Franz Kline

Dimitris Stamatios | Julho 11, 2022

Resumo

Franz Kline (23 de Maio de 1910 – 13 de Maio de 1962) era um pintor americano. Está associado ao movimento expressionista abstracto dos anos 1940 e 1950. Kline, juntamente com outros pintores de acção como Jackson Pollock, Willem de Kooning, Robert Motherwell, John Ferren, e Lee Krasner, bem como poetas, dançarinos e músicos locais ficaram conhecidos como o grupo informal, a New York School. Embora tenha explorado as mesmas inovações para a pintura que os outros artistas deste grupo, o trabalho de Kline é distinto em si mesmo e tem sido reverenciado desde os anos 50.

Kline nasceu em Wilkes-Barre, uma pequena comunidade mineira na Pensilvânia Oriental. Aos sete anos de idade, o pai de Kline suicidou-se. Durante a sua juventude mudou-se para Lehighton, Pensilvânia, e formou-se na Escola Secundária de Lehighton. Mais tarde, a sua mãe voltou a casar e mandou-o para o Girard College, uma academia em Filadélfia para rapazes sem pai. Após a graduação do liceu, Kline estudou arte na Universidade de Boston de 1931 a 1935, tendo depois passado um ano em Inglaterra a frequentar a Heatherley School of Fine Art em Londres. Durante este tempo, conheceu a sua futura esposa, Elizabeth V. Parsons, uma bailarina britânica de ballet. Ela regressou aos Estados Unidos com a Kline em 1938.

No seu regresso ao país, Kline trabalhou como designer para uma loja de departamentos no estado de Nova Iorque. Mudou-se então para Nova Iorque em 1939 e trabalhou para um designer cénico. Foi durante este tempo em Nova Iorque que Kline desenvolveu as suas técnicas artísticas e ganhou reconhecimento como um artista significativo.

Mais tarde ensinou em várias instituições, incluindo o Black Mountain College na Carolina do Norte e o Pratt Institute em Brooklyn. Passou os verões de 1956 a 1962 a pintar em Provincetown, Massachusetts, e morreu em 1962, em Nova Iorque, de uma doença cardíaca reumática, dez dias antes do seu 52º aniversário.

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Trabalho precoce

A formação artística da Kline centrou-se na ilustração e redacção tradicionais. Durante o final dos anos 30 e início dos anos 40, Kline trabalhou figurativamente, pintando paisagens e paisagens urbanas, para além de retratos e murais encomendados. O seu estilo individual pode ser visto pela primeira vez na série mural Hot Jazz, que pintou para a Bleecker Street Tavern, em Greenwich Village, em 1940.

A série revelou o seu interesse em quebrar formas representativas em pinceladas rápidas e rudimentares.

O estilo pessoal que desenvolveu durante este tempo, utilizando formulários simplificados, tornou-se cada vez mais abstracto. Muitas das figuras que descreveu são baseadas nas locomotivas, nas paisagens austeras, e nas grandes formas mecânicas da sua comunidade mineira nativa, na Pensilvânia. Isto por vezes só é aparente para os espectadores porque as peças têm o nome desses lugares e objectos, e não porque se parecem realmente com o sujeito. Com a influência da cena artística contemporânea de Nova Iorque, Kline trabalhou ainda mais na abstracção e acabou por abandonar o representacionalismo. A partir de finais dos anos 40, Kline começou a generalizar os seus temas figurativos em linhas e planos que se encaixam muito como as obras do Cubismo da época.

Em 1946, o Lehighton, Pennsylvania Post da Legião Americana encarregou Kline de fazer uma grande tela representando a cidade onde tinha frequentado o liceu. O mural Lehighton foi adquirido do posto da Legião Americana em 2016 pelo Museu de Arte de Allentown, em Allentown, Pensilvânia, e está hoje em exposição permanente no local.

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Trabalho posterior

Acredita-se amplamente que o estilo mais reconhecível de Kline deriva de uma sugestão feita pelo seu amigo e influência criativa, Willem de Kooning. A esposa de De Kooning, Elaine, deu um relato romantizado do evento, afirmando que, em 1948, de Kooning aconselhou um Kline artisticamente frustrado a projectar um esboço na parede do seu estúdio, utilizando um projector Bell-Opticon. Kline descreveu a projecção como tal:

“Um desenho preto de quatro por cinco polegadas de uma cadeira de baloiço…solto em gigantescas pinceladas negras que erradicaram qualquer imagem, as pinceladas expandindo-se como entidades em si mesmas, sem relação com qualquer entidade, excepto a da sua própria existência”.

