Robert Delaunay

gigatos | Março 25, 2022

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Resumo

Robert Delaunay era um pintor francês nascido a 12 de Abril de 1885 em Paris e morto a 25 de Outubro de 1941 em Montpellier. Com a sua esposa Sonia Delaunay e alguns outros, foi o fundador e principal arquitecto do movimento Orphism, um ramo do cubismo e um importante movimento de vanguarda do início do século XX. O seu trabalho sobre a cor teve origem em várias teorias da lei do contraste simultâneo de cores formuladas por Michel-Eugène Chevreul. Ao concentrar-se na disposição das cores sobre a tela, procurou a harmonia pictórica.

Delaunay fez parte de uma geração vanguardista que foi particularmente prolífica artisticamente entre 1912 e 1914. Tinha laços estreitos (na correspondência, na arte, mesmo na amizade) com os poetas Guillaume Apollinaire e Blaise Cendrars, os pintores russos Vasily Kandinsky e Michel Larionov, os pintores alemães August Macke e Franz Marc, e o pintor eslovaco Geza Szobel.

Após a guerra, fez amizade com os artistas do movimento surrealista, dos quais fez vários retratos, sem adoptar os seus pontos de vista e as suas visões artísticas. Ele tinha uma forte e duradoura amizade com o poeta Tristan Tzara.

O seu nome está também associado à Torre Eiffel, que viu ser construída quando tinha quatro anos de idade, e que pintou muitas vezes na sua carreira, usando métodos diferentes, primeiro neo-impressionista e depois cubista, e depois com o seu método simultâneo.

Juventude

Os pais de Robert Victor Félix Delaunay, George e Berthe Delaunay, viveram num edifício abastado na rue Boissière, no 16º arrondissement de Paris, quando ele nasceu a 12 de Abril de 1885. Robert Delaunay rapidamente se opôs à sua educação burguesa, uma vez que a sua mãe o sobrepôs, o vestiu em estilo inglês e o levou a passear nos Champs-Élysées. Apesar desta rejeição da vida burguesa, ele permaneceu marcado pelas suas origens. Ele permanece indiferente aos aspectos materiais da vida e, tal como Dom Quixote, cria para si próprio uma concepção cavalheiresca da vida. Esta personagem leva-o a transformar cada momento da vida num momento poético.

Aos quatro anos de idade, os seus pais levaram-no à Exposição Mundial de Paris de 1889, para a qual foi construída a Torre Eiffel, um monumento que fascinou o artista ao longo da sua vida. Tornou-se entusiasta das técnicas científicas modernas, especialmente da velocidade e da electricidade. Mais tarde, visitou a Feira Mundial de 1900, e em particular o pavilhão da electricidade. Esta visita forjou o seu espírito de “pintor da vida moderna”.

Os pais de Robert Delaunay divorciaram-se quando ele tinha nove anos de idade, a 16 de Maio de 1894. Ele foi criado pela irmã da sua mãe, Marie de Rose, e pelo seu marido, Charles Damour.

Desde muito cedo, ficou fascinado com as flores. No castelo de La Rongère, em Saint-Eloy-de-Gy, o lugar das férias da família, ele passa longos momentos sozinho no jardim, fazendo esboços de flores, que são a sua principal paixão natural, juntamente com o sol.

Não estava interessado na escola, e aproveitou os seus estudos para desenhar e pintar com pastéis escondidos na sua cabana. Deixou a escola aos dezassete anos de idade e foi contratado como aprendiz de desenho de palco durante dois anos (1902 a 1904) nas oficinas do decorador de teatro Eugène Ronsin. Foi aí que desenvolveu o seu gosto por grandes superfícies e monumentalidade, e tomou consciência do papel da luz e do jogo de distorção de perspectiva no espaço cénico.

Ele foi apresentado à pintura pelo seu tio Charles Damour, que era um pintor tradicional, longe de todas as teorias e movimentos do seu tempo. Robert Delaunay defendeu frequentemente o seu próprio ponto de vista artístico, que era muito diferente do do seu tio, levando a cenas domésticas burlescas. “As placas voavam porque Robert estava a defender a sua opinião”, diz Sonia Delaunay.

