Diego Rivera

gigatos | Novembro 21, 2021

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Resumo

Diego María de la Concepción Juan Nepomuceno Estanislao de la Rivera y Barrientos Acosta y Rodríguez († 24 de Novembro de 1957 na Cidade do México) era um pintor mexicano. Juntamente com David Alfaro Siqueiros e José Clemente Orozco, é considerado o mais importante pintor modernista do México. Juntos eram conhecidos como Los Tres Grandes (Os Três Grandes).

Diego Rivera trabalhou na Europa entre 1907 e 1921, e nos Estados Unidos no início e no final dos anos 30. Nas suas pinturas de painel, Rivera adaptou muitos estilos diferentes em rápida sucessão e esteve envolvido com o Cubismo durante muito tempo. Durante o seu tempo na Europa, esteve em contacto com importantes expoentes da Arte Moderna como Picasso, Braque e Grisso. Após o seu regresso ao México, Diego Rivera trabalhou principalmente nos seus grandes projectos murais, que pintou no Palácio Nacional, no Palácio de Bellas Artes, na Secretaria de Educação Pública e em várias instituições nos Estados Unidos, por exemplo. Estes murales, que ele viu como uma contribuição para a educação popular, contribuíram grandemente para a fama e sucesso de Rivera. As outras facetas da sua obra ocuparam um lugar secundário para eles.

O número exacto das suas pinturas de painel não é conhecido; pinturas a óleo de Rivera que eram anteriormente desconhecidas ainda estão a ser encontradas. Muitos deles eram retratos e auto-retratos, um grande número também mostrava motivos mexicanos. Estes últimos em particular, bem como variações dos seus motivos murais, eram populares entre os turistas americanos. Além disso, Rivera também fez desenhos e ilustrações e desenhou trajes e cenários para uma produção teatral. Estes aspectos da sua obra ainda não foram abordados em pormenor na literatura sobre Rivera.

Rivera juntou-se ao Partido Comunista Mexicano em 1922 e foi membro do seu comité executivo durante algum tempo. Viajou para a União Soviética em 1927 por ocasião do aniversário da Revolução de Outubro e quis contribuir para o desenvolvimento artístico da mesma; contudo, devido às suas críticas às políticas estalinistas, foi aconselhado a regressar ao México. Devido à sua posição crítica sobre Josef Stalin e às ordens governamentais que Rivera aceitou, o Partido Comunista Mexicano expulsou-o em 1929, mas aceitou um dos seus pedidos de readmissão em 1954.

Na década de 1930, Rivera voltou-se para as ideias do trotskismo. Fez campanha para que Leon Trotsky fosse exilado no México e hospedou-o brevemente na sua casa. Depois de disputas políticas e pessoais com Trotsky, o artista mexicano rompeu a ligação em 1939. As convicções políticas de Diego Rivera reflectiram-se também nas suas obras, nas quais propagou ideias comunistas e imortalizou repetidamente figuras de destaque do socialismo e do comunismo. Em relação às suas actividades políticas, Rivera também publicou artigos e esteve envolvido na publicação de revistas de esquerda. Rivera casou com a artista Frida Kahlo, que partilhava as suas convicções políticas, em 1929.

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Infância e educação

Diego Rivera e o seu irmão gémeo José Carlos María nasceram em Guanajuato a 8 ou 13 de Dezembro de 1886 como os primeiros filhos do casal de professores María del Pilar Barrientos e Diego Rivera. O passado familiar de Diego Rivera permanece incerto, uma vez que foi amplamente noticiado por ele próprio. O seu avô paterno, Don Anastasio de Rivera, nasceu ali como filho do seu bisavô nascido em Itália, que estava no serviço diplomático espanhol na Rússia, e a sua mãe russa desconhecida morreu no parto. Don Anastasio emigrou mais tarde para o México, adquiriu uma mina de prata e casou com Ynez Acosta. Ele alegadamente lutou por Benito Juárez contra a intervenção francesa. A sua avó materna, Némesis Rodriguez Valpuesta, terá sido de ascendência meio-indígena. Com as suas declarações não verificáveis, Rivera contribuiu para a criação de lendas em torno da sua pessoa e localizou-se na história do México, que é um aspecto central da sua obra.

O irmão gémeo de Diego Rivera morreu em 1888; a sua mãe deu à luz uma filha chamada María em 1891. Os artigos de esquerda do seu pai, autor e co-editor da revista liberal El Demócrata, de tal forma indignaram os seus colegas e a parte conservadora do público leitor que até a sua família foi hostil. Depois de ele também ter especulado no negócio mineiro, mudaram-se para a Cidade do México em 1892, onde Diego sénior conseguiu um emprego na função pública. No entanto, o seu pai tratou da educação do seu filho desde cedo: Diego júnior já tinha aprendido a ler aos quatro anos de idade. A partir de 1894 frequentou o Colegio Católico Carpantier. O seu talento para o desenho foi promovido a partir da terceira classe por aulas nocturnas adicionais na Academia de San Carlos. Em 1898 inscreveu-se como estudante regular após a obtenção de uma bolsa de estudo.

Diego Rivera entrou assim em contacto com pontos de vista muito diferentes sobre a arte. Ele nomeia Félix Parra, José María Velasco e Santiago Rebull (nesta ordem) como os seus professores essenciais na academia. Rebull, que reconheceu o talento do rapaz e provavelmente o favoreceu, para irritação dos seus colegas estudantes, foi aluno de Jean-Auguste-Dominique Ingres e seguidor dos nazarenos, enquanto Parra era um naturalista com interesse no México pré-hispânico. Os seus estudos seguiram o modelo europeu com formação técnica, investigação racional e ideais positivistas.

Rivera trabalhou tanto no estúdio como na paisagem, orientando-se fortemente em Velasco, de cujo ensino de perspectiva beneficiou. Ele seguiu o seu professor sobretudo na representação do colorido especial de uma paisagem típica mexicana. Na academia Rivera também conheceu o pintor paisagista Gerardo Murillo, que tinha estado na Europa pouco antes. Murillo influenciou o estudante de arte através da sua apreciação da arte indiana e da cultura mexicana, que veio a ter lugar no trabalho posterior de Rivera. Murillo também ensinou a Rivera sobre a arte contemporânea na Europa, o que fez com que esta última quisesse viajar para a própria Europa.

Rivera expressou admiração por José Guadalupe Posada, que conheceu e veio a apreciar nesta altura, na sua autobiografia. Em 1905 deixou a academia. Em 1906 expôs 26 das suas obras, na sua maioria paisagens e retratos, pela primeira vez na exposição anual de arte da Academia de San Carlos organizada por Murillo, tendo também conseguido vender as suas primeiras obras.

Primeira estadia na Europa

Em Janeiro de 1907, Diego Rivera pôde viajar para Espanha graças a uma subvenção de Teodoro A. Dehesa, o governador do estado de Veracruz, e as suas reservas de vendas, pôde viajar para Espanha. Por recomendação de Murillo, juntou-se ao workshop de Eduardo Chicharro y Agüeras, um dos principais realistas espanhóis. O pintor também aconselhou Rivera a viajar por Espanha em 1907 e 1908 para se familiarizar com várias influências e correntes. Nos anos seguintes, Rivera experimentou diferentes estilos nas suas obras. No Museo del Prado copiou e estudou pinturas de El Greco, Francisco de Goya, Diego Velázquez e pintores flamengos. Rivera foi apresentado aos círculos da vanguarda espanhola em Madrid pelo escritor e crítico dadaístas Ramón Gómez de la Serna. Em 1908, Rivera também expôs na segunda exposição de estudantes de Chicharro.

Inspirado pelos seus amigos vanguardistas, Rivera viajou para França em 1909 e visitou museus e exposições, bem como palestras. Trabalhou também nas escolas de Montparnasse e nas margens do Sena. No Verão de 1909, viajou para Bruxelas. Aqui conheceu a pintora russa Angelina Beloff, seis anos mais velha. Ela tornou-se a sua primeira companheira e acompanhou-o a Londres. Aí estudou as obras de William Hogarth, William Blake e William Turner. No final do ano, Rivera regressou a Paris acompanhada por Beloff e apresentou obras pela primeira vez numa exposição da Société des Artistes Indépendants em 1910. Como a sua bolsa de estudo expirou, Rivera regressou ao México via Madrid em meados do ano, chegando lá em Agosto de 1910.

Em Novembro, mostrou algumas das suas obras na Academia de San Carlos como parte de uma exposição de arte para assinalar o centenário da independência do México. Durante a sua estadia, a Revolução Mexicana eclodiu. Não é possível encontrar provas da afirmação feita pelo próprio Rivera de que lutou ao lado de Emiliano Zapata no início da revolução, pelo que é altamente provável que se trate de uma lenda que surgiu mais tarde. Apesar da agitação política, a exposição foi um sucesso artístico e financeiro para Rivera; sete dos quadros foram comprados pelo governo mexicano. Com os lucros, pôde iniciar a sua viagem de regresso à Europa em Junho de 1911.

Segunda estadia na Europa

Em Junho de 1911, Diego Rivera regressou a Paris, onde se mudou para um apartamento com Angelina Beloff. Na Primavera de 1912, os dois foram para Castela. Durante uma estadia em Toledo, Rivera conheceu vários artistas latino-americanos que vivem na Europa. Ele teve um contacto particularmente próximo com o seu compatriota Angel Zárraga. Em Espanha, Rivera experimentou o pontilhismo. Depois de regressar a Paris no Outono de 1912, ele e Angelina Beloff mudaram-se para a Rue du Départ. Os artistas Piet Mondrian, Lodewijk Schelfhout e o pintor Conrad Kickert – na altura correspondente do semanário holandês De Groene Amsterdammer – viviam no bairro, e o seu trabalho tinha sido influenciado por Paul Cézanne. Nesta altura, as primeiras influências cubistas tornaram-se perceptíveis na pintura de Rivera. Ele chegou ao seu próprio entendimento do Cubismo, que era mais colorido do que o de outros Cubistas. Depois de ter feito amizade com Juan Gris em 1914, as suas obras também mostraram influências do trabalho do espanhol.

Em 1913 expôs as suas primeiras pinturas cubistas no Salon d”Automne. Além disso, participou em exposições colectivas em Munique e Viena nesse ano, e em Praga, Amsterdão e Bruxelas em 1914. Nesta altura, Diego Rivera estava muito activamente envolvido nas discussões teóricas dos Cubistas. Um dos seus interlocutores mais importantes foi Pablo Picasso. Em Abril de 1914, a Galeria Berthe Weill organizou a primeira exposição individual de Rivera, que apresentava 25 das suas obras cubistas. Conseguiu vender algumas das obras, de modo que a sua situação financeira tensa melhorou. Rivera e Beloff puderam assim viajar para Mallorca em Julho juntamente com outros artistas, onde Rivera tomou conhecimento do surto da Primeira Guerra Mundial. Devido à guerra, a sua estadia na ilha durou mais tempo do que o previsto. Viajaram para Madrid via Barcelona, onde Rivera conheceu vários intelectuais espanhóis e latino-americanos. Ali, em 1915, participou na exposição Los pintores íntegris organizada por Gómez de la Serna, onde obras cubistas foram expostas pela primeira vez em Espanha e desencadearam discussões acaloradas.

