Diane Arbus
gigatos | Maio 8, 2022
Resumo
Diane Arbus (14 de Março de 1923 – 26 de Julho de 1971 As imagens de Arbus ajudaram a normalizar os grupos marginalizados e a destacar a importância de uma representação adequada de todas as pessoas. Ela fotografou uma vasta gama de temas incluindo strippers, artistas de carnaval, nudistas, pessoas com nanismo, crianças, mães, casais, idosos, e famílias de classe média. Ela fotografou os seus sujeitos em ambientes familiares: as suas casas, na rua, no local de trabalho, no parque. “Ela é conhecida por expandir noções de assunto aceitável e viola cânones da distância apropriada entre fotógrafo e sujeito. Ao fazer amizade, não objectivando os seus sujeitos, ela foi capaz de captar no seu trabalho uma rara intensidade psicológica”. No seu artigo de 2003 no New York Times Magazine, “Arbus Reconsiderered”, Arthur Lubow afirma, “Ela estava fascinada por pessoas que estavam visivelmente a criar as suas próprias identidades – travestis, nudistas, artistas de “sideshow”, homens tatuados, as novas riquezas, os fãs das estrelas de cinema – e por aqueles que estavam presos num uniforme que já não oferecia qualquer segurança ou conforto”. Michael Kimmelman escreve na sua crítica à exposição Diane Arbus Revelations, que o seu trabalho “transformou a arte da fotografia (Arbus está em todo o lado, para o melhor e para o pior, no trabalho dos artistas que hoje em dia fazem fotografias)”.
Na sua vida, alcançou algum reconhecimento e renome com a publicação, a partir de 1960, de fotografias em revistas como Esquire, Harper”s Bazaar, Sunday Times Magazine de Londres, e Artforum. Em 1963, a Fundação Guggenheim concedeu à Arbus uma bolsa de estudo para a sua proposta intitulada “Ritos Americanos, Modos e Costumes”. Foi-lhe concedida uma renovação da sua bolsa em 1966. John Szarkowski, o director de fotografia do Museu de Arte Moderna (MoMA) em Nova Iorque de 1962 a 1991, defendeu o seu trabalho e incluiu-o na sua exposição Novos Documentos de 1967 juntamente com o trabalho de Lee Friedlander e Garry Winogrand. As suas fotografias foram também incluídas numa série de outras grandes exposições colectivas: 86
Em 1972, um ano após o seu suicídio, Arbus tornou-se a primeira fotógrafa a ser incluída na Bienal de Veneza: 51-52 onde as suas fotografias foram “a sensação esmagadora do Pavilhão Americano” e “extremamente poderosa e muito estranha”.
A primeira grande retrospectiva da obra da Arbus foi realizada em 1972 no MoMA, organizada por Szarkowski. A retrospectiva foi a que reuniu o maior número de visitantes de qualquer exposição na história do MoMA até à data. Milhões de pessoas assistiram a exposições itinerantes da sua obra de 1972 a 1979. O livro que acompanha a exposição, Diane Arbus: An Aperture Monograph, editado por Doon Arbus e Marvin Israel e publicado pela primeira vez em 1972, nunca esteve esgotado.
Arbus nasceu Diane Nemerov para David Nemerov e Gertrude Russek Nemerov, um casal judeu – imigrantes da Rússia soviética – que vivia em Nova Iorque e era proprietário da Russeks, uma loja da Quinta Avenida, co-fundada pelo avô da Arbus, Frank Russek. Devido à riqueza da sua família, Arbus foi isolada dos efeitos da Grande Depressão enquanto crescia na década de 1930. O seu pai tornou-se pintor depois de se ter reformado de Russeks. A sua irmã mais nova tornou-se escultora e desenhadora, e o seu irmão mais velho, o poeta Howard Nemerov, ensinou inglês na Universidade de Washington em St. Louis e foi nomeado Laureado Poeta dos Estados Unidos. O filho de Howard é o historiador de arte americanista Alexander Nemerov.