Primeiros trabalhos

Em 1904 e 1905, Robert Delaunay produziu as suas primeiras pinturas: paisagens e flores em estilo neo-impressionista e fauvista. Em 1907, fez o seu serviço militar em Laon, na Aisne. Ficou fascinado com a catedral e fez inúmeros esboços da mesma. Foi destacado para o serviço auxiliar, na biblioteca dos oficiais. O seu companheiro de quarto, Robert Lotiron, escreveu que “nessa altura, Delaunay tinha uma paixão delirante por Spinoza, Rimbaud, Baudelaire e Laforge. A 20 de Outubro de 1908, foi dispensado por “problemas cardíacos funcionais” e “endocardite”, e regressou a Paris.

Em 1906, participou no 21º Salon des Indépendants, onde apresentou muitas das pinturas que tinha feito no Verão anterior. Em 1907, juntou-se a um grupo de jovens artistas em busca de uma nova arte, incluindo Jean Metzinger, Henri Le Fauconnier e Fernand Léger. Ao mesmo tempo, empreendeu um importante trabalho sobre monumentos em Paris. O resultado da sua investigação foi uma teoria pessoal da cor, tomando como ponto de partida o seu trabalho Paris – Saint-Séverin (1909).

Encontro com Sonia

No início de 1909, ele conheceu Sonia Stern enquanto ambos andavam com artistas famosos. Juntos testemunharam o triunfo do voo de Louis Blériot através do Canal da Mancha e passaram tempo juntos no Drôme. Ela é casada com Wilhelm Uhde, mas é um casamento fictício. Divorciou-se imediatamente e voltou a casar em 15 de Novembro de 1910 com Robert Delaunay, de quem estava grávida. A 18 de Janeiro de 1911 nasce um rapaz, Charles. Robert pinta uma pequena Torre Eiffel, que ele dá a Sonia como presente de compromisso.

Maturidade e abstracção

Em 1910, influenciado pelo Cubismo, particularmente o de Cézanne, Robert Delaunay reduziu a sua paleta de cores a monocromático, depois, sob a influência de Sonia, reintroduziu cores quentes. A partir de 1912, recorreu ao Orphism com a sua série de Janelas (no Museu Grenoble e no Museu de Arte da Filadélfia). Com Sonia Delaunay, criou o simultaneismo, com base na lei do contraste simultâneo de cores. Ele entrou em correspondência com a pioneira da arte abstracta, Vassili Kandinsky, cujo texto teórico Sobre o Espiritual na Arte (que Sonia traduziu para ele do alemão) deveria influenciá-lo e guiá-lo muito.

Os dois artistas também ajudaram um ao outro a obter lugares em exposições e em críticas; eram verdadeiramente amigos. Foi graças a Kandinsky que Delaunay pôde ser exibido em Moscovo, onde apresentou três obras sem título. O ano de 1912 foi agitado para Robert Delaunay: expôs em Moscovo, Munique, Berlim, Paris e Zurique, fez amizade com o poeta Guillaume Apollinaire (que veio viver para o seu estúdio em Novembro e Dezembro) e Blaise Cendrars, conheceu Paul Klee (com quem se correspondia), Alberto Giacometti, Henri Matisse, Henri Le Fauconnier e pintou a série Window, que marcou uma grande viragem no seu trabalho.

Em 1913, Delaunay foi a Berlim para expor com Guillaume Apollinaire, e aproveitou a oportunidade para conhecer os artistas alemães da época: Franz Marc, Max Ernst e August Macke. Para minha grande alegria, eles preferiram os meus últimos trabalhos”, diz ele. Paul Klee traduz o texto teórico de Delaunay “La Lumière” para alemão, que aparece na revista Der Sturm em Janeiro sob o título “Über das Licht”. Apollinaire escreve o poema Les Fenêtres (As Janelas), que serve de prefácio à série de pinturas homónimas do pintor. Em Fevereiro, Alexandra Exter escreve aos Delaunays pedindo-lhes que entrem no Salon des Indépendants, assim como Michel Larionov e Nathalie Goncharoff. Robert Delaunay entrou em correspondência com todos estes artistas da vanguarda russa; foi ele quem os apresentou ao público francês. Nessa altura, Apollinaire considerava-o o pintor mais influente, juntamente com Picasso: “Há novas tendências na pintura moderna; as mais importantes parecem-me ser, por um lado, o cubismo de Picasso e, por outro, o orfismo de Delaunay” (Guillaume Apollinaire Die Moderne Malerei in Der Sturm, Fevereiro de 1913).

