John Ford

Alex Rover | Dezembro 29, 2022

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Resumo

John Martin Feeney (1 de Fevereiro de 1894 – 31 de Agosto de 1973), conhecido profissionalmente como John Ford, foi um realizador de cinema americano e oficial naval. É conhecido tanto pelos westerns como Stagecoach (1939), The Searchers (1956), The Man Who Shot Liberty Valance (1962) e adaptações de romances clássicos americanos do século XX, como The Grapes of Wrath (1940). Foi galardoado com seis prémios da Academia, incluindo um recorde de quatro vitórias para Melhor Realizador.

Numa carreira de mais de 50 anos, Ford realizou mais de 140 filmes (embora a maioria dos seus filmes mudos esteja agora perdida) e é amplamente considerado como um dos mais importantes e influentes cineastas da sua geração. O trabalho de Ford foi tido em grande consideração pelos seus colegas, com Akira Kurosawa, Orson Welles e Ingmar Bergman entre aqueles que o nomearam um dos maiores realizadores de todos os tempos.

Ford fez uso frequente de tiroteios de localização e tiros largos, nos quais as suas personagens foram enquadradas contra um terreno natural vasto, áspero e acidentado.

Ford nasceu John Martin “Jack” Feeney (embora mais tarde tenha dado os seus nomes como Seán Aloysius, por vezes com o apelido O”Feeny ou Ó Fearna; uma língua irlandesa equivalente a Feeney) no Cabo Elizabeth, Maine, a John Augustine Feeney e Barbara “Abbey” Curran, a 1 de Fevereiro de 1894, (embora ele tenha dito ocasionalmente 1895 e essa data esteja erroneamente inscrita na sua lápide tumular). O seu pai, John Augustine, nasceu em Spiddal, Barbara Curran nasceu nas ilhas Aran, na cidade de Kilronan, na ilha de Inishmore (Inis Mór). A avó de John A. Feeney, Barbara Morris, foi considerada membro de um ramo empobrecido de uma família da nobreza irlandesa, os Morris de Spiddal (actualmente chefiada por Lord Killanin).

John Augustine e Barbara Curran chegaram a Boston e Portland respectivamente em Maio e Junho de 1872. Apresentaram as suas intenções de casar a 31 de Julho de 1875, e tornaram-se cidadãos americanos cinco anos mais tarde, a 11 de Setembro de 1880. A família John Augustine Feeney residia na Sheridan Street, no bairro irlandês de Munjoy Hill em Portland, Maine, e o seu pai trabalhava numa variedade de trabalhos ímpares para sustentar a família – agricultura, pesca, um trabalhador para a companhia de gás, manutenção de saloon, e um vereador. John e Barbara tiveram onze filhos: Mamie (Bridget, 1883-1884; Barbara, nascida e falecida em 1888; Edward, nascido em 1889; Josephine, nascido em 1891; Hannah (e Daniel, nascido e falecido em 1896 (ou 1898).

Feeney frequentou o liceu de Portland, Portland, Maine, onde jogou como fullback e defensivo. Ganhou o apelido “Bull” porque, diz-se, da forma como baixaria o capacete e carregaria a linha. Um pub de Portland chama-se Bull Feeney”s em sua honra. Mais tarde mudou-se para a Califórnia e em 1914 começou a trabalhar na produção cinematográfica, bem como a representar para o seu irmão mais velho Francis, adoptando “Jack Ford” como nome profissional. Para além dos papéis creditados, apareceu sem ser acreditado como Klansman em 1915, O Nascimento de uma Nação de D. W. Griffith.

Casou-se com Mary McBride Smith a 3 de Julho de 1920, e tiveram dois filhos. A sua filha Barbara foi casada com o cantor e actor Ken Curtis de 1952 a 1964. O casamento entre Ford e Smith durou toda a vida, apesar de várias questões, uma das quais é que Ford era católica enquanto ela era uma divorciada não católica. A dificuldade que isto causou não é clara, uma vez que o nível do compromisso da Ford para com a fé católica é contestado. Outro esforço foi o das muitas relações extraconjugais da Ford.

Ford começou a sua carreira no cinema depois de se ter mudado para a Califórnia em Julho de 1914. Seguiu os passos do seu multi-talentoso irmão mais velho Francis Ford, doze anos mais velho, que tinha saído de casa anos antes e tinha trabalhado em vaudeville antes de se tornar actor de cinema. Francis actuou em centenas de filmes mudos para cineastas como Thomas Edison, Georges Méliès e Thomas Ince, acabando por progredir para se tornar um actor-escritor-director proeminente de Hollywood com a sua própria companhia de produção (101 Bison) na Universal.

Ford começou nos filmes do seu irmão como assistente, faz-tudo, duplo e actor ocasional, frequentemente dobrando para o seu irmão, a quem se assemelhava de perto. Francis deu ao seu irmão mais novo o seu primeiro papel de actor em The Mysterious Rose (Novembro de 1914). Apesar de uma relação frequentemente combativa, dentro de três anos Jack tinha progredido para se tornar o assistente principal de Francis e trabalhava frequentemente como seu operador de câmara. Quando Jack Ford teve a sua primeira oportunidade como realizador, o perfil de Francis estava em declínio e ele deixou de trabalhar como realizador pouco tempo depois.

Uma característica notável dos filmes da Ford é o facto de ter utilizado uma “sociedade de actores”, muito mais do que muitos realizadores. Muitas estrelas famosas apareceram em pelo menos dois ou mais filmes da Ford, incluindo Harry Carey Sr., (a estrela de 25 filmes mudos da Ford), Will Rogers, John Wayne, Henry Fonda, Maureen O”Hara, James Stewart, Woody Strode, Richard Widmark, Victor McLaglen, Vera Miles e Jeffrey Hunter. Muitos dos seus actores coadjuvantes apareceram em múltiplos filmes da Ford, muitas vezes durante um período de várias décadas, incluindo Ben Johnson, Chill Wills, Andy Devine, Ward Bond, Grant Withers, Mae Marsh, Anna Lee, Harry Carey Jr., Ken Curtis, Frank Baker, Dolores del Río, Pedro Armendáriz, Hank Worden, John Qualen, Barry Fitzgerald, Arthur Shields, John Carradine, O. Z. Whitehead e Carleton Young. Os membros principais desta ”troupe” alargada, incluindo Ward Bond, John Carradine, Harry Carey Jr., Mae Marsh, Frank Baker, e Ben Johnson, eram informalmente conhecidos como a John Ford Stock Company.

Do mesmo modo, Ford desfrutou de relações de trabalho alargadas com a sua equipa de produção, e muitos da sua equipa trabalharam com ele durante décadas. Realizou inúmeros filmes com os mesmos grandes colaboradores, incluindo a produtora e parceira comercial Merian C. Cooper, os argumentistas Nunnally Johnson, Dudley Nichols e Frank S. Nugent, e os cineastas Ben F. Reynolds, John W. Brown e George Schneiderman (que entre eles rodaram a maioria dos filmes mudos da Ford), Joseph H. August, Gregg Toland, Winton Hoch, Charles Lawton Jr., Bert Glennon, Archie Stout e William H. Clothier. A maioria dos filmes da Ford do pós-guerra foram editados por Jack Murray até à morte deste último em 1961. Otho Lovering, que tinha trabalhado pela primeira vez com a Ford na Stagecoach (1939), tornou-se o editor principal da Ford após a morte de Murray.

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Era silenciosa

Durante a sua primeira década como realizador, Ford trabalhou em dezenas de longas (incluindo muitos westerns) mas apenas dez dos mais de sessenta filmes mudos que realizou entre 1917 e 1928 ainda sobrevivem na sua totalidade. No entanto, impressões de vários “silêncios” da Ford anteriormente pensados perdidos foram redescobertos em arquivos de filmes estrangeiros nos últimos anos – em 2009, um trovoz de 75 filmes mudos de Hollywood foi redescoberto no Arquivo Cinematográfico da Nova Zelândia, entre os quais a única cópia sobrevivente da comédia muda de 1927 da Ford Upstream. A cópia foi restaurada na Nova Zelândia pela Academy of Motion Picture Arts & Sciences antes de ser devolvida à América, onde recebeu um “repremiere” no Teatro Samuel Goldwyn em Beverly Hills a 31 de Agosto de 2010, com uma nova partitura encomendada por Michael Mortilla.

Ao longo da sua carreira, Ford foi um dos realizadores mais ocupados de Hollywood, mas foi extraordinariamente produtivo nos seus primeiros anos como realizador – realizou dez filmes em 1917, oito em 1918 e quinze em 1919 – e realizou um total de 62 curtas e longas entre 1917 e 1928, embora não lhe tenham sido atribuídos créditos de cinema na maioria dos seus primeiros filmes.

Existe alguma incerteza sobre a identidade do primeiro filme da Ford como realizador-escritor de filmes Ephraim Katz observa que a Ford poderia ter realizado o filme em quatro partes Lucille the Waitress já em 1914 – mas a maioria das fontes cita a sua estreia como realizador, mas como o filme mudo de dois rolos The Tornado, lançado em Março de 1917. De acordo com a própria história de Ford, foi-lhe atribuído o cargo pelo chefe da Universal, Carl Laemmle, que supostamente disse: “Dá o cargo a Jack Ford – ele grita bem”. O Tornado foi rapidamente seguido por uma série de “quickies” de dois e três aceleradores – The Trail of Hate, The Scrapper, The Soul Herder e Cheyenne”s Pal; estes foram feitos no espaço de poucos meses e cada um deles tipicamente filmado em apenas dois ou três dias; presume-se agora que estão todos perdidos. The Soul Herder é também notável como o início da associação de quatro anos da Ford, de 25 filmes, com o veterano escritor-actor Harry Carey, que (com o irmão Francis da Ford) foi uma forte influência precoce no jovem realizador, bem como uma das principais influências no ecrã persona do protegido da Ford, John Wayne. O filho de Carey, Harry “Dobe” Carey Jr., que também se tornou actor, foi um dos amigos mais próximos da Ford em anos posteriores e figurou em muitos dos seus mais célebres westerns.

A primeira produção de longa-metragem da Ford foi Straight Shooting (Agosto de 1917), que é também o seu primeiro filme completo sobrevivente como realizador, e um dos dois únicos sobreviventes da sua colaboração de vinte e cinco filmes com Harry Carey. Ao realizar o filme, Ford e Carey ignoraram encomendas de estúdio e viraram cinco bobinas em vez de duas, e foi apenas através da intervenção de Carl Laemmle que o filme escapou a ser cortado para o seu primeiro lançamento, embora tenha sido posteriormente editado em duas bobinas para relançamento no final dos anos 20. O último filme da Ford de 1917, Bucking Broadway, há muito que se pensava ter sido perdido, mas em 2002 a única impressão conhecida que sobreviveu foi descoberta nos arquivos do Centro Nacional Francês de Cinematografia e desde então foi restaurada e digitalizada.

A Ford realizou cerca de trinta e seis filmes durante três anos para a Universal antes de se mudar para o estúdio William Fox em 1920; o seu primeiro filme para eles foi Just Pals (1920). A sua longa-metragem de 1923 Cameo Kirby, protagonizada pelo ídolo de ecrã John Gilbert-outro dos poucos silêncios Ford sobreviventes – marcou o seu primeiro crédito de realização com o nome “John Ford”, em vez de “Jack Ford”, como tinha sido anteriormente creditado.

