Henri Matisse

gigatos | Novembro 10, 2021

Post Views: 212

Resumo

Henri Matisse , nome completo: Henri Émile Benoît Matisse († 3 de Novembro de 1954 em Cimiez, actualmente distrito de Nice), foi pintor, artista gráfico, desenhador e escultor francês.

Juntamente com Pablo Picasso, ele é um dos artistas mais importantes do Modernismo Clássico. Ao lado de André Derain, é considerado como um pioneiro e principal representante do Fauvismo, que propagou uma ruptura com o Impressionismo e representou o primeiro movimento artístico do século XX.

O trabalho de Matisse é levado a cabo através de uma extensa utilização de cores e linhas cheias de tensão. Nas suas pinturas, a coloração, a composição lúdica e a leveza dos seus temas pictóricos são o resultado de longos estudos.

Com as suas silhuetas (gouaches découpées) criadas na década de 1940 – um exemplo é o livro do artista Jazz – Matisse, que estava gravemente doente, criou um trabalho tardio que leva os seus esforços de redução a uma conclusão e, com o seu colorido e ornamentação, é considerado o ponto alto da sua carreira artística. O artista considerou a Capela do Rosário em Vence, que ele planeou e decorou e que foi inaugurada em 1951, como sendo a sua obra-prima.

As suas inovações estilísticas influenciaram a arte moderna. Os expressionistas abstractos nos EUA, por exemplo, referiam-se repetidamente ao seu trabalho.

Leia também, biografias-pt – Elia Kazan

Infância e educação (1869-1898)

Henri Matisse, filho de Émile Matisse e da sua esposa Héloïse, solteira Gérard, nasceu na quinta dos seus avós em Le Cateau-Cambrésis. Os seus pais geriram uma farmácia e uma loja de sementes em Bohain-en-Vermandois; Matisse cresceu lá. Em 1872, nasceu o seu irmão Émile Auguste. O seu pai queria que o seu filho mais velho assumisse o negócio dos seus pais. Henri, no entanto, decidiu estudar direito em Paris de 1882 a 1887 depois de frequentar a escola secundária humanista Henri Martin em Saint-Quentin, o que ele fez durante dois anos.

Durante um breve período como paralegal em Saint-Quentin, em 1889, Matisse teve aulas de desenho na École Quentin de la Cour durante as horas da manhã. Em 1890, começou a pintar depois de uma apendicectomia, cujas consequências o confinaram à cama durante um ano. Desistiu da sua carreira jurídica em 1891, regressou a Paris e entrou na Académie Julian, onde o pintor de salão William Adolphe Bouguereau, entre outros, ensinou. Matisse queria preparar-se para o exame de admissão à École des Beaux-Arts. No entanto, ele não passou.

Matisse também frequentou a École des Arts décoratifs (Escola de Artes Decorativas), onde conheceu Albert Marquet, com quem mantinha uma longa amizade. Em 1895, após passarem no exame de admissão à École des Beaux-Arts, ambos se tornaram estudantes do pintor simbolista Gustave Moreau, em cuja classe já tinham sido aceites como estudantes convidados em 1893. Matisse tornou-se pai de uma filha, Marguerite († 1982), em 1894; a sua mãe era Camille (Caroline) Joblaud, uma mulher que ele empregava como modelo e que era sua amante.

Durante uma estadia na Bretanha em 1896, Matisse conheceu a paleta de cores impressionista através do seu companheiro de viagem, o pintor Émile Auguste Wéry (1868-1935), que era seu vizinho parisiense do Quai Saint-Michel 19. Durante este período, começou a copiar obras clássicas no Louvre e expôs pela primeira vez cinco quadros no Salão da Société nationale des beaux-arts. Em 1897 e 1898, visitou o pintor John Peter Russell em Belle-Île, uma ilha ao largo da costa da Bretanha. Russell apresentou-lhe o estilo impressionista de pintura e introduziu-o na obra de Vincent van Gogh. O estilo de pintura de Matisse mudou fundamentalmente, e mais tarde declarou: “Russell foi meu professor, e Russell explicou-me a teoria da cor”.

Casamento (1898)

A 10 de Janeiro de 1898, Henri Matisse casou com Amélie Noellie Parayre. A conselho de Camille Pissarro, viajou então para Londres para estudar as obras de Turner. Ao mesmo tempo, passou lá a sua lua-de-mel com Amélie, que o casal, de regresso breve a Paris, prosseguiu a partir de 9 de Fevereiro em Ajaccio, na Córsega. O casamento produziu dois filhos, Jean Gérard (1899-1976) e Pierre (1900-1989).

Marguerite foi levada para a família; Matisse amava muito a sua filha e muitas vezes pintou retratos dela. Mais tarde casou com o crítico de arte e filósofo Georges Duthuit; pouco antes da sua morte, ela e o seu filho Claude Duthuit editaram o catálogo raisonné das impressões do seu pai.

Quando o professor de Matisse Gustave Moreau morreu, deixou a École des Beaux-Arts em 1899 devido a diferenças com o sucessor de Moreau, Fernand Cormon. Depois de estudar novamente brevemente na Académie Julian, fez cursos com Eugène Carrière, que era um amigo do escultor Auguste Rodin. Matisse conheceu aqui os seus últimos companheiros André Derain e o seu amigo Maurice de Vlaminck. Pintou com Albert Marquet no Jardin du Luxembourg e assistiu a aulas de escultura à noite. Nesse mesmo ano comprou o quadro The Three Bathers de Paul Cézanne à Vollard. Apesar das graves preocupações financeiras, manteve a obra, que teve uma influência profunda no seu pensamento e trabalho criativo, até 1936, ano em que deu a pintura de presente ao Museu de Belas Artes do Petit Palais em Paris.

Anos de crise (1900-1905)

Matisse participou em aulas nocturnas na Académie Rodin em 1900 e trabalhou sob a orientação do escultor Antoine Bourdelle com pouco sucesso inicial. Devido à falta de rendimentos – o negócio modista da sua mulher não gerava rendimentos suficientes para se sustentar e as crianças tinham muitas vezes de ficar com os avós – ele caiu numa grave crise financeira e aceitou o trabalho como pintor decorativo. Juntamente com Albert Marquet, Matisse pintou grinaldas e decorações em moldura para a decoração da Feira Mundial de 1900, que teve lugar no Grand Palais em Paris. O trabalho era exaustivo, pelo que regressou a Bohain exausto para se recuperar. Naqueles dias, Matisse estava tão desanimado que pensou em desistir de pintar.

