Jean-Luc Godard

Mary Stone | Julho 7, 2023

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Resumo

Jean-Luc Godard foi um cineasta franco-suíço que nasceu a 3 de dezembro de 1930 em Paris e morreu a 13 de setembro de 2022 em Rolle (cantão de Vaud).

É o autor completo dos seus filmes, muitas vezes realizando-os, escrevendo o argumento, os diálogos e a montagem. Aparece ocasionalmente nos filmes, por vezes num pequeno papel, por vezes não como ator mas como sujeito. Produtor e argumentista, é também crítico e teórico do cinema.

Tal como Éric Rohmer, François Truffaut, Claude Chabrol e Jacques Rivette, Jean-Luc Godard iniciou a sua carreira nos anos 50 como crítico de cinema. Escreveu nomeadamente para La Gazette du cinéma, Les Cahiers du cinéma e Arts. Paralelamente, realizou várias curtas-metragens em 16 mm: Opération Béton (1954), um documentário sobre a construção da barragem de Grande-Dixence, na Suíça; Une femme coquette (1955), inspirado em Guy de Maupassant e realizado sem orçamento; Tous les garçons s’appellent Patrick, um marivaudage escrito com Éric Rohmer; Une histoire d’eau (1958), que montou a partir de imagens filmadas por François Truffaut; e Charlotte et son jules (1958).

Em 1959, passou às longas-metragens com À bout de souffle. O filme foi um grande sucesso e tornou-se um dos filmes fundadores da Nouvelle Vague. Durante a década de 1960, assumiu uma série de projectos, realizando vários filmes por ano. Em 1960, realizou Le Petit Soldat, um filme sobre a guerra da Argélia, e Une femme est une femme, uma homenagem ao musical. Em seguida, realizou Vivre sa vie (1962), um filme sobre uma jovem que se torna prostituta, Les Carabiniers (1963), outro filme sobre a guerra, e Le Mépris (1963), sobre o mundo do cinema. Prosseguiu em 1964 com Bande à part e Une femme mariée. Em 1965, realizou Alphaville, a estranha aventura de Lemmy Caution, um filme de ficção científica, seguido de Pierrot le Fou, um road movie que muitos especialistas consideram a sua obra-prima. Realizou depois Masculin féminin, um filme sobre a juventude, Made in USA, Deux ou trois choses que je sais d’elle, no qual aborda de novo o tema da prostituição, La Chinoise (1967) e Week-end (1967).

Godard tornou-se um grande cineasta e uma figura de proa do mundo artístico e da intelectualidade. Em 1968, os acontecimentos de maio, prenunciados por alguns dos seus filmes anteriores, conduziram a uma rutura com o sistema cinematográfico. Godard radicaliza-se politicamente e marginaliza-se. Juntamente com Jean-Pierre Gorin, tentou fazer um cinema político e assinou os seus filmes sob o pseudónimo coletivo de “grupo Dziga Vertov”. Durante este período, os seus filmes foram raramente exibidos. A partir de 1974, faz experiências em vídeo com a sua companheira Anne-Marie Miéville, trabalha para a televisão e afasta-se do cinema.

Regressou ao cinema na viragem dos anos 80 com Sauve qui peut (la vie). Regressa ao papel central que tinha ocupado nos anos 1960.

A partir do final dos anos 80, dedica-se a uma série de ensaios cinematográficos intitulada Histoire(s) du cinéma, concluída em 1998 e que tenta elaborar uma história cinematográfica do cinema. Nos anos 2000, prosseguiu o seu trabalho no cinema com Éloge de l’amour (2001), Notre musique (2004) e Film Socialisme (2010). Também montou uma exposição no Centro Georges-Pompidou em Paris. O projeto, extremamente ambicioso, acabou por ser abandonado e deu lugar a uma exposição intitulada Voyage(s) en utopie. Em busca de um teorema perdido. JLG 1945-2005″, que apresenta maquetas da exposição planeada.

Jean-Luc Godard ganhou o Urso de Ouro no Festival de Berlim em 1965 por Alphaville, bem como dois Ursos de Prata (para Melhor Realizador em 1960 por Breathless e o Urso de Prata Extraordinário em 1961 por A Woman is a Woman). Ganhou também um Leão de Ouro Honorário no Festival de Veneza de 1982 e o Leão de Ouro de Melhor Filme por Prénom Carmen em 1983. Recebeu ainda o Prémio do Júri no Festival de Cannes por Adieu au langage em 2014, bem como dois Césares honorários, em 1987 e 1998, e um Óscar honorário em 2010 pelo conjunto da sua carreira. Em 2018, recebeu uma Palma de Ouro especial para Le Livre d’image e toda a sua obra no 71º Festival de Cannes.

Crianças e jovens

Jean-Luc Godard nasceu a 3 de dezembro de 1930 na rue Cognacq-Jay, 2, no 7º distrito de Paris. Era o segundo de quatro filhos. A sua irmã mais velha, Rachel, nascida a 6 de janeiro de 1930, morreu em 1993. A outra irmã, Véronique, é fotógrafa.

O seu pai, Paul Godard (1899-1964), nasceu a 1 de junho de 1899 no seio de uma família cuja mãe era originária do norte de França (Le Cateau-Cambrésis) e cujo pai, Georges Godard, provinha de uma antiga família protestante de Sancerre. Em 1916, mudou-se com a sua família para a Suíça como pacifistas, estabelecendo-se em Vevey e depois em Genebra. Estudou medicina e defendeu a sua tese em Paris em 1925. Trabalhou depois em Paris e na Suíça.

A sua mãe, Odile Monod (1909-1954), pertencia a uma grande família protestante francesa, descendente do pastor Jean Monod, nascido em Genebra em 1765, e do pastor Adolphe Monod, nascido em 1802. O seu avô materno, Julien Monod, dirigiu a Société Financière d’Orient e foi um dos fundadores do Banque de Paris et des Pays-Bas. Em 1924, compra um apartamento no número 16 do boulevard Raspail, num edifício projetado pelo arquiteto Henri Sauvage. Frequenta os escritores e torna-se muito próximo de Paul Valéry, que conhece em 1924. Grande admirador do poeta, reúne os seus livros, manuscritos e correspondência numa sala do seu apartamento conhecida como “valerianum”.

Paul Godard casou-se com Odile Monod no Oratório do Louvre a 16 de outubro de 1928.

Em 1933, arranjou emprego numa clínica na Suíça e a família Godard instalou-se nas margens do Lago Genebra, entre Nyon e Rolle, antes de se mudar para Nyon em 1938, para a Rue du Prieuré 4. Jean-Luc Godard frequentou a escola primária em Nyon a partir de 1936. A sua infância foi particularmente desportiva, com futebol, esqui e basquetebol. Foi também marcada pela religião protestante. O jovem Jean-Luc Godard começou por desenvolver uma paixão pela pintura. As suas primeiras obras parecem ter sido inspiradas por Paul Klee e Oskar Kokoschka. Passava as férias na propriedade dos avós maternos em Anthy-sur-Léman.

Em junho de 1940, Jean-Luc Godard vivia com os avós em Paris quando os alemães invadiram o país. Foi primeiro enviado para viver com a sua tia Aude, na Bretanha, onde começou o ano letivo de 1940, antes de atravessar a França para a Suíça. A família Monod tinha tendência para ser republicana e de esquerda, mas Julien Monod, o seu avô, era mais conservador, defendia o Marechal Pétain e lia a imprensa colaboracionista. Os pais de Godard, por outro lado, trabalhavam para a Cruz Vermelha e eram anglófilos.

Depois da guerra, Jean-Luc Godard terminou o liceu em Nyon e foi enviado para Paris para fazer o bacharelato no Lycée Buffon. Nessa altura, afasta-se da família. Os seus pais estão à beira da separação. O pai sofre da doença de Charcot e tem dificuldade em suportar a atitude da família Monod em relação a ele, enquanto a mãe tem dificuldade em estar longe da família. Ela deixou a casa conjugal para se mudar para Genebra em 1949, depois para Lausanne em 1951, e o casal divorciou-se em novembro de 1952. Godard mudou-se então para a rue d’Assas, mesmo por baixo do apartamento do escritor e editor Jean Schlumberger. Perdeu o interesse pelos estudos e reprovou no bacharelato em 1947. Começa a frequentar cineclubes e a Cinemateca Francesa. A sua descoberta do cinema passa também pela leitura de textos críticos como os da Revue du cinéma, onde descobre os escritos de Maurice Schérer, mais conhecido atualmente como Éric Rohmer.

