Philip Guston

gigatos | Janeiro 4, 2022

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Resumo

Philip Guston (nascido Phillip Goldstein (27 de Junho de 1913 – 7 de Junho de 1980), foi um pintor, gravador, muralista e desenhador canadiano americano. No início da sua carreira de cinco décadas, o muralista David Siquieros descreveu-o como um dos “pintores mais promissores tanto nos EUA como no México”, em referência ao seu fresco antifascista The Struggle Against Terror, que “inclui as figuras encapuzadas que se tornaram um símbolo vitalício de fanatismo para o artista”. “Guston trabalhou numa série de modos artísticos, desde a figuração inspirada na Renascença até à abstracção formalmente realizada”, e é agora considerado um dos “mais importantes, poderosos e influentes pintores americanos dos últimos 100 anos”. Também retratou frequentemente o racismo, o anti-semitismo, o fascismo e a identidade americana, bem como, especialmente na sua mais recente obra mais caricatural e zombeteira, a banalidade do mal. Em 2013, a pintura de Guston To Fellini estabeleceu um recorde de leilão na Christie”s quando foi vendida por 25,8 milhões de dólares.

Uma figura fundadora do movimento escolar de meados do século XX de Nova Iorque, que estabeleceu Nova Iorque como o novo centro do mundo global da arte, o trabalho de Guston apareceu no famoso Ninth Street Show e na revista de arte de vanguarda It is. Uma Revista de Arte Abstrata. Nos anos 60, Guston tinha renunciado ao expressionismo abstracto, e ajudou a ser pioneiro de uma forma modificada de arte representativa conhecida como neo-expressionismo. “Chamando à arte abstracta americana ”uma mentira” e ”uma farsa”, Guston insistiu em fazer pinturas num estilo escuro e figurativo, incluindo desenhos satíricos de Richard Nixon” durante a Guerra do Vietname, bem como várias pinturas de Klansmen encapuçados, que Guston explicou desta forma: “São auto-retratos… Percebo-me como estando por trás do capuz… A ideia do mal fascinou-me… Quase tentei imaginar que estava a viver com o Klan”. As pinturas das figuras do Klan foram preparadas para fazer parte de uma retrospectiva internacional patrocinada pela National Gallery of Art; a Tate Modern; o Museum of Fine Arts, Houston; e o Museum of Fine Arts, Boston em 2020, mas no final de Setembro, os museus adiaram conjuntamente a exposição para 2024 “até uma altura em que pensamos que a poderosa mensagem de justiça social e racial que está no centro da obra de Philip Guston pode ser interpretada de forma mais clara.

O anúncio estimulou uma carta aberta, publicada online pelo Brooklyn Rail, e assinada por mais de 2.000 artistas. Critica o adiamento, e a falta de coragem dos museus para exibir ou tentar interpretar o trabalho de Guston, bem como a própria “história de preconceitos” dos museus. Chama aos temas KKK de Guston um catalisador oportuno para um “acerto de contas” com supremacia cultural e institucional branca, e argumenta que é por isso que a exposição deve prosseguir sem demora. A 28 de Outubro de 2020, os museus anunciaram datas de exposição anteriores, com início em 2022.

Os primeiros anos

O filho de pais judeus que escapou à perseguição ao imigrar de Odessa para o Canadá, Guston nasceu em Montreal em 1913, e mudou-se para Los Angeles em 1919. A família tinha conhecimento das actividades regulares de Ku Klux Klan contra judeus e negros e que tiveram lugar em toda a Califórnia. Em 1923, possivelmente devido à perseguição ou à dificuldade em assegurar rendimentos, o seu pai enforcou-se no barracão, e o jovem rapaz encontrou o corpo.

O interesse de Guston em desenhar levou a sua mãe a inscrevê-lo num curso por correspondência da Cleveland School of Cartooning. Em 1927, aos 14 anos de idade, Guston começou a pintar, e matriculou-se na Los Angeles Manual Arts High School, onde conheceu Jackson Pollock, que se tornou um amigo para toda a vida. Os dois estudaram com Frederick John de St. Vrain Schwankovsky e foram apresentados à arte moderna europeia, filosofia oriental, teosofia e literatura mística. A dupla publicou mais tarde um artigo opondo a ênfase do liceu no desporto à arte, o que levou a expulsões, embora Pollock tenha acabado por regressar e graduar-se.

Para além dos seus estudos secundários e de uma bolsa de um ano no Instituto de Arte Otis em Los Angeles, que o deixou insatisfeito, Guston continuou a ser um artista largamente autodidacta, influenciado, entre outros, pelo pintor italiano Giorgio de Chirico, que Guston reconheceu repetidamente ao longo da sua carreira. Morreu em 1980 com 66 anos de idade, de ataque cardíaco, em Woodstock, Nova Iorque.