O primeiro grande sucesso da Ford como realizador foi o drama histórico The Iron Horse (1924), um relato épico da construção da Primeira Ferrovia Transcontinental. Foi uma produção grande, longa e difícil, filmada no local, na Serra Nevada. A logística era enorme – duas cidades inteiras foram construídas, havia 5000 figurantes, 100 cozinheiros, 2000 camadas ferroviárias, um regimento de cavalaria, 800 índios, 1300 búfalos, 2000 cavalos, 10.000 gado e 50.000 propriedades, incluindo a diligência original utilizada por Horace Greeley, a pistola de derringer de Wild Bill Hickok e réplicas das locomotivas “Júpiter” e “119” que se encontraram na Cimeira Promontory quando as duas extremidades da linha foram unidas a 10 de Maio de 1869.

O irmão da Ford, Eddie, era um membro da tripulação e eles lutavam constantemente; numa ocasião, Eddie alegadamente “foi atrás do velhote com um cabo de picareta”. Só havia uma pequena sinopse escrita quando as filmagens começaram e Ford escreveu e filmou o filme dia a dia. A produção atrasou-se, atrasada pelo mau tempo constante e pelo frio intenso, e os executivos da Fox exigiam repetidamente resultados, mas a Ford ou rasgava os telegramas ou os segurava e mandava o atirador Edward “Pardner” Jones fazer buracos através do nome do remetente. Apesar da pressão para parar a produção, o chefe de estúdio William Fox finalmente apoiou a Ford e permitiu-lhe terminar o filme e a sua aposta valeu bem a pena – The Iron Horse tornou-se um dos filmes mais grandiosos da década, arrecadando mais de 2 milhões de dólares em todo o mundo, contra um orçamento de 280.000 dólares.

Ford fez uma vasta gama de filmes neste período, e tornou-se bem conhecido pelos seus filmes ocidentais e “de fronteira”, mas o género perdeu rapidamente o seu atractivo para os grandes estúdios no final da década de 1920. O último western silencioso de Ford foi 3 Bad Men (1926), ambientado durante a corrida às terras do Dakota e filmado em Jackson Hole, Wyoming e no deserto de Mojave. Passariam treze anos antes de fazer o seu próximo western, Stagecoach, em 1939.

Durante a década de 1920, Ford também serviu como presidente da Associação de Directores de Filmes, precursora do actual Grémio de Directores da América.

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Talkies: 1928–1939

Ford foi um dos realizadores pioneiros de filmes sonoros; filmou a primeira canção da Fox cantada no ecrã, para o seu filme Mother Machree (este filme é também notável como o primeiro filme da Ford a apresentar o jovem John Wayne (como um extra não acreditado) e apareceu como extra em vários dos filmes da Ford nos dois anos seguintes. Além disso, Hangman”s House (1928) é notável por apresentar o primeiro filme de John Wayne confirmado no ecrã num filme da Ford, interpretando um espectador excitável durante a sequência da corrida de cavalos.

Pouco antes de o estúdio se converter em talkies, a Fox deu um contrato ao realizador alemão F. W. Murnau, e ao seu filme Sunrise: A Song of Two Humans (1927), ainda muito considerado pelos críticos, teve um efeito poderoso na Ford. A influência de Murnau pode ser vista em muitos dos filmes da Ford do final dos anos 20 e início dos anos 30 – Four Sons (1928), foi filmada em alguns dos luxuosos cenários que sobravam da produção de Murnau.

Em Novembro desse ano, a Ford realizou a primeira longa-metragem dramática de falas de Napoleão, Barber (1928), um filme em 3 rolos que é agora considerado um filme perdido. Barber de Napoleão foi seguido pelas suas duas últimas longas-metragens mudas Riley the Cop (ambas lançadas com partituras musicais sincronizadas e efeitos sonoros, a última está agora perdida (embora o livro de Tag Gallagher registe que a única cópia sobrevivente de Strong Boy, uma impressão de nitrato de 35 mm, foi feita numa colecção privada na Austrália). The Black Watch (1929), uma aventura do exército colonial ambientada no Khyber Pass, protagonizada por Victor McLaglen e Myrna Loy, é a primeira obra da Ford que fala tudo; foi refeita em 1954 por Henry King como Rei das Espingardas Khyber.

A produção da Ford foi bastante constante desde 1928 até ao início da Segunda Guerra Mundial; fez cinco longas-metragens em 1928 e depois realizou dois ou três filmes por ano entre 1929 e 1942, inclusive. Três filmes foram lançados em 1929 – O Rapaz Forte, O Relógio Negro e Saudação. Os seus três filmes de 1930 foram Men Without Women, Born Reckless e Up the River, que é notável como o filme de estreia tanto para Spencer Tracy como para Humphrey Bogart, ambos assinados à Fox por recomendação da Ford (o último, adaptado do romance Sinclair Lewis e estrelado por Ronald Colman e Helen Hayes, marcou o reconhecimento do primeiro Oscar da Ford, com cinco nomeações, incluindo Melhor Filme.

A eficiência lendária da Ford e a sua capacidade de produzir filmes que combinam a arte com um forte apelo comercial conquistaram-lhe um renome crescente. Em 1940 foi reconhecido como um dos maiores realizadores de cinema do mundo. O seu crescente prestígio reflectiu-se na sua remuneração – em 1920, quando se mudou para a Fox, foi-lhe pago 300-600 dólares por semana. À medida que a sua carreira arrancava, em meados dos anos vinte, o seu rendimento anual aumentava significativamente. Ganhou quase $134.000 em 1929, e ganhou mais de $100.000 por ano todos os anos entre 1934 e 1941, ganhando um espantoso $220.068 em 1938 – mais do dobro do salário do presidente dos EUA na altura (embora este ainda fosse menos de metade do rendimento de Carole Lombard, a estrela mais bem paga de Hollywood dos anos 30, que ganhava cerca de $500.000 por ano na altura).

Com a produção de filmes afectados pela Depressão, Ford fez dois filmes cada um em 1932 e 1933-Air Mail (feito para a Universal) com um jovem Ralph Bellamy e Flesh (para a MGM) com Wallace Beery. Em 1933, regressou à Fox para Peregrinação e Doutor Bull, o primeiro dos seus três filmes com Will Rogers.

O drama do deserto da Primeira Guerra Mundial The Lost Patrol (1934), baseado no livro Patrol de Philip MacDonald, foi um remake superior do filme mudo Lost Patrol de 1929. Estrelou Victor McLaglen como O Sargento – o papel desempenhado pelo seu irmão Cyril McLaglen na versão anterior – com Boris Karloff, Wallace Ford, Alan Hale e Reginald Denny (que fundou uma companhia que fez aviões-alvo controlados por rádio durante a Segunda Guerra Mundial). Foi um dos primeiros grandes êxitos da Ford na área do som. Foi classificado pelo National Board of Review e pelo The New York Times como um dos 10 melhores filmes desse ano e ganhou uma nomeação ao Oscar pela sua agitada pontuação no Max Steiner. Foi seguido mais tarde nesse ano por The World Moves On com Madeleine Carroll e Franchot Tone, e o muito bem sucedido Judge Priest, o seu segundo filme com Will Rogers, que se tornou um dos filmes mais grandiosos do ano.

O primeiro filme da Ford de 1935 (realizado para a Columbia) foi a comédia de identidade errada The Whole Town”s Talking with Edward G. Robinson e Jean Arthur, lançado no Reino Unido como Passport to Fame, e que atraiu elogios críticos. Steamboat Round The Bend foi o seu terceiro e último filme com Will Rogers; é provável que tivessem continuado a trabalhar juntos, mas a sua colaboração foi cortada pela morte prematura de Rogers num acidente de avião em Maio de 1935, que devastou a Ford.

Ford confirmou a sua posição no topo da lista de directores americanos com o drama The Informer (1935), protagonizado por Victor McLaglen. Recebeu grandes elogios da crítica, foi nomeado para Melhor Filme, ganhou o seu primeiro Óscar de Melhor Realizador, e foi saudado na altura como um dos melhores filmes alguma vez feitos, embora a sua reputação tenha diminuído consideravelmente em comparação com outros concorrentes como Citizen Kane, ou o próprio Ford mais tarde The Searchers (1956).

O politicamente acusado The Prisoner of Shark Island (1936)- que marcou a estreia com a Ford do jogador de longa data da “Stock Company” John Carradine- explorou a pouco conhecida história de Samuel Mudd, um médico que foi apanhado na conspiração do assassinato de Abraham Lincoln e enviado para uma prisão offshore por tratar o ferido John Wilkes Booth. Outros filmes deste período incluem o melodrama dos Mares do Sul O Furacão (1937) e o veículo de coração leve Shirley Temple Wee Willie Winkie (1937), cada um dos quais com um valor bruto de mais de $1 milhão de dólares americanos no primeiro ano. Durante as filmagens de Wee Willie Winkie, Ford tinha elaborados cenários construídos no Rancho de Filmes Iverson em Chatsworth, Califórnia, um rancho de localização fortemente filmado mais estreitamente associado a séries e B-Westerns, que se tornaria, juntamente com Monument Valley, um dos locais de filmagem preferidos do realizador, e um local ao qual Ford regressaria nos próximos anos para Stagecoach e The Grapes of Wrath.

A versão revista mais longa de Realizado por John Ford mostrada na Turner Classic Movies em Novembro de 2006 apresenta os realizadores Steven Spielberg, Clint Eastwood, e Martin Scorsese, que sugerem que a série de filmes clássicos que Ford realizou entre 1936 e 1941 se deveu em parte a um intenso caso extramatrimonial de seis meses com Katharine Hepburn, a estrela de Mary of Scotland (1936), um drama de fantasias Elizabethan.

1939–1941

Stagecoach (1939) foi o primeiro western da Ford desde 3 Bad Men em 1926, e foi o seu primeiro com som. Orson Welles afirmou ter observado a Stagecoach quarenta vezes, em preparação para fazer Citizen Kane. Continua a ser um dos filmes mais admirados e imitados de todos os filmes de Hollywood, sobretudo pela sua perseguição de diligência clímax e pela cena de saltar a cavalo, interpretada pelo duplo Yakima Canutt.

O guião de Dudley Nichols-Ben Hecht foi baseado numa história de Ernest Haycox que a Ford tinha visto na revista Collier e ele comprou os direitos do ecrã por apenas $2500. O chefe de produção Walter Wanger instou a Ford a contratar Gary Cooper e Marlene Dietrich para os papéis principais, mas acabou por aceitar a decisão da Ford de escolher Claire Trevor como Dallas e um desconhecido virtual, o seu amigo John Wayne, como Ringo; Wanger terá tido pouca influência adicional sobre a produção.

Ao tornar a Stagecoach, a Ford enfrentou um preconceito entrincheirado da indústria sobre o género, agora tão popular, que ele tinha ajudado a tornar. Embora os filmes e séries ocidentais de baixo orçamento ainda estivessem a ser produzidos em grande número pelos estúdios “Poverty Row”, o género tinha caído em desuso com os grandes estúdios durante a década de 1930 e eram considerados como filmes de “pasta” de grau B, na melhor das hipóteses. Em resultado disso, a Ford lançou o projecto em Hollywood durante quase um ano, oferecendo-o sem sucesso tanto a Joseph Kennedy como a David O. Selznick antes de finalmente se ligar a Walter Wanger, um produtor independente que trabalha através da United Artists.