Como Elaine de Kooning sugere, foi então que Kline se dedicou a trabalhos abstractos em grande escala. No entanto, apesar de Willem de Kooning recordar que Kline mergulhou na abstracção “de repente, mergulhou nela”, também admite que levou um tempo considerável, afirmando que “Franz teve uma visão de algo e, por vezes, leva bastante tempo a resolvê-lo”. Durante os dois anos seguintes, as pinceladas de Kline tornaram-se completamente não representativas, fluidas e dinâmicas. Foi também nesta altura que Kline começou a pintar apenas a preto e branco. Explicou como a sua paleta monocromática pretendia representar o espaço negativo e positivo, dizendo: “Pinto tanto o branco como o preto, e o branco é igualmente importante”. O seu uso do preto e branco é muito semelhante às pinturas feitas por de Kooning e Pollock durante a década de 1940. Também parece haver referências à caligrafia japonesa nas pinturas a preto e branco de Kline, através da sua troca com o grupo japonês de vanguarda em caligrafia Bokujinkai e o seu líder Morita Shiryu, embora Kline tenha mais tarde negado essa ligação.

A primeira exposição individual da Kline teve lugar a 16 de Outubro – 4 de Novembro de 1950, na Egan Gallery, 63 East 57th Street. A exposição consistiu em onze pinturas abstractas. A cor era um elemento raro nas pinturas: sub-pintura castanha perto do fundo de Nijinsky e traços fugazes de verde em Leda. As pinturas exibiam uma variedade de composições e estados de espírito, mas todas tinham um traço definidor: O estilo de assinatura de Kline de preto sobre branco. Treze anos antes, em Londres, Kline tinha-se autodenominado um “homem preto e branco”, mas não até que esta exposição tivesse a exactidão desta fase ficado clara para os outros. Devido ao impacto de Kline e ao seu estilo concreto, Kline foi apelidado de “artista a preto e branco”, um rótulo que se colou ao artista, e pelo qual ocasionalmente se sentiria limitado. A primeira exposição individual de Kline foi um evento fulcral na carreira de Kline, pois marcou o início e o fim praticamente simultâneos da grande invenção de Kline como artista abstracto. Com a idade de quarenta anos, Kline tinha assegurado um estilo pessoal que já tinha dominado. Não havia formas reais de Kline aprofundar a sua investigação; ele apenas tinha o potencial de reproduzir o estilo que já dominara. Para seguir em frente, havia apenas uma direcção lógica para Kline ir: de volta à cor, a direcção que ele estava a tomar na altura da sua morte prematura por insuficiência cardíaca.

Nos finais dos anos 50, em pinturas como Requiem (1958), Kline começou a experimentar o chiaroscuro mais complexo em vez de se concentrar numa paleta monocromática rigorosa. Depois, em 1958, reintroduziu o uso da cor no seu trabalho através de acentos coloridos nas suas pinturas a preto e branco. Esta exploração de volta ao uso da cor ainda estava em desenvolvimento quando Kline morreu em 1962.

Kline é reconhecido como um dos artistas mais importantes mas problemáticos do movimento expressionista abstrato em Nova Iorque. O seu estilo é difícil de interpretar para os críticos em relação aos seus contemporâneos. Tal como com Jackson Pollock, Willem de Kooning, e outros expressionistas abstratos, Kline foi considerado um pintor de acção devido ao seu estilo aparentemente espontâneo e intenso, concentrando-se não em figuras ou imagens, mas na expressão das suas pinceladas e no uso de tela. No entanto, as pinturas de Kline são enganosamente subtis. Embora geralmente as suas pinturas tenham um impacto espontâneo, e dramático, Kline referiu-se frequentemente de perto aos seus desenhos composicionais. Kline apresentou cuidadosamente muitos dos seus quadros mais complexos a partir de extensos estudos, geralmente criados em páginas de listas telefónicas de lixo. Ao contrário dos seus colegas expressionistas abstratos, as obras de Kline foram apenas feitas num momento de inspiração; no entanto, cada pintura foi extensivamente explorada antes do pincel do seu pintor doméstico tocar na tela.

