Joan Crawford

Alex Rover | Junho 4, 2023

Resumo

Joan Crawford, pseudónimo de Lucille Fay LeSueur (San Antonio, 23 de Março de 1904 – Nova Iorque, 10 de Maio de 1977), foi uma actriz norte-americana.

Considerada uma das mais famosas estrelas da Idade de Ouro de Hollywood, iniciou a sua carreira na década de 1920, durante a era silenciosa, mas alcançou grande sucesso principalmente nas décadas de 1930 e 1940, em filmes como Grand Hotel (1932), A Dança de Vénus (1933) e Mulheres (1939), nos quais retratou uma nova geração de jovens mulheres americanas, ambiciosas, autónomas e determinadas, tornando-se uma das divas mais populares e mais bem pagas da sua época. Depois de um período de menor fortuna, distinguiu-se em papéis mais dramáticos e maduros na segunda metade da sua carreira, dando outros desempenhos memoráveis em filmes como Mildred’s Romance (1945), que lhe valeu o Óscar de Melhor Actriz num Papel Principal em 1946, Johnny Guitar (1954), e o filme de culto Che fine ha fatto Baby Jane? (1962), em que partilhou o ecrã com Bette Davis, a sua grande rival cinematográfica da época.

O American Film Institute classificou Crawford como a décima maior estrela da história do cinema.

Infância e início da dança (1904-1926)

Nascida como Lucille Fay LeSueur em San Antonio, Texas, era a mais nova e terceira filha de Thomas E. LeSueur, um lavadeiro, e Anna Bell Johnson. A sua mãe era de ascendência inglesa, francesa huguenote, sueca e irlandesa. Os irmãos mais velhos de Crawford eram a sua irmã Daisy LeSueur, que morreu antes do nascimento de Lucille, e o seu irmão Hal LeSueur. O pai de Joan abandonou a família alguns meses antes do seu nascimento, reaparecendo em 1930 em Abilene, Texas, onde terá trabalhado como operário da construção civil.

Depois de o pai a ter abandonado, a mãe de Crawford casou com Henry J. Cassin. O casamento está registado no recenseamento como o primeiro casamento da mãe de Crawford. Joan vivia com a mãe, o padrasto e os irmãos em Lawton, Oklahoma. Aí, o padrasto era um pequeno empresário que dirigia a Ramsey Opera House, trabalhando com artistas tão diversos e conhecidos como Anna Pavlova e Eva Tanguay. Na altura, Joan não sabia que Cassin, a quem chamava “pai”, não era o seu pai biológico, até que o seu irmão Hal lhe contou a verdade.

Cassin, de acordo com os relatos de Crawford, começou a abusar sexualmente dela quando ela tinha onze anos; os abusos continuaram até ela ir para a Academia St. Agnes Academy, uma escola católica. Em criança, Crawford preferia a alcunha “Billie” e gostava de assistir a espectáculos de vaudeville e de actuar no palco do teatro do padrasto. A instabilidade económica da família afectou negativamente a infância e a educação de Joan, impedindo-a de continuar os seus estudos para além da escola primária. A primeira ambição artística de Joana foi tornar-se bailarina. No entanto, um dia, numa tentativa de escapar às aulas de piano para brincar com os amigos, saltou da varanda da sua casa e cortou gravemente o pé numa garrafa de leite partida. Como resultado, foi submetida a três cirurgias e não pôde frequentar a escola primária nem continuar com as aulas de dança durante 18 meses.

Enquanto ainda residia em Lawton, o seu padrasto foi acusado de desvio de fundos. Embora tenha sido absolvido, foi colocado numa lista negra em Lawton e a família mudou-se para Kansas City, Missouri, por volta de 1916. Após a mudança, Cassin, um católico, matriculou Joan na Academia St. Agnes, em Kansas City. Quando a mãe e o padrasto se separaram, Joan permaneceu em St. Agnes como estudante trabalhadora, onde passava muito mais tempo a trabalhar como cozinheira e empregada doméstica do que a estudar. Mais tarde, frequentou a Rockingham Academy, novamente como estudante trabalhadora, e teve a sua primeira relação romântica séria, com o trompetista Ray Sterling. Em 1922, inscreveu-se no Stephens College de Columbia, Missouri, indicando o seu ano de nascimento como 1906. Só frequentou a Stephens durante alguns meses e desistiu depois de se aperceber que não estava preparada para a universidade.

Sob o nome de Lucille LeSueur, Crawford começou a dançar em companhias de tournée e foi notada em Detroit pelo produtor Jacob J. Shubert, que a escolheu como corista para o seu espectáculo de 1924, Innocent Eyes, no Winter Garden Theatre, Broadway, Nova Iorque. Enquanto actuava em Innocent Eyes, Crawford conheceu o saxofonista James Welton. Os dois casaram-se provavelmente em 1924 e viveram juntos durante vários meses, embora este alegado casamento nunca tenha sido mencionado por Crawford. Ansiosa por conseguir mais espectáculos, Joan abordou a cadeia de teatros Loews de Nils Granlund, que lhe garantiu uma posição de destaque com o cantor Harry Richman e lhe deu uma audição para um filme, que ela enviou ao produtor Harry Rapf em Hollywood. De acordo com rumores não confirmados, para aumentar o seu rendimento, Joan aparecia em espectáculos de despedida de solteiro e em filmes de pornografia ligeira na sua juventude, embora estes sejam fortemente contestados pelos estudiosos e tenham sido sempre rejeitados pela própria Crawford.

Em 24 de Dezembro de 1924, Rapf notificou Granlund de que a Metro-Goldwyn-Mayer (MGM) tinha oferecido a Crawford um contrato de 75 dólares por semana. Tendo entretanto regressado à casa da mãe em Kansas City, Joan respondeu ao telefonema de Grunland, pediu emprestados 400 dólares para as despesas de viagem e deixou Kansas City a 26 de Dezembro de 1924, chegando a Culver City, na Califórnia, a 1 de Janeiro de 1925. Creditada como Lucille LeSueur, apareceu no seu primeiro filme, Lady of the Night, como figurante da estrela feminina mais famosa da MGM, Norma Shearer. No mesmo ano, participou também em The Circle e The Black Fly (ambos de 1925), com a actriz cómica ZaSu Pitts. Seguiram-se outros pequenos papéis não creditados em dois outros filmes de 1925, The Only Thing e The Merry Widow.