Durante todo este período, pintou os seus quadros na pequena cidade de Louveciennes, onde tinha uma residência com Sonia, e só foi a Paris ou ao estrangeiro uma vez terminada a sua obra, para a apresentar ou para ver os seus amigos pintores e poetas.

Primeiro pediu o serviço militar e depois declarou um desertor, Robert utilizou as suas ligações e obteve a sua dispensa do consulado francês em Vigo a 13 de Junho de 1916. Ele e Sonia Delaunay permaneceram em Espanha e Portugal durante toda a guerra, até 1922. Continuou a pintar, nomeadamente com uma série sobre Mercados Portugueses, mas também Natureza Morta e Nu no Toilet. Os Delaunays aproveitaram a oportunidade para passar longos dias no Museu do Prado, e Robert Delaunay ficou fascinado com as obras de Rubens e El Greco. Quando regressaram a França, o movimento Dada estava no seu auge.

De volta a Paris, os Delaunays frequentavam muitos poetas e músicos, mas poucos pintores, e esfregavam os ombros com o meio surrealista, como mostram os muitos retratos de amigos feitos durante este período, incluindo os de Tristan Tzara, um fiel amigo de André Breton e Philippe Soupault durante as décadas de 1920 e 1930. Foram também ligados a Louis Aragon, Jean Cocteau e Igor Stravinsky, e receberam o poeta russo Vladimir Maïakovski. As reuniões amigáveis permitiram a Robert Delaunay apresentar as suas teorias literárias, que mais tarde pôs no papel.

Repintou a Torre Eiffel várias vezes, já que o “gigante” se prestou bem à sua investigação sobre contrastes de cor simultâneos. No entanto, em comparação com as torres que pintou na sua juventude, o trabalho é significativamente diferente.

Nos anos 20, diversificou o seu trabalho, por exemplo, trabalhando com Fernand Léger nas artes decorativas. Participou na exposição de Artes Decorativas de 1925, que resumia a investigação de todos os países no campo das artes aplicadas. Sonia Delaunay também seguiu este caminho, e obteve mais reconhecimento do que ele. No mesmo ano compôs os cenários para vários filmes.

Delaunay voltou ao orfismo abstracto com a sua série Rythme, composta na sua maior parte em 1934. Esta série parece ser o culminar da sua investigação sobre harmonia pictórica. Ao mesmo tempo, iniciou a investigação de novos materiais. O seu trabalho é realçado por uma exposição com um longo comentário de Jean Cassou.

As comissões para a Exposição Internacional de 1937 permitiram-lhe criar enormes frescos e pinturas monumentais, incluindo os do Pavilhão Aéreo e Ferroviário. O fresco no Palácio do Ar é uma representação ampliada de uma pintura da série Ritmo. No ano seguinte decorou o salão de escultura no Salon des Tuileries, para o qual executou três grandes Rythmes, as suas últimas obras importantes.

Em 1940, fugiu do avanço nazi refugiando-se em Montpellier, na Zona Livre, com Joseph Delteil. Continuou a estar envolvido na vida artística. Instalado em Mougins, criou um verdadeiro museu Delaunay com as suas torres de abanar. O pintor Albert Aublet visitou-o frequentemente na altura em que apoiou o jovem pintor figurativo Nicolas de Staël. Voltou a sofrer de problemas pulmonares e morreu a 25 de Outubro de 1941.

A obra de Robert Delaunay está geralmente dividida cronologicamente em duas partes: o neo-impressionismo da sua juventude, por um lado, e o orfismo, um ramo do cubismo e a vanguarda da abstracção, constituindo a sua maturidade (a partir de cerca de 1912), por outro lado. O seu trabalho passou a ser do domínio público a 1 de Janeiro de 2012.

Neo-Impressionismo

Inicialmente influenciado pelo impressionismo e pelo sintetismo, Delaunay voltou-se para o neo-impressionismo depois de conhecer Jean Metzinger, que o convidou a mergulhar em escritos teóricos sobre a cor, como De la loi du contraste simultané des couleurs de Eugène Chevreul. Tais ensaios convenceram-no de que as cores são interdependentes e interagem umas com as outras de acordo com a sua distribuição no espectro. Esta descoberta marcou-o ao longo de toda a sua vida.

