Edvard Munch

gigatos | Janeiro 1, 2022

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Resumo

Edvard Munch (12 de Dezembro de 1863 – 23 de Janeiro de 1944) era um pintor norueguês. A sua obra mais conhecida, The Scream, tornou-se uma das imagens icónicas da arte mundial.

A sua infância foi ensombrada por doenças, luto e o pavor de herdar uma condição mental que corria na família. Ao estudar na Escola Real de Arte e Design em Kristiania (hoje Oslo), Munch começou a viver uma vida boémia sob a influência do niilista Hans Jæger, que o incitou a pintar o seu próprio estado emocional e psicológico (“pintura da alma”). Daí emergiu o seu estilo distintivo.

As viagens trouxeram novas influências e pontos de venda. Em Paris, aprendeu muito com Paul Gauguin, Vincent van Gogh e Henri de Toulouse-Lautrec, especialmente o seu uso da cor. Em Berlim, conheceu o dramaturgo sueco August Strindberg, que pintou, ao embarcar no seu cânone maior O Friso da Vida, retratando uma série de temas profundamente sentidos como o amor, a ansiedade, o ciúme e a traição, mergulhados na atmosfera.

O Grito foi concebido em Kristiania. Segundo Munch, ele estava a passear ao pôr-do-sol, quando “ouviu o enorme e infinito grito da natureza”. O rosto agonizado da pintura é amplamente identificado com a angústia da pessoa moderna. Entre 1893 e 1910, ele fez duas versões pintadas e duas em pastel, bem como uma série de gravuras. Um dos pastéis acabaria por comandar o quarto preço nominal mais elevado pago por um quadro em leilão.

À medida que a sua fama e riqueza cresciam, o seu estado emocional permanecia inseguro. Considerou brevemente o casamento, mas não se podia comprometer. Um colapso em 1908 forçou-o a deixar de beber muito, e foi animado pela sua aceitação crescente pelo povo de Kristiania e pela sua exposição nos museus da cidade. Os seus últimos anos foram passados a trabalhar em paz e privacidade. Embora as suas obras tenham sido proibidas na Alemanha nazi, a maioria delas sobreviveu à Segunda Guerra Mundial, assegurando-lhe um legado.

Infância

Edvard Munch nasceu numa quinta na aldeia de Ådalsbruk em Løten, Noruega, de Laura Catherine Bjølstad e Christian Munch, o filho de um padre. Christian era médico e oficial médico que casou com Laura, uma mulher com metade da sua idade, em 1861. Edvard teve uma irmã mais velha, Johanne Sophie, e três irmãos mais novos: Peter Andreas, Laura Catherine, e Inger Marie. Laura era artisticamente talentosa e pode ter encorajado Edvard e Sophie. Edvard era parente do pintor Jacob Munch e do historiador Peter Andreas Munch.

A família mudou-se para Christiania (rebaptizada Kristiania em 1877, e agora Oslo) em 1864, quando Christian Munch foi nomeado oficial médico na Fortaleza de Akershus. A mãe de Edvard morreu de tuberculose em 1868, tal como a irmã preferida de Munch, Johanne Sophie, em 1877. Após a morte da mãe, os irmãos Munch foram criados pelo seu pai e pela sua tia Karen. Frequentemente doente durante grande parte dos Invernos e mantido fora da escola, Edvard desenhava para se manter ocupado. Era orientado pelos seus colegas de escola e pela sua tia. Christian Munch também instruía o seu filho em história e literatura, e entretinha as crianças com histórias de fantasmas vívidas e os contos do escritor americano Edgar Allan Poe.

Como Edvard se lembrou, o comportamento positivo de Christian para com os seus filhos foi ensombrado pelo seu mórbido pietismo. Munch escreveu: “O meu pai estava temperamentalmente nervoso e obsessivamente religioso – até ao ponto de psiconeurose. Dele herdei as sementes da loucura. Os anjos do medo, da tristeza e da morte estiveram ao meu lado desde o dia em que nasci”. Christian repreendeu os seus filhos dizendo-lhes que a sua mãe estava a olhar do céu e a sofrer pelo seu mau comportamento. O meio religioso opressivo, a saúde precária de Edvard, e as histórias de fantasmas vívidos ajudaram a inspirar as suas visões macabras e pesadelos; o rapaz sentiu que a morte estava constantemente a avançar sobre ele. Uma das irmãs mais novas de Munch, Laura, foi diagnosticada com uma doença mental numa idade precoce. Dos cinco irmãos, apenas Andreas casou, mas ele morreu alguns meses após o casamento. Munch escreveria mais tarde: “Herdei dois dos inimigos mais assustadores da humanidade – a herança do consumo e da insanidade”.