Pete Smith, director de publicidade da MGM, reconheceu as hipóteses de Joan se tornar uma grande estrela, desde que mudasse de nome; disse ao chefe do estúdio Louis B. Mayer que o apelido LeSueur lhe fazia lembrar um esgoto. Smith organizou um concurso intitulado “Name the Star” na revista Movie Weekly, para que os leitores pudessem escolher um novo nome artístico, a troco de um prémio em dinheiro. A escolha inicial foi “Joan Arden” mas, depois de outra actriz ter sido rebatizada com esse apelido, o apelido alternativo “Crawford” tornou-se a escolha final. Joan disse mais tarde que queria que o seu nome fosse pronunciado “Jo-Anne” e que detestava o apelido Crawford porque soava a “perch”, mas também admitiu que gostava da sensação de segurança que o nome evocava.

A chegada a Hollywood (1926-1932)

Sentindo-se cada vez mais frustrada com a consistência e a qualidade dos papéis que lhe eram atribuídos, Joan iniciou uma campanha de auto-promoção. A argumentista da MGM Frederica Sagor Maas recordou: “Ninguém decidiu fazer de Joan Crawford uma estrela, Joan Crawford tornou-se uma estrela porque Joan Crawford decidiu tornar-se uma estrela. Começou a participar em concursos de dança à tarde e à noite nos hotéis de Hollywood, onde ganhava frequentemente concursos de dança com as suas actuações de Charleston e Black Bottom”. A sua estratégia funcionou e a MGM ofereceu-lhe um papel importante no filme Sally, Irene and Mary (1925), que impressionou favoravelmente o público. Desde o início da sua carreira, Crawford considerou Norma Shearer, a actriz mais popular do estúdio, como a sua némesis profissional. Shearer era casada com o produtor Irving Thalberg e, por isso, tinha a primeira escolha de guiões e um forte controlo criativo. Joan terá dito: “Como é que posso competir com a Norma? Ela dorme com o patrão!”

Em 1926, Joan foi nomeada uma das Baby Stars da WAMPAS, juntamente com Mary Astor, Dolores del Río, Janet Gaynor e Fay Wray. No mesmo ano, protagonizou Paris, com Charles Ray. Em poucos anos, tornou-se a co-protagonista romântica de muitas das principais estrelas masculinas da MGM, incluindo Ramón Novarro, John Gilbert, William Haines e Tim McCoy. Crawford também apareceu em The Stranger (1927), protagonizado por Lon Chaney como Alonzo, um atirador de facas sem braços. Joan interpretou a jovem e atraente assistente de Alonzo, que está desejosa de casar com ele. Ela declarou que aprendeu mais sobre representação ao ver o trabalho de Chaney do que com qualquer outra pessoa na sua carreira. “Foi então”, disse ela, “que pela primeira vez me apercebi da diferença entre estar em frente a uma câmara e representar.” Também em 1927, apareceu ao lado do seu amigo íntimo, William Haines, em Spring Fever, que foi o primeiro de três filmes feitos pela dupla.

Em 1928, Joan contracenou com Ramón Novarro em Love and the Sea, mas foi o papel de Diana Medford em Our Dancing Sisters (1928) que garantiu o seu estrelato e fez dela o novo símbolo da feminilidade moderna dos loucos anos 20, uma espécie de resposta da MGM a Clara Bow, a It Girl original da Paramount. Seguindo a linha aberta com Our Dancing Sisters, Crawford apareceu em mais dois filmes do género, personificando para os fãs (muitos dos quais eram mulheres) uma visão idealizada da rapariga americana de espírito livre.

Em 3 de Junho de 1929, Crawford casou-se com Douglas Fairbanks Jr. na Igreja Católica de St Malachy (conhecida como “a capela dos actores” devido à sua proximidade dos teatros da Broadway) em Manhattan, embora nenhum dos dois fosse católico. Fairbanks era filho de Douglas Fairbanks e enteado de Mary Pickford, que eram considerados a realeza de Hollywood. Fairbanks Sr. e Pickford opuseram-se ao casamento e – nos oito meses que se seguiram à cerimónia – não convidaram o casal para a sua residência, Pickfair. As relações entre Joan e Fairbanks Sr. acabaram por melhorar; ela chamava-lhe “tio Doug” e ele chamava-lhe “Billie”, a sua alcunha de infância. Ela e Mary Pickford, no entanto, continuaram a desprezar-se mutuamente. Após o primeiro convite, Crawford e Fairbanks Jr. tornaram-se hóspedes mais frequentes em Pickfair. Enquanto os dois Fairbanks jogavam golfe juntos, Joan ficava com Pickford, que se retirava para os seus aposentos, ou simplesmente deixava Joan sozinha a passar o tempo a tricotar.

Sucesso e declínio (1932-1943)

Para se livrar do seu sotaque do sudoeste, Joan praticou incansavelmente a dicção. Após o lançamento de O Cantor de Jazz em 1927 – a primeira longa-metragem com diálogos sonoros – os filmes falados estavam a tornar-se moda, embora a transição do mudo para o sonoro tivesse colocado uma pressão na indústria cinematográfica; muitas estrelas do cinema mudo ficaram desempregadas devido às suas vozes inadequadas, sotaques difíceis de entender ou simplesmente à sua recusa em mudar para o sonoro. Muitos estúdios e estrelas evitaram a transição durante o máximo de tempo possível, especialmente a MGM, que foi o último estúdio a mudar para o som. Hollywood que Canta – A Grande Festa (1929) foi um dos primeiros filmes sonoros, que mostrava todas as estrelas da MGM (excepto Greta Garbo) a tentar provar a sua capacidade de fazer a transição do mudo para o sonoro. Joan estava entre as estrelas da MGM incluídas no filme, no qual cantou a canção Got a Feeling for You durante a primeira parte do filme.