Depois de Matisse ter superado a sua crise, procurou coleccionadores de arte e oportunidades de exposição. Em Fevereiro de 1902, participou numa exposição conjunta da recém fundada B. Weill Gallery. Em Abril e Junho desse ano, Berthe Weill foi a primeira galeria a vender obras da sua autoria. Uma primeira exposição individual do seu trabalho teve lugar em 1904 na casa do comerciante de arte francês Ambroise Vollard. No Verão do mesmo ano, Matisse viajou para Saint-Tropez por instigação de Paul Signac e começou a pintar quadros ao estilo do Neo-Impressionismo.

A Emergência do Fauvismo (1905)

Matisse passou o Verão de 1905 com André Derain e, por vezes, com Maurice de Vlaminck em Collioure, uma aldeia piscatória no Mediterrâneo. Esta estadia tornou-se um ponto de viragem significativo no seu trabalho. Assim, durante este período, em colaboração com Derain, foi cristalizado um estilo que ficou na história da arte sob o nome de Fauvism. O movimento recebeu o seu nome quando o pequeno grupo de pintores com o mesmo espírito, composto por Matisse, André Derain e Maurice de Vlaminck, mostrou os seus quadros pela primeira vez numa exposição no Salon d”Automne em Paris, no Outono de 1905, ganhando indignação do público e dos críticos de arte.

O crítico Louis Vauxcelles chamou aos artistas “Fauves” (“As Bestas Selvagens”). O seu comentário “Donatello chez les fauves” foi publicado na revista Gil Blas a 17 de Outubro de 1905 e entrou em uso comum. O foco da crítica foi a pintura colorida de Matisse Femme au chapeau (Mulher de chapéu). Leo Stein, um irmão de Gertrude Stein, comprou o quadro por 500 francos. Este “sucesso escandaloso” fez subir o valor de mercado de Matisse. Os Steins estavam também entre os seus patronos no futuro. O grupo Fauvist voltou a dissolver-se já em 1907.

Hoje, o Chemin du Fauvisme em Collioure comemora o aparecimento do Fauvismo: reproduções das pinturas de Matisse e Derain aí criadas são expostas num caminho circular em 19 pontos da aldeia.

Leia também, biografias-pt – Harper Lee

Familiarização com Picasso (1906)

A 20 de Março de 1906, Matisse mostrou o seu novo trabalho, Lebensfreude (Alegria de Vida), no Salon des Indépendants (Paul Signac, vice-presidente dos Indépendants, juntou-se às críticas e ressentiu-se da rejeição de Matisse ao Pós-Impressionismo, explicitada pelo quadro. Leo Stein, contudo, considerou-o “o quadro mais importante do nosso tempo” e adquiriu-o para o salão que dirigiu juntamente com a sua irmã Gertrude.

No mesmo ano, Matisse conheceu Pablo Picasso; a sua primeira reunião teve lugar no salão Steins, onde Matisse tinha sido um visitante regular durante um ano. A partir deste momento, Matisse e Picasso partilharam uma amizade baseada na rivalidade criativa e no respeito mútuo. Os amigos americanos de Gertrude Stein de Baltimore, Clarabel e Etta Cone, também se tornaram patronos e coleccionadores de Matisse e Picasso. A Colecção Cone está actualmente em exposição no Museu de Arte de Baltimore.

Viagem à Argélia (1906)

Em Maio de 1906, Matisse viajou para a Argélia e visitou o oásis de Biskra. Não pintou durante a viagem; foi só depois do seu regresso que criou o quadro Blue Nude (Memória de Biskra) e, depois de completar a pintura, uma escultura Reclining Nude I (Aurora), que tem uma postura semelhante. Da viagem de duas semanas trouxe de volta objectos quotidianos como cerâmicas e tecidos, que muitas vezes utilizou como motivos para as suas pinturas. Matisse tirou da cerâmica oriental a cor pura e achatada, a redução do desenho a uma linha parecida com o arabesco e a disposição bidimensional do espaço pictórico. Os tapetes orientais apareceram nos seus quadros como em nenhum outro pintor modernista. Um exemplo é a natureza morta Tapetes Orientais, que ele pintou após o seu regresso.

A Académie Matisse (1908-1911)

Por iniciativa e com o apoio dos seus admiradores, Michael, Sarah, Gertrude e Leo Stein, bem como Hans Purrmann, Marg e Oskar Moll e outros, fundou uma escola privada de pintura, à qual foi dado o seu nome: “Académie Matisse”. Ensinou lá entre Janeiro de 1908 e 1911 e acabou por ter 100 estudantes da Alemanha e do estrangeiro. Purrmann era responsável pela organização e administração.

Inicialmente, as aulas realizavam-se nas salas do Couvent des Oiseaux na Rue de Sèvres. Matisse já tinha alugado outro estúdio neste convento vazio desde 1905, para além do seu estúdio original em Quai St.-Michel. Depois de se ter decidido fundar a academia privada, Stein alugou outro quarto no Couvent para as aulas. No entanto, o complexo conventual teve de ser desocupado após apenas algumas semanas. A escola mudou-se, portanto, para o Couvent de Sacré-Cœur, na Boulevard des Invalides, na esquina da Rue de Babylon.

O seu carácter não-comercial distingue a Académie Matisse de estúdios-mestre comparáveis. Matisse atribuiu grande importância a uma educação clássica básica para os jovens artistas. Uma vez por semana, uma visita a um museu fazia parte do currículo. O trabalho a partir de um modelo só veio depois do esforço de copiar. Na altura, a proporção de mulheres entre os alunos era surpreendentemente elevada. Entre os 18 alunos alemães, por exemplo Friedrich Ahlers-Hestermann, Franz Nölken e Walter Alfred Rosam, havia oito artistas femininas, incluindo Mathilde Vollmoeller e Gretchen Wohlwill. Olga Markowa Meerson, nascida na Rússia e ex-aluna de Wassily Kandinsky em Munique, foi também uma das suas alunas.

Matisse fez a sua primeira viagem à Alemanha com Hans Purrmann em 1908. Aí ele conheceu o grupo de artistas Brücke. Foi convidado a juntar-se ao grupo como o “Übervater da sua rebelião” – em vão. No mesmo ano, a sua primeira exposição americana teve lugar na Galeria 291 de Alfred Stieglitz. O seu ensaio teórico-artemático Notes d”un Peintre (Notas de um Pintor) apareceu na Grande Revue a 25 de Dezembro de 1908.

Mudança para Issy-les-Moulineaux (1909)

O patrono russo Sergei Shchukin tinha tomado conhecimento do trabalho de Matisse e encomendou-lhe duas grandes pinturas: A Dança e a Música. Os anos de crise tinham sido ultrapassados e a posição financeiramente consolidada permitiu a Matisse deixar a residência no Quai Saint-Michel em Paris em 1909 e mudar-se para Issy-les-Moulineaux, onde comprou uma casa e mandou construir o seu estúdio na propriedade. Durante muito tempo, os membros da família posaram para ele gratuitamente e acomodaram os seus desejos com compreensão. Foram guiados pelas necessidades do artista; por exemplo, as crianças tiveram de ficar em silêncio durante as refeições para não perturbar a concentração do seu pai.