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Trabalho

Um antigo activista, em 1932, Guston, de 18 anos de idade, produziu um mural interior com o artista Reuben Kadish, num esforço do Clube John Reed de Los Angeles, filiado na comunidade, para angariar fundos em apoio aos arguidos no Scottsboro Boys Trial, nove adolescentes negros falsamente acusados de violação no Alabama e condenados à morte”. O mural foi então desfigurado pelas forças policiais locais, organizadas em violentos esquadrões vermelhos anticomunistas. A decisão judicial subsequente não encontrou qualquer culpa por parte da polícia de L.A., apesar de terem sido sofridos danos irreversíveis em muitas obras de arte.

Em 1934, Philip Goldstein (como Guston era então conhecido), e o artista Reuben Kadish juntaram-se ao poeta e amigo Jules Langsner numa viagem ao México, onde foram incumbidos de pintar um mural de 1.000 pés quadrados (93 m2) numa parede no antigo palácio de Verão do Imperador Maximiliano, na capital do estado de Morelia. Produziram o impressionante The Struggle Against Terror, cujos temas antifascistas foram claramente influenciados pelo trabalho de David Siqueiros. Uma crítica de duas páginas na revista Time citou a descrição que Siqueiros deles fez: “os pintores mais promissores, quer nos EUA quer no México”. No México também se encontrou e passou algum tempo com Frida Kahlo e o marido Diego Rivera.

Em 1934-35, Guston e Kadish também completaram um mural que permanece até hoje no City of Hope Medical Center, um hospital de tuberculose na altura, localizado em Duarte, Califórnia.

Em Setembro de 1935, aos 22 anos de idade, mudou-se para Nova Iorque onde trabalhou como artista no programa WPA durante a Grande Depressão. Em 1937, casou-se com o artista e poeta Musa McKim, que conheceu pela primeira vez na Otis, e eles colaboraram em vários murais da WPA. Durante este período, o seu trabalho incluiu fortes referências a pintores renascentistas como Piero della Francesca, Paolo Uccello, Masaccio, e Giotto. Foi também influenciado por regionalistas americanos e pintores murais mexicanos. Em 1938 pintou um mural dos correios dos EUA em Commerce, Georgia, intitulado Early Mail Service and the Construction of Railroads, e em 1944, completou um mural para o edifício da Segurança Social em Washington, D.C.

Na década de 1950, Guston alcançou sucesso e renome como expressionista abstracto de primeira geração, embora preferisse o termo New York School. Durante este período, as suas pinturas consistiam frequentemente em blocos e massas de traços gestuais e marcas de cor a flutuar no plano do quadro, como se viu na sua pintura Zone, 1953-1954. Estas obras, com marcas frequentemente agrupadas para o centro da composição, recordam as composições “mais e menos” de Piet Mondrian ou as telas de Nymphea de Monet.

Guston utilizou uma paleta relativamente limitada favorecendo o preto e branco, cinzentos, azuis e vermelhos. Era uma paleta que permaneceria evidente no seu trabalho posterior, apesar das tentativas de Guston de expandir a sua paleta e de reintroduzir a abstracção ao seu trabalho, tarde na vida, como evidenciado em alguns dos seus trabalhos sem título de 1980, que tem mais azuis e amarelos.

Em 1967, Guston mudou-se para Woodstock, Nova Iorque. Ele estava cada vez mais frustrado com a abstracção e recomeçou a pintar de forma representativa, mas de forma pessoal e caricatural. “Desiludiu muitos quando regressou à figuração com aplomb, pintando imagens misteriosas em que copas, cabeças, cavalete, e outras visões eram retratadas contra fundos beges vazios. As pessoas sussurravam nas suas costas: “Ele está fora de si, e isto não é arte”, disse o curador Michael Auping. “Ele poderia ter arruinado a sua reputação, e algumas pessoas disseram que o fez”. A primeira exposição destas novas pinturas figurativas foi realizada em 1970 na Galeria Marlborough em Nova Iorque. Recebeu críticas mordazes da maior parte do estabelecimento de arte. Memoravelmente, o crítico de arte do New York Times Hilton Kramer ridicularizou o novo estilo de Guston num artigo intitulado “A Mandarin Pretending to Be a Stumblebum”, referindo-se a “mandarin” no sentido de uma figura influente e “stumblebum” que significa uma pessoa desajeitada. Ele chamou ao acto de mudar de estilo uma “ilusão” e um “artifício”. A reacção inicial de Robert Hughes, crítico da revista Time, que mais tarde mudou de opinião, foi colocada numa crítica mordaz intitulada “Ku Klux Komix”.

De acordo com a biografia de Musa Mayer do seu pai no Night Studio, o pintor Willem de Kooning foi um dos poucos que compreendeu imediatamente a importância destas pinturas, dizendo a Guston na altura que se tratava de “liberdade”. Cerejas III de 1976, realizada na colecção do Museu de Arte de Honolulu, é um exemplo das suas pinturas de representação de estilo tardio. Embora as cerejas sejam um tema mundano, os seus caules espinhosos podem ser uma metáfora da crueza e brutalidade da vida moderna.

