Jean Dubuffet

gigatos | Janeiro 5, 2022

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Resumo

Jean Dubuffet, nascido em 31 de Julho de 1901 em Le Havre e falecido em 12 de Maio de 1985 em Paris 6e, foi um pintor, escultor e artista visual francês, o primeiro teórico de um estilo de arte ao qual deu o nome de “art brut”, produções de pessoas marginais ou doentes mentais: pinturas, esculturas, caligrafias, das quais admite ter sido em grande parte inspirado por ele próprio

A 20 de Outubro de 1944, a primeira “exposição notável” em Paris libertada foi das suas obras na galeria René Drouin, quando ainda era um pintor desconhecido, causando um verdadeiro escândalo. Foi também autor de críticas vigorosas à cultura dominante, nomeadamente no seu ensaio, Cultura asfixiante (1968), que criou uma polémica no mundo da arte. Por ocasião da primeira exposição da sua colecção Art Brut, que organizou em 1949, escreveu um tratado, L”Art brut préféré aux arts culturels.

Oficialmente impulsionado para a vanguarda da cena artística por uma retrospectiva de 400 pinturas, guaches, desenhos e esculturas, que teve lugar no Musée des Arts Décoratifs em Paris de 16 de Dezembro de 1960 a 25 de Fevereiro de 1961, o artista francês mais contestado e admirado do período pós-guerra criou o evento do início do ano. Ele tornou-se a inspiração para muitos artistas, seguidores de “outra arte”, uma variante da art brut, incluindo Antoni Tàpies, bem como seguidores de protestos artísticos, como o grupo espanhol Equipo Crónica.

O seu trabalho consiste em pinturas, montagens muitas vezes erradamente chamadas colagens, esculturas e monumentos, os mais espectaculares dos quais fazem parte de um grupo, L”Hourloupe (1962-1974), bem como arquitectura: a casa mais próxima de Falbala e a vila de Falbala. Tem sido objecto de retrospectivas no Palazzo Grassi em Veneza e no Museu Solomon R. Guggenheim.

A sua colecção pessoal, a Collection de l”Art Brut, que desde 1945 tinha reunido artistas descobertos nas prisões, asilos e pessoas marginalizadas de todos os tipos, e que era então propriedade da Compagnie de l”Art Brut fundada em 1948, deveria ter permanecido em Paris. Mas a procrastinação da administração francesa levou Dubuffet a aceitar a oferta da cidade de Lausanne na Suíça, onde a colecção foi instalada no Château de Beaulieu e doada definitivamente.

Ele era considerado indesejável, processual e atractivo, e muitas vezes discutia com aqueles que o rodeavam. Antes da morte de Dubuffet em 1985, Jean-Louis Prat teve grande dificuldade em organizar a retrospectiva de 150 pinturas do artista, que se realizou finalmente de 6 de Julho a 6 de Outubro na Fundação Maeght.

Por outro lado, foi generoso, como testemunham os seus amigos Alexandre Vialatte, Alphonse Chave e Philippe Dereux, e as numerosas doações que fez durante a sua vida, incluindo um conjunto de 21 pinturas, 7 esculturas e 132 desenhos da sua colecção pessoal para o Musée des Arts Décoratifs em Paris.

O homem que procura

Filho de Charles-Alexandre Dubuffet e Jeanne-Léonie Paillette, ricos comerciantes de vinho, Jean Dubuffet pertence à boa burguesia do Havre. Entrou no Lycée du Havre onde fez todos os seus estudos secundários. Entre os estudantes do liceu contam-se Armand Salacrou, Georges Limbour e Raymond Queneau. Dubuffet não era apaixonado pelos seus estudos. Preferiu desenhar e matriculou-se na Ecole des Beaux-Arts em Le Havre no segundo ano do ensino secundário, onde os seus antigos alunos incluíam Georges Braque, Raoul Dufy e Othon Friesz. No Verão de 1917, teve aulas com Hélène Guinepied, em Saint-Moré (Yonne), que ensinou o seu método de desenho livre em grande escala, conhecido como o Método Helguy, e cujos alunos incluíam Gaston Chaissac.

Depois de passar o seu bacharelato, inscreveu-se na Académie Julian em Paris. Quando percebeu que preferia aprender por conta própria, deixou a academia e montou um estúdio na rue de la Chaussée-d”Antin, 37, num edifício da empresa familiar. Suzanne Valadon e Élie Lascaux apresentaram-no a Max Jacob, Charles-Albert Cingria e Roger Vitrac. Embora tenha conhecido Fernand Léger, André Masson e Juan Gris, Dubuffet escolheu viver como um recluso, estudando línguas. Também tentou a sua mão na literatura e na música e dispersou-se.

“Estava à procura da ”entrada”. Mas não me pareceu correcto; tive a impressão de não estar adaptado à minha condição humana, tive no fundo uma espécie de angústia de que tudo isto não pesava muito.

Viajou para Itália e Suíça, procurando o seu caminho. Está convencido de que a arte ocidental está a morrer sob a proliferação de referências mais ou menos académicas: “A pintura pós-guerra é de facto uma reacção contra a ousadia do início do século”. Decide dedicar-se ao comércio, e após uma viagem de negócios a Buenos Aires, regressa a Le Havre onde trabalha no negócio do seu pai. Casou-se com Paulette Bret (1906-1999) em 1927 e decidiu estabelecer-se em Bercy, onde fundou um negócio de vinhos por grosso. Mas depois de uma viagem à Holanda em 1931, o seu gosto pela pintura voltou e alugou um estúdio na rue du Val-de-Grâce, onde trabalhava regularmente. A partir de 1934, pôs o seu negócio sob gestão e dedicou-se a novas experiências artísticas. Ele estava à procura de uma nova forma de expressão. Começou a fazer bonecos e máscaras esculpidas a partir de estampas faciais. Montou a sua oficina no 34, rue Lhomond e planeia tornar-se um artista de fantoches.

Na realidade, Dubuffet foi autodidacta, o que explica a sua curiosidade pelas descobertas de artistas “não culturais”, pela “arte dos tolos”, e a sua revolta contra a arte museológica, o que lhe valeu muitas inimizades nascidas de muitas batalhas.

