Frida Kahlo

gigatos | Novembro 21, 2021

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Resumo

Magdalena Carmen Frida Kahlo y Calderón (6 de Julho de 1907 – 13 de Julho de 1954) era uma pintora mexicana conhecida pelos seus muitos retratos, auto-retratos, e obras inspiradas na natureza e artefactos do México. Inspirada pela cultura popular do país, empregou um estilo de arte popular ingénuo para explorar questões de identidade, pós-colonialismo, género, classe, e raça na sociedade mexicana. As suas pinturas tinham frequentemente fortes elementos autobiográficos e misturavam realismo com fantasia. Para além de pertencer ao movimento mexicayotl pós-revolucionário, que procurava definir uma identidade mexicana, Kahlo tem sido descrita como uma realista surrealista ou realista mágica. Ela é conhecida por pintar sobre a sua experiência de dor crónica.

Nascida de pai alemão e mãe mestiça, Kahlo passou a maior parte da sua infância e vida adulta na Casa Azul, a sua casa de família em Coyoacán – agora acessível ao público como o Museu Frida Kahlo. Embora tenha sido incapacitada pela poliomielite quando criança, Kahlo tinha sido uma estudante promissora a caminho da escola de medicina até sofrer um acidente de autocarro aos 18 anos de idade, o que lhe causou dores e problemas médicos para toda a vida. Durante a sua recuperação, ela voltou ao seu interesse de infância pela arte com a ideia de se tornar artista.

Os interesses de Kahlo na política e na arte levaram-na a aderir ao Partido Comunista Mexicano em 1927, através do qual conheceu o colega artista mexicano Diego Rivera. O casal casou em 1929, e passou o final dos anos 20 e início dos anos 30 a viajar juntos no México e nos Estados Unidos da América. Durante este período, ela desenvolveu o seu estilo artístico, inspirando-se principalmente na cultura popular mexicana, e pintou sobretudo pequenos auto-retratos que misturam elementos de crenças pré-colombianas e católicas. As suas pinturas suscitaram o interesse do artista surrealista André Breton, que organizou a primeira exposição individual de Kahlo na Julien Levy Gallery em Nova Iorque em 1938; a exposição foi um sucesso, e foi seguida por outra em Paris em 1939. Enquanto a exposição francesa foi menos bem sucedida, o Louvre adquiriu uma pintura de Kahlo, The Frame, fazendo dela a primeira artista mexicana a ser apresentada na sua colecção. Durante a década de 1940, Kahlo participou em exposições no México e nos Estados Unidos e trabalhou como professora de arte. Ensinou na Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado (“La Esmeralda”) e foi membro fundador do Seminario de Cultura Mexicana. A saúde sempre frágil de Kahlo começou a declinar na mesma década. Realizou a sua primeira exposição individual no México em 1953, pouco antes da sua morte, em 1954, com 47 anos de idade.

O trabalho de Kahlo como artista permaneceu relativamente desconhecido até ao final dos anos 70, quando o seu trabalho foi redescoberto por historiadores de arte e activistas políticos. No início dos anos 90, ela tinha-se tornado não só uma figura reconhecida na história da arte, mas também considerada como um ícone para Chicanos, o movimento feminista e o movimento LGBTQ+. O trabalho de Kahlo tem sido celebrado internacionalmente como emblemático das tradições nacionais e indígenas mexicanas e por feministas pelo que é visto como a sua representação intransigente da experiência e forma feminina.

Início de carreira

Kahlo gostava de arte desde muito cedo, recebendo instruções de desenho do tipógrafo Fernando Fernández (que era amigo do seu pai) e enchendo cadernos de apontamentos com esboços. Em 1925, ela começou a trabalhar fora da escola para ajudar a sua família. Depois de ter trabalhado brevemente como estenógrafa, tornou-se aprendiz remunerada de gravura para Fernández. embora não considerasse a arte como uma carreira nesta altura.

Um grave acidente de autocarro com a idade de 18 anos deixou Kahlo com dores para toda a vida. Confinado à cama durante três meses após o acidente, Kahlo começou a pintar. Começou também a considerar uma carreira como ilustradora médica, que combinaria os seus interesses na ciência e na arte. A sua mãe forneceu-lhe um cavalete especialmente feito, o que lhe permitiu pintar na cama, e o seu pai emprestou-lhe algumas das suas tintas a óleo. Ela mandou colocar um espelho por cima do cavalete, para que pudesse ver-se a si própria. A pintura tornou-se uma forma de Kahlo explorar questões de identidade e existência. Ela explicou: “Eu pinto-me porque estou frequentemente sozinha e sou o sujeito que melhor conheço”. Mais tarde, ela declarou que o acidente e o período de recuperação isolante fizeram com que ela desejasse “recomeçar, pintando as coisas tal como os próprios olhos e nada mais”.

A maioria dos quadros que Kahlo fez durante este tempo foram retratos de si própria, das suas irmãs e dos seus amigos da escola. As suas primeiras pinturas e correspondência mostram que se inspirou especialmente em artistas europeus, em particular mestres renascentistas como Sandro Botticelli e Bronzino e de movimentos de vanguarda como Neue Sachlichkeit e Cubismo.

Ao mudar-se para Morelos em 1929 com o seu marido Rivera, Kahlo foi inspirado pela cidade de Cuernavaca onde viviam. Ela mudou o seu estilo artístico e inspirou-se cada vez mais na arte popular mexicana. A historiadora de arte Andrea Kettenmann afirma que pode ter sido influenciada pelo tratado de Adolfo Best Maugard sobre o assunto, pois incorporou muitas das características que ele delineou – por exemplo, a falta de perspectiva e a combinação de elementos do período pré-colombiano e colonial da arte mexicana. A sua identificação com La Raza, o povo do México, e o seu profundo interesse pela sua cultura continuaram a ser facetas importantes da sua arte ao longo do resto da sua vida.

Trabalho nos Estados Unidos

Quando Kahlo e Rivera se mudaram para São Francisco em 1930, Kahlo foi apresentado a artistas americanos como Edward Weston, Ralph Stackpole, Timothy L. Pflueger, e Nickolas Muray. Os seis meses passados em São Francisco foram um período produtivo para Kahlo, que desenvolveu ainda mais o estilo de arte popular que tinha adoptado em Cuernavaca. Para além de pintar retratos de vários novos conhecidos, fez Frieda e Diego Rivera (1931), um retrato duplo baseado na sua fotografia de casamento, e The Portrait of Luther Burbank (1931), que retratava o horticultor epónimo como um híbrido entre um humano e uma planta. Embora ainda se tenha apresentado publicamente como simples esposa de Rivera e não como artista, participou pela primeira vez numa exposição, quando Frieda e Diego Rivera foram incluídos na Sexta Exposição Anual da Sociedade de Mulheres Artistas de São Francisco, no Palácio da Legião de Honra.

Ao mudar-se para Detroit com Rivera, Kahlo experimentou numerosos problemas de saúde relacionados com uma gravidez falhada. Apesar destes problemas de saúde, bem como da sua antipatia pela cultura capitalista dos Estados Unidos, o tempo de Kahlo na cidade foi benéfico para a sua expressão artística. Ela experimentou diferentes técnicas, tais como gravura e frescos, e as suas pinturas começaram a mostrar um estilo narrativo mais forte. Ela também começou a colocar ênfase nos temas do “terror, sofrimento, feridas, e dor”. Apesar da popularidade do mural na arte mexicana na altura, adoptou um meio diametralmente oposto, imagens votivas ou reblos, pinturas religiosas feitas em pequenas folhas de metal por artistas amadores para agradecer aos santos pelas suas bênçãos durante uma calamidade. Entre as obras que realizou à maneira de retablo em Detroit estão o Hospital Henry Ford (1932), My Birth (1932), e Self-Portrait on the Border of Mexico and the United States (1932). Embora nenhuma das obras de Kahlo tenha sido apresentada em exposições em Detroit, ela deu uma entrevista ao Detroit News sobre a sua arte; o artigo intitulava-se condescendentemente “Mulher do Mestre Pintor Mural Alegres em Obras de Arte”.

