Ellsworth Kelly

Delice Bette | Agosto 15, 2022

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Resumo

Ellsworth Kelly (31 de Maio de 1923 – 27 de Dezembro de 2015) foi um pintor, escultor e gravador americano associado à pintura de ponta dura, à pintura de Campo de Cor e ao minimalismo. As suas obras demonstram técnicas despretensiosas enfatizando linha, cor e forma, semelhantes ao trabalho de John McLaughlin e Kenneth Noland. Kelly empregava frequentemente cores brilhantes. Ele viveu e trabalhou em Spencertown, Nova Iorque.

Kelly nasceu o segundo filho de três filhos de Allan Howe Kelly e Florence Rose Elizabeth (Githens) Kelly em Newburgh, Nova Iorque, aproximadamente 60 milhas a norte da cidade de Nova Iorque. O seu pai era um executivo de uma companhia de seguros de ascendência escocesa e alemã. A sua mãe era uma ex-professora escolar de origem alemã galesa e da Pensilvânia. A sua família mudou-se de Newburgh para Oradell, Nova Jersey, uma cidade com cerca de 7.500 habitantes. A sua família viveu perto do reservatório de Oradell, onde a sua avó paterna o introduziu à ornitologia quando ele tinha oito ou nove anos de idade.

Aí desenvolveu a sua paixão pela forma e pela cor. John James Audubon teve uma influência particularmente forte no trabalho de Kelly ao longo da sua carreira. O autor Eugene Goossen especulou que as pinturas de duas e três cores (como Three Panels: Red Yellow Blue, I 1963), pelas quais Kelly é tão conhecido, podem ser rastreadas até à sua observação de aves e ao seu estudo das aves de duas e três cores que viu tão frequentemente em tenra idade. Kelly disse que estava frequentemente sozinho quando era jovem e tornou-se de certa forma um “solitário”. Teve uma ligeira gaguez que persistiu até à sua adolescência.

Kelly frequentou a escola pública, onde as aulas de arte enfatizavam os materiais e procuravam desenvolver a “imaginação artística”. Este currículo era típico da tendência mais ampla na escolarização que emergiu das teorias da educação progressiva promulgadas pelo Teacher”s College da Universidade de Columbia, no qual o pintor modernista americano Arthur Wesley Dow leccionara. Embora os seus pais estivessem relutantes em apoiar a formação artística de Kelly, a sua professora da escola, Dorothy Lange Opsut, encorajou-o a ir mais longe. Como os seus pais pagariam apenas pela formação técnica, Kelly estudou primeiro no Pratt Institute em Brooklyn, que frequentou desde 1941 até à sua entrada no Exército no Dia de Ano Novo de 1943.

Ao entrar no serviço militar dos EUA em 1943, Kelly pediu para ser destacada para o 603º Batalhão de Engenheiros Camouflage, que levou muitos artistas. Foi empossado em Fort Dix, New Jersey, e enviado para Camp Hale, Colorado, onde treinou com tropas de esqui de montanha. Ele nunca tinha esquiar antes. Seis a oito semanas mais tarde, foi transferido para Fort Meade, Maryland. Durante a Segunda Guerra Mundial, serviu com outros artistas e designers numa unidade de engano conhecida como The Ghost Army. Os soldados Fantasmas usaram tanques infláveis, camiões, e outros elementos de subterfúgio para enganar as forças do Eixo sobre a direcção e disposição das forças Aliadas. A sua exposição à camuflagem militar durante o tempo em que serviu tornou-se parte do seu treino artístico básico. Kelly serviu com a unidade desde 1943 até ao fim da fase europeia da guerra.