“A ideia de que alguns factos pobres e algumas obras pobres de tempos passados que foram preservados são necessariamente os melhores e mais importantes desses tempos é ingénua. A sua preservação resulta apenas do facto de um pequeno cenáculo os ter escolhido e aplaudido, eliminando todos os outros.

Desencorajado, Dubuffet retomou a sua actividade comercial em 1937. Divorciou-se de Paulette em 1935. Em 1937, casou-se com Émilie Carlu, que nasceu a 23 de Novembro de 1902 em Tubersent e morreu em 1988 em Cucq, dois anos após ter retomado a sua actividade comercial, em 1939, e nesse mesmo ano foi mobilizado para o Ministério da Aviação em Paris. Mas foi logo enviado para Rochefort por indisciplina. No momento do êxodo, refugiou-se no Céret, onde foi desmobilizado. Retomou os seus negócios em Paris em 1940. Mas em 1942, decidiu, pela terceira vez, dedicar-se exclusivamente à pintura. Dubuffet era um pintor “quase clandestino”, de acordo com Gaëtan Picon.

Produziu vários quadros, o primeiro dos quais verdadeiramente importante foi Les Gardes du corps, um óleo sobre tela (113 × 89 cm, colecção privada), considerado como o ponto de partida da obra. No final desse ano, o seu amigo Georges Limbour, que comprou Les Gardes du corps, tirou-o da sua “clandestinidade”, apresentando-o a Jean Paulhan. Dubuffet, que acaba de se mudar para um novo estúdio em 114 bis, rue de Vaugirard, já produziu uma série de quadros, nomeadamente guaches: Les Musiciennes (65 × 47 cm). Através de Jean Paulhan, participa na exposição “Le Nu dans l”art contemporain” na Galerie Drouin, com Femme assise aux persiennes (Maio de 1943), um óleo sobre tela (73 × 68 cm), e na mesma galeria, em Julho, apresenta Vingt et un paysages e Paysage herbeux et terreux.

Os guarda-costas marcam uma ruptura brusca na pintura do artista, afastando-se da preocupação pela semelhança das suas pinturas anteriores. Esta obra é considerada por Gaëtan Picon como “espíritos no limiar da obra para anunciar o seu espírito, bandeiras altas marcadas com o seu signo”.

O outro trabalho notável é Métro (Março de 1943), um óleo sobre tela (162 × 180 cm), mostrando homens e mulheres espremidos juntos como arenques, com narizes enormes e chapéus engraçados. Dubuffet escolheu cores cruas que foram rapidamente aplicadas à tela. “O artista, que sempre teve a ambição de pintar o homem de fato, planeia fazer um pequeno álbum sobre este tema, composto por litografias, cujo texto será escrito por Jean Paulhan. Sobre este tema, ele fará uma série de óleos e guaches, por vezes isolando dois caracteres. O seu outro tema de inspiração foi a multidão, que ele iniciou com La Rue (Março de 1943), um óleo sobre tela (92 × 73 cm), que foi exposto na Galeria Drouin em 1944 e em Janeiro de 1950 na Galeria Pierre Matisse em Nova Iorque. Mais tarde retomou este tema num novo estilo com a Rue passagère (1961), óleo sobre tela (129,3 × 161,7 cm).

A primeira exposição individual de Dubuffet na Galeria René Drouin, então localizada na 17 Place Vendôme, incluía 55 óleos e 24 litografias datadas de Outubro de 1944.

As obras de Dubuffet exibidas entre 1944 e 1947 na Galerie Drouin eram coloridas, “bárbaras” e delirantes, e alguns amadores estavam apaixonados por elas, enquanto a maioria do público chorava provocação e impostura. As seguintes exposições: “Mirobolus, Macadame et Cie”, “Hautes Pâtes”, receberam a mesma recepção controversa. Dubuffet responde aos detractores:

“É verdade que a forma de desenhar é, nestes quadros expostos, bastante livre de qualquer habilidade acordada, tal como se está habituado a encontrar em quadros feitos por pintores profissionais, e de tal forma que não são necessários estudos especiais ou presentes congénitos para executar tais quadros. É verdade que os traçados não foram executados com cuidado e meticulosidade, mas dão a impressão de negligência. Finalmente, é verdade que muitas pessoas sentirão no início um sentimento de pavor e aversão quando virem estas pinturas.

O artista, que tem um sólido conhecimento da arte (estudou no Beaux-Arts em Le Havre), mantém a sua postura anti-cultural. Nestas exposições, apresenta obras que brincam com a falta de jeito, o rabisco, a matéria prima onde está a origem da arte. Estas obras fazem lembrar os desenhos das crianças e também, para Dubuffet, a importância das obras dos doentes mentais, das quais ele é um grande coleccionador e das quais admite ter sido inspirado. Hautes Pâtes” apresenta obras em cores escuras, lamacentas ou em pasta espessa.

“É verdade que as cores destas pinturas não são as cores brilhantes e em choque que estão actualmente em voga, mas são mantidas em registos monocromáticos e compostos e, por assim dizer, em faixas tonais indizíveis.

Na verdade, Dubuffet não procura agradar. Nem sequer tentou vender, uma vez que foi libertado de todas as necessidades materiais pela fortuna da família. Ele procurou e procurou, em busca de um novo caminho plástico que alguns poucos iniciados raros apreciaram muito. Francis Ponge, Paulhan, Limbour, e em breve outros, como André Breton, apoiariam a sua abordagem. Mas entretanto, a 20 de Outubro de 1945, “a primeira exposição de notas em Paris libertada na Galerie Drouin foi a de um artista desconhecido, Dubuffet, cuja falta de jeito deliberadamente provocou um escândalo de que não se via há muito tempo. A galeria recebeu cartas anónimas, o livro de visitas foi coberto de insultos.

Evolução do pintor

É apenas sob esta forma que o artista concebe a criação. Dubuffet rejeita a ideia de dom, o privilégio vocacional e as suas implicações. Sem dúvida que o presente é substituído por “trabalho”, do qual ele dá uma definição particular. Mas é sobretudo o facto de um artista poder ter uma “mão feliz” que lhe parece importante:

“Um pintor que sumariamente mancha um tom claro sobre um tom escuro anterior, ou o inverso, e de tal forma que os caprichos do pincel trazem a parte de baixo, obterá, mas na condição de ter uma mão feliz, uma mão encantada, um resultado muito mais eficaz do que outro pintor que se desgasta combinando, durante semanas a fio, tonalidades vizinhas que foram laboriosamente acordadas.

