Jean-François Millet

gigatos | Fevereiro 2, 2022

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Resumo

Jean-François Millet (20 de Janeiro de 1875) era um pintor realista francês que nasceu numa família camponesa. Formou-se com um pintor local em Cherbourg e depois estudou em Paris em 1837 com Delaroche. Influenciado por Daumier, trabalhou num estilo pastoral com toques socialistas que desenvolveu ainda mais na aldeia de Barbizon, na floresta de Fontainebleau, onde se estabeleceu em 1849 com Theodore Rousseau, Narcisse Diaz e outros. Os membros deste grupo, conhecidos como a Escola Barbizon e influenciados por Corot, os pintores paisagistas holandeses do século XVII e Constable, foram os precursores do Impressionismo. Foi notado pelas suas cenas de agricultores, nas quais procurou expressar a inocência do camponês em oposição à degradação que acompanha o cidadão imerso na sociedade industrial. Ele está incluído nos movimentos realistas e naturalistas. Morreu em Barbizon em 1875.

Juventude

Millet foi o filho primogénito de Jean-Louis-Nicolas e Aimée-Henriette-Adélaïde Henry Millet, membros da comunidade camponesa da aldeia de Gruchy, comuna de Gréville-Hague, Normandia. Sob a orientação de dois padres da aldeia, Millet aprendeu latim e autores modernos, antes de ser enviado para Cherbourg em 1833 para estudar com um pintor de retratos chamado Paul Dumouchel. Em 1835 estava a estudar a tempo inteiro com Lucien-Théophile Langlois, um aluno do Barão Gros, em Cherbourg. Langlois e outros apoiaram-no financeiramente para que pudesse mudar-se para Paris em 1837, onde estudou na École des Beaux-Arts com Paul Delaroche. Em 1839 terminou a sua aprendizagem e a primeira coisa que submeteu ao Salão foi rejeitada.

Paris

Em 1837, uma bolsa de estudo permitiu a Millet mudar-se para Paris, onde frequentou a École des Beaux-Arts. Ali aperfeiçoou os seus conhecimentos no estúdio do pintor de história Paul Delaroche. Mais tarde fez amizade com Constant Troyon, Narcisse Diaz, Charles Jacque, e Théodore Rousseau, artistas que, como Millet, seriam associados à escola Barbizon; todos eles o ajudaram e desempenharam um papel decisivo na sua decisão de deixar definitivamente aquela cidade “sombria e caótica”, nas suas próprias palavras, de que nunca tinha gostado; para além dos seus costumes camponeses e do seu carácter rude, não concordou com o modo de vida parisiense e regressou a Cherbourg para iniciar uma carreira como pintor de retratos. Depois de 1840 afastou-se do estilo oficial de pintura e ficou sob a influência de Honoré Daumier, cuja figura desenharia influenciaria as futuras representações de Millet de temas camponeses, com quem aprendeu a sensação de contraste de luz e sombra, bem como a construção do corpo humano, com simplicidade de volumes; e Alfred Sensier, um burocrata do governo que se tornaria um defensor vitalício e, com o tempo, o biógrafo do artista. Em 1847 alcançou o seu primeiro sucesso no Salão, com o quadro Édipo Descendente da Árvore, e em 1848 o governo comprou o seu Feiticeiro.

O seu conhecido início foi El aventador (“The Winnower”, 1848). Na década de 1850 observou trabalhadores agrícolas nos anos democráticos da Segunda República, e o seu trabalho é melancólico na sua gravidade e, sobretudo, na sua denúncia social (Mujeres cargando leña, 1851), e mesmo em trabalhos posteriores como El Hombre de la azada (O Homem com a enxada, 1859-1862). Esta ênfase em apontar o “sentimentalismo dos seus trabalhadores resignados da terra” levou a frequentes rejeições das suas obras, que deveriam ser revistas de acordo com a Novonty, e deveria ser feita uma tentativa de manter um equilíbrio correcto na avaliação da sua arte.

Em 1841 casou-se com Pauline-Virginie Ono, e eles mudaram-se para Paris. Depois de ter sido rejeitado no Salão de 1843 e Pauline morreu de tuberculose, Millet regressou a Cherbourg. Em 1845 Millet mudou-se para Le Havre com Catherine Lemaire, com quem se casaria numa cerimónia civil em 1853; teriam nove filhos, e permaneceriam juntos para o resto da vida de Millet. Em Le Havre pintou retratos e pequenas peças de género durante vários meses antes de regressar a Paris.

O cativeiro dos judeus na Babilónia, o trabalho mais ambicioso de Millet até à data, foi exibido no Salão de 1848, mas foi ridicularizado tanto pelos críticos como pelo público. O quadro acabou por desaparecer pouco depois, levando os historiadores a acreditar que Millet o tinha destruído. Em 1984, cientistas do Museu de Belas Artes de Boston radiografaram o quadro “The Young Shepherdess” de Millet, de 1870, para pequenas alterações, e descobriram que tinha sido pintado por cima: O cativeiro dos judeus na Babilónia. Acredita-se agora que Millet reutilizou a tela quando os materiais se tornaram escassos devido à Guerra Franco-Prussiana.