Joan fez uma transição bem sucedida para o som. O seu primeiro papel principal numa longa-metragem foi em The Untameable, em 1929, com Robert Montgomery. Apesar do sucesso de bilheteira, o filme recebeu críticas mistas dos críticos, que notaram que a actriz parecia nervosa com a transição, mas estava a tornar-se uma das actrizes mais populares do mundo. A Misplaced Husband (1930), no qual Joan interpretava uma rapariga mimada e domesticada no Oeste Selvagem, colocou-a ao lado de Johnny Mack Brown e Ricardo Cortez. Embora o filme tenha tido problemas com a censura, foi um grande sucesso aquando da sua estreia. Dreaming Girls (1930), com Robert Montgomery e Anita Page, foi o último filme da série Our Dancing Daughters e representou o maior sucesso de Joan até à data, tanto em termos de crítica como financeiros, em comparação com os seus anteriores filmes falados, e tornou-se também um dos seus filmes favoritos. O filme também representou o crepúsculo da geração juvenil dos anos 1920.

Em Setembro de 1930, começaram os trabalhos para Great Day, um musical de Vincent Youmans, baseado numa peça da Broadway. Joan tinha sido proposta por Irving Thalberg, que acreditava na possibilidade de a tornar numa estrela do musical, mas Joan não estava convencida. Cansada de interpretar papéis ingénuos, pediu ao próprio Mayer para ver os diários, que concordou com a diva em arquivar o projecto do filme, que foi então proposto para Jeanette MacDonald, mas nunca foi realizado.

Joan queria passar para um verdadeiro drama, sem música e sem danças selvagens. O seu filme seguinte foi Debt of Hate (1930), protagonizado por Robert Armstrong, o que constituiu uma mudança notável em relação ao passado, embora Mayer não estivesse convencido a dar a Joan um papel tão ousado, mas acabou por ter de ceder, uma vez que Norma Shearer, destinada ao papel, estava grávida. O filme revelou-se um grande sucesso de bilheteira, estabelecendo Joan como uma intérprete sofisticada e dramática. Em 1931, a MGM contratou-a para cinco filmes. Em três deles, contracenou com a maior estrela masculina do estúdio, o “Rei de Hollywood” Clark Gable. The Way of Evil, lançado em Fevereiro de 1931, foi o primeiro filme de Crawford e Gable e provou ser um enorme sucesso de bilheteira. Mayer apercebeu-se que o sucesso se devia não só às cenas de banho nocturnas com uma Crawford em roupa interior, mas também à química entre Gable e Crawford. O seu segundo filme em conjunto, Laughing Sinners, lançado em Maio de 1931, foi realizado por Harry Beaumont e tinha como co-protagonista Neil Hamilton. Gable foi inserido à última hora e foram filmadas novas cenas com a dupla.

O maior sucesso do casal Crawford-Gable foi The Lover, o seu terceiro filme juntos, lançado em Outubro e realizado por Clarence Brown. O filme definiu a personagem que Crawford viria a interpretar em muitos filmes posteriores, a jovem trabalhadora que alcança o bem-estar financeiro e a estabilidade sentimental. The Lover também sofreu com a liberdade da produção, que foi feita antes da entrada em vigor do Código Hays; o filme mostrava um casal não unido pelo laço do casamento, mas vivendo seu relacionamento livremente. Por esse motivo, o filme teve problemas com a censura na Inglaterra. Estes filmes foram imensamente populares entre o público e foram geralmente bem recebidos pela crítica, fazendo de Joan uma das principais estrelas femininas da MGM da década, juntamente com Norma Shearer, Greta Garbo e Jean Harlow.

O seu único outro filme digno de nota de 1931, This Modern Age, foi lançado em Agosto e, apesar das críticas desfavoráveis, foi um sucesso moderado. A MGM lançou-a no filme Grand Hotel, realizado por Edmund Goulding. Nesta primeira produção de estúdio com todas as estrelas, Crawford contracenou com Greta Garbo, John Barrymore e Wallace Beery, entre outros. Ela interpretou uma estenógrafa de classe média para o gerente geral Beery. Crawford declarou mais tarde que estava nervosa durante as filmagens do filme porque trabalhou com “estrelas muito grandes” e que ficou desapontada por não ter tido cenas com a “divina Garbo”. Grand Hotel foi lançado em Abril de 1932 com sucesso comercial e de crítica. Foi um dos filmes mais bem sucedidos do ano e ganhou o Óscar de Melhor Filme.

Joan continuou a sua carreira com sucesso com Return (1932). Pouco depois da estreia deste filme, uma acção judicial por plágio obrigou a MGM a retirar o filme, que nunca foi exibido na televisão ou disponibilizado em vídeo doméstico durante muitos anos, sendo por isso considerado o filme “perdido” de Joan. O vestido com grandes mangas de folhos, desenhado por Adrian, que Crawford usou no filme tornou-se um modelo muito popular e foi mesmo copiado pela Macy’s.

Emprestada à United Artists, Crawford interpretou a prostituta Sadie Thompson em Rain (1932), uma versão cinematográfica da peça de John Colton de 1923. A personagem já tinha sido interpretada em palco por Jeanne Eagels e Gloria Swanson tinha-o interpretado no ecrã na versão cinematográfica de 1928. O filme foi mal recebido pela crítica e pelo público, e Joan recebeu cartas de fãs indignados com o papel “foleiro” e “vulgar”. Desiludida, Joan tirou férias com Fairbanks Jr., uma espécie de segunda lua-de-mel para recuperar a relação com o marido. O filme Rain foi mais tarde reavaliado por académicos e críticos, que descreveram o desempenho como o mais desafiante da carreira de Joan, destacando um trabalho profundo sobre a personagem.

Em 1932, o lançamento do Top Ten Money Making Stars Poll colocou Crawford em terceiro lugar nas bilheteiras, atrás de Marie Dressler e Janet Gaynor. Em Maio de 1933, Crawford divorciou-se de Douglas Fairbanks Jr. por “crueldade mental”, alegando que Fairbanks tinha “uma atitude ciumenta e desconfiada” em relação aos seus amigos e que tinham “atitudes violentas sobre assuntos triviais” que se prolongavam “até altas horas da noite”. Após o divórcio, voltou a fazer par com Clark Gable, Franchot Tone e Fred Astaire, no filme de sucesso A Dança de Vénus (1933). Foi o seu primeiro filme ao lado de Tone, um actor de teatro nova-iorquino, com quem as relações foram inicialmente hostis, mas Tone ficou impressionado com a inteligência e o charme de Joan. Tone e Joan tinham aparecido juntos pela primeira vez em Heroic Rivalry (1933), mas Crawford estava hesitante em embarcar numa nova relação tão pouco tempo depois da sua separação de Fairbanks. A actriz desempenhou mais tarde o papel principal em Torment (1934), contracenando com Tone e Gene Raymond. Ela contracenou com Clark Gable pela quinta vez em Chained (1934) e pela sexta vez em The Woman is Mobile (1934). Os filmes de Joan desta época foram os mais populares e de maior bilheteira de meados da década de 1930.

