Federico Fellini

Mary Stone | Julho 4, 2023

Resumo

Federico Fellini, Cavaliere di Gran Croce OMRI (20 de janeiro de 1920 – 31 de outubro de 1993) foi um realizador e argumentista italiano conhecido pelo seu estilo distinto, que mistura fantasia e imagens barrocas com o realismo. É reconhecido como um dos maiores e mais influentes cineastas de todos os tempos. Os seus filmes obtiveram uma classificação elevada em sondagens da crítica, como a dos Cahiers du Cinéma e a da Sight & Sound, que classifica o seu filme 8+1⁄2, de 1963, como o décimo melhor filme.

Os filmes mais conhecidos de Fellini incluem La Strada (1954), Noites de Cabíria (1957), La Dolce Vita (1960), 8½ (1963), Julieta dos Espíritos (1965), o segmento “Toby Dammit” de Espíritos dos Mortos (1968), Fellini Satyricon (1969), Roma (1972), Amarcord (1973) e Casanova de Fellini (1976).

Fellini foi nomeado para 16 Óscares da Academia ao longo da sua carreira, tendo ganho um total de quatro na categoria de Melhor Filme Estrangeiro (o maior número de nomeações de um realizador na história do prémio). Recebeu um prémio honorário pelo seu percurso de vida na 65ª edição dos Prémios da Academia em Los Angeles. Fellini também ganhou a Palma de Ouro por La Dolce Vita em 1960, duas vezes o Festival Internacional de Cinema de Moscovo em 1963 e 1987, e o Leão de Ouro de Carreira no 42º Festival Internacional de Cinema de Veneza em 1985. Na lista de 2002 da Sight & Sound dos maiores realizadores de todos os tempos, Fellini ficou em 2º lugar na votação dos realizadores e em 7º na votação dos críticos.

Rimini (1920-1938)

Fellini nasceu a 20 de janeiro de 1920, filho de pais da classe média de Rimini, na altura uma pequena cidade do Mar Adriático. A 25 de janeiro, na igreja de San Nicolò, foi batizado Federico Domenico Marcello Fellini. O seu pai, Urbano Fellini (1894-1956), nascido numa família de camponeses e pequenos proprietários romanos de Gambettola, mudou-se para Roma em 1915 como aprendiz de padeiro na fábrica de massas Pantanella. A sua mãe, Ida Barbiani (1896-1984), provém de uma família burguesa católica de comerciantes romanos. Apesar da desaprovação veemente da sua família, em 1917, ela fugiu com Urbano para viver na casa dos pais dele em Gambettola. O casamento civil realizou-se em 1918 e a cerimónia religiosa teve lugar em Santa Maria Maggiore, em Roma, um ano mais tarde.

O casal instalou-se em Rimini, onde Urbano se tornou caixeiro-viajante e vendedor por grosso. Fellini tinha dois irmãos, Riccardo (1929-2002).

Em 1924, Fellini iniciou a escola primária num instituto dirigido pelas freiras de San Vincenzo em Rimini, frequentando dois anos mais tarde a escola pública Carlo Tonni. Aluno atento, passava os seus tempos livres a desenhar, a encenar espectáculos de marionetas e a ler Il corriere dei piccoli, a popular revista infantil que reproduzia os tradicionais desenhos animados americanos de Winsor McCay, George McManus e Frederick Burr Opper (Happy Hooligan, de Opper, serviria de inspiração visual para Gelsomina no filme de Fellini La Strada, de 1954; Little Nemo, de McCay, influenciaria diretamente o seu filme Cidade das Mulheres, de 1980). Em 1926, descobriu o mundo do Grand Guignol, o circo com Pierino the Clown e o cinema. Maciste all’Inferno (1926), de Guido Brignone, o primeiro filme que viu, marcá-lo-á de formas ligadas a Dante e ao cinema ao longo de toda a sua carreira.

Matriculado no Ginnasio Giulio Cesare em 1929, fez amizade com Luigi Titta Benzi, mais tarde um proeminente advogado de Rimini (e o modelo do jovem Titta em Amarcord (1973)). Na Itália de Mussolini, Fellini e Riccardo tornaram-se membros do Avanguardista, o grupo juvenil fascista obrigatório para os homens. Fellini visitou Roma com os seus pais pela primeira vez em 1933, ano da viagem inaugural do transatlântico SS Rex (que é mostrado em Amarcord). A criatura marinha encontrada na praia no final de La Dolce Vita (1960) tem como base um peixe gigante abandonado numa praia de Rimini durante uma tempestade em 1934.

Embora Fellini tenha adaptado acontecimentos importantes da sua infância e adolescência em filmes como I Vitelloni (1953), 8+1⁄2 (1963) e Amarcord (1973), insistiu que essas memórias autobiográficas eram invenções:

Não é a memória que domina os meus filmes. Dizer que os meus filmes são autobiográficos é uma liquidação demasiado fácil, uma classificação apressada. Parece-me que inventei quase tudo: a infância, a personagem, as nostalgias, os sonhos, as recordações, pelo prazer de as poder contar.

Em 1937, Fellini abriu a Febo, uma loja de retratos em Rimini, com o pintor Demos Bonini. O seu primeiro artigo humorístico foi publicado na secção “Postais para os nossos leitores” do jornal milanês Domenica del Corriere. Decidido a seguir uma carreira de caricaturista e escritor de piadas, Fellini viajou para Florença em 1938, onde publicou a sua primeira banda desenhada no semanário 420. De acordo com um biógrafo, Fellini achava a escola “exasperante”. Reprovado no exame de cultura militar, concluiu o liceu em julho de 1938, depois de ter feito o dobro do exame.