No Verão de 1915, Rivera regressou a Paris, onde a sua mãe o visitou. Da sua parte e dos intelectuais mexicanos em Espanha, ele recebeu informações sobre a situação política e social no seu país de origem. Rivera acompanhou com simpatia o desenvolvimento da revolução no seu país natal e também a abordou no seu trabalho. Em 1915 Rivera começou um caso com a artista russa Marevna Vorobev-Stebelska, que durou até ao seu regresso ao México. Alcançou um sucesso crescente com a sua pintura. Em 1916, Diego Rivera participou em duas exposições colectivas de arte Pós-Impressionista e Cubista na Galeria Moderna de Marius de Zayas, em Nova Iorque. Em Outubro desse ano, teve a exposição individual de Pinturas de Diego M. Rivera e Arte Pré-Conquista Mexicana. Além disso, o seu primeiro filho Diego nasceu este ano da sua relação com Angelina Beloff.

Em 1917, o director da Galerie L”Effort moderne, Léonce Rosenberg, assinou Diego Rivera durante dois anos. Foi apresentado por Angelina Beloff a um grupo de discussão de artistas e emigrados russos organizado por Henri Matisse e participou nas discussões metafísicas que aí tiveram lugar. Estas tiveram impacto no trabalho de Rivera através de um estilo mais sem adornos e composições simplificadas. Na Primavera, Rivera entrou em conflito com o crítico de arte Pierre Reverdy, que se tinha erguido para se tornar um dos principais teóricos do cubismo e tinha revisto muito mal as obras de Diego Rivera. Os dois entraram numa discussão com socos. Como resultado, Diego Rivera afastou-se do Cubismo e regressou à pintura figurativa. Também rompeu com Rosenberg e Picasso, o que levou a Braque, Gris, Léger e os seus amigos Jacques Lipchitz e Gino Severini a virarem-lhe as costas. No Inverno de 1917, o seu primeiro filho morreu em consequência da gripe.

Juntamente com Angelina Beloff, Rivera mudou-se para um apartamento perto do Champ de Mars em 1918. A influência de Cézanne era perceptível nas suas pinturas, bem como a de Ingres em algumas naturezas mortas e retratos. O Rivera retomou elementos Fauvist, assim como o estilo e esquema de cores do Renoir. Este regresso à pintura figurativa foi apoiado pela escritora de arte Élie Faure, em cuja exposição Les Constructeurs o pintor mexicano já tinha participado em 1917. Faure teve uma grande influência no desenvolvimento posterior de Rivera porque o interessou pela arte da Renascença italiana e discutiu com ele o valor social da arte. Como resultado, Diego Rivera considerou a pintura mural como uma forma de representação.

Diego Rivera conheceu David Alfaro Siqueiros pela primeira vez em 1919. Juntos discutiram as mudanças necessárias na arte mexicana. Partilharam pontos de vista comuns sobre a tarefa de uma arte mexicana e o lugar que esta deveria ter na sociedade. A 13 de Novembro, a amante de Rivera, Vorobev-Stebelska, deu à luz a sua filha Marika. Rivera pintou dois retratos do embaixador mexicano em Paris e da sua esposa. O embaixador intercedeu em nome de Diego Rivera junto de José Vasconcelos, o novo director universitário na Cidade do México, e pediu que o pintor fosse financiado para estudar em Itália. Esta bolsa de estudo permitiu a Diego Rivera viajar para Itália em Fevereiro de 1920. Durante os 17 meses seguintes, estudou ali obras de arte etruscas, bizantinas e renascentistas. Fez esboços da paisagem e arquitectura italianas, assim como obras-primas da arte italiana. A maioria deles está perdida.

Rivera estudou os frescos de Giotto e as pinturas de parede e tecto de Miguel Ângelo na Capela Sistina. Desta forma, Rivera familiarizou-se com a técnica dos frescos e as possibilidades expressivas da pintura monumental. Atraído pelos desenvolvimentos sociais e políticos na sua terra natal, Rivera viajou sozinho de volta ao México via Paris em Março de 1921.

Rivera como artista político no México

Enquanto Diego Rivera esteve em Itália, José Vasconcelos foi nomeado Ministro da Educação pelo Presidente Álvaro Obregón em 1920. Vasconcelos introduziu um programa abrangente de educação popular, incluindo murais educativos e instrucionais sobre e em edifícios públicos. Com estes, quis concretizar os ideais de um movimento de reforma cultural abrangente na sequência da revolução, que previa a igualdade étnica e social para a população indígena e o estabelecimento de uma cultura nacional mexicana distinta.

Pouco depois da chegada de Rivera a Paris, em Março de 1921, regressou ao México porque os desenvolvimentos políticos e sociais aí lhe pareciam atraentes. Distanciou-se do seu tempo na Europa, desenvolvendo o seu próprio estilo em vez de continuar a seguir os desenvolvimentos estilísticos do modernismo, deixando para trás o seu parceiro, a sua amante e a sua filha. Apenas a sua filha Marika recebeu pensões de alimentos através de amigos, embora Rivera nunca tenha reconhecido oficialmente a paternidade. Pouco depois do seu regresso em Junho de 1921, o Ministro da Educação incluiu Rivera no programa cultural do governo. Em 1921, Vasconcelos convidou Diego Rivera e outros artistas e intelectuais que tinham regressado da Europa numa viagem a Yucatán. Deveriam familiarizar-se com o património cultural e nacional do México a fim de o incorporarem nas suas futuras obras. Rivera viu os sítios arqueológicos de Uxmal e Chichén Itzá nesta viagem. Inspirado pelas impressões que ali recolheu, Rivera desenvolveu as suas ideias de uma arte que serviria o povo e transmitiria a história através dos murais.

Diego Rivera começou a pintar o seu primeiro mural na Escuela Nacional Preparatoria em Janeiro de 1922. Este projecto foi o prelúdio e o teste ácido para o programa mural do governo. Enquanto vários pintores trabalhavam no pátio, Rivera completou a pintura A Criação no auditório. O trabalho, no qual ele seguiu em grande parte os métodos tradicionais da técnica do fresco, levou um ano. O seu primeiro mural ainda assumiu um motivo tradicionalmente cristão e europeu, mesmo se contrastou com um colorido tipicamente mexicano e apenas com este tipo de figuras. Nas pinturas do painel após o seu regresso, por outro lado, o foco era a vida quotidiana mexicana. Rivera casou com Guadelupe Marín em Junho de 1922, que foi o seu modelo para uma das figuras do mural, depois de já ter tido relações com vários modelos antes. Os dois mudaram-se para uma casa na Rua Mixcalco.

No Outono de 1922, Diego Rivera participou na fundação do Sindicato Revolucionário de Trabajadores Técnicos, Pintores e Escultores, o sindicato revolucionário de trabalhadores técnicos, pintores e escultores, onde se familiarizou com as ideias comunistas. Na união, Rivera foi associado a David Alfaro Siqueiros, Carlos Mérida, Xavier Guerrero, Amado de la Cueva, Fernando Leal, Ramón Alva Guadarrama, Fermín Revueltas, Germán Cueto e José Clemente Orozco. No final de 1922, Diego Rivera aderiu ao Partido Comunista Mexicano. Juntamente com Siqueiros e Xavier Guerrero, formou o seu comité executivo.

Em Março de 1922, Rivera foi encarregada de decorar a Secretaría de Educación Pública com frescos. A partir de Setembro de 1922, trabalhou neste projecto, que dirigiu na mesma altura. Foi a maior comissão na primeira década de muralismo. O trabalho no Ministério da Educação arrastou-se durante anos. Ganhando apenas dois dólares por dia com estas obras, Diego Rivera vendia pinturas, desenhos e aguarelas a coleccionadores, na sua maioria da América do Norte. A filha de Rivera, Guadelupe, nasceu em 1924. Nesse ano, houve um conflito considerável sobre o projecto mural no Ministério da Educação. Grupos conservadores opuseram-se ao mural, o Ministro da Educação Vasconcelos demitiu-se, e o trabalho no projecto foi interrompido. Após a demissão da maioria dos pintores, Rivera conseguiu convencer o novo Ministro da Educação, José María Puig Casaurac, da importância dos murales e, subsequentemente, manteve o seu trabalho para completar as pinturas. No final de 1924, para além do seu trabalho no Ministério da Educação, foi encarregado de pintar murais na Escuela Nacional de Agricultura em Chapingo. Ali criou murais decorativos para o hall de entrada, a escadaria e o salão de recepção no primeiro andar, e em 1926 as paredes do salão de assembleia. Tanto a sua mulher grávida como a Tina Modotti modelada para Rivera neste projecto. Ele teve um caso com Modotti, o que levou à sua separação temporária de Guadalupe Marín. Após o nascimento da sua filha Ruth, Diego Rivera deixou a sua esposa em 1927.

Viagem à União Soviética e sucessos no México

No Outono de 1927, depois de ter concluído os trabalhos em Chapingo, Diego Rivera viajou para a União Soviética como membro da delegação oficial do Partido Comunista Mexicano, por ocasião do décimo aniversário da Revolução de Outubro. Rivera já tinha querido visitar a URSS durante os seus anos de Paris; agora esperava beneficiar do desenvolvimento da arte no país e queria contribuir para a arte soviética com um mural próprio. A viagem levou-o via Berlim, onde conheceu intelectuais e artistas, até Moscovo, onde permaneceu durante nove meses. Aí deu palestras e ensinou pintura monumental na Escola de Belas Artes. Rivera esteve em contacto com o grupo de artistas de Outubro, que defendia a arte pública que seguia as tradições populares. Durante as celebrações do Dia de Maio em 1928, fez esboços para um mural planeado no Clube do Exército Vermelho, mas este não foi executado devido a intrigas e discordâncias. Devido às diferentes opiniões políticas e artísticas, o governo estalinista aconselhou Diego Rivera a regressar ao México.

Em 1928 regressou da União Soviética e separou-se definitivamente de Guadelupe Marín. Acabou os murais no Ministério da Educação e Chapingo nesse ano. Enquanto terminava o seu trabalho no Ministério da Educação, recebeu uma visita de Frida Kahlo, que lhe mostrou as suas primeiras tentativas de pintura e lhe pediu a sua opinião. Devido à reacção positiva de Rivera, ela decidiu dedicar-se inteiramente à pintura. A 21 de Agosto de 1929, Diego Rivera casou com o pintor, que era quase 21 anos mais novo. Pouco antes, Rivera tinha sido eleito director da escola de arte da Academia de San Carlos pelos estudantes. Contudo, os seus conceitos foram alvo de fortes críticas por parte dos meios de comunicação e das forças conservadoras. Desenvolveu um novo horário e deu aos estudantes uma grande palavra na escolha de professores, pessoal e métodos. As reformas de Rivera foram criticadas sobretudo por professores e estudantes da escola de arquitectura instalada no mesmo edifício, e a elas juntaram-se artistas conservadores e também membros do Partido Comunista, do qual Diego Rivera foi expulso em Setembro de 1929. Finalmente, a administração da academia cedeu aos protestos e demitiu Diego Rivera em meados de 1930. A expulsão do Partido Comunista foi a consequência da posição crítica de Rivera em relação a Josef Stalin e às suas políticas, bem como da sua aceitação de comissões do governo sob o Presidente Plutarco Elías Calles.

