James McNeill Whistler

gigatos | Janeiro 14, 2022

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Resumo

James Abbott McNeill Whistler RBA (11 de Julho de 1834 – 17 de Julho de 1903) foi um pintor americano activo durante a Era do Dourado Americano e baseado principalmente no Reino Unido. Escapou ao sentimentalismo e à alusão moral na pintura e foi um dos principais defensores do credo “arte pela arte”. A sua assinatura para as suas pinturas assumiu a forma de uma borboleta estilizada possuindo um longo ferrão para uma cauda. O símbolo combinava ambos os aspectos da sua personalidade: a sua arte é marcada por uma delicadeza subtil, enquanto que a sua persona pública era combativa. Encontrou um paralelo entre pintura e música, e intitulou muitas das suas pinturas “arranjos”, “harmonias”, e “nocturnas”, enfatizando a primazia da harmonia tonal. A sua pintura mais famosa, Arranjo em Cinzento e Preto No. 1 (1871), vulgarmente conhecida como a Mãe de Whistler, é um retrato venerado e frequentemente parodiado da maternidade. Whistler influenciou o mundo da arte e a cultura mais ampla do seu tempo com as suas teorias e as suas amizades com outros artistas e escritores de renome.

Nova Inglaterra

James Abbott Whistler nasceu em Lowell, Massachusetts, a 11 de Julho de 1834, o primeiro filho de Anna McNeill Whistler e George Washington Whistler, e irmão do cirurgião confederado Dr. William McNeill Whistler. O seu pai era engenheiro ferroviário, e Anna era a sua segunda esposa. James viveu os primeiros três anos da sua vida numa modesta casa na 243 Worthen Street em Lowell. A casa é agora o Museu de Arte Whistler House, um museu dedicado a ele. Ele reivindicou São Petersburgo, Rússia, como o seu local de nascimento durante o julgamento Ruskin: “Nascerei quando e onde eu quiser, e não escolho nascer em Lowell”.

A família mudou-se de Lowell para Stonington, Connecticut, em 1837, onde o seu pai trabalhou para a Stonington Railroad. Três dos filhos do casal morreram na infância durante este período. A sua sorte melhorou consideravelmente em 1839 quando o seu pai se tornou engenheiro chefe dos caminhos-de-ferro de Boston & Albany, e a família construiu uma mansão em Springfield, Massachusetts, onde actualmente se encontra o Museu de História da Madeira. Viveram em Springfield até à sua partida dos Estados Unidos em finais de 1842. Nicholas I da Rússia soube da engenhosidade de George Whistler na engenharia da Boston & Albany Railroad, e ofereceu-lhe uma posição em 1842, a engenharia de uma ferrovia de São Petersburgo a Moscovo, e a família mudou-se para São Petersburgo no Inverno de 1842.

Whistler era uma criança mal-humorada, propensa a ataques de temperamento e insolência, e muitas vezes derivou para períodos de preguiça após surtos de doença. Os seus pais descobriram que o desenho o assustava frequentemente e ajudava a concentrar a sua atenção. Nos últimos anos, ele interpretou a ligação da sua mãe com o Sul americano e as suas raízes, e apresentou-se como um aristocrata sulista empobrecido, embora ainda não esteja claro até que ponto ele realmente simpatizou com a causa sulista durante a Guerra Civil Americana. Adoptou o nome de solteira da sua mãe após a sua morte, usando-o como um nome intermédio adicional.

Rússia e Inglaterra

A partir de 1842, o seu pai foi contratado para trabalhar numa estrada de ferro na Rússia. Depois de se mudar para São Petersburgo para se juntar ao seu pai um ano mais tarde, o jovem Whistler teve aulas particulares de arte, depois matriculou-se na Academia Imperial das Artes aos onze anos de idade. O jovem artista seguiu o currículo tradicional de desenho a partir de moldes de gesso e modelos vivos ocasionais, divertiu-se na atmosfera de conversa de arte com pares mais velhos, e agradou aos seus pais com uma marca de primeira classe em anatomia. Em 1844, conheceu o notável artista Sir William Allan, que veio à Rússia com uma comissão para pintar uma história da vida de Pedro o Grande. A mãe de Whistler anotou no seu diário, “o grande artista observou-me: ”O teu rapazinho tem um génio invulgar, mas não o insistas para além da sua inclinação””.

Em 1847-1848, a sua família passou algum tempo em Londres com familiares, enquanto o seu pai permaneceu na Rússia. O cunhado de Whistler, Francis Haden, um médico que também era artista, despertou o seu interesse pela arte e fotografia. Haden levou Whistler a visitar coleccionadores e a palestras, e deu-lhe um conjunto de aguarelas com instruções. Whistler já estava a imaginar uma carreira artística. Começou a coleccionar livros sobre arte e estudou as técnicas de outros artistas. Quando o seu retrato foi pintado por Sir William Boxall em 1848, o jovem Whistler exclamou que o retrato era “muito parecido comigo e um quadro muito fino”. O Sr. Boxall é um belo colorista. É uma bela superfície cremosa, e parece tão rica”. No seu entusiasmo florescente pela arte, aos quinze anos, informou o seu pai por carta da sua futura direcção, “Espero, caro pai, que não se oponha à minha escolha”. O seu pai, porém, morreu de cólera aos 49 anos de idade, e a família Whistler mudou-se de novo para a cidade natal da sua mãe, Pomfret, Connecticut. Os seus planos artísticos permaneceram vagos e o seu futuro incerto. A família viveu frugalmente e conseguiu sobreviver com um rendimento limitado. O seu primo relatou que Whistler nessa altura era “ligeiro, com uma cara pensiva e delicada, sombreado por suaves caracóis castanhos… tinha uma aparência e uma maneira algo estranha, o que, ajudado por capacidades naturais, o tornava muito encantador, mesmo nessa idade”.

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West Point

Whistler foi enviado para a Christ Church Hall School com as esperanças da sua mãe de se tornar ministro. Raramente Whistler não tinha o seu caderno de esboços e era popular entre os seus colegas de turma pelas suas caricaturas. Contudo, tornou-se claro que uma carreira na religião não lhe convinha, pelo que se candidatou à Academia Militar dos Estados Unidos em West Point, onde o seu pai tinha ensinado desenho e outros familiares tinham frequentado. Foi admitido na instituição altamente selectiva em Julho de 1851 com a força do seu nome de família, apesar da sua extrema miopia e da sua fraca história de saúde. No entanto, durante os seus três anos lá, as suas notas mal eram satisfatórias, e ele era uma visão lamentável no exercício e vestuário, conhecido como “Curly” pelo seu comprimento de cabelo que excedia os regulamentos. O Whistler balbuciou a autoridade, fez comentários sarcásticos, e deu cabo de deméritos. O Coronel Robert E Lee era o Superintendente de West Point e, após considerável indulgência para com Whistler, não teve outra escolha senão demitir o jovem cadete. O maior feito de Whistler em West Point foi aprender desenho e elaboração de mapas com o artista americano Robert W. Weir.

