve envolvido na promoção e incentivo da visibilidade de obras de jovens artistas.

Antes do final de 1976, o interesse de Bowie pela cena artística alemã levou-o a mudar-se para Berlim Ocidental para ficar limpo e revitalizar a sua carreira. Aqui iniciou uma colaboração frutuosa com Brian Eno e partilhou um apartamento em Schöneberg com Iggy Pop e Corinne Schwab, a sua assistente pessoal em Los Angeles, a quem tinha confiado a maior parte dos aspectos organizacionais e de gestão.

Schwab foi objecto de grande ciúmes da mulher de Bowie Angie, que depois de passar alguns dias em Berlim se mudou de novo para os EUA. Bowie dedicou-lhe a canção Be My Wife on the Low album, convidando-a em vão a ficar com ele nesta nova aventura. O casamento estava com gelo desde 1973, com a sua paixão sexual a minguar e frequentes assuntos extraconjugais. Angie afirmaria mais tarde que já não queria ver o seu marido após a recorrência de incidentes pró-Nazi, tais como o incidente da Estação Victoria. Bowie afirmou que se tinham visto ocasionalmente e vivido vidas separadas desde 1974. A isto seguiu-se a sua separação e divórcio finais em 1980.

David começou a concentrar-se no minimalismo e na música ambiente, que caracterizariam os álbuns da chamada “Trilogia de Berlim”. Durante este período também ajudou a reavivar a carreira de Iggy Pop, produzindo e co-escrevendo o seu primeiro álbum a solo The Idiot e o subsequente Lust for Life. Na digressão de Iggy Pop pela Europa e pelos Estados Unidos em Março e Abril de 1977, Bowie foi o tecladista.

O álbum Low de 1977 foi parcialmente influenciado pelo Krautrock de Kraftwerk e Neu! e marcou um passo em frente para Bowie como compositor e artista conceptual, afastando-se do simples pop e rock para produzir música ambiciosa e mais abstracta, onde as letras eram esporádicas e não essenciais. Apesar das críticas negativas iniciais pela sua aparente complexidade e não comercializabilidade, Low atingiu o número dois nas tabelas britânicas, produzindo também o single de sucesso Sound and Vision que também atingiu o número três nas tabelas britânicas. Em retrospectiva, seria um álbum de culto e lideraria compositores de vanguarda como Philip Glass para o descrever como “uma obra de génio de uma beleza incomparável”. O próprio Glass compôs uma sinfonia inteira baseada na música e atmosfera do álbum, a Sinfonia Baixa de 1992.

Seguindo a abordagem minimalista de Low, ”Heroes” foi lançado a 23 de Setembro de 1977, incluindo a famosa canção do mesmo nome co-escrita com Brian Eno; este álbum fundiu pop e rock e expandiu as fronteiras do género, e foi o único dos três álbuns de Trilogia de Berlim a ser gravado inteiramente em Berlim. Tal como Low, Heroes foi permeado pelo zeitgeist da Guerra Fria, estigmatizado pelo muro que dividiu a cidade em duas. Foi outro grande êxito, chegando ao número três nos gráficos do Reino Unido. A faixa título, que na altura só atingiu o número 24 na tabela de singles do Reino Unido, tornou-se talvez a faixa mais famosa e icónica de toda a carreira de Bowie, perdurando ao longo dos anos como a sua canção de assinatura. No final do ano, Bowie interpretou a faixa tanto no programa de televisão de Marc Bolan como no especial de Natal de Bing Crosby, com quem interpretou uma versão de Peace on EarthLittle Drummer Boy. O dueto foi um sucesso mundial em 1982, atingindo o número três no Reino Unido.

Após completar Low e Heroes, Bowie promoveu os dois álbuns, passando a maior parte de 1978 numa digressão em que participaram um milhão de pessoas em 70 concertos em 12 países. A digressão resultou no palco do álbum ao vivo, lançado no mesmo ano. Também em 1978, foi lançado o filme Just a Gigolo, com Bowie no papel principal. O filme foi mal recebido pelo público e mal revisto pela crítica.

O capítulo final da trilogia foi o álbum Lodger de 1979, que por sua vez mostrou uma abordagem à música minimalista, ambiente e complexa dos dois discos anteriores, mas com um regresso parcial ao rock convencional baseado na percussão e guitarras. O resultado foi uma mistura complexa de novos elementos de música das ondas e do mundo, com algumas influências multi-étnicas; algumas faixas foram compostas usando os aforismos de Brian Eno e Peter Schmidt”s Oblique Strategies: Boys Keep Swinging nasceu assim, encorajando os músicos a “bater” os seus instrumentos, enquanto Move On usou a progressão de acordes de All the Young Dudes tocados ao contrário, e Red Money usou a faixa instrumental básica de Sister Midnight, uma canção anteriormente composta com Iggy Pop. O álbum foi inteiramente gravado no estúdio privado de Bowie na Suíça e marcou uma ruptura temporária na relação de colaboração de Bowie com Brian Eno, que voltaria a trabalhar em conjunto nos anos 90. Lodger atingiu o número quatro no Reino Unido e o número 20 nos EUA, e os singles Boys Keep Swinging e DJ foram retirados do álbum. Embora inicialmente percebido como um fim menor da Trilogia de Berlim, Lodger seria reavaliado ao longo dos anos, sobretudo devido aos resultados decepcionantes dos álbuns de Bowie dos anos 80.