Em 1929, Rivera foi encarregado de pintar a escadaria do Palácio Nacional na Cidade do México, e também pintou um mural para a Secretaría de Salud. Enquanto ainda trabalhava na sede do governo, que devia ocupar Rivera durante vários anos, o embaixador americano no México, Dwight W. Morrow, encarregou Diego Rivera de executar um mural no Palácio de Cortés em Cuernavaca. Por esta comissão recebeu 12.000 dólares, a sua taxa mais elevada até à data. Após completar esta comissão no Outono de 1930, Rivera aceitou uma oferta para fazer murais nos Estados Unidos. Esta decisão foi duramente criticada pela imprensa comunista no México.

Permanecer nos EUA

No Outono de 1930, Diego Rivera viajou para São Francisco juntamente com Frida Kahlo. Nos Estados Unidos, a arte dos muralistas mexicanos já era conhecida desde os anos 20 através de artigos de jornais e reportagens de viagens. Os viajantes já tinham trazido as pinturas do painel de Rivera para os EUA, e agora ele deveria executar lá também murais. O escultor califor californiano Ralph Stackpole conhecia Rivera desde o seu tempo em Paris e recolheu as suas pinturas, uma das quais deu a William Gerstle, o presidente da Comissão de Arte de São Francisco. Gerstle queria que Rivera pintasse uma parede na Escola de Belas Artes da Califórnia, e esta última aceitou a comissão. Quando Stackpole, juntamente com outros artistas, foi encarregado de decorar o novo edifício da Bolsa de São Francisco Pacífico em 1929, também conseguiu reservar uma parede para Diego Rivera. Inicialmente, Rivera foi-lhe recusada a entrada nos Estados Unidos por causa das suas opiniões comunistas. Só depois da intercessão de Albert M. Bender, um influente agente de seguros e coleccionador de arte, lhe foi concedido um visto. Isto foi criticado tanto pelos meios de comunicação anti-comunistas como por artistas de São Francisco que se sentiram em desvantagem quando se tratou de atribuir comissões. Também foi criticado o facto de 120 das obras de Rivera terem sido expostas no Palácio da Legião de Honra da Califórnia, no final de 1930. Após a conclusão dos projectos murais e como resultado da aparência pessoal do casal, o ambiente mudou para melhor.

Em São Francisco, Diego Rivera pintou o mural Alegoria da Califórnia no Luncheon Club da Bolsa de Valores de São Francisco do Pacífico, de Dezembro de 1930 a Fevereiro de 1931. Juntamente com o edifício da bolsa, o mural foi oficialmente dedicado em Março de 1931. De Abril a Junho de 1931, Diego Rivera completou então o mural A Realização de um Fresco na Escola de Belas Artes da Califórnia. Imediatamente após completar o projecto, regressou ao México para terminar o mural deixado inacabado no Palácio Nacional, a pedido do Presidente. Pouco tempo depois, Diego Rivera recebeu um convite para expor no Museu de Arte Moderna de Nova Iorque. Foi a segunda grande exposição individual no museu, que abriu em 1929, após uma retrospectiva de Henri Matisse, e continuou a ser a exposição mais importante da obra de Rivera nos EUA até 1986. Devido a este convite, Rivera abandonou novamente a obra no Palácio Nacional após a conclusão do muro principal. Viajou de navio para Nova Iorque com a sua esposa e o negociante de arte Frances Flynn Paine, que lhe tinha sugerido a retrospectiva. Chegou em Novembro de 1931 e trabalhou em oito frescos transportáveis até à inauguração da exposição a 23 de Dezembro. A retrospectiva mostrou um total de 150 obras de Rivera e foi visitada por 57.000 pessoas. A exposição foi também bem recebida pelos críticos.

Através da campeã mundial de ténis Helen Wills Moody, Diego Rivera conheceu William R. Valentiner e Edgar P. Richardson, os dois directores do Instituto de Artes de Detroit. Convidaram-no a expor em Detroit em Fevereiro e Março de 1931 e fizeram uma proposta à comissão de arte da cidade para contratar Diego Rivera para um mural no Garden Court do museu. Com o apoio de Edsel B. Ford, presidente do comité de arte da cidade, Diego Rivera pôde começar a preparar o seu trabalho para Detroit após a sua exposição em Nova Iorque no início de 1932. A Ford forneceu $10.000 para a execução dos frescos, pelo que foi planeada uma taxa de $100 por metro quadrado pintado. No entanto, quando Rivera visitou o local, decidiu pintar o pátio inteiro pelo mesmo preço em vez das duas pinturas planeadas. Nos frescos, Rivera retratava a indústria de Detroit. A sua pintura industrial foi criticada por mostrar conteúdo pornográfico, profano e comunista, e a segurança das obras parecia estar, por vezes, em risco. Contudo, Edsel B. Ford ficou atrás do artista e da sua obra, acalmando assim a situação.

Ainda a trabalhar em Detroit, Rivera foi encarregado de pintar um mural no átrio do Rockefeller Center, que ainda estava em construção. No decurso de 1933, trabalhou neste quadro, cujo tema, Homem na encruzilhada, Olhando Esperançosamente para um Futuro Melhor, tinha sido prescrito por uma comissão. Neste quadro, Rivera retratou a sua visão negativa do capitalismo e mostrou Lenine, que ainda não apareceu no desenho preliminar aprovado, como representante da nova sociedade. Isto levou a críticas ferozes por parte da imprensa conservadora, enquanto grupos progressistas se mostraram solidários com o artista. Os Rockefellers, como patronos, não apoiaram o artista como Ford tinha feito, mas pediram a Rivera para pintar sobre Lenine. Quando o artista recusou, o quadro foi encoberto no início de Maio e Rivera foi pago e despedido. Como resultado, Diego Rivera regressou ao México. Em Fevereiro de 1934, o mural no Rockefeller Center foi finalmente destruído.

Regresso ao México

Diego Rivera regressou ao México em 1933 desapontado por não poder realizar livremente as suas obras políticas nos Estados Unidos. Tinha-se tornado um dos artistas mais conhecidos nos Estados Unidos, venerado por outros artistas e intelectuais de esquerda, antagonizado por industriais e conservadores. Após a destruição do fresco no Rockefeller Center em Fevereiro de 1934, Diego Rivera teve a oportunidade de realizar o seu trabalho no Palácio de Bellas Artes, na Cidade do México, no mesmo ano. Posteriormente, o Estado voltou a atribuir mais comissões públicas aos grandes representantes do Muralismo.

Após o seu regresso, Rivera e Frida Kahlo mudaram-se para a residência de estúdio em San Angel que tinha encomendado a Juan O”Gorman em 1931. Kahlo vivia no cubo azul mais pequeno do edifício de estilo Bauhaus, Rivera no cubo maior, cor-de-rosa. Em Novembro de 1934, Diego Rivera retomou os trabalhos no Palácio Nacional, que completou em 1935. Completou o conjunto constituído pelas pinturas O México Pré-Hispânico – O Mundo Indiano Antigo de 1929 e História do México da Conquista a 1930 de 1929 a 1931 com a pintura México Hoje e Amanhã. Rivera terminou este projecto em Novembro de 1935. Como não havia mais grandes projectos murais em preparação, dedicou-se cada vez mais à pintura de painéis no período seguinte, sendo os seus motivos frequentemente crianças e mães indianas. A execução técnica destas pinturas na segunda metade dos anos 30 não foi muitas vezes particularmente boa, pois Rivera produziu-as em série e vendeu-as aos turistas para financiar a sua colecção de arte pré-colombiana com as receitas.

Uma crise conjugal temporária, que Rivera teve em 1935, foi causada por um caso com a irmã mais nova de Frida Kahlo, Christina. Mas os interesses políticos comuns juntaram de novo o casal. Rivera continuou a ser antagonizado pelo Partido Comunista Mexicano, que o acusou de apoiar as posições conservadoras do governo. Rivera entrou repetidamente em conflito com os Siqueiros em particular, e os dois enfrentaram-se mesmo armados numa reunião política. Diego Rivera também recorreu aos trotskistas como resultado dos seus contactos com a Liga Comunista da América em Nova Iorque em 1933 e tornou-se membro da Liga Trotskista-Comunista Internacional em 1936. Juntamente com Frida Kahlo, Diego Rivera pressionou o Presidente Lázaro Cárdenas del Río para conceder asilo político a Leon Trotsky no México. Na condição de que o russo não se envolvesse em actividades políticas, o presidente concordou com o pedido de asilo. Em Janeiro de 1937, Diego Rivera e Frida Kahlo receberam Leon Trotsky e a sua esposa Natalya Sedova na casa azul de Kahlo em Coyoacán. Em 1938, Rivera também acolheu o mestre surrealista André Breton e a sua esposa Jacqueline. Os dois artistas assinaram um manifesto para a arte revolucionária escrito por Trotsky. O casal amigável viajou juntos pelas províncias mexicanas, e sob a influência bretã Diego Rivera produziu algumas pinturas surrealistas.

Depois de disputas pessoais e políticas, Rivera rompeu com Trotsky em 1939. No Outono do mesmo ano, Frida Kahlo divorciou-se de Rivera. Em 1940, expôs na Exposição Internacional de Surrealismo organizada por André Breton, Wolfgang Paalen e César Moro na Galería de Arte Mexicano de Inés Amor. Rivera também regressou a São Francisco nesse ano, onde tinha recebido novamente uma comissão mural após um longo período de tempo. Após a União Soviética ter feito um pacto com o Reich alemão, o artista suavizou a sua atitude negativa em relação aos Estados Unidos e aceitou o convite. Posteriormente, defendeu a solidariedade entre os países americanos contra o fascismo. Sob o título Unidade Pan-Americana, pintou dez painéis de parede para a Exposição Internacional Golden Gate em São Francisco. Lá, ele e Frida Kahlo voltaram a casar a 8 de Dezembro de 1940, tendo ambos sofrido com a separação.

Depois de regressar ao México, Diego Rivera mudou-se com Kahlo na casa azul em Fevereiro de 1941. Posteriormente utilizou a casa em San Angel Inn apenas como retiro e estúdio. Em 1941 e 1942, Diego Rivera pintou principalmente no cavalete. Foi também encarregado de executar os frescos no piso superior do pátio do Palácio Nacional. Além disso, em 1942 iniciou a construção do Anahuacalli, no qual queria apresentar a sua colecção de objectos pré-coloniais. O edifício foi inicialmente concebido também como uma residência, mas no final apenas albergou a colecção de 60.000 objectos a que Rivera se dedicou até ao fim da sua vida.