Depois de participar na exposição Manet and the Post-Impressionists em Londres, organizada por Roger Fry em 1910, as esculturas de Matisse foram expostas pela primeira vez na Galeria 291 de Alfred Stieglitz em Nova Iorque em 1912.Um ano mais tarde, em 1913, algumas das suas pinturas participaram na importante exposição Armory Show, Nova Iorque, que, no entanto, atraiu críticas cáusticas do público conservador americano. O tesoureiro da Armory Show, Walter Pach, representou a obra de Matisse nos EUA de 1914 a 1926.

Por volta de 1912, algumas das composições de Matisse foram consideradas paracubistas por muitos críticos. Matisse e Picasso trocaram frequentemente ideias durante esses anos. Matisse comentou: “Demos muito um ao outro nestes encontros”. Nessas conversas, Picasso interpretou o defensor do diabolismo, querendo constantemente questionar algo sobre a pintura de Matisse que, de facto, estava muito na sua própria mente.

Além das suas estadias em Sevilha (19101911) e Tânger (19111912 e 19121913), e de uma viagem a Moscovo (1911), Matisse permaneceu em Berlim no Verão de 1914.

Anos de Guerra (1914-1918)

No início da Primeira Guerra Mundial, em Agosto de 1914, Matisse estava em Paris. Registou-se para o serviço militar, mas o seu pedido foi rejeitado. Depois de a propriedade familiar ter sido destruída num ataque alemão, Matisse não recebeu mais notícias da sua mãe ou do seu irmão, que, tal como os outros homens da aldeia, tinha sido levado como prisioneiro de guerra pelas forças militares alemãs. Pouco antes da Batalha de Marne, deixou Paris e foi com Marquet para Collioure. Os horrores daquela época aproximaram novamente Fauvists e Cubistas, até então divididos por conflitos artísticos, pelo que Juan Gris ficou com o professor dos filhos de Matisse. A influência cubista desta última reforçou a inclinação de Matisse para a simplificação geométrica. Os filhos Jean e Pierre tiveram de fazer o serviço militar a partir do Verão de 1917.

Em Nice (1916-1954)

Matisse ficou em Menton na Côte d”Azur em 1916 sobre aconselhamento médico, pois sofria de bronquite, e alugou um quarto no Hôtel Beau-Rivage em Nice em 1916-1917. Esta cidade deveria tornar-se o seu domicílio durante os próximos anos. Depois de viver entretanto no Hôtel Méditerranée, mudou-se para um apartamento de dois andares na Place Charles-Félix, em Nice, nos anos 20. De Maio a Setembro, regressou regularmente a Issy-les-Moulineaux para trabalhar no seu estúdio.

Em 1918, a exposição Matisse – Picasso teve lugar na Galerie Guillaume, o que foi em certa medida uma prova do papel de liderança destes pintores na arte contemporânea. Matisse mostrou alguns dos seus quadros a Renoir, que visitou frequentemente durante este período; ele também socializou com Bonnard em Antibes.

Em 1920, o ballet Le Chant du Rossignol de Djagilev estreou em Paris, para o qual Matisse tinha concebido os figurinos e o cenário. Dedicou-se novamente ao trabalho em esculturas, que tinha negligenciado nos anos anteriores. Em 1927, o seu filho Pierre Matisse, que se tinha tornado dono de uma galeria, organizou uma exposição para ele na sua galeria de Nova Iorque; no mesmo ano, recebeu o prémio de pintura da Exposição Internacional de Carnegie em Pittsburgh.

Matisse empreendeu muitas viagens para relaxar, por exemplo a Étretat em 1921, a Itália em 1925 e ao Tahiti via Nova Iorque e São Francisco em 1930.

Na sua viagem de regresso em Setembro de 1930, visitou o seu importante coleccionador Albert C. Barnes em Merion (EUA), que lhe pediu um mural sobre o tema da dança para o seu museu privado. Obras de Georges Seurat, Cézanne, Auguste Renoir já encheram aí as paredes. Matisse aceitou o desafio e foi capaz de completar o trabalho em 1932. Em 1933, o seu neto Paul Matisse nasceu em Nova Iorque.

Para a assustadora tarefa do mural de Barnes, Matisse tinha empregado a emigrante russa Lydia Delectorskaya (1910-1998), de 22 anos, como sua assistente, que também se sentava para ele. Foi então confrontado pela sua esposa Amélie com a alternativa: “Eu ou ela”. Lydia Delectorskaya foi despedida, mas Amélie exigiu o divórcio e deixou-o após 31 anos de casamento. Matisse ficou muito doente e recontratou a Delectorskaya. Depois de uma estadia em Paris no início da Segunda Guerra Mundial, regressou a Nice.

Nos anos seguintes, criou projectos para tapeçarias e ilustrações de livros. Ele gravou cenas da Odisseia como ilustrações para o Ulisses de James Joyce. Em Novembro de 1931, o Museu de Arte Moderna deu a Matisse a oportunidade de realizar a sua primeira grande exposição individual americana em Nova Iorque. Precedidos por uma grande exposição na Galeria Thannhauser em Berlim no final do Verão de 1930, os anos 1930 a 1931 trouxeram assim muitos dos planos pessoais de Matisse à maturidade e consolidaram a sua já crescente reputação internacional. Em Outubro foi publicado o primeiro livro ilustrado por Matisse, a edição Skira de Poésie de Stéphane Mallarmé.

Em 1937, Matisse foi convidado por Léonide Massine a desenhar decorações e trajes para Rouge et noir, um ballet com música de Shostakovich e coreografia de Massine. Um ano mais tarde, mudou-se para Cimiez, para o antigo Hotel Régina, com vista para Nice.

Em 1941, Matisse teve de ser submetida a uma séria operação intestinal em Lyon. Permaneceu no hospital durante quase três meses, depois num hotel durante dois meses com gripe. Sofria de cancro duodenal e de duas embolias pulmonares subsequentes.

Regressou a Cimiez em Maio. A operação e a doença subsequente afectaram-no seriamente, de modo que só se pôde manter de pé durante um período de tempo limitado. Durante a sua convalescença, começou novamente a trabalhar, pintando e desenhando na cama, incluindo as ilustrações para a edição Fabiani do Pasiphaé de Henry de Montherlant e a edição Skira da Florilège des amours de Ronsard.