A diligência é significativa por várias razões – explodiu os preconceitos da indústria ao tornar-se um sucesso tanto crítico como comercial, com mais de 1 milhão de dólares no seu primeiro ano (contra um orçamento de pouco menos de 400.000 dólares), e o seu sucesso (juntamente com os Westerns Destry Rides Again de 1939 com James Stewart e Marlene Dietrich, Cecil B. DeMille”s Union Pacific com Joel McCrea, e Michael Curtiz”s Dodge City com Erroll Flynn), revitalizaram o género moribundo, mostrando que os westerns podiam ser “inteligentes, artísticos, grandes divertimentos – e lucrativos”. Foi nomeado para sete Prémios da Academia, incluindo Melhor Fotografia e Melhor Director, e ganhou dois Óscares, para Melhor Actor Coadjuvante (Thomas Mitchell) e Melhor Pontuação. Stagecoach tornou-se o primeiro da série de sete clássicos Ford Westerns filmados em local em Monument Valley, com filmagens adicionais filmadas noutro dos locais de filmagem favoritos da Ford, o Rancho de Filmes Iverson em Chatsworth, Califórnia, onde tinha filmado grande parte de Wee Willie Winkie dois anos antes. Ford habilmente misturou Iverson e Monument Valley para criar as imagens icónicas do filme do Oeste americano.

John Wayne tinha boas razões para estar grato pelo apoio da Ford; a Stagecoach proporcionou ao actor o avanço de carreira que o elevou ao estrelato internacional. Ao longo de 35 anos, Wayne apareceu em 24 dos filmes da Ford e em três episódios televisivos. A Ford é creditada por ter desempenhado um papel importante na formação da imagem do ecrã do Wayne. A membro do elenco Louise Platt, numa carta que relata a experiência da produção do filme, citou o ditado da Ford sobre o futuro do Wayne no cinema: “Ele será a maior estrela de sempre porque é o ”homem perfeito de sempre””.

Stagecoach marcou o início da fase mais consistentemente bem sucedida da carreira da Ford – em apenas dois anos, entre 1939 e 1941, criou uma série de filmes clássicos que ganharam numerosos prémios da Academia. O próximo filme da Ford, o biopic Young Mr Lincoln (1939) estrelado por Henry Fonda, teve menos sucesso do que o Stagecoach, atraindo pouca atenção crítica e não ganhando prémios. Não foi um grande sucesso de bilheteira, embora tivesse um respeitável valor bruto no primeiro ano doméstico de $750.000, mas o estudioso da Ford Tag Gallagher descreve-o como “um trabalho mais profundo, mais multinível do que a Stagecoach … (que) parece em retrospectiva um dos melhores filmes de pré-guerra”.

Tambores Ao longo do Mohawk (foi também o primeiro filme a cores da Ford e incluiu contribuições não acreditadas de William Faulkner para o guião. Foi um grande sucesso de bilheteira, com um valor bruto de 1,25 milhões de dólares no seu primeiro ano nos EUA e que valeu a Edna May Oliver uma nomeação para o Óscar de Melhor Actriz Coadjuvante pela sua actuação.

Apesar da sua postura humanista e política intransigente, a adaptação de John Steinbeck de The Grapes of Wrath (guiado por Nunnally Johnson e fotografado por Gregg Toland) foi simultaneamente um grande sucesso de bilheteira e um grande sucesso crítico, e é ainda amplamente considerado como um dos melhores filmes de Hollywood da época. O crítico Andrew Sarris descreveu-o como o filme que transformou Ford de “um contador de histórias do ecrã em poeta cinéfilo da América”. O terceiro filme de Ford num ano e o seu terceiro filme consecutivo com a Fonda, ganhou 1,1 milhões de dólares nos EUA no seu primeiro ano e ganhou dois Óscares da Academia – o segundo Óscar de “Melhor Realizador” de Ford, e “Melhor Actriz Coadjuvante” pelo retrato de Jane Darwell em tour-de-force de Ma Joad. Durante a produção, Ford voltou ao Rancho de Cinema Iverson em Chatsworth, Califórnia, para filmar uma série de filmagens chave, incluindo a imagem central que retrata a primeira visão completa da família migrante da fértil terra agrícola da Califórnia, que foi representada pelo Vale de San Fernando, tal como vista do Rancho Iverson.

The Grapes of Wrath foi seguido por dois filmes menos bem sucedidos e menos conhecidos. The Long Voyage Home (1940) foi, como Stagecoach, feito com Walter Wanger através de United Artists. Adaptado a partir de quatro peças de Eugene O”Neill, foi roteirizado por Dudley Nichols e Ford, em consulta com O”Neill. Embora não tenha sido um sucesso de bilheteira significativo (no seu primeiro ano de vida, o filme só ganhou 600.000 dólares), foi elogiado pela crítica e nomeado para sete Prémios da Academia – Melhor Fotografia, Melhor Argumento, (Nichols), Melhor Música, Partitura Original (Richard Hageman), Melhor Fotografia (Gregg Toland), Melhor Montagem (Sherman Todd), Melhores Efeitos (alambiques decorados com a sua casa e O”Neill também adorou o filme e exibiu-o periodicamente.

Tobacco Road (1941) foi uma comédia rural escrita por Nunnally Johnson, adaptada da versão de longa data de Jack Kirkland do romance de Erskine Caldwell. Estrelou o veterano actor Charley Grapewin e o elenco de apoio incluía os regulares da Ford Ward Bond e Mae Marsh, com Francis Ford numa parte não acreditada; é também notável pelas primeiras aparições no ecrã das futuras estrelas Gene Tierney e Dana Andrews. Embora não seja muito considerado por alguns críticos, Gallagher dedica apenas um pequeno parágrafo no seu livro sobre Ford- foi bastante bem sucedido na bilheteira, com um valor bruto de 900.000 dólares no seu primeiro ano. O filme foi banido na Austrália.

A última característica da Ford antes da América entrar na Segunda Guerra Mundial foi a sua adaptação de How Green Was My Valley (1941), estrelada por Walter Pidgeon, Maureen O”Hara e Roddy McDowell no seu papel de protagonista como Huw. O guião foi escrito por Philip Dunne a partir do romance mais vendido de Richard Llewellyn. Foi originalmente planeado como um épico de quatro horas para rivalizar com o Vento – só os direitos de ecrã custaram à Fox 300.000 dólares – e deveria ter sido filmado no local no País de Gales, mas foi abandonado devido ao pesado bombardeamento alemão da Grã-Bretanha. Uma busca de localizações no sul da Califórnia resultou na construção do cenário da aldeia nos terrenos do Crags Country Club (mais tarde o rancho Fox, agora o núcleo do Malibu Creek State Park). Outro factor relatado foi o nervosismo dos executivos da Fox sobre o tom pró-sindical da história. William Wyler foi originalmente contratado para dirigir, mas deixou o projecto quando a Fox decidiu filmá-lo na Califórnia; a Ford foi contratada no seu lugar e a produção foi adiada por vários meses até se tornar disponível. O produtor Darryl F. Zanuck teve uma forte influência sobre o filme e tomou várias decisões chave, incluindo a ideia de ter a personagem de Huw a narrar o filme em voz-off (então um conceito novo), e a decisão de que a personagem de Huw não deveria envelhecer (Tyrone Power foi originalmente programado para interpretar o Huw adulto).

How Green Was My Valley tornou-se um dos maiores filmes de 1941. Foi nomeado para dez Prémios da Academia, incluindo Melhor Actriz Coadjuvante (Sara Allgood), Melhor Montagem, Melhor Argumento, Melhor Música e Melhor Som e ganhou cinco Óscares – Melhor Realizador, Melhor Filme, Melhor Actor Coadjuvante (Donald Crisp), Melhor Fotografia B&W (Arthur C. Miller) e Melhor Direcção de Arte

Anos de guerra

Durante a Segunda Guerra Mundial, Ford serviu como chefe da unidade fotográfica do Gabinete de Serviços Estratégicos e realizou documentários para o Departamento da Marinha. Foi encarregado como comandante na Reserva da Marinha dos Estados Unidos. Ganhou mais dois prémios da Academia durante este tempo, um para o semi-documentário The Battle of Midway (1942), e outro para o filme de propaganda de 7 de Dezembro: O Filme (1943). Ford filmou o ataque japonês a Midway a partir da central eléctrica de Sand Island e foi ferido no braço esquerdo por uma bala de metralhadora.

A Ford também esteve presente na Praia de Omaha no Dia D. Atravessou o Canal da Mancha no USS Plunkett (DD-431), que ancorou ao largo da Praia de Omaha às 0600. Observou a primeira onda aterrar na praia a partir do navio, aterrando na praia ele próprio mais tarde com uma equipa de operadores de câmara da Guarda Costeira que filmou a batalha por detrás dos obstáculos da praia, com a Ford a dirigir as operações. O filme foi editado em Londres, mas muito pouco foi divulgado ao público. Ford explicou numa entrevista de 1964 que o Governo dos EUA estava “com medo de mostrar tantas baixas americanas no ecrã”, acrescentando que todo o filme do Dia D “ainda existe a cores em armazém em Anacostia, perto de Washington, D.C.”. Trinta anos mais tarde, o historiador Stephen E. Ambrose relatou que o Centro Eisenhower não tinha conseguido encontrar o filme. Um filme correspondente à descrição da Ford foi desenterrado pelos Arquivos Nacionais dos EUA em 2014.

A Ford acabou por se tornar um conselheiro de topo para o chefe da OSS William Joseph Donovan. De acordo com os registos divulgados em 2008, Ford foi citado pelos seus superiores por bravura, tomando uma posição para filmar uma missão que era “um alvo óbvio e claro”. Sobreviveu a “um ataque contínuo e foi ferido” enquanto continuava a filmar, afirma um elogio no seu arquivo. Em 1945, Ford executou declarações juramentadas atestando a integridade dos filmes levados a documentar as condições nos campos de concentração nazis.

O seu último filme em tempo de guerra foi They Were Expendable (MGM, 1945), um relato da desastrosa derrota americana nas Filipinas, contada do ponto de vista de um esquadrão de barcos PT e do seu comandante. A Ford criou uma peça para o Ward Bond em recuperação, que precisava de dinheiro. Apesar de ter sido visto durante todo o filme, nunca andou até que o colocassem numa parte em que foi alvejado na perna. Para o resto do filme, ele pôde usar uma muleta na marcha final. Ford declarou repetidamente que não gostava do filme e nunca o tinha visto, queixando-se de ter sido obrigado a realizá-lo, apesar de ter sido fortemente defendido pela cineasta Lindsay Anderson. Lançado vários meses após o fim da guerra, estava entre os 20 melhores sorteios de bilheteira do ano, embora Tag Gallagher note que muitos críticos afirmaram incorrectamente que tinha perdido dinheiro.

Carreira pós-guerra

Após a guerra, a Ford permaneceu como oficial na Reserva da Marinha dos Estados Unidos. Voltou ao serviço activo durante a Guerra da Coreia, e foi promovido a Contra-Almirante no dia em que deixou o serviço.

A Ford dirigiu dezasseis reportagens e vários documentários na década entre 1946 e 1956. Tal como na sua carreira anterior à guerra, os seus filmes alternaram entre os flops (relativos) de bilheteira e grandes sucessos, mas a maioria dos seus filmes posteriores teve um lucro sólido, e Fort Apache, The Quiet Man, Mogambo e The Searchers, todos classificados no Top 20 dos êxitos de bilheteira dos seus respectivos anos.