Roma (1939)

Em setembro de 1939, inscreveu-se na Faculdade de Direito da Universidade de Roma para agradar aos pais. O biógrafo Hollis Alpert afirma que “não há registo de que tenha assistido a uma aula”. Instalado numa pensão familiar, conhece outro amigo de longa data, o pintor Rinaldo Geleng. Desesperadamente pobres, juntaram esforços, sem sucesso, para desenhar esboços de clientes de restaurantes e cafés. Fellini acabou por encontrar trabalho como repórter nos diários Il Piccolo e Il Popolo di Roma, mas desistiu após um curto período de tempo, aborrecido com as tarefas de notícias do tribunal local.

Quatro meses depois de ter publicado o seu primeiro artigo na Marc’Aurelio, a influente revista quinzenal de humor, juntou-se ao conselho editorial, alcançando sucesso com uma coluna regular intitulada Mas estás a ouvir? Descrita como “o momento determinante da vida de Fellini”, a revista proporcionou-lhe um emprego estável entre 1939 e 1942, altura em que interagiu com escritores, gagmen e guionistas. Estes encontros acabaram por lhe dar oportunidades no mundo do espetáculo e do cinema. Entre os seus colaboradores no conselho editorial da revista estavam o futuro realizador Ettore Scola, o teórico marxista e argumentista Cesare Zavattini e Bernardino Zapponi, futuro argumentista de Fellini. A realização de entrevistas para o CineMagazzino também se revelou agradável: quando lhe pediram para entrevistar Aldo Fabrizi, o artista de variedades mais popular de Itália, estabeleceu uma relação pessoal tão imediata com o homem que colaboraram profissionalmente. Especializado em monólogos humorísticos, Fabrizi encomendou material ao seu jovem protegido.

Primeiros argumentos (1940-1943)

Em 1940, Urbano, que estava a trabalhar em Rimini, mandou a mulher e a família para Roma, para partilhar um apartamento com o filho. Fellini e Ruggero Maccari, também da equipa de Marc’Aurelio, começam a escrever sketches radiofónicos e gags para filmes.

Ainda sem vinte anos e com a ajuda de Fabrizi, Fellini obteve o seu primeiro crédito no ecrã como argumentista de comédias em Il pirata sono io (O sonho do pirata) de Mario Mattoli. Rapidamente, Fellini começou a colaborar em numerosos filmes na Cinecittà e o seu círculo de conhecimentos profissionais alargou-se ao romancista Vitaliano Brancati e ao argumentista Piero Tellini. Na sequência da declaração de guerra de Mussolini contra a França e a Grã-Bretanha, a 10 de junho de 1940, Fellini descobre A Metamorfose de Kafka, Gogol, John Steinbeck e William Faulkner, bem como filmes franceses de Marcel Carné, René Clair e Julien Duvivier. Em 1941, publicou Il mio amico Pasqualino, uma brochura de 74 páginas em dez capítulos que descrevia as aventuras absurdas de Pasqualino, um alter ego.

Escrevendo para a rádio enquanto tentava evitar o serviço militar, Fellini conheceu a sua futura esposa Giulietta Masina num estúdio da rádio pública italiana EIAR, no outono de 1942. Bem paga como a voz de Pallina na série radiofónica de Fellini, Cico e Pallina, Masina era também conhecida pelas suas emissões de comédia musical que animavam um público deprimido pela guerra.

Giulietta é prática e gosta do facto de ganhar um bom dinheiro pelo seu trabalho na rádio, enquanto o teatro nunca paga bem. E, claro, a fama também conta. A rádio é um negócio em expansão e as críticas de comédia têm um público vasto e dedicado.

Em novembro de 1942, Fellini foi enviado para a Líbia, ocupada pela Itália fascista, para trabalhar no argumento de I cavalieri del deserto (Cavaleiros do deserto, 1942), realizado por Osvaldo Valenti e Gino Talamo. Fellini acolheu bem a missão, que lhe permitiu “obter mais um prolongamento da sua ordem de projeto”. Responsável pela reescrita de emergência, dirigiu também as primeiras cenas do filme. Quando Trípoli foi cercada pelas forças britânicas, ele e os seus colegas escaparam por pouco, embarcando num avião militar alemão que voava para a Sicília. A sua aventura africana, mais tarde publicada em Marc’Aurelio como “O Primeiro Voo”, marcou “o aparecimento de um novo Fellini, já não apenas um argumentista, trabalhando e esboçando na sua secretária, mas um cineasta no terreno”.

O apolítico Fellini foi finalmente libertado do recrutamento quando um ataque aéreo dos Aliados sobre Bolonha destruiu os seus registos médicos. Fellini e Giulietta esconderam-se no apartamento da tia dela até à queda de Mussolini, a 25 de julho de 1943. Depois de um namoro de nove meses, o casal casa-se a 30 de outubro de 1943. Alguns meses mais tarde, Masina cai das escadas e sofre um aborto espontâneo. Dá à luz um filho, Pierfederico, a 22 de março de 1945, mas a criança morre de encefalite 11 dias depois, a 2 de abril de 1945. A tragédia teve repercussões emocionais e artísticas duradouras.

Aprendizagem neorrealista (1944-1949)

Após a libertação de Roma pelos Aliados, a 4 de junho de 1944, Fellini e Enrico De Seta abriram a Funny Face Shop, onde sobreviveram à recessão do pós-guerra desenhando caricaturas de soldados americanos. Envolveu-se com o neorealismo italiano quando Roberto Rossellini, que estava a trabalhar em Histórias de Antigamente (mais tarde Roma, Cidade Aberta), se encontrou com Fellini na sua loja e lhe propôs que contribuísse com gags e diálogos para o guião. Conhecedor da reputação de Fellini como “musa criativa” de Aldo Fabrizi, Rossellini pediu-lhe também que tentasse convencer o ator a interpretar o papel do Padre Giuseppe Morosini, o pároco executado pelas SS em 4 de abril de 1944.