Desde o início da década de 1940, Rivera recebeu um reconhecimento nacional crescente. O Colégio Nacional foi fundado em 1943 e Rivera foi um dos primeiros 15 membros nomeados pelo Presidente Manuel Ávila Camacho. Nesse mesmo ano, a Academia de Arte La Esmeralda, fundada no ano anterior, nomeou-o professor com o objectivo de reformar o ensino da arte. Enviou os seus estudantes para o campo e para as ruas para pintar de acordo com a realidade mexicana. Rivera também fez desenhos, aguarelas e pinturas neste contexto. Depois de recuperar da pneumonia, Rivera pintou um grande mural no recém construído Hotel del Prado no Parque Almeda em 1947. Sonho de uma Tarde de Domingo no Parque Almeda retrata uma representação da história mexicana através de uma fila de figuras históricas. Em 1943, foi eleito membro honorário da Academia Americana de Artes e Letras.

Últimos anos de vida e morte

Juntamente com David Alfaro Siqueiros e José Clemente Orozco, Diego Rivera formou a Comissão de Pintura Mural do Instituto de Bellas Artes a partir de 1947. Em 1949, o Instituto organizou uma grande exposição para assinalar o 50º aniversário da obra de Rivera no Palácio de Bellas Artes.

Em 1950, quando Frida Kahlo teve de permanecer no hospital durante nove meses devido a várias operações na coluna vertebral, Rivera também tomou um quarto no hospital para estar com a sua esposa. Nesse ano, Diego Rivera ilustrou a edição limitada do Canto Geral de Pablo Neruda juntamente com David Alfaro Siqueiros e também desenhou a capa do livro. Concebeu também o cenário para El cuadrante de la soledad de José Revueltas e continuou o seu trabalho no Palácio Nacional. Diego Rivera, juntamente com Orozco, Siqueiros e Tamayo, teve a honra de representar o México na Bienal de Veneza de 1950. Foi-lhe também atribuído o Prémio Nacional de Artes Plásticas. Em 1951, Rivera criou um mural submarino no poço de água do Cárcamo del río Lerma no Parque Chapultepec na Cidade do México e concebeu uma fonte à entrada do edifício. Para as pinturas na bacia na qual a água é bombeada, experimentou o poliestireno numa solução de borracha para tornar possível a pintura sob a superfície da água. Em 1951 e 1952, Rivera também trabalhou no estádio da Universidad Nacional Autónoma de México, onde deveria retratar a história do desporto no México num mosaico. Desta obra de arte, no entanto, apenas completou a peça central da imagem frontal, uma vez que o financiamento era insuficiente.

Rivera pintou um painel de parede transportável em 1952 para a exposição Twenty Centuries of Mexican Art, prevista para a Europa. Os seus retratos de Estaline e Mao nesta obra levaram à exclusão da sua obra. Globalmente, Rivera opôs-se às políticas cada vez mais orientadas para o capitalismo ocidental que tinham começado sob a presidência de Alemans. A partir de 1946, Rivera solicitou repetidamente a readmissão ao Partido Comunista em vão, enquanto Frida Kahlo foi readmitida em 1949. Em 1954, os dois participaram num comício de apoio ao governo de Jacobo Arbenz na Guatemala. Foi a última aparição pública de Frida Kahlo, que morreu a 13 de Julho de 1954. Rivera concordou em permitir que a bandeira comunista fosse colocada sobre o seu caixão no seu velório no Palacio de Bellas Artes, e em troca o Partido Comunista Mexicano readmitiu-o como membro. Rivera pintou então Glorious Victory, mostrando a queda de Arbenz. O quadro foi enviado através de vários países comunistas e foi depois considerado perdido durante muito tempo. Em 2000, estava localizado na cave do Museu Pushkin e desde então está novamente em exposição em exposições.

A idade e o estado de saúde de Rivera dificultaram o trabalho em murais monumentais, de modo que nos últimos anos da sua vida a pintura de painel tornou-se o seu meio preferido. A 29 de Julho de 1955, casou-se com a editora Emma Hurtado, que já era a sua galerista desde 1946. Ele legou a casa azul de Frida Kahlo e o Anahuacalli com a sua colecção de arte pré-colombiana ao povo mexicano. Sofrendo de cancro, Rivera foi para a União Soviética para tratamento médico em 1955. A sua viagem de regresso levou-o via Checoslováquia e Polónia para a RDA, onde se tornou membro correspondente da Academia de Artes de Berlim Oriental. De volta ao México, mudou-se para a casa da sua amiga Dolores Olmedo em Acapulco, onde recuperou e produziu uma série de paisagens marinhas.

A 24 de Novembro de 1957, Diego Rivera morreu de ataque cardíaco no seu estúdio em San Angel Inn. Centenas de mexicanos prestaram a sua última homenagem. Em vez de juntar as suas cinzas com as de Frida Kahlo na sua casa azul, foi enterrado na Rotonda de los Hombres Ilustres, no Panteón Civil de Dolores.

Os trabalhos completos de Diego Rivera incluem painéis, murais, mosaicos e desenhos. Os murales em particular são a chave para compreender o seu trabalho e moldaram a sua recepção como o artista mexicano contemporâneo mais importante e influente. As obras de Rivera foram frequentemente associadas ao Realismo Socialista, uma vez que expressaram frequentemente o seu ponto de vista político. De facto, no entanto, quase não existiam pontos de contacto estilísticos. O estilo e estética de Rivera, expressos principalmente nos grandes murais, baseavam-se nos frescos renascentistas italianos, na noção cubista de espaço, nas proporções clássicas, na representação do futurismo do movimento e da arte pré-colombiana. Os seus temas não se limitaram à observação das realidades sociais; também se dedicou a narrativas históricas e alegóricas complexas. Ao fazê-lo, ele desenvolveu os seus próprios modos de expressão únicos.

Quadros pretos

Não se conhece o número exacto de quadros do painel de Diego Rivera. Continuam a aparecer obras novas, anteriormente desconhecidas. Muitas vezes ocupam um lugar secundário em relação aos murais, mas são de grande importância para traçar o desenvolvimento artístico de Rivera e como ponto de referência para as suas futuras obras. Nas obras do seu período de formação no México de 1897 a 1907 e do seu tempo na Europa de 1907 a 1921, é possível rastrear o desenvolvimento de um artista que, em pouco tempo, adaptou e desenvolveu as mais diversas correntes artísticas e escolas nas suas obras. Rivera continuou este processo de aprendizagem ao longo da sua vida.

Nos seus primeiros quadros, Diego Rivera esforçou-se por conhecer o gosto da burguesia mexicana no início do século XX, tornando-se assim o pintor mais bem sucedido do México. Por esta razão, pintou principalmente temas sociais, seguindo o estilo do seu professor madrileno Eduardo Chicharro, bem como Ignacio Zulaogas. Utilizou também um simbolismo expansivo com motivos decadentistas das paisagens da Flandres por onde tinha viajado.

Em Paris, durante a sua primeira estadia na Europa, Rivera tinha entrado em contacto com o Pós-Impressionismo, que se tinha tornado uma referência para a pintura moderna, razão pela qual regressou a esta cidade em 1911, após uma curta estadia no México. Durante a sua segunda estadia em Paris, ele criou cerca de 200 obras cubistas e pertenceu ao grupo cubista durante algum tempo, até que rompeu com este estilo numa disputa. Diego Rivera veio ao Cubismo estudando a pintura maneirista e as pinturas paisagísticas de El Greco. Além disso, Ángel Zárraga mostrou-lhe as distorções composicionais e ópticas do modernismo. Posteriormente, Rivera criou algumas obras pré-cubistas antes de pintar Cubista de 1913 a 1918, não só adaptando a forma geométrica da aparência, mas também estando consciente do conteúdo revolucionário do Cubismo para a concepção do tempo e do espaço. Rivera não seguiu apenas as teorias de Georges Braque e Pablo Picasso, mas desenvolveu o seu próprio ponto de vista. Uma das obras típicas cubistas de Rivera é Sailors at Breakfast de 1914, uma pintura em que Diego Rivera utilizou uma espécie de grelha composicional numa tentativa de criar simultaneidade. O quadro mostra um homem cuja camisa listrada azul e branca e boné pompom com a palavra patrie o identifica como um marinheiro francês. Ele senta-se atrás de uma mesa e está incluído na grelha de composição. Ao utilizar este método composicional, Diego Rivera seguiu Juan Gris, que concebeu um objecto diferente em cada campo numa perspectiva consistentemente mantida, como Rivera fez aqui com o vidro e o peixe.

Outro trabalho notável da fase cubista de Rivera é Zapatista Landscape – The Guerrillero, no qual o artista expressou a sua simpatia pelos desenvolvimentos revolucionários na sua terra natal e a sua admiração por Emiliano Zapata. Este retrato iconográfico do líder revolucionário com os seus símbolos referentes à Revolução Mexicana, tais como o chapéu zapatista, o sarape, a espingarda e o cinto de cartucho, foram considerados demasiado permissivos por alguns representantes ortodoxos do Cubismo. A disputa resultante levou à saída de Rivera do Cubismo. Voltou-se para a pintura de paisagens inspirada por Paul Cézanne e em 1918 produziu as pinturas The Mathematician and Still Life with Flowers, que ecoaram a pintura académica.

A grande maioria das pinturas do painel de Rivera são retratos. Nestes, ele foi além da simples representação da pessoa e expandiu este género clássico, acrescentando referências psicológicas e simbólicas à pessoa representada. Uma das obras que exemplifica este género na obra de Rivera é o retrato de Lupe Marín de 1938, que mostra Guadalupe Marín, a quem Rivera já tinha imortalizado em pinturas e murais. A pintura mostra o modelo sentado numa cadeira no centro da composição. As suas costas são reflectidas num espelho. As cores são dominadas pelos tons castanhos e o branco do seu vestido. Rivera refere-se a vários modelos artísticos na sua representação. As proporções exageradas e a pose são emprestadas de El Greco, a reflexão refere-se a Velázquez, Manet e Ingres. A complexa estrutura da composição, por outro lado, com os seus planos e eixos sobrepostos e interligados, mostra paralelos a Paul Cézanne. Neste retrato, porém, Diego Rivera também fez referência directa ao seu fresco na Escuela Nacional Preparatoria, onde descreveu o modelo como Tlazolteotl, a deusa da purificação. No seu retrato de Marín, Rivera refere-se à representação mais conhecida desta deusa, que se encontra em Washington D.C. na colecção Dumbarton Oaks e mostra-a a dar à luz um ser humano. A expressão facial de Marín é claramente emprestada a partir desta estátua.