No seu estúdio aos pés do Montagne du Baou na Villa Le Rêve, a dois quilómetros da praça principal da aldeia provençal de Vence, para onde se mudou após um ataque aéreo a Cimiez em 1943, Matisse começou a trabalhar nas suas composições cut and paste para o seu livro Jazz. Em 1944, a sua esposa divorciada foi presa e a sua filha Marguerite deportada por envolvimento na Résistance e condenada a seis meses de prisão. Le Rêve permaneceu a sua residência até 1948, quando regressou a Nice para o Hotel Régina.

No início do Verão de 1945, Matisse viajou para Paris, onde 37 obras foram expostas numa retrospectiva no Salon d”Automne. No mesmo ano, expôs com Picasso no Victoria and Albert Museum em Londres. Em 1946 Matisse recebeu a sua primeira visita de Picasso e da sua parceira Françoise Gilot em Vence; os dois artistas reuniram-se várias vezes até 1954.

Em 1947, Matisse foi elevado à categoria de Comandante da Legião de Honra. No mesmo ano, começou a esboçar uma capela das Irmãs Dominicanas, a Capela do Rosário em Vence, que o iria ocupar quase exclusivamente durante os anos seguintes. O projecto foi o resultado de uma estreita amizade entre Matisse e a Irmã Jacques-Marie, aliás Monique Bourgeois. Ele tinha-a empregado como enfermeira e modelo em 1941; em 1946 entrou num convento dominicano em Vence e recebeu o nome de Jacques-Marie. Quando se voltaram a encontrar lá, ela pediu-lhe conselhos sobre a construção de uma capela para o convento. Em Dezembro de 1949, foi colocada a pedra fundamental da capela, e em 25 de Junho de 1951, foi consagrada pelo Bispo de Nice. No mesmo ano, Matisse recebeu o primeiro prémio de pintura na Bienal de Veneza.

Em ligação com as suas obras expostas nos EUA em 1951, o historiador de arte americano Alfred H. Barr publicou Matisse: a sua Arte e o seu Público, que continua a ser um livro importante sobre o artista até aos dias de hoje. Em 1952, o Musée Henri Matisse abriu as suas portas na sua cidade natal de Le Cateau-Cambrésis. Um ano mais tarde, seguiram-se exposições dos découpés papiers em Paris e das suas esculturas em Londres. Em 1954, foi eleito membro honorário da Academia Americana de Artes e Letras.

Matisse trabalhou nos últimos dias da sua vida na Rockefeller Rose, que seria o seu último trabalho, um vitral para a Igreja da União de Pocantico Hills, encomendado pela família Nelson Rockefeller em memória de Abby Aldrich Rockefeller. Para além do trabalho de Matisse, a igreja também contém janelas de Marc Chagall.

Matisse morreu de ataque cardíaco em Nice, a 3 de Novembro de 1954. O seu túmulo – a pedra memorial é-lhe dedicada e à sua ex-mulher – está situado no ponto mais alto do cemitério de Cimiez; é um presente da cidade de Nice.

A 5 de Janeiro de 1963, outro museu, o Musée Matisse, foi fundado em Nice. O próprio artista doou o quadro Still Life with Pomegranate (1947), quatro desenhos dos anos 194142, a silhueta The Creole Dancer (1950) e duas gravuras em seda, Oceania – O Mar e Oceania – O Céu, ambos de 1947, antes da fundação do museu a 21 de Outubro de 1953. Seguiram-se outras doações dos herdeiros entre 1960 e 1978.

A concepção da imagem por Matisse

No mundo pictórico de Matisse, a cor adquire um carácter autónomo através do seu uso bidimensional, decorativo e ornamental, omitindo os seus aspectos de desenho espacial. Aqui, a cor não está subordinada à cor local nem à descrição das estruturas de superfície. Em vez disso, Matisse utiliza-a como um meio de reproduzir as sensações de cor desencadeadas no pintor pela impressão do motivo. No seu percurso pelo Fauvismo, criou um mundo pictórico no qual não se dá mais importância ao objecto do que ao espaço interior, ou seja, o espaço entre os objectos. Nenhuma destas formas é superior ou subordinada a outra na realização da ”expressão” como elemento de desenho. De acordo com este ponto de vista, a “expressão” só pode ser realizada através da disposição e ligação das formas de cor – cor e forma são uma só – entre si. Através desta visão, a observação da natureza (objecto) não só se torna a ocasião para sensações coloridas (sujeito), mas também é elevada a uma correcção dentro do processo criativo na sua interacção recíproca. Neste sentido, Matisse viu-se a si próprio como ligado à tradição. Assim, Matisse – como Picasso – nunca deu o passo para a abstracção completa, uma vez que desta forma, como ele salientou, a abstracção foi apenas imitada.

Outra característica da composição pictórica de Matisse é que ele lineariza os objectos. As relações espaciais entre os objectos recuam para o fundo, são dissolvidas, mas sem negar completamente as suas referências espaciais. Assim, salientou que através da igualdade das formas – objecto e espaço interior – assim como através da autonomia da cor, era necessária uma linearização dos elementos pictóricos e vice-versa.

A crescente necessidade de originalidade e individualidade naquela época, por um lado, e a aversão ao que os seus opositores viam como as opiniões “degeneradas” das academias ainda estabelecidas, por outro, levou muitos pintores a quererem tomar a sua própria posição. Assim, embora Matisse tenha encontrado em Cézanne a figura do spiritus rector, não tencionava continuar o trabalho de Cézanne.

O trabalho inicial até 1900

Matisse decidiu, tarde na vida, seguir uma carreira artística. Começou a ter aulas de arte como paralegal de 20 anos em St.-Quentin. As suas primeiras fotografias correspondiam ao naturalismo burguês que a escola francesa tinha adoptado dos holandeses. Uma pintura conhecida deste período é The Reading Woman de 1894, que se encontra agora no Musée National d”Art Moderne em Paris. Nos seus temas pictóricos, as mulheres dominariam a sua arte desde o seu trabalho inicial até ao seu trabalho tardio na década de 1950, retratado nas várias fases de Matisse. Still Life com Auto-Retrato em cores semelhantes castanho-verde seguido em 1895, com uma semelhança estética com o Still Life de Cézanne vinte anos sem a sua sofisticação. Pinturas bem conhecidas de 1897 são The Table Set e a peça à beira-mar, Belle Île; nesta última há aproximações à Tempestade de Claude Monet de 1896 em Belle Île, que reflecte as influências impressionistas de Monet e John Peter Russell na Bretanha.