Em 1947, Fellini e Sergio Amidei foram nomeados para um Óscar pelo argumento de Roma, Cidade Aberta.

Trabalhando como argumentista e assistente de realização em Paisà (Paisan), de Rossellini, em 1946, Fellini foi encarregado de filmar as cenas sicilianas em Maiori. Em fevereiro de 1948, foi apresentado a Marcello Mastroianni, então um jovem ator de teatro que participava numa peça com Giulietta Masina. Estabelecendo uma estreita relação de trabalho com Alberto Lattuada, Fellini co-escreveu os filmes Senza pietà (Sem Piedade) e Il mulino del Po (O Moinho do Pó) do realizador. Fellini também trabalhou com Rossellini no filme antológico L’Amore (1948), co-escrevendo o argumento e, num segmento intitulado “O Milagre”, contracenando com Anna Magnani. Para interpretar o papel de um vagabundo confundido por Magnani com um santo, Fellini teve de descolorir o seu cabelo preto.

Primeiros filmes (1950-1953)

Em 1950, Fellini co-produziu e co-realizou com Alberto Lattuada Variety Lights (Luci del varietà), a sua primeira longa-metragem. Uma comédia de bastidores passada no mundo dos pequenos artistas itinerantes, com Giulietta Masina e a mulher de Lattuada, Carla Del Poggio. O seu lançamento com más críticas e distribuição limitada revelou-se desastroso para todos os envolvidos. A produtora foi à falência, deixando Fellini e Lattuada com dívidas a pagar durante mais de uma década. Em fevereiro de 1950, Paisà foi nomeado para um Óscar pelo argumento de Rossellini, Sergio Amidei e Fellini.

Depois de viajar para Paris para uma conferência de guião com Rossellini sobre Europa ’51, Fellini iniciou a produção de O Xeque Branco em setembro de 1951, a sua primeira longa-metragem realizada a solo. Protagonizado por Alberto Sordi no papel principal, o filme é uma versão revista de um tratamento escrito por Michelangelo Antonioni em 1949 e baseado nos fotoromanzi, os romances fotografados em banda desenhada populares em Itália na altura. O produtor Carlo Ponti encarregou Fellini e Tullio Pinelli de escreverem o argumento, mas Antonioni rejeitou a história que desenvolveram. Com Ennio Flaiano, transformaram o material numa sátira ligeira sobre o casal recém-casado Ivan e Wanda Cavalli (Leopoldo Trieste, Brunella Bovo) em Roma para visitar o Papa. A máscara de respeitabilidade de Ivan é rapidamente destruída pela obsessão da sua mulher pelo Xeque Branco. Com destaque para a música de Nino Rota, o filme foi selecionado em Cannes (entre os filmes em competição estava Othello de Orson Welles) e depois retirado. Exibido no 13º Festival Internacional de Cinema de Veneza, foi criticado pela crítica em “clima de jogo de futebol”. Um crítico declarou que Fellini não tinha “a menor aptidão para a direção cinematográfica”.

Em 1953, I Vitelloni caiu nas graças da crítica e do público. Vencedor do Leão de Prata em Veneza, garantiu a Fellini o seu primeiro distribuidor internacional.

Para além do neorealismo (1954-1960)

Fellini realizou La Strada a partir de um guião concluído em 1952 com Pinelli e Flaiano. Durante as últimas três semanas de filmagem, Fellini sentiu os primeiros sinais de uma grave depressão clínica. Ajudado pela sua mulher, iniciou um breve período de terapia com o psicanalista freudiano Emilio Servadio.

Fellini escolheu o ator americano Broderick Crawford para interpretar o papel de um vigarista envelhecido em Il Bidone. Baseado em parte nas histórias que lhe foram contadas por um pequeno ladrão durante a produção de La Strada, Fellini desenvolveu o guião para a lenta descida de um vigarista em direção a uma morte solitária. Para encarnar o “rosto intenso e trágico” do papel, a primeira escolha de Fellini tinha sido Humphrey Bogart, mas depois de saber do cancro do pulmão do ator, optou por Crawford após ver o seu rosto no cartaz teatral de Todos os Homens do Rei (1949). A rodagem do filme foi marcada por dificuldades decorrentes do alcoolismo de Crawford. Criticado pela crítica no 16º Festival Internacional de Cinema de Veneza, o filme teve um péssimo desempenho nas bilheteiras e só foi distribuído internacionalmente em 1964.

Durante o outono, Fellini pesquisou e desenvolveu um tratamento baseado numa adaptação cinematográfica do romance de Mario Tobino, As Mulheres Livres de Magliano. Passado numa instituição mental para mulheres, o projeto foi abandonado quando os financiadores consideraram que o tema não tinha potencial.

Enquanto preparava Noites de Cabíria na primavera de 1956, Fellini soube da morte do seu pai por paragem cardíaca aos sessenta e dois anos. Produzido por Dino De Laurentiis e protagonizado por Giulietta Masina, o filme inspirou-se nas notícias sobre a cabeça decepada de uma mulher encontrada num lago e nas histórias de Wanda, uma prostituta da favela que Fellini conheceu no set de Il Bidone. Pier Paolo Pasolini foi contratado para traduzir os diálogos de Flaiano e Pinelli para o dialeto romano e para supervisionar as pesquisas nos subúrbios de Roma. O filme ganhou o Óscar de Melhor Filme Estrangeiro na 30ª edição dos Prémios da Academia e rendeu a Masina o Prémio de Melhor Atriz em Cannes pelo seu desempenho.

