Michael Curtiz

gigatos | Dezembro 28, 2022

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Resumo

Michael Curtiz (24 de Dezembro de 1886 – 10 de Abril de 1962) foi um realizador de cinema húngaro-americano, reconhecido como um dos realizadores mais prolíficos da história: 67 Dirigiu filmes clássicos da era do silêncio e numerosos outros durante A Idade de Ouro de Hollywood, quando o sistema de estúdio era predominante.

Curtiz já era um director bem conhecido na Europa quando a Warner Bros. o convidou para Hollywood em 1926, quando ele tinha 39 anos de idade. Já tinha realizado 64 filmes na Europa, e logo ajudou a Warner Bros. a tornar-se o estúdio de cinema de mais rápido crescimento. Dirigiu 102 filmes durante a sua carreira em Hollywood, na sua maioria na Warners, onde dirigiu dez actores nomeados para os Óscares. James Cagney e Joan Crawford ganharam os seus únicos Óscares sob a direcção de Curtiz. Colocou Doris Day e John Garfield no ecrã pela primeira vez, e fez estrelas de Errol Flynn, Olivia de Havilland, e Bette Davis. Ele próprio foi nomeado cinco vezes e ganhou duas vezes, uma para Melhor Tema Curto para Filhos da Liberdade e outra como Melhor Director para Casablanca.

Curtiz foi dos que introduziram em Hollywood um estilo visual utilizando iluminação artística, movimentos de câmara extensos e fluidos, disparos de guindastes altos, e ângulos de câmara invulgares. Era versátil e podia lidar com qualquer género de filme: melodrama, comédia, história de amor, film noir, musical, história de guerra, ocidental, horror, ou épico histórico. Prestava sempre atenção ao aspecto de interesse humano de cada história, afirmando que os “problemas humanos e fundamentais das pessoas reais” eram a base de todo o bom drama.

Curtiz ajudou a popularizar o clássico swashbuckler com filmes como Captain Blood (1935) e As Aventuras de Robin Hood (1938). Dirigiu muitos outros dramas que são considerados clássicos: Anjos com Rostos Sujos (1938), O Lobo do Mar (1941), Casablanca (1942), e Mildred Pierce (1945). Dirigiu musicais de destaque, incluindo Yankee Doodle Dandy (1942), This Is the Army (1943), e White Christmas (1954), e fez comédias com Life With Father (1947) e We”re No Angels (1955).

Curtiz nasceu Manó Kaminer de uma família judia em Budapeste, em 1886, onde o seu pai era carpinteiro e a sua mãe cantora de ópera. Em 1905, ele Hungaricisou o seu nome a Mihály Kertész. Curtiz teve uma educação de classe média-baixa. Ele recordou durante uma entrevista que a casa da sua família era um apartamento apertado, onde tinha de partilhar um pequeno quarto com os seus dois irmãos e uma irmã. “Muitas vezes estamos com fome”, acrescentou ele: 20

Depois de terminar o liceu, estudou na Universidade Markoszy, seguida da Academia Real de Teatro e Arte, em Budapeste, antes de iniciar a sua carreira.

Actor

Curtiz sentiu-se atraído pelo teatro quando era criança na Hungria. Construiu um pequeno teatro na cave da sua casa de família quando tinha 8 anos de idade, onde ele e cinco dos seus amigos reencenaram peças. Montaram o palco, com cenários e adereços, e Curtiz dirigiu-os.

Depois de se formar na faculdade aos 19 anos de idade, aceitou um emprego como actor numa companhia de teatro itinerante, onde começou a trabalhar como um dos seus actores itinerantes. Desse trabalho, tornou-se pantomimista com um circo durante algum tempo, mas depois voltou para se juntar a outro grupo de actores itinerantes por mais alguns anos. Jogaram Ibsen e Shakespeare em várias línguas, dependendo do país em que se encontravam. Actuaram em toda a Europa, incluindo França, Hungria, Itália, e Alemanha, e acabou por aprender cinco línguas. Ele tinha várias responsabilidades:

Tivemos de fazer tudo – fazer cartazes de facturas, imprimir programas, montar cenários, remendar guarda-roupa, por vezes até arranjar cadeiras nos auditórios. Por vezes viajávamos em comboios, outras vezes em carruagens de palco, outras vezes a cavalo. Às vezes tocávamos em câmaras municipais, às vezes em pequenos restaurantes sem qualquer cenário. Às vezes fazíamos espectáculos fora das portas. Aqueles actores ambulantes foram as pessoas mais bondosas que alguma vez conheci. Eles faziam tudo uns pelos outros.

Director

Trabalhou como Mihály Kertész no Teatro Nacional Húngaro em 1912: 5 e foi membro da equipa húngara de esgrima nos Jogos Olímpicos de Estocolmo. Kertész realizou a primeira longa-metragem húngara, Hoje e Amanhã (Ma és holnap, 1912), na qual teve também um papel de liderança. Seguiu-o com outro filme, O Último Boémio (Az utolsó bohém, também 1912): 163

Curtiz começou a viver em várias cidades da Europa para trabalhar em filmes mudos em 1913. Foi pela primeira vez estudar no estúdio Nordisk na Dinamarca, o que o levou a trabalhar como actor e assistente de realização para August Blom na primeira longa-metragem multi-real da Dinamarca, Atlantis (1913).

Depois da Primeira Guerra Mundial iniciada em 1914, regressou à Hungria, onde serviu no exército durante um ano, antes de ser ferido a combater na frente russa. Curtiz escreveu sobre esse período:

A alegria intoxicante da vida foi interrompida, o mundo tinha enlouquecido … Fomos ensinados a matar. Fui recrutado para o Exército do Imperador … Depois disso, muitas coisas aconteceram: destruição, milhares para sempre silenciados, aleijados ou enviados para sepulturas anónimas. Depois veio o colapso … O destino tinha-me poupado: 22

Foi designado para fazer documentários de angariação de fundos para a Cruz Vermelha na Hungria. Em 1917, foi nomeado realizador de produção na Phoenix Films, o estúdio principal em Budapeste, onde permaneceu até deixar a Hungria: 173 Contudo, nenhum dos filmes que lá realizou sobrevive intacto, e a maioria está completamente perdida: 173

Em 1918, tinha-se tornado um dos realizadores mais importantes da Hungria, tendo nessa altura realizado cerca de 45 filmes: 163 No entanto, após o fim da guerra, em 1919, o novo governo comunista nacionalizou a indústria cinematográfica, pelo que decidiu regressar a Viena para aí dirigir filmes.