O salário militar de Christian Munch era muito baixo, e as suas tentativas de desenvolver uma prática privada falharam, mantendo a sua família numa pobreza gentil mas perene. Eles mudavam-se frequentemente de um apartamento barato para outro. Os primeiros desenhos e aguarelas de Munch retratavam estes interiores, e os objectos individuais, tais como frascos de medicamentos e instrumentos de desenho, mais algumas paisagens. Pela sua adolescência, a arte dominava os interesses de Munch. Aos treze anos, Munch teve a sua primeira exposição a outros artistas na recém-formada Associação de Arte, onde admirava o trabalho da escola de paisagismo norueguesa. Regressou para copiar as pinturas, e logo começou a pintar em óleo.

Estudos e influências

Em 1879, Munch matriculou-se numa escola técnica para estudar engenharia, onde se distinguiu em física, química e matemática. Aprendeu desenho em escala e perspectiva, mas as doenças frequentes interromperam os seus estudos. No ano seguinte, para grande desilusão do seu pai, Munch deixou a faculdade determinado a tornar-se pintor. O seu pai via a arte como um “comércio profano”, e os seus vizinhos reagiram amargamente e enviaram-lhe cartas anónimas. Em contraste com o pietismo raivoso do seu pai, Munch adoptou uma postura pouco dogmática em relação à arte. Ele escreveu o seu objectivo no seu diário: “Na minha arte, tento explicar a vida e o seu significado para mim próprio”.

Em 1881, Munch matriculou-se na Escola Real de Arte e Design de Kristiania, um dos seus fundadores foi o seu parente distante Jacob Munch. Os seus professores foram o escultor Julius Middelthun e o pintor naturalista Christian Krohg. Nesse ano, Munch demonstrou a sua rápida absorção da sua formação artística na academia nos seus primeiros retratos, incluindo um do seu pai e o seu primeiro auto-retrato. Em 1883, Munch participou na sua primeira exposição pública e partilhou um estúdio com outros estudantes. O seu retrato completo de Karl Jensen-Hjell, um notório boémio da boémia da cidade, mereceu a resposta desdenhosa de um crítico: “É o impressionismo levado ao extremo. É uma farsa de arte”. As pinturas nuas de Munch deste período sobrevivem apenas em esboços, excepto no caso do Nu em Pé (1887). Podem ter sido confiscadas pelo seu pai.

Desde jovem Munch foi influenciado por impressionistas como Édouard Manet e mais tarde por artistas pós-impressionistas incluindo Vincent van Gogh e Paul Gauguin. Durante estes primeiros anos, ele experimentou muitos estilos, incluindo Naturalismo e Impressionismo. Alguns dos primeiros trabalhos fazem lembrar Manet. Muitas destas tentativas trouxeram-lhe críticas desfavoráveis por parte da imprensa e receberam-lhe repreensões constantes do seu pai, que, no entanto, lhe proporcionou pequenas somas para despesas de subsistência. A certa altura, porém, o pai de Munch, talvez influenciado pela opinião negativa do primo de Munch, Edvard Diriks (um pintor estabelecido e tradicional), destruiu pelo menos um quadro (provavelmente um nu) e recusou-se a adiantar mais dinheiro para o fornecimento de arte.

Munch também recebeu a ira do seu pai pela sua relação com Hans Jæger, o niilista local que vivia segundo o código “uma paixão a destruir é também uma paixão criativa” e que defendia o suicídio como o caminho final para a liberdade. Munch foi submetido ao seu feitiço malévolo e anti-estabelecimento. “As minhas ideias desenvolveram-se sob a influência dos boémios ou melhor, sob a influência de Hans Jæger. Muitas pessoas afirmaram erradamente que as minhas ideias foram formadas sob a influência de Strindberg e dos Alemães … mas isso está errado. Eles já tinham sido formados até então”. Nessa altura, ao contrário de muitos dos outros boémios, Munch ainda respeitava as mulheres, bem como era reservado e bem educado, mas começou a ceder ao binge drinking e às rixas do seu círculo. Ficou perturbado com a revolução sexual em curso na altura e com as mulheres independentes que o rodeavam. Mais tarde tornou-se cínico em relação a questões sexuais, expresso não só no seu comportamento e na sua arte, mas também nos seus escritos, sendo um exemplo um longo poema chamado A Cidade do Amor Livre. Ainda dependente da sua família para muitas das suas refeições, a relação de Munch com o seu pai permaneceu tensa devido às preocupações sobre a sua vida boémia.