O trabalho principal do artista pode ser dividido nos cinco períodos seguintes:

Período Fauve (1900-1908)

Em 1900, Matisse começou a pintar num estilo que, em retrospectiva, foi chamado “proto-Fauve”. Não queria ver as suas formas dissolvidas em luz, mas concebidas como um todo completo, e por isso afastou-se do impressionismo “ortodoxo”. Foram as obras divisionistas da Seurat, juntamente com as de Paul Cézanne, às quais ele dedicou a sua atenção. Georges Seurat e os Neo-Impressionistas criaram os seus trabalhos de acordo com a doutrina teórica baseada na teoria da cor de Eugène Chevreul. Além de Seurat, foi Vincent van Gogh e Paul Gauguin que reforçaram o sentido de cor de Matisse; ele queria ultrapassar a imitação da natureza. A composição da figura de Matisse Luxo, Silêncio e Desejo (190405), por exemplo, foi criada de acordo com regras divisionistas. Um pouco mais tarde, percebeu que a concepção divisionista do quadro não era adequada para dar solidez às obras pictóricas e reflectir as sensações de cor do pintor, pelo que se afastou da direcção impressionista, como Cézanne tinha feito anos antes dele.

O resultado do seu trabalho durante a sua fase Fauvist representou uma solução sob a forma de um esquema de cores bidimensional que se opunha ao “derretimento” das pinturas impressionistas. Exemplos são a Janela Aberta em Collioure e a Mulher com Chapéu, ambas de 1905, que provocaram indignação na exposição do Salão e assim levaram ao termo “Fauvismo”. Na sua pintura “The Green Stripe”. Retrato de Madame Matisse, também de 1905, o verde é uma constante. A faixa acima da face, que à primeira vista parece não natural, não é colocada arbitrariamente, mas serve como uma fronteira entre a luz e as zonas de sombra. Matisse mostrou que a autonomia da cor em conjunto com a sua aplicação bidimensional significava que os objectos tinham de ser linearizados entre si, e que as suas relações espaciais tinham assim de recuar para o fundo. Os trabalhos dos anos seguintes representam principalmente variações sobre esta percepção fundamental.

Segundo a sua própria declaração, o trabalho da sua vida começou com o quadro A Alegria de Viver, que expôs no Salon des Indépendants em 1906, onde provocou críticas ferozes. Após a sua viagem à Argélia em 1906, pintou o Blue Nude (Memória de Biskra), as palmeiras de fundo reflectindo a viagem. A mulher nua pesa muito no chão e lança uma sombra. A figura dominante e o ambiente plano reflectem a visão de Matisse: “É precisamente a figura e não a natureza morta ou a paisagem que mais me interessa. É nela que melhor posso expressar, poder-se-ia dizer, o sentimento religioso em relação à vida que é sempre meu”.

Período Experimental (1908-1917)

O período experimental de Matisse, durante o qual ele foi muito produtivo, está dividido em duas fases: De 1908 a 1910, predominam as formas de fluido orgânico e arabesco, enquanto a segunda fase de 1911 a 1917, marcada pelo envolvimento de Matisse com o Cubismo, é dominada por formas geométricas. Matisse nunca subordinou a sua pintura a um estilo uniforme, mas mudava frequentemente de posição, passando de períodos decorativos a períodos mais realistas.

Em 1909, o patrono da arte russa Sergei Ivanovich Shchukin encomendou duas grandes obras, La Danse (A Dança) e La Musique (A Música), para decorar a escadaria da sua residência em Moscovo. Duas versões de The Dance foram criadas em diferentes tonalidades de cor. Matisse foi inspirado pela dança redonda provençal Farandole. As imagens, cada uma constituída por cinco corpos em frente de um fundo fortemente colorido, transmitem joie de vivre; o estilo decorativo combina com a figura humana. A sua monumentalidade decorre da simplificação dos meios do pintor: poucas cores são aplicadas em grandes áreas homogéneas, o desenho torna-se uma linha pura que forma as formas. A dança é uma das obras mais famosas de Matisse. A simplificação das formas também determina a pintura Bouquet de Flores e Placa de Cerâmica (1911). Henri Matisse resumiu as suas impressões de ícones russos, bem como objectos feitos de esmalte, numa entrevista para o jornal Utro Rossii (Утро России) em 27 de Outubro de 1911, durante a sua estadia em Moscovo:

Durante a Primeira Guerra Mundial, a sua escala de cores tornou-se mais escura, a redução às formas geométricas no estilo do Cubismo atingiu o seu clímax em 1914 com a pintura Vista de Notre Dame e continuou até 1918. A cor negra desempenhou um papel importante durante os anos de guerra, sendo um exemplo a janela da porta em Collioure, 1914.

Leia também, biografias-pt – Albiruni

Período de Nice (1917-1929)

Matisse dedicou-se, entre outras coisas, a pintar odalisques em várias posições. Retratos, interiores em banho leve, naturezas mortas, paisagens estavam também no centro do seu interesse representativo. As suas obras tinham características mais naturalistas do que nunca. Ao tornar real a sua imaginação imaginativa, Matisse provou assim a sua crença na pintura como uma “fonte de alegria não ligada”.

O amor pela cor e pelos detalhes é evidente no “fundo ornamental” muitas vezes extraordinário. A pintura Figura Decorativa em Frente de um Fundo Ornamental (192526) apresenta particularmente os atributos emblemáticos da sua pintura: uma mulher, flores e tecidos coloridos no fundo. É uma das obras mais importantes do “Período Nice”. O seu modelo, nesta altura, era Henriette Darricarrère. Em Nice, decorou o seu estúdio com comprimentos de tecido, tapetes e cortinas. O tecido coberto de flores aparece noutras obras, por exemplo em Two Odalisques (192728) e Odalisque with Armchair (1928).

Período de renovada simplicidade (1929-1940)

O período de Nice foi seguido por um período de renovada simplicidade. As aspirações artísticas de Matisse centraram-se na harmonia entre o desenvolvimento máximo da cor e uma abstracção progressiva da forma representativa.

Em 1929, viajou para os EUA e foi membro do júri da 29ª Carnegie International. Um ano mais tarde viajou para o Taiti, Nova Iorque e Baltimore, Maryland, bem como para Merion na Pensilvânia. Albert C. Barnes de Merion, um grande coleccionador de arte moderna que já possuía a maior colecção Matisse na América, encomendou ao artista a criação de um grande mural para a galeria de arte da sua casa. Matisse escolheu um tema de dança que já se tinha apoderado dele desde a sua fase Fauvist. O mural The Dance existe em duas versões devido a um erro nas medições; foi instalado em Maio de 1933 e está actualmente em exposição na Fundação Barnes. Na sua simplicidade, a composição retrata mulheres dançantes em movimentos extremamente fortes contra um fundo abstracto, quase geométrico. Durante os trabalhos preparatórios do mural, Matisse utilizou um novo processo, montando a composição a partir de pedaços de papel colorido recortados. A partir de 1940, as silhuetas tornaram-se o meio de expressão preferido de Matisse, uma técnica que ele manteve até ao fim da sua vida.