Curtiz trabalhou brevemente na UFA GmbH, uma companhia cinematográfica alemã, onde aprendeu a dirigir grandes grupos de figurantes, juntamente com a utilização de enredos complicados, ritmos rápidos e temas românticos. A sua carreira começou verdadeiramente devido ao seu trabalho para o Conde Alexander Kolowrat (conhecido como Sascha), com quem realizou pelo menos 21 filmes para o estúdio cinematográfico do Conde, Sascha Films. Curtiz escreveu mais tarde que, em Sascha, “aprendeu as leis básicas da arte cinematográfica, que, naquela época, tinha progredido mais em Viena do que em qualquer outro lugar”: 173

Entre os filmes que dirigiu estavam épicos bíblicos como Sodoma e Gomorra (1922) e Die Sklavenkönigin (1924) (intitulado Moon of Israel in the U.S.). Também fez Saltos Vermelhos (1925) e A Borboleta Dourada (1926), e uma vez dirigiu Greta Garbo, de 14 anos, na Suécia. Durante este período, tendeu a especializar-se na realização de dois tipos de filmes, quer comédias de luz sofisticadas, quer espectáculos históricos..: 173 Lançou a carreira de Lucy Doraine, que passou a ser uma estrela internacional, juntamente com a de Lili Damita, que mais tarde casou com Errol Flynn: 173

A Lua de Israel (1924) foi um espectáculo da escravidão dos filhos de Israel e da sua libertação milagrosa através do Mar Vermelho. Filmado em Viena com um elenco de 5.000, teve pelo seu tema a história de amor de uma donzela israelita e um príncipe egípcio: 163 Paramount Pictures nos EUA compraram os direitos do filme para competir com Os Dez Mandamentos de Cecil B. DeMille. No entanto, A Lua de Israel chamou a atenção de Jack e Harry Warner, e Harry foi para a Europa em 1926 apenas para se encontrar com Curtiz e vê-lo trabalhar como realizador.

Os Warners ficaram impressionados com o facto de Curtiz ter desenvolvido um estilo visual único, fortemente influenciado pelo Expressionismo Alemão, com altas imagens de gruas e ângulos de câmara invulgares. O filme também mostrou que Curtiz gostava de incluir melodrama romântico “contra eventos de grande importância histórica, por conduzir os seus personagens a crises e forçá-los a tomar decisões morais”, de acordo com Rosenzweig: 136 Ofereceu a Curtiz um contrato para ser realizador no seu novo estúdio de cinema em Hollywood, Warner Bros., onde iria dirigir um épico semelhante que tinha sido planeado, A Arca de Noé (1928). Quando Curtiz aceitou a oferta da Warner, já era um realizador prolífico, tendo realizado 64 filmes em países como a Hungria, Áustria e Dinamarca.: 3

1920s

Curtiz chegou aos Estados Unidos no Verão de 1926: 63 e começou a dirigir na Warner Bros. sob o nome anglicizado Michael Curtiz. Durante o que se tornou um período de 28 anos na Warner Bros., realizou 86 filmes, incluindo o seu melhor trabalho.

Embora fosse um cineasta experiente, agora com 38 anos de idade, Warners designou-o para dirigir uma série de filmes de qualidade média para o quebrar, sendo o primeiro O Terceiro Grau (1926). A técnica de câmara única de Curtiz foi utilizada em todo o lado, visível em ângulos de câmara dramáticos, num estilo que um crítico presumiu que outros realizadores provavelmente invejariam.

Aprender inglês rapidamente foi um obstáculo imediato, no entanto, uma vez que não tinha tempo livre. Quando Jack Warner lhe deu o filme para dirigir, Curtiz recorda: “Eu não conseguia falar uma palavra de inglês”. Era uma história romântica sobre a vida na prisão e gangsters em Chicago, um lugar onde ele nunca tinha estado sobre figuras do submundo americano que nunca tinha conhecido.

Para ganhar alguma experiência directa sobre o assunto, Curtiz convenceu o xerife de Los Angeles a deixá-lo passar uma semana na prisão. “Quando saí, soube o que precisava para o filme”.

Curtiz acreditava firmemente que a investigação dos antecedentes de cada história deveria ser feita primeiro e exaustivamente antes de se iniciar um filme. Ele disse que sempre que alguém lhe perguntava como é que ele, um estrangeiro, podia fazer filmes americanos, ele dizia-lhes: “os seres humanos são os mesmos em todo o mundo. As emoções humanas são internacionais”. Tratou os seus primeiros filmes nos E.U.A. como experiências de aprendizagem:

As únicas coisas que são diferentes em diferentes partes do mundo são os costumes … Mas esses costumes são fáceis de descobrir se se pode ler e investigar. No centro da cidade existe uma bela biblioteca pública. Aí pode abrir um livro e descobrir tudo o que quiser saber.

Embora a barreira linguística tenha tornado a comunicação com os elencos e tripulações uma dificuldade, continuou a investir tempo na preparação. Antes de dirigir o seu primeiro western, por exemplo, passou três semanas a ler sobre as histórias do Texas e as vidas dos seus homens importantes. Achou necessário continuar a estudar tão intensivamente a cultura e hábitos americanos em preparação para a maioria dos outros géneros cinematográficos. Mas estava bastante satisfeito por estar em Hollywood:

É esplêndido trabalhar aqui neste país. Temos tudo ao nosso alcance para trabalhar. O director não tem de se preocupar com nada, excepto com as suas ideias. Pode concentrar-se naqueles que não se preocupam com a sua produção, caso contrário.

O Terceiro Grau (1926), disponível na Biblioteca do Congresso, fez bom uso da experiência de Curtiz na utilização de câmaras em movimento para criar cenas expressionistas, tais como um disparo sequencial a partir da perspectiva de uma bala em movimento. O filme foi o primeiro de oito filmes de Curtiz a ter Dolores Costello como sua estrela.

A Warner Bros. mandou Curtiz dirigir três outras histórias medíocres para ter a certeza de que poderia assumir projectos maiores, durante os quais poderia familiarizar-se com os seus métodos e trabalhar com os técnicos, incluindo os operadores de câmara, que utilizaria em produções subsequentes: 137 Como explica o biógrafo James C. Robertson: “Em cada caso, Curtiz esforçou-se corajosamente, mas sem sucesso, para revitalizar roteiros pouco convincentes através de um trabalho de câmara espectacular e de fortes desempenhos centrais, as características mais notáveis de todos esses filmes”: 137

Numa visita a Hollywood em 1927, Ilya Tolstoy, filho de Leo Tolstoy, que tinha sido amigo de Curtiz na Europa, queria que ele realizasse vários filmes baseados nos romances do seu pai. Ele escolheu Curtiz porque já conhecia o local e a sua gente. Durante este período, a Warner Bros. começou a fazer experiências com filmes falantes. Atribuíram dois filmes em part-silent e part-talking para Curtiz dirigir: Tenderloin (1928) e Arca de Noé (1928), ambos também estrelados por Costello.

A Arca de Noé incluía duas histórias paralelas, uma recontando o dilúvio bíblico, e a outra um romance da I Guerra Mundial. Foi o primeiro filme épico tentado pela Warner Bros., e ao entregar a produção a Curtiz, esperavam assegurar o seu sucesso. A sequência de cheias climáticas foi considerada “espectacular” na altura, observou o historiador Richard Schickel,: 31 enquanto o biógrafo James C. Robertson disse que foi “um dos incidentes mais espectaculares da história do cinema”: 16 O seu elenco era composto por mais de 10.000 figurantes. No entanto, a reedição do filme em 1957 cortou uma hora do tempo original de 2 horas e 15 minutos. A história foi uma adaptação escrita por Bess Meredyth, que casou com Curtiz alguns anos mais tarde.

