Jasper Johns

gigatos | Janeiro 25, 2022

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Resumo

Jasper Johns (Augusta, 15 de Maio de 1930) é um pintor e escultor americano que é considerado um dos maiores expoentes de New Dada juntamente com o artista Robert Rauschenberg.

Os primeiros anos

Johns nasceu em 1930 em Augusta, Geórgia, mas cresceu em Allendale, Carolina do Sul, com os seus avós e tios após o divórcio dos seus pais. A respeito deste período da sua vida, ele diria mais tarde: “onde cresci não havia artistas e não havia arte, por isso não sabia realmente o que isso significava. Pensei que isso significava que eu estaria numa situação diferente da que estava. Numa entrevista no início dos anos 60, diz que aos três anos de idade começou a desenhar e nunca mais parou, e que aos cinco anos de idade decidiu tornar-se artista. Estudou na Colômbia (Carolina do Sul) até ao quarto ano das escolas primárias, depois mudou-se entre estados com a sua mãe, padrasto e meio-irmão, terminando o seu ensino superior em Sumter (Carolina do Sul). Entre 1947 e 1948 frequentou a Universidade da Carolina do Sul durante um total de três semestres, depois a convite dos seus próprios professores de arte mudou-se para Nova Iorque, onde estudou na Parsons School of Design durante um semestre em 1949. Trabalhou depois como estafeta e vendedor.

No início dos anos 50, Johns serviu no exército e foi também enviado para o campo em Sendai, Japão, para a Guerra da Coreia, regressando a Nova Iorque em 1953. Regressou a Nova Iorque em 1953. Com uma bolsa de estudos para veteranos, inscreveu-se no Hunter College, mas após um acidente no primeiro dia, desistiu. Entre 1953 e 1954, trabalhou na Marboro Books. Graças à escritora Suzi Gablick, ele conheceu o artista Robert Rauschenberg, com quem desenvolveu uma longa amizade e influência artística. Em 1954 Johns também conheceu os compositores Morton Feldman e John Cage (com quem regressou ao Japão alguns anos mais tarde) e a bailarina e coreógrafa Merce Cunningham.

Em meados da década, o artista decidiu destruir todas as suas obras anteriores (até compraria de volta as que tinha vendido para se livrar delas) e apenas quatro delas conseguiram sobreviver: esta acção correspondeu ao início de um novo período para o artista, de uma mudança radical e de um renascimento. Assim, concebeu um estilo artístico original e pessoal, em contraste com o estilo gestual e energético do chamado Expressionismo Abstracto, que contribuiria para o nascimento de movimentos como a Arte Pop, o Minimalismo e a Arte Conceptual. Produziu o primeiro Target com Quatro Faces, a primeira série de Números 1, 2, 5 e 7, e a primeira Bandeira Branca, que foi seguida ao longo dos anos por numerosas outras versões que foram quebradas, invertidas, multiplicadas ou dessaturadas sob a forma de pinturas, gravuras e desenhos. Utiliza ícones e temas claros e impessoais para se concentrar na técnica de fazer e manusear o trabalho.

Em 1955 ele e Rauschenberg fundaram a empresa Matson Jones – Custom Display, na qual trabalharam como designers de montras, por exemplo para a Tiffany&Co e Bonwit Teller no ano seguinte. A Bandeira Branca foi exposta como parte de uma destas exposições.

Em Maio de 1957, Johns participou numa exposição colectiva na Galeria Leo Castelli, e em 1958 expôs novamente o seu trabalho numa exposição individual na mesma galeria. Alfred Barr, o primeiro director do MoMA – Museum of Modern Art em Nova Iorque, ficou impressionado com Target with Plaster Casts (1955), apesar de ter sido objecto de debate e crítica antes de ser exibido por ser considerado demasiado provocador para ser exibido num museu. O museu de Nova Iorque comprou três das obras do artista. Target with Four Faces apareceu na capa da conhecida revista Artnews. Em 1958, as obras de Johns foram exibidas pela primeira vez na Europa, por ocasião da 29ª Bienal de Veneza. O artista começou a deixar a sua marca na cena artística americana e europeia; em 1959 expôs em Paris e Milão. Também em 1958, criou as suas primeiras esculturas em metal, Flashlight I e Lightclub I.

Após o sucesso da sua exposição individual de 1958 na Castelli”s, Johns decidiu enveredar por um novo caminho. Este começou com False Start (1959), em que o artista passou de uma pintura encáustica para uma pintura a óleo em favor de uma pincelada multicamadas e mais inconstante. Barr ficou intrigado com este novo trabalho, pois a distribuição da cor era muito semelhante à arte expressionista abstrata, à qual Johns tinha sido sempre hostil.