Desde a sua adolescência em Nyon, Jean-Luc Godard, apesar de viver numa família abastada, tem o hábito de roubar. Este hábito tornou-se uma mania e Jean-Luc Godard também roubou à sua família e amigos. Em particular, roubou livros da biblioteca de Jean Schlumberger, que vendeu no Pont-Neuf. Roubou também obras de Paul Valéry da biblioteca do seu avô, que vendeu na livraria Gallimard, em frente à casa do avô. O seu avô descobriu o roubo e Jean-Luc Godard tornou-se a ovelha negra da sua família aos dezassete anos. Mais tarde, em 1952, roubou também a caixa registadora dos Cahiers du cinéma e a caixa registadora do Café de la Comédie, situado perto do Palais-Royal e gerido pelos pais do seu amigo Charles Bitsch. Em novembro de 1947, em desacordo com a sua família, Godard escreveu um panfleto contra eles, intitulado Le Cercle de famille. Ou impressões de conjunto.

Regressa à Suíça em 1948 e prepara-se para o bacharelato no Collège Lémania de Lausana. Depois de falhar uma segunda vez, passa à terceira tentativa, em 1949. Nessa altura, Godard continua a hesitar entre a pintura, o cinema e a literatura. Escreveu o seu primeiro argumento, intitulado Aline, baseado no romance de Charles Ferdinand Ramuz.

No outono de 1949, inscreveu-se em Antropologia na Sorbonne, em Paris, mas depressa perdeu o interesse pela disciplina. Na Sorbonne, conheceu Suzanne Klochendler, que mais tarde se tornaria Suzanne Schiffman e que colaboraria com Godard em vários filmes, e o escritor Jean Parvulesco. Escreveu um segundo argumento baseado em La Fiancée de George Meredith, intitulado La Trêve d’ironie, Claire. Durante este período, viu uma enorme quantidade de filmes. Na cinemateca dirigida por Henri Langlois, encontra-se regularmente com Suzanne Klochendler, François Truffaut, Jean Gruault e Jacques Rivette. Frequentou também o cineclube Quartier Latin, fundado por Frédéric Frœschel em 1947, onde conheceu Maurice Schérer, Paul Gégauff, Truffaut, Chabrol, Gruault e Rivette. O grupo publicou o Bulletin du ciné-club du Quartier latin, que no final de 1949 se tornou numa revista de pleno direito intitulada La Gazette du cinéma. Foi nessa revista que Godard publicou seus primeiros textos críticos, aos 19 anos. Publicou doze artigos entre junho e novembro de 1950, sob o seu próprio nome ou sob o pseudónimo Hans Lucas, tradução alemã do seu nome próprio Jean-Luc. Em setembro de 1950, participa, com os seus amigos do cineclube Quartier Latin, no Festival du film maudit de Biarritz, organizado pelo cineclube Objectif 49, presidido por Jean Cocteau. Este festival foi um momento importante na evolução dos jovens críticos que se tinham reunido na Gazette du cinéma e que não hesitavam em criticar as escolhas dos críticos.

Em dezembro de 1950, o pai ofereceu-se para o levar numa viagem à América. Primeiro visitou Nova Iorque, depois Kingston, na Jamaica, onde o pai comprou uma casa para viver. Jean-Luc Godard partiu então sozinho para viajar pela América do Sul durante vários meses. Visitou o Panamá, o Peru, a Bolívia e o Brasil, antes de regressar a França em abril de 1951.

Os anos dos Cahiers du cinéma (1950-1959)

Em abril de 1951, Jacques Doniol-Valcroze fundou os Cahiers du cinéma. A revista, criada para dar continuidade ao espírito da Revue du cinéma, acolheu críticos de várias convicções, incluindo Maurice Schérer, que tentou levar os seus amigos da Gazette du cinéma a juntarem-se aos Cahiers. Godard publicou o seu primeiro artigo na nova revista em janeiro de 1952 com um artigo sobre La Flamme qui s’éteint de Rudolph Maté. Seguiu-se-lhe, em abril de 1952, um elogio polémico de L’Inconnu du Nord-Express, de Alfred Hitchcock, intitulado “Suprématie du sujet” (“Supremacia do tema”), e depois atacou André Bazin de frente, em setembro do mesmo ano, com um artigo intitulado “Défense et illustration du découpage classique” (“Defesa e ilustração do corte clássico”).

Na primavera de 1953, o pai arranjou-lhe um emprego como operador de câmara na televisão suíça, em Zurique. A experiência acabou mal. Godard voltou a roubar a caixa registadora da televisão. Foi denunciado à polícia e passou três noites na prisão. Para evitar ir para a guerra na Indochina, Godard optou pela nacionalidade suíça quando atingiu a maioridade, mas não tinha cumprido as suas obrigações militares na Suíça e estava, portanto, fora da lei. O seu pai mandou interná-lo durante várias semanas no hospital psiquiátrico La Grangette, em Lausanne. Após este episódio, não voltou a ver o pai durante dez anos. Quando sai do hospital, a sua mãe arranja-lhe um emprego na barragem de Grande-Dixence, no Valais. Godard trabalhou lá no verão de 1953 e durante todo o ano de 1954, e passava o seu tempo livre em Genebra, onde se encontrava com um grupo de dândis casuais. Com o seu amigo Jean-Pierre Laubscher, realizou um documentário em 16 mm sobre a construção da barragem. A partir deste primeiro filme, intitulado Opération béton, Godard prestou especial atenção ao som, procurando registá-lo fielmente. Vendeu-o depois à Compagnie de la Grande-Dixence. A 21 de abril de 1954, com 45 anos, a sua mãe morreu num acidente de scooter. Depois de vender o seu documentário, Godard mudou-se para Genebra e realizou uma segunda curta-metragem, Une femme coquette, filmada em novembro de 1955 na Île Rousseau.

Regressa a Paris em janeiro de 1956 e volta a juntar-se ao grupo da Gazette du Cinéma. Graças a Claude Chabrol, tornou-se assessor de imprensa da Fox, onde trabalhou irregularmente durante dois anos. Regressou também aos Cahiers du cinéma. Para o seu regresso, escolheu publicar um texto sobre um cineasta fora do panteão clássico defendido pelos outros jovens turcos, Frank Tashlin. Graças a François Truffaut, juntou-se também ao semanário Arts em fevereiro de 1958. Paralelamente, trabalhou como editor para o produtor Pierre Braunberger, sob a direção de Myriam Borsoutsky.

Em junho de 1957, rodou a sua primeira curta-metragem profissional, Tous les garçons s’appellent Patrick ou Charlotte et Véronique. Escrito com Éric Rohmer e produzido por Pierre Braunberger, o filme conta a história de duas jovens coquete e ingénuas que são seduzidas pelo mesmo homem nos Jardins do Luxemburgo. O filme é ligeiro e de ritmo acelerado. Foi exibido nos cinemas na primavera de 1958, acompanhando o filme Un témoin dans la ville, de Édouard Molinaro.

Em fevereiro de 1958, a região de Île-de-France foi inundada por chuvas torrenciais. Após uma discussão com Godard e Pierre Braunberger, François Truffaut decidiu filmar a história de uma jovem que vivia nos subúrbios e que queria viajar para Paris durante as cheias. O filme chama-se Une histoire d’eau. Truffaut não ficou satisfeito com as filmagens e abandonou o projeto, mas Godard escreveu um texto que leu em voz-off com Anne Colette e editou o filme. O filme foi finalmente exibido em março de 1961 como a primeira parte de Lola, de Jacques Demy.

Godard filmou então Charlotte et son jules com Jean-Paul Belmondo e Anne Colette. O filme, inspirado em Bel Indifférent de Jean Cocteau, é um longo monólogo de um rapaz perante a sua namorada, que apenas voltou para o ver para lhe dizer que o vai deixar e para ir buscar a sua escova de dentes. Belmondo esteve ausente para a pós-sincronização e, no final, foi o próprio Godard que dobrou a sua personagem. O filme foi também transmitido ao mesmo tempo que Lola, em março de 1961.

Numa entrevista a Marguerite Duras, em 1987, Jean-Luc Godard afirmou que o primeiro filme que quis fazer foi inspirado na literatura, com Le Mythe de Sisyphe (O Mito de Sísifo) de Albert Camus, que propôs aos produtores que adaptassem ao cinema. O Diário do Sedutor, de Søren Kierkegaard, foi também um romance que gostaria de transformar em filme.