Sucesso comercial e em massa (1980-1989)

Na década de 1980 Bowie esteve fortemente envolvido no cinema e teatro, e aumentou o número de palcos e escala das suas digressões, enquanto a sua produção discográfica se baseava na pop refinada e genérica, com álbuns contendo mais alguns êxitos comerciais adequados para uma peça radiofónica massiva. O sucesso destes singles foi alimentado pelos vídeos evocativos que os acompanharam, um fenómeno vídeo que Bowie já conhecia e que explorou ao máximo, como o artista multifacetado que sempre foi. O álbum Scary Monsters (e Super Creeps) de 1980 foi um grande sucesso, atingindo o número um no Reino Unido, com contribuições de guitarra de Robert Fripp, Pete Townshend e Tom Verlaine. Produziu o sucesso do filme Ashes to Ashes, que deu exposição internacional ao movimento Novo Romântico, quando Bowie recrutou extras para o videoclipe, incluindo Steve Strange of Visage, no clube nocturno Blitz em Londres. No vídeo Bowie está vestido como um Pierrot assustador, um dos seus disfarces mais famosos. Em Setembro de 1980 Bowie fez a sua estreia na Broadway na peça The Elephant Man, interpretando o deformado John Merrick, sem qualquer maquilhagem, a resplandecentes críticas.

No mesmo ano, fez uma aparição no filme alemão Christiane F. – A banda sonora do filme, constituída exclusivamente pelas suas canções de Estação a Estação, Low, Heroes e Lodger, foi lançada alguns meses mais tarde, para boa aclamação. Em 1981 Bowie colaborou com Queen no seu álbum Hot Space, em dueto na faixa Under Pressure com Freddie Mercury. A pista provou ser um enorme sucesso, tornando-se o terceiro número um de Bowie no Reino Unido. Em 1982 estrelou na adaptação televisiva da BBC da peça Baal de Bertolt Brecht. Cinco das faixas da peça, gravadas em Berlim, foram lançadas num EP com o mesmo nome. O álbum Let”s Dance, de grande sucesso em 1983, co-produzido com o Nilo Rodgers de Chic, foi platina de ambos os lados do Atlântico. O lançamento de Let”s Dance foi seguido pela Serious Moonlight Tour, com o guitarrista Earl Slick e os cantores de apoio Frank e George Simms. A digressão mundial durou seis meses e foi um enorme sucesso, embora alguns críticos tenham salientado que a música de Bowie se tinha tornado demasiado “comercializada”. Durante a digressão ele actuou com um novo visual de cabelo oleoso e físico bronzeado, oferecendo um dance-rock acessível com temas perturbadores e letras desafiantes.

Também em 1983 Bowie estrelou no filme Furyo, também conhecido pelo seu título original Feliz Natal Sr. Lawrence, realizado por Nagisa Ōshima e baseado no romance The Seed and the Sower de Laurens van der Post. O seu desempenho foi elogiado pela crítica e o filme foi bem recebido pelo público. Em 1984, Tonight foi lançado, outro álbum orientado para a dança e altamente comercial, que atingiu o número um no Reino Unido, com Tina Turner e Iggy Pop. Entre as capas do álbum estava uma versão muito criticada do clássico de 1966 dos Beach Boys, God Only Knows. Houve, no entanto, o sucesso Blue Jean, que seria apresentado na curta-metragem musical Jazzin” for Blue Jean, que ganhou o prémio Grammy para Melhor Vídeo de Música de Curta Forma.

Em 1985 Bowie actuou em Live Aid no antigo Estádio de Wembley em Londres. O evento apresentou um vídeo especialmente feito de duo Bowie com Mick Jagger sobre a canção Dancing in the Street, que mais tarde foi para o número um das paradas. Mais tarde, estrelou em Absolute Beginners e Labyrinth, filmes lançados em 1986, para os quais também escreveu a banda sonora. Os únicos Iniciantes Absolutos atingiram o número dois no Reino Unido e o número um na tabela europeia do Eurochart Hot 100 Singles. Em 1987, lançou o álbum Never Let Me Down, que foi julgado pelos críticos como sendo um esforço aborrecido e comercial, mas que se saiu bem nas tabelas, ajudado por uma nova digressão mundial, o masturbatório e a digressão teatral Glass Spider Tour.

O curto período com a Máquina de Estanho (1989-1990)

Em 1989, foi o cantor, guitarrista e saxofonista da banda de rock Tin Machine, formada com Reeves Gabrels e os irmãos Tony e Hunt Sales, com quem já tinha colaborado nos anos 70 no álbum Lust for Life de Iggy Pop; também tocou teclados na digressão documentada pelo álbum ao vivo Tv Eye (1978).

