Giorgio Morandi
gigatos | Janeiro 23, 2022
Resumo
Giorgio Morandi (20 de Julho de 1890, Bolonha – 18 de Junho de 1964, Bolonha) era um pintor e artista gráfico italiano.
A futura artista, a mais velha de cinco filhos, nasceu na família Andrea Morandi (1858-1909) – co-proprietária da filial de Bolonha de uma firma francesa, que comercializava cânhamo, em 1889 casou com a Maria Maccaferri, de 19 anos. Giorgio trabalhou inicialmente na firma do seu pai, mas a sua paixão inicial pela pintura colocou-o num caminho diferente na vida: em 1907 inscreveu-se na Accademia di Belle Arti di Bologna. Após a morte prematura do seu pai, graças aos esforços da sua mãe para proporcionar uma educação aos seus filhos, pôde continuar os seus estudos e formar-se na Accademia em 1913. Morandi obteve bons resultados no estudo, mas não recebeu de uma educação académica a escola da criatividade, que procurava. Esta escola poderia ter-lhe dado uma viagem a Paris, com a qual sonhou no início da década de 1910, mas as dificuldades financeiras da família impediram-no de sair de Bolonha, onde em 1914-1929 ensinou desenho nas escolas primárias.
Na nova pintura francesa, que no início Morandi só conhecia em reproduções a preto e branco, foi orientado pelas obras de Renoir e Cézanne em particular. Mas se as pinturas de Renoir tivessem sido vistas directamente pelo jovem artista em 1910 na IX Bienal de Veneza, onde uma sala inteira foi dedicada às obras de Renoir, durante muito tempo ele estudou as pinturas de Cézanne apenas por reprodução.
As primeiras obras conhecidas de Morandi – uma paisagem e um retrato da sua irmã Dina, executados de forma plástica afiada – são datadas de 1911 e 1912. Entre 1913 e 1914, Giorgio Morandi participou em várias exposições futuristas em Bolonha e Roma, encontrando-se com Umberto Boccioni e Carlo Carrà, e sendo elogiado pelo líder futurista italiano Tomaso Marinetti, mas a sua busca artística foi largamente influenciada pelo trabalho dos cubistas franceses e, em parte, por Henri Rousseau. Paralelamente ao seu interesse pelas experiências dos movimentos mais recentes, Morandi aprofundou-se nas pinturas dos antigos mestres – Giotto, Masaccio, Uccello, Piero della Francesca – com viagens a Florença (1910), Pádua e Assis.
Em ligação com a entrada da Itália nas hostilidades da Primeira Guerra Mundial no Verão de 1915, foi recrutado para o exército (devido à sua estatura muito alta, foi destacado para um regimento granadeiro), mas depois de servir durante dois meses, sofreu um colapso nervoso e foi dispensado. Em 1917 Morandi voltou a adoecer gravemente e ficou quase incapaz de trabalhar.
Em 1916-1919, a busca criativa de Morandi aproximou-o dos representantes da chamada “pintura metafísica” – Giorgio de Chirico, Arturo Martini e, em particular, Carlo Carr. Nos primeiros anos do pós-guerra, estes artistas, juntamente com Morandi, foram membros da “Valori Plastici” (“Valores Plásticos”), cujo nome deriva da revista homónima fundada em 1918 pelo artista, editor e marchand Mario Broglio, que em 1921 organizou uma exposição itinerante do grupo em Berlim, Dresden, Hanôver e Munique. Broglio foi o primeiro a assinar um contrato de exclusividade com o artista bolonhesa e começou a vender a sua obra. Contudo, em 1922, quando Morandi ainda expunha com de Chirico, Carra e Martini na ”Exposição da Primavera” em Florença (e de Chirico escreveu um artigo sobre ele no catálogo dessa exposição), as suas novas obras indicavam que a sua ”fase metafísica” era uma coisa do passado.
Na década de 1930 Giorgio Morandi recebe o seu primeiro reconhecimento. No início como artista gráfico: os sucessos da década anterior no campo da gravura permitiram-lhe em 1930 assumir a cadeira de técnica de gravura na Academia de Belas Artes de Bolonha (manteve a cadeira até 1956). Em 1932 participou na primeira exposição de gravura italiana contemporânea em Florença, e no mesmo ano a revista L”italiano dedicou-lhe um número especial com um artigo de Ardengo Soffici, que sugeriu em 1938 que Morandi deveria tornar-se membro correspondente da Academia de Belas Artes de Florença. Gradualmente a sua pintura torna-se também um fenómeno notável na arte italiana: desde 1931 as obras de Morandi são apresentadas na mais prestigiosa exposição nacional, o Quadrenale de Roma, e em 1939 foi homenageado com 42 das suas pinturas numa sala de exposição separada no Quadrenale III de Roma.