Sem fôlego

Após o sucesso de Quatrocentos golpes, de François Truffaut, no Festival de Cannes de 1959, Godard apercebeu-se de que não devia perder a onda e começou a realizar a sua primeira longa-metragem. Pegou numa ideia do argumento de Truffaut baseada numa notícia e contactou o produtor Georges de Beauregard para financiar o seu filme. Sem fôlego conta a história de Michel Poiccard, um jovem que rouba um carro em Marselha para se encontrar com uma mulher americana em Paris. No caminho, é perseguido por dois polícias e acaba por matar um deles. Finalmente, encontra a mulher americana em Paris. Na tradição dos filmes noir americanos, o filme foi inspirado numa história verídica. O filme foi rodado em agosto e setembro de 1959 com Jean-Paul Belmondo e Jean Seberg nos papéis principais. Embora a rodagem tenha sido relativamente curta, o material era demasiado abundante e Godard foi obrigado a cortar no seu filme, mas em vez de cortar planos inteiros, como era tradição, cortou dentro dos planos. Ao fazê-lo, seguiu o conselho do seu amigo Jean-Pierre Melville, que lhe tinha dito que, tendo feito um filme impossível, devia agora ir até ao fim e terminá-lo como tal. Criou assim descontinuidades no seu filme que lhe deram um ritmo particular. Estreado em março de 1960, o filme foi um grande sucesso de público (2,2 milhões de entradas em França). Foi também um sucesso de crítica, tendo Godard recebido o apoio de críticos como imp

Os anos Karina (1959-1967)

Logo que À bout de souffle foi lançado, Godard começou a filmar Le Petit Soldat. Ao fazê-lo, contrariou a opinião daqueles que acusavam o jovem cinema de só falar de problemas de sexo e de não tratar de questões mais actuais, como a guerra da Argélia e a censura. O filme passa-se em Genebra, a 13 de maio de 1958, dia em que o General Massu tomou o poder em Argel. O filme conta a história de um desertor do exército francês que trabalha para um grupo terrorista de extrema-direita em Genebra. Ele quer demitir-se, mas é feito refém pela FLN e consegue escapar, enquanto a sua namorada é feita refém pelos terroristas de extrema-direita. Politicamente, o filme é ambíguo e a tortura é obra tanto da extrema-direita como da FLN. O filme foi censurado pelo Ministro da Informação, Louis Terrenoire, que justificou a sua decisão dizendo: “Numa altura em que todos os jovens franceses são chamados a servir e a combater na Argélia, parece difícil aceitar que o comportamento oposto seja exposto, ilustrado e, em última análise, justificado”. O filme foi lançado em 1963, após o fim da guerra da Argélia.

No cenário do filme, seduziu a atriz Anna Karina. Depois de a ter visto num anúncio publicitário no verão de 1959, ofereceu-lhe um papel em Breathless, que ela recusou por não querer despir-se. De seguida, ofereceu-lhe o papel principal em Le Petit Soldat. Anna Karina tornou-se então a musa de Jean-Luc Godard e fez sete filmes com ele nos anos 60 (Le Petit Soldat, Une femme est une femme, Vivre sa vie, Bande à part, Alphaville, Pierrot le Fou e Made in USA). Casou com ela a 3 de março de 1961 em Begnins, na Suíça, e depois na igreja protestante da Avenue Marceau, em Paris. No entanto, o casamento não deu certo e Jean-Luc Godard e Anna Karina divorciaram-se oficialmente a 21 de dezembro de 1964.

No final de 1960, Godard rodou a sua terceira longa-metragem, Une femme est une femme, com Jean-Paul Belmondo, Jean-Claude Brialy e Anna Karina. O filme conta a história de Angela (Anna Karina), que quer ter um filho em 24 horas. Quando o seu companheiro Émile (Jean-Claude Brialy) se recusa, ela ameaça ter um filho com Alfred (Jean-Paul Belmondo). Tal como os seus antecessores, o filme dividiu a crítica e polarizou a atenção dos jornais. Ganhou o Prémio Especial do Júri no Festival de Cinema de Berlim, em junho de 1961, e Anna Karina foi galardoada com o prémio de Melhor Atriz. No entanto, o sucesso de público do filme ficou aquém das expectativas da produtora (550.000 entradas em França).

Em Vivre sa vie (1962), Godard retrata uma mulher que se prostitui. O filme foi exibido no Festival de Cinema de Veneza em agosto de 1962 e ganhou o Prémio Especial do Júri e o Prémio da Crítica. Foi estreado em Paris a 20 de setembro e atraiu 148.000 espectadores na sua primeira sessão parisiense, o que pareceu um sucesso para o orçamento do filme, e a receção da crítica foi unânime, com exceção do Positif, Cinéma 62 e Le Figaro.

No mesmo ano, Godard apareceu com Anna Karina em Cléo de 5 à 7, um filme de Agnès Varda que incluía numa cena um filme burlesco muito curto a preto e branco em homenagem ao cinema mudo intitulado Les fiancés du pont MacDonald.

Também em 1962, adaptou Os Carabineiros, do dramaturgo italiano Beniamino Joppolo. O filme é uma descrição da guerra e dos seus excessos através da história de dois camponeses, Ulisses e Miguel Ângelo, que partem para a guerra e descobrem, para seu deleite, que tudo lhes é permitido. Quando regressam, é-lhes impossível voltar à vida normal e, ao ouvirem o som de tiros de canhão ao longe, voltam à guerra e são fuzilados. Para este filme, Godard escolheu deliberadamente actores desconhecidos e uma qualidade de imagem quase amadora. Ele queria mostrar a guerra como ela era, sem glorificá-la e sem heroísmo. O filme, estreado em Paris em março de 1963, foi um fracasso comercial (20.000 espectadores exclusivamente em Paris) e a reação da imprensa foi também muito negativa.

Ao contrário do seu antecessor, Le Mépris (1963) foi um filme de grande orçamento protagonizado por uma das actrizes mais famosas da época, Brigitte Bardot. O filme é uma adaptação do romance homónimo do romancista italiano Alberto Moravia. Conta a história de Paul Javal (Michel Piccoli), um escritor de teatro casado com Camille (Brigitte Bardot), que vai à Cinecitta negociar um contrato com o produtor Jeremy Prokosch para retrabalhar o argumento de um filme sobre a Odisseia, realizado por Fritz Lang, que interpreta ele próprio. Godard volta a estar na ribalta (1,5 milhões de bilhetes vendidos). Na altura, Le Mépris não suscitou o entusiasmo da crítica, mas o filme acabou por se tornar um dos grandes clássicos de Godard. No entanto, o filme foi elogiado por críticos famosos como Jean-Louis Bory (Arts) e Jean Collet (Télérama) e, sobretudo, pelo escritor Louis Aragon em Les Lettres françaises.

Na primavera de 1964, filmou Bande à part. O filme, baseado num romance noir intitulado Pigeon vole, conta a história de dois amigos, Franz e Arthur, que manipulam uma jovem, Odile Monod (Anna Karina), para que esta roube dinheiro ao seu tutor. Ficaram célebres as cenas em que Odile, Franz e Arthur correm pela grande galeria do Louvre para bater um recorde de velocidade e aquela em que as três personagens dançam a madison num café.

Une femme mariée mostra a vida de uma mulher parisiense dividida entre o amante e o marido até ficar grávida. Godard mostra friamente momentos da vida desta mulher, “filmando os sujeitos como objectos”. O filme foi realizado em quatro meses, entre maio, quando Godard propôs um primeiro esboço ao seu produtor, e o Festival de Veneza, em setembro. No final de setembro, o filme foi proibido pela comissão de controlo cinematográfico, que considerou que o título inicial, La Femme mariée (A Mulher Casada), era ofensivo para todas as mulheres e que a representação da sexualidade era demasiado sugestiva. Esta proibição provocou um escândalo na imprensa. No final, Godard aceitou mudar o título e editar algumas cenas para que o seu filme pudesse ser exibido.

Em janeiro de 1965, Godard filmou Alphaville, uma estranha aventura de Lemmy Caution, um filme de ficção científica com a particularidade de ser rodado em Paris, em cenários reais e não em estúdio. Esta tendência estética deriva da ideia de que o futuro já cá está e que, em 1965, Paris e os seus habitantes já se tornaram máquinas. A atmosfera particular do filme deve-se em grande parte à escolha de filmar à noite e sem iluminação, utilizando uma película muito sensível, que dá um preto e branco de alto contraste e uma impressão de crepúsculo. O filme ganhou o Urso de Ouro no Festival de Cinema de Berlim, em junho de 1965.