Regresso à Cidade do México e reconhecimento internacional

Ao regressar à Cidade do México em 1934, Kahlo não fez novas pinturas, e apenas duas no ano seguinte, devido a complicações de saúde. Em 1937 e 1938, porém, a carreira artística de Kahlo foi extremamente produtiva, na sequência do seu divórcio e depois da reconciliação com Rivera. Ela pintou mais “do que tinha feito em todos os seus oito anos de casamento anteriores”, criando obras como My Nurse and I (1937), Memory, the Heart (1937), Four Inhabitants of Mexico (1938), e What the Water Gave Me (1938). Embora ainda estivesse insegura sobre o seu trabalho, a Universidade Nacional Autónoma do México exibiu algumas das suas pinturas no início de 1938. Fez a sua primeira venda significativa no Verão de 1938, quando Edward G. Robinson, estrela de cinema e coleccionador de arte, comprou quatro quadros por 200 dólares cada. Seguiu-se um reconhecimento ainda maior quando o surrealista francês André Breton visitou Rivera em Abril de 1938. Ficou impressionado com Kahlo, reivindicando-a imediatamente como surrealista e descrevendo o seu trabalho como “uma fita à volta de uma bomba”. Não só prometeu organizar a exposição dos seus quadros em Paris, como também escreveu ao seu amigo e negociante de arte, Julien Levy, que a convidou para realizar a sua primeira exposição individual na sua galeria na East 57th Street, em Manhattan.

Em Outubro, Kahlo viajou sozinha para Nova Iorque, onde o seu colorido vestido mexicano “causou uma sensação” e a fez ser vista como “o auge da exotica”. A inauguração da exposição em Novembro contou com a presença de figuras famosas como Georgia O”Keeffe e Clare Boothe Luce e recebeu muita atenção positiva na imprensa, embora muitos críticos tenham adoptado um tom condescendente nas suas críticas. Por exemplo, a Time escreveu que “os quadros da pequena Frida … tinham a delicadeza das miniaturas, os vermelhos vivos, e os amarelos da tradição mexicana e a fantasia brincalhona de uma criança pouco sentimental”. Apesar da Grande Depressão, Kahlo vendeu metade das 25 pinturas apresentadas na exposição. Ela também recebeu comissões de A. Conger Goodyear, então presidente do MoMA, e Clare Boothe Luce, para quem pintou um retrato da amiga de Luce, a socialite Dorothy Hale, que se tinha suicidado ao saltar do seu prédio de apartamentos. Durante os três meses que passou em Nova Iorque, Kahlo pintou muito pouco, concentrando-se em desfrutar da cidade na medida em que a sua frágil saúde o permitia. Ela também teve vários casos, continuando aquele com Nickolas Muray e envolvendo-se com Levy e Edgar Kaufmann, Jr.

Em Janeiro de 1939, Kahlo navegou para Paris para dar seguimento ao convite de André Breton para encenar uma exposição da sua obra. Quando ela chegou, descobriu que ele não tinha desalfandegado os seus quadros e já nem sequer possuía uma galeria. Com a ajuda de Marcel Duchamp, pôde organizar uma exposição na Galeria Renou et Colle. Outros problemas surgiram quando a galeria se recusou a mostrar todos os quadros de Kahlo excepto dois, considerando-os demasiado chocantes para o público, e Breton insistiu que fossem mostrados juntamente com fotografias de Manuel Alvarez Bravo, esculturas pré-colombianas, retratos mexicanos dos séculos XVIII e XIX, e o que ela considerava “lixo”: caveiras de açúcar, brinquedos, e outros artigos que ele tinha comprado nos mercados mexicanos.

A exposição abriu em Março, mas recebeu muito menos atenção do que tinha recebido nos Estados Unidos, em parte devido à iminente Segunda Guerra Mundial, e teve um prejuízo financeiro, o que levou Kahlo a cancelar uma exposição planeada em Londres. Independentemente disso, o Louvre comprou The Frame, tornando-a a primeira artista mexicana a ser apresentada na sua colecção. Foi também calorosamente recebida por outros artistas parisienses, tais como Pablo Picasso e Joan Miró, bem como pelo mundo da moda, com a estilista Elsa Schiaparelli a desenhar um vestido inspirado nela e a Vogue Paris a apresentá-la nas suas páginas. Contudo, a sua opinião geral sobre Paris e os surrealistas permaneceu negativa; numa carta a Muray, ela chamou-lhes “este bando de lunáticos coocos e surrealistas muito estúpidos” que “são tão loucos ”intelectuais” e podres que eu já nem os suporto”.

Nos Estados Unidos, as pinturas de Kahlo continuaram a suscitar interesse. Em 1941, as suas obras foram apresentadas no Institute of Contemporary Art em Boston, e, no ano seguinte, participou em duas exposições de grande visibilidade em Nova Iorque, a exposição Retratos do Século XX no MoMA e a exposição Primeiros Documentos Surrealistas do Surrealismo. Em 1943, foi incluída na exposição Arte Hoje Mexicana no Museu de Arte da Filadélfia e Mulheres Artistas na galeria de Peggy Guggenheim”s The Art of This Century, em Nova Iorque.

Kahlo também ganhou mais apreço pela sua arte no México. Tornou-se membro fundador do Seminario de Cultura Mexicana, um grupo de vinte e cinco artistas encomendado pelo Ministério da Educação Pública em 1942 para divulgar o conhecimento público da cultura mexicana. Como membro, participou no planeamento de exposições e assistiu a uma conferência sobre arte. Na Cidade do México, as suas pinturas foram apresentadas em duas exposições sobre arte mexicana que foram encenadas na Biblioteca Benjamin Franklin, de língua inglesa, em 1943 e 1944. Foi convidada a participar no “Salon de la Flor”, uma exposição apresentada na exposição anual de flores. Um artigo de Rivera sobre a arte de Kahlo foi também publicado na revista publicada pelo Seminario de Cultura Mexicana.

Em 1943, Kahlo aceitou um lugar de professor na recentemente reformada Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda”. Encorajou os seus alunos a tratá-la de uma forma informal e não hierárquica e ensinou-lhes a apreciar a cultura popular mexicana e a arte popular e a derivar os seus temas da rua. Quando os seus problemas de saúde lhe dificultaram a deslocação à escola na Cidade do México, começou a realizar as suas aulas na Casa Azul. Quatro dos seus alunos – Fanny Rabel, Arturo García Bustos, Guillermo Monroy, e Arturo Estrada – tornaram-se devotos, e foram referidos como “Los Fridos” pelo seu entusiasmo. Kahlo assegurou três comissões murais para si e para os seus estudantes. Em 1944, eles pintaram La Rosita, uma pulqueria em Coyoacán. Em 1945, o governo encarregou-os de pintar murais para uma lavandaria de Coyoacán como parte de um esquema nacional para ajudar as mulheres pobres que ganhavam a vida como lavadeiras. No mesmo ano, o grupo criou murais para a Posada del Sol, um hotel na Cidade do México. Contudo, foi destruída logo após a sua conclusão, uma vez que o proprietário do hotel não gostou.