Em 1935, Crawford casou-se com Franchot Tone, que planeava usar os seus ganhos com o cinema para financiar o seu grupo de teatro. O casal construiu um pequeno teatro na casa de Crawford em Brentwood e encenou produções de clássicos para grupos seleccionados de amigos. Tone sentiu que Joan tinha um grande talento e introduziu a sua mulher no mundo da rádio, actuando juntos em algumas peças clássicas da rádio, de Lucrécia Bórgia a António e Cleópatra. O marido tentou convencer Joan a subir ao palco, mas a actriz tinha demasiado medo de enfrentar um público ao vivo. Antes e durante o casamento, Joan trabalhou para promover a carreira em Hollywood de Tone, cujos papéis eram geralmente os do segundo pretendente derrotado nos filmes da sua mulher. No entanto, o actor não estava tão interessado em ser uma estrela de cinema, a sua relação com Mayer era hostil (Tone tinha simpatias comunistas) e ele preferia o teatro. Depois de Tone ter começado a beber e a tornar-se fisicamente violento, Crawford pediu o divórcio, que foi concedido em 1939. Muito mais tarde, Crawford e Tone restabeleceram a sua amizade e Tone propôs-lhe, em 1964, que voltasse a casar com ele. Quando morreu em 1968, Crawford ordenou que fosse cremado e que as suas cinzas fossem espalhadas em Muskoka Lakes, no Canadá.

Joan continuou a sua carreira no auge da popularidade até meados da década de 1930. No More Ladies (1935), com Robert Montgomery e o seu então marido Franchot Tone, foi um sucesso. Crawford há muito que implorava ao patrão da MGM, Louis B. Mayer, que lhe desse papéis mais dramáticos e, embora relutante, o produtor escolheu-a para o sofisticado drama cómico I Live My Life (1935), realizado por W. S. Van Dyke. No filme, inspirado no êxito de It Happened One Night, Joan interpreta uma herdeira mimada que assedia um arqueólogo cínico interpretado por Brian Aherne. O filme revelou-se um grande sucesso, embora não acrescentasse nada de novo à produção desse ano, além de que Joan não se enquadrava no género da screwball comedy.

Mais tarde, protagonizou Too Beloved (1936), com Robert Taylor, Lionel Barrymore e Tone, um sucesso de crítica e de bilheteira, um dos melhores filmes de Crawford da década. Único filme de fantasia de Joan Crawford, foi apreciado pela crítica, que, no entanto, considerou o desempenho de Crawford demasiado sofisticado, comparado com a realidade da personagem histórica que interpretou. Houve muitos rumores maliciosos sobre este filme, incluindo o facto de Crawford ter dormido com todo o elenco masculino, sob o olhar atento de Tone. Love on the Run (1936), uma comédia romântica dirigida por W.S. Van Dyke, foi o seu sétimo filme com Clark Gable. Na altura do seu lançamento, foi descrito como “um monte de disparates felizes” pelos críticos, mas foi, no entanto, um sucesso financeiro.

Embora Joan continuasse a ser uma actriz respeitada na MGM e os seus filmes ainda fizessem dinheiro nas bilheteiras, a sua popularidade diminuiu no final da década de 1930. Em 1937, Crawford foi proclamada a primeira “Rainha do Cinema” pela revista Life. Inesperadamente, passou do sétimo para o 16º lugar nas bilheteiras desse ano e a sua popularidade pública também começou a diminuir. Protagonizou a comédia dramática de Richard Boleslawski, The End of Mrs Cheyney (1937), contracenando com William Powell no único filme que fizeram juntos. O filme foi também o último sucesso de bilheteira de Joan antes do início do seu período de “veneno de bilheteira”.

contracenou com Franchot Tone pela sétima e última vez em The Bride Wore Pink (1937). O filme foi geralmente mal visto pela maioria dos críticos, tendo um deles apelidado-o de “a mesma velha história deslavada” que Joan andava a fazer há anos. Sofreu também uma perda financeira, tornando-se num dos maiores fracassos do ano. Joan trabalhou com a única realizadora feminina de Hollywood, Dorothy Arzner; o filme era originalmente muito diferente, Luise Rainer foi inicialmente seleccionada para o elenco, mas depois desistiu do papel sem razão aparente, e contava a história da redenção de uma prostituta. Joan estava motivada para desempenhar o papel, mas Mayer, para proteger o seu favorito, fez com que o enredo fosse alterado para um filme normal de Joan Crawford, deixando Joan e o realizador sem palavras.

A Mulher Que Eu Quero tinha a tarefa, como disse o New York Times, de “devolver a Joan o seu trono de rainha das raparigas trabalhadoras”. Foi acompanhada por Spencer Tracy, a relação entre os dois não era a melhor. Tracy actuou sem qualquer interesse particular, mas foi, aos olhos dos críticos, o mais convincente e espontâneo. A maior parte das outras críticas foram positivas e o filme conseguiu gerar um pequeno lucro, mas não reavivou a popularidade de Joan. Frank S. Nugent escreveu no New York Times: “Ficámos com a impressão de que os argumentistas tinham invertido os papéis, nomeadamente que o Sr. Tracy era o bom rapaz trabalhador e Miss Crawford a plutocrata”.

Em 3 de Maio de 1938, Crawford – juntamente com Greta Garbo, Norma Shearer, Luise Rainer e John Barrymore, Katharine Hepburn, Fred Astaire, Dolores del Río e outros – foi apelidada de “veneno das bilheteiras” numa carta aberta publicada no Independent Journal. A lista foi apresentada por Harry Brandt, presidente da Independent Theatre Owners Association of America. Brandt afirmou que, embora estas estrelas tivessem capacidades dramáticas “inquestionáveis”, os seus elevados salários não reflectiam as vendas de bilhetes, prejudicando assim os actores envolvidos.