Escola Barbizon

Um termo utilizado para se referir a um grupo de pintores que, por volta de 1818, se reuniram na aldeia francesa do mesmo nome e nos seus arredores perto da floresta de Fontainebleau. É também conhecida como a Escola de Fontainebleau e a sua produção é considerada o movimento paisagístico mais vigoroso da França do século XIX. Pintou com notável precisão uma pintura ao ar livre, sob a observação meticulosa de ambientes naturais e de composição académica e neoclássica rejeitada. Soltamente pintadas, são na sua maioria paisagens de planícies, árvores e florestas. Os pintores mais representativos foram Jean-Camille Corot, embora o organizador, líder do grupo e teórico tenha sido Theodore Rousseau. Outras figuras de destaque incluem Jules Dupré, cujo trabalho se caracteriza pelo uso sombrio da luz, e Jean Francois Millet, um verdadeiro renovador devido ao seu tema peculiar, que exaltou o mundo dos camponeses e dos trabalhadores rurais.

Em 1849 Millet pintou o Reapers, uma comissão estatal. No Salão desse ano, expôs a Pastora Sentada na Orla da Floresta, uma pequena pintura a óleo que marcou o seu afastamento dos anteriores temas pastorais idealizados em favor de uma abordagem mais realista e pessoal. Em Junho de 1849 chegou a Barbizon, com Catarina e os seus filhos, juntando-se ao círculo da escola que leva o seu nome a partir desta cidade.

Em 1850 Millet chegou a um acordo com a Sensier, que forneceu ao artista materiais e dinheiro em troca de desenhos e pinturas, enquanto Millet reteve o direito de continuar a vender obras a outros compradores. No Salão desse ano expôs Labradors e The Sower, a sua primeira grande obra-prima e a primeira do trio icónico de pinturas que incluiria The Gleaners e The Angelus.

De 1850 a 1853 Millet trabalhou em Reapers at Rest (Ruth e Boaz), um quadro que ele consideraria o mais importante, e aquele em que trabalhou mais tempo. Concebido para rivalizar com os seus heróis Michelangelo e Poussin, foi também o quadro que marcou a sua transição da representação de imagens simbólicas da vida camponesa para a das condições sociais contemporâneas. Foi o único quadro a que deu uma data, e foi a primeira obra a receber reconhecimento oficial, uma medalha de segunda classe no Salão de 1853.

Millet, como Théodore Rousseau, tinha um profundo sentido da natureza: ele interpretou-a (em vez de simplesmente a reflectir) compreendendo as vozes da terra, das árvores ou dos caminhos. Millet alegou sentir na natureza mais do que aquilo que os sentidos lhe davam. O tom por vezes sentimental das suas obras (The Angelus and Death and the Woodcutter) afasta-o um pouco do outro grande realista, Courbet, que era mais duro e mais rebelde.

O autor procurará retratar o povo humilde e camponês num gesto de admiração pelo povo pobre do mundo rural, seduzindo os republicanos e exasperando a burguesia ao tratar este tema como um tema central na sua obra.

O viticultor

Diante de um espaço interior dramático, a figura do viticultor a peneirar o trigo com os pés calçados em grandes socos e velhos panos de trapo atados com um pedaço de cordel sobre as suas calças para evitar a sua deterioração, sofre como uma imagem de conto, embora, como sempre em Millet, submisso à pobreza e à dura luta diária pela sobrevivência do humilde trabalhador rural contratado.

Esta é uma das pinturas mais conhecidas de Millet, The Gleaners (1857). Caminhando nos campos à volta do Barbizon, um tema recorrente apareceu no lápis e no pincel de Millet durante sete anos – a respiga, o direito secular de mulheres e crianças pobres a levar os cereais deixados nos campos após a colheita. Ele considerou-o como um tema intemporal, ligado a histórias do Antigo Testamento. Em 1857, apresentou o quadro The Gleaners no Salão, a uma audiência morna, mesmo hostil.

(As versões anteriores incluem uma composição vertical pintada em 1854, uma gravura de 1855-56 que prefigurou directamente o formato horizontal da pintura agora no Musée d”Orsay).

Uma luz quente e dourada sugere algo sagrado e eterno nesta cena quotidiana em que a luta pela sobrevivência se desenrola. Durante os seus anos de estudos preparatórios, Millet ponderou a melhor forma de transmitir a sensação de repetição e fadiga na vida quotidiana dos camponeses. As linhas traçadas nas costas de cada mulher levam ao chão e depois repetem-se em movimento idêntico ao seu interminável e esgotante trabalho de parto. Ao longo do horizonte, o pôr-do-sol delineia a quinta com os seus abundantes montes de cereais, em contraste com as longas e sombrias figuras em primeiro plano. Os vestidos simples e escuros dos respigadores cortam formas robustas contra o campo dourado, dando a cada mulher uma força nobre e monumental.