De 1947 a 1949, Dubuffet fez três viagens ao Sara, nomeadamente ao El Goléa, atraído por uma “ardósia limpa” de que o artista precisava para completar o seu “descondicionamento”. Pois apesar dos seus esforços para se libertar de toda a influência, Dubuffet ainda se deparou com certos limites, nomeadamente o escândalo furioso causado pelas suas exposições. No deserto, ele encontrou o “nada” sobre o qual podia construir. Deste período provém Marabout, Arabe, entravé de chameau (Camelo agachado, Pegadas na Areia, desenho com caneta e tinta (16 × 14,5 cm).

A partir da sua terceira viagem, pintou paisagens: Paysage blanc (Paisagem com três figuras) (Paysage pêle-mêle (1949), óleo sobre tela (116 × 89 cm). Também produziu três cadernos de esboços de “admirável destreza”: El Goléa I, II e III, alguns dos quais ele doou ao MoMa: Arabe, marabutis e Traços na areia (1948), tinta sobre papel, El Goléa II (20 × 16,2).

Em Prospectus aux amateurs de tous genres, o artista fala destes ”materiais mágicos que parecem ter uma vontade própria e muito mais poder do que as intenções concertadas do artista”. Todo o esforço do artista é dirigido para o descondicionamento. Pois ele não pode negar, aos quarenta anos de idade, que recebeu este condicionamento. Ele deve lutar contra o Ocidente e os valores do século XX. No início dos anos 60, numa carta ao crítico de arte italiano Renato Barilli, ele recusou-se a ser confundido com os pintores materiais que tinham simplesmente seguido o seu trabalho a partir de 1950, cujo efeito de choque em Nova Iorque e Paris foi muito grande. Ele próprio abandonou esta direcção que, do seu ponto de vista, se estava a tornar convencional.

Em 1947, o artista realizou uma exposição dos retratos dos seus amigos que realizou entre 1945 e 1947: Retratos de Dubuffet, uma série de retratos de artistas incluindo Francis Ponge, Jean Paulhan, Georges Limbour, Paul Léautaud, Jean Fautrier, Henri Michaux, Antonin Artaud, André Dhôtel, Charles-Albert Cingria, Henri Calet, Jules Supervielle e muitos outros, num estilo que André Pieyre de Mandiargues descreveu como “ternura bárbara”:

“Retratando os seus amigos com uma ternura bárbara, ele espeta-os na parede! Inscritos como se por uma ponta de prego no reboco esfumaçado, eles são os melhores retratos dos tempos modernos”.

A partir de 1945, fez numerosos retratos de Jean Paulhan, com quem trocou uma volumosa correspondência entre 1945 e 1968, que o Metropolitan Museum of Art estimou em 27.

Dubuffet considera que um retrato não precisa de mostrar muitas características distintivas da pessoa retratada. Tratou-os num espírito de efígie da pessoa, sem a necessidade de levar a precisão das características muito longe. Ele até usa um processo para evitar a semelhança.

Entre 1950 e 1951, houve poucas inovações nas técnicas do pintor, com excepção das suas “pinturas de emulsão”. O corpo de trabalho principal é uma série de paisagens, Paysage grotesque violâtre, (Março de 1949), gouache (20 × 26 cm), Musée des Arts Décoratifs, Paris, e sobretudo a série de Corps de dames, em que a cabeça é apenas uma pequena excrescência, enquanto o corpo está desproporcionadamente inchado. O tema é tratado com diferentes materiais, em desenhos com tinta indiana, caneta e calamus (1950, 27 × 31 cm), Fondation Beyeler Basel. Mas também em aguarela e óleo sobre tela: Corps de dame, pièce de boucherie (1950), óleo sobre tela (116 × 89 cm), Fondation Beyeler, com pernas encurtadas ao extremo. Há também algumas naturezas mortas, as Tables, como se Dubuffet fosse tentado a misturar o humano e a coisa: Le Métafisyx (1950), óleo sobre tela (116 × 89,5 cm) é novamente uma variação sobre os corpos das senhoras cuja forma ele preserva.

A partir de 1951, em Paris e em Nova Iorque, onde viveu de Novembro de 1951 a Abril de 1952, Dubuffet trabalhou em pinturas em alvenaria pesada, em triturações de pasta espessa com relevos. Esta é a série de Sols et terrains, Paysages mentaux.

“Tive a impressão de que algumas destas pinturas resultaram em representações que podem atingir a mente como uma transposição do funcionamento da maquinaria mental. É por isso que lhes chamei Paisagens Mentais. Em muitas das pinturas deste grupo, tenho subsequentemente oscilado continuamente entre a paisagem de betão e a paisagem mental, por vezes aproximando-me de uma, por vezes da outra.

Em 1951, nesse mesmo ano, Dubuffet publicou um livro sobre a pintura de Alfonso Ossorio, com quem se tinha tornado amigo íntimo, e que admirava porque a sua pintura era uma “máquina subtil para transmitir filosofia”. Até 1953, permaneceu sobre este tema do “mental” com Sols et terrains, Terres radieuses, com “pâtes battues”, cores usadas em pastas espessas das quais os jovens artistas americanos se inspirariam. O homem que René Huyghe descreveu como o “Doctor Knock of painting”, este quadro que Henri Jeanson descreveu como “cacaisme” em Le Canard enchaîné, provocou uma renovação técnica que iria abrir um precedente. Os battues Les Pâtes formam uma série de cerca de cinquenta quadros, dos quais poucos permanecem no seu estado primitivo porque Dubuffet percebeu que, ao retrabalhar e completar as suas obras, estava a obter efeitos particulares.

“A técnica consistiu em acariciar ligeiramente a pintura depois de seca, com um pincel largo e plano, com tons, dourado, bistre, que unia tudo. O pincel assim ligeiramente esfregado apenas capta os relevos, deixando as cores da pintura anterior a fundir-se um pouco. Não foi só uma vez que tive de andar com o meu pincel largo sobre o quadro, mas várias vezes. De tudo isto, um fino pó dourado resultou, como que sombrio, alimentado do interior por uma luz estranha.