O sucesso crítico destes filmes de Curtiz contribuiu para que a Warner Bros se tornasse o estúdio de mais rápido crescimento em Hollywood.

1930s

Em 1930, Curtiz realizou Mammy (1930), o quarto filme de Al Jolson depois de ter estado no primeiro filme falante verdadeiro de Hollywood, The Jazz Singer (1927). Durante a década de 1930, Curtiz dirigiu pelo menos quatro filmes por ano.

Embora projectos invulgares para a Warner Bros., Curtiz realizou dois filmes de terror para o estúdio, Doutor X (1932) e Mistério do Museu da Cera (1933), ambos no início da Technicolor, com numerosas cenas atmosféricas filmadas no quintal do estúdio.

Outro filme revolucionário foi 20.000 Anos em Sing Sing (1932), estrelado pelos então pouco conhecidos actores Spencer Tracy e Bette Davis, num dos seus primeiros filmes. O chefe da MGM Louis B. Mayer viu o filme e ficou suficientemente impressionado com a actuação de Tracy que o contratou para a lista de estrelas da MGM: 221

A carreira americana de Curtiz não descolou realmente até 1935: 63 No início da década de 1930, Warner Bros. estava a lutar para competir com o MGM maior, que estava a lançar dramas de fantasias como a Rainha Christina (1933) com Greta Garbo, a Ilha do Tesouro (1934) com Wallace Beery, e O Conde de Monte Cristo (1934), eles decidiram arriscar e produzir o seu próprio drama de fantasias.

Até então, era um género em que os “Warners” tinham assumido que nunca poderiam ter sucesso, devido aos seus orçamentos de produção mais elevados, durante os anos da Grande Depressão. No entanto, em Março de 1935, Warners anunciou que iria produzir o Capitão Sangue (1935), um drama de acção baseado no romance de Rafael Sabatini, e dirigido por Curtiz..: 63 Seria protagonizado por um extra então desconhecido, Errol Flynn, ao lado da pouco conhecida Olivia de Havilland.

O filme foi um grande sucesso com críticas críticas positivas. Foi nomeado para o Óscar de Melhor Filme, e embora não tenha sido nomeado, Curtiz recebeu o segundo maior número de votos para Melhor Realizador, apenas por votos escritos. Também fez estrelas tanto de Flynn como de Havilland, e elevou Curtiz a ser o realizador principal do estúdio: 63

Curtiz continuou o bem sucedido género de filmes de aventura estrelados por Flynn (frequentemente com de Havilland) que incluíam The Charge of the Light Brigade (1936), uma representação da Brigada Ligeira Britânica durante a Guerra da Crimeia. O filme, outro vencedor do Óscar, foi um sucesso maior na bilheteira do que o Capitão Sangue: 64 Foi seguido por The Adventures of Robin Hood (1938, co-dirigido com William Keighley que Curtiz substituiu), o mais rentável desse ano: 64 ganhando três Óscares e sendo nomeado para Melhor Filme. Está na lista dos 100 Melhores Filmes de Tomate Podre.

Sendo o seu terceiro filme Curtiz juntos, Flynn e de Havilland continuaram a estrelar noutros filmes de enorme sucesso sob a sua direcção, incluindo The Private Lives of Elizabeth e Essex (1939), co-estrelando Bette Davis. Davis estrelou num filme de Curtiz na maioria dos anos durante a década de 1930: 73 Devido à elevada produtividade de Curtiz, a Warner Bros. criou uma unidade especial para os seus filmes, o que lhe permitiu então gerir duas equipas de filmagem. Uma trabalhou com ele durante as filmagens reais, enquanto a outra preparou tudo para o filme seguinte.

John Garfield esteve entre as descobertas de Curtiz, com a sua estreia em Four Daughters (1938), seguida de um papel de co-estrela na sua sequela, Four Wives (1939). Curtiz descobriu Garfield, um actor de teatro, por acidente, quando se deparou com um teste de cinema descartado que fez, e pensou que era muito bom. Garfield partiu do princípio de que tinha reprovado no teste de projecção e já estava de regresso a Nova Iorque com repugnância. Curtiz foi então para Kansas City para interceptar o comboio, onde retirou Garfield e o trouxe de volta para Hollywood. Garfield foi também mais tarde co-estrelado em Curtiz”s The Sea Wolf (1941).

Em Four Daughters, Garfield co-estrelou com Claude Rains, que estrelaria em 10 filmes Curtiz ao longo da sua carreira, com seis dos quais durante a década de 1930. Garfield e Rains “foram brilhantes juntos neste clássico injustamente negligenciado de Curtiz”, diz o biógrafo Patrick J. McGrath sobre Four Daughters. Garfield considerou-a a sua “obra-prima obscura”. Críticas elogiaram o seu papel: “Talvez o maior acontecimento único relacionado com Quatro Filhas ao ler as críticas parece ser a estreia de John Garfield, um brilhante jovem actor recrutado do palco da Broadway”. Aprovação semelhante veio do The New York Times, que chamou à actuação de Garfield “amargamente brilhante … um dos melhores quadros da carreira de qualquer pessoa”. Garfield e Rains co-estrelaram no ano seguinte em Curtiz”s Daughters Courageous (1939).

Depois de James Cagney ter estrelado em Curtiz”s Angels with Dirty Faces (1938), foi nomeado para um Óscar pela primeira vez. O Círculo de Críticos de Cinema de Nova Iorque votou-o como melhor actor pelo seu retrato no filme, onde desempenhou o papel de um vândalo que se redime. Curtiz foi também novamente nomeado, solidificando ainda mais o seu estatuto como o mais importante realizador do estúdio: 64 Curtiz foi nomeado para o Óscar de Melhor Realizador de 1938, tanto para Anjos com Caras Sujas como para Quatro Filhas que perderam para Frank Capra por Não O Podes Levar Contigo. Curtiz, contudo, tinha dividido os seus votos entre dois filmes e tinha na realidade o maior número de votos agregados da Academia.

No ano seguinte, Curtiz dirigiu Sons of Liberty (1939), estrelado por Claude Rains, numa biopia premiada com um Óscar que dramatiza a contribuição judaica para a independência da América: 44 Curtiz também eliciou alguns dos melhores trabalhos de Edward G. Robinson em Kid Galahad (1937), onde Robinson desempenhou um papel duro e sardónico, mas, em última análise, de coração mole, treinador de boxe. O quadro foi co-estrelado por Bette Davis e Humphrey Bogart.

Três westerns dirigidos por Curtiz também protagonizados por Flynn foram Dodge City (1939), Santa Fe Trail (1940) co-estrelando o futuro presidente dos EUA Ronald Reagan,

1940s

A década de 1940 continuou a ter lançamentos de outros filmes aclamados pela crítica, realizados por Curtiz, incluindo O Falcão do Mar (1940), O Mergulhador (1941), O Lobo do Mar (1941), Casablanca (1942), Yankee Doodle Dandy (1942), Isto É o Exército (1943), Mildred Pierce (1945), e Vida com o Pai (1947).