O primeiro filme da Ford do pós-guerra My Darling Clementine (Fox, 1946) foi uma recontagem romantizada da lenda primitiva ocidental de Wyatt Earp and the Gunfight at the O.K. Corral, com sequências exteriores filmadas no local no espectacular (mas geograficamente inapropriado) Monument Valley. Reuniu Ford com Henry Fonda (como Earp) e co-estrelou Victor Mature num dos seus melhores papéis como o consumista, Shakespeare-loving Doc Holliday, com Ward Bond e Tim Holt como os irmãos Earp, Linda Darnell como a rapariga de salão Chihuahua, uma forte actuação de Walter Brennan (num raro papel vilão) como o venenoso Old Man Clanton, com Jane Darwell e uma aparição precoce no ecrã por John Ireland como Billy Clanton. Em contraste com a série de sucessos de 1939-1941, não ganhou grandes prémios americanos, embora tenha sido premiado com uma fita de prata para Melhor Filme Estrangeiro em 1948 pelo Sindicato Nacional Italiano de Jornalistas Cinematográficos, e foi um sólido sucesso financeiro, com um total de 2,75 milhões de dólares nos Estados Unidos e 1,75 milhões de dólares internacionalmente no seu primeiro ano de lançamento.

Recusando um contrato lucrativo oferecido pela Zanuck na 20th Century Fox que lhe teria garantido 600.000 dólares por ano, a Ford lançou-se como realizador-produtor independente e realizou muitos dos seus filmes neste período com a Argosy Pictures Corporation, que era uma parceria entre a Ford e o seu velho amigo e colega Merian C. Cooper. Ford e Cooper tinham estado anteriormente envolvidos com a distinta Argosy Corporation, que foi criada após o sucesso da Stagecoach (a Argosy Corporation produziu um filme, The Long Voyage Home (1940), antes da intervenção da Segunda Guerra Mundial. The Fugitive (1947), novamente estrelado por Fonda, foi o primeiro projecto da Argosy Pictures. Foi uma adaptação solta de Graham Greene”s The Power and the Glory, que a Ford tencionava originalmente fazer na Fox antes da guerra, com Thomas Mitchell como padre. Filmado no local, no México, foi fotografado pelo ilustre cineasta mexicano Gabriel Figueroa (que mais tarde trabalhou com Luis Buñuel). O elenco de apoio incluía Dolores del Río, J. Carrol Naish, Ward Bond, Leo Carrillo e Mel Ferrer (fazendo a sua estreia no ecrã) e um elenco de figurantes principalmente mexicanos. Ford terá considerado este o seu melhor filme, mas teve um desempenho relativamente fraco em comparação com o seu antecessor, com um valor bruto de apenas $750.000 no seu primeiro ano. Também causou uma fenda entre a Ford e o argumentista Dudley Nichols que levou ao fim da sua colaboração altamente bem sucedida. O próprio Greene tinha uma antipatia particular por esta adaptação do seu trabalho.

Forte Apache (Argosy

Durante esse ano, Ford também ajudou o seu amigo e colega Howard Hawks, que estava a ter problemas com o seu filme actual Red River (que estrelou John Wayne) e a Ford terá feito numerosas sugestões de edição, incluindo o uso de um narrador. Fort Apache foi seguido por outro Western, 3 Godfathers, um remake de um filme mudo de 1916 estrelado por Harry Carey (a quem a versão de Ford foi dedicada), que Ford já tinha ele próprio refeito em 1919 como Marked Men, também com Carey e pensamento perdido. Estrelou John Wayne, Pedro Armendáriz e Harry “Dobe” Carey Jr (num dos seus primeiros grandes papéis) como três fora-da-lei que resgatam um bebé depois da morte da sua mãe (Mildred Natwick), com Ward Bond como xerife a persegui-los. O tema recorrente do sacrifício também pode ser encontrado em The Outcasts of Poker Flat, Three Godfathers, The Wallop, Desperate Trails, Hearts of Oak, Bad Men, Men without Women.

Em 1949, Ford regressou brevemente à Fox para dirigir Pinky. Preparou o projecto mas trabalhou apenas um dia antes de adoecer, supostamente com telhas, e Elia Kazan substituiu-o (embora Tag Gallagher sugira que a doença de Ford era um pretexto para deixar o filme, o que Ford não gostava).

O seu único filme concluído desse ano foi a segunda parte da sua Trilogia de Cavalaria, Ela Usava uma Fita Amarela (Argosy

O primeiro filme de 1950 da Ford foi a comédia militar “When Willie Comes Marching Home”, estrelado por Dan Dailey e Corinne Calvet, com William Demarest, de Preston Sturges ”stock company”, e as primeiras aparições (não acreditadas) no ecrã por Alan Hale Jr. e Vera Miles. Foi seguido pelo Wagon Master, estrelado por Ben Johnson e Harry Carey Jr., que é particularmente notável como o único filme da Ford desde 1930 que ele próprio escreveu. Foi posteriormente adaptado para a série televisiva Wagon Train (com Ward Bond a refazer o papel do título até à sua morte súbita em 1960). Embora tenha feito negócios muito menores do que a maioria dos seus outros filmes neste período, Ford citou Wagon Master como o seu favorito pessoal de todos os seus filmes, dizendo a Peter Bogdanovich que este “chegou mais perto do que eu esperava alcançar”.

Rio Grande (República, 1950), a terceira parte da “Trilogia da Cavalaria”, co-estrelou John Wayne e Maureen O”Hara, com o filho de Wayne Patrick Wayne a fazer a sua estreia no ecrã (ele apareceu em várias fotografias posteriores da Ford, incluindo The Searchers). Foi feito por insistência da Republic Pictures, que exigiu um western rentável como condição para apoiar o próximo projecto da Ford, The Quiet Man. Uma prova da lendária eficiência da Ford, Rio Grande foi filmado em apenas 32 dias, com apenas 352 tomadas de 335 montagens de câmaras, e foi um sucesso sólido, com um total de 2,25 milhões de dólares no seu primeiro ano.

A ansiedade da República foi apagada pelo estrondoso sucesso de The Quiet Man (República, 1952), um projecto de estimação que a Ford queria fazer desde os anos 30 (e quase o fez em 1937 com uma cooperativa independente chamada Renowned Artists Company). Tornou-se o seu maior retrato bruto até à data, tendo levado quase 4 milhões de dólares só nos EUA no seu primeiro ano e ficando entre os 10 melhores filmes de bilheteira do seu ano. Foi nomeado para sete Prémios da Academia e ganhou à Ford o seu quarto Óscar de Melhor Realizador, bem como um segundo Óscar de Melhor Cinematografia para Winton Hoch. Foi seguido de What Price Glory? (1952), um drama da Primeira Guerra Mundial, o primeiro de dois filmes que Ford realizou com James Cagney (Mister Roberts foi o outro) que também fez bons negócios na bilheteira (2 milhões de dólares).

The Sun Shines Bright (1953), a primeira entrada da Ford no Festival de Cannes, foi uma comédia-drama ocidental com Charles Winninger a reavivar o papel de Juiz Sacerdote tornado famoso por Will Rogers na década de 1930. Mais tarde, Ford referiu-se a ele como um dos seus favoritos, mas foi mal recebido, e foi drasticamente cortado (de 90 minutos para 65 minutos) pela República logo após o seu lançamento, com algumas cenas excisadas agora presumivelmente perdidas. O seu desempenho na bilheteira foi fraco e o seu fracasso contribuiu para o colapso subsequente da Argosy Pictures.

O filme seguinte da Ford foi o romance-aventura Mogambo (MGM, 1953), um remake solto do célebre filme de 1932 Red Dust. Filmado em África, foi fotografado pelo cineasta britânico Freddie Young e estrelou o velho amigo da Ford Clark Gable, com Ava Gardner, Grace Kelly (que substituiu um Gene Tierney em dificuldades) e Donald Sinden. Embora a produção tenha sido difícil (exacerbada pela presença irritante do então marido de Gardner, Frank Sinatra), Mogambo tornou-se um dos maiores sucessos comerciais da carreira da Ford, com o maior bruto doméstico do primeiro ano de qualquer um dos seus filmes (também revitalizou a carreira em declínio de Gable e ganhou as nomeações para os Óscares de Melhor Actriz e Melhor Actriz Coadjuvante de Gardner e Kelly (que se dizia ter tido um breve caso com Gable durante a realização do filme).

Em 1955, Ford fez o drama menos conhecido de West Point The Long Gray Line for Columbia Pictures, o primeiro de dois filmes Ford a apresentar Tyrone Power, que tinha sido originalmente projectado para estrelar como o Huw adulto em How Green Was My Valley, em 1941. Mais tarde, em 1955, Ford foi contratado pela Warner Bros para dirigir a comédia Naval Mister Roberts, protagonizada por Henry Fonda, Jack Lemmon, William Powell, e James Cagney, mas houve conflito entre Ford e Fonda, que tinham desempenhado o papel principal na Broadway nos últimos sete anos e tinham dúvidas sobre a direcção de Ford. Durante uma reunião tripartida com o produtor Leland Hayward para tentar resolver os problemas, a Ford ficou furiosa e deu um murro na mandíbula da Fonda, batendo-lhe pela sala, uma acção que criou uma fenda duradoura entre eles. Após o incidente, Ford tornou-se cada vez mais moroso, bebendo muito e eventualmente retirando-se para o seu iate, o Araner, e recusando-se a comer ou a ver alguém. A produção foi encerrada durante cinco dias e Ford ficou sóbrio, mas pouco tempo depois sofreu uma ruptura da vesícula biliar, o que exigiu uma cirurgia de emergência, e foi substituído por Mervyn LeRoy.

Ford também fez as suas primeiras incursões na televisão em 1955, dirigindo dois dramas de meia hora para a televisão em rede. No Verão de 1955, fez o Rookie of the Year (guiado por Frank S. Nugent, que apresentou os regulares da Ford John e Pat Wayne, Vera Miles e Ward Bond, tendo o próprio Ford aparecido na introdução. Em Novembro fez The Bamboo Cross (estrelou Jane Wyman com um elenco asiático-americano e os veteranos da Stock Company Frank Baker e Pat O”Malley em pequenos papéis.

Ford regressou ao grande ecrã com The Searchers (Warner Bros, 1956), o único western que realizou entre 1950 e 1959, que é hoje amplamente considerado não só como um dos seus melhores filmes, mas também por muitos como um dos maiores westerns, e um dos melhores desempenhos da carreira de John Wayne. Filmado no local em Monument Valley, fala do veterano da Guerra Civil amargurado Ethan Edwards, que passa anos à procura da sua sobrinha, raptada por Comanches quando ainda era uma menina. O elenco de apoio incluía Jeffrey Hunter, Ward Bond, Vera Miles e a estrela em ascensão Natalie Wood. Foi o primeiro filme de Hunter para a Ford. Foi muito bem sucedido no seu primeiro lançamento e tornou-se um dos 20 melhores filmes do ano, com um valor bruto de 4,45 milhões de dólares, embora não tenha recebido nomeações para o Oscar. No entanto, a sua reputação cresceu muito ao longo dos anos intermédios – foi nomeado o Maior Ocidental de todos os tempos pelo American Film Institute em 2008 e também colocado em 12º lugar na lista dos 100 melhores filmes de todos os tempos de 2007 do instituto. The Searchers exerceu uma grande influência no cinema e na cultura popular – inspirou (e foi directamente citado por) muitos cineastas, incluindo David Lean e George Lucas, o slogan da personagem de Wayne “That”ll be the day” inspirou Buddy Holly a escrever a sua famosa canção de sucesso com o mesmo nome, e o grupo pop britânico The Searchers também tirou o seu nome do filme.

A Searchers foi acompanhada por um dos primeiros documentários “making of”, um programa promocional em quatro partes criado para o segmento “Behind the Camera” do programa semanal Warner Bros. Apresenta um programa de televisão, (a primeira incursão do estúdio na televisão) que foi transmitido na rede ABC em 1955-56. Apresentado por Gig Young, os quatro segmentos incluíram entrevistas com Jeffrey Hunter e Natalie Wood e filmagens de bastidores filmadas durante a realização do filme.