No ano seguinte, Dubuffet lançou-se em objectos tridimensionais, “esculturas” feitas de um pouco de cada material, fragmentos de elementos naturais, e que mais parecem assemblages que apresentou em Outubro-Novembro na galeria Rive-Gauche, tais como L”Âme du Morvan (1954), madeira de videira e rebentos de videira montados em escória com alcatrão, corda, arame, pregos e agrafos (46,5 × 38,9 × 32,4 cm), Museu Hirshhorn e Jardim de Esculturas. Estas são as Petites statues de la vie précaire (pequenas estátuas de vida precária), concebidas após uma série de assemblages com asas de borboleta, depois uma série de assemblages de pedaços de papel cortado, depois assemblages de estatuária que se aproximam da arte brut com materiais humildes. Estas são pequenas figuras como Le Duc, Le Dépenaillé, feitas de esponjas, carvão, clínquer, raízes, pedra, pedra Volvic, filasso, escória, numa espécie de reabilitação de materiais decrépitos.

No Verão de 1954, a sua esposa estava doente e teve de tomar uma cura em Durtol, no Puy-de-Dôme. Jean alugou lá uma casa e durante este período dedicou-se a paisagens e a uma série de vacas muito bem humoradas, incluindo The Cow with the Subtle Nose, que é mantida no Museu de Arte Moderna de Nova Iorque. No ano seguinte, o casal mudou-se para Vence.

O período de Vence

O próprio pintor descreve a sua mudança para Vence: “No final de Janeiro de 1955, os médicos recomendaram à minha mulher que vivesse em Vence, por isso mudei-me para lá com ela. Tive alguma dificuldade em encontrar instalações adequadas para o meu trabalho. No início tinha apenas um pequeno e apertado estúdio, mas organizei um projecto para montar as impressões em tinta indiana. Este foi um período de pesquisa preliminar para Dubuffet, que levou a uma segunda série de Petit travaux d”ailes de papillons (pequenas obras de asas de borboleta), seguida de Personnages monolithes (figuras monolíticas) e Empreintes de sols (estampas de chão), com as quais o artista fez montagens recortando painéis pintados com antecedência. Ou guarda estes painéis quando gosta deles, o que leva a pinturas como a série Routes et Chaussées, que inclui Sol du chemin très usagé, le jardin de pierres à Vence, óleo sobre tela (89 × 116 cm).

Após dois anos, a investigação de Dubuffet conduziu a outras séries de “terrenos” que ele classificou sob os títulos: “Topografias”, “Texturologias”, “Matériologias”, “Aires et sites”, cujos resultados surpreenderiam mais uma vez o público.

“De todas as investigações que Jean Dubuffet realizou, a série de Texturologias e Matériologias é a que suscitou mais rebeldia e ridicularização. Isto é talvez porque marcou o ponto final (e talvez o mais realizado) das suas experiências sobre o olhar e sobre as coisas. Dubuffet tinha finalmente produzido o que sempre quis: máquinas de sonho com folhas de pó indistintas. Com os Texturologistas, alcançou as alturas dos mais áridos, mas também a abstracção mais poética. Em contraste, com as Matériologias, revelou as virtudes perturbadoras da concretude elementar.

– Daniel Cordier.

Dubuffet fala de “desenho em petit point” ao descrever as suas obras de 1958 a 1959, que são “impressões texturológicas” em papel, “obtidas na sua maioria com tinta preta a óleo, por vezes tomando a forma de redes finas de linhas de intersecção”.

Mais especificamente, a série Texturologia é uma continuação da investigação “Sols et terrains”, iniciada no início dos anos 50. São pinturas a óleo sobre tela que dão o efeito de um material estrelado, tal como Chaussée urbaine mouillée (1957), óleo sobre tela (80 × 100 cm), ou Texturologie XVIII (Fromagée) (1958), óleo sobre tela (81 × 100 cm).

As Matériologias são obras feitas com os materiais mais elaborados. Alguns são feitos de elementos de papel prata amassado e pintado, colados e montados em painéis de isorel. Outras são feitas de triturações espessas de papel-mâché, aplicadas em painéis Isorel ou tela metálica, e algumas delas incluem papel-mâché mastigado em pasta plástica: Joies de la terre, 1959, papel-mâché matizado na massa em tons de sépia clara (130 × 162 cm), Vie minérale ardente (1959), papel prata (54 × 65 cm), Messe de terre (1959), papel-mâché em Isorel (150 × 195 cm).

As obras deste período foram exibidas em Paris no Musée des Arts Décoratifs em 1961, juntamente com outras obras dos seus períodos anteriores. Nesta ocasião, Dubuffet foi mais uma vez “o único artista através do qual o escândalo ainda chega”. Face à retrospectiva, que incluía quatrocentas pinturas gouache, desenhos, esculturas e assemblages, o público e alguns críticos ainda se interrogavam: charlatão ou génio? Dubuffet tinha sessenta anos na altura, a sua investigação prosseguiu em ciclos de prodigioso poder criativo. Algumas pessoas querem ver Dubuffet como um segundo Picasso, tendo os dois artistas em comum a constante renovação dos seus meios de expressão.

Até 1960 e nos anos seguintes, em Vence, a produção de Jean será abundante, encontramos pequenas estátuas em papel prata amassado, ou em papel-mâché colorido na massa com tintas, e por vezes repintadas com óleo, bem como montagens de elementos naturais. Em 1960, Daniel Cordier tornou-se o seu concessionário para a Europa e os Estados Unidos. Dubuffet mudou-se para uma nova casa em Vence, Le Vortex. Viveu agora entre Vence e Paris. Durante o período de Vence, conheceu Philippe Dereux, com quem desenvolveu uma forte amizade, e para quem criou uma grande borboleta de aguarela em memória das “pequenas pinturas de asa de borboleta”.

Durante este período, Dubuffet desenvolveu também uma forte amizade com Alphonse Chave, a quem viu quase todos os dias durante dez anos. Em 1995, a galeria Chave organizou uma exposição retrospectiva, reunindo cartas do artista a Philippe Dereux, textos de Dereux, e do seu amigo muito próximo Alexandre Vialatte, em particular a reprodução de um artigo escrito para o jornal La Montagne em 1959 no qual Vialatte declarou: “A produção de Jean Dubuffet é misteriosa. Uma literatura considerável mas dispendiosa descreve-o, celebra-o, numera-o. Toda a sua obra é uma espécie de contra-sky: uma narrativa cheia de erros ortográficos; erros deliberados e deliberados; ele não o diz, murmura-o, .