Kahlo lutou para ganhar a vida com a sua arte até meados ou finais dos anos 40, uma vez que se recusou a adaptar o seu estilo aos desejos dos seus clientes. Recebeu duas comissões do governo mexicano no início da década de 1940. Não completou a primeira, possivelmente devido à sua antipatia pelo assunto, e a segunda comissão foi rejeitada pelo organismo comissionista. No entanto, tinha clientes particulares regulares, como o engenheiro Eduardo Morillo Safa, que encomendou mais de trinta retratos de membros da família durante a década. A sua situação financeira melhorou quando recebeu um prémio nacional de 5000-peso pelo seu quadro Moses (1945) em 1946 e quando The Two Fridas foi comprada pelo Museo de Arte Moderno em 1947. De acordo com a historiadora de arte Andrea Kettenmann, em meados dos anos 40, as suas pinturas foram “apresentadas na maioria das exposições colectivas no México”. Além disso, Martha Zamora escreveu que ela podia “vender o que quer que estivesse a pintar actualmente; por vezes, quadros incompletos eram comprados logo no cavalete”.

Anos posteriores

Mesmo quando Kahlo estava a ganhar reconhecimento no México, a sua saúde estava a declinar rapidamente, e uma tentativa de cirurgia para apoiar a sua coluna falhou. As suas pinturas deste período incluem Broken Column (1944), Without Hope (1945), Tree of Hope, Stand Fast (1946), e The Wounded Deer (1946), reflectindo o seu mau estado físico. Durante os seus últimos anos, Kahlo ficou na sua maioria confinada à Casa Azul. Pintava principalmente naturezas mortas, retratando frutos e flores com símbolos políticos tais como bandeiras ou pombas. Ela estava preocupada em poder retratar as suas convicções políticas, afirmando que “tenho uma grande inquietação em relação às minhas pinturas. Principalmente porque quero torná-la útil ao movimento revolucionário comunista… até agora tenho conseguido simplesmente uma expressão honesta do meu próprio eu… Devo lutar com todas as minhas forças para assegurar que o pouco positivo que a minha saúde me permite fazer também beneficiar a Revolução, a única razão real para viver”. Ela também alterou o seu estilo de pintura: as suas pinceladas, anteriormente delicadas e cuidadosas, eram agora mais apressadas, o seu uso da cor mais arrojado, e o estilo geral mais intenso e febril.

A fotógrafa Lola Alvarez Bravo compreendeu que Kahlo não tinha muito mais tempo para viver, e assim encenou a sua primeira exposição individual no México na Galería Arte Contemporaneo em Abril de 1953. Embora inicialmente Kahlo não devesse assistir à inauguração, uma vez que os seus médicos lhe tinham prescrito repouso na cama, ela ordenou que a sua cama de quatro colunas fosse transferida da sua casa para a galeria. Para surpresa dos convidados, ela chegou numa ambulância e foi levada numa maca para a cama, onde permaneceu durante toda a festa. A exposição foi um evento cultural notável no México e também recebeu a atenção da grande imprensa de todo o mundo. No mesmo ano, a exposição da Galeria Tate sobre arte mexicana em Londres apresentava cinco dos seus quadros.

Em 1954, Kahlo foi novamente hospitalizado em Abril e Maio. Nessa Primavera, ela retomou a pintura após um intervalo de um ano. As suas últimas pinturas incluem o marxismo político “Will Give Health to the Sick” (c. 1954) e Frida e Estaline (c. 1954) e o Viva La Vida (1954).

As estimativas variam sobre quantos quadros Kahlo fez durante a sua vida, com números que vão desde os menos de 150 dos seus primeiros quadros, que ela fez em meados da década de 1920, mostram a influência de mestres renascentistas e artistas de vanguarda europeus, como Amedeo Modigliani. No final da década, Kahlo inspirou-se mais na arte popular mexicana, atraída pelos seus elementos de “fantasia, ingenuidade, e fascínio pela violência e pela morte”. O estilo que ela desenvolveu misturou realidade com elementos surrealistas e muitas vezes retratou dor e morte.

Um dos primeiros campeões de Kahlo foi o artista surrealista André Breton, que a reivindicou como parte do movimento como uma artista que supostamente tinha desenvolvido o seu estilo “em total ignorância das ideias que motivaram as actividades dos meus amigos e de mim própria”. Isto foi ecoado por Bertram D. Wolfe, que escreveu que Kahlo”s era uma “espécie de surrealismo ”ingénuo”, que ela inventou para si própria”. Embora Breton a considerasse sobretudo como uma força feminina dentro do movimento surrealista, Kahlo trouxe questões e temas pós-coloniais para a linha da frente da sua marca de surrealismo. Bretão também descreveu a obra de Kahlo como “maravilhosamente situada no ponto de intersecção entre a linha política (filosófica) e a linha artística”. Enquanto participou posteriormente em exposições surrealistas, declarou que “detestava o surrealismo”, que para ela era “arte burguesa” e não “verdadeira arte que o povo espera do artista”. Alguns historiadores de arte têm discordado se o seu trabalho deve ser classificado como pertencente ao movimento. Segundo Andrea Kettenmann, Kahlo era uma simbolista mais preocupada em retratar as suas experiências interiores. Emma Dexter argumentou que, como Kahlo derivou a sua mistura de fantasia e realidade principalmente da mitologia asteca e da cultura mexicana em vez do surrealismo, é mais apropriado considerar as suas pinturas como tendo mais em comum com o realismo mágico, também conhecido como Nova Objectividade. Combinou realidade e fantasia e empregou estilo semelhante ao de Kahlo, tal como perspectiva achatada, personagens claramente delineadas e cores brilhantes.

Mexicanidad

Tal como muitos outros artistas mexicanos contemporâneos, Kahlo foi fortemente influenciado pela Mexicanidad, um nacionalismo romântico que se tinha desenvolvido no rescaldo da revolução. O movimento Mexicanidad alegou resistir à “mentalidade de inferioridade cultural” criada pelo colonialismo, e atribuiu especial importância às culturas indígenas. Antes da revolução, a cultura popular mexicana – uma mistura de elementos indígenas e europeus – era desacreditada pela elite, que afirmava ter ascendência puramente europeia e considerava a Europa como a definição de civilização que o México deveria imitar. A ambição artística de Kahlo era pintar para o povo mexicano, e ela afirmou que desejava “ser digna, com as minhas pinturas, do povo a que pertenço e das ideias que me fortalecem”. Para impor esta imagem, preferiu ocultar a educação que tinha recebido em arte do seu pai e Ferdinand Fernandez e na escola preparatória. Em vez disso, cultivou uma imagem de si própria como “artista autodidacta e ingénua”.

Quando Kahlo iniciou a sua carreira como artista nos anos 20, os muralistas dominaram a cena artística mexicana. Criaram grandes peças públicas na veia de mestres renascentistas e realistas socialistas russos: normalmente representavam massas de pessoas, e as suas mensagens políticas eram fáceis de decifrar. Embora fosse próxima de muralistas como Rivera, José Clemente Orozco e David Alfaro Siquieros e partilhasse o seu compromisso com o socialismo e o nacionalismo mexicano, a maioria das pinturas de Kahlo eram auto-retratos de tamanho relativamente pequeno. Particularmente na década de 1930, o seu estilo estava especialmente endividado com pinturas votivas ou reblos, que eram imagens religiosas do tamanho de cartões postais feitas por artistas amadores. O seu objectivo era agradecer aos santos pela sua protecção durante uma calamidade, e normalmente representavam um acontecimento, como uma doença ou um acidente, do qual a sua comissária tinha sido salva. O foco foi nos números retratados, e raramente apresentavam uma perspectiva realista ou um fundo detalhado, destilando assim o evento ao seu essencial. Kahlo tinha uma extensa colecção de aproximadamente 2.000 reblos, que expôs nas paredes da Casa Azul. Segundo Laura Mulvey e Peter Wollen, o formato de reblo permitiu a Kahlo “desenvolver os limites do puramente icónico e permitiu-lhe utilizar narrativa e alegoria”.