The Wings of Eagles (MGM, 1957) era uma biografia ficcionada do velho amigo da Ford, o aviador-escritor Frank “Spig” Wead, que tinha escrito vários dos primeiros filmes sonoros da Ford. Estrelou John Wayne e Maureen O”Hara, com Ward Bond como John Dodge (uma personagem baseada no próprio Ford). Foi seguido por um dos filmes menos conhecidos da Ford, The Growler Story, um documentário dramatizado de 29 minutos sobre o USS Growler. Feito para a Marinha dos EUA e filmado pelo Grupo de Câmaras de Combate da Frota do Pacífico, apresentava Ward Bond e Ken Curtis juntamente com pessoal real da Marinha e as suas famílias.

Os dois filmes seguintes da Ford destacam-se um pouco do resto dos seus filmes em termos de produção, e ele, nomeadamente, não aceitou qualquer salário para nenhum dos dois empregos. The Rising of the Moon (Warner Bros, 1957) foi um filme em três partes ”omnibus” rodado em localização na Irlanda e baseado em contos irlandeses. Foi realizado pela Four Province Productions, uma empresa criada pelo magnata irlandês Lord Killanin, que se tinha tornado recentemente Presidente do Comité Olímpico Internacional, e com quem a Ford estava distintamente relacionada. Killanin era também o verdadeiro (mas não acreditado) produtor de The Quiet Man. O filme não recuperou os seus custos, ganhando menos de metade (100.000 dólares) do seu custo negativo de pouco mais de 256.000 dólares e suscitou alguma controvérsia na Irlanda.

Ambos os filmes da Ford de 1958 foram feitos para a Columbia Pictures e ambos se afastaram significativamente da norma da Ford. Gideon”s Day (intitulado Gideon of Scotland Yard nos EUA) foi adaptado do romance do escritor britânico John Creasey. É o único filme do género policial da Ford, e um dos poucos filmes da Ford ambientados nos dias de hoje dos anos 50. Foi rodado em Inglaterra com um elenco britânico encabeçado por Jack Hawkins, a quem Ford (invulgarmente) elogiou como “o melhor actor dramático com quem já trabalhei”. Foi mal promovido pela Columbia, que apenas o distribuiu em P&B, embora tenha sido filmado a cores, e também não teve lucro no seu primeiro ano, tendo ganho apenas 400.000 dólares contra o seu orçamento de 453.000 dólares.

The Last Hurrah, (Columbia, 1958), novamente ambientado nos dias de hoje dos anos 50, estrelou Spencer Tracy, que tinha feito a sua primeira aparição no filme Up The River da Ford em 1930. Tracy interpreta um político envelhecido a combater a sua última campanha, com Jeffrey Hunter como seu sobrinho. Katharine Hepburn alegadamente facilitou uma aproximação entre os dois homens, pondo fim a uma longa disputa, e convenceu Tracy a assumir o papel principal, que tinha sido originalmente oferecido a Orson Welles (mas foi recusado pelo agente de Welles sem o seu conhecimento, para seu desgosto). Fez um negócio consideravelmente melhor do que qualquer um dos dois filmes anteriores da Ford, com um valor bruto de 950.000 dólares no seu primeiro ano, embora a membro do elenco Anna Lee tenha declarado que a Ford estava “desapontada com o filme” e que a Columbia não lhe tinha permitido supervisionar a montagem.

Coreia: Battleground for Liberty (1959), o segundo documentário da Ford sobre a Guerra da Coreia, foi realizado para o Departamento de Defesa dos EUA como um filme de orientação para os soldados americanos ali estacionados.

Seguiu-se-lhe a sua última característica da década, The Horse Soldiers (Mirisch Company-United Artists, 1959), uma história fortemente ficcionada da Guerra Civil protagonizada por John Wayne, William Holden e Constance Towers. Embora a Ford professasse infelicidade com o projecto, foi um sucesso comercial, abrindo em #1 e classificando-se no Top 20 de bilheteiras do ano, com um valor bruto de 3,6 milhões de dólares no seu primeiro ano, e ganhando a Ford a sua mais alta taxa de sempre – 375.000 dólares, mais 10% do valor bruto. A produção foi alegadamente difícil para o director e elenco, e incorreu em significativos excessos de custos, exacerbados pelos salários sem precedentes concedidos a Holden e Wayne ($750.000, mais 20% do lucro global, cada um). Espelhando as tensões no ecrã entre as personagens de Wayne e Holden, os dois actores discutiram constantemente; Wayne também estava a lutar para ajudar a sua esposa Pilar a ultrapassar um vício de barbitúricos, que culminou com a sua tentativa de suicídio enquanto o casal se encontrava no local juntos na Louisiana. Os problemas da Ford culminaram com a trágica morte do duplo Fred Kennedy, que sofreu uma fractura fatal no pescoço enquanto executava uma queda de cavalo durante a sequência de batalha clímatica. Ford foi devastado pelo acidente e perdeu o interesse no filme, transferindo a produção de volta para Hollywood. Ele também eliminou o final planeado, retratando a entrada triunfal de Marlowe em Baton Rouge, concluindo o filme com o adeus de Marlowe a Hannah Hunter e a travessia e demolição da ponte.

Últimos anos, 1960-1973

Nos seus últimos anos, Ford foi perseguido pelo declínio da sua saúde, em grande parte resultado de décadas de bebida pesada e tabagismo, e exacerbado pelas feridas que sofreu durante a Batalha de Midway. A sua visão, em particular, começou a deteriorar-se rapidamente e a certa altura perdeu por completo a visão; a sua memória prodigiosa também começou a vacilar, tornando necessário confiar cada vez mais em assistentes. O seu trabalho foi também restringido pelo novo regime de Hollywood, e ele teve dificuldade em conseguir que muitos projectos fossem feitos. Nos anos sessenta, já tinha sido “furado” como director ocidental e queixava-se de que agora achava quase impossível obter apoio para projectos de outros géneros.

O Sargento Rutledge (Ford Productions-Warner Bros, 1960) foi o último filme de cavalaria da Ford. Passado na década de 1880, conta a história de um cavaleiro afro-americano (interpretado por Woody Strode) que é injustamente acusado de violar e assassinar uma rapariga branca. Foi erroneamente comercializado como um filme de suspense pela Warners e não foi um sucesso comercial. Durante 1960, Ford fez a sua terceira produção televisiva, The Colter Craven Story, um episódio de uma hora do programa de televisão da rede Wagon Train, que incluía filmagens do “Ford”s Wagon Master” (no qual a série se baseou). Também visitou o cenário de The Alamo, produzido, dirigido e estrelado por John Wayne, onde a sua interferência fez com que Wayne o enviasse para filmar cenas de segunda unidade que nunca foram utilizadas (nem se destinavam a ser utilizadas) no filme.

Dois Rode Together (Ford Productions-Columbia, 1961) co-estrelaram James Stewart e Richard Widmark, com Shirley Jones e os regulares da Stock Company Andy Devine, Henry Brandon, Harry Carey Jr, Anna Lee, Woody Strode, Mae Marsh e Frank Baker, com uma aparição precoce no ecrã por Linda Cristal, que passou a estrelar na série de televisão ocidental The High Chaparral. Foi um sucesso comercial justo, com um valor bruto de 1,6 milhões de dólares no seu primeiro ano.

The Man Who Shot Liberty Valance (Ford Productions-Paramount, 1962) é frequentemente citado como o último grande filme da carreira da Ford. Estrelado por John Wayne e James Stewart, o elenco de apoio apresenta Vera Miles, Edmond O”Brien como editor de jornais loquaz, Andy Devine como o marechal inepto Appleyard, Denver Pyle, John Carradine, e Lee Marvin num papel importante como o brutal Valance, com Lee Van Cleef e Strother Martin como seus capangas. É também notável como o filme em que Wayne mais frequentemente usou a sua frase de marca registada “Pilgrim” (o seu apelido para o personagem de James Stewart). O filme foi muito bem sucedido, com mais de 3 milhões de dólares no seu primeiro ano, embora o elenco principal tenha alargado a sua credibilidade – os personagens interpretados por Stewart (então 53) e Wayne (então 54) poderiam ser assumidos como estando na casa dos 20 anos, dadas as circunstâncias, e Ford teria considerado o elenco de um actor mais jovem no papel de Stewart, mas temia que isso pudesse realçar a idade de Wayne. Embora se afirme frequentemente que as restrições orçamentais exigiam a filmagem da maior parte do filme em gravações sonoras no lote Paramount, os registos contabilísticos do estúdio mostram que isto fazia parte do conceito artístico original do filme, segundo o biógrafo da Ford Joseph McBride. De acordo com Lee Marvin numa entrevista filmada, Ford tinha lutado muito para filmar o filme a preto e branco para acentuar o seu uso de sombras. Mesmo assim, foi um dos filmes mais caros da Ford, a 3,2 milhões de dólares.

Depois de completar Liberty Valance, Ford foi contratada para dirigir a secção de Guerra Civil da épica MGM How The West Was Won, o primeiro filme não documental a utilizar o processo de ecrã largo Cinerama. O segmento da Ford apresentou George Peppard, com Andy Devine, Russ Tamblyn, Harry Morgan como Ulysses S. Grant, e John Wayne como William Tecumseh Sherman. Wayne já tinha interpretado Sherman num episódio de 1960 da série de televisão Wagon Train, que a Ford dirigiu em apoio à estrela da série Ward Bond, “The Coulter Craven Story”, para a qual trouxe a maior parte da sua empresa de acções. Também em 1962, Ford dirigiu a sua quarta e última produção televisiva, Flashing Spikes, uma história de basebol feita para a série Alcoa Premiere e protagonizada por James Stewart, Jack Warden, Patrick Wayne e Tige Andrews, com Harry Carey Jr. e uma longa aparição surpresa de John Wayne, facturada nos créditos como “Michael Morris”, tal como também tinha sido para o episódio Wagon Train dirigido pela Ford.

Donovan”s Reef (Paramount, 1963) foi o último filme da Ford com John Wayne. Filmado em local na ilha havaiana de Kauai (duplicação para uma ilha fictícia na Polinésia Francesa), foi uma peça de moralidade disfarçada de acção-comédia, que se envolveu subtilmente, mas de forma acentuada, com questões de fanatismo racial, conivência corporativa, ganância e crenças americanas de superioridade social. O elenco de apoio incluía Lee Marvin, Elizabeth Allen, Jack Warden, Dorothy Lamour, e Cesar Romero. Foi também o último sucesso comercial da Ford, com 3,3 milhões de dólares contra um orçamento de 2,6 milhões de dólares.

Cheyenne Autumn (Warner Bros, 1964) foi a despedida épica da Ford ao Ocidente, que ele declarou publicamente como sendo uma elegia aos nativos americanos. Foi o seu último western, o seu filme mais longo e o filme mais caro da sua carreira (4,2 milhões de dólares), mas não conseguiu recuperar os seus custos nas bilheteiras e perdeu cerca de 1 milhão de dólares no seu primeiro lançamento. O elenco das estrelas foi liderado por Richard Widmark, com Carroll Baker, Karl Malden, Dolores del Río, Ricardo Montalbán, Gilbert Roland, Sal Mineo, James Stewart como Wyatt Earp, Arthur Kennedy como Doc Holliday, Edward G. Robinson, Patrick Wayne, Elizabeth Allen, Mike Mazurki e muitos dos fiéis da Ford Stock Company, incluindo John Carradine, Ken Curtis, Willis Bouchey, James Flavin, Danny Borzage, Harry Carey Jr., Chuck Hayward, Ben Johnson, Mae Marsh e Denver Pyle. William Clothier foi nomeado para um Óscar de Melhor Fotografia e Gilbert Roland foi nomeado para um prémio Globo de Ouro de Melhor Actor Coadjuvante pela sua actuação como Cheyenne Faca de Ancião Tédio.