Após numerosas experiências, Munch concluiu que a linguagem impressionista não permitia uma expressão suficiente. Ele achou-a superficial e demasiado parecida com a experimentação científica. Ele sentiu a necessidade de ir mais fundo e explorar situações repletas de conteúdo emocional e energia expressiva. Sob o mandamento de Jæger de que Munch deveria “escrever a sua vida”, o que significa que Munch deveria explorar o seu próprio estado emocional e psicológico, o jovem artista iniciou um período de reflexão e auto-exame, registando os seus pensamentos no seu “diário da alma”. Esta perspectiva mais profunda ajudou a levá-lo a uma nova visão da sua arte. Ele escreveu que a sua pintura A Criança Doente (1886), baseada na morte da sua irmã, foi a sua primeira “pintura da alma”, a sua primeira pausa do Impressionismo. A pintura recebeu uma resposta negativa da crítica e da sua família, e causou outra “violenta explosão de indignação moral” por parte da comunidade.

Apenas o seu amigo Christian Krohg o defendeu:

Ele pinta, ou melhor, considera as coisas de uma forma diferente da de outros artistas. Ele vê apenas o essencial, e isso, naturalmente, é tudo o que ele pinta. Por esta razão, os quadros de Munch são, em regra, “não completos”, como as pessoas estão tão encantadas por descobrir por si próprias. Oh, sim, estão completos. O seu trabalho manual completo. A arte está completa uma vez que o artista tenha realmente dito tudo o que estava na sua mente, e esta é precisamente a vantagem que Munch tem sobre os pintores da outra geração, que ele sabe realmente como nos mostrar o que sentiu, e o que o tem agarrado, e a isto subordina tudo o resto.

Munch continuou a empregar uma variedade de técnicas de pinceladas e paletas de cor ao longo da década de 1880 e início da década de 1890, à medida que se esforçava por definir o seu estilo. A sua expressão idiomática continuava a oscilar entre naturalista, como se viu em Portrait of Hans Jæger, e impressionista, como na Rue Lafayette. A sua Inger On the Beach (1889), que causou outra tempestade de confusão e controvérsia, insinuações sobre as formas simplificadas, contornos pesados, contrastes agudos, e conteúdo emocional do seu estilo maduro que estava para vir. Ele começou a calcular cuidadosamente as suas composições para criar tensão e emoção. Embora estilisticamente influenciado pelos Pós-Impressionistas, o que evoluiu foi um assunto que era simbolista no conteúdo, representando um estado de espírito em vez de uma realidade externa. Em 1889, Munch apresentou a sua primeira exposição individual de quase todas as suas obras até à data. O reconhecimento que recebeu levou a uma bolsa estatal de dois anos para estudar em Paris sob a direcção do pintor francês Léon Bonnat.

Munch parece ter sido um dos primeiros críticos da fotografia como forma de arte, e observou que “nunca irá competir com o pincel e a paleta, até que as fotografias possam ser tiradas no Céu ou no Inferno”!

A irmã mais nova de Munch, Laura, foi o tema da sua Melancolia interior de 1899: Laura. Amanda O”Neill diz da obra: “Nesta cena claustrofóbica aquecida, Munch não só retrata a tragédia de Laura, mas também o seu próprio pavor da loucura que poderia ter herdado”.

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Paris

Munch chegou a Paris durante as festividades da Exposição Universelle (1889) e alojou-se com dois colegas artistas noruegueses. A sua fotografia Manhã (1884) foi exposta no pavilhão norueguês. Passou as suas manhãs no movimentado estúdio de Bonnat (que incluía modelos femininas) e as tardes na exposição, galerias e museus (onde se esperava que os estudantes fizessem cópias como forma de aprendizagem técnica e observação). Munch registou pouco entusiasmo pelas aulas de desenho de Bonnat – “cansa-me e aborrece-me – é um entorpecimento” – mas apreciou o comentário do mestre durante as viagens ao museu.

Munch ficou encantado com a vasta exposição da arte moderna europeia, incluindo as obras de três artistas que se revelariam influentes: Paul Gauguin, Vincent van Gogh, e Henri de Toulouse-Lautrec-all notáveis pela forma como utilizavam a cor para transmitir emoção. Munch foi particularmente inspirado pela “reacção de Gauguin contra o realismo” e pelo seu credo de que “a arte era obra humana e não uma imitação da Natureza”, uma crença anteriormente afirmada por Whistler. Como um dos seus amigos de Berlim disse mais tarde sobre Munch, “ele não precisa de se dirigir ao Taiti para ver e experimentar o primitivo na natureza humana”. Ele carrega o seu próprio Taiti dentro de si”. Influenciado por Gauguin, bem como pelas gravuras do artista alemão Max Klinger, Munch experimentou as gravuras como um meio para criar versões gráficas das suas obras. Em 1896 criou o seu primeiro xilogravura – um meio que se revelou ideal para o imaginário simbólico de Munch. Juntamente com o seu contemporâneo Nikolai Astrup, Munch é considerado um inovador do meio de xilogravura na Noruega.