Kline também era conhecido por evitar dar sentido às suas pinturas, ao contrário dos seus colegas que davam descrições místicas das suas obras. Num catálogo das obras de Kline, a historiadora de arte Carolyn Christov-Bakargiev escreve que “a sua arte tanto sugere como nega significado e significado”. Muitas das suas obras têm sido vistas pelos historiadores de arte como indicações de uma progressão para uma pintura minimalista. Eles acreditam que as suas obras possuem uma opacidade e franqueza objectivas que diferem da subjectividade envolvida com o estilo da Escola de Nova Iorque. Isto tornaria a sua obra mais semelhante às plataformas vanguardistas como o minimalismo que substituiu o movimento expressionista abstrato nos anos 60.

O historiador de arte David Anfam observa que os artistas que trabalham durante a vida de Kline e depois – como Robert Rauschenberg, Aaron Siskind, Cy Twombly, Mark di Suvero, e Brice Marden – têm todos chamado Kline uma inspiração.

Em 2012, o financiador de São Francisco George R. Roberts vendeu um trabalho a preto e branco de quase 3 m de largura, sem título, de 1957 na Christie”s, Nova Iorque. O quadro foi a um licitante telefónico por $36 milhões, ou $40,4 milhões com taxas (a Christie”s garantiu ao vendedor Robert Mnuchin um mínimo não revelado), um preço recorde para o artista em leilão e mais de seis vezes o recorde anterior, que foi estabelecido em 2005 quando a Christie”s vendeu Crow Dancer (1958) por $6,4 milhões.

Uma obra inicial, UNTITLED, de 1940 (de uma sala interior) foi comprada à Sotheby”s em 1995 por um coleccionador privado por 21.850 dólares. Esta peça inicial ajuda a definir a sua fase inicial, antes da sua transformação de pintor realista em expressionista abstracto inovador. As pinceladas ousadas da pintura prefiguram a abstracção épica negra do seu estilo revolucionário.

Em 2018, o Instituto Hauser & Wirth em cooperação com a Herdade de Franz Kline começou a preparar o catálogo raisonné Franz Kline Paintings, 1950-1962. O projecto, que apresentará pela primeira vez um compêndio online das obras de óleo sobre tela da Kline realizadas entre 1950 e a morte do artista em 1962, deverá estar concluído em 2022.

Kline teve a sua exposição revolucionária na Galeria Charles Egan em 1950, e participou na 9ª Exposição de Arte da Rua 9 no ano seguinte. Em 1958 foi incluído na principal exposição do Museu de Arte Moderna, “A Nova Pintura Americana”, que percorreu oito cidades europeias. Na década anterior à sua morte, o seu trabalho foi incluído em numerosas exposições internacionais, incluindo a Bienal de Veneza (e Whitney Annuals and Biennials (1952, 1953, 1955, 1961). A Washington Gallery of Modern Art, Washington, D.C., organizou uma exposição memorial (1962). Foram também realizadas grandes exposições monográficas no Museu Whitney de Arte Americana, Nova Iorque (Museu de Arte de Cincinnati, viagem ao Museu de Arte Moderna de São Francisco e à Academia de Belas Artes da Pensilvânia (e Castello di Rivoli, Museo d”arte contemporanea, Itália (2004).

Fontes

1. Franz Kline
2. Franz Kline
3. ^ “Hot Jazz”. Chrysler.emuseum.com. Chrysler Museum of Art. Retrieved 16 January 2019.
4. ^ Christov-Bakargiev, Carolyn; Anfam, David; Ashton, Dore (2004). Franz Kline, 1910-1962. Italy: Skira Editore. p. 356. ISBN 88-8491-866-9.
5. a b c d e f g h i j k l m FranzF. Kline FranzF., Franz Kline, Guggenheim [dostęp 2020-10-13]  (ang.).
6. a b c Altmann 2012 ↓, s. 280.
7. LUCIE-SMITH, Edward (2006). Os Movimentos Artísticos a Partir de 1945. São Paulo: Martins Fontes. pp. 23, 25