Kelly utilizou o G.I. Bill para estudar de 1946-47 na Escola do Museu de Belas Artes de Boston, onde aproveitou as colecções do museu, e depois na École nationale supérieure des Beaux-Arts em Paris. Em Boston, expôs na sua primeira exposição colectiva na Galeria Boris Mirski e deu aulas de arte no Norfolk House Center, em Roxbury. Enquanto esteve em Paris, Kelly estabeleceu a sua estética. Frequentou aulas pouco frequentes, mas mergulhou nos ricos recursos artísticos da capital francesa. Tinha ouvido uma palestra de Max Beckmann sobre o artista francês Paul Cézanne em 1948 e mudou-se para Paris nesse ano. Lá encontrou os colegas americanos John Cage e Merce Cunningham, experimentando música e dança, respectivamente; o artista surrealista francês Jean Arp; e o escultor abstracto Constantin Brâncuși, cuja simplificação de formas naturais teve um efeito duradouro sobre ele. A experiência de artistas visitantes como Alberto Magnelli, Francis Picabia, Alberto Giacometti e Georges Vantongerloo nos seus estúdios foi transformadora.

Depois de ter estado seis anos no estrangeiro, o francês de Kelly ainda era pobre e tinha vendido apenas um quadro. Em 1953 foi despejado do seu estúdio e regressou à América no ano seguinte. Tinha-se interessado depois de ler uma crítica de uma exposição de Ad Reinhardt, um artista a cujo trabalho sentia o seu trabalho relacionado. No seu regresso a Nova Iorque, achou o mundo da arte “muito duro”. Embora Kelly seja agora considerado um inovador essencial e contribuinte do movimento artístico americano, era difícil para muitos encontrar a ligação entre a arte de Kelly e as tendências estilísticas dominantes. Em Maio de 1956, Kelly teve a sua primeira exposição em Nova Iorque na galeria da Betty Parsons. A sua arte era considerada mais europeia do que era popular em Nova Iorque na altura. Voltou a expor na galeria dela no Outono de 1957. Três das suas peças: Atlantic, Bar, e Pintura em Três Painéis, foram seleccionadas e expostas na exposição do Museu Whitney de Arte Americana, “Young America 1957”. As suas peças foram consideradas radicalmente diferentes das outras vinte e nove obras dos outros vinte e nove artistas. A pintura em Três Painéis, por exemplo, foi particularmente notada; na altura, os críticos questionaram a sua criação a partir de três telas. Por exemplo, Michael Plante disse que, na maioria das vezes, as peças de múltiplos painéis de Kelly estavam apertadas devido a restrições de instalação, o que reduzia a interacção entre as peças e a arquitectura da sala.

Kelly acabou por se afastar de Coenties Slip, onde por vezes partilhava um estúdio com a colega artista e amiga Agnes Martin, para o nono andar do estúdio do arranha-céus

Kelly deixou Nova Iorque para Spencertown em 1970 e foi ali acompanhado pelo seu parceiro, o fotógrafo Jack Shear, em 1984. Desde 2001 até à sua morte, Kelly trabalhou num estúdio de 20.000 pés quadrados em Spencertown reconfigurado e ampliado pelo arquitecto Richard Gluckman. Kelly e Shear mudaram-se em 2005 para a residência que partilhavam até à morte do pintor, uma casa colonial revestida a madeira construída por volta de 1815. A Shear é a directora da Fundação Ellsworth Kelly. Em 2015, Kelly ofereceu o seu conceito de design de edifício para um local de contemplação ao Museu de Arte Blanton da Universidade do Texas em Austin. Intitulado Austin, o edifício de pedra de 2.715 metros quadrados – que apresenta janelas de vidro colorido, uma escultura de madeira totemica e painéis de mármore preto e branco – é o único edifício concebido por Kelly e é a sua obra mais monumental. Austin, que Kelly projectou trinta anos antes, foi inaugurado em Fevereiro de 2018.

Kelly morreu em Spencertown, Nova Iorque, a 27 de Dezembro de 2015, com 92 anos de idade.