Rivera também usou o motivo do espelho no retrato Ruth Rivera de 1949, que mostra a sua filha numa vista traseira com o rosto voltado para o observador. Ela segura um espelho que mostra o seu rosto de perfil, emoldurado em amarelo ensolarado, e usa sandálias de alças e uma túnica branca, reminiscente de uma figura da antiguidade clássica. Esta representação de membros da família e cuidadores, como no caso da sua filha Ruth ou Lupe Marín, foi no entanto a excepção na obra de Diego Rivera. A maioria dos retratos foram obras encomendadas, tais como o retrato Natasha Zakólkowa Gelman de 1946, que mostra a esposa do produtor do filme Jacques Gelman com um vestido branco de noite num sofá. As calças brancas são drapeadas atrás da parte superior do corpo e da cabeça e paralelas à parte inferior do corpo. A posição do corpo da pessoa sentada refere-se à forma da flor, enquanto que a flor, pelo contrário, se destina a referir-se à essência da mulher distinta. Noutros retratos, Rivera usou vestuário que aludia ao México na sua coloração. Para além destas obras encomendadas, também produziu numerosos retratos de crianças indianas, tais como Os Filhos do Meu Pai (Retrato de Modesto e Jesús Sánchez) de 1930. Estes quadros eram particularmente populares entre os turistas como lembranças.

Ao longo do seu trabalho, Diego Rivera pintou numerosos auto-retratos. Estes normalmente mostraram-no como um pedaço de peito, ombro ou cabeça. O seu principal interesse era o seu rosto, enquanto que o fundo era normalmente simplesmente executado. Em contraste com os retratos encomendados, nos quais idealizou as sitters, Rivera retratou-se de forma extremamente realista nos seus auto-retratos. Ele estava consciente de que não estava em conformidade com o ideal de beleza, especialmente à medida que envelhecia. Na pintura As devastações do tempo de 1949, Rivera apresentou-se como um homem de cabelo grisalho com o rosto sulcado por rugas. No fundo da pintura, mostrou várias cenas da sua vida. Nas caricaturas, Diego Rivera retratou-se várias vezes como um sapo ou sapo. Também os utilizou como atributos em alguns dos seus retratos.

O México foi outro tema central das pinturas de Rivera. Inspirado pelo seu professor José María Velasco, Diego Rivera pintou a paisagem The Barn em 1904, que mostra um agricultor e um arado puxado por cavalos no primeiro plano central. Na margem direita da imagem está um celeiro, à esquerda e no fundo a imagem abre-se através de um portão para a paisagem, que termina no fundo do vulcão Popocatépetl. Depois de Velasco, Rivera esforçou-se por retratar no quadro o colorido típico da paisagem mexicana. A utilização da luz também volta para o professor.

Um motivo que apareceu várias vezes na obra de Rivera foram os vendedores de flores, que ele pintou a partir de 1925 e que tiveram sucesso junto do público. As flores não eram elementos decorativos mas tinham um significado emblemático. Diego Rivera conhecia o simbolismo da flor desde o tempo antes das conquistas espanholas. Com uma pintura representando vendedores de calla, Rivera conseguiu um prémio de aquisição numa exposição pan-americana em Los Angeles em 1925; a pintura foi adquirida pelo Museu de Arte do Condado de Los Angeles. Descreveu uma celebração religiosa no Canal de Santa Anita, que fazia parte da rede de canais desaparecidos na Cidade do México e arredores. Além disso, Rivera retratou os costumes nos seus painéis como na série Costumes de Natal de 1953 e 1954. O segundo painel intitula-se As Crianças Pedem Abrigo (Los niños pidiendo posada). Mostra crianças indianas e os seus pais com velas numa procissão nocturna. No fundo encontra-se uma extensão de água na qual a lua é reflectida e na frente da qual Maria e José podem ser vistos com o burro na sua viagem a Belém. Diego Rivera dedicou-se assim ao tema da piedade popular.

Em 1956, Diego Rivera produziu uma série de paisagens marinhas de pequeno formato intituladas Entardecer em Acapulco durante uma estadia recreativa na costa. Rivera pintou os pores-do-sol com cores brilhantes e emocionalmente carregadas. Estas experiências de cor foram uma excepção na obra de Rivera. O mar nestas paisagens marinhas é pacífico. Os quadros representam a necessidade de Diego Rivera de harmonia e paz no final da sua vida.

Murales

O muralismo mexicano entre 1921 e 1974 foi a primeira contribuição americana independente para a arte do século XX. Diego Rivera não foi o primeiro pintor de murales, nem figura destacada ou o mais importante teórico dos muralistas, mas foi indiscutivelmente um dos mais importantes representantes deste grupo, juntamente com David Alfaro Siqueiros e José Clemente Orozco. Os seus murais também ocupam uma posição de destaque no trabalho de Diego Rivera e atraíram mais atenção do que as suas pinturas, desenhos e ilustrações de painel. Depois de regressar de França em 1921, Diego Rivera, ainda sob a impressão dos frescos que tinha visto anteriormente em Itália, virou-se para a pintura mural, que foi entendida pelo Ministro da Educação José Vasconcelos como um meio de divulgar os ideais da Revolução e educar o povo. Produziu o seu primeiro mural em Janeiro de 1922 no Anfiteatro Bolívar da Escola Nacional Preparatória; foi a pedra de toque e o prelúdio da sua carreira como muralista e do muralismo em geral. Seguiram-se grandes e prestigiosas comissões para Rivera na Secretaria de Educação Pública, no Palácio Nacional e no Palácio de Bellas Artes. Também produziu vários murales nos Estados Unidos.

Um dos principais motivos que percorre os projectos murais no decurso da carreira de Rivera é a criação. Para além disso, muitas vezes, ele tematizou o seu ponto de vista político, imortalizou ideias e personalidades comunistas, e em alguns casos expressou a ideia do Panamericanismo. Num grande número de representações, ele tematizou a história mexicana, especialmente no que diz respeito ao seu período pré-colombiano. No início do seu trabalho como muralista, Diego Rivera foi ainda fortemente influenciado pela arte europeia. Ao longo do tempo, porém, desenvolveu cada vez mais o seu próprio estilo, no qual incorporou elementos mexicanos.

Diego Rivera fez o seu primeiro mural na Escuela Nacional Preparatoria. Ali, no Auditório Simón Bolívar, encontra-se a pintura A Criação. Do ponto de vista do artista, a obra permaneceu inacabada. Em vez de pintar a parede individual, Rivera tinha originalmente planeado decorar todo o auditório com a obra A História Fundamental da Humanidade. As primeiras ideias para esta obra de arte surgiram logo no início. Após a abertura do novo salão de baile em Setembro de 1910, surgiu a ideia de um mural, que Rivera também foi considerado para executar, mas cujos planos não foram prosseguidos devido ao curso da Revolução Mexicana. Rivera provavelmente visitou a sala no final de 1910; durante a sua segunda estadia na Europa, ele possuía plantas do salão de assembleia.

O primeiro esboço para este projecto mural foi feito durante a estadia de Rivera em Itália. Nele está uma referência a Perugia. Aí podia ver um fresco de duas partes na igreja de San Severo, cuja parte superior tinha sido pintada por Rafael e a parte inferior por Perugino. As pinturas, cada uma dividida verticalmente em três partes, influenciaram os murais de Rivera na forma e composição. No primeiro segmento, Rafael mostrou o Espírito Santo como a energia da criação, enquanto Rivera retratou uma força cósmica. No segmento do meio, Rafael mostrou Cristo como Ecce homo, Rivera o primeiro homem. No último segmento, o artista mexicano refere-se a Perugino no desenho das figuras. Tanto o fresco de Perugino como o mural de Rivera têm uma abertura no meio. O primeiro era utilizado para colocar a figura de um santo, enquanto que no salão de assembleia era colocado um órgão no mesmo. O desenho de Rivera foi baseado em formas geométricas básicas e seguiu a secção dourada.

Em Novembro de 1921, Diego Rivera iniciou os esboços para o mural de 109,64 metros quadrados, que completou em 1923. Nele, combinou elementos mexicanos e europeus de acordo com a sua pretensão de transferir a tradição mexicana para a arte moderna do século XX. Por exemplo, retratou uma típica floresta mexicana com uma garça e uma jaguatirica, ao mesmo tempo que dava às figuras o físico e a cor da pele dos mestiços. O nicho é dominado por uma grande figura masculina com braços estendidos. No eixo da imagem acima dele está um semicírculo azul rodeado por um arco-íris e três pares de mãos que criam o homem e distribuem a energia primordial. Nas figuras, para além das duas figuras do casal primordial na parte inferior esquerda e direita da figura, são representadas as virtudes e capacidades humanas. O semicírculo no centro superior da imagem está dividido em quatro triângulos equiláteros nos quais os números são indicados por estrelas: No primeiro triângulo são três, no segundo quatro, no terceiro dez e no quarto dois. Isto refere-se ao simbolismo numérico dos pitagóricos, cujo significado especial do número dez enfatiza o terceiro triângulo no seu significado. O primeiro e quarto triângulos referem-se ao casal primordial, que é encarnado pela mulher nua do lado esquerdo e pelo homem nu do lado direito da parede. O número de estrelas de ambos os triângulos corresponde a cinco, o que também fazia parte do misticismo do número pitagórico. As quatro estrelas do segundo triângulo referem-se aos quatro mathemaata, geometria, aritmética, astronomia e musicologia. As quatro também se repetem nos pares de mãos, três das quais rodeiam o círculo e uma delas pertence à grande figura que representa a humanidade como um todo. Este simbolismo, utilizado por Rivera, refere-se à educação e à busca da virtude, que deveriam ser propagadas nesta pintura.

Para o seu fresco, Rivera utilizou a técnica do encáustico. Desenhou sobre o gesso seco e aplicou os pigmentos de cor dissolvidos em cera. Estes foram depois queimados com uma tocha de soldadura.

Em Março de 1922, Diego Rivera foi encarregado por José Vasconcelos, juntamente com um grupo de jovens pintores, de pintar os três pisos arqueados dos dois pátios da Secretaría de Educación Pública, enquanto outros artistas decoravam os interiores do ministério. Os dois pátios são chamados o Pátio do Trabalho e o Pátio das Celebrações após a decoração temática pelos ciclos murais de Rivera, e juntos formam o trabalho Imagem do Sonho Político do Povo Mexicano. O trabalho de Rivera durou de 1923 a 1928, o projecto parou temporariamente quando Vasconcelos se demitiu do cargo de Ministro da Educação em resultado de disputas políticas. A obra era uma obra de arte política. Durante os anos em que as pinturas foram criadas, tanto a política mexicana como a posição política do artista mudaram muito. No início dos trabalhos, Rivera era um dos principais membros do Partido Comunista Mexicano; no final dos trabalhos, era crítico de Joseph Stalin e encontrou críticas crescentes mesmo dentro do partido. Um ano após a conclusão, Rivera foi mesmo expulsa da festa. Politicamente, as forças revolucionárias vitoriosas no início da década de 1920 só conseguiram manter-se no poder com dificuldade e foram atacadas por forças conservadoras; o governo era aliado do Partido Comunista. Ao longo do tempo, o governo conseguiu estabilizar, e no final dos anos 20 os comunistas tinham quase sido conduzidos para o subsolo. Os murais são uma obra de arte em que estes desenvolvimentos são expressos. Combinam uma grande variedade de elementos que podem ser descritos como realistas, revolucionários, clássicos, socialistas e nacionalistas. Rivera voltou-se para o México como assunto e desenvolveu o seu próprio estilo no qual incorporou elementos mexicanos.