Os anos sessenta

No início dos anos 60, o artista começou a interessar-se pelo motivo do mapa dos Estados Unidos (também o tema de várias versões posteriores como a bandeira) e pelo tema das impressões do corpo humano; também começou a trabalhar com o bronze na escultura. Em 1961, viajou para a Europa pela primeira vez quando as suas obras foram expostas na Galerie Rive Droite em Paris e mais tarde participou na exposição Le Nouveau Réalisme à Paris et à New York, realizada na mesma galeria. Em contraste com o seu período anterior, a sua arte torna-se mais autobiográfica, mais complexa e mais desorientadora. Em muitos quadros utilizou extensivamente a cor cinzenta (também em homenagem ao pintor René Magritte), como por exemplo em Tela (1956) e Alfabeto Cinzento (1956) em que predomina um nível de expressão melancólico.

Nos trabalhos desta década ele incluiu mais frequentemente linhas, escalas de cor ou termómetros que transmitiam a ideia de medição, como se pode ver no Periscópio (1963). Durante estes anos, colaborou com o escritor e curador de arte Frank O”Hara, com quem organizou uma colecção de imagens e poemas, e também citou um dos seus poemas em In Memory of My Feelings – Frank O”Hara (1961). Em 1963 participou na exposição Pop Art USA no Oakland Art Museum na Califórnia e tornou-se um dos chefes fundadores da Foundation for Contemporany Performance Arts Inc. Em 1964 criou a sua maior obra até à data que, segundo Kirk Varnedoe, constitui um compêndio de toda a sua obra de arte.

No mesmo ano, realizou uma retrospectiva de mais de 170 das suas obras no Museu Judaico em Nova Iorque, que foi depois repetida em Inglaterra e na Califórnia, e participou na XXXII Bienal de Veneza e na Documenta III em Kassel. Finalmente, em 1964, no Dia da Bandeira, o negociante de arte Leo Castelli decidiu apresentar ao Presidente John Kennedy uma versão de bronze da Bandeira (1960), uma escolha que Johns achou horrível ao vê-la como uma instrumentalização da sua arte. Em 1969, o artista publicou Thoughts on Duchamp in Art in America e mais tarde recebeu um grau honorário em Clássicos da Universidade da Carolina do Sul. No final da década, o historiador de arte Max Kozloff publicou uma monografia sobre ele intitulada Jasper Johns.

1970s

Entre 1974 e 1982, as chamadas escotilhas cruzadas tornaram-se o padrão principal das suas pinturas. Aparece pela primeira vez em Untitled (1972), mas é melhor representado por Scent (1973-1974), no qual se manifesta o crescente interesse do artista pelas técnicas gráficas, combinado neste trabalho com temas de sexualidade e morte. Os mesmos temas podem ser encontrados no seu próximo trabalho, Between the Clock and the Bed (1981), que foi inspirado na pintura de Edvard Munch com o mesmo nome. Em 1973, conheceu o dramaturgo Samuel Beckett em Paris para discutir uma possível colaboração na produção do livro de arte Foirades

Na segunda metade da década, realizou uma grande retrospectiva no Museu Whitney em Nova Iorque, que foi posteriormente replicada em Colónia, Paris, Londres, Tóquio e São Francisco. Posteriormente, o museu de Nova Iorque comprou a Three Flags por um milhão de dólares, o montante mais elevado alguma vez pago por um artista americano vivo até essa altura, e durante a década de 1980 as obras de Johns atingiriam constantemente preços muito elevados. Em 1978 foi eleito Académico Honorário da Accademia delle arti del disegno em Florença (e mais tarde Académico Emérito em 1987 e 1993). Entre 1979 e 1981 voltou a utilizar objectos como facas, garfos e colheres nas suas criações, e também se interessou por novas formas de representação objectiva, tais como motivos tântricos.

1980s

A partir dos anos 1980, as suas obras começaram a caracterizar-se por uma forte abordagem psicológica e privada, como se pode ver, por exemplo, em In the Studio (1982), Perilous Night (1982) e Racing Thoughts (1983), em que o artista se refere a uma perturbação mental que o afligiu durante este período. O seu estilo de pintura também mudou, com a introdução de imagens em dupla leitura, citações de outros artistas e efeitos trompe l”œil. Entre 1980 e 1982 tornou-se membro da Académie Royale des Beaux-Arts em Estocolmo e da Academia Americana de Artes e Ciências em Boston. Entre 1985 e 1986 pintou Four Seasons, tradicionalmente reconhecida como a era da vida, que expôs pela primeira vez na Galeria Leo Castelli na West Broadway e mais tarde ganhou o grande prémio na Bienal de Veneza de 1988. Em 1989 foi nomeado o 38º membro do Salão da Fama da Carolina do Sul, um prémio reservado às figuras mais ilustres do seu país, e foi introduzido na Academia Americana de Artes e Letras. É também o tema do documentário Jasper Johns: Ideas in Paint de Rick Tejada-Flores (1989).