Muitos dos auto-retratos de Kahlo imitam os clássicos retratos de busto que estavam na moda durante a era colonial, mas subverteram o formato ao retratar o seu tema como menos atractivo do que na realidade. Ela concentrou-se mais frequentemente neste formato no final dos anos 30, reflectindo assim as mudanças na sociedade mexicana. Cada vez mais desiludidos com o legado da revolução e lutando para enfrentar os efeitos da Grande Depressão, os mexicanos estavam a abandonar o ethos do socialismo pelo individualismo. Isto reflectiu-se nos “cultos da personalidade”, que se desenvolveram em torno de estrelas de cinema mexicanas, como Dolores del Río. Segundo Schaefer, os “auto-retratos mascarados de Kahlo ecoam o fascínio contemporâneo com o close-up cinematográfico da beleza feminina, bem como a mística da alteridade feminina expressa no film noir”. Ao repetir sempre os mesmos traços faciais, Kahlo extraiu da representação das deusas e santos nas culturas indígenas e católicas.

De artistas populares mexicanos específicos, Kahlo foi especialmente influenciado por Hermenegildo Bustos, cujas obras retratavam a cultura e a vida camponesa mexicana, e José Guadalupe Posada, que retratou acidentes e crimes de forma satírica. Ela também se inspirou nas obras de Hieronymus Bosch, a quem chamou um “homem de génio”, e de Pieter Bruegel, o Ancião, cujo foco na vida camponesa era semelhante ao seu próprio interesse pelo povo mexicano. Outra influência foi a poetisa Rosario Castellanos, cujos poemas relatam frequentemente o destino de uma mulher na sociedade patriarcal mexicana, uma preocupação com o corpo feminino, e contam histórias de imensa dor física e emocional.

Como sofreu durante o resto da sua vida devido ao acidente de autocarro na sua juventude, Kahlo passou grande parte da sua vida em hospitais e a ser operada, grande parte da qual foi executada por charlatães que Kahlo acreditava poder restaurá-la onde estava antes do acidente. Muitos dos quadros de Kahlo preocupam-se com imagens médicas, que são apresentadas em termos de dor e ferimentos, apresentando Kahlo sangrando e expondo as suas feridas abertas. Muitas das pinturas médicas de Kahlo, especialmente no que diz respeito ao parto e aborto, têm um forte sentimento de culpa, de um sentimento de viver a vida à custa de outro que morreu para que se possa viver.

O que era ser um mexicano? – moderno, ainda pré-colombiano; jovem, ainda velho; anticatólico, ainda católico; ocidental, ainda Novo Mundo; em desenvolvimento, ainda subdesenvolvido; independente, ainda colonizado; mestiço, ainda não espanhol nem indiano.

Para explorar estas questões através da sua arte, Kahlo desenvolveu uma iconografia complexa, empregando extensivamente símbolos e mitologia pré-colombiana e cristã nas suas pinturas. Na maioria dos seus auto-retratos, ela retrata o seu rosto como uma máscara, mas rodeada de sinais visuais que permitem ao espectador decifrar significados mais profundos para ela. A mitologia asteca aparece fortemente nas pinturas de Kahlo em símbolos que incluem macacos, esqueletos, caveiras, sangue, e corações; frequentemente, estes símbolos referiam-se aos mitos de Coatlicue, Quetzalcoatl, e Xolotl. Outros elementos centrais que Kahlo derivou da mitologia asteca foram o hibridismo e o dualismo. Muitos dos seus quadros retratam opostos: vida e morte, pré-modernidade e modernidade, mexicano e europeu, masculino e feminino.

Além das lendas astecas, Kahlo retratou frequentemente duas figuras centrais femininas do folclore mexicano nas suas pinturas: La Llorona e La Malinche como estando interligadas às situações difíceis, ao sofrimento, infortúnio ou julgamento, como sendo calamitosas, miseráveis ou sendo “de la chingada”. Por exemplo, quando se pintou após o seu aborto em Detroit, no Hospital Henry Ford (1932), mostra-se como chorosa, com o cabelo desgrenhado e o coração exposto, que são todos considerados parte da aparência de La Llorona, uma mulher que assassinou os seus filhos. A pintura era tradicionalmente interpretada como uma simples representação do luto e dor de Kahlo por causa das suas gravidezes falhadas. Mas com a interpretação dos símbolos no quadro e a informação das opiniões reais de Kahlo sobre a maternidade a partir da sua correspondência, o quadro tem sido visto como representando a escolha não convencional e tabu de uma mulher que permanece sem filhos na sociedade mexicana.

Kahlo apresentava frequentemente o seu próprio corpo nos seus quadros, apresentando-o em vários estados e disfarces: como ferido, partido, como criança, ou vestido com diferentes trajes, tais como o fato Tehuana, um fato de homem, ou um vestido europeu. Ela usou o seu corpo como metáfora para explorar questões sobre papéis sociais. As suas pinturas retratavam frequentemente o corpo feminino de uma forma não convencional, como durante os abortos espontâneos, e o parto ou o traje cruzado. Ao representar o corpo feminino de forma gráfica, Kahlo posicionou o espectador no papel do voyeur, “tornando virtualmente impossível para um espectador não assumir uma posição conscientemente ocupada em resposta”.

1907–1924: Família e infância

Magdalena Carmen Frida Kahlo y Calderón nasceu a 6 de Julho de 1907 em Coyoacán, uma aldeia na periferia da Cidade do México. Kahlo declarou ter nascido na casa da família, La Casa Azul, mas de acordo com o registo de nascimento oficial, o nascimento teve lugar na casa próxima da sua avó materna. Os pais de Kahlo eram o fotógrafo Guillermo Kahlo (1871-1941) e Matilde Calderón y González (1876-1932), e tinham trinta e seis e trinta anos, respectivamente, quando a tiveram. Originário da Alemanha, Guillermo tinha imigrado para o México em 1891, após a epilepsia causada por um acidente ter terminado os seus estudos universitários. Embora Kahlo tenha dito que o seu pai era judeu e que os seus avós paternos eram judeus da cidade de Arad, esta afirmação foi contestada em 2006 por um par de genealogistas alemães que descobriram que ele era, em vez disso, um luterano. Matilde nasceu em Oaxaca de pai indígena e mãe de ascendência espanhola. Além de Kahlo, o casamento produziu as filhas Matilde (c. 1898-1951), Adriana (c. 1902-1968), e Cristina (c. 1908-1964). Ela teve duas meias-irmãs do primeiro casamento de Guillermo, María Luisa e Margarita, mas elas foram criadas num convento.

Kahlo descreveu mais tarde a atmosfera da sua casa de infância como sendo frequentemente “muito, muito triste”. e o seu casamento era desprovido de amor. A sua relação com a sua mãe, Matilde, era extremamente tensa. Kahlo descreveu a sua mãe como “bondosa, activa e inteligente, mas também calculista, cruel e fanaticamente religiosa”. O negócio da fotografia do seu pai Guillermo sofreu muito durante a Revolução Mexicana, uma vez que o governo derrubado lhe tinha encomendado obras, e a longa guerra civil limitou o número de clientes privados.