A sua partida de West Point parece ter sido precipitada por uma falha num exame de química onde lhe foi pedido para descrever o silício e começou por dizer: “O silício é um gás”. Como ele próprio o disse mais tarde: “Se o silício fosse um gás, eu teria sido um dia um general”. Contudo, uma anedota separada sugere uma má conduta na aula de desenho como razão para a partida de Whistler.

Primeiro emprego

Depois de West Point, Whistler trabalhou como relator de projecto de mapas de toda a costa dos EUA para fins militares e marítimos. Ele achou o trabalho aborrecido e frequentemente atrasado ou ausente. Passava grande parte do seu tempo livre a jogar bilhar e a andar às voltas, estava sempre falido, e embora encantador, tinha pouco conhecimento das mulheres. Depois de se descobrir que estava a desenhar serpentes do mar, sereias e baleias nas margens dos mapas, foi transferido para a divisão de gravura do U.S. Coast Survey. Durou lá apenas dois meses, mas aprendeu a técnica da gravura que mais tarde se revelou valiosa para a sua carreira.

Nesta altura, Whistler decidiu firmemente que a arte seria o seu futuro. Durante alguns meses viveu em Baltimore com um amigo rico, Tom Winans, que até mobilou Whistler com um estúdio e algum dinheiro para gastar. O jovem artista fez alguns contactos valiosos na comunidade artística e também vendeu algumas pinturas iniciais a Winans. Whistler recusou as sugestões da sua mãe para outras carreiras mais práticas e informou-a de que, com dinheiro de Winans, se propunha a prosseguir a sua formação artística em Paris. Whistler nunca regressou aos Estados Unidos.

Estudo da arte em França

Whistler chegou a Paris em 1855, alugou um estúdio no Bairro Latino, e rapidamente adoptou a vida de um artista boémio. Logo teve uma namorada francesa, uma costureira chamada Héloise. Estudou métodos de arte tradicionais durante um curto período na Ecole Impériale e no atelier de Marc Charles Gabriel Gleyre. Este último foi um grande defensor do trabalho de Ingres, e impressionou Whistler com dois princípios que utilizou para o resto da sua carreira: essa linha é mais importante que a cor e que o preto é a cor fundamental da harmonia tonal. Vinte anos mais tarde, os impressionistas derrubariam largamente esta filosofia, proibindo o preto e o castanho como “cores proibidas” e enfatizando a cor sobre a forma. Whistler preferia o auto-estudo e desfrutar da vida no café. Enquanto cartas de casa relatavam os esforços da sua mãe na economia, Whistler gastou livremente, vendeu pouco ou nada no seu primeiro ano em Paris, e estava em dívida estável. Para aliviar a situação, levou para a pintura e venda de cópias de obras no Louvre e finalmente mudou-se para bairros mais baratos. Por sorte, a chegada a Paris de George Lucas, outro amigo rico, ajudou a estabilizar as finanças de Whistler durante algum tempo. Apesar de uma pausa financeira, o Inverno de 1857 foi difícil para Whistler. A sua saúde precária, agravada pelo fumo e a bebida excessivos, deixou-o em baixo.

As condições melhoraram durante o Verão de 1858. O Whistler recuperou e viajou com o colega Ernest Delannoy através da França e da Renânia. Mais tarde, produziu um grupo de gravuras conhecido como “The French Set”, com a ajuda do mestre de impressão francês Auguste Delâtre. Durante esse ano, pintou o seu primeiro auto-retrato, Retrato de Whistler com Chapéu, uma obra escura e espessa que faz lembrar Rembrandt. Mas o acontecimento de maior consequência nesse ano foi a sua amizade com Henri Fantin-Latour, que ele conheceu no Louvre. Através dele, Whistler foi apresentado ao círculo de Gustave Courbet, que incluía Carolus-Duran (mais tarde professor de John Singer Sargent), Alphonse Legros, e Édouard Manet.

Também neste grupo esteve Charles Baudelaire, cujas ideias e teorias da arte “moderna” influenciaram Whistler. Baudelaire desafiou os artistas a escrutinar a brutalidade da vida e da natureza e a retratá-la fielmente, evitando os velhos temas da mitologia e alegoria. Théophile Gautier, um dos primeiros a explorar qualidades de tradução entre arte e música, pode ter inspirado Whistler a ver a arte em termos musicais.

Londres

Reflectindo a bandeira do realismo do seu círculo adoptado, Whistler pintou a sua primeira obra exposta, La Mere Gerard em 1858. Seguiu-a pintando No Piano em 1859 em Londres, que adoptou como sua casa, ao mesmo tempo que visitava regularmente amigos em França. No Piano é um retrato composto pela sua sobrinha e a sua mãe na sua sala de música londrina, um esforço que demonstrou claramente o seu talento e promessa. Um crítico escreveu, “uma forma imprudentemente ousada e esboçada do tipo mais selvagem e rude, um sentimento genuíno de cor e um esplêndido poder de composição e design, que evoca uma justa apreciação da natureza muito rara entre os artistas”. A obra é pouco sentimental e contrasta efectivamente a mãe de preto e a filha de branco, com outras cores mantidas retidas da forma aconselhada pelo seu professor Gleyre. Foi exibido na Academia Real no ano seguinte, e em muitas exposições que se seguiram.

Numa segunda pintura executada na mesma sala, Whistler demonstrou a sua inclinação natural para a inovação e novidade ao moldar uma cena de género com composição e predilecção invulgares. Mais tarde, foi retitulado Harmony in Green and Rose: A Sala da Música. Esta pintura também demonstrou o padrão de trabalho contínuo de Whistler, especialmente com retratos: um início rápido, grandes ajustamentos, um período de negligência, e depois uma lufada de ar fresco até ao fim.

Após um ano em Londres, como contraponto ao seu conjunto francês de 1858, em 1860, produziu outro conjunto de gravuras chamado Thames Set, bem como algum trabalho impressionista inicial, incluindo The Thames in Ice. Nesta fase, começava a estabelecer a sua técnica de harmonia tonal com base numa paleta limitada e pré-determinada.

Em 1861, depois de regressar a Paris por algum tempo, Whistler pintou a sua primeira obra famosa, Sinfonia em Branco, Nº 1: A Menina Branca. O retrato da sua amante e gerente de negócios Joanna Hiffernan foi criado como um simples estudo em branco; no entanto, outros viram-no de forma diferente. A crítica Jules-Antoine Castagnary considerou o quadro uma alegoria da inocência perdida de uma nova noiva. Outros relacionaram-na com A Mulher de Branco de Wilkie Collins, um romance popular da época, ou várias outras fontes literárias. Em Inglaterra, alguns consideraram-na uma pintura à maneira pré-rafaelita. Na pintura, Hiffernan segura um lírio na mão esquerda e coloca-se sobre um tapete de pele de urso (interpretado por alguns para representar masculinidade e luxúria) com a cabeça do urso a olhar ameaçadoramente para o espectador. O retrato foi recusado para exposição na conservadora Academia Real, mas foi exibido numa galeria privada sob o título A Mulher de Branco. Em 1863 foi exibido no Salon des Refusés em Paris, um evento patrocinado pelo Imperador Napoleão III para a exposição de obras rejeitadas do Salon.