O seu filme seguinte, Obsession of the Past (1938), protagonizado por Margaret Sullavan e Melvyn Douglas, e escolhido pela própria Crawford durante uma viagem a Nova Iorque em busca de papéis interessantes nos teatros da Broadway, foi bem recebido pela crítica, mas foi um fracasso de bilheteira. Joan foi avaliada para interpretar Scarlett O’Hara em E Tudo o Vento Levou. Selznik pensou em apostar na química entre Gable e Crawford. Mas, no final, Joan nunca fez uma audição para o papel.

George Cukor, um grande amigo de Joan, queria-a em 1939 como Crystal Allen em Women; no filme, ela enfrentaria a sua némesis profissional, Norma Shearer. Foi o primeiro filme com um elenco exclusivamente feminino. Mayer, preocupado com o facto de a personagem sair completamente derrotada, impôs uma reescrita da cena final, com uma piada para Joan. Joan não tinha a simpatia do público neste filme, mas as gargalhadas com a piada “A propósito, há um nome para as senhoras, mas não é usado na alta sociedade… mas nas cowgirls” consolaram Mayer.

Um ano mais tarde, desempenhou um papel pouco glamoroso em The Devil’s Island (1940), o seu oitavo e último filme com Clark Gable. O filme apresenta uma disputa entre Gable e Crawford sobre quem deveria ter o primeiro nome no cartaz. As relações entre os dois já se tinham tornado muito frias após o casamento de Gable com Lombard, mas mesmo quando Gable lhe ofereceu um papel em Parnell, Joan recusou ser o segundo nome no cartaz. Por fim, a disputa foi resolvida por Mayer, Gable ficou com o cartaz e Joan com os créditos.

Mais tarde, Joan interpretou uma chantagista desfigurada em A Woman’s Face (1941), um remake do filme sueco En kvinnas ansikte, no qual Bergman tinha desempenhado o papel principal três anos antes. Embora o filme tenha tido um sucesso de bilheteira moderado, o seu desempenho foi elogiado por muitos críticos e Joan atribuiu o sucesso do seu desempenho a George Cukor.

Em 1942, foi protagonista de Everybody Kissed the Bride, da Columbia, no papel atribuído a Carole Lombard, que, no entanto, morreu prematuramente num acidente de avião. Joan decidiu doar os seus honorários a várias instituições de caridade em memória de Lombard. Mas o desempenho foi afectado pelo estado de espírito de Joan, uma mulher de carreira que tendia mais para a bruxa castradora do que para a feminista cómica e impetuosa que Lombard provavelmente desejava.

Seguiram-se filmes com cenários de guerra, The Great Flame (1942) com John Wayne, retratando a ocupação nazi em Paris, seguido de Above Suspicion (1943) com Fred MacMurray, em que os dois interpretam um casal envolvido pelos serviços secretos britânicos numa missão de espionagem na Alemanha. O filme teve problemas com a censura, pois era mostrada a morte de um agente nazi e o crime ficava “impune”. A reacção dos censores mostrou a atitude de Hollywood em relação à guerra.

Após dezoito anos, o contrato com a MGM foi rescindido por mútuo acordo em 29 de Junho de 1943. Em troca do último filme que restava do seu contrato, a MGM pagou-lhe 100.000 dólares a título de boa vontade. Durante a Segunda Guerra Mundial, foi membro do American Women’s Volunteer Services.

Joan adoptou o seu primeiro filho, uma menina, em 1940. Como não era casada, a lei da Califórnia impedia-a de adoptar a criança, pelo que tratou da adopção através de uma agência em Las Vegas. A criança foi temporariamente baptizada Joan até Crawford mudar o seu nome para Christina. Joan casou-se com o actor Phillip Terry em 21 de Julho de 1942, após um namoro de seis meses. Juntos, o casal adoptou um filho a quem deram o nome de Christopher, mas a sua mãe biológica reclamou a criança. Christina, em Mommie Dearest, contou o pouco que se lembrava desse momento, especialmente os gritos furiosos de Joan contra a mãe biológica da criança. Mais tarde, o casal adoptou outra criança, a quem deram o nome de Phillip Terry, Jr. Após o fim do casamento em 1946, Crawford mudou o nome da criança para Christopher Crawford.

O Óscar e o renascimento (1945-1959)

Por 500.000 dólares, Crawford assinou um contrato de três filmes com a Warner Brothers e foi contratada a 1 de Julho de 1943. O seu primeiro filme para o estúdio foi Hollywood Canteen (1944), um filme com todas as estrelas para apoiar as tropas americanas, e juntou-se a muitas outras estrelas de cinema da época. Crawford declarou que uma das principais razões que a levaram a assinar com a Warner Brothers foi o facto de querer interpretar a personagem “Mattie” numa versão cinematográfica do romance de Edith Wharton, Ethan Frome (1911). Joan queria fazer o filme com Bette Davis, mas Davis recusou-se terminantemente a interpretar o papel da velha esposa traída. O filme nunca foi produzido.

Joan tinha mostrado interesse no papel principal de The Romance of Mildred (1945), mas Bette Davis era a primeira escolha do estúdio. No entanto, Davis recusou o papel. O realizador Michael Curtiz não queria que Crawford desempenhasse o papel, fazendo pressão para que fosse Barbara Stanwyck. A Warner Bros. contrariou Curtiz e contratou Crawford para o filme. Ao longo da produção do filme, Curtiz criticou Crawford, dizendo a Jack L. Warner: “Ela vem para aqui com os seus ares e as suas malditas ombreiras… porque é que hei-de perder o meu tempo a dirigir o passado?” Curtiz pediu a Crawford que provasse a sua aptidão fazendo uma audição. Ela concordou. Após a audição, Curtiz aceitou Joan Crawford. O romance de Mildred foi um estrondoso sucesso comercial e de crítica, sintetizando o estilo visual noir e a sensibilidade dramática feminina que definiram os filmes da Warner Bros. no final da década de 1940. Com este filme, Joan ganhou o Óscar de Melhor Actriz num Papel Principal.