Um dos maiores sucessos de 1940 foi The Sea Hawk com Errol Flynn no papel de aventureiro no molde de Sir Francis Drake. Flora Robson interpretou a Rainha Isabel I, e Claude Rains agiu como embaixador espanhol, cuja função era enganar a Rainha que, com razão, suspeitava que a Armada espanhola estava prestes a tentar invadir a Inglaterra. Alguns críticos sentiram que a história era equivalente aos acontecimentos reais então ocorridos na Europa, descrevendo-a como uma “diatribe dissimulada contra o isolacionismo americano no limiar da Segunda Guerra Mundial”. O colunista de cinema Boyd Martin notou as semelhanças:

O paralelo entre os sonhos do império realizados pelo Rei Filipe de Espanha e os sonhos aparentemente momentaneamente desfrutados por Hitler é tão óbvio que não escapará à detecção mesmo pelo mais jovem seguidor de cinema que lê o seu jornal e vai ver o filme … Ao ter sido fornecido com um paralelo, o Sr. Curtiz monta o seu pescoço de Falcão-marinho com a história contemporânea.

Dive Bomber (o filme foi bem recebido pelo público, tendo sido classificado como o sexto filme mais popular desse ano. Nenhum outro filme pré-Pearl Harbor igualou a qualidade das suas cenas voadoras. A colunista de cinema Louella Parsons escreveu: “O Dive Bomber faz-nos novamente felizes por sermos americanos protegidos por uma Marinha tão competente como a nossa”.

As filmagens na base naval activa em San Diego exigiram grande cuidado, especialmente para as sequências aéreas. Curtiz filmou cada pé de Dive Bomber com a assistência da Marinha e sob rigoroso escrutínio da Marinha. Para criar filmagens realistas, ele montou câmaras nos aviões da Marinha para conseguir “filmagens espantosas de ponto de vista”, levando os espectadores para dentro da cabina de pilotagem durante o voo. Montou também câmaras debaixo das asas dos aviões para dramatizar as descolagens do Enterprise, um porta-aviões lançado alguns anos antes. Bosley Crowther, do The New York Times, fez uma boa crítica:

Os Warners fotografaram esta imagem em algumas das mais magníficas tecnicores ainda vistas … massas de aviões de cores brilhantes, classificados em filas impressionantes sobre uma base aérea ou sobre os enormes convés de voo dos porta-aviões, e rugindo em majestade prateada, de asa a asa, através dos ilimitados céus da Costa Oeste. Nunca antes um filme de aviação foi tão vívido nas suas imagens, transmitiu uma tal sensação de solidez tangível quando nos mostra coisas sólidas ou quando está tão cheio de luz solar e ar limpo quando as câmaras estão no alto. À excepção de algumas imagens mal combinadas, o trabalho é quase perfeito.

Edward G. Robinson estrelou em O Lobo do Mar (1941), o seu segundo filme realizado por Curtiz. Ele retratou o capitão ditatorial e desenfreado de um navio, numa adaptação de um dos romances mais conhecidos de Jack London. Robinson disse que a personagem que retratou “era um nazi em tudo menos no nome”, o que, Robinson observou, era relevante para o estado do mundo naquela época. John Garfield e Ida Lupino foram apresentados como os jovens amantes que tentam escapar à sua tirania. Algumas críticas descreveram o filme como uma das “jóias escondidas de Curtiz … uma das obras mais complexas de Curtiz”. Robinson ficou impressionado com a intensa personalidade de Garfield, que ele sentiu poder ter contribuído para a sua morte aos 39 anos de idade:

John Garfield foi um dos melhores jovens actores que já encontrei, mas as suas paixões sobre o mundo eram tão intensas que temia que qualquer dia ele tivesse um ataque cardíaco. Não demorou muito até que ele o fizesse.

Curtiz realizou outro filme da Força Aérea, Capitães das Nuvens (1942), sobre a Real Força Aérea Canadiana. Estrelou James Cagney e Brenda Marshall. Segundo Hal B. Wallis, o seu produtor, tornou-se a produção mais extensa e difícil da Warner Bros.: 76 Tal como Dive Bomber, as cenas aéreas vívidas filmadas em Technicolor foram outra longa-metragem que atraiu a atenção da crítica, e o filme foi nomeado para Melhor Direcção de Arte e Melhor Cinematografia a Cores.

Curtiz realizou Casablanca (1942), um drama romântico da Segunda Guerra Mundial descrito por Roger Ebert em 1996 como um dos filmes mais populares alguma vez realizados. Entre as suas estrelas estavam Humphrey Bogart, interpretando um expatriado que vivia em Marrocos, e Ingrid Bergman como uma mulher que tentava escapar aos nazis. O elenco de apoio conta com Paul Henreid, Claude Rains, Conrad Veidt, Sidney Greenstreet, e Peter Lorre. O filme recebeu oito nomeações para o Oscar e ganhou três, incluindo uma para Curtiz como Melhor Director. A revista Time em 2012 descreveu Casablanca como “o melhor filme alguma vez feito”.

Pouco depois de Capitães das Nuvens ter sido concluído, mas antes de Casablanca, Curtiz realizou a biopia musical, Yankee Doodle Dandy (1942), um filme sobre o cantor, dançarino e compositor George M. Cohan. Estrelou James Cagney num papel totalmente oposto ao que tinha desempenhado quatro anos antes em Curtiz”s Angels with Dirty Faces. Onde o filme anterior se tornou um ponto alto da carreira de Cagney para retratar um gangster, um papel que desempenhou em muitos filmes anteriores, neste filme, um musical manifestamente patriótico, Cagney demonstra os seus consideráveis talentos para dançar e cantar. Foi o papel favorito de Cagney na carreira.

O desempenho bravura de Cagney valeu-lhe o seu único prémio da Academia como Melhor Actor. Para a Warner Bros., tornou-se o seu maior sucesso de bilheteira na história da empresa até essa altura, tendo sido nomeado para nove Prémios da Academia e ganhando quatro. O sucesso do filme também se tornou um ponto alto na carreira de Curtiz, com a sua nomeação como Melhor Realizador. O filme foi acrescentado aos anais de Hollywood como um clássico cinematográfico, preservado no Registo Nacional de Cinema dos Estados Unidos na Biblioteca do Congresso como sendo “culturalmente, historicamente ou esteticamente significativo”.

Outro filme patriótico de Curtiz foi This Is the Army (1943), um musical adaptado do palco com uma partitura de Irving Berlin. Como a América estava envolvida na Segunda Guerra Mundial, o filme impulsionou o moral dos soldados e do público. Entre as suas dezanove canções, a interpretação de Kate Smith de “God Bless America” foi um dos destaques do filme. Como resultado dos numerosos elementos populares e genéricos do filme, tais como combate terrestre e aéreo, recrutamento, treino e marcha, bem como comédia, romance, canção e dança, foi o filme com tema de guerra de maior sucesso financeiro de qualquer tipo, realizado durante a Segunda Guerra Mundial.