Pintura

Enquanto estava em Paris, Kelly tinha continuado a pintar a figura mas, em Maio de 1949, fez as suas primeiras pinturas abstractas. Observando como a luz se dispersou na superfície da água, pintou Seine (1950), feita de rectângulos a preto e branco dispostos por acaso. Em 1951 iniciou uma série de oito colagens intituladas Cores de Espectro Arranjadas por Acaso I a VIII. Criou-a utilizando folhas de papel numeradas; cada uma referia-se a uma cor, uma das dezoito tonalidades diferentes a ser colocada numa grelha de 40 polegadas por 40 polegadas. Cada uma das oito colagens empregou um processo diferente.

A descoberta de Kelly em 1952 do trabalho tardio de Monet infundiu-lhe uma nova liberdade de expressão pintora: ele começou a trabalhar em formatos extremamente grandes e explorou os conceitos de seriação e pintura monocromática. Como pintor, trabalhou a partir daí num modo exclusivamente abstracto. Nos finais da década de 1950, a sua pintura enfatizava a forma e as massas planares (assumindo frequentemente formatos não-rectilineares). O seu trabalho deste período também proporcionou uma ponte útil desde a abstracção geométrica americana de vanguarda dos anos 30 e início dos anos 40 até ao minimalismo e arte redutora de meados dos anos 60 e 70. A pintura em relevo de Kelly, Blue Tablet (1962), por exemplo, foi incluída na exposição seminal de 1963, Toward a New Abstraction, no Museu Judaico.

Durante a década de 1960 começou a trabalhar com telas em ângulo irregular. Yellow Piece (1966), a primeira tela em forma de lona do artista, representa a ruptura de Kelly com o suporte rectangular e a sua redefinição da figura da pintura

Na década de 1970, acrescentou formas curvas ao seu repertório. O branco verde (1968) marca o aparecimento do triângulo na obra de Kelly, uma forma que reaparece ao longo da sua carreira; a pintura é composta por duas telas monocromáticas distintas, de forma monocromática, instaladas uma sobre a outra: um trapézio verde invertido de grande escala é posicionado verticalmente sobre um triângulo branco mais pequeno, formando uma nova geométrica composição.

Depois de deixar Nova Iorque para Spencertown em 1970, alugou um antigo teatro na cidade vizinha de Chatham, permitindo-lhe trabalhar num estúdio mais espaçoso do que qualquer outro que tivesse ocupado anteriormente. Depois de lá trabalhar durante um ano, Kelly embarcou numa série de 14 quadros que se tornariam a Série Chatham. Cada obra toma a forma de uma ella invertida, e é feita de duas telas unidas, cada uma com uma monocromia de cor diferente. As obras variam em proporção e paleta de uma para a outra; foi dada uma atenção cuidadosa ao tamanho de cada painel e à cor seleccionada, a fim de alcançar o equilíbrio e o contraste entre os dois.

Uma série maior de doze obras que Kelly começou em 1972 e não completou até 1983, Gray foi originalmente concebido como uma declaração anti-guerra e é drenado de cor. Em 1979, utilizou curvas em pinturas bicolores feitas de painéis separados.

Em pinturas posteriores, Kelly destilou a sua paleta e introduziu novas formas. Em cada obra, começou com uma tela rectangular que pintou cuidadosamente com muitas camadas de tinta branca; uma tela com forma, na sua maioria pintada de preto, é colocada em cima.

Em referência ao seu próprio trabalho, Kelly disse numa entrevista em 1996: “Penso que o que todos nós queremos da arte é um sentido de fixidez, um sentido de oposição ao caos da vida quotidiana. Isto é uma ilusão, é claro. A tela apodrece. A tinta muda de cor. Mas continuamos a tentar congelar o mundo como se o pudéssemos fazer durar para sempre. De certo modo, o que tentei captar é a realidade do fluxo, para manter a arte uma situação aberta, incompleta, para chegar ao êxtase de ver”.

Kelly comentou “Percebi que não queria compor imagens … Queria encontrá-las. Senti que a minha visão era escolher coisas lá fora no mundo e apresentá-las. Para mim, a investigação da percepção era do maior interesse. Havia tanto para ver, e tudo isso me parecia fantástico”.