Com Pinelli, desenvolveu Journey with Anita para Sophia Loren e Gregory Peck. Uma “invenção nascida da verdade íntima”, o guião baseava-se no regresso de Fellini a Rimini com uma amante para assistir ao funeral do seu pai. Devido à indisponibilidade de Loren, o projeto foi arquivado e ressuscitou vinte e cinco anos depois como Amantes e Mentirosos (1981), uma comédia realizada por Mario Monicelli com Goldie Hawn e Giancarlo Giannini. Para Eduardo De Filippo, co-escreveu o guião de Fortunella, adaptando o papel principal à sensibilidade particular de Masina.

O fenómeno de Hollywood on the Tiber, em 1958, em que os estúdios americanos lucraram com a mão de obra barata disponível em Roma, serviu de pano de fundo para os fotojornalistas roubarem fotografias de celebridades na Via Veneto. O escândalo provocado pelo striptease improvisado da bailarina turca Haish Nana num clube noturno cativou a imaginação de Fellini, que decidiu terminar o seu último guião em curso, Moraldo in the City, com uma “orgia” que durava toda a noite numa villa à beira-mar. As fotografias de Pierluigi Praturlon de Anita Ekberg a passear completamente vestida na Fonte de Trevi foram mais uma inspiração para Fellini e os seus argumentistas.

Mudando o título do guião para La Dolce Vita, Fellini não tardou a entrar em conflito com o seu produtor sobre o elenco: O realizador insistiu no relativamente desconhecido Mastroianni, enquanto De Laurentiis queria Paul Newman como garantia do seu investimento. Chegando a um impasse, De Laurentiis vendeu os direitos ao magnata da edição Angelo Rizzoli. As filmagens começaram a 16 de março de 1959, com Anita Ekberg a subir as escadas para a cúpula de São Pedro, numa decoração gigantesca construída em Cinecittà. A estátua de Cristo, sobrevoada de helicóptero por Roma até à Praça de São Pedro, foi inspirada num acontecimento mediático real, ocorrido a 1 de maio de 1956, que Fellini testemunhou. O filme terminou a 15 de agosto numa praia deserta em Passo Oscuro, com um peixe mutante inchado desenhado por Piero Gherardi.

La Dolce Vita bateu todos os recordes de bilheteira. Apesar de os cambistas venderem bilhetes a 1000 liras, as multidões fizeram fila durante horas para ver um “filme imoral” antes de ser proibido pela censura. Numa sessão exclusiva em Milão, a 5 de fevereiro de 1960, um cliente indignado cuspiu em Fellini e outros insultaram-no. Denunciado no parlamento pelos conservadores de direita, o subsecretário Domenico Magrì, dos democratas-cristãos, exigiu tolerância para com os temas controversos do filme. O órgão de imprensa oficial do Vaticano, l’Osservatore Romano, fez pressão no sentido da censura, enquanto o Conselho dos Párocos Romanos e o Conselho Genealógico da Nobreza Italiana atacaram o filme. Num caso documentado de críticas favoráveis escritas pelos jesuítas de San Fedele, a defesa de La Dolce Vita teve consequências graves. Em competição em Cannes, juntamente com L’Avventura de Antonioni, o filme ganhou a Palma de Ouro atribuída pelo jurado Georges Simenon. O escritor belga foi imediatamente “assobiado” pelo público reprovador do festival.

Filmes de arte e sonhos (1961-1969)

Uma grande descoberta para Fellini após o período do neorrealismo italiano (1950-1959) foi o trabalho de Carl Jung. Depois de conhecer o psicanalista junguiano Dr. Ernst Bernhard no início de 1960, leu a autobiografia de Jung, Memories, Dreams, Reflections (1963) e experimentou LSD. Bernhard também recomendou que Fellini consultasse o I Ching e mantivesse um registo dos seus sonhos. O que Fellini aceitava anteriormente como “as suas percepções extra-sensoriais” era agora interpretado como manifestações psíquicas do inconsciente. O enfoque de Bernhard na psicologia profunda junguiana provou ser a maior influência no estilo maduro de Fellini e marcou o ponto de viragem no seu trabalho do neorealismo para um cinema “primariamente onírico”. Como consequência, as ideias seminais de Jung sobre a anima e o animus, o papel dos arquétipos e o inconsciente coletivo influenciaram diretamente filmes como 8+1⁄2 (1963), Julieta dos Espíritos (1965), Fellini Satyricon (1969), Casanova (1976) e Cidade das Mulheres (1980). Outras influências importantes no seu trabalho incluem Luis Buñuel, Sergei Eisenstein, Laurel and Hardy e Roberto Rossellini.

Aproveitando o sucesso de La Dolce Vita, o financeiro Angelo Rizzoli criou em 1960 a Federiz, uma empresa de cinema independente, para que Fellini e o diretor de produção Clemente Fracassi descobrissem e produzissem novos talentos. Apesar das melhores intenções, a sua excessiva prudência editorial e comercial obrigou a empresa a fechar pouco depois de cancelar o projeto de Pasolini, Accattone (1961).

Condenado como um “pecador público”, por La Dolce Vita, Fellini respondeu com As Tentações do Doutor António, um segmento do omnibus Boccaccio ’70. O seu segundo filme a cores, foi o único projeto com luz verde na Federiz. Com a sátira surrealista que caracterizava o trabalho do jovem Fellini em Marc’Aurelio, o filme ridicularizava um cruzado contra o vício, interpretado por Peppino De Filippo, que enlouquece ao tentar censurar um cartaz de Anita Ekberg a defender as virtudes do leite.