A pintura de Whistler foi amplamente notada, embora perturbada pela pintura mais chocante de Manet Le déjeuner sur l”herbe. Contrariando as críticas dos tradicionalistas, os apoiantes de Whistler insistiram que a pintura era “uma aparição com um conteúdo espiritual” e que ela simbolizava a sua teoria de que a arte deveria preocupar-se essencialmente com a disposição das cores em harmonia, e não com um retrato literal do mundo natural.

Dois anos mais tarde, Whistler pintou outro retrato de Hiffernan em branco, desta vez mostrando o seu novo interesse pelos motivos asiáticos, que intitulou The Little White Girl. A sua Senhora da Terra Lijsen e The Golden Screen, ambos concluídos em 1864, retratam novamente a sua amante, com um vestido e ambiente asiático ainda mais enfático. Durante este período Whistler tornou-se próximo de Gustave Courbet, o primeiro líder da escola realista francesa, mas quando Hiffernan modelou o nu para Courbet, Whistler ficou furioso e a sua relação com Hiffernan começou a desmoronar-se. Em Janeiro de 1864, a mãe muito religiosa e muito própria de Whistler chegou a Londres, perturbando a existência boémia do seu filho e exacerbando temporariamente as tensões familiares. Como escreveu a Henri Fantin-Latour, “General upheaval! tive de esvaziar a minha casa e purificá-la da cave para o beiral”. Ele também mudou imediatamente Hiffernan para outro local.

Nocturnos

Em 1866, Whistler decidiu visitar Valparaíso, Chile, uma viagem que intrigou os estudiosos, embora Whistler tenha declarado que o tinha feito por razões políticas. O Chile estava em guerra com Espanha e talvez Whistler tenha considerado uma luta heróica de uma nação pequena contra uma nação maior, mas nenhuma prova sustenta essa teoria. O que a viagem produziu foi as três primeiras pinturas nocturnas de Whistler – a que ele chamou “luzes da lua” e mais tarde voltou a chamar “nocturnas” – cenas nocturnas do porto pintadas com uma paleta azul ou verde claro. Depois de regressar a Londres, pintou várias outras nocturnas nos dez anos seguintes, muitas do rio Tamisa e dos Jardins de Cremorne, um parque de prazer famoso pelas suas frequentes exibições de fogo-de-artifício, o que representou um novo desafio para pintar. Nas suas nocturnas marítimas, Whistler utilizou tinta altamente fina como solo com uma cor levemente flácida para sugerir navios, luzes, e linha de costa. Algumas das pinturas do Tamisa também mostram semelhanças composicionais e temáticas com as gravuras japonesas de Hiroshige.

Em 1872, Whistler creditou o seu patrono Frederick Leyland, um músico amador dedicado a Chopin, pelos seus títulos de inspiração musical.

Digo que não posso agradecer-vos demasiado pelo nome ”Nocturne” como título para as minhas luzes da lua! Não imaginam a irritação que isso prova para os críticos e o consequente prazer para mim – para além de ser realmente tão encantador e dizer tudo o que quero dizer e não mais do que desejo!

Nessa altura, Whistler pintou outro auto-retrato e intitulou-o Arranjo em Cinza: Retrato do Pintor (c. 1872), e também começou a retitular muitas das suas obras anteriores usando termos associados à música, tais como “nocturno”, “sinfonia”, “harmonia”, “estudo” ou “arranjo”, para enfatizar as qualidades tonais e a composição e para desfatizar o conteúdo narrativo. As nocturnas de Whistler foram uma das suas obras mais inovadoras. Além disso, a sua apresentação de várias nocturnas ao negociante de arte Paul Durand-Ruel após a Guerra Franco-Prussiana deu a Whistler a oportunidade de explicar a sua evolução “teoria na arte” a artistas, compradores, e críticos em França. O seu bom amigo Fantin-Latour, cada vez mais reaccionário nas suas opiniões, especialmente na sua negatividade em relação à escola impressionista emergente, considerou as novas obras de Whistler surpreendentes e confusas. Fantin-Latour admitiu: “Não compreendo nada aí; é bizarro como se muda. Já não o reconheço”. A sua relação estava quase no fim nessa altura, mas continuaram a partilhar opiniões em correspondência ocasional. Quando Edgar Degas convidou Whistler para expor com a primeira exposição dos impressionistas em 1874, Whistler recusou o convite, tal como Manet, e alguns estudiosos atribuíram isto em parte à influência de Fantin-Latour sobre ambos os homens.

Retratos

A Guerra Franco-Prussiana de 1870 fragmentou a comunidade artística francesa. Muitos artistas refugiaram-se em Inglaterra, juntando-se a Whistler, incluindo Camille Pissarro e Monet, enquanto Manet e Degas permaneceram em França. Tal como Whistler, Monet e Pissarro concentraram ambos os seus esforços nas vistas da cidade, e é provável que Whistler tenha sido exposto à evolução do Impressionismo fundado por estes artistas e que tenham visto as suas nocturnas. Whistler estava a afastar-se do “maldito realismo” de Courbet e a sua amizade tinha murchado, tal como a sua ligação com Joanna Hiffernan.

Em 1871, Whistler regressou aos retratos e logo produziu a sua pintura mais famosa, a figura quase monocromática de comprimento total intitulada Arranjo em Cinzento e Preto No.1, mas geralmente referida como a Mãe de Whistler. Um modelo não apareceu um dia, de acordo com uma carta da sua mãe, por isso Whistler virou-se para a sua mãe e sugeriu-lhe que fizesse o retrato dela. No início, ele tinha a posição dela, à sua maneira tipicamente lenta e experimental, mas isso revelou-se demasiado cansativo, pelo que a pose sentada foi adoptada. Foram necessárias dezenas de sessões para completar.

O retrato austero na sua paleta normalmente limitada é outro exercício de Whistler em harmonia tonal e composição. O desenho enganosamente simples é de facto um acto de equilíbrio de diferentes formas, particularmente os rectângulos de cortina, imagem na parede, e chão que estabilizam a curva do seu rosto, vestido, e cadeira. Whistler comentou que a narrativa da pintura era de pouca importância, mas a pintura estava também a prestar homenagem à sua piedosa mãe. Após o choque inicial da sua mudança com o seu filho, ela ajudou-o consideravelmente, estabilizando um pouco o seu comportamento, tendendo às suas necessidades domésticas, e proporcionando uma aura de respeitabilidade conservadora que ajudou a conquistar os patrões.