Em 1922, Kahlo foi aceite na Escola Preparatória Nacional de elite, onde se centrou nas ciências naturais com o objectivo de se tornar médica. A instituição só recentemente tinha começado a admitir mulheres, com apenas 35 raparigas em 2.000 estudantes. era uma leitora voraz, e tornou-se “profundamente imersa e seriamente empenhada na cultura mexicana, no activismo político e nas questões de justiça social”. A escola promoveu o indigenismo, um novo sentido da identidade mexicana que se orgulhava da herança indígena do país e procurava livrar-se da mentalidade colonial da Europa como superior à do México. Particularmente influentes para Kahlo nesta altura eram nove dos seus colegas de escola, com quem formou um grupo informal chamado “Cachuchas” – muitos deles tornar-se-iam figuras de proa da elite intelectual mexicana. Eram rebeldes e contra tudo o que era conservador e pregavam partidas, encenavam peças de teatro, e debatiam filosofia e clássicos russos. Para mascarar o facto de ser mais velha e para se declarar “filha da revolução”, começou a dizer que tinha nascido a 7 de Julho de 1910, ano em que teve início a Revolução Mexicana, que continuou durante toda a sua vida. Apaixonou-se por Alejandro Gomez Arias, o líder do grupo e o seu primeiro amor. Os seus pais não aprovaram a relação. Arias e Kahlo foram frequentemente separados um do outro, devido à instabilidade política e violência do período, pelo que trocaram cartas de amor apaixonadas.

1925–1930: Acidente de autocarro e casamento com Diego Rivera

A 17 de Setembro de 1925, Kahlo e o seu namorado, Arias, estavam a caminho de casa da escola. Embarcaram num autocarro, mas saíram do autocarro para procurar um guarda-chuva que Kahlo tinha deixado para trás. Embarcaram então num segundo autocarro, que estava lotado, e sentaram-se nas traseiras. O motorista tentou passar um bonde eléctrico em sentido contrário. O bonde embateu na lateral do autocarro de madeira, arrastando-o alguns metros. Vários passageiros morreram no acidente. Enquanto Arias sofreu danos menores, Kahlo tinha sido empalada com um corrimão de ferro que atravessou a sua pélvis. Mais tarde, ela descreveu o ferimento como “a forma como uma espada perfura um touro”. O corrimão foi removido por Arias e outros, o que foi incrivelmente doloroso para Kahlo.

Kahlo sofreu muitos ferimentos: O osso pélvico tinha sido fracturado, o abdómen e o útero tinham sido perfurados pela calha, a coluna vertebral estava partida em três sítios, a perna direita estava partida em onze sítios, o pé direito estava esmagado e deslocado, a clavícula estava partida, e o ombro estava deslocado. Ela passou um mês no hospital e dois meses a recuperar em casa antes de poder voltar ao trabalho. Enquanto ela continuava a sentir fadiga e dores nas costas, os seus médicos encomendaram radiografias, que revelaram que o acidente também tinha deslocado três vértebras. Como tratamento, ela teve de usar um espartilho de gesso que a confinou ao repouso na cama durante a maior parte dos três meses.

O acidente acabou com os sonhos de Kahlo de se tornar médica e causou-lhe dor e doença para o resto da vida; o seu amigo Andrés Henestrosa declarou que Kahlo “viveu a morrer”. O descanso de cama de Kahlo terminou em finais de 1927, e ela começou a conviver com os seus antigos amigos da escola, que estavam agora na universidade e envolvidos na política estudantil. Juntou-se ao Partido Comunista Mexicano (PCM) e foi apresentada a um círculo de activistas e artistas políticos, incluindo o comunista cubano exilado Julio Antonio Mella e a fotógrafa ítalo-americana Tina Modotti.

Numa das festas do Modotti em Junho de 1928, Kahlo foi apresentado a Diego Rivera. Tinham-se encontrado brevemente em 1922 quando ele estava a pintar um mural na escola dela. Pouco depois da sua introdução em 1928, Kahlo pediu-lhe que julgasse se as suas pinturas demonstravam talento suficiente para ela prosseguir uma carreira como artista. Rivera recordou ter ficado impressionada com as suas obras, afirmando que elas mostravam “uma energia de expressão invulgar, uma delimitação precisa do carácter, e uma verdadeira severidade … Tinham uma honestidade plástica fundamental, e uma personalidade artística própria … Era óbvio para mim que esta rapariga era uma autêntica artista”.

Kahlo cedo iniciou uma relação com Rivera, que era 20 anos mais velha e tinha duas esposas de direito comum. Kahlo e Rivera casaram-se numa cerimónia civil na Câmara Municipal de Coyoacán, a 21 de Agosto de 1929. A sua mãe opôs-se ao casamento, e ambos os pais referiram-se a ele como um “casamento entre um elefante e uma pomba”, referindo-se às diferenças de tamanho do casal; Rivera era alta e com excesso de peso, enquanto Kahlo era pequena e frágil. Independentemente disso, o seu pai aprovou Rivera, que era rico e, portanto, capaz de apoiar Kahlo, que não podia trabalhar e tinha de receber tratamento médico dispendioso. O casamento foi noticiado pela imprensa mexicana e internacional, e nos anos seguintes o casamento foi objecto de uma atenção constante dos meios de comunicação social no México, com artigos referindo-se ao casal como simplesmente “Diego e Frida”.

Logo após o casamento, em finais de 1929, Kahlo e Rivera mudaram-se para Cuernavaca, no estado rural de Morelos, onde tinha sido encarregado de pintar murais para o Palácio de Cortés. Por volta da mesma altura, renunciou à sua filiação no PCM em apoio a Rivera, que tinha sido expulsa pouco antes do casamento pelo seu apoio ao movimento de oposição esquerdista no seio da Terceira Internacional.

Durante a guerra civil, Morelos tinha visto alguns dos combates mais pesados, e a vida na cidade espanhola de Cuernavaca aguçou o sentido de uma identidade e história mexicana de Kahlo. À semelhança de muitas outras mulheres artistas e intelectuais mexicanas da época, Kahlo começou a usar roupa camponesa indígena mexicana tradicional para enfatizar a sua ascendência mestiça: saias longas e coloridas, huipils e rebozos, elaborados toucados e massas de jóias. Favoreceu especialmente o vestuário de mulheres da sociedade supostamente matriarcal do Istmo de Tehuantepec, que tinha vindo a representar “uma autêntica e indígena herança cultural mexicana” no México pós-revolucionário. O traje tehuana permitiu a Kahlo expressar os seus ideais feministas e anti-colonialistas.

1931–1933: Viagens nos Estados Unidos

Depois de Rivera ter terminado a comissão em Cuernavaca no final de 1930, ele e Kahlo mudaram-se para São Francisco, onde pintaram murais para o Luncheon Club da Bolsa de Valores de São Francisco e para a Escola de Belas Artes da Califórnia. O casal foi “banqueteado, leonizado, mimado” por coleccionadores e clientes influentes durante a sua estadia na cidade. O seu longo caso de amor com o fotógrafo húngaro-americano Nickolas Muray começou muito provavelmente por esta altura.

Kahlo e Rivera regressaram ao México no Verão de 1931, e no Outono viajaram para Nova Iorque para a abertura da retrospectiva de Rivera no Museu de Arte Moderna (MoMA). Em Abril de 1932, dirigiram-se para Detroit, onde Rivera tinha sido encarregada de pintar murais para o Instituto de Artes de Detroit. Nessa altura, Kahlo tinha-se tornado mais corajosa nas suas interacções com a imprensa, impressionando os jornalistas com a sua fluência em inglês e afirmando na sua chegada à cidade que ela era a maior artista dos dois.

O ano passado em Detroit foi um período difícil para Kahlo. Embora tivesse gostado de visitar São Francisco e Nova Iorque, ela não gostava de aspectos da sociedade americana, que considerava colonialista, bem como da maioria dos americanos, que considerava “aborrecidos”. Não gostava de ter de conviver com capitalistas como Henry e Edsel Ford, e ficou indignada por muitos dos hotéis de Detroit se recusarem a aceitar hóspedes judeus. Numa carta a um amigo, ela escreveu que “embora esteja muito interessada em todo o desenvolvimento industrial e mecânico dos Estados Unidos”, ela sentiu “um pouco de raiva contra todos os ricos daqui, uma vez que já vi milhares de pessoas na mais terrível miséria, sem nada para comer e sem lugar para dormir, isso é o que mais me impressionou aqui, é aterrador ver os ricos a fazer festas dia e noite, enquanto milhares e milhares de pessoas morrem de fome”. O tempo de Kahlo em Detroit também foi complicado por uma gravidez. O seu médico concordou em realizar um aborto, mas a medicação utilizada foi ineficaz. Kahlo era profundamente ambivalente quanto a ter um filho e já tinha sofrido um aborto mais cedo no seu casamento com Rivera. Após o aborto falhado, ela concordou relutantemente em continuar com a gravidez, mas abortou em Julho, o que causou uma hemorragia grave que a obrigou a ser hospitalizada durante duas semanas. Menos de três meses depois, a sua mãe morreu devido a complicações da cirurgia no México.