Embora houvesse democracia absoluta dentro da Tin Machine, a natureza de liderança de Bowie logo começou a dominar a dinâmica da banda, tanto como compositor como como líder. Em 1989, o álbum de estreia da banda, Tin Machine, foi bem recebido tanto pelo público como pela crítica, embora a politização excessiva da letra tenha causado alguma preocupação. O álbum atingiu o número três nas tabelas do Reino Unido e a primeira digressão mundial da banda foi um sucesso. No entanto, após uma série de singles mal sucedidos e um desentendimento com a EMI, Bowie deixou a editora e a banda foi dissolvida após o lançamento de um segundo álbum de estúdio e um álbum ao vivo, ambos mal recebidos pelo público e pela crítica. Antes do lançamento do segundo álbum da banda, Bowie já tinha regressado à actividade a solo com a Sound+Vision Tour de 1990, que o manteve ocupado durante sete meses, percorrendo o mundo com os seus velhos êxitos, após o lançamento da caixa Sound and Vision set, a grande aclamação e enormes lucros. Um terceiro álbum de estúdio Tin Machine foi planeado, mas Bowie preferiu voltar à actividade a solo depois de conhecer Nile Rodgers (o produtor de Let”s Dance). Com Rodgers gravou Real Cool World, a faixa título da banda sonora do filme Cool World, que foi lançada como single no Verão de 1992.

Electrónica, novas experiências e um regresso ao passado (1990-1999)

Em 1990 mudou-se permanentemente para Nova Iorque para um apartamento no 160 Central Park South, no nono andar da Essex House, com vista para o Central Park, e dedicou-se à experimentação, concebendo novos álbuns, todos muito diferentes uns dos outros, que foram lançados no início dos anos noventa. Voltou a trabalhar com Nile Rodgers e Brian Eno, explorando os géneros e tendências musicais do período, tais como hip hop, jungle e drum and bass. Também em Nova Iorque, fundou a Isolar Enterprises, uma empresa para gerir o seu catálogo de canções, direitos de autor, propriedades e todas as actividades do gabinete de imprensa.

Em Abril de 1992, apareceu no Freddie Mercury Tribute Concert, onde interpretou Heroes, All the Young Dudes e, juntamente com Annie Lennox, Under Pressure. A 6 de Junho de 1992, casou com Iman Mohamed Abdulmajid numa cerimónia privada na Igreja Episcopal de St. James em Florença, Itália.

O álbum, produzido por Nile Rodgers, alcançou o topo das tabelas do Reino Unido, com dois singles no Top 40 e um no Top 10, Jump They Say, dedicado ao seu meio-irmão Terry. Bowie explorou mais tarde novas tendências musicais ambientais com The Buddha of Suburbia, a banda sonora da mini-série de TV com o mesmo nome; o álbum recebeu boas críticas, mas foi um fracasso comercial, tendo sido classificado no número 87 no Reino Unido.

A colaboração com Brian Eno resultou em 1.Outside, um álbum conceptual para o qual ele criou um novo alter ego, o detective Nathan Adler, e outros a quem foi atribuída a tarefa de interpretar as faixas, desenvolvendo assim a narrativa da história. Denigrado e elogiado em igual medida, mas nos últimos anos reavaliado muito positivamente, o álbum foi bem recebido tanto na América como na Europa e também produziu alguns dos singles de maior sucesso do período, como a canção Hallo Spaceboy, mais tarde interpretada com os Pet Shop Boys. O álbum deveria fazer parte de uma trilogia, mas o projecto foi arquivado após o Outside Tour ter terminado em Julho de 1996.

A 17 de Janeiro de 1996, Bowie foi introduzido no Salão da Fama do Rock and Roll, uma indução que foi seguida por uma estrela no Passeio da Fama de Hollywood, que lançou em Fevereiro de 1997. Em Dezembro de 1996, Bowie tornou-se a primeira estrela de rock negociada publicamente, oferecendo aos investidores obrigações colocadas em Wall Street. As Bowie Bonds foram válidas por dez anos, foram apoiadas principalmente pelas receitas de 287 canções dos seus 25 álbuns gravados antes de 1990, valeram um total de 55 milhões de dólares e foram compradas na totalidade pela Prudential Insurance Company de Nova Iorque. Isto fez de Bowie um dos cantores mais ricos do mundo e logo foi seguido por cantores como Elton John, James Brown, Ashford & Simpson e The Isley Brothers.

Em 1997, foi lançado o novo álbum Earthling, que incluiu novas experiências em música de selva e bateria e baixo; foi mais um sucesso com audiências do que com críticos, e produziu o sucesso Little Wonder, com o qual também apareceu como convidado no 47º Festival de Sanremo. Em 1999, para o seu novo álbum ”horas…”, Bowie mudou novamente o seu visual, abandonando o cabelo castanho curto por um visual ”cabelo grande” semelhante aos seus primeiros dias. O álbum, com o single de sucesso “Thursday”s Child”, foi descrito pela Rolling Stone como uma síntese da carreira de Bowie, na qual os seus fãs podem encontrar vestígios de álbuns anteriores como Hunky Dory, Ziggy Stardust, Aladdin Sane, Heroes e Low.