O público reagiu negativamente ao quadro, principalmente devido à sua simplicidade anti-vitoriana durante uma época em Inglaterra em que o sentimentalismo e a decoração flamboyant estavam em voga. Os críticos consideravam a pintura uma “experiência” falhada em vez de arte. A Academia Real rejeitou-a, mas depois aceitou-a com relutância após a pressão de Sir William Boxall – mas penduraram-na num local desfavorável na sua exposição.

Desde o início, a Mãe de Whistler provocou reacções variadas, incluindo paródia, ridicularização e reverência, que continuaram até hoje. Alguns viram-no como “o sentimento digno da velhice”, “um sentimento grave de luto”, ou um “símbolo perfeito da maternidade”; outros utilizaram-no como um veículo adequado para o escárnio. Tem sido satirizado em infinitas variações em cartões e revistas de saudação, e por personagens de desenhos animados como o Pato Donald e Bullwinkle, o Alce. O Whistler fez a sua parte na promoção da imagem e na popularização da imagem. Exibiu-a frequentemente e autorizou as primeiras reproduções que se tornaram realidade em milhares de lares. O quadro escapou por pouco de ser queimado num incêndio a bordo de um comboio durante o transporte marítimo. Foi finalmente adquirida pelo governo francês, a primeira obra de Whistler numa colecção pública, e está agora alojada no Musée d”Orsay em Paris.

Durante a Depressão, o quadro foi facturado como um quadro de “milhão de dólares” e foi um grande sucesso na Feira Mundial de Chicago. Foi aceite como um ícone universal da maternidade pelo público mundial, que não estava particularmente consciente ou preocupado com as teorias estéticas de Whistler. Em reconhecimento do seu estatuto e popularidade, os Estados Unidos emitiram um selo postal em 1934, com uma adaptação do quadro. Em 2015, o crítico nova-iorquino Peter Schjeldahl escreveu que este “continua a ser a obra americana mais importante a residir fora dos Estados Unidos”. Martha Tedeschi escreve:

A mãe de Whistler, o gótico americano de Wood, a Mona Lisa de Leonardo da Vinci e o The Scream de Edvard Munch conseguiram todos algo que a maioria das pinturas – independentemente da sua importância histórica, beleza ou valor monetário – não conseguiram: comunicam um significado específico quase imediatamente a quase todos os espectadores. Estas poucas obras fizeram com sucesso a transição do reino de elite do visitante do museu para o enorme local da cultura popular.

Outros retratos

Outros retratos importantes de Whistler incluem os de Thomas Carlyle (historiador,1873), Maud Franklin (sua amante, 1876), Cicely Alexander (filha de um banqueiro londrino, 1873), Lady Meux (socialite, 1882), e Théodore Duret (crítico, 1884). Na década de 1870, Whistler pintou retratos completos de F.R. Leyland e da sua esposa Frances. Leyland encarregou posteriormente o artista de decorar a sua sala de jantar (ver Peacock Room, abaixo).

Whistler tinha ficado desapontado com a aceitação irregular das suas obras para as exposições da Academia Real e com a má colocação e enforcamento dos seus quadros. Em resposta, Whistler encenou a sua primeira exposição individual em 1874. A exposição foi notável e notada, contudo, pelo design e decoração do salão de Whistler, que se harmonizou bem com as pinturas, de acordo com as suas teorias de arte. Um revisor escreveu: “O visitante fica impressionado, ao entrar na galeria, com um curioso sentido de harmonia e aptidão que a permeia, e está mais interessado, talvez, no efeito geral do que em qualquer obra”.

Whistler não foi um pintor de retratos tão bem sucedido como o outro famoso expatriado americano John Singer Sargent. A técnica de Whistler e a sua relutância em lisonjear os seus sitters, bem como a sua notoriedade, podem explicar isto. Ele também trabalhou muito lentamente e exigiu sessões extraordinariamente longas. William Merritt Chase queixou-se da sua sessão para um retrato de Whistler: “Ele provou ser um verdadeiro tirano, pintando todos os dias até ao crepúsculo, enquanto os meus membros doíam de cansaço e a minha cabeça nadava vertiginosamente. “Não se mexa! Não te mexas!” ele gritava sempre que eu começava a descansar”. Na altura em que ganhou aceitação generalizada nos anos 1890, Whistler já tinha ultrapassado o seu auge como pintor de retratos.

A abordagem de Whistler ao retrato na sua maturidade tardia foi descrita por um dos seus assistentes, Arthur J. Eddy, que posou para o artista em 1894:

Trabalhava com grande rapidez e longas horas, mas usava as suas cores finas e cobria a tela com inúmeras camadas de tinta. As cores aumentavam em profundidade e intensidade à medida que o trabalho avançava. No início, toda a figura era pintada em tons de castanho acinzentado, com muito pouca cor de carne, misturando-se perfeitamente com o castanho acinzentado da tela preparada; depois todo o fundo era intensificado um pouco; depois a figura tornou-se um pouco mais forte; depois o fundo, e assim sucessivamente de dia para dia e de semana para semana, e muitas vezes de mês para mês… E assim o retrato cresceria realmente, desenvolver-se-ia realmente como um todo, muito como um negativo sob a acção dos químicos sai gradualmente – luz, sombras, e tudo desde as primeiras indicações ténues até aos seus valores completos. Era como se o retrato estivesse escondido dentro da tela e o mestre ao passar as suas varinhas dia após dia sobre a superfície evocasse a imagem.

Impressão

Whistler produziu numerosas gravuras, litografias, e pontos secos. As suas litografias, algumas desenhadas em pedra, outras desenhadas directamente em papel “litográfico”, são talvez metade tão numerosas como as suas gravuras. Algumas das litografias são de figuras ligeiramente drapeadas; duas ou três das mais finas são de temas do Tamisa – incluindo uma “nocturna” no Limehouse; enquanto outras retratam o Faubourg Saint-Germain em Paris, e igrejas georgianas no Soho e Bloomsbury em Londres.

As gravuras incluem retratos de família, amantes, e cenas íntimas de rua em Londres e Veneza. O Whistler ganhou uma enorme reputação como gravador. Martin Hardie escreveu “há alguns que o colocam ao lado de Rembrandt, talvez acima de Rembrandt, como o maior mestre de todos os tempos”. Pessoalmente, prefiro considerá-los como o Júpiter e Vénus, os maiores e mais brilhantes entre os planetas do céu do gravador”. Ele teve muito cuidado com a impressão das suas gravuras e com a escolha do papel. No início e fim da sua carreira, colocou grande ênfase na limpeza da linha, embora num período intermédio tenha experimentado mais com a tinta e o uso do tom de superfície.