Período de limitação ao essencial (1940-1954)

A redução da forma à abstracção levou Matisse a enfatizar o elemento dinâmico. Por volta de 1943, devido à sua grave doença, as silhuetas tornaram-se um meio de expressão principal na obra do artista; por volta de 1948 Matisse terminou a pintura por completo. Mandou pintar folhas de papel com tinta guache monocromática, da qual recortou as suas figuras e formas livres (gouaches découpées). Matisse chamou a esta técnica “desenho com tesoura”. Oferecia a possibilidade de combinar linha e cor e era portanto a solução para a sua preocupação que há muito procurava. Ao desenhar, conseguiu representar uma impressão em alguns contornos, embora sem cor. Na pintura, faltava esta espontaneidade. Quando a tesoura substitui o pincel e desenha directamente para a tinta, a oposição de cor e linha é ultrapassada. O resultado – o corte – é mais nítido do que a linha traçada, por isso tem um carácter diferente. Em 1947, uma sequência de silhuetas dos anos 1943 a 1944 foi publicada como livro de artista sob o título Jazz, que tinha sido reproduzido utilizando a impressão a stencil. O título alude à espontaneidade e à improvisação do estilo musical do jazz. Sobre a utilização de linhas, Matisse escreveu neste livro:

Além disso, houve desenhos para tapeçarias como Polinésia – O Céu e Polinésia – O Mar, 1946. A decoração de uma capela, a Capela do Rosário, (também chamada Chapelle Matisse), em Vence, inaugurada em 1951, cujos vitrais também tinha preparado em silhuetas, mostra o primeiro vitral do artista. Outro exemplo é a série Blue Nude de 1952; é exclusivamente em azul e branco e tem um efeito escultórico na sua abstracção.

Matisse criou desenhos, estudos para as suas obras, em grande número. O seu interesse em trabalhos gráficos começou por volta de 1900, quando começou a gravura a título experimental. O catálogo raisonné de gravuras publicado pela sua filha Marguerite Duthuit e pelo neto Claude Duthuit descreve cerca de 800 obras, concentrando-se nas cerca de 300 gravuras e 300 litografias produzidas entre 1908 e 1948 e datadas de 1906 a 1952. Também criou 62 obras em aquatint, 68 monotipos, 70 linocuts e, desde o início do período 190607, quatro xilogravuras. Ao contrário de Picasso, Matisse absteve-se de fazer experiências com novos materiais e técnicas. Em 1935 Matisse produziu 26 ilustrações de página inteira para o romance Ulysses de James Joyce. As ilustrações são baseadas em temas da Odisseia de Homero.

Após o início da Segunda Guerra Mundial, o trabalho gráfico de Matisse ocupou um espaço maior, com ilustrações para o Pasiphaé de Henry de Montherlant (1944), Visages de Pierre Reverdy (1946), Lettres portugaises de Mariana Alcaforado (1946), Les Fleurs du Mal (1947) de Charles Baudelaire, Florilège des Amours (1948) de Pierre de Ronsard e Poèmes de Charles d”Orléans (em contraste, acrescentou ilustrações a cores ao seu famoso livro de Jazz de 1947, no qual escreveu as suas reflexões sobre arte e vida.

Mais de metade das esculturas de Matisse foram criadas entre 1900 e 1910, e ele trabalhou frequentemente em série, simplificando a forma ao longo dos anos. A primeira obra tridimensional de 82, Jaguar Devouring a Hare, foi criada durante os seus estudos escultóricos a partir de 1899 e aponta não só para a influência de Auguste Rodin mas também para Antoine-Louis Barye, um conhecido escultor francês conhecido pelas suas esculturas de animais. Matisse modelou a escultura Jaguar depois da escultura de bronze de Barye Jaguar dévorant un lièvre, na qual ele trabalhou de 1899 a 1901. Tal como a pintura com o mesmo nome, a escultura The Servant foi criada em 1900 e terminada em 1903. O Bevilaqua italiano, que já tinha sido modelo de Rodin nas suas obras João Baptista (1878) e Homem Andante (1900), serviu como seu modelo. Matisse transpôs frequentemente os motivos das suas esculturas para pinturas ou vice-versa. O tamanho das suas esculturas não correspondia ao tamanho da vida, como era o caso dos escultores tradicionais, mas estas foram criadas num formato mais pequeno.

Em 1907 começou a trabalhar na pintura Nu Reclinado, que tinha desenvolvido mais a partir da pintura Luxo, Silêncio e Desejo (1904-1905). O sujeito deveria ocupá-lo durante 30 anos. A escultura Duas Negras de 1908 pode ser encontrada novamente na sua Natureza Morta de 1910, Bronze com Fruta. A pintura de Cézanne, Os Três Pais, adquirida em 1899, serviu de modelo a Matisse em obras que retratam o corpo de forma monumental, tais como a série de relevos dos nus supinos que Matisse criou entre 1909 e 1929. A inspiração para a série Jeannette I – V de 1910 a 1913 foi uma pintura impressionista anterior; a cabeça de Jeanette tornou-se cada vez mais alienada nas versões. Jeanette V forma um precursor da abstracção física que mais tarde se espalhou na arte a partir dos anos 30. A inspiração da arte primitiva não se reflectiu nas suas pinturas, como foi com Picasso, mas as suas transformações permaneceram limitadas a este respeito ao trabalho escultórico.

Quase todas as suas esculturas consistiram numa edição de dez exemplares, com uma excepção: O Pequeno Torso Fino, de 1929, só existe em três exemplares. Matisse utilizou a técnica de fundição em areia e cera perdida. A maioria das suas obras escultóricas foi lançada em anos posteriores, quando um maior número de coleccionadores se interessou por elas. Os Nus I – IV de Dorso, que estão entre as esculturas mais importantes de Matisse, só foram lançados após a morte de Matisse, por instigação dos seus herdeiros. Nos anos 90, os herdeiros tiveram a maior parte dos moldes originais destruídos para evitar novas edições.

Entre os quatro maiores pintores franceses da primeira metade do século XX – Matisse, Picasso, Derain e Braque – Matisse foi o primeiro teórico. A sua escrita de 1908, Notes d”un peintre (Notas de um Pintor), precedeu as declarações publicadas de Braque e Picasso por um tempo considerável. Embora a primeira entrevista de Braque (1908) tenha sido publicada em 1910, os seus textos só saíram em 1917. A primeira afirmação teórica de Picasso, fala Picasso, foi publicada em Maio de 1923.