Pagãos, Realidade e reforma (2000-2013)

Em 2000, realizaram-se sessões para o planeado álbum Toy, que deveria ser uma compilação de novas versões de algumas das primeiras canções de Bowie com a adição de três novas canções, mas que permaneceram inesperadamente inéditas.A 15 de Agosto desse ano, nasceu a filha de David e Iman, Alexandria Zahra ”Lexie” Jones.

Em Outubro de 2001, Bowie abriu o Concerto para Nova Iorque, um evento de caridade para as vítimas dos ataques terroristas de 11 de Setembro de 2001, com uma actuação minimalista de Simon & Garfunkel”s America, seguida pelos clássicos Heróis.

Também em 2001, realizou uma versão do Nature Boy na banda sonora do filme Moulin Rouge!

A colaboração de Bowie com Tony Visconti continuou em 2002 com a produção de Heathen, um álbum de faixas inéditas, seguido de uma longa digressão norte-americana e europeia em 2002 que teve início no Festival Meltdown de Londres, do qual Bowie foi o curador nesse ano, convidando grandes artistas como Philip Glass, Televisão e The Dandy Warhols.

No ano seguinte, lançou o álbum Reality e fez uma digressão de grande aclamação, mas foi dramaticamente interrompido a 25 de Junho de 2004 quando, após um concerto no Festival Hurricane em Scheeßel, Bowie foi apressado para Hamburgo devido a uma artéria coronária gravemente bloqueada, cujos sintomas tinham sido sentidos dias antes. Após a operação de angioplastia coronária, Bowie regressou a Nova Iorque, mas as restantes onze datas da excursão foram canceladas.

Nos anos que se seguiram, Bowie manteve-se afastado do palco, excepto por algumas raras aparições, mas gravou algumas peças para o filme, como o seu velho sucesso Change como dueto com Butterfly Boucher para o filme de animação Shrek 2 de 2004, e escreveu o de 2005 (She Can) Do That com Brian Transeau para o filme Stealth.

Regressou para actuar ao vivo no dia 8 de Setembro de 2005 com Arcade Fire, para o evento televisivo norte-americano Fashion Rocks, e juntou-se novamente à banda canadiana uma semana mais tarde para a CMJ Music Marathon. Alguns meses mais tarde, cantou numa faixa na TV no álbum Return to Cookie Mountain da Rádio,

A 8 de Fevereiro de 2006, recebeu o Grammy Award for Lifetime Achievement, e depois de ter anunciado em Abril que estaria fora do palco durante um ano, fez uma aparição surpresa no concerto de David Gilmour no Royal Albert Hall de Londres a 29 de Maio. Algumas das canções do evento foram gravadas para o DVD Remember That Night: Live at the Royal Albert Hall.

O seu último concerto ao vivo foi em Novembro de 2006 com Alicia Keys para um espectáculo beneficente no Black Ball em Nova Iorque. No mesmo ano, apareceu como actor no filme de Christopher Nolan The Prestige no papel de Nikola Tesla.

Em 2007, gravou um anúncio com Snoop Dogg para a estação americana XM Satellite Radio e colaborou com Lou Reed no álbum No Balance Palace da banda de rock dinamarquesa Kashmir. No entanto, os seus esforços artísticos continuaram e no mesmo ano Bowie foi escolhido como director artístico do Festival High Line em Manhattan, e colaborou no álbum de Scarlett Johansson Anywhere I Lay My Head, que apresenta capas de Tom Waits. No 40º aniversário da aterragem na lua da Apollo 11, a EMI lançou as pistas da gravação Space Oddity original em 2009, num concurso para o qual o público foi convidado a gravar uma remixagem.

Em Janeiro de 2010, foi lançado o duplo álbum ao vivo A Reality Tour, contendo material gravado durante a última digressão em 2003 e 2004.

A 21 de Janeiro de 2009, os blogues relataram que Bowie estava em Berlim a gravar um novo álbum, mas este foi logo negado no sítio oficial do artista.

Em Março de 2011, o álbum inédito Toy, que tinha sido cancelado em 2001, estava disponível para download na Internet. Contém algumas das faixas utilizadas para os pagãos e a maioria dos lados B dos singles do mesmo álbum.

Em 2012, Louis Vuitton contratou-o como o novo porta-voz da sua campanha americana de 2013.

O regresso com O Próximo Dia (2013-2015)

Após uma ausência de dez anos (incluindo alguns anos passados com Visconti a trabalhar secretamente em novas faixas), Bowie anunciou o seu novo álbum, The Next Day, a 8 de Janeiro de 2013, o seu 66º aniversário. Foi precedido no mesmo dia pelo single e vídeo de Tony Oursler para Where Are We Now?, seguido de The Stars (Are Out Tonight), que foi lançado a 25 de Fevereiro. O álbum foi lançado no dia 12 de Março seguinte para aclamação crítica e comercial, encabeçando as tabelas a nível mundial. A 5 de Novembro, The Next Day Extra foi lançado, uma versão especial do álbum que também continha um DVD com videoclips de Where are we are now?, The Stars are out Tonight, The Next Day e Valentine”s Day, e quatro canções anteriormente inéditas, para além da edição standard.