Litografias e desenhos

Desenhos de plantas e flores de Kelly, do final da década de 1940 em diante. Ailanthus (1948) é o primeiro desenho de plantas que executou em Boston, Hyacinth (1949) foi o primeiro que fez quando esteve em Paris. A partir de 1949, enquanto vivia em Paris (e influenciado nesta escolha de assunto por Henri Matisse e Jean Arp), começou a desenhar formas simples de plantas e algas marinhas. Os estudos vegetais são, na sua maioria, desenhos de contorno de folhas, caules e flores feitos em pinceladas limpas de lápis ou caneta e centrados na página.

Começou a imprimir de forma concertada em meados da década de 1960, quando produziu a sua Suite de Vinte e Sete Litografias (1964-66) com Maeght Éditeur em Paris. Foi então que criou o seu primeiro grupo de litografias de plantas. A partir de 1970, colaborou principalmente com a Gemini G.E.L. A sua série inicial de 28 litografias de transferência, intitulada Suite of Plant Lithographs, marcou o início de um corpus que iria crescer para 72 gravuras e inúmeros desenhos de folhagem. Em 1971, completou quatro edições de gravuras e uma edição do múltiplo Mirrored Concorde na Gemini G.E.L. A sua

Escultura

Embora Kelly possa ser mais conhecido pelas suas pinturas, ele também trabalhou em escultura ao longo da sua carreira. Em 1958, Kelly concebeu uma das suas primeiras esculturas de madeira, Concorde Relief I (1958), um relevo modesto de parede em olmo, que explora o jogo visual e o equilíbrio entre duas formas rectangulares dispostas uma sobre a outra, a mais alta com os seus cantos superior direito e inferior esquerdo removidos. Fez 30 esculturas em madeira ao longo da sua carreira. A partir de 1959, criou esculturas dobradas e independentes. A série Rocker começou em 1959 após a conversa casual de Kelly com Agnes Martin, que viveu abaixo dele no Coenties Slip em Lower Manhattan. Brincando com o tampo de papel de uma chávena de café, Kelly cortou e dobrou uma secção do objecto redondo, que depois colocou na mesa e balançou para trás e para a frente. Pouco tempo depois, construiu a sua primeira escultura no redondo, Pony. O título refere-se a um cavalo de passatempo de criança com suportes de roqueiro curvo.

Em 1973, Kelly começou a fazer regularmente escultura ao ar livre em grande escala. Kelly desistiu de superfícies pintadas, escolhendo em vez disso aço não envernizado, alumínio ou bronze, frequentemente em configurações tipo totem, tais como Curva XXIII (1981). Enquanto as formas totemicas das suas esculturas livres podem medir até 15 pés de altura, os seus relevos de parede podem ter mais de 14 pés de largura. A escultura de Kelly “baseia-se na sua aderência à simplicidade absoluta e clareza de forma”. Para as suas esculturas dos anos 80, durante este período do seu tempo em Spencertown, o artista dedicou pela primeira vez tanta energia às suas esculturas como à sua pintura, e no processo produzindo mais de sessenta por cento do total das suas 140 esculturas.

Kelly criou as suas peças utilizando uma sucessão de ideias sobre várias formas. Ele poderia ter começado com um desenho, aperfeiçoou o desenho para criar uma estampa, tirou a estampa e criou uma peça independente, que foi depois transformada numa escultura. As suas esculturas destinam-se a ser inteiramente simples e podem ser vistas rapidamente, muitas vezes apenas com um olhar. O espectador observa superfícies lisas e planas que se encontram isoladas do espaço que as rodeia. Este sentido de planeza e minimalismo torna difícil distinguir entre o primeiro plano e o segundo plano. O disco azul de Kelly foi incluído na exposição seminal de 1966 no Museu Judaico em Nova Iorque intitulada, Primary Structures, ao lado de muitos artistas muito mais jovens que estão a começar a trabalhar com formas mínimas.