Em meados dos anos 30, a sua pintura foi muito apreciada pelo famoso historiador de arte Roberto Longhi e pelo importante coleccionador, crítico e empresário Lamberto Vitali (1896-1992), com quem Giorgio Morandi foi posteriormente ligado por uma longa amizade. Durante a Segunda Guerra Mundial, Longhi ajudou a libertá-lo da prisão em Bolonha e mais tarde apoiou-o organizando uma exposição pessoal na Galleria Il Fiore em Florença, que abriu a 25 de Abril de 1945, o dia em que os Aliados libertaram Bolonha. Vitale tornou-se não só um dos maiores coleccionadores das obras de Morandi (a mais valiosa das quais deixou à Pinacoteca Brera em Milão), mas também o autor de um catálogo vitalício dos seus desenhos (1957) e de um catálogo sumário póstumo do artista (1977).
Apesar da fama que veio a Morandi nos anos do pós-guerra, ele não mudou o seu modesto estilo de vida. Não casado, viveu com as suas irmãs não casadas no apartamento antiquado dos seus pais em Bolonha, com um dos quartos a servir de estúdio e quarto. Só em 1959 construiu uma casa na comuna rural de Grizzana, a 30 km de Bolonha, onde tinha passado muitos anos durante a guerra; aqui Morandi passou os meses de Verão com as suas irmãs e nos últimos anos da sua vida. Em 1985 o nome do artista foi acrescentado ao nome deste município: Grizzana-Morandi.
Numa entrevista rara no final da década de 1950, Giordo Morandi falou sobre o género principal do seu trabalho desta forma:
“Essencialmente, sou um artista cuja maior parte do trabalho é ainda vida, capaz de transmitir ao espectador um sentido de paz e intimidade, qualidades que eu próprio valorizo mais do que qualquer outra coisa. <…>
Os catálogos consolidados de Vitali mostram cerca de 1.340 pinturas a óleo de Giorgio Morandi (não incluindo aguarelas e desenhos). As paisagens representam um pouco menos de um quinto do seu legado, Morandi quase não deixou retratos (o resto das suas obras são naturezas mortas, incluindo um grande grupo das suas “Flores” (chamou-lhes “naturezas mortas florais” e normalmente deu-as a conhecedores, amigos e suas irmãs), bem como uma série de pinturas e gravuras representando conchas – “imagens do mundo petrificado”.
Os historiadores de arte que visitaram o atelier de Giorgio Morandi notaram a abordagem particular do artista à natureza de onde nasceram as suas naturezas mortas. Segundo Roberto Longhi, eles eram “objectos inúteis”, ou seja, objectos arrancados da realidade. Victoria Markova recordou: “…Quase todos estes objectos – garrafas de formas variadas, frascos, vasos – ou foram pintados com guache numa cor particular <…> ou cobertos com uma camada deliberadamente descuidada de gesso, graças à qual perderam não só a sua ligação utilitária à vida quotidiana, mas também a sua textura natural e propriedades materiais – o vidro deixou de ser vidro, e o metal já não era metal. James Troll Sobie, curador da exposição Arte Italiana do Século XX de Nova Iorque (1949), salientou que ao preparar objectos para a sua natureza morta (caixas, paralelepípedos) Morandi frequentemente “…pintou as suas superfícies em formas geométricas simples – quadrados, círculos, rectângulos – em cores invariavelmente suaves”. Maria Christiane Bandera, directora de investigação da Fundação Robert Longy, descreveu um objecto “feito de lata especialmente a pedido de Morandi e frequentemente encontrado nas suas obras – sob a forma de um funil virado colocado sobre um cilindro. Fez um estudo abrangente das técnicas de trabalho do artista, e sublinha que Morandi se distanciou da funcionalidade dos seus objectos encenados e passou muito tempo a organizá-los e a adaptá-los uns aos outros.
É significativo que quando se comparam as composições temáticas nas diferentes naturezas mortas Morandi do mesmo período, no final dos anos 40, por exemplo, Bandera escreve sobre elas em termos de música e arquitectura:
“Ele juntava-os então como um todo, depois voltava-os, orquestrando a sua melodia com cores cheias de luz, refinadas, sofisticadas. Seleccionou objectos com formas alongadas – jarros, vasos, candeeiros, garrafas. A maioria das vezes garrafas, as suas próprias garrafas: garrafas escuras, tradicionais da Borgonha; garrafas de gargalo alongado que se assemelham aos pináculos das catedrais góticas, esticando-se para cima, com manchas de luz que acentuam a sua estrutura; garrafas em espiral e caneladas; garrafas em forma de pirâmide com uma base triangular; garrafas “persas” – planas, com um pescoço curto. Ele seleccionou os vasos como formas elementares de diferentes alturas e proporções para ajudar a construir uma composição…”.