Os pais da Arbus não estavam profundamente envolvidos na educação dos seus filhos, que eram supervisionados por criadas e governantas. A sua mãe teve uma vida social ocupada e passou por um período de depressão clínica durante aproximadamente um ano, depois recuperou, e o seu pai estava ocupado com o trabalho. Diane separou-se da sua família e da sua infância pródiga.
A Arbus frequentou a Ethical Culture Fieldston School, uma escola preparatória. Em 1941, aos 18 anos de idade, casou com o seu namorado de infância, Allan Arbus, A sua filha Doon, que se tornaria escritora, nasceu em 1945; a sua filha Amy, que se tornaria fotógrafa, nasceu em 1954. Arbus e o seu marido trabalharam juntos na fotografia comercial de 1946 a 1956, mas Allan continuou a apoiar muito o seu trabalho mesmo depois de ela ter deixado o negócio e ter iniciado uma relação independente com a fotografia.
Arbus e o seu marido separaram-se em 1959, embora mantivessem uma estreita amizade. O casal também continuou a partilhar um quarto escuro,: 144 onde os assistentes de estúdio de Allan processaram os seus negativos, e ela imprimiu o seu trabalho. O casal divorciou-se em 1969, quando ele se mudou para a Califórnia para continuar a representar. Era popularmente conhecido pelo seu papel como Dr. Sidney Freedman no programa de televisão M*A*S*H. Antes da sua mudança para a Califórnia, Allan montou a sua sala escura: 198 e, posteriormente, mantiveram uma longa correspondência: 224
Em finais de 1959, Arbus iniciou uma relação com o director artístico e pintor Marvin Israel que iria durar até à sua morte. Durante todo o tempo, permaneceu casado com Margaret Ponce Israel, uma artista de meios mistos. Marvin Israel tanto estimulou Arbus criativamente como defendeu o seu trabalho, encorajando-a a criar a sua primeira carteira. Entre outros fotógrafos e artistas a quem fez amizade, Arbus era próximo do fotógrafo Richard Avedon; ele tinha aproximadamente a mesma idade, a sua família também tinha gerido uma loja de departamentos na Quinta Avenida, e muitas das suas fotografias também eram caracterizadas por poses frontais detalhadas.
A Arbus recebeu a sua primeira câmara, uma Graflex, de Allan pouco depois de se terem casado. Pouco tempo depois, inscreveu-se em aulas com a fotógrafa Berenice Abbott. Os interesses da Arbus na fotografia levaram-na, em 1941, a visitar a galeria de Alfred Stieglitz, e a conhecer os fotógrafos Mathew Brady, Timothy O”Sullivan, Paul Strand, Bill Brandt, e Eugène Atget. No início da década de 1940, o pai de Diane empregou-os para tirar fotografias para os anúncios da loja de departamentos. Allan era fotógrafo para o Corpo de Sinais do Exército dos Estados Unidos na Segunda Guerra Mundial.
Em 1946, após a guerra, a Arbuses iniciou um negócio de fotografia comercial chamado “Diane & Allan Arbus”, com Diane como directora de arte e Allan como fotógrafo. Ela apresentava os conceitos para as suas filmagens e depois cuidava dos modelos. Ela ficou insatisfeita com este papel, um papel que até o seu marido pensava ser “humilhante”. Eles contribuíram para Glamour, Seventeen, Vogue, e outras revistas, embora “ambos odiassem o mundo da moda”. Apesar de mais de 200 páginas do seu editorial de moda em Glamour, e mais de 80 páginas na Vogue, a fotografia de moda da Arbuses tem sido descrita como de “qualidade mediana”. A exposição de fotografia de Edward Steichen de 1955, A Família do Homem, incluiu uma fotografia dos Arbuses de um pai e um filho a lerem um jornal.