Numa carta de outubro de 1960 ao seu colega Brunello Rondi, Fellini delineou pela primeira vez as suas ideias para um filme sobre um homem que sofre de bloqueio criativo: “Pois bem – um homem (um escritor? qualquer tipo de profissional? um produtor teatral?) tem de interromper o ritmo habitual da sua vida durante duas semanas por causa de uma doença não muito grave. É um sinal de alarme: algo está a bloquear o seu sistema”. Sem saber o que fazer com o guião, o título e a profissão do protagonista, percorreu toda a Itália “à procura do filme”, na esperança de resolver a sua confusão. Flaiano sugeriu La bella confusione (literalmente A Bela Confusão) como título do filme. Sob pressão dos seus produtores, Fellini acabou por escolher 8+1⁄2, um título autorreferencial que se refere principalmente (mas não exclusivamente) ao número de filmes que tinha realizado até então.

Dando a ordem para iniciar a produção na primavera de 1962, Fellini assinou acordos com a sua produtora Rizzoli, fixou datas, mandou construir cenários, escalou Mastroianni, Anouk Aimée e Sandra Milo para os papéis principais e fez testes de ecrã nos Estúdios Scalera, em Roma. Contratou o diretor de fotografia Gianni Di Venanzo, entre outros. Mas, para além de dar o nome de Guido Anselmi ao seu herói, ainda não conseguiu decidir o que fazia o seu personagem para ganhar a vida. A crise chegou ao auge em abril, quando, sentado no seu gabinete da Cinecittà, começou a escrever uma carta à Rizzoli, confessando que tinha “perdido o seu filme” e que tinha de abandonar o projeto. Interrompido pelo chefe dos maquinistas que lhe pedia para festejar o lançamento de 8+1⁄2, Fellini pôs a carta de lado e foi para o cenário. Levantando um brinde à equipa, “sentiu-se esmagado pela vergonha… Estava numa situação sem saída. Era um realizador que queria fazer um filme de que já não se lembrava. E eis que, nesse preciso momento, tudo se encaixou. Fui direto ao coração do filme. Iria narrar tudo o que me estava a acontecer. Ia fazer um filme que contava a história de um realizador que já não sabia que filme queria fazer”. A estrutura de auto-espelhamento torna todo o filme inseparável da sua construção reflexiva.

As filmagens começaram em 9 de maio de 1962. Perplexa com a improvisação aparentemente caótica e incessante no set de filmagem, Deena Boyer, na altura assessora de imprensa americana do realizador, pediu uma explicação. Fellini disse-lhe que pretendia transmitir os três níveis “em que vivem as nossas mentes: o passado, o presente e o condicional – o reino da fantasia”. Após o final das filmagens, a 14 de outubro, Nino Rota compôs várias marchas de circo e fanfarras que mais tarde se tornariam melodias de assinatura do cinema do maestro. Nomeado para quatro Óscares, 8+1⁄2 ganhou os prémios de melhor filme em língua estrangeira e melhor figurino a preto e branco. Na Califórnia para a cerimónia, Fellini visitou a Disneylândia com Walt Disney no dia seguinte.

Cada vez mais atraído pela parapsicologia, Fellini conheceu o antiquário de Turim Gustavo Rol em 1963. Rol, um antigo banqueiro, introduziu-o no mundo do Espiritismo e das sessões espíritas. Em 1964, Fellini tomou LSD sob a supervisão de Emilio Servadio, seu psicanalista durante a produção de La Strada, em 1954. Durante anos reservado sobre o que realmente aconteceu naquela tarde de domingo, admitiu em 1992 que

… os objectos e as suas funções já não tinham qualquer significado. Tudo o que eu percepcionava era a própria perceção, o inferno das formas e figuras desprovidas de emoção humana e desligadas da realidade do meu ambiente irreal. Eu era um instrumento num mundo virtual que renovava constantemente a sua própria imagem sem sentido num mundo vivo que era ele próprio percepcionado fora da natureza. E como a aparência das coisas já não era definitiva mas ilimitada, esta consciência paradisíaca libertava-me da realidade exterior ao meu eu. O fogo e a rosa tornaram-se, por assim dizer, um só.

As percepções alucinatórias de Fellini foram plenamente desenvolvidas na sua primeira longa-metragem a cores, Julieta dos Espíritos (1965), que retrata Giulietta Masina como Julieta, uma dona de casa que suspeita, com razão, da infidelidade do marido e sucumbe às vozes de espíritos invocados durante uma sessão espírita em sua casa. A sua vizinha Suzy (Sandra Milo), sexualmente voraz, introduz Juliet num mundo de sensualidade desinibida, mas Juliet é assombrada por memórias de infância da sua culpa católica e de uma amiga adolescente que se suicidou. Complexo e repleto de simbolismo psicológico, o filme é acompanhado por uma alegre partitura de Nino Rota.

Nostalgia, sexualidade e política (1970-1980)

Para ajudar a promover Satyricon nos Estados Unidos, Fellini viajou para Los Angeles em janeiro de 1970 para entrevistas com Dick Cavett e David Frost. Também se encontrou com o realizador Paul Mazursky, que o queria como protagonista ao lado de Donald Sutherland no seu novo filme, Alex in Wonderland. Em fevereiro, Fellini procurou locais em Paris para The Clowns, uma docuficção para cinema e televisão, baseada nas suas memórias de infância do circo e numa “teoria coerente do palhaço”. Na sua opinião, o palhaço “foi sempre a caricatura de uma sociedade bem estabelecida, ordenada e pacífica. Mas hoje tudo é provisório, desordenado, grotesco. Quem é que ainda se pode rir dos palhaços? Todo o mundo faz agora de palhaço”.

Em março de 1971, Fellini iniciou a produção de Roma, uma coleção aparentemente aleatória de episódios inspirados nas memórias e impressões do realizador sobre Roma. As “diversas sequências”, escreve Peter Bondanella, estudioso de Fellini, “são mantidas juntas apenas pelo facto de todas terem origem na imaginação fértil do realizador”. A cena de abertura do filme antecipa Amarcord, enquanto a sua sequência mais surrealista envolve um desfile de moda eclesiástico em que freiras e padres patinam por entre naufrágios de esqueletos cobertos de teias de aranha.