O sucesso de The Romance of Mildred relançou a carreira cinematográfica de Joan e ela tornou-se a favorita de Jack Warner. Joan tinha os melhores guiões em detrimento de Bette Davis. Bette começou um declínio na qualidade dos seus filmes até ao seu renascimento com All About Eve. Joan protagonizou durante vários anos o que foi descrito como “uma série de melodramas de primeira categoria”. O seu filme seguinte foi Perdutamente (1946), protagonizado por John Garfield, um drama romântico sobre uma história de amor entre um jovem violinista e uma mulher da classe alta. O filme foi muito elogiado pelos críticos pela sua direcção e cinematografia. A cena final é descrita como “imbuída de morte e dignidade”.

Foi protagonista ao lado de Van Heflin em Souls in Delirium (1947), pelo qual recebeu uma segunda nomeação para um Óscar, embora não tenha ganho. Em The Immortal Lover (1947) apareceu ao lado de Dana Andrews e Henry Fonda, em Flamingo Avenue (1949) a sua personagem tem uma rixa mortal com um xerife sulista corrupto interpretado por Sydney Greenstreet. Fez uma participação especial em O Amor Não Pode Esperar (1949), gozando com a sua própria imagem cinematográfica. Em 1950, foi protagonista do filme noir The Damned Do Not Cry e de Alone with Her Remorse.

Após a conclusão de Forgiveness (1952), um filme que descreveu como o “pior”, pediu a rescisão do seu contrato com a Warner Brothers. Nesse momento, sentiu que a Warner estava a perder o interesse por ela e decidiu que era altura de seguir em frente. Joan decidiu não se prender a uma produtora e iniciou uma carreira como actriz freelancer. No mesmo ano, recebeu a sua terceira e última nomeação para um Óscar por I Know You Will Kill Me, da RKO Radio Pictures. A partir deste filme, as feições de Crawford tornaram-se mais duras e masculinas, levando-a a assemelhar-se ao seu pai. Crawford adoptou mais duas crianças em 1947, duas meninas a quem deu o nome de Cindy e Cathy, apelidadas de “as gémeas”.

Em direcção ao pôr-do-sol (1960-1970)

Crawford casou com o seu quarto e último marido, Alfred Steele, no Flamingo Hotel, em Las Vegas, a 10 de Maio de 1955. Crawford e Steele conheceram-se numa festa em 1950, quando Steele era um executivo da PepsiCo. Voltaram a encontrar-se numa festa de Ano Novo em 1954. Nessa altura, Steele tinha-se tornado presidente da Pepsi Cola. Alfred Steele viria mais tarde a ser nomeado presidente do conselho de administração e director executivo da Pepsi Cola. Crawford viajou muito para a Pepsi depois do seu casamento. Calcula que tenha percorrido mais de 100.000 quilómetros para a empresa.

Quando Steele morreu de ataque cardíaco em Abril de 1959, Crawford foi inicialmente informada de que os seus serviços já não eram necessários. Depois de contar a história a Louella Parsons, a Pepsi mudou a sua decisão e Crawford foi eleita para ocupar o lugar vago no conselho de administração. Joan Crawford tornou-se o rosto publicitário e público da empresa.

Recebeu o sexto “Pally Award” anual, que tinha a forma de uma garrafa de Pepsi em bronze, um prémio atribuído ao empregado que tivesse dado o contributo mais significativo para as vendas da empresa. Em 1973, Crawford foi forçada a reformar-se da empresa a pedido de Don Kendall, executivo da empresa. Embora Crawford se tenha reformado da Pepsi, continuou a receber um salário simbólico.

Depois de ter sido nomeada para um Óscar em 1952 por I Know You Will Kill Me, Crawford continuou a trabalhar de forma estável durante o resto da década. Após uma ausência de dez anos, regressou à MGM para protagonizar The Mask and the Heart (1953), um drama musical centrado na vida desafiante de uma estrela de palco que se apaixona por um pianista cego, interpretado por Michael Wilding. As relações com a co-estrela não eram muito cordiais e Crawford não apreciava o humor inglês de Wilding. Embora o filme tenha sido muito publicitado como o grande regresso de Joan Crawford, acabou por ser um fracasso de crítica e financeiro, notório por ser o único filme em que usou cabelo ruivo. Em 1954, protagonizou o filme western de culto Johnny Guitar, com Sterling Hayden e Mercedes McCambridge; os direitos do romance foram comprados pela própria Crawford e o filme foi financiado pela Republic Pictures, especializada em westerns.

O filme teve um sucesso moderado nos Estados Unidos, mas na Europa, e em particular em França, tornou-se um dos filmes preferidos da Nuovelle Vague devido à estética visual do realizador Nicholas Ray, também citado por Truffaut. Também protagonizou Crime na Praia (1955), com Jeff Chandler, e Abelha Rainha (1955), contracenando com John Ireland. The Queen Bee, um melodrama ambientado no Sul, teve bastante sucesso. Christina Crawford disse no romance que, neste filme, a sua mãe interpretava-se a si própria, uma mulher desonesta e manipuladora.

No ano seguinte, contracenou com um jovem Cliff Robertson em Autumn Leaves (1956), um filme demasiado ousado que mostrava um caso de amor entre uma mulher madura e um jovem. Desempenhou um papel principal em The Story of Esther Costello (1957), protagonizado por Rossano Brazzi. Joan, que estava quase sem um tostão após a morte de Alfred Steele, aceitou um pequeno papel em Women in Search of Love (1959). Embora não fosse a estrela do filme, este recebeu críticas positivas. Mais tarde, Crawford considerá-lo-ia um dos seus papéis preferidos. No entanto, no início da década de 1960, as ofertas de emprego tinham diminuído consideravelmente.

Crawford interpretou Blanche Hudson, uma antiga estrela de cinema confinada a uma cadeira de rodas e que vive com medo da sua irmã psicótica Jane, no thriller psicológico de grande sucesso What Happened to Baby Jane? (1962). Apesar das tensões entre as duas actrizes durante as filmagens, foi Crawford quem sugeriu Bette Davis para o papel de Jane. As duas actrizes afirmaram publicamente que não havia qualquer rixa entre elas. O realizador, Robert Aldrich, explicou que Davis e Crawford estavam conscientes da importância do filme para as suas respectivas carreiras e comentou: “É justo dizer que elas se odiavam mesmo, mas comportaram-se de forma absolutamente perfeita”.