Assinatura de borboletas e definições de pintura

A famosa assinatura borboleta de Whistler desenvolveu-se pela primeira vez na década de 1860 por causa do seu interesse na arte asiática. Estudou as marcas do oleiro na porcelana que tinha começado a recolher e decidiu desenhar um monograma das suas iniciais. Com o tempo, este evoluiu para a forma de uma borboleta abstracta. Por volta de 1880, acrescentou um ferrão à imagem da borboleta para criar uma marca representando tanto a sua natureza gentil e sensível como o seu espírito provocador e animado. Ele teve muito cuidado na colocação apropriada da imagem tanto nas suas pinturas como nas suas molduras feitas à sua medida. O seu foco na importância do equilíbrio e harmonia estendeu-se para além da moldura para a colocação das suas pinturas nos seus ambientes, e para além da concepção de todo um elemento arquitectónico, como na Sala Peacock.

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A Sala Peacock

Harmonia em Azul e Ouro: A Sala Peacock é a obra-prima de Whistler da arte mural decorativa interior. Ele pintou sobre a sala original em painéis desenhada por Thomas Jeckyll (1827-1881), numa paleta unificada de azuis-verdes brilhantes com sobrecobrimento de vidro e folha metálica dourada. Pintado em 1876-1877, é agora considerado um alto exemplo do estilo anglo-japonês. Frederick Leyland deixou a sala ao cuidado de Whistler para fazer pequenas alterações, “para harmonizar” a sala cujo objectivo principal era exibir a colecção de porcelanas de Leyland. Whistler deixou a sua imaginação correr solta, no entanto: “Bem, sabes, acabei de pintar em cima. Continuei – sem desenho ou esboço – a colocar em cada toque com tanta liberdade … E a harmonia em azul e ouro a desenvolver-se, sabes, esqueci tudo na minha alegria”. Pintou por completo mais de 1.000 libras esterlinas em revestimentos de paredes de couro de Córdova do século XVI, trazidos pela primeira vez para a Grã-Bretanha por Catarina de Aragão, pela qual Leyland tinha pago 1.000 libras esterlinas.

Tendo adquirido a peça central da sala, a pintura de Whistler de A Princesa do País da Porcelana, o industrial e esteta americano Charles Lang Freer comprou a sala inteira em 1904 aos herdeiros de Leyland, incluindo a filha de Leyland e o seu marido, o artista britânico Val Prinsep. Freer mandou então instalar o conteúdo do Quarto Peacock na sua mansão de Detroit. Após a morte de Freer em 1919, The Peacock Room foi permanentemente instalado na Freer Gallery of Art no Smithsonian em Washington, D.C. A galeria foi aberta ao público em 1923. Uma grande caricatura pintada por Whistler de Leyland retratando-o como um pavão antropomórfico tocando um piano, e intitulada The Gold Scab Scab: Eruption in Frilthy Lucre – um trocadilho sobre o gosto de Leyland por frisos de camisa – está agora na colecção dos Museus de Belas Artes de São Francisco.

Ensaio Ruskin

Em 1877 Whistler processou o crítico John Ruskin por difamação depois de o crítico ter condenado a sua pintura Nocturne in Black and Gold: O Foguete em Queda. Whistler expôs o trabalho na Grosvenor Gallery, uma alternativa à exposição da Royal Academy, juntamente com obras de Edward Burne-Jones e outros artistas. Ruskin, que tinha sido campeão dos Pré-Rafaelitas e J. M. W. Turner, reviu a obra de Whistler na sua publicação Fors Clavigera a 2 de Julho de 1877. Ruskin elogiou Burne-Jones, enquanto ele atacava Whistler:

Para o próprio bem do Sr. Whistler, nada menos que para a protecção do comprador, Sir Coutts Lindsay não deveria ter admitido obras na galeria em que a presunção mal educada do artista quase abordou o aspecto da impostura intencional. Já vi, e já ouvi, muito do descaramento de Cockney; mas nunca esperei ouvir uma coxcomb pedir duzentos guinéus por atirar um pote de tinta à cara do público.

Whistler, ao ver o ataque no jornal, respondeu ao seu amigo George Boughton: “É o estilo de crítica mais degradado que já me atirei”. Depois foi ter com o seu advogado e redigiu um mandado de difamação que foi servido a Ruskin. Whistler esperava recuperar £1,000 mais os custos da acção. O caso chegou a julgamento no ano seguinte, após os atrasos causados pelas crises de doença mental de Ruskin, enquanto a condição financeira de Whistler continuava a deteriorar-se. Foi ouvido na Divisão do Tesouro do Supremo Tribunal a 25 e 26 de Novembro de 1878 perante o Barão Huddleston e um júri especial. Advogado de John Ruskin, Procurador-Geral Sir John Holker, contra-interrogou Whistler:

Holker: “O que é o tema de Nocturno em Preto e Ouro: O Foguete em Queda”?

Whistler tinha contado com muitos artistas para tomar o seu lado como testemunhas, mas eles recusaram, temendo prejudicar a sua reputação. As outras testemunhas para ele foram pouco convincentes e a reacção do próprio júri ao trabalho foi irrisória. Com as testemunhas de Ruskin mais impressionantes, incluindo Edward Burne-Jones, e com Ruskin ausente por razões médicas, o contra-ataque de Whistler foi ineficaz. No entanto, o júri chegou a um veredicto a favor de Whistler, mas concedeu um mero centavo em danos nominais, e os custos do tribunal foram divididos. O custo do processo, juntamente com enormes dívidas da construção da sua residência (“A Casa Branca” em Tite Street, Chelsea, concebida com E. W. Godwin, 1877-8), levou-o à falência em Maio de 1879, resultando num leilão do seu trabalho, das suas colecções e da sua casa. Stansky nota a ironia de que a Sociedade de Belas Artes de Londres, que tinha organizado uma colecção para pagar as despesas legais de Ruskin, o apoiou na gravura “The Stones of Venice” (e na exibição da série em 1883), que ajudou a recuperar os custos de Whistler.

Whistler publicou o seu relato do julgamento no panfleto Whistler v. Ruskin: Art and Art Critics, incluído no seu posterior The Gentle Art of Making Enemies (1890), em Dezembro de 1878, logo após o julgamento. A grande esperança de Whistler de que a publicidade do julgamento salvasse a sua carreira foi frustrada ao perder em vez de ganhar popularidade entre os patrocinadores por causa disso. Entre os seus credores estava Leyland, que supervisionou a venda dos bens de Whistler. Whistler fez várias caricaturas do seu antigo patrono, incluindo uma pintura satírica mordaz chamada A Sarna de Ouro, logo após Whistler ter declarado falência. Whistler sempre culpou Leyland pela sua ruína financeira.