Kahlo e Rivera regressaram a Nova Iorque em Março de 1933, pois tinha sido encarregado de pintar um mural para o Rockefeller Center. Durante este tempo, trabalhou apenas numa pintura, My Dress Hangs There (1934). Também deu mais entrevistas à imprensa americana. Em Maio, Rivera foi despedida do projecto do Centro Rockefeller, tendo sido contratada para pintar um mural para a Escola dos Novos Trabalhadores. Embora Rivera desejasse continuar a sua estadia nos Estados Unidos, Kahlo estava com saudades de casa, e regressaram ao México pouco depois da inauguração do mural, em Dezembro de 1933.

1934–1949: A Casa Azul e a saúde em declínio

De volta à Cidade do México, Kahlo e Rivera mudaram-se para uma nova casa no rico bairro de San Ángel. Comissionada pelo estudante de Le Corbusier Juan O”Gorman, consistia em duas secções unidas por uma ponte; a de Kahlo foi pintada de azul e a de Rivera de rosa e branco. A residência boémia tornou-se um importante ponto de encontro para artistas e activistas políticos do México e do estrangeiro.

Estava novamente com problemas de saúde – submetida a uma apendicectomia, dois abortos, e a amputação dos dedos gangrenosos – e o seu casamento com Rivera tinha-se tornado tenso. Não estava feliz por estar de volta ao México e culpou Kahlo pelo seu regresso. Embora antes lhe tivesse sido infiel, embarcou agora num caso com a sua irmã mais nova Cristina, o que feriu profundamente os sentimentos de Kahlo. Depois de o ter descoberto no início de 1935, ela mudou-se para um apartamento no centro da Cidade do México e considerou divorciar-se dele. Ela também teve um caso próprio com o artista americano Isamu Noguchi.

Kahlo reconciliou-se com Rivera e Cristina mais tarde, em 1935, e regressou a San Ángel. Tornou-se tia amorosa dos filhos de Cristina, Isolda e António. Apesar da reconciliação, tanto Rivera como Kahlo continuaram as suas infidelidades. Ela também retomou as suas actividades políticas em 1936, juntando-se à Quarta Internacional e tornando-se membro fundador de um comité de solidariedade para prestar ajuda aos republicanos na Guerra Civil Espanhola. Ela e Rivera solicitaram com sucesso ao governo mexicano que concedesse asilo ao antigo líder soviético Leon Trotsky e ofereceram a Casa Azul para ele e a sua esposa Natalia Sedova como residência. O casal viveu lá desde Janeiro de 1937 até Abril de 1939, com Kahlo e Trotsky não só se tornando bons amigos, mas também tendo um breve caso.

Após a inauguração de uma exposição em Paris, Kahlo navegou de volta a Nova Iorque. Ela estava ansiosa por se reunir com Muray, mas ele decidiu terminar o seu caso, pois tinha conhecido outra mulher com quem planeava casar. Kahlo viajou de volta para a Cidade do México, onde Rivera lhe pediu o divórcio. As razões exactas da sua decisão são desconhecidas, mas ele declarou publicamente que se tratava apenas de “uma questão de conveniência legal ao estilo dos tempos modernos… não há razões sentimentais, artísticas ou económicas”. De acordo com os seus amigos, o divórcio foi causado principalmente pelas suas infidelidades mútuas. A ele e a Kahlo foi concedido o divórcio em Novembro de 1939, mas ela continuou a gerir as suas finanças e correspondência.

Após a sua separação de Rivera, Kahlo voltou para La Casa Azul e, determinada a ganhar a sua própria vida, iniciou outro período produtivo como artista, inspirada pelas suas experiências no estrangeiro. Encorajada pelo reconhecimento que ganhava, passou de utilizar as folhas de lata pequenas e mais íntimas que utilizava desde 1932 para as grandes telas, uma vez que eram mais fáceis de expor. Adoptou também uma técnica mais sofisticada, limitou os detalhes gráficos, e começou a produzir mais retratos de um quarto de comprimento, que eram mais fáceis de vender. Ela pintou várias das suas peças mais famosas durante este período, tais como The Two Fridas (1939), Self-portrait with Cropped Hair (1940), The Wounded Table (1940), e Self-Portrait with Thorn Necklace and Hummingbird (1940). Três exposições apresentaram as suas obras em 1940: a quarta Exposição Surrealista Internacional na Cidade do México, a Exposição Internacional Golden Gate em São Francisco, e Vinte Séculos de Arte Mexicana no MoMA em Nova Iorque.

A 21 de Agosto de 1940, Trotsky foi assassinado em Coyoacán, onde tinha continuado a viver depois de deixar La Casa Azul. Kahlo foi brevemente suspeito de estar envolvido, pois conhecia o assassino, e foi preso e detido durante dois dias com a sua irmã Cristina. No mês seguinte, Kahlo viajou para São Francisco para tratamento médico de dores nas costas e uma infecção fúngica na sua mão. A sua saúde continuamente frágil tinha declinado cada vez mais desde o seu divórcio e foi exacerbada pelo seu forte consumo de álcool.

Rivera também esteve em São Francisco depois de ter fugido da Cidade do México na sequência do assassinato de Trotsky e de ter aceite uma comissão. Embora Kahlo tivesse uma relação com o negociante de arte Heinz Berggruen durante a sua visita a São Francisco, voltaram a casar numa cerimónia civil simples a 8 de Dezembro de 1940. Kahlo e Rivera regressaram ao México pouco depois do seu casamento. A união foi menos turbulenta do que antes durante os seus primeiros cinco anos. e enquanto La Casa Azul era a sua residência principal, Rivera manteve a casa de San Ángel para uso como seu estúdio e segundo apartamento. Ambos continuaram a ter assuntos extraconjugais; Kahlo, sendo bissexual, teve assuntos com homens e mulheres, com provas que sugerem que os seus amantes masculinos eram mais importantes para Kahlo do que os seus assuntos lésbicos.

Apesar do tratamento médico que tinha recebido em São Francisco, os problemas de saúde de Kahlo continuaram durante a década de 1940. Devido aos seus problemas espinais, ela usou vinte e oito espartilhos de apoio separados, variando do aço e couro ao gesso, entre 1940 e 1954. Sofreu dores nas pernas, a infecção na mão tinha-se tornado crónica, e foi também tratada da sífilis. A morte do seu pai, em Abril de 1941, mergulhou-a numa depressão. A sua saúde doente tornou-a cada vez mais confinada à La Casa Azul, que se tornou o centro do seu mundo. Ela gostava de cuidar da casa e do seu jardim, e era acompanhada por amigos, criados, e vários animais de estimação, incluindo macacos-aranha, Xoloitzcuintlis, e papagaios.

Enquanto Kahlo ganhava reconhecimento no seu país de origem, a sua saúde continuava a declinar. Em meados dos anos 40, as suas costas tinham piorado ao ponto de já não poder sentar-se ou ficar de pé continuamente. Em Junho de 1945, ela viajou para Nova Iorque para uma operação que fundiu um enxerto ósseo e um suporte de aço à sua coluna para o endireitar. A difícil operação foi um fracasso. Segundo Herrera, Kahlo também sabotou a sua recuperação ao não descansar como era necessário e ao reabrir fisicamente as suas feridas num ataque de raiva. Os seus quadros deste período, tais como The Broken Column (1944), Without Hope (1945), Tree of Hope, Stand Fast (1946), e The Wounded Deer (1946), reflectem a sua saúde em declínio.