Depois de terminadas as filmagens, os comentários públicos que fizeram um contra o outro conduziram a uma rixa que durou toda a vida. O filme foi um enorme sucesso, recuperando os seus custos nos 11 dias seguintes à sua estreia nacional e restaurando temporariamente a carreira de Joan. Davis foi nomeada para um Óscar pela sua interpretação de Jane Hudson. Crawford contactou secretamente todas as outras nomeadas para os Óscares na categoria (Katharine Hepburn, Lee Remick, Geraldine Page e Anne Bancroft, todas actrizes da Costa Leste) para lhes dizer que, se não pudessem estar presentes na cerimónia, ela teria todo o gosto em aceitar o Óscar em seu nome; todas concordaram. Tanto Davis como Crawford estavam nos bastidores quando Anne Bancroft foi anunciada como vencedora e Crawford aceitou o prémio em seu nome. Davis afirmou, para o resto da sua vida, que Crawford tinha feito campanha contra ela, uma acusação que Joan sempre negou.

No mesmo ano, Crawford interpretou Lucy Harbin no filme de terror 5 Headless Bodies (1964), de William Castle. Robert Aldrich escolheu Crawford e Davis para o papel de Piano… piano, dolce Carlotta (1964). Após uma alegada campanha de assédio por parte de Davis no Louisiana, Bette Davis aceitou voltar a contracenar com Crawford e pediu para ser produtora executiva do filme. Crawford regressou a Hollywood e entrou num hospital, segundo a história, quando descobriu que um dos seus monólogos tinha sido cortado. Após uma ausência prolongada, durante a qual Crawford foi acusada de fingir uma doença, Aldrich foi forçado a substituí-la por Olivia de Havilland. Crawford afirmou ter ficado devastada com a notícia, dizendo: “Ouvi a notícia da minha substituição na rádio, deitada na minha cama de hospital…. Chorei durante nove horas”.

Crawford guardou rancores contra Davis e Aldrich para o resto da sua vida, dizendo de Aldrich: “Ele é um homem que adora coisas más, feias e vis”, ao que Aldrich respondeu: “Se o sapato lhe serve, use-o, e eu gosto muito de Miss Crawford”. Embora tenha sido substituída, um pequeno clip de Joan Crawford entrou no filme, quando é vista sentada num táxi num plano geral. Em 1965, interpretou Amy Nelson em The Eyes of Others (1965), outro filme de William Castle. Fez o papel de Monica Rivers no filme de terror de Herman Cohen, The Circle of Blood (1967). Após o lançamento do filme, participou como convidada no The Lucy Show. O episódio, “Lucy and the Lost Star”, foi transmitido pela primeira vez em 26 de Fevereiro de 1968. Crawford debateu-se durante os ensaios, uma vez que o seu alcoolismo se tinha agravado com o tempo, e a estrela da série, Lucille Ball, sugeriu substituí-la por Gloria Swanson.

No entanto, Crawford estava sóbrio no dia do espectáculo, actuou em Charleston e recebeu duas ovações de pé do público do estúdio. Em Outubro de 1968, a filha de Crawford, Christina (que na altura actuava em Nova Iorque na telenovela da CBS The Secret Storm), precisou de cuidados médicos imediatos devido a um tumor nos ovários. Embora a personagem de Christina tivesse 28 anos e Crawford estivesse na casa dos 60, Joan ofereceu-se para interpretar o seu papel até Christina recuperar, e a produtora Gloria Monty concordou prontamente. Apesar de Crawford ter feito um excelente ensaio, durante a gravação, como Christina conta, ela estava “bêbada como uma doninha”.

Participou no filme para televisão Night Gallery, de 1969 (que serviu de piloto para a série que se seguiu), marcando um dos primeiros trabalhos de realização de Steven Spielberg. Fez uma participação especial no primeiro episódio de The Tim Conway Show, que foi para o ar a 30 de Janeiro de 1970. A sua última aparição no grande ecrã foi no papel da Dra. Brockton no filme de terror de ficção científica de Freddie Francis, The Terror of London (1970), completando uma carreira de 45 anos e mais de oitenta filmes. Crawford fez mais três aparições na televisão, como Stephanie White num episódio de 1970 (“The Nightmare”) de The Virginian e como Joan Fairchild (a sua última actuação) num episódio de 1972 (“Dear Joan: We’re about to scare the hell out of you”) de The Sixth Sense.

Os últimos anos e a morte (1970-1977)

Em 1970, Crawford apresentou o Prémio Cecil B. DeMille com John Wayne nos Globos de Ouro, transmitidos a partir de Coconut Grove, no Ambassador Hotel, em Los Angeles. Também discursou no Stephens College, onde tinha sido aluna durante dois meses em 1922.

Em 1962, Joan Crawford publicou a sua autobiografia, A Portrait of Joan, escrita em conjunto com Jane Kesner Ardmore para a editora Doubleday. O livro seguinte de Crawford, My Way of Life, foi publicado em 1971 pela Simon & Schuster. Aqueles que esperavam uma história emocionante ficaram desiludidos, embora a forma meticulosa de Joan Crawford fosse revelada nos seus conselhos sobre cuidados de beleza, guarda-roupa, exercício e até armazenamento de alimentos. O lançamento da série televisiva Feud e o seu relativo sucesso levaram a que os livros da actriz fossem reeditados, ficando disponíveis pela primeira vez em formato digital ebook.

Aquando da sua morte, foram encontradas fotografias do apartamento de John F. Kennedy, em quem tinha votado nas eleições presidenciais de 1960. Em Setembro de 1973, Crawford mudou-se do apartamento 22-G para um apartamento mais pequeno ao lado (22-H) na Imperial House, 150 East 69th Street.

A sua última aparição pública foi a 23 de Setembro de 1974, durante uma festa em honra da sua velha amiga Rosalind Russell, no Rainbow Room, em Nova Iorque. Na altura, Russell sofria de cancro da mama e de artrite. Quando Crawford viu as fotografias pouco lisonjeiras que apareceram nos jornais no dia seguinte, disse: “Se é assim que me vêem, então não me voltarão a ver”. Crawford cancelou todas as aparições públicas, começou a recusar entrevistas e a sair cada vez menos do seu apartamento.