Após o julgamento, Whistler recebeu uma comissão para fazer doze gravações em Veneza. Aceitou entusiasticamente a tarefa, e chegou à cidade com a namorada Maud, ocupando quartos num palazzo dilapidado que partilhavam com outros artistas, incluindo John Singer Sargent. Embora com saudades de casa para Londres, adaptou-se a Veneza e começou a descobrir o seu carácter. Fez o seu melhor para se distrair da tristeza dos seus assuntos financeiros e da venda pendente de todos os seus bens na Sotheby”s. Foi um convidado regular em festas no consulado americano, e com a sua habitual sagacidade, encantou os convidados com flores verbais tais como “a única virtude positiva do artista é a idleneidade – e são tão poucos os que são dotados para isso”.

Os seus novos amigos relataram, pelo contrário, que Whistler levantou-se cedo e dedicou um dia inteiro de esforço. Escreveu a um amigo: “Aprendi a conhecer uma Veneza em Veneza que os outros parecem nunca ter percebido, e que, se eu trouxer de volta comigo como proponho, irá muito mais do que compensar todos os aborrecimentos atrasos e vexações de espírito”. A missão de três meses estendeu-se a catorze meses. Durante este período excepcionalmente produtivo, Whistler terminou mais de cinquenta gravuras, várias nocturnas, algumas aguarelas, e mais de 100 pastéis – o que ilustrou tanto o estado de espírito de Veneza como os seus finos detalhes arquitectónicos. Além disso, Whistler influenciou a comunidade artística americana em Veneza, especialmente Frank Duveneck (e os “rapazes” de Duveneck) e Robert Blum que emularam a visão de Whistler sobre a cidade e mais tarde espalharam os seus métodos e influência de volta à América.

De volta a Londres, os pastéis venderam-se particularmente bem e ele exclamou: “Eles não são tão bons como eu supunha. Eles estão a vender”! Estava activamente empenhado em exibir o seu outro trabalho, mas com êxito limitado. Embora ainda lutando financeiramente, ficou animado com a atenção e admiração que recebeu da geração mais jovem de pintores ingleses e americanos que o fizeram seu ídolo e avidamente adoptaram o título de “aluno de Whistler”. Muitos deles regressaram à América e espalharam contos sobre o egoísmo provocador de Whistler, a sua sagacidade e pronunciamentos estéticos – estabelecendo a lenda de Whistler, muito para sua satisfação.

Whistler publicou o seu primeiro livro, Ten O”clock Lecture em 1885, uma grande expressão da sua crença na “arte por causa da arte”. Na altura, reinava a noção vitoriana oposta, a saber, que a arte, e na verdade muita da actividade humana, tinha uma função moral ou social. Para Whistler, porém, a arte era o seu próprio fim e a responsabilidade do artista não era para com a sociedade, mas para consigo próprio, de interpretar através da arte, e de não reproduzir nem moralizar o que via. Além disso, afirmou, “a natureza raramente tem razão”, e deve ser melhorada pelo artista, com a sua própria visão.

Embora diferindo de Whistler em vários pontos, incluindo a sua insistência de que a poesia era uma forma de arte superior à pintura, Oscar Wilde foi generoso nos seus elogios e saudou a palestra como uma obra-prima:

não apenas pela sua sátira inteligente e divertida … mas pela beleza pura e perfeita de muitas das suas passagens … por ser de facto um dos maiores mestres da pintura, na minha opinião. E posso acrescentar que, nesta opinião, o próprio Sr. Whistler concorda inteiramente.

Whistler, no entanto, pensou ter sido ridicularizado por Oscar Wilde e, a partir daí, a luta pública conduziu a uma ruptura total da sua amizade, precipitada por um relatório escrito por Herbert Vivian. Mais tarde, Wilde atacou novamente Whistler, baseando o artista assassinado no seu romance O retrato de Dorian Gray depois de Whistler.

Em Janeiro de 1881, Anna Whistler morreu. Em honra da sua mãe, adoptou publicamente o seu nome de solteira McNeill como nome do meio.

Whistler aderiu à Sociedade de Artistas Britânicos em 1884, e a 1 de Junho de 1886 foi eleito presidente. No ano seguinte, durante o Jubileu de Ouro da Rainha Vitória, Whistler apresentou à Rainha, em nome da Sociedade, um elaborado álbum que incluía um longo discurso escrito e ilustrações que ele fez. A Rainha Vitória admirava tanto “a bela e artística iluminação” que decretou a partir de agora, “que a Sociedade deveria ser chamada Royal”. Este feito foi amplamente apreciado pelos membros, mas logo foi ofuscado pela disputa que inevitavelmente surgiu com a Royal Academy of Arts. Whistler propôs que os membros da Royal Society se retirassem da Royal Academy. Isto desencadeou uma rixa dentro das fileiras dos membros que ofuscou todos os outros negócios da sociedade. Em Maio de 1888, nove membros escreveram a Whistler para exigir a sua demissão. Na reunião anual de 4 de Junho, foi derrotado para reeleição por uma votação de 18-19, com nove abstenções. Whistler e 25 apoiantes demitiram-se, enquanto a maioria anti-Whistler (na sua opinião) conseguiu expulsá-lo pelos seus antecedentes de “excentricidades” e “não-ingleses”.

Com a sua relação com Matilde a desvendar, Whistler subitamente propôs e casou com Beatrice Godwin (também chamada ”Beatrix” ou ”Trixie”), uma ex-aluna e viúva do seu arquitecto Edward William Godwin. Através da sua amizade com Godwin, Whistler tinha-se tornado próximo de Beatrice, que Whistler pintou no retrato completo intitulado Harmony in Red: Lamplight (GLAHA 46315). No Verão de 1888, Whistler e Beatrice apareceram em público como um casal. Num jantar, Louise Jopling e Henry Labouchère insistiram que deveriam casar antes do final da semana.

A cerimónia de casamento foi organizada; como membro do Parlamento, Labouchère providenciou que o Capelão da Câmara dos Comuns se casasse com o casal. Não foi dada publicidade à cerimónia para evitar a possibilidade de uma Matilde Franklin furiosa interromper a cerimónia de casamento. O casamento teve lugar a 11 de Agosto de 1888, tendo a cerimónia contado com a presença de um repórter do Pall Mall Gazette, para que o evento recebesse publicidade. O casal partiu pouco depois para Paris, para evitar qualquer risco de uma cena com Matilde.

A reputação de Whistler em Londres e Paris estava a aumentar e ele ganhou críticas positivas de críticos e novas comissões. O seu livro The Gentle Art of Making Enemies foi publicado em 1890 para um sucesso misto, mas proporcionou uma publicidade útil.