Em 1965, Ford começou a trabalhar no Young Cassidy (MGM), um drama biográfico baseado na vida do dramaturgo irlandês Seán O”Casey, mas adoeceu no início da produção e foi substituído por Jack Cardiff.

A última longa-metragem completa da Ford foi 7 Mulheres (MGM, 1966), um drama ambientado em cerca de 1935, sobre mulheres missionárias na China tentando proteger-se dos avanços de um bárbaro senhor da guerra mongol. Anne Bancroft assumiu o papel principal de Patricia Neal, que sofreu um derrame quase fatal dois dias depois de ter sido filmada. O elenco de apoio incluía Margaret Leighton, Flora Robson, Sue Lyon, Mildred Dunnock, Anna Lee, Eddie Albert, Mike Mazurki e Woody Strode, com música de Elmer Bernstein. Infelizmente, foi um fiasco comercial, que só rondou cerca de metade do seu orçamento de $2,3 milhões. Inusitado para a Ford, foi filmado em continuidade por causa das actuações e ele, portanto, expôs cerca de quatro vezes mais filme do que habitualmente filmou. Anna Lee recordou que a Ford era “absolutamente encantadora” para todos e que a única grande explosão veio quando Flora Robson reclamou que a placa na porta do seu camarim não incluía o seu título (“Dame”) e como resultado, Robson foi “absolutamente retalhado” pela Ford em frente do elenco e da equipa.

O próximo projecto da Ford, O Milagre de Merriford, foi eliminado pela MGM menos de uma semana antes de as filmagens terem começado. O seu último trabalho concluído foi Chesty: A Tribute to a Legend, um documentário sobre o mais condecorado fuzileiro dos EUA, General Lewis B. Puller, com narração de John Wayne, realizado em 1970 mas só lançado em 1976, três anos após a morte de Ford.

A saúde da Ford deteriorou-se rapidamente no início da década de 1970; sofreu uma ruptura da anca em 1970 que o colocou numa cadeira de rodas. Teve de se mudar da sua casa em Bel Air para uma casa de um único nível em Palm Desert, Califórnia, perto do Eisenhower Medical Center, onde estava a ser tratado de cancro do estômago. Em Outubro de 1972, o Grémio de Realizadores de Ecrã prestou uma homenagem à Ford, e em Março de 1973 o American Film Institute homenageou-o com o seu primeiro Prémio Lifetime Achievement numa cerimónia que foi transmitida a nível nacional, com o Presidente Richard Nixon a promover a Ford a Almirante de pleno direito e a entregar-lhe a Medalha Presidencial da Liberdade.

De acordo com o parceiro e amigo de longa data da Ford, John Wayne, a Ford poderia ter continuado a realizar filmes. Ele contou a Roger Ebert em 1976:

Até aos últimos anos da sua vida … Pappy poderia ter dirigido outra fotografia, e uma muito boa. Mas eles disseram que o Pappy era demasiado velho. Raios, ele nunca foi demasiado velho. Hoje em dia, em Hollywood, eles não ficam atrás de um tipo. Preferem fazer dele uma maldita lenda e acabar com ele.

Ford morreu a 31 de Agosto de 1973 no Deserto de Palm e o seu funeral foi realizado a 5 de Setembro na Igreja do Santíssimo Sacramento de Hollywood. Foi sepultado no Cemitério da Santa Cruz em Culver City, Califórnia.

Personalidade

Ford era conhecido pela sua personalidade intensa e pelas suas muitas idiossincrasias e excentricidades. A partir do início dos anos trinta, usava sempre óculos escuros e um remendo sobre o seu olho esquerdo, o que só em parte protegia a sua pobre visão. Era um fumador de cachimbos inveterado e enquanto filmava, mastigava um lenço de linho – cada manhã a sua mulher dava-lhe uma dúzia de lenços frescos, mas ao fim de um dia de filmagem os cantos de todos eles seriam mastigados em pedaços. Tinha sempre música tocada no cenário e rotineiro, a meio da tarde, todos os dias, durante as filmagens, partia para o chá (Earl Grey). Desencorajou a tagarelice e não gostava de palavrões no set; a sua utilização, especialmente em frente de uma mulher, resultaria tipicamente em que o ofensor fosse expulso da produção. Raramente bebia durante a realização de um filme, mas quando uma produção era embrulhada, muitas vezes trancava-se no seu escritório, embrulhado apenas num lençol, e ia beber solitariamente durante vários dias, seguido de uma contrição de rotina e de um voto de nunca mais beber. Era extremamente sensível às críticas e estava sempre particularmente irritado com qualquer comparação entre o seu trabalho e o do seu irmão mais velho Francis. Raramente assistia a estreias ou cerimónias de entrega de prémios, embora os seus Óscares e outros prémios fossem orgulhosamente afixados na lareira da sua casa.

Houve rumores ocasionais sobre as suas preferências sexuais, e na sua autobiografia de 2004 ”Tis Herself, Maureen O”Hara recordou ter visto a Ford beijar um famoso actor masculino (a quem não deu nome) no seu escritório nos Estúdios Columbia.

Era famoso por ser desarrumado, e o seu estudo estava sempre repleto de livros, papéis e roupas. Comprou um Rolls-Royce novinho em folha na década de 1930, mas nunca montou nele porque a sua mulher, Mary, não o deixava fumar nele. O seu próprio carro, um roadster Ford maltratado, estava tão dilapidado e desarrumado que uma vez chegou atrasado a uma reunião de estúdio porque o guarda no portão do estúdio não acreditava que o verdadeiro John Ford conduzisse um carro assim, e recusou-se a deixá-lo entrar.

A Ford também era notória pela sua antipatia para com os executivos de estúdio. Num dos primeiros filmes para a Fox, diz-se que encomendou um guarda para manter o chefe do estúdio Darryl F. Zanuck fora do set, e noutra ocasião, trouxe um executivo à frente da equipa, colocou-o de perfil e anunciou: “Este é um produtor associado – olha bem, porque não o voltarás a ver neste filme”. Enquanto filmava Rio Grande em 1950, o produtor Herbert Yates e o executivo da República Rudy Ralston visitaram o local e quando Yates apontou a hora (eram 10 da manhã) e perguntou quando é que a Ford tencionava começar a filmar, Ford ladrou: “Assim que sair do meu set”! Ao jantar, Ford alegadamente recrutou o membro do elenco Alberto Morin para se disfarçar de empregado de mesa francês inepto, que procedeu a derramar sopa sobre eles, partir pratos e causar caos geral, mas os dois executivos aparentemente não se aperceberam que eram vítimas de uma das piadas práticas da Ford.

O seu orgulho e alegria foi o seu iate, Araner, que comprou em 1934 e no qual gastou centenas de milhares de dólares em reparações e melhoramentos ao longo dos anos; tornou-se o seu principal retiro entre os filmes e um ponto de encontro para o seu círculo de amigos próximos, incluindo John Wayne e Ward Bond.

Ford era altamente inteligente, erudito, sensível e sentimental, mas para se proteger na atmosfera de garganta cortante de Hollywood cultivava a imagem de um “filho da mãe irlandês duro, de dois punhos e bebedor duro”. Um evento famoso, testemunhado pelo amigo da Ford, o actor Frank Baker, ilustra de forma impressionante a tensão entre a persona pública e o homem privado. Durante a Depressão, Ford – até então um homem muito rico – foi acossado fora do seu escritório por um antigo actor da Universal que estava destituído e precisava de 200 dólares para uma operação para a sua esposa. Quando o homem relatou os seus infortúnios, Ford parecia enfurecido e depois, para horror dos espectadores, lançou-se ao homem, derrubou-o ao chão e gritou “Como se atreve a vir aqui assim? Quem pensa que é para falar comigo desta maneira?” antes de sair da sala de tormenta. Contudo, quando o velhote abalado saiu do edifício, Frank Baker viu o gerente de negócios da Ford, Fred Totman, encontrar-se com ele à porta, onde entregou ao homem um cheque de 1000 dólares e deu instruções ao motorista da Ford para o levar a casa. Ali, uma ambulância esperava para levar a mulher do homem ao hospital, onde um especialista, vindo de São Francisco a expensas da Ford, realizou a operação. Algum tempo depois, Ford comprou uma casa para o casal e reformou-os para o resto da vida. Quando Baker contou a história a Francis Ford, declarou-a como a chave da personalidade do seu irmão:

A qualquer momento, se aquele velho actor tivesse continuado a falar, as pessoas ter-se-iam apercebido do que é um Jack macio. Ele não poderia ter resistido a essa triste história sem se ter quebrado. Ele construiu toda esta lenda da dureza à sua volta para proteger a sua doçura.

No livro Wayne and Ford, The Films, the Friendship, and the Forging of an American Hero by Nancy Schoenberger, o autor disseca o impacto cultural da masculinidade retratada nos filmes da Ford. Numa entrevista com a Portland Magazine, Schoenberger afirma: “Em relação a Ford e Wayne, “afinar as convenções do que é hoje um ”homem””, penso que Ford, tendo crescido com irmãos que idolatrou, num mundo rude de boxeadores, bebedores, e roustabouts, encontrou o seu tema mais profundo na camaradagem masculina, especialmente nos militares, um dos poucos lugares onde os homens podem expressar o seu amor por outros homens. Mas estava preocupado com os homens agindo heroicamente, pelo que o homem mais macho nem sempre foi o mais heróico. McLaglen apresentava muitas vezes o lado cómico da masculinidade tumultuosa. Ford trouxe à tona a ternura de Wayne, bem como a sua dureza, especialmente em Stagecoach”.

Estilo geral

A Ford tinha muitas marcas comerciais estilísticas distintivas e um conjunto de preocupações temáticas e motivos visuais e aurais recorrentes ao longo do seu trabalho como director. O jornalista cinematográfico Ephraim Katz resumiu algumas das principais características do trabalho da Ford na sua entrada Collins Film Encyclopedia:

De todos os directores americanos, a Ford tinha provavelmente a visão pessoal mais clara e o estilo visual mais consistente. As suas ideias e as suas personagens são, como muitas coisas de marca “americana”, enganosamente simples. Os seus heróis … podem parecer simplesmente solitários, estranhos à sociedade estabelecida, que geralmente falam através de acções e não de palavras. Mas o seu conflito com a sociedade encarna temas maiores na experiência americana.

Em contraste com o seu contemporâneo Alfred Hitchcock, Ford nunca usou storyboards, compondo as suas fotografias inteiramente na sua cabeça, sem qualquer esboço escrito ou gráfico das fotografias que utilizaria. O desenvolvimento do guião podia ser intenso mas, uma vez aprovado, os seus guiões raramente eram reescritos; foi também um dos primeiros cineastas a encorajar os seus escritores e actores a preparar uma história completa para as suas personagens. Detestava longas cenas expositivas e era famoso por arrancar páginas de um guião para cortar o diálogo. Durante a realização de Mogambo, quando desafiado pelo produtor do filme Sam Zimbalist sobre o seu atraso de três dias, Ford respondeu rasgando três páginas do guião e declarando “Estamos dentro do prazo” e de facto nunca filmou essas páginas. Enquanto fazia Tambores ao longo do Mohawk, Ford esquivou-se habilmente ao desafio de filmar um grande e caro cenário de batalha – mandou Henry Fonda improvisar um monólogo enquanto disparava perguntas por detrás da câmara sobre o curso da batalha (um assunto sobre o qual Fonda era bem versado) e depois simplesmente editar as perguntas.