Problemas dentários, incluindo várias operações que exigiram cuidados de enfermagem permanentes, atormentaram-na de 1972 até meados de 1975. Durante este período, tornou-se viciada em antibióticos, o que, juntamente com o problema da bebida, a levou a desmaiar em Outubro de 1974, quando escorregou e bateu com a cara no chão. O incidente assustou-a o suficiente para que deixasse de beber, mas ela insistiu que a sua decisão se devia ao seu regresso à Ciência Cristã. O incidente está registado numa série de cartas enviadas à sua companhia de seguros, que se encontram nos arquivos do 3º andar da Biblioteca Pública de Nova Iorque para as Artes do Espectáculo; foi também documentado por Carl Johnnes na sua biografia da actriz, Joan Crawford: The Last Years.

No que diz respeito à política pessoal, Crawford era um democrata que apoiava e admirava muito as administrações de John F. Kennedy e Franklin D. Roosevelt. Roosevelt. Na sua vida privada, Joan Crawford não falava de política e não expunha abertamente as suas opiniões sobre a guerra e os direitos civis. Christina Crawford, em Mommie Dearest, disse que era muito difícil falar de política com a sua mãe e, durante muito tempo, não sabia se ela era democrata ou republicana.

Em 8 de Maio de 1977, Crawford ofereceu a sua adorada Shih Tzu “Princess Lotus Blossom” como presente, pois estava demasiado fraca para cuidar dela. Crawford morreu dois dias depois no seu apartamento em Nova Iorque, vítima de um ataque cardíaco. O funeral realizou-se na Campbell Funeral Home, em Nova Iorque, a 13 de Maio de 1977. No seu testamento, assinado em 28 de Outubro de 1976, Crawford legou às suas duas filhas mais novas, Cindy e Cathy, 77.500 dólares cada uma e 200.000 dólares em propriedades.

Deserdou explicitamente os seus dois filhos mais velhos, Christina e Christopher: “É minha intenção não fazer qualquer provisão para o meu filho, Christopher, ou para a minha filha, Christina, por razões que são bem conhecidas por eles”. Não legou nada à sua sobrinha Joan Lowe (1933-1999, nascida Joan Crawford LeSueur, filha única do seu irmão Hal). Crawford deixou dinheiro às suas instituições de caridade favoritas: a USO em Nova Iorque, a Motion Picture Home, a American Cancer Society, a Muscular Dystrophy Association, a American Heart Association e a Wiltwyck School for Boys.

Em 16 de Maio de 1977, realizou-se uma cerimónia fúnebre na All Souls Unitarian Church, na Lexington Avenue, em Nova Iorque, na qual participaram, entre outros, a sua velha amiga de Hollywood Myrna Loy. Outra cerimónia fúnebre, organizada por George Cukor, teve lugar a 24 de Junho no Samuel Goldwyn Theatre da Academia de Artes e Ciências Cinematográficas de Beverly Hills. Crawford foi cremada e as suas cinzas foram colocadas numa cripta com o seu quarto e último marido, Alfred Steele, no cemitério de Ferncliff, em Hartsdale, Nova Iorque.

As impressões das mãos e dos pés de Joan Crawford estão imortalizadas no átrio do Grauman’s Chinese Theatre, na Hollywood Boulevard, em Hollywood. Tem uma estrela no Passeio da Fama de Hollywood, no número 1752 da Vine Street, pelas suas contribuições para a indústria cinematográfica. A Playboy classificou Joan Crawford como a 84ª das “100 Mulheres Mais Sensuais do Século XX”. Crawford foi também eleita a décima maior estrela feminina do cinema clássico americano pelo American Film Institute.

Filmes e documentários sobre Joan Crawford

Fontes

1. Joan Crawford
2. Joan Crawford
3. O ano de nascimento de Crawford é incerto, já que fontes diferentes listam 1904, 1905, 1906 e 1908.[1] O censo de 1910 traz sua idade à época como sendo de 5 anos em abril.[2] Ela mesma falava que tinha nascido em 1908 (a data em sua lápide),[3] mas os biógrafos citam 1904 como o ano mais provável de seu nascimento.[4][5][6][7][8][9][10][11][12][13] Sua filha, Christina, na biografia “Mamãezinha Querida” (1978), cita 1904 duas vezes: “Publicamente, sua data de nascimento era 23 de março de 1908, mas a vovó me disse que ela nasceu na verdade em 1904”.[14]:20 “Minha mãe nasceu como Lucille LeSueur em San Antonio, Texas em 1904, apesar de que quando ela veio para Hollywood ela mentiu sobre sua idade e mudou o ano para 1908”.[14]:66
4. ^ La voce dell’altra!, in L’eco del cinema, n. 115, giugno 1933, p. 12.
5. Discussie over Crawfords geboortedatum op de Engelstalige Wikipedia
6. Inne źródła podają rok 1903, 1904, 1905, 1908. W Mommie Dearest córka aktorki, Christina, twierdziła, że jej babcia powiedziała, iż Joan w rzeczywistości urodziła się w 1904 r. W dokumentacji MGM z 1925 r. aktorka przedstawiona jest jako 19-latka, co sugerowałoby 1905 r. jako datę urodzenia. Z kolei 1906 r. widnieje w dokumentacji z college’u.[1].
7. Największą aktorką, w tym samym plebiscycie, ogłoszono Katharine Hepburn (osobno aktorki i aktorzy)
8. Spekuluje się, że w połowie lat 20. Crawford mogła wziąć udział w kilku filmach pornograficznych. Niektórzy dziennikarze jak Robert Slatzer czy Helen Laurenson utrzymywali, że widzieli takie nagrania lub rozmawiali z osobami, które miały w nich uczestniczyć. Do dziś jednak nie znaleziono, nie upubliczniono żadnego takiego filmu.
9. Aktor którego filmy nie przynoszą zysków. Pojęcie box office poison pochodzi z artykułu Dead Cats z 1938 r. Poza Crawford w tekście wymieniono Gretę Garbo, Marlene Dietrich, Mae West, Kay Francis, Normę Shearer, Luise Rainer, Johna Barrymore’a, Dolores del Río, Katharine Hepburn i Freda Astaire’a.
10. Bette Davis sama stała się bohaterką książki My Mother’s Keeper, wspomnień swojej córki B. D. Hyman. Davis przedstawiona została w niej jako zadufana w sobie alkoholiczka.