Em Notas de um Pintor, Matisse esclareceu as principais preocupações da sua arte: “expressão” (“Ausdruck und Aussage”), processamento mental de formas naturais, clareza e cor. Além disso, neste artigo ele confessa a sua crença na arte como expressão de personalidade. Para ele, não é nem uma representação de uma “imaginação” nem um mediador de ideias literárias, mas baseia-se na síntese intuitiva de impressões da natureza. Neste escrito, lê-se uma passagem central, frequentemente citada:

O segundo texto teórico Notes d”un peintre sur son dessin (Notas de um pintor sobre desenho) apareceu em Le Point em 1939. Nos anos após 1930, fez muitos desenhos de linhas, executados a lápis ou caneta; os desenhos com caneta e tinta, como Matisse definiu, “só surgiram depois de centenas de desenhos, depois de ensaios, de intuições e de definições de forma; depois desenhei-os com os olhos fechados”.

Leia também, biografias-pt – Xerxes I

Testemunhos de contemporâneos

O impressionista Auguste Renoir, que era muitos anos mais velho, fez um comentário a Henri Matisse no final da Primeira Guerra Mundial quando Matisse o visitou no Sul de França:

Em 1905, o colega pintor Paul Signac, com seis anos de idade, comprou a pintura de Matisse Luxo, Silêncio e Voluptuosidade, que foi exposta no Salon des Indépendants. Um ano depois, o Neo-Impressionista ridicularizou o trabalho de Matisse The Joy of Living exibido no Salão:

Gertrude Stein, patrona de Matisse, descreveu a sua pintura de 1907 Blue Nude (Memória de Biskra) e a sua intenção como se segue:

O estudante e amigo de Matisse, o pintor alemão Hans Purrmann, organizou uma exposição em Berlim em 1908 na galeria de Paul Cassirer. A exposição foi alvo de críticas. Numa reunião conjunta com Max Liebermann na galeria, este último temeu “a ruína da juventude” à vista dos quadros e preferiu ocupar-se com o seu dachshund. “Gingerbread painting” e “wallpaper” foram as palavras de ordem da época sobre a pintura de Matisse. Uns anos antes da morte de Matisse, Purrmann comentou as circunstâncias do seu fim de vida:

Picasso expressou muito frequentemente o seu apreço por Matisse. Entre as muitas expressões de Picasso, porém, a que se segue indica mais claramente o quanto Picasso reconheceu o trabalho de Matisse:

Relação com Picasso

Matisse foi o único artista contemporâneo que Picasso considerou como seu igual. Nenhum outro artista contemporâneo tinha significado tanto para ele como Matisse, apesar das suas orientações artísticas opostas. Durante as suas reuniões, houve uma animada troca de impressões. “Temos de falar o mais possível uns com os outros”, disse Matisse a Picasso no final dos anos 40, acrescentando: “Quando um de nós morrer, haverá algumas coisas de que o outro não poderá falar com mais ninguém”.

Picasso, que por vezes também lançou insultos cruéis, nunca permitiu que mais ninguém criticasse Matisse. Há muitas provas disso, e um dos melhores dos muitos testemunhos vem de Christian Zervos. Matisse e Picasso passaram uma tarde no Coupole com vários outros. Matisse deixou o grupo por um momento. Quando alguém lhe perguntou para onde tinha ido, Picasso respondeu que estava sentado em segurança sobre a sua coroa de louros. A maioria das pessoas presentes, procurando a aprovação de Picasso, começou a atacar Matisse. Picasso zangou-se e gritou: “Não vou tolerar que digas nada contra Matisse, ele é o nosso maior pintor.

Desta forma, os dois prestaram homenagem um ao outro. Picasso comentou: “Basicamente, não há nada além de Matisse”. “Só Picasso pode escapar com qualquer coisa. Ele pode confundir tudo. Desfigurar, mutilar, desmembrar. Ele está sempre, ele permanece sempre no direito”, disse Matisse. “Só isso, por exemplo, é que Matisse é Matisse: porque ele tem o sol no seu corpo”, disse Picasso.

A relação artística respeitosa entre estes dois artistas de referência do século XX, marcada por uma rivalidade criativa, é destacada em pormenor por Françoise Gilot no seu livro Matisse e Picasso – An Artist Friendship.

Os seus opostos foram revelados nas questões fundamentais sobre o carácter do quadro e o significado da arte. Picasso queria o dissonante, Matisse o quadro harmonioso. Os seus opostos emergem acentuadamente nas seguintes citações: “A pintura não está lá para decorar apartamentos. É uma arma de ataque e de defesa”, disse Picasso numa entrevista de 1945 em Lettres Françaises. “Um quadro na parede deve ser como um ramo de flores na sala”, comentou Matisse alguns meses mais tarde na mesma revista.

Por outro lado, o trabalho de Cézanne é o elemento que liga os dois. Picasso, tal como Matisse, tinha estudado as suas pinturas e mais tarde disse ao fotógrafo Brassaï: “Cézanne! Ele foi o pai de todos nós”! Matisse estudou as cartas de Cézanne, entre outras coisas, e tinha em comum com ele o instinto exploratório que se esforça por produzir uma imagem totalmente “realizada” (sobre isto, ver → réalisation in Cézanne). Esta pesquisa e pesquisa, que percorre os escritos de Matisse como um fio vermelho, é muito pronunciada na obra de Cézanne.

A resistência de Matisse à pintura abstracta

Com veemência incansável, Matisse condenou a pintura abstracta em conversa com Marie Raymond em 1953. “Termos como não representativo ou abstracto nada mais são do que um escudo para esconder uma deficiência”. E acrescenta: “Escreve-o exactamente como eu te digo: Matisse é contra a arte abstracta. Picasso pensa exactamente como eu: todos aqueles que criaram uma obra pensam como eu”.

Quando perguntado por Marie Raymond se o seu trabalho tardio não mostrava uma certa abordagem às experiências dos resumos, Matisse respondeu que a arte tinha sido sempre abstracta e que, se fosse mais jovem, iniciaria uma campanha contra a arte abstracta.

Noutro lugar, ao justificar a sua rejeição da pintura abstracta, salientou que esta apenas imitava a abstracção.

Influência no Expressionismo Abstracto nos EUA

Depois de Mark Rothko, um representante do Expressionismo Abstrato, ter visto o Estúdio Vermelho de Matisse (Das rote Atelier, 1911) no Museu de Arte Moderna de Nova Iorque no final dos anos 40, ficou muito impressionado com o trabalho do artista francês, e este teve uma grande influência sobre ele próprio. Como Rothko contou uma vez, ele passou “horas e horas” sentado em frente ao quadro. Em 1954, o ano da morte de Matisse, Rothko pintou Homenagem a Matisse; esta obra foi leiloada em Novembro de 2005, com mais de 22 milhões de dólares.