Em Dezembro de 1889, o seu pai morreu, deixando a família de Munch destituída. Regressou a casa e conseguiu um grande empréstimo de um coleccionador norueguês rico quando parentes ricos não conseguiram ajudar, e assumiu a responsabilidade financeira pela sua família a partir de então. A morte de Christian deprimiu-o e ele foi atormentado por pensamentos suicidas: “Vivo com a falecida – a minha mãe, a minha irmã, o meu avô, o meu pai… Mata-te e depois acaba-se tudo. Porquê viver?” As pinturas de Munch do ano seguinte incluíram cenas de taberna esboçadas e uma série de paisagens urbanas brilhantes nas quais ele experimentou o estilo pontilhista de Georges Seurat.

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Berlim

Em 1892, Munch formulou a sua característica, e original, estética Sintética, como se vê em Melancolia (1891), em que a cor é o elemento carregado de símbolos. Considerado pelo artista e jornalista Christian Krohg como a primeira pintura simbolista de um artista norueguês, Melancholy foi exposta em 1891 na Exposição de Outono em Oslo. Em 1892, Adelsteen Normann, em nome da União dos Artistas de Berlim, convidou Munch para expor na sua exposição de Novembro, a primeira exposição individual da sociedade. Contudo, as suas pinturas evocaram uma controvérsia amarga (apelidada “O caso Munch”), e após uma semana a exposição encerrou. Munch ficou satisfeito com a “grande comoção”, e escreveu numa carta: “Nunca tive um tempo tão divertido – é incrível que algo tão inocente como a pintura tenha criado uma tal agitação”.

Em Berlim, Munch envolveu-se num círculo internacional de escritores, artistas e críticos, incluindo o dramaturgo sueco e principal intelectual August Strindberg, que pintou em 1892. Conheceu também o escritor e pintor dinamarquês Holger Drachmann, a quem pintou em 1898. Drachmann foi 17 anos sénior de Munch e companheiro de bebida em Zum schwarzen Ferkel, em 1893-94. Em 1894, Drachmann escreveu sobre Munch: “Ele esforça-se muito. Boa sorte com as suas lutas, norueguês solitário”.

Durante os seus quatro anos em Berlim, Munch esboçou a maioria das ideias que compreenderiam a sua obra principal, O Friso da Vida, primeiro concebida para a ilustração de livros, mas posteriormente expressa em pinturas. Vendeu pouco, mas obteve algum rendimento com a cobrança de taxas de entrada para ver as suas polémicas pinturas. Já Munch mostrava relutância em separar-se das suas pinturas, que ele denominou os seus “filhos”.

As suas outras pinturas, incluindo cenas de casino, mostram uma simplificação de forma e detalhe que marcou o seu estilo inicial de maturidade. Munch começou também a favorecer um espaço pictórico pouco profundo e um pano de fundo mínimo para as suas figuras frontais. Uma vez que as poses foram escolhidas para produzir as imagens mais convincentes dos estados de espírito e condições psicológicas, como em Ashes, as figuras conferem uma qualidade monumental e estática. As figuras de Munch parecem desempenhar papéis num palco de teatro (uma vez que cada personagem encarna uma única dimensão psicológica, como em O Grito, os homens e mulheres de Munch começaram a parecer mais simbólicos do que realistas. Ele escreveu: “Já não devem ser pintados interiores, pessoas a ler e mulheres a tricotar: haveria pessoas vivas, a respirar e a sentir, a sofrer e a amar”.

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O Grito

O Scream existe em quatro versões: dois pastéis (1893 e 1895) e duas pinturas (1893 e 1910). Existem também várias litografias de The Scream (1895 e posteriores).

O pastel de 1895 foi vendido em leilão a 2 de Maio de 2012 por US$119.922.500, incluindo comissão. É a mais colorida das versões e distingue-se pela posição de baixo de uma das suas figuras de fundo. É também a única versão que não é mantida por um museu norueguês.

A versão 1893 foi roubada da Galeria Nacional em Oslo em 1994 e recuperada. A pintura de 1910 foi roubada em 2004 do Museu Munch em Oslo, mas recuperada em 2006 com danos limitados.

O Grito é a obra mais famosa de Munch, e uma das pinturas mais reconhecíveis em toda a arte. Tem sido amplamente interpretado como representando a ansiedade universal do homem moderno. Pintado com amplas faixas de cores garridas e formas altamente simplificadas, e empregando um ponto de vista elevado, reduz a figura agonizada a um crânio garrido no auge de uma crise emocional.

Com este quadro, Munch atingiu o seu objectivo declarado de “o estudo da alma, ou seja, o estudo do meu próprio eu”. Munch escreveu sobre como o quadro veio a ser: “Eu estava a caminhar pela estrada com dois amigos quando o sol se pôs; de repente, o céu ficou vermelho como o sangue. Eu parei e encostei-me à cerca, sentindo-me incrivelmente cansado. Línguas de fogo e sangue estendiam-se sobre o fiorde preto azulado. Os meus amigos continuaram a caminhar, enquanto eu fiquei para trás, a tremer de medo. Depois ouvi o enorme e infinito grito da natureza”. Mais tarde, descreveu a angústia pessoal por detrás do quadro, “durante vários anos fiquei quase louco… Conhece o meu quadro, ”O Grito? estive estendido até ao limite – a natureza gritava no meu sangue… Depois disso, perdi a esperança de poder amar novamente”.