Últimos anos

Durante os anos 90, foi-lhe atribuído vários prémios, incluindo a Medalha Nacional das Artes, que lhe foi entregue na Casa Branca pelo Presidente dos EUA George Bush em 1990. Realizou várias exposições: uma retrospectiva no MoMA em Nova Iorque com paragens subsequentes em Colónia e Tóquio (1996-1997), Jasper Johns: New Paintings and Works on Paper no San Francisco Museum of Modern Art seguido de exposições na Galeria de Arte da Universidade de Yale e no Museum of Art em Dallas (1999), uma exposição no Walker Art Center que continuou noutros centros nos Estados Unidos, Espanha, Escócia e Irlanda (2003), e finalmente Jasper Johns: Prints from the Low Road Studio at the Galleria di Castelli (2004).

No final do século, abriu-se uma nova fase da sua pintura, tendente ao “esvaziamento” da superfície pictórica. Isto pode ser visto, por exemplo, na sua série Catenária (1999), na qual o título catenária indica a curva criada pelo efeito da gravidade de um fio fixado nas suas extremidades, de modo que nas várias obras os fios, reais ou pintados, atravessam a superfície e são o único objecto dentro da tela. Nos últimos anos Johns reformou-se principalmente para Sharon (Connecticut) e para a ilha de Saint Martin nas Índias Ocidentais Francesas, onde é proprietário de um estúdio construído para ele pelo arquitecto Philip Johnson.

Há várias formas de enquadrar o artista. Em primeiro lugar, Johns é considerado como um dos principais expoentes da New Dada, um movimento artístico americano que recorre à arte Dada do início do século e, tal como ela, incorpora os chamados ready-mades duchampianos (ou seja, objectos retirados da realidade) na obra de arte. Esta corrente é também muito próxima do Nouveau Réalisme francês contemporâneo, no qual são utilizados objectos retirados da vida quotidiana mais banal. A inclusão do ready-made no trabalho é, portanto, também uma solução para o problema da representação do real e do ordinário. O próprio artista diz que as suas criações contêm objectos que se podem ver mas que na realidade não se podem ver.

A utilização de objectos mal manipulados que são simplesmente inseridos na obra está também ligada ao facto de Johns rejeitar a arte do Expressionismo Abstracto, e por isso pretende reduzir ao mínimo a componente gestual da sua intervenção, favorecendo os aspectos formais e constitutivos da própria imagem. Esta posição hostil já se manifesta na obra “Target with Plaster Casts” onde a presença de moldes de peças do corpo humano poderia aludir à suposta oposição entre arte “abstracta” e “figurativa”. A pintura com duas bolas também actua como um ataque ao mito da pintura americana ligada à geração de artistas como Jackson Pollock e Willem de Kooning: as duas bolas pintadas aludem de facto a uma descrição irónica de si próprio, contra a virilidade típica ostentada de forma teatral por outros artistas americanos.

Finalmente, ele é considerado o artista que iniciou a Pop Art, mas sem ter consciência disso.

Outra característica da sua arte é que mantém aberta a questão da distinção ou ligação entre realidade e representação, imagem real e imagem pintada; de facto, muitas das suas obras, começando por Bandeiras, caracterizam-se por uma apresentação destacada e tautológica de um objecto comum cujos limites coincidem com os limites da tela. O que interessa ao artista é a intensidade com que o que já é conhecido sobre o objecto influencia o que vemos nele; ele próprio não precisa de um modelo para pintar uma bandeira ou um alvo, uma vez que a ideia que tem do objecto na sua mente é suficiente. Assim, as suas obras com bandeiras, cartas ou alvos em particular jogam sobre a ambivalência entre o próprio objecto e a sua representação. Muito frequentemente, ao referir-se às suas Bandeiras, faz a pergunta retórica: “É uma bandeira ou um quadro?”.

Encaustic

Encaustic é uma técnica que o artista utiliza frequentemente para criar as suas obras. Datam do antigo Egipto e consiste na mistura de pigmentos e cera derretida no que é conhecido como encaustificação, à qual Johns normalmente acrescenta pedaços de tecido ou recortes de jornais. O resultado final delimita o figurativo, mas mantém traços visíveis da manipulação do artista, da tecelagem dos tecidos ou dos textos impressos no papel, permitindo que a obra se abra a múltiplos níveis de interpretação entre a apresentação e a representação de uma imagem. A superfície das obras é sedutora e fascinante, bem como nova, original e actual no contexto da arte americana nos anos em que Johns as utilizou.

Tradicionalmente, a chamada cera Púnica utilizada para pintura encáustica é obtida fervendo cera quente em água do mar, à qual se adiciona depois água, cal apagada e cola; a mistura dissolvida em água e ainda quente é vertida sobre a tinta e imediatamente misturada, espalhada sobre a obra, deixada a secar, e finalmente aquecida de novo para permitir que os pigmentos reapareçam na superfície. Esta técnica permite a adição de qualquer tipo de pigmento e não necessita de um tempo de viragem muito rápido; é também muito duradoura uma vez que a cera não está sujeita a oxidação.

Obras

Fontes