Diego Rivera criou mais de 100 murais para decorar os pátios do Ministério da Educação. Neles, descreveu muitas ideias, algumas das quais contraditórias. Não podem ser resumidas sob qualquer tema metafísico abrangente; Rivera negociou incompatibilidades, resistências e diferenças entre elas. Ocupou um lugar secundário na própria obra, abstraindo em vez de se imortalizar nas imagens e desenhando electicamente na pintura, filme, política e antropologia europeia. Ao fazê-lo, utilizou uma forma muito directa de renderizar os seus súbditos, mostrando as pessoas nos seus lugares reais, com emblemas correspondentes ao significado dos símbolos mostrados. No Pátio do Trabalho, Diego Rivera desenvolveu uma alegoria sobre a compreensão da elite, no Pátio das Celebrações ele mostrou as multidões.

O Pátio dos Festivais tem como tema o projecto de criação de um novo calendário. No rés-do-chão, nas paredes sul, norte e oeste, encontram-se os murales centrais The Allocation of Common Pastures, The Street Market and Assembly, que mostram celebrações seculares. São grandes composições de portas, enquanto os painéis das paredes laterais mostram celebrações religiosas. As pinturas mostram a massa de pessoas e referem-se à realidade, enquanto O Pátio do Trabalho também tem uma referência metafísica. A concessão de pastagens comunitárias refere-se a uma das exigências centrais da Revolução Mexicana. Rivera imaginou a entrega de terras expropriadas à comunidade como um novo contrato social. No centro do mural, um funcionário lidera a assembleia com um gesto expansivo. Enquanto os homens estão nas ruas, as mulheres estão nos telhados das casas. Além disso, são também retratadas pessoas falecidas, como Emiliano Zapata, que está sentado num cavalo na borda direita da fotografia. Na forma como são representados, os murais de Diego Rivera fazem lembrar as representações de coros de anjos na Renascença, tais como nas pinturas de Fra Angelico. Esta composição estritamente ordenada reflecte a forte ritualização da política da aldeia. Com Assembly, Rivera produziu um fresco doutrinário no qual trabalhou deliberadamente com a esquerda e a direita como princípios de ordem. À esquerda, em Bolchevismo, o lado da classe progressista e revolucionária, o pintor mostrou os trabalhadores sob a forma de duas figuras feridas ensinando crianças. O líder dos trabalhadores com o punho levantado fala aos trabalhadores da metade esquerda do muro. Do lado direito, as pessoas são mostradas sombreadas, enquanto do lado esquerdo são mostradas à luz. Através desta iluminação, Rivera demonstrou a diferença entre esquerda e direita. Na margem direita do quadro em primeiro plano estão Zapta e Felipe Carillo Puerto, o governador de Yucatán, dois dos heróis mortos da revolução. O mercado de rua retrata a tentativa do governo de fortalecer a agricultura e reavivar o comércio popular da era pré-capitalista. Rivera não se esforçou tanto pela ordem composicional neste mural, mas permitiu que a multidão de pessoas aparecesse em ondas, mostrando deliberadamente a confusão no mercado. Este grande mural, em contraste com os dois primeiros, retoma velhas tradições em vez de romper com elas. Além disso, outros festivais e eventos relacionados com o decorrer do ano foram representados no pátio, tais como o Dia dos Mortos, O Festival do Milho e A Colheita. No primeiro andar, Rivera pintou os brasões de armas dos estados, e no primeiro andar, a Balada da Revolução Camponesa. Num dos frescos centrais deste ciclo, No Arsenal (en el arsenal), Rivera retratou a jovem Frida Kahlo, que tinha conhecido pouco antes, distribuindo espingardas aos trabalhadores revoltantes.

Os murales no Ministério da Educação pretendiam representar a nova realidade após a revolução. Como resultado das convulsões, foi produzido um extenso estudo interdisciplinar sob a direcção de Manuel Gamio e publicado em 1921 como The Population of the Teotihuacán Valley. Retomou teorias raciais mais antigas sobre os mestiços e compreendeu a evolução como uma evolução para o complexo, enquanto os mestiços foram propagados como o ideal. Diego Rivera desenhou em fotografias da publicação e retratou camponeses e trabalhadores de pele escura, com o nariz pontiagudo e rombo, vestidos de branco. Deste modo, emprestou legitimidade social às investigações e teorias divulgadas em O Povo do Vale de Teotihuacán.

As principais obras de muralismo de Diego Rivera são os murais no Palácio Nacional, edifício do parlamento do México e sede do governo. Entre 1929 e 1935 pintou a Epopeia do Povo Mexicano na escadaria principal, seguida pelo México Pré-colonial e Colonial num corredor no primeiro andar entre 1941 e 1952.

A epopeia do povo mexicano cobre um total de 277 metros quadrados de espaço de parede na escadaria central. A parede norte mostra o mural O Velho México, na parede oeste Rivera pintou o fresco da Conquista a 1930 e na parede sul completou o ciclo com o México Hoje e Amanhã. Formam um todo circular homogéneo. A primeira fase da obra no Palácio Nacional foi iniciada por Diego Rivera em Maio de 1929 e durou 18 meses até estar concluída em 15 de Outubro de 1930 com a pintura da assinatura no fresco O Velho México. Enquanto este trabalho ainda estava em curso, Rivera esboçou os outros murais. Em Novembro desse ano, viajou para os Estados Unidos, deixando o mural inacabado. Em Junho de 1931, Diego Rivera regressou à Cidade do México para pintar a parede principal. Trabalhou nele durante os cinco meses de 9 de Junho a 10 de Novembro de 1931, antes de viajar novamente para pintar nos Estados Unidos. Rivera completou o seu ciclo de frescos na escadaria do Palácio Nacional com o México Hoje e Amanhã, pintado entre Novembro de 1934 e 20 de Novembro de 1935. A assinatura deste fresco celebrou o 25º aniversário da Revolução Mexicana.

No centro da composição do fresco do México antigo está Quetzalcoatl em frente à Pirâmide do Sol e da Lua em Teotihuacán, integrando assim o senhor das culturas mesoamericanas e a maior metrópole pré-colombiana no quadro. Os vulcões referem-se ao Vale de Anáhuac, a partir do qual os Toltecas estabeleceram o seu domínio. Do vulcão no canto superior esquerdo do quadro sobe a serpente emplumada como a encarnação animal de Quetzalcoatl. É repetido na metade superior direita da imagem, onde ostenta a sua contraparte humana. Na metade direita do quadro Diego Rivera retratou actividades artesanais e agrícolas, na metade esquerda mostrou um guerreiro numa pirâmide a quem está a ser prestada homenagem. No canto inferior esquerdo, há um confronto bélico entre os guerreiros astecas e os povos que governavam.

Desde a Conquista até 1930 traça-se a história pós-conquista em episódios que se fundem uns com os outros. O fresco está dividido em três zonas horizontais. O inferior mostra a Conquista Espanhola do México, os episódios médios da colonização, e o superior, nos painéis arqueados, as intervenções do século XIX e vários actores da política e história mexicana do final do século XIX e a Revolução Mexicana. No centro inferior do fresco, Rivera pintou uma cena de batalha entre espanhóis e astecas, com a figura central Hernán Cortés sentado sobre um cavalo. Do lado direito, os soldados espanhóis disparam com mosquetes e um canhão, Rivera enfatizando a sua superioridade tecnológica. Na zona central do quadro, é representado o período colonial, de modo que, por exemplo, a destruição da cultura indiana e a cristianização são mostradas através da representação de clérigos e Cortéz com a sua esposa indiana Malinche. No meio desta zona, a independência mexicana é retratada. Na zona superior, a intervenção americana de 1846 a 1848 e a intervenção francesa no México de 1861 a 1867 são mostradas à direita. Nos três arcos centrais, numerosas figuras históricas do reinado de Porfirio Díaz e da Revolução Mexicana são retratadas. No centro do fresco, o animal heráldico do México, a águia, é retratado na opuntia, aqui segurando nas suas garras sinais de campo indianos em vez do cacto.

O ciclo na escadaria da sede do governo foi completado por Diego Rivera com o fresco México Hoje e Amanhã. Nele, dedicou-se à situação pós-revolucionária e deu uma perspectiva utópica. Na margem direita do quadro, está representada a luta dos trabalhadores com as forças conservadoras, onde Rivera também mostrou um trabalhador e camponês enforcado. No canto superior direito do quadro, um trabalhador agita-se e apela à luta. No centro do fresco encontram-se estruturas espaciais em forma de caixa mostrando, por exemplo, capitalistas em torno de um cartucho de stock, o Presidente Plutarco Elías Calles com maus conselheiros, e a igreja num estado de deboche. Em primeiro plano, Rivera pintou a sua esposa Frida Kahlo e a sua irmã Cristina como professores da aldeia e em direcção à margem esquerda dos trabalhadores do quadro. A figura central no canto superior médio do quadro é Karl Marx, segurando uma folha com um extracto do Manifesto Comunista e apontando com o seu braço direito para o canto superior esquerdo do quadro, onde Rivera pintou a utopia de um futuro socialista.

Entre 1941 e 1952, Diego Rivera pintou o ciclo México Pré-colonial e Colonial num corredor no primeiro andar do Palácio do Governo. Os frescos cobrem um total de 198,92 metros quadrados. Originalmente, foram planeados 31 frescos transportáveis para serem colocados nos quatro lados do pátio. No final, Rivera produziu apenas onze frescos e interrompeu o projecto várias vezes. O seu tema é uma representação sintética da história do México desde a época pré-colombiana até à Constituição de 1917. A referência às culturas indígenas do México, aos seus costumes, actividades, arte e produtos visava consolidar a identidade nacional. Rivera escolheu frescos coloridos e grisaille como forma de representação. O grande fresco O Grande Tenochtitlan (Vista do Mercado de Tlatelolco) mostra a visão de Diego Rivera sobre a antiga capital dos astecas, Tenochtitlan. Em frente ao panorama da arquitectura urbana em torno do Templo Mayor, são representadas actividades de mercado como o comércio de animais, o comércio de produtos alimentares e artesanais, bem como representantes das diferentes classes sociais como comerciantes, funcionários, curandeiros, guerreiros e cortesãos. Noutros painéis de parede, por exemplo, são representados a agricultura com culturas desconhecidas para os europeus e actividades artesanais individuais. Outro grande fresco mostra festivais e cerimónias dos Totonaks e a cultura do El Tajín, como a adoração da deusa Chicomecoatl. Em primeiro plano, os visitantes podem ser vistos a oferecer sacrifícios ao sítio. No último fresco deste ciclo, Rivera dedicou-se à conquista espanhola do México e do período colonial. Queria acima de tudo mostrar a subjugação e exploração dos índios e retratou Hernán Cortés de forma grotesca. Neste último fresco do projecto, que acabou por ficar inacabado, torna-se claro que Diego Rivera queria contrastar o esplendor idealizado do período pré-colombiano com o seu julgamento negativo dos conquistadores e conquistadores.