Dubuffet novo caminho

A partir de 1962, Dubuffet foi seguido por outros pintores, nomeadamente Antoni Tàpies que vieram para “outra arte”, como Michel Tapié a definiu no seu ensaio homónimo L”Art autre incluant les trouvailles de Dubuffet. Também em 1962, durante o Verão, ficou em Le Touquet-Paris-Plage, na sua nova villa-workshop Le Mirivis, allée des Chevreuils, onde, entre 15 e 25 de Julho, produziu uma série de desenhos em biros vermelhos e azuis, que, juntamente com nomes e textos em jargão imaginário, se tornaram um pequeno livro que deu o título ao ciclo L”Hourloupe (1962-1974). Durante o Verão de 1963, ainda em Le Touquet-Paris-Plage, pintou as grandes paisagens de Pas-de-Calais, incluindo La route d”Étaples. Mais tarde, em 1971, inspirou os manifestantes espanhóis de Equipo Crónica, uma das suas peças bravura é o quadro Celui-là ne m”échappera pas, que mostra o CRS a agarrar impiedosamente uma personagem do estilo Hourloupe. Na década de 1970, Dubuffet também criou “Praticables et costumes” para o espectáculo Coucou Bazar.

Para celebrar o quadragésimo aniversário de Coucou Bazar, o Musée des Arts Décoratifs de Paris exibe os recortes e trajes de Coucou Bazar de 24 a 1 de Outubro de 2013.

O “novo Dubuffet” caracterizou-se também por uma renovação constante. A partir de L”Hourloupe, ele transformaria os desenhos cruzados em pinturas de assemblages recortadas. O pintor deixa claro que estas assemblages não são “colagens como as dos movimentos Dada, Surrealista e Cubista, que consistiam em justapor elementos de objectos não feitos pelos próprios artistas e destinados a uma utilização que não fosse artística. O efeito foi precisamente o resultado do carácter completamente não artístico destes objectos e da surpresa provocada pela sua utilização numa obra de arte. As minhas montagens foram feitas num espírito completamente diferente, uma vez que eram pinturas compostas por peças retiradas de quadros que eu tinha feito anteriormente para este fim. Dubuffet também se tornou escultor, e criou monumentos ou arquitecturas que eram “esculturas habitáveis”.

Em 1964, Dubuffet mostrou o seu recente trabalho no Palazzo Grassi durante a Bienal de Veneza. Separou-se das Matériologias e estudos de terreno para trabalhar o tema do tecido urbano, multidões, todas enredadas em cores vivas e sinuosidades como : Lenda da rua. As obras desta série, que incluem telas, tintas coloridas, esculturas e assemblages, estão agrupadas sob o nome de L”Hourloupe, uma palavra composta pela palavra “loup” e “entourloupe” segundo Jean Louis Ferrier e Yann Le Pichon. São dadas várias interpretações de acordo com as biografias sobre o nascimento deste estilo e a origem do nome que lhe foi dado. O texto da Fundação Dubuffet explica-o da seguinte forma: “A palavra “Hourloupe” era o título de um pequeno livro recentemente publicado em que reproduções de desenhos de esferográfica vermelha e azul, juntamente com um texto em jargão. Associei-o, por assonance, com ”hurler”, ”hululer”, ”loup”, ”Riquet à la Houppe” e o título Le Horla of Maupassant”s book inspirado pela distracção mental.

Gaëtan Picon vê nela uma continuação de Matériologies e Paris-Circus, das quais faz parte Légende de rue, sendo Paris-Circus o conjunto de pinturas sobre multidões e a cidade.

“Enquanto atende o telefone, Jean deixa a sua esferográfica vermelha passar por cima do papel, daí os desenhos semi-automáticos que ele risca com vermelho e azul. Recortando estas figuras, coloca-as depois sobre um fundo preto e desenha um pequeno livro de 26 páginas de texto jargão, cada página decorada com um desenho de biro”.

Dubuffet usou depois listras para juntar as suas figuras. Estes são desenhos dançantes: Principe dansant de l”Hourloupe (1963), óleo sobre tela (Caballero (1965), vinil sobre papel de tela (99 × 68,5 cm). A partir de 1965-1966, começou a fazer recortes pintados e transferências de tintas vinílicas em resina laminada, resultando em volumes aos quais deu o nome de “pinturas monumentais”. Um conjunto de esculturas pintadas expostas de Dezembro de 1968 a Fevereiro de 1969 na Galeria Jeanne Bucher, que publicou um catálogo. Estas esculturas pintadas foram então reunidas por Max Loreau sob o título “Sculptures peintes” no catálogo das obras de Jean Dubuffet, volume 23, com textos de Gaëtan Picon e Jean Dubuffet.

De acordo com Gaëtan Picon, L”Hourloupe “está a uma distância intransponível da art brut”. Dubuffet duvida que isto seja vantajoso para ele, como se lamentasse tantos desvios e tanta pesquisa, como se devesse ter começado ali, como se preferisse que L”Hourloupe fosse um começo e não um fim.

Coucou bazar, apresentado pela primeira vez por ocasião de uma retrospectiva das suas obras no Museu Solomon R. Guggenheim de Maio a Julho de 1973, é um “quadro animado” constituído por um conjunto de “praticáveis” sobre os quais o artista fez uma grande pesquisa baseada nas suas esculturas de L”Hourloupe, mas também em “fantasias de hourloupes”. É um ballet de esculturas, pinturas, trajes hachuradas. A música é de İlhan Mimaroğluu, um compositor turco de música electrónica, a coreografia é de Jean McFaddin. Dubuffet inventa uma espécie de commedia dell”arte cujos actores são as suas próprias esculturas, no estilo hashed out. É como uma espécie de Grand Guignol onde cada elemento se move muito lentamente. Os dançarinos, escondidos no soalho, executam uma espécie de dança macabra para uma sociedade falecida. Algures entre uma cerimónia sacrificial e o teatro Noh, esta animação de esculturas gigantescas é, segundo o seu criador, “uma reanimação das artes estáticas”, das quais Dubuffet diz que “a pintura pode ser uma máquina subtil para transmitir filosofia”.