No Outono de 2014 Bowie lançou uma nova antologia, Nada Mudou; foi lançada em vários formatos e continha uma pista inédita, Sue (Na Época do Crime), que também foi lançada como uma única. O álbum foi um enorme sucesso, particularmente na Europa e especialmente no Reino Unido, onde Bowie sempre teve um núcleo duro de fãs. Atingiu o número nove nas tabelas do Reino Unido e após alguns meses ganhou um disco de ouro por vender mais de 100 000 cópias.

Em Outubro de 2015, John Giddins, um organizador de concertos londrino de longa data, revelou que Bowie deixaria de actuar ao vivo e não realizaria mais digressões, nem mesmo para promover The Next Day.

O último álbum Blackstar e a morte (2015-2016)

A 19 de Novembro de 2015, Bowie lançou o seu novo single Blackstar, o primeiro extracto do álbum com o mesmo nome, e subsequentemente Lazarus, também acompanhado por um vídeo musical transmitido online três dias antes da sua morte. Sob o mesmo título, o musical com o mesmo nome escrito e produzido para a Broadway por Robert Fox estreou a 12 de Dezembro, para cuja estreia teatral Bowie assistiu, fazendo a sua última aparição pública.

A 8 de Janeiro de 2016, o seu 69º aniversário, foi lançado o álbum de estúdio Blackstar (estilizado como ★).

Dois dias depois, na noite de 10-11 de Janeiro, o cantor morreu subitamente aos 69 anos de idade, num local desconhecido, mas presumivelmente numa clínica de cancro de Nova Iorque, onde se presume ter sofrido uma eutanásia planeada devido ao agravamento irreparável de um tumor hepático, contra o qual tinha estado a lutar secretamente durante cerca de 18 meses. A notícia foi anunciada no seu perfil oficial no Facebook, enquanto nos dias seguintes o amigo e produtor de Bowie, Robert Fox, revelou que lhe tinha confiado que queria empreender um novo tratamento experimental do cancro. Disse também que apenas alguns amigos e familiares sabiam da sua doença, mas que como muitos dos envolvidos na gravação do álbum não tinham conhecimento do diagnóstico até à morte de Bowie.

Segundo o produtor Tony Visconti numa entrevista com RS America, Bowie foi inspirado pelo álbum do rapper Kendrick Lamar To Pimp a Butterfly e influenciado por grupos como Death Grips e Death Boards of Canada. Visconti também afirmou a verdadeira natureza da maioria das letras inéditas sobre Blackstar, que se referem à doença de Bowie e morte iminente, levando o público a ver todo o projecto como o seu testamento espiritual, uma despedida final para o seu público.

A 12 de Janeiro de 2016, Blackstar estreou no topo da tabela oficial de álbuns do Reino Unido, vendendo mais de 146 000 cópias e sendo certificado de ouro em pouco menos de um dia após o seu lançamento. O álbum rapidamente encabeçou o ranking mundial, atingindo o número um em 35 países, incluindo Austrália, Bélgica, França, Alemanha, Irlanda, Holanda, Suécia, Dinamarca, Canadá, Finlândia, Argentina, Itália, e EUA, onde estreou em número um no Billboard Albums Chart com 130.000 cópias vendidas na sua primeira semana, a mais alta venda anterior do Bowie em tão pouco tempo. O catálogo de Bowie de todos os vídeos recebeu mais de 51 milhões de visualizações em 24 horas no Vevo a 11 de Janeiro, ultrapassando o recorde mantido pela Adele no dia em que o Hello foi lançado. Alguns dias depois, o Amazon.com revelou que tinha esgotado todas as edições, tanto de vinil como de CD, e nunca tinha visto um número tão elevado de vendas em tão pouco tempo.

Muitas personalidades do mundo da música participaram no luto: no dia 13 de Janeiro, durante o seu concerto em Los Angeles, Elton John interrompeu o seu set list para prestar homenagem à estrela do rock. A 12 de Janeiro, Madonna também lhe prestou homenagem com uma capa de Rebelde Rebelde durante a etapa de Houston do seu Rebelde Heart Tour.

Mick Jagger recordou em nome dos Rolling Stones no Twitter o que Bowie era para ele e para a banda: um “homem maravilhoso e bondoso”:

No dia da sua morte, Facebook, Instagram e Twitter registaram rapidamente um enorme fluxo de informações e mensagens. Milhões de fãs, assim como muitos membros da música, entretenimento e cenas políticas (incluindo David Cameron, Ariana Grande, Brian May, Bryan Adams, Bruce Springsteen, J.K. Rowling, U2, Kanye West, Paul McCartney, Martin Scorsese, Barack Obama) expressaram o seu pesar pela morte do cantor, deixando dedicatórias, mensagens de condolências à sua família, fotografias e vídeos na web.