Em resumo, a autora Martha Tedeschi declarou

A mãe de Whistler, o gótico americano de Wood, a Mona Lisa de Leonardo da Vinci e o The Scream de Edvard Munch conseguiram todos algo que a maioria das pinturas – independentemente da sua importância histórica, beleza ou valor monetário – não conseguiram: comunicam um significado específico quase imediatamente a quase todos os espectadores. Estas poucas obras fizeram com sucesso a transição do reino de elite do visitante do museu para o enorme local da cultura popular.

Friso da Vida – Um Poema sobre a Vida, o Amor e a Morte

Em Dezembro de 1893, Unter den Linden em Berlim foi o local de uma exposição da obra de Munch, mostrando, entre outras peças, seis quadros intitulados Estudo para uma Série: O amor. Este começou um ciclo que mais tarde chamou o Friso da Vida – Um Poema sobre a Vida, o Amor e a Morte. Os motivos do Friso da Vida, tais como A Tempestade e o Luar, estão impregnados de atmosfera. Outros motivos iluminam o lado nocturno do amor, tais como A Rosa e a Amélia e o Vampiro. Em Morte no Quarto do Doente, o tema é a morte da sua irmã Sophie, que ele reelaborou em muitas variações futuras. O foco dramático do quadro, retratando toda a sua família, está disperso nas figuras separadas e desconexas da dor. Em 1894, ampliou o espectro dos motivos, acrescentando Ansiedade, Cinzas, Madonna e Mulheres em Três Estágios (da inocência à velhice).

Por volta do início do século XX, Munch trabalhou para terminar o “Frieze”. Ele pintou uma série de quadros, vários deles em formato maior e, em certa medida, com a estética Art Nouveau da época. Fez uma moldura de madeira com relevos esculpidos para a grande pintura Metabolismo (1898), inicialmente chamada Adão e Eva. Este trabalho revela a preocupação de Munch com a “queda do homem” e a sua filosofia pessimista do amor. Motivos como The Empty Cross e Golgotha (ambos c. 1900) reflectem uma orientação metafísica, e também reflectem a educação pietista de Munch. O Frieze inteiro foi mostrado pela primeira vez na exposição secessionista em Berlim, em 1902.

Os temas “O friso da vida” repetem-se ao longo do trabalho de Munch, mas ele concentrou-se especialmente neles em meados da década de 1890. Em esboços, pinturas, pastéis e estampas, ele tocou na profundidade dos seus sentimentos para examinar os seus principais motivos: as fases da vida, a mulher fatal, o desespero do amor, a ansiedade, a infidelidade, o ciúme, a humilhação sexual, e a separação na vida e na morte. Estes temas são expressos em pinturas como The Sick Child (1893-94), Ashes (1894), e The Bridge. Esta última mostra figuras coxas com rostos sem traços ou escondidos, sobre os quais surgem as formas ameaçadoras de árvores pesadas e casas chocantes. Munch retratou as mulheres como frágeis e inocentes (ver Puberdade e Amor e Dor) ou como a causa de grande saudade, ciúme e desespero (ver Separação, Ciúme, e Cinzas).

Munch usa frequentemente sombras e anéis de cor à volta das suas figuras para enfatizar uma aura de medo, ameaça, ansiedade, ou intensidade sexual. Estas pinturas têm sido interpretadas como reflexos das ansiedades sexuais do artista, embora também se possa argumentar que representam a sua relação turbulenta com o próprio amor e o seu pessimismo geral em relação à existência humana. Muitos destes esboços e pinturas foram feitos em várias versões, tais como Madonna, Hands and Puberty, e também transcritos como estampas em blocos de madeira e litografias. Munch detestava separar-se das suas pinturas porque pensava no seu trabalho como um único corpo de expressão. Assim, para capitalizar a sua produção e fazer algum rendimento, recorreu às artes gráficas para reproduzir muitas das suas pinturas, incluindo as desta série. Munch admitiu os objectivos pessoais do seu trabalho, mas também ofereceu a sua arte com um propósito mais amplo: “A minha arte é realmente uma confissão voluntária e uma tentativa de explicar a mim próprio a minha relação com a vida – é, portanto, na realidade, uma espécie de egoísmo, mas espero constantemente que através disto eu possa ajudar os outros a alcançar a clareza”.