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1950–1954: Últimos anos e morte

Em 1950, Kahlo passou a maior parte do ano no Hospital ABC na Cidade do México, onde foi submetida a uma nova cirurgia de enxerto ósseo na coluna vertebral. Provocou uma infecção difícil e exigiu várias cirurgias de seguimento. Depois de receber alta, ficou na sua maioria confinada à La Casa Azul, utilizando uma cadeira de rodas e muletas para ser ambulatória. Durante estes últimos anos da sua vida, Kahlo dedicou o seu tempo a causas políticas, na medida em que a sua saúde o permitia. Tinha reingressado no Partido Comunista Mexicano em 1948 e tinha feito campanha pela paz, por exemplo, recolhendo assinaturas para o Apelo de Estocolmo.

A perna direita de Kahlo foi amputada no joelho devido a gangrena em Agosto de 1953. Ficou gravemente deprimida e ansiosa, e a sua dependência de analgésicos agravou-se. Quando Rivera começou outro caso, ela tentou suicidar-se por overdose. Ela escreveu no seu diário em Fevereiro de 1954: “Amputaram-me a perna há seis meses, deram-me séculos de tortura e, em momentos, quase perdi a razão. Continuo a querer matar-me. Diego é o que me impede de o fazer, através da minha vã ideia de que ele sentiria a minha falta. … Mas nunca na minha vida sofri tanto. Vou esperar um pouco…”.

Nos seus últimos dias, Kahlo estava maioritariamente acamada com broncopneumonia, embora tenha feito uma aparição pública a 2 de Julho de 1954, participando com Rivera numa manifestação contra a invasão da CIA na Guatemala. Parecia antecipar a sua morte, enquanto falava sobre o assunto aos visitantes e desenhava esqueletos e anjos no seu diário. O último desenho foi um anjo negro, que o biógrafo Hayden Herrera interpreta como o Anjo da Morte. Foi acompanhado pelas últimas palavras que escreveu, “Espero com alegria a saída – e espero nunca mais voltar – Frida” (“Espero Alegre la Salida – y Espero no Volver jamás”).

A manifestação agravou a sua doença, e na noite de 12 de Julho de 1954, Kahlo teve uma febre alta e estava em extrema dor. Por volta das 6 da manhã do dia 13 de Julho de 1954, a sua enfermeira encontrou-a morta na sua cama. Kahlo tinha 47 anos de idade. A causa oficial da morte foi embolia pulmonar, embora não tenha sido realizada autópsia. Herrera argumentou que Kahlo, de facto, cometeu suicídio. A enfermeira, que contou os analgésicos de Kahlo para monitorizar o seu uso de drogas, declarou que Kahlo tinha tomado uma overdose na noite da sua morte. Tinha-lhe sido prescrita uma dose máxima de sete comprimidos, mas tinha tomado onze. Também tinha dado a Rivera um presente de aniversário de casamento nessa noite, com mais de um mês de antecedência.

Na noite de 13 de Julho, o corpo de Kahlo foi levado para o Palácio de Bellas Artes, onde jazia num estado sob uma bandeira comunista. No dia seguinte, foi transportado para o Panteón Civil de Dolores, onde amigos e familiares assistiram a uma cerimónia funerária informal. Centenas de admiradores estiveram do lado de fora. De acordo com a sua vontade, Kahlo foi cremada. Rivera, que declarou que a sua morte foi “o dia mais trágico da minha vida”, morreu três anos mais tarde, em 1957. As cinzas de Kahlo são expostas numa urna pré-colombiana na Casa Azul, que abriu como museu em 1958.

A Tate Modern considera Kahlo “uma das artistas mais significativas do século XX”, enquanto que, segundo a historiadora de arte Elizabeth Bakewell, ela é “uma das figuras mais importantes do México do século XX”. A reputação de Kahlo como artista desenvolveu-se tarde na sua vida e cresceu ainda mais postumamente, uma vez que durante a sua vida foi principalmente conhecida como a esposa de Diego Rivera e como uma personalidade excêntrica entre a elite cultural internacional. Gradualmente, ganhou mais reconhecimento no final dos anos 70, quando as académicas feministas começaram a questionar a exclusão de artistas femininas e não ocidentais do cânone histórico da arte e o Movimento Chicano ergueu-a como um dos seus ícones. Os dois primeiros livros sobre Kahlo foram publicados no México por Teresa del Conde e Raquel Tibol em 1976 e 1977, respectivamente, e, em 1977, The Tree of Hope Stands Firm (1944) tornou-se a primeira pintura de Kahlo a ser vendida em leilão, com uma rede de 19.000 dólares na Sotheby”s. Estes marcos foram seguidos pelas duas primeiras retrospectivas encenadas na obra de Kahlo em 1978, uma no Palacio de Bellas Artes na Cidade do México e outra no Museum of Contemporary Art em Chicago.

Dois eventos foram fundamentais para aumentar o interesse pela sua vida e arte para o público em geral fora do México. O primeiro foi uma retrospectiva conjunta das suas pinturas e das fotografias de Tina Modotti na Whitechapel Gallery em Londres, que foi comissariada e organizada por Peter Wollen e Laura Mulvey. Foi aberta em Maio de 1982, e mais tarde viajou para a Suécia, Alemanha, Estados Unidos, e México. A segunda foi a publicação do bestseller internacional Frida do historiador de arte Hayden Herrera: Uma Biografia de Frida Kahlo em 1983.

Em 1984, a reputação de Kahlo como artista tinha crescido a tal ponto que o México declarou as suas obras como parte do património cultural nacional, proibindo a sua exportação do país. Como resultado, as suas pinturas raramente aparecem em leilões internacionais, sendo raras as suas retrospectivas exaustivas. Independentemente disso, as suas pinturas ainda bateram recordes da arte latino-americana nos anos 90 e 2000. Em 1990, ela tornou-se a primeira artista latino-americana a quebrar o limiar de um milhão de dólares quando Diego e eu fomos leiloados pela Sotheby”s por $1,430,000. Em 2006, Roots (1943) atingiu 5,6 milhões de dólares, e em 2016, Two Lovers in a Forest (1939) vendeu por 8 milhões de dólares.

Kahlo tem atraído o interesse popular na medida em que o termo “Fridamania” tem sido cunhado para descrever o fenómeno. Ela é considerada “um dos artistas mais imediatamente reconhecidos”, cujo rosto tem sido “utilizado com a mesma regularidade, e frequentemente com um simbolismo partilhado, como imagens de Che Guevara ou Bob Marley”. A sua vida e arte inspiraram uma variedade de mercadorias, e o seu aspecto distintivo foi apropriado pelo mundo da moda. Uma biopia de Hollywood, Frida de Julie Taymor, foi lançada em 2002. Baseado na biografia de Herrera e estrelado por Salma Hayek (que co-produziu o filme) como Kahlo, o filme custou 56 milhões de dólares em todo o mundo e ganhou seis nomeações para o Oscar, ganhando para Melhor Maquilhagem e Melhor Partitura Original. A animação Coco da Disney-Pixar de 2017 também apresenta Kahlo num papel de apoio, expressado por Natalia Cordova-Buckley.