Durante um período de seis meses, entre janeiro e junho de 1973, Fellini filmou o filme vencedor de um Óscar, Amarcord. Vagamente baseado no ensaio autobiográfico de 1968 do realizador, My Rimini, o filme retrata o adolescente Titta e os seus amigos a resolverem as suas frustrações sexuais no contexto religioso e fascista de uma cidade provinciana em Itália durante a década de 1930. Produzido por Franco Cristaldi, o filme seriocómico tornou-se o segundo maior sucesso comercial de Fellini depois de La Dolce Vita. De forma circular, Amarcord evita o enredo e a narrativa linear de forma semelhante a Os Palhaços e Roma. A preocupação primordial do realizador em desenvolver uma forma poética de cinema foi delineada pela primeira vez numa entrevista que deu em 1965 à jornalista Lillian Ross, do The New Yorker: “Estou a tentar libertar o meu trabalho de certas restrições – uma história com um início, um desenvolvimento, um final. Deveria ser mais como um poema com métrica e cadência”.

Filmes e projectos tardios (1981-1990)

Organizada pela sua editora Diogenes Verlag em 1982, a primeira grande exposição de 63 desenhos de Fellini teve lugar em Paris, Bruxelas e na Galeria Pierre Matisse em Nova Iorque. Caricaturista talentoso, Fellini encontrava grande parte da inspiração para os seus esboços nos seus próprios sonhos, enquanto os filmes em curso originavam e estimulavam desenhos de personagens, decoração, figurinos e cenários. Sob o título, I disegni di Fellini (Desenhos de Fellini), publicou 350 desenhos executados a lápis, aguarelas e canetas de feltro.

Em 6 de setembro de 1985, Fellini foi galardoado com o Leão de Ouro pelo seu percurso de vida no 42º Festival de Cinema de Veneza. Nesse mesmo ano, tornou-se o primeiro não-americano a receber o prémio anual da Film Society of Lincoln Center para realizações cinematográficas.

Há muito fascinado pela obra de Carlos Castaneda, Os Ensinamentos de Don Juan: Uma Forma Yaqui de Conhecimento, Fellini acompanhou o autor peruano numa viagem a Yucatán para avaliar a viabilidade de um filme. Depois de se encontrar pela primeira vez com Castaneda em Roma, em outubro de 1984, Fellini esboçou um tratamento com Pinelli, intitulado Viaggio a Tulun. O produtor Alberto Grimaldi, disposto a comprar os direitos cinematográficos de toda a obra de Castaneda, pagou então a pesquisa de pré-produção, levando Fellini e a sua comitiva de Roma para Los Angeles e para as selvas do México em outubro de 1985. Quando Castaneda desapareceu inexplicavelmente e o projeto fracassou, as aventuras místico-xamânicas de Fellini foram escritas com Pinelli e publicadas no Corriere della Sera em maio de 1986. Uma interpretação satírica pouco velada da obra de Castaneda, Viaggio a Tulun foi publicada em 1989 como novela gráfica com arte de Milo Manara e como Trip to Tulum na América em 1990.

Para Intervista, produzido por Ibrahim Moussa e pela RAI Television, Fellini intercalou memórias da primeira vez que visitou Cinecittà em 1939 com imagens actuais de si próprio a trabalhar numa adaptação para o ecrã de Amerika de Franz Kafka. Uma meditação sobre a natureza da memória e da produção cinematográfica, o filme ganhou o Prémio Especial do 40º Aniversário em Cannes e o Prémio de Ouro do 15º Festival Internacional de Cinema de Moscovo. No final desse ano, em Bruxelas, um painel de trinta profissionais de dezoito países europeus nomeou Fellini o melhor realizador do mundo e 8+1⁄2 o melhor filme europeu de todos os tempos.

No início de 1989, Fellini começou a produção de A Voz da Lua, baseado no romance de Ermanno Cavazzoni, Il poema dei lunatici (O Poema dos Lunáticos). Foi construída uma pequena cidade nos Empire Studios, na Via Pontina, nos arredores de Roma. Protagonizado por Roberto Benigni no papel de Ivo Salvini, uma figura poética louca recém-saída de um manicómio, a personagem é uma combinação de Gelsomina de La Strada, Pinóquio e o poeta italiano Giacomo Leopardi. Fellini improvisou à medida que filmava, usando como guia um tratamento aproximado escrito com Pinelli. Apesar do seu modesto sucesso crítico e comercial em Itália e da receção calorosa da crítica francesa, não conseguiu interessar os distribuidores norte-americanos.

Fellini ganhou o Praemium Imperiale, um prémio internacional de artes visuais atribuído pela Associação de Arte do Japão em 1990.

Últimos anos (1991-1993)

Em julho de 1991 e abril de 1992, Fellini trabalhou em estreita colaboração com o realizador canadiano Damian Pettigrew para estabelecer “as conversas mais longas e detalhadas alguma vez registadas em filme”. Descrito como o “testamento espiritual do Maestro” pelo seu biógrafo Tullio Kezich, excertos retirados das conversas serviram mais tarde de base para o seu documentário de longa-metragem, Fellini: I’m a Born Liar (2002) e para o livro I’m a Born Liar: A Fellini Lexicon. Com cada vez mais dificuldade em obter financiamento para longas-metragens, Fellini desenvolveu um conjunto de projectos televisivos cujos títulos reflectem os seus temas: Attore, Napoli, L’Inferno, L’opera lirica e L’America.