Depois de Alphaville, Godard filmou Pierrot le Fou. O filme é um road movie pela França. Ferdinand (Jean-Paul Belmondo) e Marianne (Anna Karina) fogem de Paris, e da sociedade que os aborrece, para o sul de França. A intriga criminosa que constitui a espinha dorsal do filme é tratada com naturalidade. O filme foi exibido no Festival de Veneza de 1965 e provocou reacções controversas, mas Godard recebeu um grande apoio, incluindo um artigo de Louis Aragon em Les Lettres françaises intitulado “Qu’est-ce que l’art, Jean-Luc Godard? Aragon apreciava a arte da colagem de Godard e via a sua obra como uma continuação do cubismo. Por outro lado, o crítico Bernard Dort atacou fortemente Godard em Les Temps modernes, considerando-o um reacionário nostálgico. O filme vendeu 1,3 milhões de bilhetes.

Pierrot le Fou foi uma espécie de ponto culminante da obra de Godard, que tinha agora de começar outra coisa. No final de 1965, rodou Masculin féminin, um filme adaptado de dois contos de Guy de Maupassant, Le Signe e La Femme de Paul, com Jean-Pierre Léaud, Chantal Goya e Marlène Jobert. O filme é uma investigação sociológica sobre a juventude dos anos 1960. A personagem de Jean-Pierre Léaud, Paul Doinel, assemelha-se ao Antoine Doinel de François Truffaut. Como ele, é socialmente desajustado e infeliz no amor.

Durante a década de 1960, a orientação política de Godard deslocou-se para a esquerda. A censura de Une femme mariée (1964) foi um momento importante na sua evolução política. Quando, em 1966, o Ministro da Informação proibiu Suzanne Simonin, Religieuse de Diderot, de Jacques Rivette, Godard atacou publicamente André Malraux, publicando um texto no Le Nouvel Observateur intitulado “Lettre ouverte à André Malraux, ministre de la Kultur” (“Carta aberta a André Malraux, Ministro da Cultura”). Malraux acabou por autorizar a projeção de La Religieuse no Festival de Cannes desse mesmo ano.

Durante o verão de 1966, rodou dois filmes em rápida sucessão. Made in USA foi feito à pressa a pedido do produtor Pierre Braunberger, que precisava de um novo projeto para a sua produtora. O filme mostra a vida de uma repórter, Paula Nelson, que está a investigar a morte do seu amigo Richard Politzer, mas a maioria dos comentadores apontou a incoerência da história. Godard continuou a filmar Deux ou trois choses que je sais d’elle em agosto de 1966. O filme conta um dia na vida de uma jovem mulher, Juliette Janson (Marina Vlady), que vive num bairro social e se prostitui ocasionalmente para comprar vestidos ou ir ao cabeleireiro. A abordagem de Godard foi abertamente inspirada pelo estruturalismo e procurou efetuar um “inquérito sociológico” à sociedade francesa.

Os anos Mao (1967-1973)

Jean-Luc Godard conheceu Anne Wiazemsky, neta de François Mauriac, nas filmagens de Au hasard Balthazar, de Robert Bresson, em agosto de 1965. Depois de recusar os seus avanços, ela escreveu-lhe uma carta de amor em junho de 1966. Anne Wiazemsky tinha acabado de obter o bacharelato e estava a entrar na Universidade de Nanterre, e foi através dela que Godard descobriu o meio estudantil que usou como pano de fundo para La Chinoise. Casou-se com Anne Wiazemsky em 21 de julho de 1967. O casal separou-se em outubro de 1970.

Em 1967, Godard filmou La Chinoise e Week-end. O primeiro conta a história de um grupo de jovens maoístas no momento em que este movimento surge em França. O filme foi exibido no Festival de Avignon, em agosto de 1967, no pátio do Palácio dos Papas, depois no Festival de Veneza, em setembro, e estreado em Paris na mesma altura. Godard estava no auge da sua fama na altura e o filme foi muito aguardado mas não muito bem recebido. Os críticos de cinema foram bastante positivos, mas os activistas maoístas foram muito veementes contra o filme: consideraram-no uma provocação e ficaram indignados com o facto de os maoístas serem retratados como jovens burgueses a brincar às revoluções.

Em Weekend, Godard mostra um casal que vai passar o fim de semana com a sogra, na esperança de recuperar a sua herança. O fim de semana rapidamente degenera numa situação apocalíptica, com as personagens desprovidas de qualquer humanidade. O próprio Godard previu que o seu filme não seria bem aceite pelo público, descrevendo-o como “sórdido, grosseiro e caricatural”. Depois deste filme, Godard planeou deixar de fazer filmes, pelo menos como tinha feito desde o início dos anos 60, e aconselhou os seus principais colaboradores, Raoul Coutard, Suzanne Schiffman e Agnès Guillemot, a trabalhar com outros cineastas.

1968 foi um ano crucial na carreira de Godard, que se afastou do cinema clássico que praticava até então, se envolveu nas várias lutas políticas da época (o caso Langlois, a guerra do Vietname e, à sua maneira, o maio de 68) e procurou novas formas de fazer cinema através do didatismo de Gai Savoir e dos filmes-tratos de maio de 68.

Em janeiro, filmou Le Gai Savoir para a televisão francesa com Jean-Pierre Léaud e Juliet Berto. No seu didatismo, o filme era uma extensão de La Chinoise. Editado em agosto do mesmo ano, após os acontecimentos de 1968, foi rejeitado pela ORTF e banido do cinema pela comissão de controlo.

Em fevereiro de 1968, o Ministro da Cultura, André Malraux, decidiu eleger um novo diretor artístico para a Cinemateca Francesa, em substituição de Henri Langlois. Tal como os seus camaradas da Nova Vaga, Godard tinha descoberto a cinefilia na Cinemateca graças a Langlois e não suportava a ideia de que o governo o quisesse substituir. Juntamente com outros cineastas e cinéfilos, participa nas manifestações de 12 de fevereiro na rue d’Ulm e de 14 de fevereiro no Palais de Chaillot e cria o Comité de defesa da Cinemateca Francesa. Langlois foi finalmente reintegrado em 22 de abril de 1968.

Juntamente com outros cineastas, como Philippe Garrel e Chris Marker, participou nos acontecimentos de maio de 68, acompanhando e filmando as manifestações, participando nas assembleias gerais do cinema francês na École Technique de Photographie et de Cinéma da rue de Vaugirard e no IDHEC, e exigindo, juntamente com François Truffaut, Alain Resnais, Claude Lelouch, Louis Malle e outros, a suspensão do festival de Cannes em “solidariedade com os estudantes”. Com Chris Marker, participou na produção de cinétracts, pequenos filmes de 3 minutos que misturavam slogans revolucionários com imagens de manifestações ou imagens publicitárias desviadas. Mas maio de 68 foi também um momento de desilusão para Godard, que se afastou do movimento dos cineastas e não participou na criação da Société des réalisateurs de films. Por fim, foi também o momento em que Godard questionou a sua notoriedade e quis voltar a ser anónimo. Questiona também a noção de autor que tinha defendido quando era crítico nos Cahiers du cinéma.

Depois de maio de 68, foi a Londres para filmar os Rolling Stones a gravar Sympathy for the Devil. No seu filme, inicialmente intitulado One + One, Godard justapõe ensaios filmados dos Rolling Stones e cenas sem qualquer relação aparente com as gravações, onde figuram os Panteras Negras, entre outros. O filme mostra os Stones a trabalhar, desconstruindo o mito do génio criativo. Em julho, Godard rodou em França Un film comme les autres, no qual reuniu estudantes de Nanterre e trabalhadores da fábrica da Renault em Flins para falarem sobre as lições de maio de 68. O filme é deliberadamente anti-espetacular e raramente é exibido.

No outono de 1968, Richard Leacock e Don Alan Pennebaker pediram a Godard que fosse aos Estados Unidos para fazer um filme sobre o estado da América. Depois de quase um mês de filmagens pela América, Godard abandonou o projeto. Ficou muito desiludido com as filmagens e não gostou do estilo de filmagem de Pennebaker. Por fim, Pennebaker e Leacock usaram os rushes para fazer um filme intitulado One Parallel Movie. Em seguida, trabalhou com Jean-Henri Roger, um estudante maoísta de 20 anos, em British Sounds (1969), um filme sobre o estado da Grã-Bretanha para o canal de televisão britânico LWT. Depois partiram para Praga para fazer Pravda, um filme sobre a Checoslováquia um ano após a primavera de Praga.