Durante este período, Curtiz dirigiu também o filme de propaganda da Segunda Guerra Mundial Missão a Moscovo (1943), um filme que foi encomendado a pedido do Presidente Franklin D. Roosevelt em apoio ao aliado norte-americano e britânico, a União Soviética, que na altura detinha 80% de todas as forças alemãs ao repelir a invasão nazi da Rússia. O filme foi na sua maioria bem recebido pela crítica e foi um sucesso nas bilheteiras, mas o filme depressa se revelou controverso depois de ter suscitado fortes sentimentos anti-comunistas. Curtiz levou a crítica pessoalmente e jurou nunca mais dirigir um filme abertamente político, uma promessa que cumpriu: 148

Mildred Pierce (1945) foi baseado no romance de James M. Cain. A sua estrela, Joan Crawford, deu uma das mais fortes actuações da sua carreira, interpretando uma mãe e empresária de sucesso que sacrifica tudo pela sua filha mimada, interpretada por Ann Blyth.

Na altura em que Crawford aceitou a parte da Warner Bros., a sua carreira de 18 anos na MGM tinha estado em declínio. Tinha sido uma das estrelas mais proeminentes e mais bem pagas de Hollywood, mas os seus filmes começaram a perder dinheiro, e no final da década de 1930, foi rotulada de “veneno de bilheteira”. Em vez de permanecer na MGM e ver talentos mais novos e mais jovens atraírem a maior parte da atenção do estúdio com papéis melhores, deixou a MGM e assinou um contrato com a Warner Bros. com um salário reduzido.

Curtiz queria originalmente Barbara Stanwyck para o papel. No entanto, Crawford, que nessa altura já não estava num filme há dois anos, fez o seu melhor para conseguir o papel. Rara para uma grande estrela, ela estava mesmo disposta a fazer uma audição para Curtiz. Ela já estava ciente de que “o Sr. Mike Curtiz odiava-me … Não quero esses grandes ombros largos”, disse ele. Durante a sua leitura de uma cena emocional enquanto ele assistia, ela viu-o a ficar tão sobrecarregado com o seu parto que ele chorou, e então ele disse: “Amo-te, querida”.

Para ajudar Crawford a preparar-se para certas cenas do tribunal, Curtiz levou-a para o centro da cidade, onde passaram algum tempo a visitar as prisões e a assistir a julgamentos criminais. Ao fotografá-la, utilizou cuidadosas técnicas de film noir camera, um estilo que aprendeu na Europa, para realçar as características do rosto de Crawford, utilizando ricos destaques a preto e branco. Ele estava ciente de que Crawford guardava a sua imagem no ecrã com muito cuidado, e que ela se preocupava verdadeiramente com a qualidade. Crawford aprendeu a apreciar a genialidade de Curtiz com a câmara. Eve Arden, que foi nomeada como Melhor Actriz Coadjuvante do filme, disse “Curtiz era um dos poucos realizadores que sabia o que queria e era capaz de se expressar exactamente, mesmo com o seu divertido sotaque húngaro”.

Mildred Pierce foi nomeada para seis Prémios da Academia, incluindo a Melhor Fotografia. Apenas Crawford ganhou, para Melhor Actriz, o seu primeiro e único Óscar. O autor do romance, James M. Cain, deu-lhe um exemplar em pele de Mildred Pierce, que ele inscreveu: “Para Joan Crawford, que deu vida a Mildred como eu sempre esperara que ela fosse, e que tem a minha gratidão vitalícia”. O filme devolveu Crawford às fileiras das principais estrelas.

Após o sucesso do filme, Jack Warner deu a Curtiz dois novos e excepcionais contratos de apreciação, aumentando o seu salário e reduzindo para dois o número de filmes que tinha de realizar todos os anos.

Curtiz dirigiu William Powell e Irene Dunne in Life with Father (1947), uma comédia familiar. Foi um grande sucesso nos Estados Unidos, e foi nomeado para quatro Prémios da Academia, incluindo Melhor Actor para Powell. Durante a carreira de Powell, actuou em 97 filmes; a sua terceira e última nomeação foi para este filme. Uma crítica afirmou: “Ele é magnífico no papel, imbuindo-o de todos os atributos de pompa, dignidade, presunção inconsciente, e total amorosidade! A sua é uma das grandes exibições do ano … que coroa uma longa vida no ecrã”.

No final dos anos 40, Curtiz fez um novo acordo com a Warner Bros. sob o qual o estúdio e a sua própria empresa de produção iriam partilhar os custos e lucros dos seus filmes subsequentes com os seus filmes a serem lançados através da Warner Bros. “Vou tentar construir a minha própria empresa de acções e fazer estrelas de incógnitas. Está a tornar-se impossível inscrever as grandes estrelas, porque elas estão amarradas durante os próximos dois anos”, disse ele. Disse também que estava menos preocupado com a aparência do que com a personalidade quando usava um actor. “Se elas são bonitas, isso é algo extra. Mas eu procuro a personalidade”.

Logo aprendeu que as boas histórias eram ainda mais difíceis de encontrar: “Os estúdios pagam qualquer coisa por boas histórias… compram-na antes que mais alguém a possa obter”, queixou-se ele. Dizia-se que a história para a Life With Father tinha custado ao estúdio 300.000 dólares, e que o orçamento total para a realização do filme era de cerca de 3 milhões de dólares. No entanto, os filmes subsequentes fizeram mal, quer como parte das mudanças na indústria cinematográfica neste período, quer porque Curtiz “não tinha competências para moldar a totalidade de um filme”..: 191 Seja como for, como o próprio Curtiz disse: “Só se é apreciado na medida em que se leva a massa para a bilheteira. Atiram-no para a sarjeta no dia seguinte”: 332

1950s

Os filmes de Curtiz continuaram a cobrir uma vasta gama de géneros, incluindo biópicos, comédias, e musicais. Alguns dos sucessos de bilheteira e filmes bem recebidos incluíram Young Man with a Horn (1950), Jim Thorpe – All-American (1951), The Story of Will Rogers (1952), White Christmas (1954), We”re No Angels (1955), e King Creole (1958).

O Jovem com Trompa (1950) estrelou Kirk Douglas, Lauren Bacall, e Doris Day, com Douglas a retratar a ascensão e queda de um músico de jazz, baseado no corneteiro da vida real Bix Beiderbecke. Curtiz dirigiu outro biópico, Jim Thorpe – All-American (1951), desta vez protagonizado por Burt Lancaster, baseado na história real de um atleta nativo americano que ganhou mais medalhas de ouro do que qualquer outro atleta nos Jogos Olímpicos de Verão de Estocolmo em 1912. O filme recebeu aplausos como um dos mais convincentes de todos os filmes desportivos.

Curtiz seguiu com I”ll See You in My Dreams (1952), com Doris Day e Danny Thomas. O filme é uma biografia musical do letrista Gus Kahn. Foi o quarto filme de Day dirigido por Curtiz, que a fez a primeira audição e lhe deu um papel de protagonista no seu filme de estreia, Romance no Alto Mar (1948). Ficou chocada por lhe ter sido oferecido um papel principal no seu primeiro filme, e admitiu a Curtiz que era uma cantora sem experiência de representação. O que Curtiz gostou nela após a audição foi que “ela era honesta”, disse, sem medo de lhe dizer que não era actriz. Isso, e a observação “as suas sardas fizeram-na parecer a Rapariga All-American”, disse ele. O dia seria a descoberta de que mais tarde se vangloriava na sua carreira.