Era relativamente poupado no seu uso de movimentos de câmara e grandes planos, preferindo planos estáticos médios ou longos, com os seus jogadores enquadrados contra vistas dramáticas ou interiores iluminados num estilo expressionista, embora muitas vezes usasse planos panorâmicos e por vezes usasse um boneco dramático (por exemplo, a primeira aparição de John Wayne na Stagecoach). Ford é famoso pelas suas emocionantes imagens de perseguição, tais como a sequência de perseguição Apache em Stagecoach ou o ataque ao campo Comanche em The Searchers.

Os motivos visuais recorrentes incluem comboios e vagões – muitos filmes Ford começam e terminam com um veículo de ligação, como um comboio ou vagão que chega e sai – portas, estradas, flores, rios, reuniões (também empregou motivos gestuais em muitos filmes, nomeadamente o lançamento de objectos e a iluminação de candeeiros, fósforos ou cigarros. Se um personagem condenado fosse mostrado a jogar póquer (como Liberty Valance ou o pistoleiro Tom Tyler em Stagecoach), a última mão que ele joga é a “mão da morte” – dois oitos e dois ases, um deles o ás de espadas – tão chamado porque se diz que Wild Bill Hickok segurou esta mão quando foi assassinado. Muitos dos seus filmes sonoros incluem interpretações ou citações do seu hino favorito, “Shall We Gather at the River?”, tais como o seu uso paródico para sublinhar as cenas de abertura da diligência, quando a prostituta Dallas está a ser expulsa da cidade por matrizes locais. Os nomes dos personagens também se repetem em muitos filmes Ford – o nome Quincannon, por exemplo, é usado em vários filmes, incluindo A Patrulha Perdida, Rio Grande, Ela Usou Uma Fita Amarela e Forte Apache, o personagem de John Wayne é chamado “Kirby Yorke” tanto no Forte Apache como no Rio Grande, e os nomes Tyree e Boone também se repetem em vários filmes Ford.

Trabalhos recentes sobre as representações da Ford dos nativos americanos argumentaram que, ao contrário da crença popular, as suas personagens indianas abrangeram uma gama de imagens hostis a simpáticas, desde O Cavalo de Ferro ao Outono de Cheyenne. A sua representação do Navajo no Wagon Master incluía as suas personagens que falavam a língua Navajo. A marca distintiva dos westerns com temática indiana da Ford é que as suas personagens nativas permaneceram sempre separadas e separadas da sociedade branca.

Ford era lendário pela sua disciplina e eficiência no cenário e era notório por ser extremamente duro com os seus actores, frequentemente gozando, gritando e intimidando-os; era também infame pelas suas piadas práticas por vezes sádicas. Qualquer actor suficientemente tolo para exigir tratamento estelar receberia toda a força do seu desprezo e sarcasmo implacáveis. Uma vez referiu-se a John Wayne como um “grande idiota” e até deu um murro em Henry Fonda. Henry Brandon (que fez de Cicatriz Chefe de The Searchers) referiu-se uma vez a Ford como “o único homem que poderia fazer John Wayne chorar”… Ele também menosprezou Victor McLaglen, numa ocasião em que, alegadamente, gritou através do megafone: “Sabe, McLaglen, que a Fox lhe paga $1200 por semana para fazer coisas que eu poderia tirar qualquer criança da rua para fazer melhor?”. O veterano da Stock Company, Ward Bond, foi, alegadamente, um dos poucos actores que se mostraram impermeáveis aos sarcasmos e zombarias da Ford. Sir Donald Sinden, então uma estrela de contrato da Organização Rank nos Estúdios Pinewood quando estrelou em Mogambo, não foi a única pessoa a sofrer às mãos do comportamento notório de John Ford. Ele recorda “Dez Caçadores Brancos foram destacados para a nossa unidade para a nossa protecção e para fornecer carne fresca. Entre eles estava Marcus, Lord Wallscourt, um homem encantador que Ford tratou de forma abismal – por vezes de forma muito sádica. Aos olhos de Ford, o pobre homem não podia fazer nada bem e estava continuamente a ser choramingado em frente de toda a unidade (de certa forma, ele tirava-me ocasionalmente o calor). Nenhum de nós conseguia compreender a razão deste terrível tratamento, que o querido homem bondoso de modo algum merecia. Ele próprio estava bastante perdido. Várias semanas depois descobrimos a causa do cunhado de Ford: antes de emigrar para a América, o avô de Ford tinha sido um trabalhador na propriedade na Irlanda do então Lorde Wallscourt: Ford estava agora a vingar-se da sua descendência. Não é uma visão encantadora”. “Tivemos agora de regressar aos estúdios MGM-British Studios em Londres para filmar todas as cenas interiores. Alguém deve ter apontado a Ford que ele me tinha sido completamente desonesto durante toda a filmagem do local e quando cheguei para o meu primeiro dia de trabalho, descobri que ele tinha causado um grande aviso a ser pintado à entrada do nosso palco sonoro em letras maiúsculas, lendo BE KIND TO DONALD WEEK. Ele era tão bom como a sua palavra – por precisamente sete dias. No oitavo dia, rasgou o sinal e voltou ao seu comportamento normal de intimidação”.

Ford geralmente dava pouca orientação explícita aos seus actores, embora ocasionalmente ele próprio andasse casualmente por uma cena, e esperava-se que os actores notassem cada acção subtil ou maneirismo; se não o fizessem, Ford obrigava-os a repetir a cena até que a fizessem bem, e muitas vezes repreendia e depreciava aqueles que não conseguiam alcançar a sua desejada actuação. Em The Man Who Shot Liberty Valance, Ford passou por uma cena com Edmond O”Brien e terminou inclinando a sua mão sobre um corrimão. O”Brien notou isto mas ignorou-o deliberadamente, colocando a sua mão sobre o corrimão; Ford não o corrigiu explicitamente e, segundo consta, fez O”Brien representar a cena quarenta e duas vezes antes de o actor ter cedido e o ter feito à maneira de Ford.

Apesar da sua personalidade muitas vezes difícil e exigente, muitos actores que trabalharam com a Ford reconheceram que ele trouxe ao de cima o melhor deles. John Wayne observou que “ninguém conseguia lidar com actores e tripulantes como Jack”. Dobe Carey afirmou que “Ele tinha uma qualidade que fazia com que todos quase se matassem para lhe agradar. Ao chegar ao cenário, sentiria de imediato que algo especial iria acontecer. Sentir-se-ia espiritualmente despertado de repente”. Carey credita Ford com a inspiração do filme final de Carey, Comanche Stallion (2005).

O local favorito da Ford para os seus filmes ocidentais era o Vale Monumental do Sul do Utah. Embora não seja geralmente apropriado geograficamente como cenário para as suas parcelas, o impacto visual expressivo da área permitiu a Ford definir imagens do Oeste americano com algumas das cinematografias mais belas e poderosas alguma vez filmadas, em filmes como Stagecoach, The Searchers, e Fort Apache. Um exemplo notável é a famosa cena em She Wore a Yellow Ribbon em que a tropa de cavalaria é fotografada contra uma tempestade que se aproxima. A influência nos filmes de artistas clássicos ocidentais como Frederic Remington e outros tem sido examinada. A utilização evocativa do território por parte da Ford para os seus westerns definiu as imagens do Oeste americano de forma tão poderosa que Orson Welles disse uma vez que outros cineastas se recusaram a filmar na região por receio de plágio.

Ford filmou tipicamente apenas as filmagens de que necessitava e frequentemente filmou em sequência, minimizando o trabalho dos seus editores de filmes. A técnica de corte da câmara de filmar de Ford permitiu-lhe manter o controlo criativo num período em que os realizadores tinham muitas vezes pouco a dizer sobre a edição final dos seus filmes. Ford observou:

Não lhes dou muito filme para brincarem. Na verdade, Eastman costumava queixar-se de que eu expunha tão pouco filme. Eu corto na câmara. Caso contrário, se lhes der muito filme, ”o comité” toma conta. Eles começam a fazer malabarismos com cenas e a tirar isto e colocar aquilo. Não o podem fazer com as minhas fotografias. Eu corto na máquina fotográfica e pronto. Não sobra muito filme no chão quando eu termino.

A Ford ganhou um total de quatro prémios da Academia, sendo todos eles para Melhor Realizador, pelos filmes O Informador (1935), As Vinhas da Ira (1940), Como Era Verde O Meu Vale (1941), e O Homem Silencioso (1952) – nenhum deles Ocidental (também protagonizado nos dois últimos foi Maureen O”Hara, “a sua actriz favorita”). Foi também nomeado como Melhor Director da diligência (1939). Mais tarde dirigiu dois documentários, The Battle of Midway e 7 de Dezembro, que ambos ganharam o prémio de Melhor Documentário, embora o prémio não tenha sido ganho por ele. Até hoje, Ford detém o recorde de ganhar o maior número de Óscares de Melhor Realizador, tendo ganho o prémio em quatro ocasiões. William Wyler e Frank Capra ficaram em segundo lugar, tendo ganho o prémio por três vezes. Ford foi o primeiro realizador a ganhar consecutivos prémios de Melhor Director, em 1940 e 1941. Este feito foi mais tarde igualado por Joseph L. Mankiewicz exactamente dez anos depois, quando ganhou prémios consecutivos para Melhor Director, em 1950 e 1951. Como produtor, recebeu também uma nomeação para Melhor Fotografia para O Homem Quieto. Em 1955 e 1957, Ford recebeu o prémio The George Eastman Award, atribuído pela George Eastman House pela sua notável contribuição para a arte do cinema. Foi o primeiro galardoado com o Prémio Life Achievement do American Film Institute, em 1973. Também nesse ano, Ford recebeu a Medalha Presidencial da Liberdade do Presidente Richard Nixon.

A Ford dirigiu 10 actores diferentes em espectáculos nomeados com um Óscar: Victor McLaglen, Thomas Mitchell, Edna May Oliver, Jane Darwell, Henry Fonda, Donald Crisp, Sara Allgood, Ava Gardner, Grace Kelly e Jack Lemmon. McLaglen, Mitchell, Darwell, Crisp e Lemmon ganharam um Óscar por um dos seus papéis num dos filmes da Ford.

Um especial de televisão com Ford, John Wayne, James Stewart, e Henry Fonda foi transmitido pela rede CBS a 5 de Dezembro de 1971, chamado The American West of John Ford, com clips da carreira da Ford intercalados com entrevistas conduzidas por Wayne, Stewart, e Fonda, que também se revezaram para narrar o documentário hourlong.

Em 2007, a Twentieth Century Fox lançou a Ford na Fox, um conjunto de 24 filmes da Ford em caixa de DVD. Richard Corliss, da revista Time, nomeou-o um dos “Top 10 DVDs de 2007”, classificando-o como o nº 1.

Uma estátua da Ford em Portland, Maine mostra-o sentado na cadeira de um realizador. A estátua feita pelo escultor nova-iorquino George M. Kelly, elenco da Modern Art Foundry, Astoria, NY, e encomendada pela filantropa da Louisiana Linda Noe Laine foi revelada a 12 de Julho de 1998 no Gorham”s Corner em Portland, Maine, Estados Unidos, como parte de uma celebração da Ford que mais tarde incluiu a renomeação do auditório da Portland High School como Auditório John Ford.