Como resultado da má recepção do seu novo estilo figurativo, Guston isolou-se ainda mais em Woodstock, longe do mundo da arte que tinha compreendido tão mal a sua arte.

Em 1960, no auge da sua actividade como abstracionista, Guston disse: “Há algo de ridículo e miserável no mito que herdamos da arte abstracta. Essa pintura é autónoma, pura e para si mesma, pelo que analisamos habitualmente os seus ingredientes e definimos os seus limites. Mas a pintura é ”impura”. É o ajustamento das ”impurezas” que força a sua continuidade. Somos criadores de imagens e de imagens”. A partir de 1968, depois de se afastar da abstracção, criou um léxico de imagens tais como Klansmen, lâmpadas, sapatos, cigarros e relógios. No final de 2009, a galeria McKee, concessionário de longa data de Guston, montou uma exposição revelando esse léxico em 49 pequenas pinturas a óleo sobre painéis pintados entre 1969 e 1972 que nunca tinham sido exibidos publicamente.

Um catálogo raisonné do trabalho do artista foi compilado pela Fundação Guston em 2013, coincidindo com o recente interesse académico que explorou os períodos que passou em Itália.

Afiliações académicas

Guston foi professor e professor em várias universidades, e serviu como artista em residência na Escola de Arte e História da Arte da Universidade de Iowa de 1941 a 1945. Serviu depois como artista em residência na Escola de Belas Artes de St. Louis na Universidade de Washington em St. Louis, Missouri, até 1947. Continuou com o seu ensino na Universidade de Nova Iorque e no Instituto Pratt em Brooklyn e, de 1973 a 1978, realizou um seminário mensal de pós-graduação na Universidade de Boston.

Entre os estudantes de Guston encontravam-se dois licenciados da Universidade de Iowa, os pintores Stephen Greene (1917-1999) e Fridtjof Schroder (1917-1990), bem como Ken Kerslake (1930-2007), que frequentaram o Instituto Pratt. Rosemary Zwick foi aluna no Iowa. Entre aqueles que frequentaram os seus seminários de pós-graduação na Universidade de Boston encontravam-se o pintor Gary Komarin (1951-) e a artista dos novos media Christina McPhee (1954-).

Foi também eleito postumamente para a Academia Nacional de Design como Académico Associado.

2020 controvérsia

No Outono de 2020, Philip Guston Now, uma retrospectiva itinerante há muito planeada da obra de Guston, que incluía 24 das pinturas Klan, foi adiada para 2024 pelas quatro instituições patrocinadoras da exposição itinerante: a National Gallery of Art; a Tate Modern; o Museum of Fine Arts, Houston; e o Museum of Fine Arts, Boston. Num comunicado de imprensa conjunto emitido pelos museus, eles escreveram “O movimento de justiça racial que começou nos EUA e irradiou para países de todo o mundo, para além dos desafios de uma crise de saúde global, levou-nos a fazer uma pausa”, explicando que a digressão internacional já remarcada por causa do coronavírus foi melhor adiada “até uma altura em que pensamos que a poderosa mensagem de justiça social e racial … pode ser interpretada de forma mais clara”. A resposta do público levou a uma “avalanche de críticas de dentro do mundo da arte”, bem como a grandes artigos na New York Magazine, no New York Times, na CNN, no Artforum, no Tablet, e no Wall Street Journal, entre outras publicações.

A resposta mais mordaz foi colectiva, e organizada numa carta aberta, publicada em linha pelo Brooklyn Rail. A carta apresentava uma “lista de signatários lê-se como uma lista de chamada dos artistas americanos mais realizados vivos: velhos e jovens, brancos e negros, locais e expatriados, pintores e outros”, incluindo Matthew Barney, Nicole Eisenman, Charles Gaines, Ellen Gallagher, Wade Guyton, Rachel Harrison, Joan Jonas, Julie Mehretu, Adrian Piper, Pope.L, Martin Puryear, Amy Sillman, Lorna Simpson, Henry Taylor, e Christopher Williams”. Criticando veementemente a falta de coragem dos museus para exibir a obra, tentar interpretá-la, ou chegar a acordo com a “história de preconceito” das próprias instituições, os signatários descreveram unanimemente a exposição como uma oportuna oportunidade para um “acerto de contas” – escrevendo por isso que deve proceder como previsto. Até 3 de Outubro de 2020, mais de 2.000 artistas tinham assinado a carta, mas os organizadores da exposição não responderam até terem reagendado a exposição para datas com início em 2022.

Cultura popular

Em “Cat and Girl versus Contemporary Art”, parte da série webcómica Cat and Girl, a autora Dorothy Gambrell critica a dificuldade e o propósito de encontrar o significado por detrás da arte usando a icónica pintura da Cabeça e Garrafa de Guston.

Em Maio de 2013, a Christie”s estabeleceu um recorde de leilão para a obra do artista To Fellini, que foi vendida por 25,8 milhões de dólares.

Fontes