Estilo

William Rubin observou que “o desenvolvimento de Kelly tinha sido resolutamente orientado para o interior: nem uma reacção ao expressionismo abstracto nem o resultado de um diálogo com os seus contemporâneos”. Muitas das suas pinturas consistem numa única cor (geralmente brilhante), sendo algumas telas de forma irregular, por vezes chamadas “telas em forma”. A qualidade da linha vista nas suas pinturas e na forma das suas telas em forma é muito subtil, e implica perfeição. Isto é demonstrado na sua peça Block Island Study (1959).

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Influências

O passado de Kelly no exército foi sugerido como uma fonte da seriedade das suas obras. Enquanto cumpria pena no exército, Kelly foi exposto e influenciado pela camuflagem com que o seu batalhão específico trabalhou. Isto ensinou-lhe sobre o uso da forma e da sombra, bem como sobre a construção e desconstrução do visível. Foi fundamental para a sua educação precoce como artista. Ralph Coburn, um amigo de Kelly de Boston, apresentou-lhe a técnica do desenho automático durante uma visita em Paris. Kelly abraçou esta técnica de fazer uma imagem sem olhar para a folha de papel. Estas técnicas ajudaram Kelly a afrouxar o seu estilo de desenho e alargaram a sua aceitação do que ele acreditava ser arte. Durante o seu último ano em Paris, Kelly esteve doente e também sofreu depressão; Sims pensou que influenciou o seu uso predominante de preto e branco durante esse período.

A admiração de Kelly por Henri Matisse e Pablo Picasso é visível no seu trabalho. Ele treinou-se para ver as coisas de várias maneiras e trabalhar em diferentes meios, devido à sua inspiração. Piet Mondrian influenciou as formas não objectivas que utilizou tanto nas suas pinturas como nas suas esculturas. Kelly foi influenciado pela arte e arquitectura das épocas românica e bizantina enquanto estudava em Paris. A sua introdução ao Surrealismo e Neo-Plasticismo influenciou o seu trabalho e levou-o a testar a abstracção das formas geométricas.

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Curadoria

Em 2014 Kelly organizou uma exposição de desenhos de Matisse no Mount Holyoke College Art Museum em South Hadley, Massachusetts. Em 2015, comissariou o “Monet

Em 1990, Kelly comissariou a exposição, “Artist”s Choice”: Ellsworth Kelly Fragmentation and the Single Form”, no Museu de Arte Moderna.

Em 1956, conheceu Robert Indiana que se mudou para o mesmo edifício e eles tornaram-se sócios. Kelly tornou-se o seu mentor. Eles acabaram por volta de 1964. Uma das razões foi o uso da palavra Indiana nas suas pinturas e Kelly considerou tal técnica não digna de alta arte.

Desde 1984 até à sua morte, Kelly viveu com o seu marido, o fotógrafo Jack Shear, que serve como director da Fundação Ellsworth Kelly.

A primeira exposição individual de Kelly teve lugar na Galerie Arnaud, Paris, em 1951. A sua primeira exposição individual em Nova Iorque teve lugar na Galeria Betty Parsons, em 1956. Em 1957, expôs obras numa exposição colectiva na Galeria Ferus, Los Angeles. Em 1959 foi incluído na exposição pioneira do Museu de Arte Moderna, Dezasseis Americanos. Kelly foi convidado a expor na Bienal de São Paulo em 1961. O seu trabalho foi mais tarde incluído na documenta em 1964, 1968, 1977, 1992. Uma sala das suas pinturas foi incluída na Bienal de Veneza de 2007.