A partir de 1966, Dubuffet passou para as criações de volume. No início, estes eram objectos: cadeiras, telefones, árvores de mobiliário com gavetas, mesas. Depois edifícios: La Tour aux figures (classificado como monumento histórico), a Castelet l”Hourloupe, Château bleu, Jardin d”hiver. Do Tour aux figures, Dubuffet diz: “Paradoxalmente erguido como um monumento pesado e maciço, são os caminhos sonhadores do pensamento que estes gráficos traduzem.

As esculturas e instalações são “pinturas monumentais”: L”Aléatoire (Borne au Logos V) (1966), poliéster (100 × 50 × 50 cm). Esta transição para o volume é o avatar decisivo da sua obra, com expansões em poliéster colorido. Sempre quis “sair do quadro” e abandonar o óleo para tintas vinílicas e marcadores. Aprendeu a dominar o poliestireno, poliéster, epoxi, betão pulverizado e tintas de poliuretano.

Em 1967, Dubuffet iniciou a construção do Gabinete Logológico, que mais tarde foi instalado na Villa Falbala, que foi construída para o albergar. A Closerie Falbala, um edifício classificado, e a Villa Falbala formam um todo que Dubuffet construiu e expandiu a partir de 1970. No ano seguinte, construiu o modelo do Jardim do Esmalte, que foi concluído em 1974. Entretanto, em Périgny-sur-Yerres, o artista ampliou o seu espaço e construiu novas oficinas onde trabalhou na criação do Grupo de Quatro Árvores, encomendado pelo banqueiro David Rockefeller do Chase Manhattan Bank em Nova Iorque, para decorar a Praça Chase Manhattan. Estas esculturas epoxídicas foram inauguradas em 1972.

No mesmo período, entre 1968 e 1970, trabalhou no Jardim de Inverno, uma escultura habitável mantida no Centre national d”art et de culture Georges-Pompidou, cujo visual e descrição podem ser encontrados no aviso do Centro Virtual Pompidou.

Em 1974, a Régie Renault encarregou-o de criar uma exposição de Verão, cujos trabalhos tiveram início em 1975 nos edifícios da Renault em Boulogne-Billancourt. Este episódio seria tempestuoso, tal como resumido no jornal Libération. Tendo os trabalhos sido interrompidos por ordem do novo presidente da Régie, Jean Dubuffet iniciou um julgamento que conduziu a um recurso, uma cassação e que terminou em 1983, segundo o Libération, em 1981, segundo o Collectif de l”exposition de Carcassonne. Jean não continuou o trabalho do Salon d”automne. Teve outras comissões, nomeadamente o Manoir d”Essor para o Museu da Louisiana em Humlebæk, Dinamarca, que completou em 1982.

Em 1983, Dubuffet inaugurou o seu Monumento ao Fantasma em Houston, Texas, que tinha construído em 1977 no Discovery Green de Houston, Texas. Em 1984, inaugurou o famoso Monumento à Besta Permanente em Chicago (Illinois) para o qual tinha concebido o modelo em 1969. No final de 1984, Dubuffet decidiu parar de pintar e em 1985 escreveu a sua Biographie au pas de course.

Jean Dubuffet morreu a 12 de Maio de 1985 no 6º arrondissement de Paris e foi enterrado, com a sua esposa, no cemitério de Tubersent.

Como parte da fundação que criou em Novembro de 1974, Jean Dubuffet comprou um terreno em Périgny-sur-Yerres (Val-de-Marne), onde se encontra o estúdio de Marino di Teana. Muitas das obras de Dubuffet estão armazenadas em Périgny sob os auspícios da fundação, incluindo o modelo da obra que se destinava à Renault Boulogne-Billancourt. A sede da fundação fica em Périgny, mas está também localizada em Paris, na 137, rue de Sèvres, onde oferece abundante documentação.

A colecção de Jean Dubuffet

Em 1922, Jean Dubuffet já estava interessado no trabalho do Dr. Hans Prinzhorn, que tinha recolhido as obras dos seus doentes mentais, constituindo um Museu de Arte Patológica em Heidelberg. Tinha também descoberto a exposição do psiquiatra Walter Morgenthaler, médico chefe da Clínica Waldau, perto de Berna. Em 1923, Dubuffet fez o seu serviço militar no serviço meteorológico da Torre Eiffel ou, de acordo com os seus biógrafos, na companhia meteorológica do Forte de Saint-Cyr. Ele tinha conhecimento dos cadernos ilustrados de Clémentine R. (Clémentine Ripoche), um visionário demente que desenhou e interpretou a configuração das nuvens. Nesse mesmo ano, é fundada em Liège a Federação Espiritualista Internacional. Dubuffet está também interessada em certas obras da colecção de Heidelberg que foram expostas no Kunsthalle em Mannheim. 1923 foi também o ano do internamento de Louis Soutter, cuja obra Dubuffet não descobriria até 1945.

A 28 de Agosto de 1945, Dubuffet chamou “Art Brut” uma forma de arte que ele vinha coleccionando há vários anos, uma forma de arte que incluía tanto a arte dos “loucos” como a das pessoas marginais de todos os tipos: prisioneiros, reclusos, místicos, anarquistas ou rebeldes. Graças aos seus amigos Jean Paulhan e Raymond Queneau, ele descobriu as criações de adultos autodidactas ou psicóticos. E foi Paul Budry, que tinha passado a sua infância em Vevey, que o pôs em contacto com o círculo médico suíço. Dubuffet empreendeu então com Paulhan a sua primeira viagem exploratória de três semanas aos hospitais psiquiátricos suíços. Durante uma segunda viagem à Suíça, e depois de ter trocado numerosas cartas com ele, Dubuffet encontra o psiquiatra de Genebra Georges de Morsier, cuja paciente, Marguerite Burnat-Provins, interessa ao pintor pela sua investigação sobre Art Brut. Em Setembro do mesmo ano, visita Antonin Artaud, depois internado em Rodez. O Doutor Ferdière aconselha-o a visitar o asilo de Saint-Alban-sur-Limagnole onde Auguste Forestier está internado. Visitou outros hospitais psiquiátricos e prisões, conheceu escritores, artistas, editores, bem como curadores de museus e médicos, nomeadamente Le cabinet du professeur Ladame.

A primeira Fascicule de l”art brut intitulada Les Barbus Müller, et Autres pièces de la statuaire provinciale, escrita inteiramente por Jean Dubuffet, é impressa pela livraria Gallimard, mas não é publicada. Foi reimpressa e publicada em Genebra em 1979 pelo Museu Barbier-Mueller.