Giorgio Morandi é um fenómeno completamente independente na arte do século XX. A influência “metafísica” que experimentou na fase inicial do seu trabalho não teria tido qualquer interesse (aquele arranjo estereotipado de figuras “semelhantes a manequins” no espírito do G. Chirico numa tridimensionalidade geométrica simplificada, e não diria nada sobre o artista a que o seu nome está associado, se mesmo as suas primeiras obras não mostrassem o colorista refinado que era no período mais expressivo da sua pintura. Por conseguinte, não podemos falar de proximidade ao minimalismo, que alguns críticos de arte afirmam, pois a sua gama, embora aparentemente simples, é extremamente complexa, construída sobre as mais subtis nuances; E as formas presentes nas suas obras são simples, mas suficientemente variadas, dotadas de carácter e, por vezes, de um capricho intrincado em vez de primitivo – no sentido implícito por este estilo.
A chave para compreender a sua arte reside nas pinturas do início do Renascimento italiano, nos frescos de Giotto, nas naturezas mortas de F. A chave para compreender a sua arte reside nos frescos de Giotto e nas naturezas mortas de F. Surbaran ou nos simples esboços de J.-B. S. Chardin. O modo de vida do artista, que se distanciou dos problemas do mundo agitado (ele praticamente nunca deixou Bolonha), fala do seu desejo de ver e mostrar a beleza das formas simples, a capacidade de a encontrar constantemente nesta vida silenciosa e camareira, que aparece por detrás da monotonia imaginária na variedade, “intimidade” dos estados de espírito das suas pinturas.
A experiência de Morandi em gráficos de cavalete é também interessante. As suas gravuras são caracterizadas por uma gama tonal suave próxima da inerente às suas pinturas; de facto, aqui resolve os mesmos problemas que na pintura a óleo, mas consegue isso utilizando meios técnicos completamente diferentes, sendo o resultado a unidade do imaginário. Os temas da natureza morta de G. Morandi estão entrelaçados com prosaicos artigos domésticos, tais como cafeteiras, frascos e garrafas… O pintor encontrou a sua própria abordagem para resolver os seus mais interessantes problemas de composição, artísticos e plásticos. Ele consegue a transmissão de relações espaciais, luz e sombra com a ajuda de traços cruzados, cruzando-se ou passando de um objecto para outro sem contornos. Os sujeitos passam suavemente para o fundo, não há esboços, não há limites claros. O pintor atinge alta harmonia e grande integridade na impressão.
As suas obras receberam o prémio de pintura na Bienal de Veneza (1948), o grande prémio para uma série de gravuras na Bienal de São Paulo (1953) e o grande prémio de pintura na Bienal de São Paulo (1957). Em 1962, após uma exposição individual em Siegen, o artista recebeu o Prémio Rubens e em 1963 recebeu a medalha de Ouro Arquiginasio em nome da cidade de Bolonha.
As naturezas mortas de Morandi aparecem no “La Dolce Vita” de Federico Fellini (1960) e no “The Night” de Michelangelo Antonioni (1961).
A primeira exposição monográfica de Giorgio Morandi na União Soviética teve lugar de 18 de Maio a 10 de Julho de 1973 em Moscovo, no Museu de Belas Artes Pushkin. Incluía 24 quadros (incluindo dois da Colecção Hermitage do Estado), 13 aguarelas e desenhos, e 50 gravuras.
Em 1989, Leningrado e Moscovo acolheram uma grande exposição retrospectiva no 100º aniversário de Morandi, no âmbito de uma extensa digressão internacional intitulada Progetto Morandi Europa. Sette mostre in sette musei” (“sete exposições em sete museus”). O projecto teve início em Novembro de 1988 em Tampere (Finlândia) e depois a exposição foi exibida em Leninegrado de 21 de Janeiro a 19 de Fevereiro de 1989 nos salões da Galeria Nadvornaya do Palácio de Inverno, onde foram expostos 58 quadros, 25 aguarelas, 25 desenhos a lápis e 22 gravuras. Em Moscovo, a exposição foi organizada pela União dos Artistas da URSS e, como resultado de dificuldades organizacionais, a exposição, que teve lugar em Março nos salões da Casa Central dos Artistas, foi encurtada para metade. A exposição viajou então para Londres, Locarno, e Tübingen; segundo a organizadora desta digressão, Marilena Pasquali, terminou em Düsseldorf em Março de 1990.
A terceira exposição nacional de Morandi teve lugar em Moscovo, nos salões do Museu de Belas Artes Pushkin, de 25 de Abril a 10 de Setembro de 2017. A exposição incluiu 46 quadros, 7 aguarelas, 23 gravuras e 8 quadros de gravura. Um catálogo detalhado, publicado em russo e italiano numa tradução paralela, foi uma adição essencial às obras expostas.
Fontes