No verão de 1969, Godard propôs-se filmar em Roma um “western de extrema-esquerda” com Marc’O e Daniel Cohn-Bendit, que conhecia desde 1967 através de Anne Wiazemsky. Inicialmente, tratava-se de um projeto utópico em que todos os participantes seriam pagos em partes iguais e, sobretudo, em que o argumento e o plano de trabalho seriam elaborados coletivamente em reuniões gerais. A equipa rapidamente se dividiu e os amigos anarquistas de Cohn-Bendit não conseguiram entender-se com os amigos maoístas de Godard. Alguns, como Marc’O, abandonaram o projeto. Godard chamou o seu amigo Jean-Pierre Gorin para o ajudar a retomar o filme. Depois das filmagens, Godard e Gorin trabalharam sozinhos durante quatro meses na montagem do filme. No final, Vent d’est foi o nascimento do grupo Dziga Vertov, um pseudónimo coletivo formado essencialmente por Godard e Gorin em referência ao realizador soviético Dziga Vertov. Godard e Gorin procuravam fazer “cinema político”. Com este grupo, Godard procurava também esquecer o seu estatuto de “autor”. Realizaram Lutas em Itália para a RAI, inspirado principalmente nos escritos de Louis Althusser, e depois partiram para a Palestina com Armand Marco e Elias Sanbar para realizar Até à Vitória. O filme ficou inacabado, mas as imagens e sons gravados foram mais tarde reutilizados em Ici et ailleurs (1974). Após o fracasso do filme palestiniano, o grupo

De 1968 a 1973, Godard e Gorin realizam em conjunto filmes com uma mensagem particularmente maoísta. Por iniciativa do produtor Jean-Pierre Rassam, regressaram a um cinema mais clássico com Tout va bien, trabalhando novamente com actores de renome (Yves Montand e Jane Fonda). O filme, lançado em abril de 1972, custou 2,5 milhões de francos e apenas atraiu 78.000 espectadores em Paris.

Em 9 de junho de 1971, durante a preparação de Tout va bien, Jean-Luc Godard sofreu um grave acidente de mota que lhe fracturou a bacia e o deixou em coma durante uma semana. Foi submetido a numerosas operações e passou mais de seis meses no hospital, com internamentos regulares durante três anos. Foi durante este período que conheceu Anne-Marie Miéville, que tinha conhecido alguns meses antes em Lausanne. Quando saiu do hospital, em novembro de 1971, foi viver com ela e pediu-lhe que trabalhasse com ele em Tout va bien como fotógrafa de cenário.

Depois de Tout va bien, Jean-Pierre Gorin tentou realizar o seu próprio filme L’Ailleurs immédiat, mas deparou-se com inúmeras dificuldades e não se sentiu apoiado por Godard, o que marcou o fim da sua colaboração. Gorin deixou a França no início de 1973 para viver no México e depois na Califórnia. Alguns meses mais tarde, François Truffaut rompe definitivamente com Godard. Aquando da estreia de La Nuit américaine, Godard escreveu uma carta a Truffaut na qual criticava fortemente o filme e pedia dinheiro para financiar o seu próximo filme. Truffaut responde-lhe com violência, acusando-o de não prestar atenção aos outros, de “só amar as pessoas em teoria” e de se comportar como uma diva.

Os anos do vídeo (1973-1979)

No início de 1973, após a dissolução do grupo Dziga Vertov, Godard planeou realizar um filme sob a forma de uma confissão autobiográfica intitulada Moi Je. Pela primeira vez, planeou abandonar a película cinematográfica tradicional e realizar o seu filme inteiramente em vídeo, investindo todo o dinheiro que obtivera do CNC para o filme em equipamento de vídeo, de modo a tornar-se completamente autónomo. Foi nessa altura que conheceu Jean-Pierre Beauviala, engenheiro de Grenoble, inventor da Paluche, uma câmara ultra-leve, e diretor da empresa Aäton, que o convidou a mudar-se para Grenoble no final de 1973. Godard deixou abruptamente Paris com Anne-Marie Miéville e reconstituiu o seu estúdio de vídeo em Grenoble, onde criou uma nova empresa de produção chamada Sonimage. Trouxe para Grenoble Gérard Teissèdre, especialista em vídeo, fotografia e controlo automático, para montar e desenvolver o estúdio de vídeo.

Anne-Marie Miéville e Jean-Luc Godard utilizaram as imagens filmadas na Palestina para Jusqu’à la victoire, em 1970, e analisaram-nas criticamente para compor um novo filme: Ici et ailleurs (1974). Godard e Miéville descobriram que alguns combatentes palestinianos tinham medo do exército israelita e não tinham confiança nos seus líderes. O filme foi lançado em 15 de setembro de 1976 com relativa indiferença, mas causou um escândalo depois devido ao seu radicalismo pró-palestiniano e à montagem entre uma fotografia de Golda Meir, primeira-ministra de Israel de 1969 a 1974, e uma fotografia de Adolf Hitler.

O produtor Georges de Beauregard pediu então a Godard que fizesse um remake de Breathless. Godard recusou a encomenda e realizou um filme intitulado Numéro deux, no qual mostrava o quotidiano de três gerações: um jovem casal, os seus dois filhos e os seus pais em Grenoble. O filme, estreado em Paris em setembro de 1974, foi um fracasso comercial, mas dividiu mais uma vez a crítica, tal como acontecera com Pierrot le Fou. A particularidade técnica deste filme é o facto de ter sido filmado em vídeo e depois transferido para película de prata.

Em junho de 1976, o Institut National de l’Audiovisuel encomendou-lhe uma série de seis filmes de uma hora, duas vezes, para o canal de televisão francês FR3, a serem produzidos no curto espaço de dois meses. Godard andava a pensar em fazer televisão há muito tempo e ficou encantado por ter finalmente essa oportunidade. A série, intitulada Six fois deux

Em 1976, farto da sua vida em Grenoble, mandou esvaziar as instalações da Sonimage sem informar o pessoal existente. A Sonimage foi posteriormente condenada por estes actos. Na primavera de 1977, Godard mudou-se com a sua companheira Anne-Marie Miéville para Rolle, na Suíça, perto da cidade de Nyon, onde tinha passado a sua infância. Para assinalar o centenário da publicação de Le Tour de la France par deux enfants, o canal de televisão francês Antenne 2 quis fazer uma adaptação televisiva da história sob a forma de uma série de doze episódios de 26 minutos, e acabou por encomendar a Godard a sua realização. Como de costume, Godard inverteu a encomenda original e produziu uma série intitulada France tour détour deux enfants, na qual filmou a vida quotidiana de duas crianças na França contemporânea. A Antenne 2 perdeu o interesse pela série e só a transmitiu em abril de 1980.

O regresso ao cinema (1980-1988)

Após os anos do vídeo, Jean-Luc Godard tentou regressar ao circuito do cinema clássico. Em maio de 1979, contactou Jean-Paul Belmondo, que tinha comprado os direitos de adaptação da biografia de Jacques Mesrine, mas Belmondo desconfiou de Godard e recusou voltar a trabalhar com ele, receando que o seu filme fosse demasiado experimental. Godard pensou então em fazer um filme nos Estados Unidos com Francis Ford Coppola. Com o argumentista Jean-Claude Carrière, escreveu um argumento intitulado The Story, baseado no livro do escritor Henry Sergg sobre o mafioso Bugsy Siegel. O projeto foi interrompido e Godard acabou por abandoná-lo, sobretudo depois de Diane Keaton se ter recusado a participar no filme.

Godard regressou finalmente ao cinema com Sauve qui peut (la vie) (1980). O filme deu início a um novo período na sua obra, com sete longas-metragens em sete anos. O filme retratava três personagens em quatro episódios distintos. Godard, que desconfiava dos guiões escritos, inovou ao enviar uma cassete de vídeo ao comité de adiantamentos do CNC. O filme foi bem recebido pelo público (620.000 entradas), mas mais uma vez dividiu a crítica. Na revista Cinéma 80, Gérard Courant considerou Sauve qui peut (la vie) como “um filme brilhante de um génio do cinema”.

O filme seguinte, Passion (1982), nasceu do desejo de filmar com Hanna Schygulla, a musa de Rainer Werner Fassbinder. O filme mostra a realização de um filme em que o realizador tenta reproduzir pinturas famosas, o hotel onde a equipa de filmagem está alojada com a patroa (Hanna Schygulla) e o marido (Michel Piccoli), gerente de uma fábrica, e Isabelle (Isabelle Huppert), uma jovem operária em greve na fábrica do marido. Embora o filme tenha sido bem recebido pela crítica, o número de espectadores foi consideravelmente inferior ao do filme anterior (207 000).