A pintura foi encomendada por Thomas Gold Appleton, um coleccionador de arte americano residente em Boston, Massachusetts, que tinha estudado anteriormente com o pintor Barbizon Constant Troyon, um amigo de Millet. Foi concluída durante o Verão de 1857. Millet adicionou uma torre sineira e mudou o título original da obra, Oração para a Colheita da Batata, para The Angelus quando o comprador não a apanhou em 1859. Exibido pela primeira vez ao público em 1865, o quadro mudou de mãos várias vezes, aumentando de valor apenas modestamente, uma vez que o artista foi considerado por alguns como tendo simpatias políticas suspeitas. Na morte de Millet uma década depois, eclodiu uma guerra de licitações entre os Estados Unidos e a França, que terminou alguns anos mais tarde com um preço de 800.000 francos de ouro.

A disparidade entre o valor aparente do quadro e o estado de pobreza da família sobrevivente de Millet foi um grande impulso no estabelecimento do droit de suite, que se destinava a compensar os artistas ou os seus herdeiros quando as suas obras eram revendidas.

O Angelus, de Jean Francois Millet, foi concebido como uma exaltação do trabalho camponês, livre da brutalização do proletariado da época, e como um hino à reconciliação do homem e da natureza. A composição segue um esquema simples: contra uma paisagem aberta, o pintor coloca as duas figuras em primeiro plano, dando-lhes uma presença quase escultórica reforçada por uma utilização magistral da luz que acentua a modelação das duas figuras. Em 1935, Salvador Dalí tomou esta pintura como exemplo do que ele chamou o “método paranóico crítico”. De acordo com a sua interpretação, compreensível dentro de um esquema surrealista, as figuras não estão a rezar ao Angelus, mas a enterrar o seu filho, cujo corpo está no cesto em primeiro plano. A sua análise foi ainda mais longe quando comparou a figura feminina a um louva-a-deus prestes a devorar o macho, que espera submissamente, escondendo a sua erecção com o seu chapéu.

Anos recentes

Apesar das críticas mistas das pinturas que expôs no Salão, a reputação e o sucesso de Millet cresceu ao longo dos anos 1860. No início da década foi contratado para pintar 25 obras por uma bolsa mensal durante os três anos seguintes, e em 1865 outro patrono, Émile Gavet, começou a encomendar-lhe obras pastel para uma colecção que acabaria por atingir 90 obras. Em 1867 a Exposição Universal acolheu uma grande mostra da sua obra, com The Gleaners, The Angelus e Potato Plantters entre as pinturas expostas. No ano seguinte, Frédéric Hartmann encomendou Quatro Estações por 25.000 francos, e Millet foi nomeado Cavaleiro da Legião de Honra.

Em 1870 Millet foi eleito jurado no Salão. Mais tarde nesse ano, ele e a sua família fugiram da Guerra Franco-Prussiana, mudando-se para Cherbourg e Gréville, e só regressaram a Barbizon no final de 1871. Os seus últimos anos foram marcados pelo sucesso financeiro e pelo crescente reconhecimento oficial, mas foi incapaz de completar as comissões governamentais devido à sua saúde falhada. A 3 de Janeiro de 1875, casou com Catarina numa cerimónia religiosa. Millet morreu a 20 de Janeiro de 1875.

Millet foi uma importante fonte de inspiração para Vincent van Gogh, particularmente durante o seu período inicial. Millet e o seu trabalho são mencionados muitas vezes nas cartas de Vincent ao seu irmão Theo. As paisagens tardias de Millet serviriam como pontos de referência influentes para as pinturas de Claude Monet na costa da Normandia; o seu conteúdo estrutural e simbólico também influenciou Georges Seurat.

Millet é o principal protagonista de Mark Twain”s Is He Dead? (1898), na qual é retratado como um jovem artista que vive no limite da vida, fingindo estar morto para alcançar fama e fortuna. A maioria dos detalhes sobre o Millet na peça são fictícios.

A pintura de Millet L”homme à la houe inspirou o famoso poema de Edwin Markham “O Homem com a Enxada” (1898).

O Angelus foi frequentemente reproduzido nos séculos XIX e XX. Salvador Dalí ficou fascinado com este trabalho, e escreveu uma análise do mesmo, The Tragic Myth of Millet”s Angelus. Em vez de ver paz espiritual no trabalho, Dalí acreditava que transmitia mensagens de agressão sexual reprimida. Dalí também acreditava que as duas figuras estavam a rezar sobre a campa do seu filho morto, em vez do Angelus. Dalí insistiu tanto neste facto que no final a tela foi radiografada, confirmando as suas suspeitas: a pintura contém uma forma geométrica que foi pintada mais tarde, muito semelhante a um caixão. No entanto, não se sabe se Millet mudou de ideias sobre o significado da pintura, incluindo se a forma é realmente um caixão.

Fontes