O trabalho mais notável de Diego Rivera do seu tempo nos Estados Unidos são os seus murales no Instituto de Artes de Detroit. São considerados o melhor trabalho dos muralistas mexicanos nos EUA. O tema destes frescos era a indústria de Detroit. Os frescos cobrem 433,68 metros quadrados e receberam vários títulos, tais como Detroit Industry, Dynamic Detroit e Man and Machine. Rivera visitou o Complexo Ford River Rouge em Dearborn, uma fábrica onde todo o fabrico de automóveis teve lugar. Chegou a Detroit quando a indústria automóvel de Michigan estava em crise, mas não a retratou nas suas obras, narrando em vez disso uma evolução da indústria e glorificando o progresso tecnológico. Durante as suas explorações da fábrica Ford, que duraram cerca de um mês, ele fez numerosos esboços. Além disso, ele e Frida Kahlo foram acompanhados por William J. Stettler, que tirou fotografias que Rivera utilizou no seu trabalho, bem como filmagens. Para além destas impressões de trabalho industrial, Rivera também se inspirou em trabalhos anteriores na sua obra. Além disso, a indústria exerceu sobre ele um tal fascínio que quis pintar todo o pátio em vez das duas superfícies de parede que tinha encomendado. Para tal recebeu a aprovação da comissão responsável a 10 de Junho de 1932. A 25 de Julho desse ano, Rivera iniciou o trabalho de pintura.

No pátio do Instituto de Artes de Detroit, Rivera produziu um ciclo fechado no qual descreveu todo o processo de produção automóvel. Mostrou as várias etapas do processamento das matérias-primas e as diferentes actividades dos trabalhadores ao longo do dia. O ciclo começa no muro leste do pátio com a representação da origem da vida. Isto é simbolizado por um feto humano. À esquerda e à direita abaixo dele estão os arados como símbolos da actividade industrial humana. A parede também retrata mulheres com cereais e fruta. Na parede oeste, o ar, a água e a energia são simbolizados pela indústria aeronáutica, a navegação e a produção de electricidade. Rivera pintou a aviação civil em contraste com a sua utilização militar. Esta justaposição foi retomada nos símbolos da pomba e da águia para a paz e a guerra. Além disso, o pintor também se referiu a um ramo do negócio da Ford com esta representação. A parede norte e a parede sul são cada uma superada por duas figuras guardiãs representando as quatro raças representadas na força de trabalho americana, segurando nas suas mãos o carvão, o ferro, a cal e a areia como recursos minerais. Estes elementos eram os materiais básicos da produção automóvel. Nos dois painéis principais das paredes norte e sul, Rivera pintou a produção do Ford V-8. Alguns dos trabalhadores são retratos de empregados da Ford e assistentes de Rivera.

Os murales que Diego Rivera pintou para o Instituto de Artes de Detroit foram alvo de críticas por várias razões. Por um lado, os pintores americanos, que não receberam comissões nos tempos da Grande Depressão, criticaram o facto de Rivera ser um mexicano que recebeu uma comissão lucrativa; por outro lado, o conteúdo dos frescos foi criticado como sendo destinado a publicitar a Ford. Foi principalmente em relação a esta última acusação que Diego Rivera foi defendido pelo director do museu. Edsel B. Ford sabia o que Rivera iria pintar quando prometeu o seu apoio ao projecto. O seu apoio e as visitas de Rivera à fábrica da Ford também se basearam no facto de a Ford ser o único industrial automóvel com interesse na arte moderna. Outro crítico foi Paul Cret, arquitecto do Instituto de Artes de Detroit, que viu a pintura das paredes como uma afronta à sua arquitectura. Além disso, alguns dos motivos de Rivera foram alvo de críticas da igreja e dos círculos religiosos e foram descritos como pornográficos, por exemplo. A imprensa criticou os murales, enquanto outros artistas e especialistas em arte, tais como directores de museus, a quem o director tinha apelado, defenderam as pinturas. No final, Ford apoiou o artista e a obra, a recepção dos frescos pelos trabalhadores foi positiva e o teor dos relatórios nacionais também mudou para melhor.

Os murais de Diego Rivera Man at the CrossroadsMan Controls the Universe (El hombre en el cruce de caminosEl hombre control del universo) para o Rockefeller Center, onde a pintura foi destruída, e o Palácio de Bellas Artes, onde foi finalmente executada, abordam as questões sociais, políticas e económicas de meados da década de 1930. A composição do mural é muito densa e também muito bem estruturada visualmente. A figura central é um trabalhador cuja cabeça, ombros, braços e mãos com luvas são posicionados onde duas grandes elipses se cruzam. Numa elipse está uma imagem telescópica do sol, da lua e de uma nebulosa estelar, na outra uma imagem microscópica de uma célula. O trabalhador utiliza um joystick e um painel de controlo para controlar uma grande máquina que controla o sistema de rega das plantas localizadas no fundo da imagem, aumentando assim o seu rendimento. Globalmente, ele representa o domínio do homem sobre ciência, medicina, indústria e agricultura com tecnologia moderna. O trabalhador tem uma expressão sombria no seu rosto, indicando que uma decisão fundamental está prestes a ser tomada. À sua direita e esquerda, as duas escolhas são representadas por elementos Rivera considerados típicos dos sistemas sociais soviético e americano. Na metade esquerda do quadro, à direita do trabalhador, podem ser vistas acima cenas de guerra com aviões de combate, tanques, bem como máscaras de gás usando soldados com espingardas e um lança-chamas. Em baixo, Rivera mostrou a polícia montada a espancar pessoas desempregadas na esquina da Wall Street com a Second Avenue. Ao seu lado, descreveu o magnata das finanças John D. Rockefeller Jr., juntamente com pessoas que jogam, namoriscam e bebem. À esquerda do trabalhador, do lado direito do fresco, por outro lado, um trabalhador e um soldado podem ser vistos a apertar a mão em frente de Lenine. Em frente ao mausoléu do Kremlin e de Lenine, trabalhadores e trabalhadoras reúnem-se pacificamente na Praça Vermelha. Além disso, as atletas do sexo feminino podem ser vistas a correr. A decisão do trabalhador no meio da composição para uma das duas opções ainda não foi tomada. Diego Rivera deixou isto claro ao dar aos dois o mesmo espaço.

Originalmente, este fresco deveria ser pintado no recém-construído Rockefeller Center, onde seria intitulado Homem na encruzilhada, Olhando Incerto mas Esperançoso, com uma Grande Visão de um Futuro Novo e Melhor. Rivera tinha sido convidada a competir ao lado de Henri Matisse e Pablo Picasso, mas recusou. No final, ele recebeu a comissão de qualquer forma, porque Picasso não respondeu de todo ao convite e Matisse não viu um lugar apropriado para a sua arte no movimentado hall de entrada. O conselheiro de Rockefeller, Hartley Burr Alexander, sugeriu um motivo explicitamente político para o mural previsto. Rockefeller seguiu uma linha sócio-política que incluía conselhos de empresa e um equilíbrio entre industriais e trabalhadores, mas a nomeação de um famoso artista comunista como Rivera veio como uma surpresa. Um papel neste contexto pode ter sido o apoio de Abby Aldrich Rockefeller, que tinha previamente recolhido obras de arte de Diego Rivera. A isto juntou-se a sua elevada reputação internacional e notoriedade para os murais no México e nos Estados Unidos.

Diego Rivera chegou a Nova Iorque no final de Março de 1933 para iniciar o fresco. Nessa altura, a situação política tinha sido exacerbada pelas políticas de Franklin D. As políticas do New Deal de Roosevelt e a nomeação de Hitler como Chanceler do Reich. Isto levou Rivera a alterar o seu desenho. Colocou agora o trabalhador individual no centro da sua composição e escolheu imagens drásticas para contrastar a situação nos EUA e na União Soviética. Acrescentou também o retrato de Lenine. Os Rockefellers sentiram-se cada vez mais provocados por este desenvolvimento ideológico da pintura. Em Dezembro de 1933, John D. Rockefeller Jr. considerou transferir o fresco ainda inacabado para o Museu de Arte Moderna. No entanto, esta ideia foi rejeitada. Foi finalmente destruída a 9 de Fevereiro de 1934. Após a destruição do fresco em Nova Iorque, Rivera pediu ao governo mexicano um espaço onde o pudesse pintar novamente. Acabou por ser encarregado de o fazer no Palácio de Bellas Artes. Rivera completou o fresco já em 1934.

Juntamente com David Alfaro Siqueiros e José Clemente Orozco, Diego Rivera é considerado o mais importante pintor modernista do México. Juntos eram conhecidos como Los Tres Grandes (Os Três Grandes). Rivera contribuiu para o desenvolvimento de uma arte mexicana independente após a revolução e para o estabelecimento do Muralismo, a primeira contribuição não europeia para a arte moderna. Os murais de Rivera ocupam uma posição de destaque na arte mexicana. Atraíram mais atenção do que as suas pinturas de painel, desenhos e ilustrações, e em certa medida eclipsaram e eclipsaram a apreciação do seu outro trabalho multifacetado. Fora do México, Rivera foi controverso, mas mesmo assim tornou-se o artista hispano-americano mais citado.

A obra de Rivera como um todo desafia a classificação num estilo uniforme. Rivera recebeu uma educação clássica sobre o modelo europeu no México, onde já foi sensibilizado para elementos tipicamente mexicanos por alguns dos seus professores. Na Europa, a sua pintura de painel passou por vários estilos num curto espaço de tempo. Por vezes pertencia ao grupo de Cubistas, no qual não só era um seguidor, como desenvolveu as suas próprias posições teóricas e defendia-as sem se afastar do conflito. Também em tempos posteriores, Diego Rivera antecipou vários estilos na sua pintura de painel; por exemplo, ele assumiu o surrealismo em duas pinturas em meados dos anos 30. Nos seus murais, Rivera desenvolveu finalmente o seu próprio estilo, que também retomou nos seus quadros. Combinou a técnica do fresco que tinha estudado em Itália com elementos indianos, declarações comunistas e socialistas e a representação da história. Desta forma, teve um efeito formativo e alcançou fama e notoriedade. O vencedor mexicano do Prémio Nobel da Literatura Octavio Paz descreveu Rivera como um materialista. Ele afirmou: “Os cultos de Rivera e as pinturas são sobretudo importantes. E concebe-a como uma mãe: como um grande ventre, uma grande boca e um grande túmulo. Como mãe, como magna mater, devorando e dando à luz tudo, a matéria é uma figura feminina sempre adormecida, adormecida e secretamente activa, dando constantemente vida como todas as grandes deusas da fertilidade”. A imagem da deusa da fertilidade e da criação foi directamente retomada por Diego Rivera em muitas das suas obras. Paz passou a descrever a riqueza do imaginário de Rivera e a sua “dinâmica de opostos e reconciliações de uma concepção dialéctica da história”. É por isso que Rivera desliza para a ilustração, quando tenta chegar a um acordo com a história”. Segundo Paz, esta representação da história corresponde a uma alegoria influenciada pelo marxismo, que em todas as obras mostra ou as forças do progresso ou a reacção, ou ambas em oposição uma à outra.