Estudou brevemente com Alexey Brodovich em 1954. No entanto, foram os seus estudos com Lisette Model, que começaram em 1956, que encorajaram a Arbus a concentrar-se exclusivamente no seu próprio trabalho. Nesse ano, a Arbus abandonou o negócio da fotografia comercial e começou a numerar os seus negativos. (O seu último negativo conhecido foi etiquetado
Em 1956 ela trabalhou com uma Nikon de 35mm, vagueando pelas ruas de Nova Iorque e conhecendo os seus súbditos em grande parte, embora nem sempre, por acaso. A ideia de identidade pessoal como socialmente construída é uma ideia a que a Arbus voltou, quer fossem artistas, mulheres e homens a usar maquilhagem, ou uma máscara literal a obstruir o seu rosto. Os críticos especularam que as escolhas dos seus súbditos reflectiam as suas próprias questões de identidade, pois ela disse que a única coisa de que sofria quando era criança era nunca ter sentido adversidade. Isto evoluiu para um anseio por coisas que o dinheiro não podia comprar, tais como experiências no mundo social subterrâneo. É frequentemente elogiada pela sua simpatia por estes temas, uma qualidade que não é imediatamente compreendida através das próprias imagens, mas através dos seus escritos e dos testemunhos dos homens e mulheres que retratou. Alguns anos mais tarde, em 1958 começou a fazer listas de quem e o que lhe interessava fotografar. Começou a fotografar em trabalhos para revistas como Esquire, Harper”s Bazaar, e The Sunday Times Magazine em 1959.
Por volta de 1962, a Arbus mudou de uma câmara Nikon de 35mm que produziu as imagens rectangulares granulosas características do seu trabalho pós-estudo: 55 para uma câmara Rolleiflex reflex de lente dupla, que produziu imagens quadradas mais detalhadas. Ela explicou esta transição dizendo: “No início da fotografia eu costumava fazer coisas muito granulosas. Ficaria fascinada com o que o grão fazia porque faria uma espécie de tapeçaria de todos estes pequenos pontos… Mas quando já estava a trabalhar há algum tempo com todos estes pontos, de repente queria terrivelmente passar por ali. Queria ver as diferenças reais entre as coisas…comecei a ficar terrivelmente hipnotizado com a clareza”: 8-9 Em 1964, a Arbus começou a usar um 2-1
Diz-se que o estilo da Arbus é “directo e sem adornos, um retrato frontal centrado num formato quadrado”. O seu uso pioneiro do flash à luz do dia isolou os temas do fundo, o que contribuiu para a qualidade surreal das fotografias”. Os seus métodos incluíram o estabelecimento de uma forte relação pessoal com os seus sujeitos e a re-fotografia de alguns deles ao longo de muitos anos.
Apesar de ter sido amplamente publicada e de ter conseguido algum reconhecimento artístico, a Arbus lutou para se sustentar através do seu trabalho. “Durante a sua vida, não havia mercado para recolher fotografias como obras de arte, e as suas gravuras eram normalmente vendidas por 100 dólares ou menos”. É evidente pela sua correspondência que a falta de dinheiro era uma preocupação persistente.
Em 1963, a Arbus recebeu uma bolsa Guggenheim para um projecto sobre “ritos, modos e costumes americanos”; a bolsa foi renovada em 1966.
Ao longo da década de 1960, a Arbus apoiou-se a si própria em grande parte através de trabalhos em revistas e comissões. Por exemplo, em 1968, filmou fotografias documentais de meeiros pobres na Carolina do Sul rural (para a revista Esquire). Em 1969, um actor rico e proeminente e proprietário de teatro, Konrad Matthaei, e a sua esposa, Gay, encarregaram a Arbus de fotografar uma reunião de Natal em família. Durante a sua carreira, Arbus fotografou Mae West, Ozzie Nelson e Harriet Nelson, Bennet Cerf, ateu Madalyn Murray O”Hair, Norman Mailer, Jayne Mansfield, Eugene McCarthy, bilionário H. L. Hunt, bebé de Gloria Vanderbilt, Anderson Cooper, Coretta Scott King, e Marguerite Oswald (mãe de Lee Harvey Oswald). Em geral, os seus trabalhos em revistas diminuíram à medida que a sua fama como artista aumentava. Szarkowski contratou a Arbus em 1970 para pesquisar uma exposição sobre fotojornalismo chamada “From the Picture Press”; incluía muitas fotografias de Weegee cujo trabalho a Arbus admirava. Também ensinou fotografia na Parsons School of Design e na Cooper Union, em Nova Iorque, e na Rhode Island School of Design em Providence, Rhode Island.