Embora atraindo reacções fortemente negativas, nos anos 1890 Munch começou a receber alguma compreensão dos seus objectivos artísticos, como escreveu um crítico: “Com implacável desprezo pela forma, clareza, elegância, integridade e realismo, pinta com força intuitiva de talento as visões mais subtis da alma”. Um dos seus grandes apoiantes em Berlim foi Walther Rathenau, mais tarde Ministro dos Negócios Estrangeiros alemão, que contribuiu fortemente para o seu sucesso.

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Paris, Berlim e Kristiania

Em 1896, Munch mudou-se para Paris, onde se concentrou nas representações gráficas dos seus temas do Frieze of Life. Desenvolveu ainda mais a sua técnica de xilogravura e litografia. O Auto-Retrato de Munch com Braço de Esqueleto (1895) é feito com um método de gravura com agulha e tinta também utilizado por Paul Klee. Munch também produziu versões multicoloridas de The Sick Child, relativas à tuberculose, que vendeu bem, assim como vários nus e múltiplas versões de Kiss (1892). Em Maio de 1896, Siegfried Bing realizou uma exposição do trabalho de Munch dentro da Maison de l”Art Nouveau de Bing. A exposição expôs sessenta obras, incluindo The Kiss, The Scream, Madonna, The Sick Child, The Death Chamber, e The Day After. A exposição de Bing ajudou a apresentar Munch a um público francês. Ainda assim, muitos dos críticos parisienses ainda consideravam o trabalho de Munch “violento e brutal”, mesmo que as suas exposições recebessem grande atenção e boa audiência. A sua situação financeira melhorou consideravelmente e, em 1897, Munch comprou uma casa de Verão virada para os fiordes de Kristiania, uma pequena cabana de pescadores construída em finais do século XVIII, na pequena cidade de Åsgårdstrand, na Noruega. Ele apelidou esta casa de “Casa Feliz” e regressou aqui quase todos os verões durante os próximos 20 anos. Era este lugar que lhe fazia falta quando estava no estrangeiro e quando se sentia deprimido e exausto. “Andar em Åsgårdstrand é como andar entre as minhas pinturas – fico tão inspirado a pintar quando estou aqui”.

Em 1897 Munch regressou a Kristiania, onde também recebeu uma aceitação ressentida – um crítico escreveu: “Um número justo destas fotografias já foi exposto anteriormente. Na minha opinião, estas melhoram o seu conhecimento”. Em 1899, Munch iniciou uma relação íntima com Tulla Larsen, uma mulher “libertada” da classe alta. Viajaram juntos para Itália e ao regressar, Munch iniciou outro período fértil na sua arte, que incluiu paisagens e a sua pintura final na série “O Friso da Vida”, A Dança da Vida (1899). Larsen estava ansioso pelo casamento, e Munch implorou. A sua bebida e a sua fraca saúde reforçaram os seus medos, como escreveu na terceira pessoa: “Desde criança que detestava o casamento. O seu lar doente e nervoso tinha-lhe dado a sensação de que não tinha direito a casar”. Munch quase cedeu a Tulla, mas fugiu dela em 1900, também se afastando da sua considerável fortuna, e mudou-se para Berlim. As suas Girls on the Jetty, criadas em dezoito versões diferentes, demonstraram o tema da juventude feminina sem conotações negativas. Em 1902, expôs as suas obras tematicamente no salão da Secessão de Berlim, produzindo “um efeito sinfónico – fez um grande alvoroço – muito antagonismo e muita aprovação”. Os críticos de Berlim estavam a começar a apreciar o trabalho de Munch, embora o público ainda achasse a sua obra estranha e estranha.

A boa cobertura da imprensa ganhou a atenção dos influentes patronos Albert Kollman e Max Linde. Ele descreveu a viragem dos acontecimentos no seu diário, “Após vinte anos de luta e miséria, forças do bem finalmente vieram em meu auxílio na Alemanha – e uma porta brilhante abriu-se para mim”. Contudo, apesar desta mudança positiva, o comportamento auto-destrutivo e errático de Munch envolveu-o primeiro com uma violenta discussão com outro artista, depois com um tiroteio acidental na presença de Tulla Larsen, que tinha regressado para uma breve reconciliação, que feriu dois dos seus dedos. Mais tarde, Munch serrou um auto-retrato, retratando-o e a Larsen ao meio, como consequência do tiroteio e dos acontecimentos subsequentes. Ela finalmente deixou-o e casou com um colega mais novo de Munch. Munch encarou isto como uma traição, e ele permaneceu na humilhação durante algum tempo, canalizando alguma da amargura para novas pinturas. Os seus quadros Still Life (A Assassina) e The Death of Marat I, feitos em 1906-07, referem claramente o incidente do tiroteio e os efeitos emocionais posteriores.