Mesmo durante a sua vida, formaram-se numerosos mitos em torno de Rivera, baseados na sua participação activa em eventos contemporâneos, nas suas amizades e confrontos com personalidades notáveis da cultura e da política e, não menos importante, nas suas relações com mulheres e, sobretudo, no seu casamento com Frida Kahlo. O próprio Diego Rivera desempenhou um papel activo na criação deste mito. Nas suas memórias, retratou-se como precoce, de origem exótica, um rebelde e um visionário. Este auto-retrato foi ainda mais divulgado através de várias biografias. O próprio Rivera teve dificuldade em distinguir entre fantasia e realidade, mas a sua realidade era muito mais pouco espectacular. A sua biógrafa Gladys March escreveu: “Rivera, cujo trabalho foi mais tarde fazer da história mexicana um dos grandes mitos do nosso século, foi incapaz de conter a sua imaginação prodigiosa enquanto me descrevia a sua própria vida. Certos acontecimentos, especialmente desde os seus primeiros anos, ele tinha-se transformado em lendas”. Rivera estava sempre consciente do seu sucesso e do seu talento e estava certo de ocupar uma posição significativa na história da arte.

Exposições

Durante a sua primeira fase de carreira na Europa, Diego Rivera expôs várias vezes em exposições colectivas juntamente com outros artistas importantes e famosos como Pablo Picasso, Paul Cézanne e Juan Gris, por exemplo em Madrid em 1915 e em Nova Iorque em 1916. De 2 de Setembro a 21 de Outubro de 1916, Rivera teve também a sua primeira exposição individual, Exposição de Pinturas de Diego Rivera e Arte Pré-conquista Mexicana. Em 1923, as obras de Rivera fizeram parte da exposição anual da Society of Independent Artists em Nova Iorque. Em 1928, foi publicada em Berlim a primeira monografia sobre os murales de Diego Rivera. A 18 de Janeiro desse ano, a galeria do Arts Center em Nova Iorque, organizada por Francis Flynn Paine, apresentou uma exposição colectiva das pinturas de Diego Rivera. O patrocínio para esta exposição foi assumido pela família Rockefeller e pelo estado mexicano.

A primeira monografia sobre os frescos de Rivera nos Estados Unidos seguiu-se em 1929. O livro, intitulado Os frescos de Diego Rivera, foi escrito por Ernestine Evans. Além disso, por instigação de William Spratling, recebeu a Medalha de Belas Artes do Instituto Americano de Arquitectos pela sua contribuição artística para a arquitectura. No ano seguinte, um mural transportável de Rivera foi apresentado na exposição Mexican Arts, com curadoria de René d”Harnoncourt, que foi exibido no Museu Metropolitano de Arte em Outubro e posteriormente em 13 outros locais nos EUA. Foi o primeiro fresco de Rivera a ser exibido nos Estados Unidos. A 13 de Novembro de 1930, o artista viajou para os Estados Unidos pela primeira vez, onde uma retrospectiva foi aberta em São Francisco a 15 de Novembro no Palácio da Legião de Honra da Califórnia. No final desse ano, a segunda exposição no novo Museu de Arte Moderna foi a grande retrospectiva concebida pelo próprio Rivera, para a qual ele tinha criado especialmente oito frescos transportáveis. Nos EUA, Rivera também criou frescos em vários edifícios como a Bolsa de Valores de São Francisco e o Instituto de Artes de Detroit e para clientes privados. Ao contrário das comissões públicas que Rivera executou para o governo no México, muitas destas obras só eram acessíveis a círculos seleccionados nos EUA e eram apoiadas por pessoas como Ford e Rockefeller que na realidade se opunham à sua ideologia comunista. Rivera tornou-se objecto de feroz controvérsia nos Estados Unidos, lutou na imprensa e na crítica de arte. Os conservadores criticaram e condenaram a sua arte, enquanto os esquerdistas e artistas a defenderam e elogiaram. No seu projecto em Detroit, foi defendido pela Ford contra esta crítica; em Nova Iorque, o próprio Rockefeller tomou uma posição crítica e no final teve a obra inacabada destruída devido à atitude comunista expressa na mesma.

Os desenhos e aguarelas de Rivera foram expostos numa exposição no Museu de Arte Moderna de São Francisco em 1939. Também participou na exposição Mexique, organizada por André Breton na galeria Renou et Colle em Paris, com a pintura gouache Communicating Vessels. Além disso, algumas das obras de Rivera foram expostas por Inés Amor numa exposição colectiva de arte mexicana na Golden Gate International Exposition. No ano seguinte, mais das suas obras foram incluídas na exposição de pintura e Artes Gráficas Contemporâneas Mexicanas no Museu das Ilhas do Tesouro, como parte desta exposição. Além disso, em 1940, o Museu de Arte Moderna organizou a exposição Twenty Centuries of Mexican Art, na qual foram expostas as pinturas de Rivera. Em 1941, MacKinley Helm seleccionou as obras de Rivera para a sua exposição Modern Mexican Painters no Institute of Modern Arts em Boston. Posteriormente foi também exposto na colecção Phillips em Washington D.C., no Museu de Arte de Cleveland, no Museu de Arte de Portland, no Museu de Arte Moderna de São Francisco e no Museu de Arte de Santa Bárbara. Em 1943, o Museu de Arte da Filadélfia mostrou dois dos frescos transportáveis que Rivera tinha pintado para o Museu de Arte Moderna na exposição Arte Mexicana Hoje.

A 1 de Agosto de 1949, a grande retrospectiva 50 años de la obra pictória de Diego Rivera foi aberta no Palácio de Bellas Artes pelo Presidente Miguel Alemán Valdés. O próprio Rivera tinha seleccionado 1196 obras para a exposição. Foi também compilada uma grande monografia para a ocasião, que foi então publicada a 25 de Agosto de 1951. Outra importante retrospectiva da obra de Rivera teve lugar no Museum of Fine Arts, Houston, de 11 de Fevereiro a 11 de Março de 1951. Para a exposição Art mexicain. Du précolombien à nous jours em 1952 em Paris, o governo mexicano encomendou um fresco transportável de Diego Rivera, que foi primeiro censurado e depois confiscado devido à sua representação de Mao e Estaline como pacificadores. Embora tenha sido devolvido a Rivera, não fazia parte da exposição, que no entanto apresentava 24 obras importantes da sua autoria. Além disso, a capa do catálogo apresentava um Rivera propriedade do presidente mexicano. O pintor mostrou o fresco rejeitado na reunião da Frente Revolucionária de Pintores a 30 de Março de 1952 e depois enviou-o numa exposição itinerante para a República Popular da China. Ali, no decurso da Revolução Cultural, o vestígio do quadro perdeu-se. Na Europa, no ano seguinte, a exposição Arte Mexicana do Pre-Colombian Times ao Present Day foi também exibida em Liljevalchs Konsthall em Estocolmo e na Tate Gallery em Londres, onde Diego Rivera foi o melhor e mais amplamente apresentado pintor.

Mesmo após a morte de Rivera, quase não houve qualquer recuo na actividade expositiva em torno do seu trabalho, porque como um dos artistas latino-americanos mais conhecidos, ele tinha um nome atractivo. Ou foi colocado em ligação com outros grandes nomes do modernismo mexicano, Orozco e Siquerios, ou a sua obra foi colocada num contexto maior, como na exposição Muro – Imagem – México de 1982 na Galeria Nacional de Berlim, ou considerada individualmente, como em Diego Rivera: Uma Retrospectiva no Museu de Artes de Filadélfia em 1985. A exposição de Filadélfia foi a maior e mais importante das obras de Rivera nos EUA desde a sua exposição no Museu de Arte Moderna em 1931. Nos últimos anos, a pintura do painel de Rivera, em particular, tem vindo a ganhar cada vez mais destaque, como na exposição Diego Rivera: The Cubist Portraits, 1913-1917, que foi exibida no Museu Meadows em Dallas em 2009. Este aspecto do seu trabalho foi também objecto de um número crescente de publicações.

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Museus

Existem vários museus na Cidade do México que são particularmente dedicados à obra de Diego Rivera. O Museo Diego Rivera Anahuacalli foi originalmente planeado por Diego Rivera como residência e local para albergar a sua colecção pré-colombiana. Em 1942, adquiriu um terreno em San Pablo Tepetla, que ainda se encontrava fora da cidade na altura. Aí mandou construir primeiro as fundações da casa sem licença de construção, depois a 30 de Março de 1944 recebeu autorização para construir o Museo Anahuacalli. O edifício baseia-se numa arquitectura pré-colombiana em pirâmide. O museu só foi concluído em 1963 e inaugurado em 1964. Compreende a colecção de 50.000 objectos que Rivera tinha amealhado ao longo da sua vida. Em Agosto de 1955, Diego Rivera confiou ao Banco Nacional do México a gestão do seu trabalho e do Museo Frida Kahlo; o fiduciário assumiu também a administração do Museo Anahuacalli e do Museo Frida Kahlo.

O Museo Casa Estudio Diego Rivera y Frida Kahlo foi fundado a 21 de Abril de 1981 e inaugurado a 16 de Dezembro de 1986 na casa dupla do casal de artistas em San Angel, Cidade do México. Apenas um número relativamente pequeno das suas obras de arte é apresentado nele, mas muitos objectos do quotidiano, bem como o estúdio de Rivera, foram preservados no seu estado original. O Museo Mural Diego Rivera foi fundado em 1985 após o forte terramoto em Michoacán, que também causou grande destruição na Cidade do México. Rivera tinha pintado um mural no Hotel del Prado em 1948 que continha a frase controversa Dios no existe (Deus não existe.) e por isso foi discutido de forma controversa e acabou por ser encoberto durante anos. Após o hotel ter sido bastante danificado, as obras de arte de 4,75 metros de altura, 15,67 metros de largura e 35 toneladas foram transferidas para o museu, que também exibe outras pinturas de Rivera.

O Museu Dolores Olmedo alberga a maior colecção privada de obras de Diego Rivera e Frida Kahlo do mundo. Além disso, obras de Angelina Beloff, parceira de Rivera de Paris, também são aí mostradas.

Fontes