A 14 de Janeiro, vários grandes jornais norte-americanos noticiaram que os restos mortais de Bowie foram cremados a 12 de Janeiro em Nova Jersey de acordo com as suas instruções, sem qualquer ritual de sufrágio e sem a presença da família e amigos. Numa declaração no Facebook, a família, as crianças e os amigos íntimos de Bowie agradeceram mais tarde aos seus fãs pela sua solidariedade e afecto e disseram que iriam organizar o seu próprio serviço memorial privado.

De facto, apesar de numerosas iniciativas espontâneas em todo o mundo, não houve nenhuma comemoração pública oficial, à excepção de um grande concerto no Carnegie Hall, que já tinha sido planeado antes da sua morte mas que se tinha tornado um tributo à sua memória. No entanto, a família do cantor deixou claro que não propôs nem organizou tal evento, e continua a manter um sigilo estrito sobre o incidente. Devido à grande afluência esperada, os organizadores do tributo acrescentaram 1 de Abril à data de 31 de Março, e o duplo tributo Bowie foi assistido por muitos artistas, incluindo Michael Stipe, Blondie, Cyndi Lauper, Mumford & Sons, Pixies e o seu amigo Tony Visconti.

A 29 de Janeiro de 2016, os jornais relataram os termos do testamento holográfico de Bowie, arquivado por ele com o conhecido advogado Herbert E. Nass e assinado “David Robert Jones”. O testamento previa a cremação do seu corpo e a dispersão das suas cinzas, devendo estas últimas estar na ilha de Bali, que Bowie visitou várias vezes, ou noutro local da sua escolha, desde que fossem observados rituais budistas. O testamento também dividiu a propriedade de cerca de 100 milhões de dólares, metade dos quais foram para a sua viúva Iman, incluindo uma participação maioritária na Isolar Enterprises e na grande penthouse na 285 Lafayette Street, e a metade restante, um quarto cada, para o seu filho mais velho Duncan e a segunda filha Lexie, que também herdou a grande propriedade na Catskills. Também beneficiaram da herança Corinne “Coco” Schwab, a sua assistente pessoal durante mais de 30 anos, que recebeu 2 milhões de dólares e parte das acções da Isolar Enterprises, e Marion Skene, a sua ama idosa, que recebeu 1 milhão de dólares e morreu em Março de 2017.

O pessoal da editora Bowie anunciou também que as receitas da Blackstar recolhidas ao longo de Janeiro de 2016 foram inteiramente doadas para a investigação do cancro.

Um PE, intitulado No Plan, foi lançado a 8 de Janeiro de 2017, o dia em que Bowie teria feito 70 anos. Com excepção do Lazarus, o EP inclui três canções gravadas por Bowie durante as sessões para o álbum Blackstar, mas deixou de ser gravado e mais tarde incluído na banda sonora do musical Lazarus em Outubro de 2016. Foi feito um vídeo clipe para a faixa título.

Embora seja frequentemente colocado entre os artistas do glam rock, art rock, e new wave, o estilo de David Bowie é muito difícil de categorizar.

Inicialmente, a produção musical de Bowie baseava-se em sons nostálgicos influenciados pela geração beat com canções de folk rock acústico, a que se seguiria a metamorfose dos anos 70, o que levou Bowie a tornar-se um dos primeiros e mais importantes expoentes do glam rock com álbuns como The Rise and Fall of Ziggy Stardust e the Spiders from Mars (1972) e Aladdin Sane (1973).

Durante a década de 1970, o estilo de Bowie mudou inúmeras vezes, tornando-se mais íntimo e inspirado pelo rock progressivo, rock de dança, do qual foi precursor. O ecletismo destes anos é confirmado pelo obscuro O Homem que Vendeu o Mundo (1970) e Estação a Estação (1976), o mais pop Hunky Dory (1971), Young Americans (1975) que, numa súbita mudança de estilo, deslocou o foco para o género da alma com a criação da alma branca, e a “Trilogia de Berlim” (composta por Low, Heroes e Lodger), considerada a sua fase mais experimental e vanguardista. Durante este último, Bowie foi também influenciado por Krautrock e rock experimental, interpretando as tendências, o mal-estar e a agitação da época, mas também antecipando a “nova onda” dos anos vindouros.

Após o enorme sucesso pop dos anos 80, bem representado pela Let”s Dance de 1983, o estilo de Bowie regressou a novas experiências, primeiro com a formação do grupo Tin Machine do final dos anos 80, no qual Bowie propôs uma pedra dura que foi descrita como “metálica”. Mais adiante, com incursões experimentais em electrónica e industrial no álbum 1.Outside de 1995, para selva e techno no álbum Earthling de 1997.

A partir dos anos 2000, o estilo musical de Bowie voltou ao rock refinado, sem trair o som pop tipicamente britânico das suas origens, mas em álbuns recentes não faltaram faixas mais introvertidas com um vago estilo new wave. O último álbum, Blackstar (2016), vê Bowie tocar faixas quase vanguardistas, talvez devido ao fundo jazzy e experimental da banda que fez o disco.