Em 1903-04, Munch expôs em Paris onde os futuros Fauvists, famosos pelas suas cores ousadamente falsas, provavelmente viram as suas obras e poderiam ter encontrado inspiração nelas. Quando os Fauvists realizaram a sua própria exposição em 1906, Munch foi convidado e expôs as suas obras com as deles. Depois de estudar a escultura de Rodin, Munch pode ter feito experiências com plasticina como ajuda ao design, mas produziu pouca escultura. Durante este tempo, Munch recebeu muitas encomendas de retratos e gravuras que melhoraram a sua condição financeira geralmente precária. Em 1906, pintou o ecrã para uma peça de Ibsen no pequeno Teatro Kammerspiele, localizado no Teatro Deutsches de Berlim, no qual foi pendurado o Friso da Vida. O director do teatro, Max Reinhardt, vendeu-a mais tarde; encontra-se agora na Nationalgalerie de Berlim. Após um período anterior de paisagens, em 1907 voltou a sua atenção para figuras e situações humanas.

Avaria e recuperação

No Outono de 1908, a ansiedade de Munch, agravada pelo consumo excessivo de álcool e pelas rixas, tinha-se tornado aguda. Como ele escreveu mais tarde, “A minha condição estava a tornar-se louca – era de tocar e partir”. Sujeito a alucinações e sentimentos de perseguição, ele entrou na clínica de Daniel Jacobson. A terapia que Munch recebeu durante os oito meses seguintes incluiu dieta e “electrificação” (um tratamento então na moda para condições nervosas, a não confundir com terapia electroconvulsiva). A estadia de Munch no hospital estabilizou a sua personalidade, e depois de regressar à Noruega em 1909, o seu trabalho tornou-se mais colorido e menos pessimista. Animando ainda mais o seu humor, o público em geral de Kristiania finalmente aqueceu o seu trabalho, e os museus começaram a comprar as suas pinturas. Foi nomeado Cavaleiro da Ordem Real de São Olav “por serviços na arte”. A sua primeira exposição americana foi em 1912 em Nova Iorque.

Como parte da sua recuperação, o Dr. Jacobson aconselhou o Munch a socializar apenas com bons amigos e a evitar beber em público. Munch seguiu este conselho e no processo produziu vários retratos completos de alta qualidade de amigos e patronos – retratos de alta qualidade desprovidos de elogios. Também criou paisagens e cenas de pessoas no trabalho e nas brincadeiras, utilizando um novo estilo optimista – a estrada, pinceladas soltas de cor vibrante com uso frequente do espaço branco e uso raro do preto – com referências apenas ocasionais aos seus temas mórbidos. Com mais rendimentos, Munch pôde comprar várias propriedades dando-lhe novas vistas para a sua arte e, finalmente, pôde proporcionar à sua família.

A deflagração da Guerra Mundial encontrei Munch com lealdades divididas, como ele declarou: “Todos os meus amigos são alemães, mas é a França que eu amo”. Na década de 1930, os seus patronos alemães, muitos judeus, perderam a fortuna e alguns a vida durante a ascensão do movimento nazi. Munch encontrou impressores noruegueses para substituir os alemães que tinham vindo a imprimir o seu trabalho gráfico. Dada a sua pobre história de saúde, durante 1918 Munch sentiu-se sortudo por ter sobrevivido a um surto da gripe espanhola, a pandemia mundial desse ano.

Anos posteriores

Munch passou a maior parte das suas duas últimas décadas em solidão na sua propriedade quase auto-suficiente em Ekely, em Skøyen, Oslo. Muitos dos seus últimos quadros celebram a vida agrícola, incluindo vários em que ele usou o seu cavalo de trabalho “Rousseau” como modelo. Sem qualquer esforço, Munch atraiu um fluxo constante de modelos femininas, que pintou como sujeitos de numerosas pinturas nuas. Ele provavelmente teve relações sexuais com algumas delas. Munch deixou ocasionalmente a sua casa para pintar murais por encomenda, incluindo os feitos para a fábrica de chocolate Freia.

Em 1940, os Alemães invadiram a Noruega e o partido nazi assumiu o governo. Munch tinha 76 anos de idade. Com quase toda uma colecção da sua arte no segundo andar da sua casa, Munch viveu com medo de um confisco nazi. Setenta e uma das pinturas anteriormente tiradas pelos nazis tinham sido devolvidas à Noruega através da compra por coleccionadores (as outras onze nunca foram recuperadas), incluindo The Scream e The Sick Child, e também elas foram escondidas dos nazis.

Munch morreu em sua casa em Ekely, perto de Oslo, a 23 de Janeiro de 1944, cerca de um mês após o seu 80º aniversário. O seu funeral orquestrado nazi sugeriu aos noruegueses que ele era um simpatizante nazi, uma espécie de apropriação do artista independente. A cidade de Oslo comprou a propriedade Ekely aos herdeiros de Munch em 1946; a sua casa foi demolida em Maio de 1960.