A História de Will Rogers (1952), também uma biografia, contou a história do humorista e estrela de cinema Will Rogers, interpretada por Will Rogers Jr., o seu filho.

A longa parceria entre Curtiz e Warner Bros., acabou por descer para uma amarga batalha judicial. Após a ruptura da sua relação com a Warner Bros., Curtiz continuou a dirigir em regime de freelance a partir de 1954. O egípcio (1954, baseado no romance de Mika Waltari sobre Sinuhé) para Fox estrelou Jean Simmons, Victor Mature, e Gene Tierney. Dirigiu muitos filmes para a Paramount, incluindo White Christmas, We”re No Angels, e King Creole. White Christmas (1954), a segunda adaptação de Curtiz de um musical de Irving Berlin, foi um grande sucesso de bilheteira, o filme de maior bilheteira de 1954. Estrelou Bing Crosby, Danny Kaye, Rosemary Clooney, e Vera-Ellen.

Outro musical, King Creole (1958), estrelado por Elvis Presley e Carolyn Jones. Quando solicitado para dirigir Presley, que era então o “rei do rock and roll”, Curtiz só podia rir, assumindo que Presley fosse incapaz de actuar. Após algumas conversas com ele, contudo, a sua opinião mudou: “Comecei a sentar-me e a tomar nota”, disse Curtiz, acrescentando: “Garanto que ele vai surpreender toda a gente”. Ele mostra um talento formidável. Além disso, ele terá o respeito que tanto deseja”. Durante as filmagens, Presley foi sempre o primeiro no cenário. Quando lhe disseram o que fazer, independentemente de quão invulgar ou difícil, ele disse simplesmente: “O senhor é o chefe, Sr. Curtiz”.

O guião, a música e a representação juntaram-se todos para produzir um quadro notável, cujos gostos Presley nunca igualou na sua carreira. Recebeu boas críticas: A revista Variety declarou que o filme “Mostra a jovem estrela como um actor melhor do que justo”. O New York Times também lhe deu uma crítica favorável: “Quanto ao Sr. Presley, na sua terceira tentativa de exibição, é um prazer encontrá-lo até um pouco mais do que o Bourbon Street a gritar e a agitar-se”. Actuar é a sua missão neste espectáculo sagazmente estofado, e ele fá-lo, por isso ajuda-nos, por cima de uma cerca de piquete”. Presley agradeceu mais tarde a Curtiz por lhe ter dado a oportunidade de mostrar o seu potencial como actor; dos seus 33 filmes, Elvis considerou-o o seu favorito.

O filme final que Curtiz realizou foi The Comancheros, lançado seis meses antes da sua morte por cancro, a 10 de Abril de 1962. Curtiz estava doente durante as filmagens, mas a estrela John Wayne assumiu a direcção nos dias em que Curtiz estava demasiado doente para trabalhar. Wayne não quis assumir o cargo de co-diretor.

Preparação

Curtiz sempre investiu o tempo necessário para preparar todos os aspectos de um filme antes de filmar. “No que me diz respeito”, disse, “o principal trabalho na realização de um filme é a preparação de uma história para o ecrã … Nada é tão importante … Um realizador pode ser comparado ao general de campo de um exército”. Ele deve saber mais claramente do que qualquer outra pessoa o que está para vir, o que esperar … Acredito nisto como um bom plano de trabalho”.

Ao dedicar tempo à preparação, reduziu os atrasos após o início da produção, o que lhe deu a capacidade de lançar cerca de seis filmes por ano até à década de 1940. Em apenas três semanas, ele saiu na Primeira Página Mulher (1935), que continha um diálogo rápido de jornal com Bette Davis, depois virou-se e fez o Capitão Sangue inteiramente no palco do som sem ter de sair do estúdio.

Cinematografia

Sidney Rosenzweig argumenta que Curtiz tinha o seu próprio estilo pessoal, que estava no lugar na altura da sua mudança para a América: “imagens de guindastes altos para estabelecer o ambiente de uma história; ângulos de câmara invulgares e composições complexas em que as personagens são frequentemente enquadradas por objectos físicos; muito movimento de câmara; imagens subjectivas, em que a câmara se torna o olho da personagem; e iluminação de alto contraste com piscinas de sombras”: 6-7 Aljean Harmetz afirma que, “a visão de Curtiz de qualquer filme… foi quase totalmente visual”..: 183–184

Alguns meses depois de chegar a Hollywood como novo director da Warner Bros.”, Curtiz explicou que queria fazer com que os espectadores sentissem como se estivessem de facto a assistir a uma história no ecrã:

Para alcançar este fim, a câmara deve assumir muitas personalidades. Na sua maioria, assume a personalidade do público. Nos momentos em que o interesse é elevado e a ilusão do público é maior, a câmara coloca-se alternadamente na posição das várias personagens, à medida que a carga dramática se desloca de actor para actor. Isto implica muito movimento da câmara. Se ela se cortar em cada posição de modo a parecer saltar de lugar em lugar, o efeito é perceptível e a recepção da história é manchada. Em muitos casos, portanto, a câmara deve mover-se de posição em posição sem parar, tal como uma pessoa faria.

Ao preparar as cenas, Curtiz gostava de se comparar a um artista, pintando com personagens, luz, movimento, e fundo sobre uma tela. Contudo, durante a sua carreira, este “individualismo”, diz Robertson, “foi escondido da vista do público” e subestimado porque, ao contrário de muitos outros realizadores, os filmes de Curtiz cobriam um espectro tão vasto de géneros diferentes: 2 Ele era, portanto, visto por muitos como mais um mestre técnico versátil que trabalhava sob a direcção da Warner Bros., do que como um auteur com um estilo único e reconhecível: 2

Hal B. Wallis, sendo o produtor de muitos dos filmes de Curtiz, incluindo Robin Hood, estava sempre atento aos orçamentos. Ele escreveu a Jack Warner durante as filmagens desse filme, “No seu entusiasmo em fazer grandes planos e composição e utilizar os grandes valores de produção deste filme, ele é, naturalmente, mais susceptível de exagerar do que qualquer outra pessoa … Não tentei parar Mike ontem quando ele estava na grua e a fazer filmagens de estabelecimento”: 123

O próprio Curtiz raramente expressou a sua filosofia ou estilo cinematográfico por escrito, uma vez que estava sempre demasiado ocupado a fazer filmes, pelo que não existe autobiografia e apenas algumas entrevistas mediáticas: 3 O seu irmão observou que Curtiz era “tímido, quase humilde” na sua vida privada, em oposição à sua atitude de “assumir a responsabilidade” no trabalho. O seu irmão acrescentou que “ele não queria que ninguém escrevesse um livro sobre ele. Recusou-se mesmo a falar sobre a ideia”. Quando Curtiz foi uma vez convidado a resumir a sua filosofia de fazer filmes, disse: “Coloquei toda a arte nos meus quadros que penso que o público pode suportar”.