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A Compagnie de l”art brut e a colecção art brut

Em 1945, Dubuffet publicou Prospectus aux amateurs de tous genres and Notes aux fins lettrés, no qual fez saber que não era fácil inovar atrás de Kandinsky, Klee, Matisse ou Picasso. Propõe-se, portanto, explorar territórios desconhecidos. A partir das superfícies sem forma, “superfícies animadoras, representando aberrações no coro da obra de arte, contando com o acaso”.

Por “art brut”, Dubuffet refere-se à arte produzida por não-profissionais que trabalham fora das normas estéticas aceites, que permaneceram fora do meio artístico, ou que sofreram uma ruptura social e psicológica suficientemente forte para se encontrarem totalmente isolados e começarem a criar.

Dubuffet organizou várias exposições de obras da sua colecção entre 1947 e 1951. Primeiro na cave da Galerie Drouin, que se tornou o Foyer de l”art brut. Então, em 1948, o Foyer foi transferido para um pavilhão da Nouvelle Revue française, 17, rue de l”Université (Paris). O Foyer tornou-se então a Compagnie de l”art brut, cujos membros fundadores foram Jean Dubuffet, André Breton, Jean Paulhan, Charles Ratton, Henri-Pierre Roché, Michel Tapié e Edmond Bomsel, a que mais tarde se juntou Jean Revol. O pintor Slavko Kopač é o curador da Colecção.

O título “Art brut” foi dado pela primeira vez em 1949 a uma exposição da obra de Dubuffet na Galerie Drouin. Nesta ocasião, Dubuffet escreveu o catálogo da exposição, que incluía 200 obras de artistas desconhecidos da sua colecção, e publicou um tratado: L”Art brut préféré aux arts culturels, que causou um escândalo.

“A verdadeira arte está sempre onde não se espera que esteja. Onde ninguém pensa nisso ou diz o seu nome. A arte odeia ser reconhecida e saudada pelo seu nome. Foge imediatamente. A arte é uma personagem apaixonadamente apaixonada pelo incógnito. Assim que é detectado, foge, deixando no seu lugar um laureado que leva nas costas um grande letreiro com a palavra Arte, que todos borrifam imediatamente com champanhe e que os conferencistas levam de cidade em cidade com um anel no nariz.

No prefácio do livro L”Art brut de Michel Thévoz, Jean Dubuffet especifica que a sua colecção é largamente composta por artistas “não standard” mas, de acordo com ele :

“Definir um carácter comum destas produções – alguns tentaram fazê-lo – não faz sentido porque respondem a um número infinito de posições da mente e chaves de transcrição, cada uma com o seu próprio estatuto inventado pelo autor, e o seu único carácter comum é o dom de tomar outros caminhos que não os da arte aprovada.

No mesmo prefácio, Dubuffet adverte contra a concepção errada da loucura, contra o facto de que a inclinação para se desviar das normas culturais ou outras é, aos olhos de uma moralidade social, justificável para o internamento, algo que diz respeito apenas ao psiquiatra.

Em 1952, a empresa mudou-se para os Estados Unidos para East Hampton, Nova Iorque, no condado de Suffolk, em Long Island, para Alfonso Ossorio. Consistia em cerca de mil desenhos, pinturas, objectos e esculturas, a maioria dos quais obra de doentes mentais. Foi mantido em seis quartos no segundo andar da casa grande de Ossorio. Ossorio e Dubuffet encontraram-se pela primeira vez em Paris em 1949, quando o pintor americano-filipino esteve em Londres. Curioso de ver um artista tão depreciativo, Ossorio pediu para ver mais quadros de Dubuffet e formou uma forte amizade com ele. Ossorio, pintor e coleccionador, era muito rico, o que explica a propriedade de luxo em que vivia. Foi muito generoso e organizou várias exposições. Mas Dubuffet avisou-o de que a sua generosidade poderia obscurecer o seu trabalho como pintor, o que era de facto o caso; a sua pintura permaneceria pouco conhecida.

Repatriado para França, onde Dubuffet procurava um local para o expor, a sua colecção foi instalada pela primeira vez em 1962 no edifício da rue de Sèvres 137, que era a sede da Fondation Dubuffet. No ano seguinte, foram adquiridas novas peças e, em 1967, a colecção tinha 5.000 exemplares de cerca de 200 autores. Os desenhos pelo factor Lonné foram adquiridos de imediato, assim como o primeiro quadro por Augustin Lesage. As obras da colecção foram exibidas nesse ano no Musée des Arts Décoratifs em Paris, na mais importante exposição de Art Brut jamais organizada. Foi publicado um catálogo, com Dubuffet a assinar o prefácio, “Place à l”incivisme”, no qual declarou em conclusão: “Não só nos recusamos a reverenciar apenas a arte cultural e a considerar as obras aqui apresentadas menos aceitáveis do que as suas, como sentimos, pelo contrário, que estas obras, fruto da solidão e do puro impulso criativo, são por isso mais preciosas do que as produções profissionais. Em 1964, foram publicados os dois primeiros números da Companhia, nos quais é descrita a vida e obra de todos os artistas da colecção. O público pode assim descobrir Augustin Lesage, The Prisoner of Basel (Joseph G.), Clément, o carteiro Lonné Palanc o escritor, Adolf Wölfli e muitos outros. Estas publicações têm continuado irregularmente até aos dias de hoje, com a publicação do número nº 24.

Dubuffet estava interessado em que a sua colecção permanecesse em Paris. Tinham-lhe sido feitas várias promessas, nenhuma das quais foi cumprida. Face à procrastinação da administração francesa, Dubuffet aceitou finalmente a oferta da cidade de Lausanne, que oferecia condições ideais para a conservação deste tesouro, ao qual nunca escondeu o facto de que a sua arte deve muito.

Foi também em 1971 que foi elaborado um catálogo exaustivo da colecção, listando 4.104 obras de 135 artistas “puros” Art Brut, que Dubuffet teve de distinguir por razões éticas e ideológicas de uma colecção “auxiliar” (chamada “Neuve Invention” em 1982), na qual os artistas estavam mais próximos de uma abordagem profissional, e na qual foram listadas outras 2.000 obras. O trabalho de Jean-Joseph Sanfourche, toca Jean Dubuffet, e durante muitos anos os dois homens mantêm uma relação epistolar. Sanfourche sentiu-se próximo do mestre da arte brutal, como ele explicou em 1980.