A primeira retrospectiva de Kelly foi realizada no Museu de Arte Moderna em 1973. O seu trabalho foi desde então reconhecido em numerosas exposições retrospectivas, incluindo uma exposição de escultura no Museu Whitney de Arte Americana, Nova Iorque, em 1982; uma exposição de obras em papel e uma exposição das suas obras impressas que viajou extensivamente nos Estados Unidos e Canadá de 1987 a 1988; e uma retrospectiva de carreira em 1996 organizada pelo Museu Solomon R. Guggenheim, que viajou para o Museu de Arte Contemporânea em Los Angeles, a Tate Gallery em Londres, e a Haus der Kunst em Munique. Desde então, foram organizadas exposições individuais do trabalho de Kelly no Metropolitan Museum of Art em Nova Iorque (1998), no Fogg Art Museum em Cambridge (1999), no San Francisco Museum of Modern Art (1988

Em 1993, a Galerie nationale du Jeu de Paume em Paris montou a exposição “Ellsworth Kelly”: The French Years, 1948-54″, baseada na relação do artista com a cidade, que viajou para a National Gallery of Art, Washington D.C.; em 2008, o Musée d”Orsay honrou Kelly com a exposição “Correspondences”: Paul Cézanne Ellsworth Kelly”. Haus der Kunst expôs a primeira retrospectiva abrangente das obras a preto e branco de Kelly em 2012.

Por ocasião do 90º aniversário do artista em 2013, a National Gallery of Art em Washington montou uma exposição das suas gravuras; a Fundação Barnes em Filadélfia montou cinco esculturas numa exposição; a Phillips Collection em Washington expôs as suas pinturas em painel; e o Museum of Modern Art abriu uma exposição da “Série Chatham”.

Exposições individuais seleccionadas

Em 1957 Kelly foi encarregada de produzir uma escultura de parede com 65 pés de comprimento para o Edifício dos Transportes no Penn Center em Filadélfia, a sua maior obra até essa data. Muito esquecida, a escultura intitulada Escultura para uma Grande Muralha (1957) acabou por ser desmantelada. Kelly executou desde então muitas comissões públicas, incluindo Wright Curve (1966), uma escultura de aço concebida para instalação permanente no Teatro Peter B. Lewis de Guggenheim; um mural para a sede da UNESCO em Paris em 1969; Curva XXII (uma comissão de I. M. 1985). Pei para o edifício Raffles City em Singapura; o Tríptico de Houston, planos verticais de bronze montados num betão alto no Museum of Fine Arts, Houston, em 1986; Totem (os Painéis Dallas (uma escultura de 1989 para a sede da Nestlé em Vevey, Suíça; Gaul (um memorial em duas partes para o Museu Memorial do Holocausto dos Estados Unidos, Washington, D.C, em 1993; e painéis em grande escala de Berlim para o Deutscher Bundestag, Berlim, em 1998. Para o John Joseph Moakley United States Courthouse (desenhado por Henry N. Cobb) em Boston desenhou The Boston Panels, 21 painéis de alumínio brilhantemente coloridos instalados na rotunda central como uma obra única em todo o edifício.

Kelly”s Blue Black de dois painéis (2001), 28 pés de altura e feito de alumínio alveolar pintado, foi encomendado para a Fundação de Artes Pulitzer, St. Louis, e o Untitled de bronze em grande escala (2005) foi encomendado especificamente para o pátio da colecção Phillips. Em 2005, Kelly foi comissionada com o único trabalho específico para a ala moderna do Instituto de Arte de Chicago por Renzo Piano. Ele criou a White Curve, a maior escultura de parede que já fez, que se encontra em exposição desde 2009. Kelly instalou o Berlin Totem, uma escultura de aço inoxidável de 40 pés, no pátio da Embaixada dos Estados Unidos, Berlim, em 2008. Mais tarde fez uma cortina, Spectrum VIII (2014), constituída por 12 tiras coloridas, para o auditório da Fundação Louis Vuitton, em Paris.

Em 1986 Kelly concebeu o seu primeiro edifício independente para um coleccionador privado, mas nunca foi realizado. Só em 2015, o Museu de Arte Blanton adquiriu o seu desenho para um edifício de pedra de 2.715 metros quadrados, incluindo 14 painéis de mármore preto e branco e janelas de vidro colorido, planeando construí-lo nos terrenos do museu na Universidade do Texas, em Austin. O edifício foi aberto ao público a 18 de Fevereiro de 2018. Uma obra de arte e arquitectura, Austin, é considerada o ponto culminante da carreira de Kelly.