Tipos de histórias

Antes de vir para Hollywood, Curtiz sempre considerou a história antes de começar a trabalhar num filme. O lado de interesse humano de uma história era fundamental, juntamente com o desenvolvimento do enredo à medida que o filme avançava. Ele explica:

Primeiro procuro o “interesse humano” quando me é dada uma história. Se esse interesse for predominante sobre a acção, então acredito que a história é boa. É sempre o meu desejo contar essa história como se a câmara fosse uma pessoa a relatar os incidentes de um acontecimento.

A sua atitude não mudou quando entrou para um grande estúdio, apesar de lhe terem sido dados grandes espectáculos para dirigir. Já na década de 1940, ele ainda preferia “imagens caseiras”. Ele disse que era “porque quero lidar com problemas humanos e fundamentais de pessoas reais. Essa é a base de todo o bom drama. É verdade mesmo num espectáculo, em que nunca se deve esquecer a humanidade e identidade subjacentes das personagens, por mais esplêndido que seja o cenário ou as situações”. No entanto, também sentiu que, mesmo com a mesma história, quaisquer cinco realizadores diferentes produziriam cinco versões distintas. “Não seriam dois iguais”, disse ele, uma vez que o “trabalho de cada realizador é um reflexo de si próprio”.

O historiador de cinema Peter Wollen diz que ao longo da carreira de Curtiz, os seus filmes retratavam personagens que tinham de “lidar com injustiça, opressão, aprisionamento, deslocamento e exílio”: 85 Ele cita exemplos de filmes de Curtiz para apoiar isso: 20.000 Anos em Sing Sing (1932) tratavam do tema da alienação social, enquanto o Capitão Sangue, As Aventuras de Robin dos Bosques, e O Falcão do Mar, todos preocupavam um monarca tirano que ameaçava a liberdade dos ingleses comuns: 90 Estados de Lourenço:

O caso de Curtiz, como auteur, assenta na sua incrível capacidade de encontrar o estilo certo para a imagem certa. Se ele mostra uma consistência temática através de vários géneros, está na sua preferência consistente por salientar as lutas dos rebeldes e dos oprimidos contra os entrincheirados e poderosos: 74

Hábitos pessoais

Curtiz foi sempre extremamente activo: trabalhou dias muito longos, participou em vários desportos no seu tempo livre, e foi frequentemente encontrado a dormir debaixo de um duche frio: 188 Saltou os almoços porque interferiam com o seu trabalho e sentiu que muitas vezes o cansavam. Era, portanto, desdenhoso dos actores que almoçavam, acreditando que os “vagabundos do almoço” não tinham energia para trabalhar durante as tardes..: 188

Wallis disse que ele era “um demónio para o trabalho”. Ele levantava-se todas as manhãs às 5 da manhã e normalmente permanecia no estúdio até às 8 ou 9 da noite. Odiava ir para casa no final do dia, disse Wallis. Com o seu alto nível de energia, também atendeu a cada minuto de detalhe no cenário.

Para alargar as suas experiências de vida nos EUA, uma vez que raramente viajava fora de Hollywood, tendia a estar inquieto e curioso sobre tudo na área quando fazia filmagens no local. Wallis, que como produtor, estava frequentemente com ele, observou que ele explorou tudo:

Tinha uma sede de conhecimento; queria ver os salões de bilhar, os flophouses, as secções chinesas, os bairros de lata – tudo o que fosse estranho e exótico e sem sementes, para que pudesse acrescentar ao conhecimento que deu às suas imagens o seu espantoso grau de realismo.

Ganhou o apelido “Iron Mike” dos seus amigos, uma vez que tentou manter a forma física jogando pólo quando tinha tempo, e possuía um estábulo de cavalos para a sua recreação em casa. Atribuiu a sua aptidão física e nível de energia apenas a uma vida sóbria. Mesmo com o seu vasto sucesso e riqueza ao longo dos anos, não se deixou “acariciar no colo do luxo”.

Trabalhar com colegas

O lado negativo da sua dedicação foi um comportamento muitas vezes insensível, que muitos atribuíram às suas raízes húngaras. Fay Wray, que trabalhou com Curtiz no Mistério do Museu de Cera, disse: “Senti que ele não era carne e osso, que fazia parte do aço da câmara”: 126 Curtiz não era popular entre a maioria dos seus colegas, muitos dos quais o achavam arrogante: 7 Nem negou isso, explicando: “Quando vejo um homem preguiçoso ou uma rapariga que não se importa, isso torna-me duro. Sou muito crítico dos actores, mas se encontro um verdadeiro actor, sou o primeiro a apreciá-los”: 124

No entanto, Bette Davis, que era pouco conhecida em 1932, fez mais cinco filmes com ele, embora tenham argumentado consistentemente quando filmaram A Cabana no Algodão (1932), um dos seus primeiros papéis. Ele tinha uma opinião baixa dos actores em geral, dizendo que representar “é cinquenta por cento um grande saco de truques”. Os outros cinquenta por cento deveriam ser talento e habilidade, embora raramente o seja”. No geral, dava-se suficientemente bem com as suas estrelas, como demonstra a sua capacidade de atrair e manter alguns dos melhores actores de Hollywood. Deu-se muito bem com Claude Rains, que dirigiu em dez filmes: 190

Curtiz lutou com o inglês, pois estava demasiado ocupado a filmar para aprender a língua. Por vezes usava pantomimas para mostrar o que queria que um actor fizesse, o que levou a muitas anedotas divertidas sobre a sua escolha de palavras quando dirigia. David Niven nunca esqueceu o ditado de Curtiz para “trazer os cavalos vazios” quando queria “trazer os cavalos sem cavaleiros”, tanto assim que o usou para o título das suas memórias. Histórias semelhantes abundam: Para a cena final em Casablanca Curtiz pediu ao cenógrafo um “poodle” no chão para que os passos molhados dos actores pudessem ser vistos à frente das câmaras. No dia seguinte, o cenógrafo trouxe um cãozinho que não percebeu que Curtiz significava “poça” e não “poodle”. Mas nem todos os actores que trabalharam sob Curtiz foram tão divertidos pelos seus malapropismos. Edward G. Robinson, que Curtiz dirigiu em The Sea Wolf, tinha uma opinião diferente de Hollywood sobre as deficiências linguísticas dos estrangeiros:

Poderiam encher um livro. Mesmo que eu não suspeitasse que os tinham ouvido todos, decidi há muito tempo que não me iria aborrecer a mim ou a vós com Curtizismos, Pasternakismos, Goldwynismos, ou Gaborismos. Demasiados escritores fizeram uma indústria caseira de relatar o mau uso da língua inglesa por pessoas de Hollywood.