Para além das colaborações acima mencionadas com Lou Reed, Iggy Pop e Brian Eno, Bowie colaborou com Bing Crosby num dueto de Natal cantando Peace on EarthLittle Drummer Boy para o programa de televisão Merrie Olde Christmas de 1977. No entanto, a canção foi mantida nos arquivos pela RCA, a editora discográfica de Bowie na altura, até ser lançada como single em 1982, antes de Bowie deixar a RCA para a EMI. O disco atingiu o número três nas paradas britânicas e tornou-se um clássico de Natal ao longo dos anos, tanto como canção como como vídeo.

Também significativa foi a sua colaboração com John Lennon numa capa de The Beatles” Across the Universe e em Fame, uma das canções de maior sucesso de Bowie, que foi incluída no álbum Young Americans de 1975.

Em 1981, Bowie colaborou com a Queen para gravar uma versão quase desconhecida e inédita da canção Cool Cat e a criação de Under Pressure, sobre a qual fez um dueto com o grupo de rock britânico e também cantou no Freddie Mercury Tribute Concert com Annie Lennox e a própria Rainha órfã de Mercúrio. A canção, inicialmente chamada People on Streets, foi composta com base num “riff” do baixista John Deacon e creditada à Queen e Bowie; foi mais tarde incluída no álbum Hot Space de 1982.

Outras colaborações do ”Duque Branco” incluíram o líder dos Rolling Stones, Mick Jagger. Juntos, em 1985, em apoio ao projecto Live Aid, produziram uma versão da canção de Martha & the Vandellas Dancing in the Street, da qual o videoclipe é recordado. Também se diz que a ligação entre as duas estrelas de rock foi mais do que profissional e que a famosa canção Angie, que os Stones fizeram em 1973, foi inspirada por Angela Bowie e referiu-se indirectamente a uma orgia de quatro vias entre ela, David, Mick e a sua então esposa Bianca Pérez-Mora Macias. No mesmo ano Bowie gravou esta noite com Tina Turner, a faixa título do álbum de 1984 com o mesmo nome. Os dois também dançariam juntos numa data da Tina Turner”s 1985 Private Dancer Tour.

Com o NIN, Bowie abriu a tournée Outside nos EUA, onde tocaram as canções dele e da banda juntos. A sua colaboração com Trent Reznor, o líder da banda com quem Bowie formou uma forte amizade, resultou em vários remixes, incluindo I”m Afraid of Americans, em que Reznor é co-estrela no vídeo.

Outra colaboração foi com os Pet Shop Boys em 1996 na canção Hallo Spaceboy. Com base no sucesso da canção, que foi lançada como single, Bowie actuou com os Pet Shop Boys em programas musicais como o Top of the Pops e no prestigiado BRIT Awards de 1996.

Depois de colaborar na estreia dos Placebo e de os levar em digressão como seus apoiantes, Bowie colaborou com eles em duas ocasiões: no single Without you I”m nothing, retirado do álbum com o mesmo nome, fizeram uma versão em dueto, e em Fevereiro de 1999 interpretaram juntos uma capa do 20th Century Boy nos Brit Awards, que os Placebo também interpretaram no filme Velvet Goldmine, como membros da banda fictícia Malcolm & The Flaming Creatures. A estreita relação entre a banda e Bowie foi testemunhada por vários episódios: a homenagem que lhe foi prestada com uma versão acústica de Cinco Anos, apresentada em 2004 durante um programa de televisão francês e a tocante carta de despedida escrita por Brian Molko pouco depois da morte de Bowie e publicada no site oficial da banda.

Em 1970 casou-se com Mary Angela Barnett, com quem teve um filho, Duncan Zowie Haywood Jones, em 1971; divorciaram-se em 1980. Em 1992, casou com o modelo somali Iman Mohamed Abdulmajid na Igreja de Saint James em Florença. Em 2000, teve uma filha, Alexandria “Lexie” Zahra.

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O debate sobre a sexualidade

Em finais de 1964, quando fazia parte dos Manish Boys, o grupo fez uma audição para a BBC para uma série de concertos no Star Club em Hamburgo. O cantor garantiu o concerto jurando ao organizador alemão que era homossexual. Bowie conheceu mais tarde Dana Gillespie, de 14 anos, que se tornou sua namorada e que ele continuou a ver nos anos 70. Em Janeiro de 1972, foi publicada uma entrevista em Melody Maker na qual admitiu ser gay, o que criou uma agitação e foi especulado para ser promocional para o lançamento do seu novo álbum The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars. No entanto, o movimento gay britânico fez de David o seu símbolo. Os tabus sempre tiveram uma forte atracção por Bowie e a sua inconformidade empurrou-o para a subcultura homossexual. Apesar disso, os comentários de David sobre o assunto em anos posteriores estavam longe de esclarecer: ”ele disse à revista Playboy em Setembro de 1976, só para responder pouco tempo depois à pergunta de outro entrevistador em contrário: ”era apenas uma mentira, eles colaram-me essa imagem e eu adaptei-me bastante bem a ela durante alguns anos”. Na digressão de 1978 pela Nova Zelândia voltou a afirmar ser bissexual, mas em 1983, quando Bowie se estava a tornar uma superestrela internacional, retractou-se das suas declarações anteriores, dizendo à revista Time que tinha sido ”um grande mal-entendido” e na Rolling Stone chamou-lhe ”o maior erro que alguma vez cometi”. Em 1987, pressionado sobre o assunto pelo Smash Hits, apontou divertidamente tudo, permitindo que a revista publicasse: ”Não se deve acreditar em tudo o que se lê”. Em 1993, novamente na revista Rolling Stone, negou o rumor da sua bissexualidade: “Nunca me senti como um verdadeiro bissexual, mas fui magnetizado pela cena gay subterrânea. Era como outra realidade em que eu queria comprar. Esta fase durou apenas até 1974 e morreu mais ou menos com Ziggy. Na verdade, tinha acabado de tornar o estatuto bissexual meu, a ironia é que eu não era gay”. No entanto, mesmo esta última versão acabou por ser novamente alterada em 2002, justificando as retracções anteriores: quando o Blender lhe perguntou se ainda achava que a declaração pública era o seu maior erro, após uma longa pausa, respondeu: “Não penso que tenha sido um problema na Europa, mas foi muito mais difícil na América. Não tive problemas em que as pessoas soubessem que eu era bissexual. Mas eu não tinha inclinação para segurar bandeiras ou representar um grupo de pessoas.