Kelly foi encarregada de criar uma grande escultura ao ar livre em 1968 para a Nelson A. Rockefeller Empire State Plaza Art Collection em Albany, NY. A escultura intitulada Yellow Blue foi inspirada pelo cenário do Empire State Plaza, e é a maior escultura de pé de Kelly com nove pés de altura e quase dezasseis pés de diâmetro. Yellow Blue foi a sua primeira escultura de aço e continua a ser a única até à data em aço pintado.

Em 1957, o Museu Whitney de Arte Americana comprou uma pintura, Atlantic, que retratava dois arcos em forma de onda branca contra o preto sólido; foi a primeira compra do museu de Kelly. Hoje, a sua obra encontra-se em muitas colecções públicas, incluindo as do Centre Pompidou, Paris, o Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, o Governador Nelson A. Rockefeller Empire State Plaza Art Collection, Albany, NY, e Tate Modern, Londres. Em 1999, o Museu de Arte Moderna de São Francisco anunciou que tinha comprado 22 obras, pinturas, relevos de parede e esculturas, de Ellsworth Kelly. Foram avaliadas em mais de 20 milhões de dólares. Em 2003, a colecção Menil recebeu a Tábua de Kelly, 188 obras emolduradas em papel, incluindo esboços, desenhos de trabalho e colagens. Entre os coleccionadores privados notáveis incluem-se, entre outros, Eli Broad e Gwyneth Paltrow.

Kelly também recebeu numerosos graus honoríficos, entre outros do Bard College (Universidade de Harvard, Cambridge (e Williams College (2005)).

Selos de correio Kelly

O Serviço Postal dos Estados Unidos anunciou em Janeiro de 2019 que um conjunto de selos em honra da obra de arte de Kelly seria emitido em 2019. O comunicado de imprensa do USPS reconhece o pioneirismo de Kelly de um “estilo distinto de abstracção baseado em elementos reais reduzidos às suas formas essenciais”. Dez obras estão representadas, incluindo Yellow White, Colors for a Large Wall, Blue Red Rocker, Spectrum I, South Ferry, Blue Green, Orange Red Relief (para Delphine Seyrig), Meschers, Red Blue e Gaza. O conjunto de selos será emitido a 31 de Maio de 2019.

O concessionário Betty Parsons ofereceu-lhe pela primeira vez uma exposição individual em 1956. Em 1965, após quase uma década com a Parsons, começou a expor com a Galeria Sidney Janis. Nos anos 70 e 80, o seu trabalho foi tratado conjuntamente por Leo Castelli e Blum Helman em Nova Iorque. Em 1992, entrou para a Matthew Marks Gallery, Nova Iorque e Los Angeles, e para a Anthony d”Offay Gallery em Londres. A fachada da galeria Marks”s Los Angeles foi inspirada por Study for Black and White Panels, uma colagem que fez enquanto vivia em Paris em 1954, e uma pintura, Black Over White. A partir de 1964 produziu gravuras e esculturas editadas na Gemini G.E.L. em Los Angeles e na Tyler Graphics Ltd perto da cidade de Nova Iorque.

Em 2014, a pintura de Kelly”s Red Curve (1982) foi vendida em leilão por 4,5 milhões de dólares na Christie”s New York. Esse recorde de leilão para uma obra de Ellsworth Kelly foi estabelecido pela pintura de 13 partes Spectrum VI (1969), que foi vendida por $5,2 milhões de dólares na Sotheby”s New York, Contemporary Art Evening sale, 14 de Novembro de 2007.

Em Novembro de 2019, a Christie”s estabeleceu um recorde de leilão para o artista com a obra Red Curve VII, vendida por $9,8milhões.

Fontes

Ellsworth Kelly
Ellsworth Kelly
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