O apelo popular de Kahlo é visto como resultando, antes de mais nada, de um fascínio pela sua história de vida, especialmente pelos seus aspectos dolorosos e trágicos. Ela tornou-se um ícone para vários grupos minoritários e movimentos políticos, tais como feministas, a comunidade LGBTQ, e Chicanos. Oriana Baddeley escreveu que Kahlo tornou-se um significante de não-conformidade e “o arquétipo de uma minoria cultural”, que é considerada simultaneamente como “uma vítima, aleijada e abusada” e como “uma sobrevivente que luta contra”. Edward Sullivan declarou que Kahlo é saudada como herói por tantos porque é “alguém para validar a sua própria luta para encontrar a sua própria voz e as suas próprias personalidades públicas”. De acordo com John Berger, a popularidade de Kahlo deve-se em parte ao facto de “a partilha da dor ser uma das condições prévias essenciais para uma reencontrada dignidade e esperança” na sociedade do século XXI. Kirk Varnedoe, o antigo curador chefe do MoMA, declarou que o sucesso póstumo de Kahlo está ligado à forma como “ela clica com a sensibilidade de hoje – a sua preocupação psico-obsessiva consigo mesma, a sua criação de um mundo alternativo pessoal carrega uma voltagem. O seu constante remake da sua identidade, a sua construção de um teatro do eu são exactamente o que preocupa artistas contemporâneos como Cindy Sherman ou Kiki Smith e, a um nível mais popular, Madonna… Ela encaixa bem na estranha química hormonal andrógina da nossa época particular”.

A popularidade póstumo de Kahlo e a comercialização da sua imagem têm atraído críticas de muitos estudiosos e comentadores culturais, que pensam que, não só muitas facetas da sua vida foram mitologizadas, mas também os aspectos dramáticos da sua biografia têm ensombrado a sua arte, produzindo uma leitura simplista das suas obras, nas quais são reduzidas a descrições literais dos acontecimentos da sua vida. Segundo a jornalista Stephanie Mencimer, Kahlo “foi abraçada como uma criança de cartaz por todas as causas politicamente correctas possíveis” e

como um jogo de telefone, quanto mais a história de Kahlo foi contada, mais foi distorcida, omitindo detalhes desconfortáveis que a mostram como sendo uma figura muito mais complexa e com falhas do que os filmes e livros de cozinha sugerem. Esta elevação da artista sobre a arte diminui a compreensão pública do lugar de Kahlo na história e ensombra as verdades mais profundas e mais perturbadoras no seu trabalho. Ainda mais preocupante, porém, é o facto de que, ao arejar a sua biografia, os promotores de Kahlo a prepararam para a queda inevitável, tão típica das mulheres artistas, que os contrários se unem e praticam desporto ao abaterem a sua imagem inflada, e com ela, a sua arte”.

Baddeley comparou o interesse na vida de Kahlo com o interesse na vida conturbada de Vincent van Gogh, mas afirmou também que uma diferença crucial entre os dois é que a maioria das pessoas associa Van Gogh às suas pinturas, enquanto que Kahlo é normalmente significada por uma imagem de si mesma – um comentário intrigante sobre a forma como os artistas masculinos e femininos são considerados. Da mesma forma, Peter Wollen comparou o culto de Kahlo com o de Sylvia Plath, cuja “arte invulgarmente complexa e contraditória” foi ofuscada por um enfoque simplificado na sua vida.

Comemorações e caracterizações

O legado de Kahlo tem sido comemorado de várias maneiras. La Casa Azul, a sua casa em Coyoacán, foi aberta como museu em 1958, e tornou-se um dos museus mais populares da Cidade do México, com aproximadamente 25.000 visitantes mensais. A cidade dedicou-lhe um parque, Parque Frida Kahlo, em Coyoacán, em 1985. O parque apresenta uma estátua de bronze de Kahlo. Nos Estados Unidos, ela tornou-se a primeira mulher hispânica a ser homenageada com um selo postal dos EUA em 2001, e foi admitida no Legacy Walk, uma exposição pública ao ar livre em Chicago que celebra a história e o povo LGBT, em 2012.

Kahlo recebeu várias comemorações sobre o centenário do seu nascimento em 2007, e algumas sobre o centenário do ano de nascimento que ela atestou, 2010. Estas incluíram o Banco do México a lançar uma nova nota de MXN$ 500-peso, com a pintura de Kahlo intitulada O abraço do Universo, Terra, (México), I, Diego, e Mr. Xólotl (1949) no verso da nota e Diego Rivera na frente. A maior retrospectiva das suas obras no Palacio des Bellas Artes da Cidade do México quebrou o seu recorde de público anterior.

Para além de outros tributos, a vida e a arte de Kahlo têm inspirado artistas em vários campos. Em 1984, Paul Leduc lançou uma biopia intitulada Frida, naturaleza viva, estrelada por Ofelia Medina como Kahlo. Ela é protagonista de três romances de ficção, Frida de Barbara Mujica (2001), Cama de Frida de Slavenka Drakulic (2008), e A Lacuna de Barbara Kingsolver (2009). Em 1994, o flautista e compositor de jazz americano James Newton lançou um álbum intitulado Suite for Frida Kahlo. O cantor e compositor escocês Michael Marra, escreveu uma canção em homenagem a Kahlo intitulada Frida Kahlo”s Visit to the Taybridge Bar. Em 2017, a autora Monica Brown e o ilustrador John Parra publicaram um livro infantil sobre Kahlo, Frida Kahlo e os seus Animalitos, que se centra principalmente nos animais e animais de estimação na vida e arte de Kahlo. Nas artes plásticas, a influência de Kahlo atingiu largamente e longe: Em 1996, e novamente em 2005, o Instituto Cultural Mexicano em Washington, DC, coordenou uma exposição “Homenagem a Frida Kahlo” que mostrou obras de arte relacionadas com Kahlo por artistas de todo o mundo na Galeria Fraser de Washington. Além disso, artistas notáveis como Marina Abramovic, Gabriela Gonzalez Dellosso, Cris Melo, e outros utilizaram ou apropriaram-se da imagem de Kahlo nas suas próprias obras.

Kahlo também tem sido objecto de várias actuações em palco. Annabelle Lopez Ochoa coreografou um ballet de um acto intitulado Asas Quebradas para o Ballet Nacional Inglês, que estreou em 2016, Tamara Rojo deu origem a Kahlo no ballet. O Dutch National Ballet encarregou então Lopez Ochoa de criar uma versão completa do ballet, Frida, que estreou em 2020, com Maia Makhateli como Kahlo. Ela também inspirou duas óperas, Frida de Robert Xavier Rodriguez, que estreou no Festival de Teatro de Música Americana em Filadélfia em 1991, e Frida y Diego de Kalevi Aho, que estreou no Centro de Música de Helsínquia em Helsínquia, Finlândia, em 2014. Ela foi a personagem principal em várias peças, incluindo Dolores C. Sendler”s Goodbye, My Friduchita (1999), Robert Lepage e La Casa Azul de Sophie Faucher (2002), Frida Kahlo de Humberto Robles: Viva la vida! (2009), e Rita Ortez Provost”s Tree of Hope (2014). Em 2018, a Mattel revelou dezassete novas bonecas Barbie em celebração do Dia Internacional da Mulher, incluindo uma de Kahlo. Os críticos opuseram-se à cintura fina da boneca e à falta notória de unibrow.

Em 2014, Kahlo foi um dos homenageados inaugural no Rainbow Honor Walk, um passeio de fama no bairro de Castro de São Francisco, onde se registaram pessoas LGBTQ que “deram contribuições significativas nos seus campos”.

Em 2018, o Conselho de Supervisores de São Francisco votou unanimemente para mudar o nome da Avenida Phelan para Frida Kahlo Way. Frida Kahlo Way é a casa do City College de São Francisco e do Archbishop Riordan High School.

Em 2019, Frida foi apresentada num mural pintado por Rafael Blanco (artista) no centro de Reno, Nevada.

Notas informativas

Citações

Bibliografia

Fontes