A discografia de David Bowie consiste em 25 álbuns de estúdio como artista a solo e dois com o grupo Tin Machine, do qual ele era membro. O próprio Bowie antes da sua morte, numa carta a Brian Eno, referiu-se ao seu último trabalho como o seu 25º álbum. Inclui também quatro bandas sonoras, cinco EPs, 15 álbuns ao vivo, 50 colecções e 113 singles. Uma estimativa coloca a sua produção em cerca de 720 canções, com um total de 147 milhões de discos vendidos em todo o mundo.

Álbuns de estúdio

Com Máquina de Estanho

Álbuns ao vivo

Bandas sonoras

Videografia

Sempre reconhecido como um dos pioneiros do vídeo musical, em 1969 Bowie tinha promos suficientes para montar um filme de longa-metragem, mesmo antes de ter o seu primeiro single de encenação. O seu primeiro videoclipe foi da canção Space Oddity, lançada em 1972 e dirigida por Mick Rock.

A videografia de Bowie inclui 71 videoclips promocionais para adicionar aos vídeos de outros quatro artistas em que participou, 15 álbuns de vídeo ou compilações lançadas em VHS, DVD, e 18 participações de convidados em vídeos de outros artistas.

Criações mais recentes como The Hearts Filthy Lesson, Little Wonder and Survive confirmaram que Bowie continua a explorar os limites do vídeo musical. No novo milénio, colaborações com realizadores como Floria Sigismondi e Johan Renck e actores de Hollywood como Gary Oldman e Tilda Swinton aproximaram os vídeos musicais de Bowie de serem verdadeiros curtas-metragens cinematográficos.

Excursões

Embora a sua primeira digressão oficial tenha sido a Digressão Ziggy Stardust de 1972, a actividade ao vivo de Bowie começou com os Kon-rads em 1962 e continuou com os vários grupos que o acompanharam até 1971. Desde o Rei Abelhas e o Terceiro Inferior a projectos mais improvisados, como The Riot Squad, Turquoise e Feathers, os grupos interpretaram rock e capas de R&B, bem como as primeiras composições originais de Bowie, e ele alternou entre a actuação e a imitação.

De 1972 a 2004, quando fez a sua última digressão, Bowie teve 16 digressões, que abrangeram cinco continentes.

Actor

Cinemas

Televisão

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Voiceover

Cinemas

Televisão

Actor

Nas versões italianas dos seus filmes, David Bowie foi apelidado por David Bowie:

Documentários

Filme biográfico

Desde 1970, Bowie já recebeu 41 nomeações e 16 prémios (11 para música, 2 para filme, 3 para multimédia). Foi introduzido no Salão da Fama do Rock and Roll em 1996 e no ano seguinte foi homenageado pela sua contribuição para a indústria do entretenimento com uma estrela no Passeio da Fama de Hollywood, fora do Hollywood Galaxy Theatre.

Em 2000 Bowie declinou o título de Comandante da Ordem do Império Britânico e em 2003 o título de Cavaleiro da mesma ordem.

Leituras adicionais

Fontes

David Bowie

Resumo

Infância e Adolescência (1947-1961)

Os anos pré-Deram (1962-1966)

Estranhidade espacial e sucessos iniciais (1967-1969)

A metamorfose: do ”folclore” ao ”glam rock” (1970-1971)

A Era Ziggy Stardust (1972-1973)

Funk, “alma de plástico” e “Diamond Dogs” (1974-1975)

Os anos do ”Duque Branco” e a trilogia de Berlim (1976-1979)

Sucesso comercial e em massa (1980-1989)

O curto período com a Máquina de Estanho (1989-1990)

Electrónica, novas experiências e um regresso ao passado (1990-1999)

Pagãos, Realidade e reforma (2000-2013)

O regresso com O Próximo Dia (2013-2015)

O último álbum Blackstar e a morte (2015-2016)

O debate sobre a sexualidade

Videografia

Excursões

Actor

Voiceover

Actor

Leituras adicionais

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