A 28 de Fevereiro de 1976, na presença das autoridades municipais, a instalação foi inaugurada em Lausanne, no Château de Beaulieu, uma mansão do século XVIII. Michel Thévoz foi o fiel curador da Collection de l”art brut até 2001.

A influência de Dubuffet

Dubuffet foi o primeiro teórico e o mais importante coleccionador de arte brut, mas também, sob o seu impulso, surgiram várias variações de arte marginal, não convencional, ou lúdica, que têm nomes diferentes mas que são todas variações de arte brut.

Em 1971, Dubuffet conheceu Alain Bourbonnais, um arquitecto, criador e sobretudo um coleccionador com paixão pela arte popular e marginal que, a conselho de Dubuffet, chamou à sua colecção “art hors-normes”. Esta colecção, que começou com artistas indicados por Dubuffet, frequentemente doentes mentais como Aloïse Corbaz, foi-se desviando gradualmente para uma forma de arte mais lúdica. Ele próprio criou os Turbulentos, homens ou mulheres enormes. Ele instala a sua colecção, mais orientada para a arte espontânea, no Atelier Jacob, rue Jacob. Michel Ragon juntou-se à aventura, mas, como ele próprio a descreve, o Atelier Jacob tem o defeito de ser uma galeria de arte. Muitas vezes incomodei-o para escapar ao conformismo e ambiguidade de uma galeria de arte, transformando-a num gabinete de curiosidades. Fez melhor, desde que decidiu criar um conjunto único para as suas colecções: La Fabuloserie. Assim, a oficina de Jacob, muito activa de 1972 a 1982, mudou-se em 1983 para Dicy no departamento de Yonne na região de Burgundy-Franche-Comté, onde se tornou La Fabuloserie, um “museu do campo” instalado em vários edifícios, apresentando uma outra forma de arte forasteira bastante orientada para a arte popular. “A originalidade da investigação de Dubuffet e Bourbonnais foi a descoberta destes “inocentes” que se situam à margem tanto da história do artesanato como da história da arte.

Além disso, duas importantes exposições revelaram arte brutal, arte “não normalizada” e as suas variações ao público em geral. Em 1978, “Les Singuliers de l”art” foi apresentado no ARC (Animation, Recherche, Confrontation), o departamento contemporâneo do Musée d”art moderne de la ville de Paris. Inclui obras plásticas seleccionadas por Suzanne Pagé, Michel Thévoz, Michel Ragon e Alain Bourbonnais. Mas também produções audiovisuais que também mostram os “Habitantes da paisagem”, os “Jardins de trabalho” e os “Construtores do imaginário”, esta exposição dará origem à criação do movimento “Art singulier”. Em Fevereiro de 1979, em Londres, a exposição “Outsiders”, organizada por Roger Cardinal, ofereceu obras que foram mais declives da Art Brut. Na apresentação do catálogo da exposição de Londres, o poeta e galerista Victor Musgrave situa o termo outsider: “Desde Dubuffet chamado art brut (arte bruta), outros o seguiram, como Alain Bourbonnais, com critérios ligeiramente diferentes. Na presente exposição, também nós nos desviámos ligeiramente da arte bruta, mas não muito, com Scottie Wilson e Henry Darger em particular. Estes “forasteiros” farão a ligação com a arte forasteira americana.

Escritos, ilustrações, litografias

Várias técnicas

Corpos e figuras foram um tema de investigação da Dubuffet que levou ao Corps de dames, uma variedade de Nanas que pode ser encontrada nas primeiras obras de Niki de Saint Phalle. A proximidade entre as primeiras obras “personificadas” de Niki e a pintura de Dubuffet foi sublinhada muitas vezes em 2014 durante a exposição do artista franco-americano no Grand Palais em Paris. Le Nouvel Observateur escreveu assim: “A exposição apresenta também pela primeira vez uma escultura monumental em metal, Le Rêve de Diane, onde se pode ler a influência de Jean Dubuffet, por quem Niki tinha grande admiração”. De facto, os corpos das mulheres de Dubuffet são “boas mulheres”, enquanto as figuras ou “retratos” das pessoas são “bons homens” à maneira dos desenhos das crianças. “Os psicanalistas dizem que é preciso matar uma criança para se fazer um adulto. Dubuffet é um dos que escaparam ao massacre ou que não capitularam. Ele continua capaz de reactivar as suas próprias disposições infantis, mas com a formidável eficácia de um adulto, contra as provas culturais”.

Este é um dos períodos mais interessantes da vida do artista que quis, como Daniel Cordier anuncia na introdução ao catálogo, “que a sua obra fosse uma celebração do elementar, do decrépito, do descartado”. Inclui conjuntos de pinturas, tintas chinesas sobre papel, óleos sobre tela, gravuras e litografias. A partir de 1955, o artista classificou as suas obras em categorias: Texturologia, Materiologia, Topografias, Routes et chaussées, que mostram as impressões do material do solo e do terreno, executadas em Vence. Esta série inclui também Les Phénomènes (1958-1962), uma série de litografias sobre o tema dos solos e terrenos considerados por Michel Thévoz como uma “aventura litográfica”, na qual Dubuffet se envolveu com a sensação de “fugir das categorias verbais que, segundo ele, condicionam o nosso pensamento”. O período de investigação sobre gravuras inclui outras séries executadas em Paris, Vence e Nova Iorque: gravuras de asas de borboletas e animais, incluindo La Vache (1954), guache em papel (32,6 × 40,2 cm), Centre Pompidou, compra 1983, bem como paisagens e retratos.

Correspondência, escritos ilustrados (ordem cronológica de publicação)

Ver a bibliografia completa de Jean Dubuffet incluindo cartas e escritos ilustrados na Fundação Dubuffet

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Discografia

A lista completa de todas as posições pessoais de Jean Dubuffet até 2014 pode ser encontrada no website da Pace Gallery em Nova Iorque, agora a PaceWildenstein Gallery, que tem cinco locais de exposição, incluindo três em Nova Iorque, onde Jean Dubuffet esteve exposto desde 1969: “Simulacra”, de 8 de Novembro a 10 de Dezembro.

Ligações externas

Fontes