Em 1890, conheceu Charles Lang Freer, que se tornou um patrono valioso na América e, por fim, o seu mais importante coleccionador. Por esta altura, para além do retrato, Whistler experimentou a fotografia a cores e a litografia, criando uma série com a arquitectura londrina e a figura humana, na sua maioria nus femininos. Contribuiu com as três primeiras das suas litografias Songs of Stone para The Whirlwind, uma revista neo-jacobita publicada pelo seu amigo Herbert Vivian. Whistler tinha conhecido Vivian no final dos anos 1880, quando ambos eram membros da Ordem da Rosa Branca, a primeira das sociedades Neo-Jacobitas. Em 1891, com a ajuda do seu amigo próximo Stéphane Mallarmé, a Mãe de Whistler foi comprada pelo governo francês por 4.000 francos. Isto foi muito menos do que um coleccionador americano poderia ter pago, mas isso não teria sido tão prestigioso pela conta de Whistler.

Depois de uma recepção indiferente ao seu espectáculo a solo em Londres, com a sua maior parte nocturna, Whistler decidiu abruptamente que já estava farto de Londres. Ele e Trixie mudaram-se para Paris em 1892 e residiram na rue du Bac n° 110, Paris, com o seu estúdio no topo da rue Notre Dame des Champs 86 em Montparnasse. Sentiu-se acolhido por Monet, Auguste Rodin, Henri de Toulouse-Lautrec, e por Stéphane Mallarmé, e montou um grande estúdio. Estava no topo da sua carreira quando foi descoberto que Trixie tinha cancro. Regressaram a Londres em Fevereiro de 1896, ocupando quartos no Hotel Savoy, enquanto procuravam tratamento médico. Ele fez desenhos em papel de transferência litográfica da vista do rio Tamisa, da janela ou varanda do hotel, enquanto se sentava com ela.

Em 1899, Charles Freer apresentou Whistler ao seu amigo e companheiro de negócios Richard Albert Canfield, que se tornou um amigo pessoal e patrono de Whistler. Canfield era proprietário de várias casas de jogo da moda em Nova Iorque, Rhode Island, Saratoga Springs e Newport, e era também um homem de cultura com gostos refinados na arte. Era proprietário dos primeiros móveis americanos e Chippendale, tapeçarias, porcelana chinesa e bronzes Barye, e possuía a segunda maior e mais importante colecção de Whistler do mundo antes da sua morte em 1914. Em Maio de 1901, Canfield encomendou um retrato de Whistler; começou a posar para Retrato de Richard A. Canfield (YMSM 547) em Março de 1902. De acordo com Alexander Gardiner, Canfield voltou à Europa para se sentar para Whistler no Ano Novo em 1903, e sentou-se todos os dias até 16 de Maio de 1903. Whistler estava doente e frágil nesta altura e o trabalho foi o seu último retrato completo. O ar enganador de respeitabilidade que o retrato deu a Canfield levou Whistler a chamar-lhe “Sua Reverência”. Os dois homens estiveram em correspondência desde 1901 até à morte de Whistler. Alguns meses antes da sua própria morte, Canfield vendeu a sua colecção de gravuras, litografias, desenhos e pinturas de Whistler ao negociante de arte americano Roland F. Knoedler por 300.000 dólares. Três das pinturas de Canfield Whistler estão penduradas no Museu Frick, em Nova Iorque.

Nos últimos sete anos da sua vida, Whistler fez algumas paisagens marinhas minimalistas em aguarela e um auto-retrato final em óleo. Ele correspondia com os seus muitos amigos e colegas. Whistler fundou uma escola de arte em 1898, mas a sua fraca saúde e as suas aparições pouco frequentes levaram ao seu encerramento em 1901. Morreu em Londres a 17 de Julho de 1903, seis dias após o seu 69º aniversário. Está enterrado no antigo cemitério de Chiswick, no oeste de Londres, adjacente à Igreja de St Nicholas, Chiswick.

Whistler foi objecto de uma biografia de 1908 pelos seus amigos, o marido e a mulher da equipa de Joseph Pennell e Elizabeth Robins Pennell, gravador e crítica de arte, respectivamente. A vasta colecção de material de Whistler da Pennells foi legada à Biblioteca do Congresso. Todo o espólio do artista foi deixado à sua cunhada Rosalind Birnie Philip. Ela passou o resto da sua vida a defender a sua reputação e a gerir a sua arte e efeitos, grande parte dos quais acabou por ser doada à Universidade de Glasgow.

Whistler tinha um aspecto distinto, curto e ligeiro, com olhos penetrantes e bigode encaracolado, muitas vezes com um monóculo e o traje vistoso de um dandy. Atingiu uma postura de auto-confiança e excentricidade. Era frequentemente arrogante e egoísta para com os amigos e patronos. Um constante auto-promotor e egoísta, ele apreciava amigos e inimigos chocantes. Embora se pudesse babar e ser petulante sobre assuntos sociais e políticos, sempre foi sério sobre a arte e frequentemente convidava a controvérsia e o debate público para argumentar a favor das suas teorias fortemente defendidas.

Whistler tinha uma voz aguda e atrativa e uma maneira única de falar, cheia de pausas calculadas. Um amigo disse: “Num segundo descobre que ele não está a falar – ele está a esboçar em palavras, dando impressões em som e sentido para ser interpretado pelo ouvinte”.

Whistler era bem conhecido pela sua sagacidade, especialmente em trocas com o seu amigo e rival Oscar Wilde. Ambos eram figuras da sociedade de Café de Paris, e eram frequentemente a “conversa da cidade”. Apareciam frequentemente como caricaturas em Punch, para seu divertimento mútuo. Numa ocasião, o jovem Oscar Wilde assistiu a um dos jantares de Whistler, e ao ouvir o seu anfitrião fazer um comentário brilhante, aparentemente disse: “Quem me dera ter dito isso”, ao qual Whistler ripostou: “Tu vais, Oscar, tu vais! Na verdade, Wilde repetiu em público muitos gracejos criados por Whistler. A sua relação foi azedada por meados da década de 1880, quando Whistler se virou contra Wilde e o Movimento Estético. Quando Wilde foi publicamente reconhecido como homossexual em 1895, Whistler escarneceu abertamente dele. Whistler revelou-se na preparação e gestão dos seus encontros sociais. Como convidado, observou Whistler:

Conheceu-se o melhor da Sociedade – as pessoas com cérebros, e aqueles que tinham o suficiente para os apreciar. O Whistler era um anfitrião inimitável. Adorava ser o Sol à volta do qual giravam as luzes menores … Todos estavam sob a sua influência, e em consequência disso ninguém se aborrecia, ninguém se aborrecia.

Em Paris Whistler era amigo de membros do círculo simbolista de artistas, escritores e poetas que incluíam Stéphane Mallarmé Schwob tinha conhecido Whistler em meados da década de 1890 através de Stéphane Mallarmé que tinham outros amigos mútuos, incluindo Oscar Wilde (até argumentarem) e o cunhado de Whistler, Charles Whibley.