No final da sua carreira, o Museu Metropolitano de Arte indicou-lhe que comprariam três das suas fotografias por 75 dólares cada, mas citando uma falta de fundos, compraram apenas duas. Como ela escreveu a Allan Arbus, “Portanto, ser pobre não é vergonha”: 63
A partir de 1969, a Arbus realizou uma série de fotografias de pessoas em residências de New Jersey para deficientes de desenvolvimento e intelectuais, nomeadas postumamente Sem Título. A Arbus regressou repetidamente a várias instalações para festas de Halloween, piqueniques, e danças. Numa carta a Allan Arbus datada de 28 de Novembro de 1969, ela descreveu estas fotografias como “líricas e ternas e bonitas”..: 203
Artforum publicou seis fotografias, incluindo uma imagem de capa, do portfólio da Arbus, Uma caixa de dez fotografias, em Maio de 1971. Após o seu encontro com a Arbus e o portfólio, Philip Leider, então chefe de redacção da Artforum e um céptico da fotografia, admitiu: “Com Diane Arbus, podia-se encontrar ou não interessado em fotografia, mas já não se podia . . . negar o seu estatuto de arte”. Ela foi a primeira fotógrafa a ser apresentada no Artforum e “a admissão de Leider de Arbus neste bastião crítico do modernismo tardio foi instrumental para mudar a percepção da fotografia e para levar a sua aceitação para o reino da arte ”séria””: 51
A primeira grande exposição das suas fotografias ocorreu no Museu de Arte Moderna nos influentes Novos Documentos (1967), juntamente com o trabalho de Garry Winogrand e Lee Friedlander, com curadoria de John Szarkowski. New Documents, que atraiu quase 250.000 visitantes, demonstrou o interesse de Arbus pelo que Szarkowski referiu como “fragilidades” da sociedade e apresentou o que descreveu como “uma nova geração de fotógrafos documentais… cujo objectivo não foi reformar a vida, mas conhecê-la”, descrito noutro lugar como “fotografia que enfatizava o pathos e os conflitos da vida moderna apresentada sem editorializar ou sentimentalizar, mas com um olhar crítico e observador”. O espectáculo foi polarizador, recebendo tanto elogios como críticas, com alguns identificando a Arbus como um voyeur desinteressado e outros elogiando-a pela sua evidente empatia com os seus súbditos.
Em 2018, o The New York Times publicou um obituário tardio da Arbus como parte do projecto de história esquecida. O Smithsonian American Art Museum albergou uma exposição exclusiva de 6 de Abril de 2018 a 27 de Janeiro de 2019, que apresentava uma das carteiras da Arbus, uma caixa com dez fotografias. O SAAM é o único museu que actualmente exibe a obra. A colecção é “uma de apenas quatro edições completas que a Arbus imprimiu e anotou”. As outras três edições – a artista nunca executou o seu plano de fazer 50 – são realizadas em privado”. A edição do Smithsonian foi feita para Bea Feitler, uma directora de arte que empregou e fez amizade com a Arbus. Após a morte de Feitler, a coleccionadora Baltimore G.H. Dalsheimer comprou a sua carteira à Sotheby”s em 1982 por $42,900. A SAAM comprou-a então à Dalsheimer em 1986. A carteira foi guardada na colecção do museu, até 2018.