Quando Munch morreu, as suas restantes obras foram legadas à cidade de Oslo, que construiu o Museu Munch em Tøyen (inaugurado em 1963). O museu possui uma colecção de aproximadamente 1.100 pinturas, 4.500 desenhos e 18.000 gravuras, a mais vasta colecção das suas obras no mundo. O Museu Munch serve como património oficial da Munch; tem estado activo na resposta a violações dos direitos de autor, bem como na compensação dos direitos de autor da obra, tais como o aparecimento de The Scream da Munch numa campanha publicitária da M&M em 2006. O representante americano dos direitos de autor do Museu Munch e da Herdade de Edvard Munch é a Artists Rights Society.

A arte de Munch era altamente personalizada e ele fazia pouco ensino. O seu simbolismo “privado” era muito mais pessoal do que o de outros pintores simbolistas como Gustave Moreau e James Ensor. Munch era ainda altamente influente, particularmente com os expressionistas alemães, que seguiam a sua filosofia, “Não acredito na arte que não é o resultado compulsivo do impulso do Homem para abrir o seu coração”. Muitos dos seus quadros, incluindo The Scream, têm um apelo universal, para além do seu significado altamente pessoal.

As obras de Munch estão agora representadas em numerosos grandes museus e galerias na Noruega e no estrangeiro. A sua cabana, “a Casa Feliz”, foi entregue ao município de Åsgårdstrand em 1944; serve como um pequeno Museu Munch. O inventário foi mantido exactamente como ele o deixou.

Uma versão de The Scream foi roubada da Galeria Nacional em 1994. Em 2004, outra versão de The Scream, juntamente com uma de Madonna, foi roubada do Museu Munch num ousado assalto à luz do dia. Todos estes foram eventualmente recuperados, mas as pinturas roubadas no assalto de 2004 foram extensamente danificadas. Foram meticulosamente restaurados e estão de novo expostos. Três obras do Munch foram roubadas do Hotel Refsnes Gods em 2005; foram recuperadas em breve, embora uma das obras tenha sido danificada durante o roubo.

Em Outubro de 2006, a cor da madeira Duas pessoas. O solitário (To mennesker. De ensomme) estabeleceu um novo recorde para as suas impressões quando foi vendido num leilão em Oslo por 8,1 milhões de coroas (1,27 milhões de dólares equivalentes a 1.600.000 dólares em 2020). Estabeleceu também um recorde para o preço mais elevado pago em leilão na Noruega. A 3 de Novembro de 2008, o quadro Vampiro estabeleceu um novo recorde para as suas pinturas quando foi vendido por 38.162.000 dólares (equivalente a 45.900.000 dólares em 2020) na Sotheby”s New York.

A imagem de Munch aparece na nota norueguesa de 1.000 coroas, juntamente com imagens inspiradas na sua obra de arte.

Em Fevereiro de 2012, uma grande exposição Munch, Edvard Munch. The Modern Eye, inaugurada no Schirn Kunsthalle Frankfurt; a exposição foi inaugurada por Mette-Marit, Princesa da Coroa da Noruega.

Em Maio de 2012, The Scream vendeu por US$119,9 milhões (equivalente a US$135.200.000 em 2020), e é a segunda obra de arte mais cara alguma vez vendida num leilão aberto. (Foi superado em Novembro de 2013 por Three Studies of Lucian Freud, que vendeu por US$142,4 milhões).

Em 2013, quatro quadros de Munch foram representados numa série de selos pelos serviços postais noruegueses, para comemorar em 2014 o 150º aniversário do seu nascimento.

A 14 de Novembro de 2016, uma versão de The Girls on the Bridge de Munch”s foi vendida por 54,5 milhões de dólares (equivalente a 58.800.000 dólares em 2020) na Sotheby”s, Nova Iorque, tornando-a o segundo preço mais alto alcançado por uma das suas pinturas.

Em Abril de 2019, o Museu Britânico acolheu a exposição, Edvard Munch: Love and Angst, compreendendo 83 obras de arte e incluindo uma rara impressão original de The Scream.

Aula Universitária

Em 1911 realizou-se o concurso final para a decoração das grandes paredes da Universidade de Oslo Aula (salão de assembleia) entre Munch e Emanuel Vigeland. O episódio é conhecido como a “controvérsia da Aula”. Em 1914, Munch foi finalmente encarregado de decorar a Aula e a obra foi concluída em 1916. Este grande trabalho na pintura monumental norueguesa inclui 11 pinturas cobrindo 223 m2 (2.400 sq ft). O Sol, História e Alma Mater são as obras chave nesta sequência. Munch declarado: “Eu queria que as decorações formassem um mundo de ideias completo e independente, e queria que a sua expressão visual fosse tanto distintamente norueguesa como universalmente humana”. Em 2014 foi sugerido que as pinturas de Aula têm um valor de pelo menos 500 milhões de coroas.

Fontes gerais

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