Em abril de 1993, Fellini recebeu o seu quinto Óscar, pelo conjunto da sua obra, “em reconhecimento das suas realizações cinematográficas que emocionaram e divertiram o público de todo o mundo”. Em 16 de junho, deu entrada no Hospital Cantonal de Zurique para uma angioplastia da artéria femoral, mas dois meses depois sofreu um AVC no Grand Hotel de Rimini. Parcialmente paralisado, foi transferido primeiro para Ferrara, para reabilitação, e depois para o Policlínico Umberto I, em Roma, para estar perto da sua mulher, também hospitalizada. Sofreu um segundo AVC e entrou em coma irreversível.

Fellini morreu em Roma a 31 de outubro de 1993, com 73 anos, na sequência de um ataque cardíaco sofrido algumas semanas antes, um dia depois do seu 50º aniversário de casamento. A cerimónia fúnebre, no Studio 5 da Cinecittà, contou com a presença de cerca de 70.000 pessoas. A pedido de Giulietta Masina, o trompetista Mauro Maur tocou o “Improvviso dell’Angelo” de Nino Rota durante a cerimónia.

Cinco meses depois, em 23 de março de 1994, Masina morreu de cancro do pulmão. Fellini, Masina e o seu filho, Pierfederico, estão sepultados num sepulcro de bronze esculpido por Arnaldo Pomodoro. Concebido como a proa de um navio, o túmulo encontra-se na entrada principal do cemitério de Rimini. O aeroporto Federico Fellini de Rimini foi batizado em sua honra.

Fellini foi criado no seio de uma família católica romana e considerava-se católico, mas evitava a atividade formal na Igreja Católica. Os filmes de Fellini incluem temas católicos; alguns celebram os ensinamentos católicos, enquanto outros criticam ou ridicularizam os dogmas da igreja.

Em 1965, Fellini disse:

Só vou à igreja quando tenho de filmar uma cena na igreja, ou por uma razão estética ou nostálgica. Para ter fé, pode ir ter com uma mulher. Talvez isso seja mais religioso”.

Embora Fellini fosse, na sua maior parte, indiferente à política, tinha uma aversão geral às instituições autoritárias e é interpretado por Bondanella como acreditando na “dignidade e mesmo na nobreza do ser humano individual”. Numa entrevista de 1966, disse: “Faço questão de ver se certas ideologias ou atitudes políticas ameaçam a liberdade privada do indivíduo. Mas, quanto ao resto, não estou preparado nem tenciono interessar-me pela política”.

Apesar de vários actores italianos famosos favorecerem os comunistas, Fellini opunha-se ao comunismo. Preferia mover-se no mundo da esquerda moderada e votou no Partido Republicano Italiano do seu amigo Ugo La Malfa, bem como nos socialistas reformistas de Pietro Nenni, outro amigo seu, e votou apenas uma vez nos democratas-cristãos em 1976 para manter os comunistas fora do poder. Bondanella escreve que a DC “estava demasiado alinhada com uma Igreja pré-Vaticano II extremamente conservadora e mesmo reacionária para se adequar aos gostos de Fellini”.

Para além de satirizar Silvio Berlusconi e a televisão tradicional em Ginger e Fred, Fellini raramente expressou opiniões políticas em público e nunca realizou um filme abertamente político. Nos anos 90, realizou dois spots televisivos eleitorais: um para a DC e outro para o Partido Republicano Italiano (PRI). O seu slogan “Non si interrompe un’emozione” (Não interrompa uma emoção) era dirigido contra o uso excessivo de anúncios televisivos. O Partido Democrático de Esquerda também utilizou o slogan nos referendos de 1995.

Visões pessoais e altamente idiossincráticas da sociedade, os filmes de Fellini são uma combinação única de memória, sonho, fantasia e desejo. Os adjectivos “Felliniano” e “Felliniesco” são “sinónimos de qualquer tipo de imagem extravagante, fantasiosa e até barroca no cinema e na arte em geral”. La Dolce Vita contribuiu com o termo paparazzi para a língua inglesa, derivado de Paparazzo, o fotógrafo amigo do jornalista Marcello Rubini (Marcello Mastroianni).

Cineastas contemporâneos, como Tim Burton e Emir Kusturica, citaram a influência de Fellini no seu trabalho.

O realizador polaco Wojciech Has, cujos dois filmes mais bem recebidos, O Manuscrito de Saragoça (1965) e O Sanatório das Horas de Vidro (1973), são exemplos de fantasias modernistas, foi comparado a Fellini pelo “luxo das suas imagens”.

I Vitelloni inspirou os realizadores europeus Juan Antonio Bardem, Marco Ferreri e Lina Wertmüller e influenciou Martin Scorsese em Mean Streets (1973), George Lucas em American Graffiti (1974), Joel Schumacher em St. Elmo’s Fire (1985) e Barry Levinson em Diner (1982), entre muitos outros. Quando a revista americana Cinema pediu a Stanley Kubrick, em 1963, que indicasse os seus dez filmes favoritos, ele classificou I Vitelloni em primeiro lugar.

Noites de Cabíria foi adaptado como o musical da Broadway Sweet Charity e o filme Sweet Charity (1969) de Bob Fosse com Shirley MacLaine. Cidade das Mulheres foi adaptada para o palco de Berlim por Frank Castorf em 1992.

8+1⁄2 inspirou, entre outros, Mickey One (Arthur Penn, 1965), Alex in Wonderland (Paul Mazursky, 1970), Beware of a Holy Whore (Rainer Werner Fassbinder, 1971), Day for Night (François Truffaut, 1973), All That Jazz (Bob Fosse, 1979), Stardust Memories (Woody Allen, 1980), Sogni d’oro (Nanni Moretti, 1981), Parad Planet (Vadim Abdrashitov, 1984), La Película del rey (Carlos Sorin, 1986), Living in Oblivion (Tom DiCillo, 1995), 8+1⁄2 Women (Peter Greenaway, 1999), Falling Down (Joel Schumacher, 1993) e o musical da Broadway Nine (Maury Yeston e Arthur Kopit, 1982). Yo-Yo Boing! (1998), um romance espanhol da escritora porto-riquenha Giannina Braschi, apresenta uma sequência de sonho com Fellini inspirada em 8+1⁄2.