Em 2019 Jean-Christophe Klotz lançou o documentário John Ford, l”homme qui inventa l”Amérique, sobre a sua influência na lenda do Oeste americano em filmes como Stagecoach (1939), The Grapes of Wrath (1940), The Man Who Shot Liberty Valance (1962) e Cheyenne Autumn (1964).

O Arquivo de Filmes da Academia preservou vários filmes de John Ford, incluindo How Green Was My Valley, The Battle of Midway, Drums Along the Mohawk, Sex Hygiene, Torpedo Squadron 8, e Four Sons.

Prémios da Academia de Actuação Dirigida

No início da vida, a política da Ford era convencionalmente progressista; os seus presidentes favoritos eram os democratas Franklin D. Roosevelt e John F. Kennedy e o republicano Abraham Lincoln. Mas apesar destas tendências, muitos pensavam que ele era republicano devido à sua longa associação com os actores John Wayne, James Stewart, Maureen O”Hara, e Ward Bond.

A atitude da Ford em relação ao McCarthyism em Hollywood é expressa por uma história contada por Joseph L. Mankiewicz. Uma facção do Grémio de Directores da América, liderada por Cecil B. DeMille, tinha tentado tornar obrigatório que todos os membros assinassem um juramento de lealdade. Uma campanha sussurrante estava a ser conduzida contra Mankiewicz, então Presidente do Grémio, alegando que ele tinha simpatias comunistas. Numa reunião crucial do Grémio, a facção de DeMille falou durante quatro horas até que a Ford falou contra DeMille e propôs um voto de confiança em Mankiewicz, que foi aprovado. As suas palavras foram gravadas por um estenógrafo:

O meu nome é John Ford. Eu faço westerns. Acho que não há ninguém nesta sala que saiba mais sobre o que o público americano quer do que Cecil B. DeMille – e ele certamente sabe como lhes dar … Mas eu não gosto de ti, C. B. Não gosto do que representas e não gosto do que tens dito aqui esta noite.

A versão dos acontecimentos de Mankiewicz foi contestada em 2016, com a descoberta da transcrição do tribunal, que foi divulgada como parte dos arquivos de Mankiewicz. A conta de Mankiewicz dá crédito exclusivo à Ford no afundamento do DeMille. A conta tem vários embelezamentos. A jogada de DeMille para despedir Mankiewicz tinha causado uma tempestade de protestos. DeMille estava basicamente no fim de receber uma torrente de ataques de muitos oradores ao longo da reunião e, a certa altura, parecia que apenas tinha sido atirado do quadro do grémio.

Neste momento, a Ford levantou-se para falar. A sua abertura foi que ele se levantou em defesa da direcção. Afirmou um papel pessoal num voto de confiança para Joseph Mankiewicz. Apelou então ao fim da política no Grémio e à sua reorientação para as condições de trabalho. Ford disse à reunião que o Grémio foi formado para “nos protegermos contra os produtores”. Ford argumentou contra “a divulgação de informações depreciativas sobre um director, quer seja comunista, quer bata na sogra, quer bata nos cães”. Ford queria que o debate e a reunião terminassem, pois o seu foco era a unidade do grémio. Ele disse que Mankiewicz tinha sido vilipendiado e merecia um pedido de desculpas. A sua última secção era apoiar DeMille contra novos apelos à sua demissão. As palavras de Ford sobre DeMille foram: “E eu penso que algumas das acusações aqui feitas esta noite foram bastante unamericanas. Refiro-me a um grupo de homens que escolheu provavelmente o reitor da nossa profissão. Não estou de acordo com C. B. DeMille. Eu admiro-o. Eu não gosto dele, mas admiro-o. Tudo o que ele disse esta noite, tinha o direito de dizer. Não gosto de ouvir acusações contra ele”. Ele concluiu “implorando” com a filiação para manter DeMille.

A Ford temia que a saída de DeMille pudesse ter causado a desintegração do corpo. A sua segunda jogada foi fazer com que todo o conselho se demitisse, o que salvou a face de DeMille e permitiu que a questão fosse resolvida sem demissões forçadas. No dia seguinte, Ford escreveu uma carta de apoio a DeMille e depois telefonou, onde Ford descreveu DeMille como “uma figura magnífica” tão acima daquela “maldita matilha de ratos”.

Numa reunião acalorada e árdua, Ford foi à defesa de um colega sob ataque sustentado dos seus pares. Ele viu os perigos de expulsar DeMille. Ford encarou todo o encontro de forma a assegurar que DeMille permanecesse no grémio. Mais tarde, ofereceu a sua própria demissão – como parte de toda a direcção – para garantir que o grémio não se separasse e permitisse que DeMille fosse embora sem perder a face.

Com o passar do tempo, contudo, a Ford tornou-se mais publicamente aliada do Partido Republicano, declarando-se um “Maine Republicano” em 1947. Disse que votou em Barry Goldwater nas eleições presidenciais de 1964 nos Estados Unidos e apoiou Richard Nixon em 1968 e tornou-se um apoiante da Guerra do Vietname. Em 1973, foi condecorado com a Medalha da Liberdade pelo Presidente Nixon, cuja campanha tinha apoiado publicamente.

Em 1952, a Ford esperava um Robert Taft

Em 1966, apoiou Ronald Reagan na sua corrida de governador e novamente para a sua reeleição em 1970.

A Ford é amplamente considerada como estando entre os mais influentes dos cineastas de Hollywood. Foi listado como o quinto realizador mais influente de todos os tempos pelo MovieMaker. Abaixo estão algumas das pessoas que foram directamente influenciadas pela Ford, ou que admiraram muito o seu trabalho:

Em Dezembro de 2011 a Irish Film & Television Academy (IFTA), em associação com a John Ford Estate e o Irish Department of Arts, Heritage e a Gaeltacht, criou “John Ford Ireland”, celebrando o trabalho e o legado de John Ford. A Academia Irlandesa declarou que, através de John Ford Ireland, espera lançar as bases para honrar, examinar e aprender com o trabalho e legado de John Ford, que é amplamente considerado como um dos mais importantes e influentes cineastas da sua geração.

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Simpósio

O primeiro Simpósio John Ford Ireland teve lugar em Dublin, Irlanda, de 7 a 10 de Junho de 2012. O Simpósio, concebido para se inspirar e celebrar a influência contínua da Ford no cinema contemporâneo, apresentou um programa diversificado de eventos, incluindo uma série de projecções, masterclasses, painéis de discussão, entrevistas públicas, e uma projecção ao ar livre de The Searchers.

Entre os convidados que estiveram presentes encontravam-se Dan Ford, neto de John Ford; o compositor Christopher Caliendo conduziu a aclamada Orquestra de Concertos RTÉ interpretando a sua partitura para The Iron Horse de Ford, abrindo o evento de quatro dias; o autor e biógrafo Joseph McBride deu a palestra de abertura do Simpósio; os realizadores Peter Bogdanovich, Stephen Frears, John Boorman, Jim Sheridan, Brian Kirk, Thaddeus O”Sullivan e Sé Merry Doyle participaram em vários eventos; os escritores irlandeses Patrick McCabe, Colin Bateman, Ian Power e Eoghan Harris examinaram o trabalho da Ford do ponto de vista dos argumentistas; Joel Cox proferiu uma masterclass de edição; e compositores e músicos, entre os quais David Holmes e Kyle Eastwood, discutiram música para filme.

O John Ford Ireland Film Symposium foi novamente realizado em Dublin no Verão de 2013.

Prémio John Ford

Clint Eastwood recebeu o Prémio John Ford inaugural em Dezembro de 2011. Foi entregue ao Sr. Eastwood, numa recepção em Burbank, Califórnia, por Michael Collins, Embaixador Irlandês nos Estados Unidos, Dan Ford, neto de John Ford, e Áine Moriarty, Chefe Executiva da Academia Irlandesa de Cinema e Televisão (IFTA).

Aceitando o prémio, disse o Sr. Eastwood: “Qualquer tipo de associação com John Ford é o sonho da maioria dos realizadores, uma vez que ele foi certamente um pioneiro do cinema americano e eu cresci nos seus filmes. Os seus westerns tiveram uma grande influência sobre mim, como penso que tiveram sobre toda a gente. Quando trabalhei com Sergio Leone há anos em Itália, o seu realizador favorito era John Ford e ele falou muito abertamente sobre essa influência. Quero agradecer a todos os que estão aqui da Academia Irlandesa, à família John Ford e obrigado a John Ford Ireland”.

A Ford recebeu a Legião de Mérito com Combate “V”, a Medalha do Ar, a Medalha de Comenda da Marinha e Corpo de Fuzileiros Navais com Combate “V”, a Medalha Presidencial da Liberdade, a Medalha de Serviço da China, a Medalha de Serviço da Defesa Americana com Estrela de Serviço, a Medalha da Campanha Americana, a Medalha da Campanha Europa-Áfricano-Oriental Médio Oriente com três estrelas de campanha, a Medalha da Campanha Ásia-Pacífico também com três estrelas de campanha, a Medalha de Vitória da Segunda Guerra Mundial, a Medalha do Serviço de Ocupação da Marinha, a Medalha do Serviço Nacional de Defesa com estrela de serviço, a Medalha do Serviço Coreano com uma estrela de campanha, a Medalha da Ordem de Mérito Nacional de Segurança Samil, a Distinta Fita de Pistola (1952-1959), e a Ordem Belga do Leopold.

Materiais de arquivo

Críticas

Sítios oficiais

Fontes

John Ford
John Ford
^ Gallagher, Tag John Ford: The Man and his Films (University of California Press, 1984), ”Preface”
^ 1900 Census report Feb 1894 birthdate provided
^ Probably better then known by its Gaelic name, An Spidéal.
^ Andrews, Nigel (February 13, 1982). “How to Spend It: Video Review – Return of the Hollywood greats”. Financial Times. What famous film featured three directional greats of Hollywood, Erich von Stroheim, John Ford and Raoul Walsh among its supporting cast; spent an uncomfortable amount of time venerating the Ku Klux Klan; and did more than any other single work in movie history to found the visual vocabulary of modern cinema? If your lips are shaping The Birth of a Nation, you are right.
Gallagher, 1986, p. 10.
Gallagher, 1986, p. 14.
Gallagher, 1986, p. 15.
Bogdanovich, 1971, p. 49.
Ford a toujours prétendu avoir comme nom de naissance Sean Aloysius O”Feeney (Aloysius est le prénom d”emprunt qu”il choisit pour sa confirmation), mais son acte de baptême montre que John Ford s”appelait bien John Martin Feeney[1].
Prononciation en anglais américain retranscrite selon la norme API.
Par exemple : son combat contre le nazisme et le maccarthysme, ainsi que ses réserves lors de la guerre de Corée et de la guerre du Viêt Nam. Il est également l”un des premiers réalisateurs à traiter dans ses films les Indiens avec respect et humanité, sans oublier d”évoquer la ségrégation raciale avec Le Sergent noir.
^ O. Welles-P.Bogdanovich, Io, Orson Welles – Baldini&Castoldi 1996, pag. 59 e seg.
^ Eyman, Scott, Print the Legend: The Life and Times of John Ford, New York, Simon & Schuster, 1999. ISBN 0-684-81161-8
^ K. Everson: Forgotten Ford in «Focus on Film», n° 6, London 1971
^ (EN) http://www.medaloffreedom.com/JohnFord.htm
^ Peter Bogdanovich, John Ford, pp 18-19.