Quando partiu para os Estados Unidos, Curtiz deixou para trás um filho ilegítimo e uma filha ilegítima: 122 Por volta de 1918, casou com a actriz Lucy Doraine, e eles divorciaram-se em 1923. Teve um longo caso com Lili Damita a partir de 1925 e por vezes é relatado que se casou com ela, mas o estudioso de cinema Alan K. Rode afirma na sua biografia de 2017 de Curtiz que se trata de uma lenda moderna, e não há provas contemporâneas que a sustentem. Os seus obituários não fazem qualquer menção a tal casamento.

Curtiz tinha deixado a Europa antes da ascensão do nazismo: outros membros da sua família foram menos afortunados. Uma vez pediu a Jack Warner, que ia para Budapeste em 1938, para contactar a sua família e ajudá-los a obter vistos de saída. Warner conseguiu levar a mãe de Curtiz para os Estados Unidos, onde passou o resto da sua vida a viver com o seu filho. Ele não conseguiu salvar a única irmã de Curtiz, o seu marido, ou os seus três filhos, que foram enviados para Auschwitz, onde o seu marido e dois dos filhos foram assassinados: 124

Curtiz pagou parte do seu próprio salário ao Fundo Europeu do Cinema, uma associação benevolente que ajudou os refugiados europeus no negócio cinematográfico a estabelecerem-se nos EUA.

Em 1933, Curtiz tornou-se um cidadão americano naturalizado. No início dos anos 40, tinha-se tornado bastante rico, ganhando 3.600 dólares por semana e possuindo uma propriedade substancial, completa com campo de pólo: 76 Um dos seus parceiros regulares de pólo era Hal B. Wallis, que tinha conhecido Curtiz na sua chegada ao país e que tinha estabelecido uma estreita amizade com ele. A esposa de Wallis, a actriz Louise Fazenda e a terceira esposa de Curtiz, Bess Meredyth, uma actriz e argumentista, tinha sido próxima desde antes do casamento de Curtiz com Meredyth em 1929. Curtiz tinha inúmeros casos; Meredyth deixou-o uma vez por pouco tempo mas eles permaneceram casados até 1961, quando se separaram: 121 Eles permaneceram casados até à sua morte. Ela era a ajudante de Curtiz sempre que a sua necessidade de lidar com guiões ou outros elementos ultrapassava o seu domínio do inglês e ele telefonava-lhe frequentemente para pedir conselhos quando lhe era apresentado um problema durante as filmagens..: 123

Curtiz foi o padrasto do realizador de cinema e televisão John Meredyth Lucas, que fala sobre ele na sua autobiografia Oitenta Anos Ímpares em Hollywood.

Curtiz morreu de cancro a 10 de Abril de 1962, com 75 anos de idade. Na altura da sua morte, vivia sozinho num pequeno apartamento em Sherman Oaks, Califórnia. Está enterrado no cemitério Forest Lawn Memorial Park Cemetery em Glendale, Califórnia.

Curtiz dirigiu alguns dos filmes mais conhecidos do século XX, tendo conseguido numerosos espectáculos premiados por actores. Antes de se mudar para Hollywood vindo da sua Hungria natal, quando tinha 38 anos de idade, já tinha realizado 64 filmes na Europa. Logo ajudou a Warner Bros. a tornar-se o estúdio de maior crescimento do país, realizando 102 filmes durante a sua carreira em Hollywood, mais do que qualquer outro realizador..: 67 Jack Warner, que descobriu Curtiz pela primeira vez depois de ver um dos seus épicos na Europa, chamou-lhe “o maior realizador da Warner Brothers”.

Dirigiu 10 actores às nomeações para os Óscares: Paul Muni, John Garfield, James Cagney, Walter Huston, Humphrey Bogart, Claude Rains, Joan Crawford, Ann Blyth, Eve Arden, e William Powell. Cagney e Crawford ganharam os seus únicos Óscares sob a direcção de Curtiz, com Cagney na TV atribuindo mais tarde parte do seu sucesso ao “inesquecível Michael Curtiz”. O próprio Curtiz foi nomeado cinco vezes e ganhou como Melhor Director para Casablanca.

Ganhou a reputação de mestre de provas duro para os seus actores, uma vez que micro-geria todos os detalhes do cenário. Com a sua formação como realizador desde 1912, a sua experiência e dedicação à arte tornaram-no um perfeccionista. Tinha um espantoso domínio dos detalhes técnicos. Hal B. Wallis, que produziu vários dos seus principais filmes, incluindo Casablanca, disse que Curtiz tinha sido sempre o seu realizador favorito:

Era um director soberbo com um incrível comando de iluminação, disposição e acção. Podia lidar com qualquer tipo de imagem: melodrama, comédia, história ocidental, épica histórica ou história de amor.

Alguns, como o argumentista Robert Rossen, perguntam se Curtiz “foi mal avaliado pela história do cinema”, uma vez que não está incluído entre aqueles que são frequentemente considerados grandes realizadores, tais como John Ford, Howard Hawks, Orson Welles e Alfred Hitchcock: “Era obviamente um talento altamente atento aos movimentos criativos do seu tempo, tais como o expressionismo alemão, o génio do sistema de estúdio de Hollywood, géneros como o film noir, e as possibilidades oferecidas por estrelas talentosas”.

A historiadora cinematográfica Catherine Portuges descreveu Curtiz como um dos “mais enigmáticos dos realizadores cinematográficos, e muitas vezes subestimado”: 161 O teórico do cinema Peter Wollen queria “ressuscitar” a reputação crítica de Curtiz, observando que, com a sua enorme experiência e dinamismo, ele “podia arrancar significados inesperados de um guião através da sua direcção de actores e cinematógrafos”: 75

Curtiz também ganhou um prémio da Academia na categoria de Melhor Curta-Metragem (Two-reel), para Filhos da Liberdade.

Seis dos filmes de Curtiz foram nomeados para Melhor Fotografia: Captain Blood (1935), The Adventures of Robin Hood (1938), Four Daughters (1938), Yankee Doodle Dandy (1942), Casablanca (1943), e Mildred Pierce (1945). Destas, apenas Casablanca ganhou a Melhor Fotografia.

Prémios da Academia de Actuações Dirigidas

O American Film Institute classificou Casablanca #3 e Yankee Doodle Dandy #98 na sua lista dos maiores filmes americanos. As Aventuras de Robin Hoodle e Mildred Pierce foram nomeados para a lista.

Fontes

Michael Curtiz
Michael Curtiz
^ In Hungarian eastern name order Kaminer Manó
^ In Hungarian eastern name order Kertész Mihály
«8th Academy Awards (1936)». Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas (en inglés). Consultado el 23 de octubre de 2015.
«The 11th Academy Awards – 1939». Archivado desde el original el 4 de septiembre de 2012.
«15th Academy Awards (1943)». Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas (en inglés). Consultado el 23 de octubre de 2015.
^ „Michael Curtiz”, Gemeinsame Normdatei, accesat în 10 decembrie 2014
a b Michael Hanisch in Filmspiegel, Nr. 7, 1987, S. 25.
Meist als Der Stern von Damaskus bezeichnet, nach Zeitungsberichten aus der Zeit der Veröffentlichung (zum Beispiel hier oder hier dürfte aber Die Sterne … der Originaltitel gewesen sein)