Os pintores expressionistas americanos do Abstracto como Robert Motherwell, Sam Francis assim como Frank Stella e o pintor de campos de cor Ellsworth Kelly também foram influenciados pela obra de Matisse.

Matisse e os seus modelos

Há muitos preconceitos sobre a vida e o trabalho de Matisse – por exemplo, que ele teve casos com as suas modelos femininas. Hilary Spurling, a biógrafa britânica Matisse, relegou esta suposição para o reino da lenda. Ela escreve que um quadro diferente emerge de cartas, entradas de diários e relatórios dos seus companheiros: “Todos eles descreveram um sistema de austeridade e disciplina monges, e todos tinham sido levados aos limites do suportável pela norma desumana de auto-mortificação de Matisse”. Spurling tem tido conversas extensivas com todos os modelos que ainda estão vivos.

Filmes sobre Matisse

O escritor Louis Aragon conheceu Henri Matisse no Inverno de 1941 quando fugiu com Elsa Triolet da parte ocupada da França para Nice para continuar o seu trabalho em conjunto na Résistance. Desenvolveu-se uma profunda amizade, da qual o livro de Aragão sobre Matisse, Henri Matisse, romano, foi escrito, embora só pudesse ser completado pouco depois da morte de Elsa em 1971. O trabalho de Aragon, com a sua mistura de autobiografia e crítica de arte, bem como ensaios e poemas, foi o modelo para o cineasta Richard Dindo, que já tinha feito documentários sobre Max Frisch e Arthur Rimbaud, entre outros. No filme a cores de 52 minutos Aragão, le roman de Matisse, Dindo descreve o regresso aos lugares onde Matisse tinha vivido. Uma montagem de sucesso condensa imagens e sons numa leitura cinematográfica de pinturas, livros e locais autênticos. Produção: Lea Produktion, Zurique 2003, dirigida por Richard Dindo.

Também foram feitos filmes que estão disponíveis como filmes em vídeo e que foram transmitidos por várias estações de televisão: Gero von Boehm filmou Henri Matisse – os anos em Nice, gravação televisiva: ARD, 4 de Outubro de 1988. Matisse – Picasso, uma amizade improvável de Philippe Kohly de 2002 é uma reportagem cinematográfica francesa, gravação televisiva: 3sat, 20 de Julho de 2003. Henri Matisse – eine filmische Reise, (OT: Henri Matisse – un voyage en peinture), um retrato cinematográfico, foi editado por Heinz Peter Schwerfel, GermanyFrance 2005, gravação televisiva: Arte, 10 de Dezembro de 2005.

O filme televisivo de meia hora Matisse & Picasso: A Gentle Rivalry foi realizado em 2001; trata dos retratos dos dois “gigantes” da arte do século XX. Mostra, entre outras coisas, raramente publica fotografias das suas pinturas e esculturas, assim como fotografias e filmes dos dois artistas de arquivos que os mostram no trabalho. Geneviève Bujold é a voz de Françoise Gilot, Robert Clary é Matisse e Miguel Ferrer é Picasso. A produção nacional vencedora do Emmy é da KERA-DallasFort WorthDenton em associação com o Museu de Arte Kimbell, Fort Worth, Texas.

Matisse no mercado da arte

As obras de Matisse frequentemente obtêm os melhores preços em leilão. Exemplos de anos recentes incluem o quadro L”Espagnole (1922), que foi vendido em leilão por $10,121 milhões na Sotheby”s em Nova Iorque em 2007, e o quadro Les coucous, tapis bleu et rose de 1911, que conseguiu o preço recorde de uma pintura Matisse no leilão da Christie”s da colecção de arte do estilista Yves Saint Laurent em Paris em Fevereiro de 2009. O martelo caiu a 35,905,000 euros. Ao contrário das obras de Picasso, porém, as suas obras não se encontram entre as doze pinturas actualmente mais caras do mundo. O seu relevo de bronze, Nu de dos 4 état, leiloado na Christie”s a 3 de Novembro de 2010, estabeleceu o recorde de uma obra Matisse (em dólares): a Gagosian Gallery, Nova Iorque, comprou-a por mais de 48 milhões de dólares (o equivalente a pouco mais de 43 milhões de euros).

Retrato de uma mulher descoberta no achado artístico de Schwabing

Numa conferência de imprensa sobre o Achado de Arte de Schwabing a 5 de Novembro de 2013, foi mostrado um retrato de uma mulher sentada atribuída a Matisse, criado por volta de 1924, que tinha sido confiscado em 1942 pelo Einsatzstab Reichsleiter Rosenberg do cofre bancário do comerciante de arte Paul Rosenberg em Libourne. O achado artístico de Schwabing é a descoberta de 1280 obras de arte no apartamento de Munique de Cornelius Gurlitt a 28 de Fevereiro de 2012. Para além do retrato de Matisse, as obras aí encontradas, algumas das quais desconhecidas, incluem obras de Marc Chagall, Otto Dix, Max Liebermann, Franz Marc e Pablo Picasso.

Matisse na vida quotidiana e na ciência

As obras do artista são tão populares no presente que muitos cartazes com imagens das suas obras são oferecidos, bem como quebra-cabeças, por exemplo, o quebra-cabeças de 1000 peças com a obra The Dance. O fabricante de automóveis Citroën não só produz um carro com o nome do seu amigo e antípoda Picasso, mas desde 2006 também o C Matisse. O nome de Matisse também está presente na cena musical: Em 1999, uma banda de rock grega alternativa em Atenas autodenominou-se Matisse, e existe um pub de música com o mesmo nome em Troisdorf. Em 1993, foi criada uma rosa que recebeu o seu nome.

No planeta Mercúrio, as crateras têm o nome de personalidades bem conhecidas falecidas, por exemplo, artistas, pintores, escritores e músicos. A cratera de Matisse recebeu o nome de Henri Matisse em 1976; tem um diâmetro médio de cerca de 190 quilómetros e está localizada no hemisfério sul de Mercúrio. A 2 de Abril de 1999, um asteróide de faixa principal interior descoberto em 1973 foi baptizado com o nome de Matisse: (8240) Matisse.

Leia também, biografias-pt – Kęstutis

Pinturas e silhuetas, trabalhos gráficos

Leia também, biografias-pt – Gene Kelly

Literatura secundária

Compilações biográficas

Fases da vida

Relatórios de testemunhas oculares

Aspectos individuais do trabalho

Impacto e recepção

Catálogo raisonné

Ficção

Livros para crianças

Museus

Biografias

Imagens

Fontes