O trabalho de Fellini é referenciado nos álbuns Fellini Days (2001) dos Fish, Another Side of Bob Dylan (1964) de Bob Dylan com Motorpsycho Nitemare, Funplex (2008) dos B-52’s com a canção Juliet of the Spirits, e no engarrafamento de abertura do vídeo Everybody Hurts dos R.E.M. A cantora americana Lana Del Rey citou Fellini como uma influência. O seu trabalho influenciou as séries televisivas americanas Northern Exposure e Third Rock from the Sun. A curta-metragem de Wes Anderson, Castello Cavalcanti (2013), é em muitos pontos uma homenagem direta a Fellini. Em 1996, a Entertainment Weekly classificou Fellini em décimo lugar na sua lista dos “50 maiores realizadores”. Em 2002, a revista MovieMaker classificou Fellini em nono lugar na sua lista dos 25 realizadores mais influentes de todos os tempos. Em 2007, a revista Total Film classificou Fellini em 67º lugar na sua lista dos “100 Maiores Realizadores de Sempre”.

Vários materiais relacionados com filmes e documentos pessoais de Fellini encontram-se nos Arquivos de Cinema da Universidade de Wesleyan, aos quais académicos e especialistas em meios de comunicação social têm pleno acesso. Em outubro de 2009, o Jeu de Paume, em Paris, inaugurou uma exposição dedicada a Fellini, que incluía material efémero, entrevistas televisivas, fotografias dos bastidores, o Livro dos Sonhos (baseado em 30 anos de sonhos e notas ilustradas do realizador), bem como excertos de La dolce vita e 8+1⁄2.

Em 2014, a revista semanal de entretenimento Variety anunciou que o realizador francês Sylvain Chomet estava a avançar com The Thousand Miles, um projeto baseado em várias obras de Fellini, incluindo os seus desenhos e escritos inéditos.

Como argumentista

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Fontes

Fontes

1. Federico Fellini
2. Federico Fellini
3. ^ Fellini & Pettigrew 2003, p. 87. Buñuel is the auteur I feel closest to in terms of an idea of cinema or the tendency to make particular kinds of films.
4. ^ Stubbs 2006, pp. 152–153. One of Cabiria’s finest moments comes in the movie’s nightclub scene. It begins when the actor’s girlfriend deserts him, and the star picks up Cabiria on the street as a replacement. He whisks her away to the nightclub. Fellini has admitted that this scene owes a debt to Chaplin’s City Lights (1931). Peter Bondanella points out that Gelsomina’s costume, makeup, and antics as a clown figure had “clear links to Fellini’s past as a cartoonist-imitator of Happy Hooligan and Charlie Chaplin.
5. ^ Bondanella 1978, p. 167. In his study of Fellini Satyricon, Italian novelist Alberto Moravia observes that with “the oars of his galleys suspended in the air, Fellini revives for us the lances of the battle in Eisenstein’s Alexander Nevsky (film).
6. ^ Fellini & Pettigrew 2003, pp. 17–18. Roberto Rossellini walked into my life at a moment when I needed to make a choice, when I needed someone to show me the path to follow. He was the stationmaster, the green light of providence… He taught me how to thrive on chaos by ignoring it and focusing on what was essential: constructing your film day by day. In Fellini on Fellini, the director explains that his “meeting with Rossellini was a determining factor… he taught me to make a film as if I were going for a picnic with friends”.
7. ^ Ramacci.
8. ^ «Giulio Cesare», su liceocesarevalgimigli.it. URL consultato il 24 gennaio 2012 (archiviato dall’url originale il 27 dicembre 2011).
9. ^ Pier Mario Fasanotti, Tra il Po, il monte e la marina. I romagnoli da Artusi a Fellini, Neri Pozza, Vicenza, 2017, pp. 251-273.
10. ^ Note biografiche Fellini, su ibc.regione.emilia-romagna.it. URL consultato il 17 marzo 2019 (archiviato il 19 gennaio 2020).
11. ^ Kezich, Tullio., Federico Fellini : his life and work, I.B. Tauris, 2007, ISBN 9781845114251, OCLC 76852740. URL consultato il 21 marzo 2019 (archiviato il 28 maggio 2021).
12. a b Integrált katalógustár (német és angol nyelven). (Hozzáférés: 2014. április 9.)
13. BFI | Sight & Sound | Top Ten Poll 2002 – The Directors’ Top Ten Directors. (Nicht mehr online verfügbar.) Archiviert vom Original am 13. Oktober 2018; abgerufen am 26. Mai 2021.  Info: Der Archivlink wurde automatisch eingesetzt und noch nicht geprüft. Bitte prüfe Original- und Archivlink gemäß Anleitung und entferne dann diesen Hinweis.@1@2Vorlage:Webachiv/IABot/old.bfi.org.uk
14. BFI | Sight & Sound | Top Ten Poll 2002 – The Critics’ Top Ten Directors. (Nicht mehr online verfügbar.) Archiviert vom Original am 3. März 2016; abgerufen am 26. Mai 2021.  Info: Der Archivlink wurde automatisch eingesetzt und noch nicht geprüft. Bitte prüfe Original- und Archivlink gemäß Anleitung und entferne dann diesen Hinweis.@1@2Vorlage:Webachiv/IABot/old.bfi.org.uk
15. Quelle: Tullio Kezich: Federico Fellini: His Life and Work, 2006, in: Google Bücher, S. 74, aufgerufen am 4. November 2013.