Arbus experimentou “episódios depressivos” durante a sua vida, semelhantes aos da sua mãe; os episódios podem ter sido agravados por sintomas de hepatite. Em 1968, Arbus escreveu uma carta a uma amiga pessoal, Carlotta Marshall, que diz: “Eu subo e desço muito. Talvez eu tenha sido sempre assim. Mas em parte o que acontece é que me encho de energia e alegria e começo muitas coisas ou penso no que quero fazer e fico sem fôlego com excitação e depois, de repente, ou por cansaço ou por uma desilusão ou algo mais misterioso, a energia desaparece, deixando-me assediada, inundada, perturbada, assustada com as mesmas coisas pelas quais eu pensava estar tão ansiosa! Tenho a certeza de que isto é bastante clássico”. O seu ex-marido observou uma vez que ela teve “violentas mudanças de humor”. A 26 de Julho de 1971, enquanto vivia na Westbeth Artists Community em Nova Iorque, Arbus morreu por suicídio ao ingerir barbitúricos e ao cortar-lhe os pulsos com uma lâmina de barbear. Ela escreveu as palavras “Última Ceia” no seu diário e colocou a sua agenda nas escadas que conduzem à casa de banho. Marvin Israel encontrou o seu corpo na banheira dois dias depois; ela tinha 48 anos de idade. O fotógrafo Joel Meyerowitz disse ao jornalista Arthur Lubow: “Se ela estava a fazer o tipo de trabalho que fazia e a fotografia não era suficiente para a manter viva, que esperança tínhamos nós”.
“o trabalho teve tal influência sobre outros fotógrafos que já é difícil lembrar como era original”, escreveu o crítico de arte Robert Hughes numa edição de Novembro de 1972 da revista Time. Tem sido chamada “uma figura seminal na fotografia moderna e uma influência sobre três gerações de fotógrafos” e é amplamente considerada como estando entre os artistas mais influentes do século passado.
Quando o filme The Shining, realizado por Stanley Kubrick, foi lançado nas salas de cinema de todo o mundo em 1980 e obteve enorme sucesso, milhões de espectadores de cinema experimentaram o legado de Diane Arbus sem o perceberem. As personagens recorrentes do filme de gémeas idênticas que usam vestidos idênticos aparecem no ecrã como resultado de uma sugestão que Kubrick recebeu do membro da equipa Leon Vitali. Ele é descrito pelo historiador de cinema Nick Chen como “o braço direito de Kubrick a partir de meados dos anos 70”. Chen revela ainda: “Não só Vitali filmou e entrevistou 5.000 crianças para encontrar o filho de Jack Nicholson, Danny, como também foi responsável pela descoberta das irmãs gémeas assustadoras no último dia das audições. A dupla, de facto, não eram gémeas no guião de Kubrick, e foi Vitali que imediatamente sugeriu a infame fotografia de Diane Arbus de duas irmãs gémeas idênticas como ponto de referência”.
Uma vez que Arbus morreu sem vontade, a responsabilidade pela supervisão do seu trabalho recaiu sobre a sua filha, Doon. Ela proibiu o exame da correspondência da Arbus e muitas vezes negou permissão para a exposição ou reprodução das fotografias da Arbus sem um exame prévio, à ira de muitos críticos e estudiosos. Os editores de uma revista académica publicaram uma queixa de duas páginas em 1993 sobre o controlo da propriedade sobre as imagens da Arbus e a sua tentativa de censurar as caracterizações dos sujeitos e os motivos do fotógrafo num artigo sobre a Arbus. Um artigo de 2005, intitulado “Arbus”s”, permitiu à imprensa britânica reproduzir apenas quinze fotografias, uma tentativa de “controlar a crítica e o debate”. Por outro lado, é prática institucional comum nos EUA incluir apenas um punhado de imagens para uso mediático num kit de imprensa de exposição. A propriedade foi também criticada em 2008 por minimizar o trabalho comercial inicial da Arbus, embora essas fotografias tenham sido tiradas por Allan Arbus e creditadas ao estúdio Diane e Allan Arbus. Em 2011, uma crítica no The Guardian of An Emergency in Slow Motion: The Inner Life of Diane Arbus de William Todd Schultz refere “…a famosa propriedade controladora da Arbus que, como Schultz disse recentemente, “parece ter esta ideia, da qual discordo, de que qualquer tentativa de interpretar a arte diminui a arte”.
O trabalho de Diane Arbus foi objecto de mais de vinte e cinco grandes exposições individuais, oito publicações autorizadas, e inúmeros artigos críticos.