Godard filmou então Prénom Carmen, uma adaptação de Carmen transposta para o mundo contemporâneo, em que substituiu a música de Georges Bizet pelos quartetos de cordas de Beethoven. Inicialmente, o filme deveria ser rodado com Isabelle Adjani, mas ela deixou o set após alguns dias porque não suportava a forma como Godard a estava a filmar. Foi substituída por Maruschka Detmers. Prénom Carmen foi também o primeiro filme em que Godard se deu a si próprio um papel importante desde Vladimir e Rosa e, portanto, a primeira vez que o público em geral descobriu a sua interpretação no ecrã. O filme ganhou o Leão de Ouro no Festival de Veneza em 1983 e foi um sucesso de público (395.000 entradas).

Nas filmagens de Passion, Godard conheceu Myriem Roussel, uma jovem atriz de quem se tornou amigo e com quem planeou vários projectos cinematográficos, incluindo Dora et Freud, um filme sobre a relação entre Sigmund Freud e a sua primeira paciente, e L’Homme de ma vie, um filme sobre o incesto. Godard deu-lhe um papel importante em Prénom Carmen, mas foi com Je vous salue, Marie (1985) que a sua colaboração se concretizou. Ele revisita a história de Maria, inspirando-se no livro de Françoise Dolto e Gérard Sévérin, L’Évangile au risque de la psychanalyse, e transpondo-a para o mundo contemporâneo. Ao mesmo tempo, Anne-Marie Miéville realizou o seu próprio filme sobre o mesmo tema, intitulado Le Livre de Marie, que foi apresentado como prefácio ao filme de Godard. O filme de Godard provocou um enorme escândalo e suscitou a indignação dos católicos, inicialmente em França, mas também na América Latina. Mais uma vez, o filme teve 350.000 entradas em França.

Para terminar Je vous salue, Marie, cuja rodagem demorou mais tempo do que o previsto, Godard comprometeu-se a realizar Détective, que foi apresentado como um thriller de Godard. Para este filme, realizado por iniciativa do produtor Alain Sarde, Godard reuniu Johnny Hallyday, Nathalie Baye, Claude Brasseur, Jean-Pierre Léaud, Alain Cuny e Laurent Terzieff. O filme, rodado em setembro de 1984, foi apresentado no Festival de Cannes em 1985. O filme teve uma receção morna por parte da imprensa, mas foi novamente um sucesso de bilheteira (380.000 bilhetes vendidos em França).

Em fevereiro de 1986, filma Grandeur et décadence d’un petit commerce de cinéma para a televisão com Jean-Pierre Mocky no papel de produtor e Jean-Pierre Léaud no papel de realizador. Em seguida, filmou Soigne ta droite, uma comédia de humor negro com Jacques Villeret, Dominique Lavanant, Michel Galabru e Les Rita Mitsouko, em que ele próprio interpreta o papel de um cineasta idiota. O filme, lançado em dezembro de 1987, atraiu apenas 130.000 espectadores em França. Em 1985, assinou um contrato com o produtor Menahem Golan para realizar uma adaptação de Rei Lear de William Shakespeare nos Estados Unidos. No entanto, o projeto revelou-se difícil de concretizar. Godard pediu um guião ao escritor americano Norman Mailer, que depois o rejeitou. Finalmente, filmou o filme em fevereiro de 1987 nas margens do Lago de Genebra com Peter Sellars, Burgess Meredith, Molly Ringwald, Julie Delpy e Leos Carax, e apresentou-o no Festival de Cannes desse mesmo ano. O produtor ficou escandalizado com o trabalho de Godard e, em particular, com o facto de Godard ter utilizado as suas conversas privadas no filme. O filme não foi exibido em França e só foi exibido durante cinco dias nos Estados Unidos. Distribuído em França em 2002, vendeu apenas 9.000 bilhetes.

História(s) do cinema (1988-2000)

De 1988 a 1998, realizou Histoire(s) du cinéma, um vasto fresco filosófico e estético constituído por colagens e citações ao estilo do Musée imaginaire de André Malraux. A partir desta série de oito programas, publicou uma versão ilustrada com fotogramas com a Gallimard. O projeto foi concluído em 1998. Na sua Histoire(s) du cinéma, Godard utiliza o cinema como meio de pensamento. Numa entrevista que deu a Les Inrockuptibles em 1998, explicou: “Fiz uma ecografia da História através do cinema. Em virtude do seu material, que é ao mesmo tempo tempo tempo, projeção e memória, o cinema pode fazer uma ecografia da História fazendo a sua própria ecografia. E dar uma vaga ideia do tempo e da história do tempo. Porque o cinema é sobre a passagem do tempo. Se usássemos os meios do cinema – que é para isso que ele foi feito – obteríamos uma certa maneira de pensar que nos permitiria ver as coisas. Este ensaio cinematográfico levanta questões complexas de direitos de autor. Godard utiliza excertos de filmes para os inserir na sua Histoire(s) du cinéma, mas no cinema não existe o direito de citação como na literatura, o que dificulta a edição do filme.

Paralelamente ao seu trabalho em Histoire(s) du cinéma, Godard continuou a fazer filmes. Realizou Nouvelle Vague (1990) com Alain Delon. O filme conta a história de um homem que é abandonado pela mulher enquanto se afoga, depois encontra-a, seduz-a e salva-a de se afogar antes que ela o reconheça. O filme foi apresentado no Festival de Cannes em maio de 1990. O sucesso de bilheteira foi moderado (140.000 bilhetes vendidos em França). Em seguida, realizou Allemagne 90 neuf zéro com o seu antigo assistente Romain Goupil. Realizou também curtas-metragens como L’Enfance de l’art para a Unicef, Pour Thomas Wainggai para a Amnistia Internacional e (Parisienne People)s, um anúncio produzido com Anne-Marie Miéville para a marca de cigarros Parisienne, seguido de um filme mais ambicioso, Les Enfants jouent à la Russie (en).

Realizou Hélas pour moi (1993) com o ator Gérard Depardieu. O filme não teve muito sucesso (80.000 bilhetes vendidos em França). Em seguida, realizou um autorretrato para a Gaumont intitulado JLG

Em 1996, realizou For Ever Mozart. O filme vendeu 56.000 bilhetes em toda a União Europeia. O próprio Godard avaliou o filme de forma bastante dura: considerou que os actores não eram suficientemente bons e que o filme permanecia demasiado teórico.

Anne-Marie Miéville escolheu-o para o filme Nous sommes tous encore ici (1996), substituindo um outro ator que desistiu à última hora, e voltou a escolhê-lo para Après la réconciliation (1999).

2000s

O projeto Éloge de l’amour nasceu em 1996, mas o período de gestação do filme foi particularmente longo e Godard reescreveu o argumento pelo menos quatro vezes. As filmagens também foram longas, estendendo-se ao longo de 1999, e a montagem demorou mais quinze meses. Estreado em 2001, o filme teve uma receção relativamente fraca por parte da crítica e um sucesso apenas marginal junto do público (75.000 entradas em França).

Em seguida, Godard dirigiu Notre musique. Lançado em 2004, o filme foi mal recebido pelo público (28.000 entradas em França).

Em 2006, Dominique Païni deu carta branca a Jean-Luc Godard para organizar uma exposição no Centro Georges-Pompidou, inicialmente intitulada Collage(s) de France. Arqueologia do cinema. Propôs um projeto financeiramente inviável e a exposição foi apresentada ao público inacabada sob o título Voyage(s) en utopie. Em busca de um teorema perdido. JLG 1945-2005.

Esta experiência de uma exposição impossível foi o ponto de partida para o filme de Alain Fleischer sobre Jean-Luc Godard, Morceaux de conversations avec Jean-Luc Godard. O filme mostra Godard a trabalhar em Rolle, encontros com estudantes de Fresnoy e discussões com Jean-Marie Straub, Danièle Huillet, Nicole Brenez, Dominique Païni, Jean-Michel Frodon, Jean Douchet, Jean Narboni e André S. Labarthe.

Em 2008, realizou um trailer para o Festival de Cinema de Viena, intitulado Une catastrophe. Em 2010, após a morte de Éric Rohmer, Godard realizou um filme de homenagem de 3 min e 26 seg. O filme utiliza os títulos dos artigos de Rohmer da década de 1950, enquanto Godard recorda memórias partilhadas em voz-off.