Para além de Henri Fantin-Latour, Alphonse Legros, e Courbet, Whistler foi amigável com muitos outros artistas franceses. Ilustrou o livro “Les Chauves-Souris” com Antonio de La Gandara. Também conheceu os impressionistas, nomeadamente Édouard Manet, Monet, e Edgar Degas. Como jovem artista, manteve uma estreita amizade com Dante Gabriel Rossetti, membro da Irmandade Pré-Rafaelita. As suas estreitas amizades com Monet e o poeta Stéphane Mallarmé, que traduziu a Palestra Ten O”Clock para francês, ajudaram a reforçar o respeito pelo Whistler por parte do público francês. Whistler foi amigo dos seus colegas no estúdio da Gleyre, incluindo Ignace Schott, cujo filho Leon Dabo Whistler mais tarde seria o mentor.

A amante de Whistler e modelo para The White Girl, Joanna Hiffernan, também posou para Gustave Courbet. Os historiadores especulam que Courbet a usou como modelo para a sua pintura erótica L”Origine du monde, possivelmente levando à ruptura da amizade entre Whistler e Courbet. Durante a década de 1870 e grande parte da década de 1880, ele viveu com a sua amante modelo, Maud Franklin. A sua capacidade de suportar as suas longas e repetitivas sessões ajudou Whistler a desenvolver as suas capacidades de retrato. Whistler teve vários filhos ilegítimos, dos quais Charles Hanson é o melhor documentado. Depois de se separar da sua amante Joanna Hiffernan, ela ajudou a criar o filho de Whistler, Charles James Whistler Hanson (1870-1935), resultado de um caso com uma empregada de salão, Louisa Fanny Hanson. Pela sua amante de direito comum, Maud Franklin Whistler teve duas filhas: Ione (nascida por volta de 1877) e Maud McNeill Whistler Franklin (nascida em 1879). Por vezes referiu-se a si própria como “Sra. Whistler”, e no censo de 1881 deu o seu nome como “Mary M. Whistler”.

Em 1888, Whistler casou com Beatrice Godwin, (que foi chamada ”Beatrix” ou ”Trixie” por Whistler). Ela era viúva do arquitecto E. W. Godwin, que tinha desenhado a Casa Branca de Whistler. Beatrix era a filha do escultor John Birnie Philip e da sua esposa Frances Black. Beatrix e as suas irmãs Rosalind Birnie Philip e Ethel Whibley posaram para muitas das pinturas e desenhos de Whistler; com Ethel Whibley a modelar para Mãe de Pérola e Prata: A Andaluza (1888-1900). Os primeiros cinco anos do seu casamento foram muito felizes, mas a sua vida posterior foi uma época de miséria para o casal, devido à sua doença e eventual morte por cancro. Perto do fim, ela ficou em coma durante grande parte do tempo, completamente subjugada pela morfina, dada para o alívio da dor. A sua morte foi um forte golpe que Whistler nunca superou.

Whistler inspirou-se e incorporou muitas fontes na sua arte, incluindo o trabalho de Rembrandt, Velázquez, e a antiga escultura grega para desenvolver o seu próprio estilo altamente influente e individual. Era perito em muitos meios, com mais de 500 pinturas, assim como gravuras, pastéis, aguarelas, desenhos, e litografias. Whistler foi um líder no Movimento Estético, promovendo, escrevendo e dando palestras sobre a filosofia “arte pela arte”. Com os seus alunos, ele defendia o desenho simples, a economia de meios, o evitar da técnica demasiado trabalhada, e a harmonia tonal do resultado final. Whistler tem sido tema de muitas grandes exposições, estudos e publicações de museus. Tal como os impressionistas, ele empregou a natureza como um recurso artístico. Whistler insistiu que era obrigação do artista interpretar o que via, não ser um escravo da realidade, e “fazer emergir do caos uma harmonia gloriosa”.

Durante a sua vida, ele afectou duas gerações de artistas, na Europa e nos Estados Unidos. Whistler teve um contacto significativo e trocou ideias e ideais com pintores Realistas, Impressionistas, e Simbolistas. Entre os protégés famosos, durante algum tempo, contam-se Walter Sickert e o escritor Oscar Wilde. O seu Tonalismo teve um efeito profundo em muitos artistas americanos, incluindo John Singer Sargent, William Merritt Chase, Henry Salem Hubbell e Willis Seaver Adams (a quem fez amizade em Veneza). Outra influência significativa foi sobre Arthur Frank Mathews, que Whistler conheceu em Paris no final da década de 1890. Mathews levou o Tonalismo de Whistler para São Francisco, desovando uma ampla utilização dessa técnica entre os artistas do virar do século na Califórnia. Como escreveu o crítico americano Charles Caffin em 1907:

Ele fez melhor do que atrair alguns seguidores e imitadores; ele influenciou todo o mundo da arte. Conscientemente, ou inconscientemente, a sua presença é sentida em inúmeros estúdios; a sua genialidade permeia o pensamento artístico moderno.

Durante uma viagem a Veneza em 1880, Whistler criou uma série de gravuras e pastéis que não só revigoraram as suas finanças, mas também reacenderam a forma como artistas e fotógrafos interpretaram a cidade – centrando-se nos becos traseiros, canais laterais, vias de entrada, e padrões arquitectónicos – e capturando a atmosfera única da cidade.

Em 1940 Whistler foi comemorado num selo postal dos Estados Unidos quando os Correios dos EUA emitiram um conjunto de 35 selos comemorativos dos famosos Autores, Poetas, Educadores, Cientistas, Compositores, Artistas, e Inventores: a ”Série Americanos Famosos”.

A opereta de Gilbert e Sullivan Paciência diverte-se no movimento Estético, e o personagem principal de Reginald Bunthorne é muitas vezes identificado como um enviado de Oscar Wilde, embora Bunthorne seja mais provavelmente uma amálgama de vários artistas, escritores, e figuras Estéticas proeminentes. Bunthorne usa um monóculo e tem madeixas brancas proeminentes no seu cabelo escuro, como fez Whistler.

Whistler era a artista favorita da cantora e actriz Doris Day. Possuía e exibia uma gravura original de Whistler”s Rotherhithe, e duas das suas litografias originais, The Steps, Luxembourg Gardens, Paris e The Pantheon, do Terraço dos Jardins do Luxemburgo.

A casa em que Whistler nasceu é agora preservada como Museu de Arte de Whistler House. Está enterrado na Igreja de St. Nicholas, Chiswick.

Whistler alcançou o reconhecimento mundial durante a sua vida:

Uma estátua de James McNeill Whistler de Nicholas Dimbleby foi erguida em 2005 na extremidade norte da Ponte de Battersea no rio Tamisa, no Reino Unido.

Em 27 de Outubro de 2010, as Galerias Swann estabeleceram um preço recorde para uma estampa Whistler em leilão, quando Nocturne, uma gravura e ponto seco impressa em preto sobre papel japonês quente e creme, 1879-80 vendido por $282.000.

Fontes primárias

Fontes