Em 1972, Arbus foi a primeira fotógrafa a ser incluída na Bienal de Veneza; as suas fotografias foram descritas como “a sensação esmagadora do Pavilhão Americano” e “um feito extraordinário”.
O Museu de Arte Moderna realizou uma retrospectiva comissariada por John Szarkowski da obra de Arbus em finais de 1972 que posteriormente viajou pelos Estados Unidos e Canadá até 1975; estimou-se que mais de sete milhões de pessoas viram a exposição. Uma outra retrospectiva comissariada por Marvin Israel e Doon Arbus viajou por todo o mundo entre 1973 e 1979.
Doon Arbus e Marvin Israel editaram e conceberam um livro de 1972, Diane Arbus: an Aperture Monograph, publicado pela Aperture e que acompanha a exposição do Museu de Arte Moderna. Continha oitenta fotografias de Arbus, bem como textos de aulas que ela deu em 1971, alguns dos seus escritos, e entrevistas,
Em 2001-2004 Diane Arbus: uma Monografia Aperture foi seleccionada como um dos mais importantes livros fotográficos da história.
Neil Selkirk, um antigo aluno, começou a imprimir para a retrospectiva e Monografia de Abertura do MOMA de 1972: 214, 269 Ele continua a ser a única pessoa autorizada a fazer impressões póstumas da obra de Arbus.
Um filme documentário de meia hora sobre a vida e obra de Arbus conhecido como Masters of Photography: Diane Arbus ou Going Where I”ve Never Been: A Fotografia de Diane Arbus foi produzida em 1972 e lançada em vídeo em 1989.
Patricia Bosworth escreveu uma biografia não autorizada da Arbus publicada em 1984. Bosworth terá “não recebido ajuda das filhas de Arbus, nem do seu pai, nem de dois dos seus amigos mais próximos e mais prescientes, Avedon e … Marvin Israel”. O livro foi também criticado por não considerar suficientemente as próprias palavras de Arbus, por especular sobre informações em falta, e por se concentrar em “sexo, depressão e pessoas famosas”, em vez da arte de Arbus.
Entre 2003 e 2006, Arbus e a sua obra foram objecto de outra grande exposição itinerante, Diane Arbus Revelations, organizada pelo Museu de Arte Moderna de São Francisco. Acompanhada por um livro com o mesmo nome, a exposição incluiu artefactos como correspondência, livros e câmaras fotográficas, assim como 180 fotografias da Arbus. Ao “tornar públicos excertos substanciais das cartas, diários e cadernos de notas da Arbus”, a exposição e o livro “comprometeram-se a reivindicar o centro-plano sobre os factos básicos relacionados com a vida e a morte do artista”. Como a propriedade da Arbus aprovou a exposição e o livro, a cronologia do livro é “efectivamente a primeira biografia autorizada do fotógrafo”.
Em 2006, foi lançado o filme fictício Fur: an Imaginary Portrait of Diane Arbus, estrelado por Nicole Kidman como Arbus; utilizou a biografia não autorizada de Patricia Bosworth Diane Arbus: A Biography como fonte de inspiração. Os críticos em geral discordaram do retrato do filme “conto de fadas” de Arbus.
O Museu Metropolitano de Arte adquiriu vinte fotografias da Arbus (avaliadas em milhões de dólares) e recebeu os arquivos da Arbus, que incluíam centenas de fotografias antigas e únicas, e negativos e impressões de contacto de 7.500 rolos de filme, como prenda da sua propriedade em 2007.
Em 2018, o The New York Times publicou um obituário tardio da Arbus como parte do projecto de história esquecida.
Alguns dos súbditos da Arbus e os seus familiares comentaram a sua experiência a serem fotografados por Diane Arbus:
As fotografias mais conhecidas da Arbus incluem:
Além disso, a caixa Arbus A de dez fotografias foi uma carteira de fotografias seleccionadas 1963-1970 numa caixa Plexiglas transparente
O trabalho da Arbus é realizado nas seguintes colecções permanentes:
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Fontes