Ano 2010

Em 2010, Godard realizou Film Socialisme. O filme foi selecionado para o Festival de Cannes de 2010 na secção “Un certain regard”. Antes da projeção do seu filme, publicou na Internet versões condensadas do mesmo, mostrando todas as imagens do filme em formato acelerado. O filme, que é composto por uma série de esboços colados, foi visto por 38 000 pessoas em todos os países da União Europeia.

Em novembro de 2010, Jean-Luc Godard recebeu um Óscar Honorário pelo conjunto da sua obra. Ao receber o prémio em novembro de 2010, o argumentista Phil Alden Robinson disse: “Godard mudou a forma como escrevemos, realizamos, filmamos e editamos. Ele não se limitou a quebrar as regras. Esmagou-os no carro e depois passou por cima deles em marcha-atrás para se certificar de que estavam mortos.

A cerimónia de entrega dos Óscares reacendeu as acusações de antissemitismo que vinham sendo feitas a Godard desde a década de 1970. A controvérsia foi retomada nos Estados Unidos, a 6 de outubro de 2010, quando o Jewish Journal of Greater Los Angeles publicou o título “Será Jean-Luc Godard um antissemita? Na mesma altura, Alain Fleischer abordou a questão num livro intitulado Réponse du muet au parlant (Resposta do filme mudo ao filme falado), destacando alguns comentários inquietantes sobre o assunto. Daniel Cohn-Bendit, no Le Monde, e Antoine de Baecque, no sítio Rue89, consideram que o anti-sionismo de Godard não pode ser equiparado ao antissemitismo. A acusação de antissemitismo é também contestada pelo escritor Maurice Darmon num livro intitulado La Question juive de Jean-Luc Godard.

Depois de Film Socialisme, Jean-Luc Godard fez experiências com o cinema 3D. Realizou uma curta-metragem, Les Trois Désastres, apresentada na Semana da Crítica do Festival de Cannes de 2013 como parte de um tríptico conjunto com Peter Greenaway e Edgar Pera intitulado 3x3D, e uma longa-metragem, Adieu au langage, selecionada em competição no Festival de Cannes de 2014. Godard não foi a Cannes para apresentar o seu filme, mas enviou uma “carta filmada a Gilles Jacob e Thierry Frémaux”, uma curta-metragem de oito minutos para explicar o seu gesto. Apesar do seu desejo de não receber qualquer prémio, o júri atribuiu-lhe o seu primeiro prémio em Cannes após oito selecções: o Prémio do Júri.

Para o Festival de Cannes de 2018, apresentou Le Livre d’image, um filme experimental dedicado em grande parte ao mundo árabe, citando amplamente Une ambition dans le désert de Albert Cossery. O realizador não se deslocou a Cannes, tendo realizado a conferência de imprensa por videoconferência. Desta vez, recebeu uma Palma de Ouro “especial” pelo filme. Jean-Michel Frodon descreve-o como “uma grande viagem através de imagens, sons e acontecimentos (que) constrói uma reflexão centrada na história do Médio Oriente para reformular as questões em jogo numa aspiração revolucionária para o futuro”.

Em outubro de 2019, fez a primeira página dos Cahiers du Cinéma com um charuto a fumar na boca. Nesta longa entrevista com Stéphane Delorme e Joachim Lepastier, o cineasta fala da sua vida e do seu último filme, Le Livre d’image.

Desde 2002, o realizador Fabrice Aragno colaborou com Jean-Luc Godard nos seus últimos filmes, tornando-se o seu confidente mais fiável até à sua morte.

Jean-Luc Godard morreu a 13 de setembro de 2022, aos 91 anos. O realizador de cinema recorreu ao suicídio assistido devido a polipatologias debilitantes, uma prática legal e regulamentada na Suíça. O seu corpo foi cremado a 15 de setembro e as suas cinzas foram entregues à viúva.

Títulos

Geralmente, Godard escolhe o título do seu próximo filme antes de saber como será o filme. Numa entrevista a Serge Kaganski em 2004, explicou: “O título vem sempre primeiro. O único título que me ocorreu depois do filme foi Breathless, e não gostei nada dele. Para o filme seguinte, tive a ideia de um título, The Little Soldier, mesmo antes de saber como seria o filme. Os títulos tornaram-se sinais artísticos. O título diz-me em que direção devo olhar.

Godard e a arte da citação

Os filmes de Godard estão repletos de citações, sejam elas pictóricas, musicais, literárias, filosóficas, históricas ou cinematográficas. Na conferência de imprensa que deu no Festival de Cannes em 1990, aquando do lançamento de Nouvelle Vague, Godard definiu-se a si próprio como o “organizador consciente do filme” e não o autor, e explicou a sua relação com as citações: “Para mim, todas as citações – sejam elas pictóricas, musicais ou literárias – pertencem à humanidade. Sou simplesmente o tipo que um dia junta Raymond Chandler e Fedor Dostoievski num restaurante, com pequenos e grandes actores. É tudo o que há para fazer.

Elementos autobiográficos

Jean-Luc Godard não faz filmes autobiográficos. No entanto, alguns dos seus filmes contêm elementos de autobiografia. Em À bout de souffle, por exemplo, a cena em que Michel Poiccard rouba dinheiro à sua amiga Liliane enquanto esta se está a vestir faz lembrar o hábito do jovem Jean-Luc Godard de roubar dinheiro às pessoas que lhe são próximas. Em Le Petit Soldat, vemos um jovem adepto das provocações políticas, dos carros de luxo e do flirt obsessivo, provavelmente muito semelhante ao meio que Godard frequentava em Genebra em 1953 e 1954. Em Prénom Carmen, o próprio Godard interpreta a personagem do Tio Jean, um cineasta internado num hospital psiquiátrico. O próprio Godard passou algum tempo num hospital psiquiátrico em 1953, internado a pedido do seu pai para escapar à prisão após um assalto.

Construção de filmes

Godard explica: “Tenho tendência para fazer filmes como dois ou três músicos de jazz: damos a nós próprios um tema, tocamos e depois tudo se conjuga”. Em diferentes graus e consoante a época, o cineasta rompeu com a dimensão narrativa do cinema clássico e com a ideia de personagens. No entanto, os seus primeiros filmes foram influenciados por filmes B, thrillers e film noir, que ele procurou transcender através de uma releitura crítica dos géneros, em detrimento de uma narrativa tradicional. Alphaville, por sua vez, revisita a antecipação. A sua obra joga com falsas conexões e desconecta imagem e som, que se tornam duas entidades por direito próprio. Além disso, Godard mistura indiscriminadamente ficção, documentário, militância, pintura, sociologia, música e videoarte. Não há necessariamente um guião, nem diálogos pré-estabelecidos, mas uma série de colagens ou um mosaico de fragmentos visuais e notas dispersas, montados de acordo com ligações plásticas e sonoras. Na sua obra, o sentido a dar às imagens pertence ao espetador: o sentido nasce depois da visão e não antes.

Montagem

Para o filósofo Gilles Deleuze, a arte da montagem de Godard baseia-se na utilização do E, do entre, para mostrar a terra de ninguém das fronteiras: “O que conta para ele não é o 2 ou o 3, ou qualquer número deles, é o ET, a conjunção ET. O uso que Godard faz do AND é essencial. É importante porque o nosso pensamento é modelado pelo verbo ser, EST. O E não é nem um nem outro, está sempre entre os dois, é a fronteira O objetivo de Godard: “ver as fronteiras”, ou seja, tornar visível o impercetível.

Jogos de mise en abyme no cinema

O cinema intervém muitas vezes nos seus filmes, jogando com a mise en abyme. É o caso de Détective, onde vemos uma câmara JVC a filmar. A certa altura, vira-se para o tio (Terzieff), na realidade virando-se para a câmara que o filma, criando um efeito de mise en abyme semelhante ao da abertura de Le Mépris.

O cineasta também se refere frequentemente ao equipamento de vídeo: o néon AGFA em Détective, o VHS e o clube de vídeo em Hélas pour moi…

A mise en abyme está muito presente através das actividades das personagens que :

Por vezes, aparecem cartazes de outros filmes. Exemplos: em Éloge de l’amour, vemos o cartaz de Matrix. Em Le Mépris e 2 ou 3 choses, vemos o cartaz de Vivre sa vie.

Referências a cenas de filmes

Referências a realizadores: o cinema altamente referencial de Godard está repleto de homenagens aos seus pares, e seria fastidioso enumerá-las todas. Alguns exemplos: em Le Petit soldat, Anna Karina interpreta a personagem de Veronika Dreyer, no que parece ser uma homenagem a um dos realizadores preferidos de Godard, Dreyer. Em Vivre sa vie, ela é dominada pelo rosto de Falconetti, a Joana d’Arc de Dreyer. Fritz Lang interpreta-se a si próprio em Le Mépris, naquela que é a homenagem de Godard a um dos seus mestres. De um modo geral, há quase sempre um realizador em abyme nas obras de Godard: em Le Mépris é Lang, em Pierrot le Fou é Fuller, em La Chinoise é ele próprio, em Tout va bien é Montand, em Sauve qui peut (la vie) é Dutronc, em Passion é Djerzy, em Prénom Carmen é ele, em Soigne ta droite, King Lear e Notre musique também.

Referências à pintura

A obra de Godard contém numerosas referências à pintura:

A interação entre os filmes de Godard

A cinematografia de Godard tem uma forte dimensão autorreferencial, os seus filmes referem-se uns aos outros:

Jean-Luc Godard pronunciou-se contra as touradas, defendeu Roman Polanski quando este foi preso em 2009 e opôs-se à lei Hadopi.

A partir da década de 1970, Jean-Luc Godard manifestou o seu apoio à causa palestiniana e as suas opiniões anti-israelitas, nomeadamente em filmes como Ici et ailleurs e Notre musique, o que o levou a ser acusado de antissemitismo. As primeiras controvérsias surgiram em 1974, quando sobrepôs uma imagem de Adolf Hitler à da primeira-ministra israelita Golda Meïr, criticou a Bíblia como “um texto demasiado totalitário” e estabeleceu ligações que considerou ofensivas entre o genocídio dos judeus e o conflito israelo-palestiniano. Nos anos que se seguiram, fez outros comentários polémicos sobre o povo judeu e os israelitas, nomeadamente comparando os judeus aos nazis num filme de 1970 sobre o conflito israelo-palestiniano: “Os judeus estão a fazer aos árabes o que os nazis fizeram aos judeus”. No entanto, Jean-Luc Godard também afirmou que ficou chocado com o antissemitismo do seu avô materno e que se sentiu culpado pela Shoah. Para o seu biógrafo Antoine de Baecque: “A posição de Godard não é a de um antissemita. Há nele um anti-sionismo evidente, nascido em 1967, após a Guerra dos Seis Dias, quando a imagem de Israel foi virada do avesso. Esta posição pró-palestiniana, que era relativamente comum nos anos 70, ofende hoje as nossas sensibilidades. A questão judaica é recorrente, mas é mais uma questão de anti-sionismo”. Em 2009, Alain Fleischer acusou Jean-Luc Godard de ter feito comentários anti-semitas durante a realização do seu filme. Em 2010, The Daily Beast e os judeus americanos criticaram a atribuição de um Óscar honorário a Jean-Luc Godard e protestaram contra o prémio, citando as suas opiniões “anti-judaicas”. Em maio de 2018, assinou uma petição para boicotar a temporada França-Israel do Instituto Francês, que, segundo os signatários, se destinava a promover a imagem de Israel.

Desde Sem Fôlego, Godard continua a dividir os críticos. É adorado por uns e odiado por outros.

Por ocasião da estreia de Deux ou trois choses que je sais d’elle, François Truffaut, coprodutor do filme, justifica a sua participação:

“Jean-Luc Godard não é o único a filmar enquanto respira, mas respira melhor. Ele é rápido como Rossellini, travesso como Sacha Guitry, musical como Orson Welles, simples como Pagnol, ferido como Nicholas Ray, eficaz como Hitchcock, profundo, profundo, profundo como Ingmar Bergman e atrevido como ninguém.”

No mesmo texto, não hesita em comparar Godard a Picasso, como o faria mais tarde Olivier Assayas:

“Os anos que passam confirmam-nos a certeza de que Sem fôlego terá marcado um ponto de viragem decisivo na história do cinema, como Cidadão Kane em 1940. Godard destruiu o sistema, fez do cinema uma confusão, tal como Picasso fez com a pintura, e tal como Picasso tornou tudo possível…”.

Alguns cineastas condenam algumas das obras de Godard. Costa-Gavras, por exemplo, diz não ter interesse no chamado período comunista, que considera “nada mais do que filmes de esquerda”.

Jean-Luc Godard continua a ser um cineasta controverso. Há quem deteste a sua obra. O romancista americano Philip Roth, por exemplo, considera a obra de Godard insuportável: “Com exceção de Sem fôlego, que foi de uma importância inquestionável, a sua obra parece-me insuportável”.

Jacques Lourcelles, no seu Dictionnaire des films, é particularmente crítico em relação à obra de Godard, que, na sua opinião, “se dedicou a retratar, não sem complacência, a confusão mental da sua geração, fornecendo material suficiente para dezenas de filmes”. Critica-o também a ele e a outros cineastas da Nova Vaga pela arrogância dos seus comentários: “Ninguém antes deles tinha ousado dizer tanto bem de si próprio e tanto mal dos outros”, citando Godard: “Entre um filme nosso e um filme de Verneuil, Delannoy, Duvivier e Carné, há de facto uma diferença de género.

Woody Allen, que filmou com Godard em 1987 em Rei Lear, faz um comentário desconcertado sobre a sua experiência: “Ele interpreta muito bem o intelectual francês, com uma certa imprecisão. Quando cheguei para a filmagem, ele estava de pijama – em cima e em baixo -, de roupão e chinelos, e a fumar um grande charuto. Tive a estranha sensação de que estava a ser dirigido por Rufus T. Firefly. Firefly”. Firefly é o nome da personagem interpretada por Groucho Marx em Duck Soup.

Segundo algumas fontes, Yves Montand disse que Godard era “o mais burro dos maoístas suíços”. Christophe Bourseiller refere que a frase “Godard: le plus con des Suisses prochinois” (“Godard: o mais burro dos proponentes suíços”) é um graffiti que apareceu nas paredes de Paris em maio de 68 por iniciativa da Internacional Situacionista.

A Igreja Católica acusou Godard de heresia após o lançamento do seu filme Je vous salue, Marie (1985).

Em 1987, a sua interpretação do Rei Lear de William Shakespeare foi criticada pelo Shakespeare Bulletin, que a descreveu como “muito má”.

Em meados da década de 1960, vários jovens cineastas foram diretamente influenciados por Godard. Entre eles, Jean Eustache, cuja média-metragem Le Père Noël a les yeux bleus (1966) foi parcialmente financiada por Godard, Jean-Michel Barjol, Francis Leroi, Luc Moullet, Romain Goupil e Philippe Garrel. Godard gostava particularmente do trabalho de Garrel e disse ter ficado muito impressionado com os filmes que Garrel, então com vinte anos, realizou em maio de 68.

Ao mesmo tempo, Godard também influenciou uma geração de cineastas americanos nascidos na década de 1940, incluindo Peter Bogdanovich, Paul Schrader, Monte Hellman, Martin Scorsese, George Lucas, Francis Ford Coppola e Brian De Palma. Há também Quentin Tarantino, cuja produtora “A Band Apart” foi baptizada com o nome do filme de Godard.

Marie Cardinal descreve o período que antecedeu a filmagem de Deux ou trois choses que je sais d’elle no seu livro Cet été-là, escrito em 1967. A segunda edição (a única disponível), publicada pelas Nouvelles Éditions Oswald em 1979, inclui dois apêndices: “Examen du film dans son état actuel” e “Choses à filmer”.

A sua ex-mulher Anne Wiazemsky relata a sua vida em conjunto com Jean-Luc Godard em duas histórias, Une année studieuse (2012) e Un an après (2015).

Em 2016, participou no documentário de Jean-Baptiste Thoret En Ligne de mire, comment filmer la guerre (Canal+).

Em 2017, o realizador Michel Hazanavicius adaptou o livro Un an après, de Anne Wiazemsky, para um filme intitulado Le Redoutable. O papel de Jean-Luc Godard é interpretado por Louis Garrel. O papel de Anne Wiazemsky é interpretado por Stacy Martin.

Bilheteira francesa

Frequentemente premiado, é conhecido pelos seus nove filmes na seleção oficial de Cannes, pelos seus seis filmes em competição para o Leão de Ouro no Festival de Veneza e pelas suas numerosas participações na Berlinale. É graças à diversidade dos seus filmes, ou à sua originalidade, que os seleccionadores o reconhecem frequentemente.

Em 1981, Jean-Luc Godard foi nomeado para a Ordem Nacional do Mérito, o que recusou. Declarou: “Não gosto de receber ordens e não tenho mérito”.

Características e números especiais

Ligações externas

Fontes