Entre 1904 e 1906, produziu uma série de retratos e auto-retratos em que aplicou a técnica de pincelada ampla do Divisionismo. Ao mesmo tempo, produziu uma série de paisagens, mais uma vez utilizando o método Divisionista, incluindo a famosa Paisagem com Disco, pintada nos últimos dias de 1906.

Em 1906, em Le Portrait de Henri Carlier, Robert Delaunay já afirmava a sua singularidade na escolha do esquema de cores: os verdes e roxos dominantes encontram áreas de vermelho brilhante. A violeta que aplicou era invulgar na época e foi sem dúvida emprestada ao pintor divisionista Cross, e a sua obra foi influenciada por longas discussões com Jean Metzinger.

Orfismo

Robert Delaunay passou para a abstracção com a série Les Fenêtres, apresentada de 1912 a 1913. Inicia uma longa série de pesquisas sobre a possibilidade de traduzir “harmonia representativa” através da mera disposição das cores. As cores substituem os objectos, que já não têm qualquer substância e dão lugar à luz. Esta transição para a abstracção ocorreu após a leitura das teorias de Vassily Kandinsky no seu manifesto livro Sobre o Espiritual na Arte, e enquanto Guillaume Apollinaire diagnosticou o nascimento de uma nova arte pictórica em 1912: “Os novos pintores pintam quadros onde já não há nenhum tema real”. Mas ao contrário de Vassily Kandinsky, que deu um conteúdo psicológico e místico às suas obras, Robert Delaunay apenas explorou o “efeito puramente físico”. Ele próprio se explica inspirando-se num texto de Leonardo da Vinci: “O olho é o nosso sentido mais elevado, aquele que comunica mais de perto com o nosso cérebro, a consciência. A ideia de um movimento vital do mundo e do seu movimento é simultânea. O nosso entendimento é correlativo à nossa percepção. Nesta altura, a Delaunay também fez muitas pesquisas sobre as cores e mais precisamente sobre a lei do contraste simultâneo de cores. Juntamente com Sonia Delaunay, criou o simultaneismo, uma técnica que visa encontrar a harmonia pictórica através da disposição simultânea das cores, e que se centra essencialmente no papel da luz, que é percebida como o princípio criativo original.

Em 1913, após a série Les Fenêtres, Robert Delaunay produziu uma série chamada L”Équipe de Cardiff, dedicada ao desporto, particularmente ao râguebi de futebol, um desporto em plena expansão na época. Assim, ele escolheu um assunto que até então não tinha sido muito tratado, o que correspondia bem à “modernolatria” de Blaise Cendrars e Guillaume Apollinaire. Ele concordou com os jornais da época, que elogiaram o “espírito de vitalidade” da nova geração. A pintura apresenta uma visão combativa da vida moderna, onde o culto da acção convida a ultrapassar a si próprio.

Esta série não é abstracta: os jogadores de râguebi são representados em frente de uma roda gigante e da Torre Eiffel, num conjunto de cartazes e cores. O cenário é resolutamente urbano: é o cartaz que ocupa mais espaço na pintura. Ele organiza a sua pintura como uma justaposição de elementos dispostos simultaneamente. A imagem dos jogadores parece ter vindo de uma revista inglesa que ele possuía, e os motivos da roda gigante, o cartaz e a Torre Eiffel de um cartão postal que foi encontrado nos seus pertences. Os quatro elementos estão agrupados através da linha mediana, um eixo sinusoidal que corta a pintura em dois, ao mesmo tempo que cria a sua unidade. Este eixo permite a passagem para uma arquitectura sem fundações, que parece voar no ar.

No salão seguinte, em 1914, Robert Delaunay apresentou o quadro Hommage à Blériot, um verdadeiro manifesto do seu método simultâneo. Os movimentos da tela são impulsionados por formas emprestadas da aeronáutica: biplano, hélice. O avião, símbolo da emancipação do homem da Terra, ofereceu a Robert Delaunay um pretexto para se emancipar dos códigos da pintura tradicional, e avançar em direcção à “inobjectiva” e à “pintura pura”. Ele escolheu o avião porque aboliu as noções de distância, e permitiu que o pintor se movesse em direcção a uma ubiquidade panorâmica. Ele opõe-se a uma plenitude harmónica às tentativas descritivas do passado. Da mesma forma, este motivo, tal como o da Torre Eiffel, permite-lhe afirmar ser um pintor da modernidade. A preferência do pintor pela curva é perceptível (em contraste com os pintores abstractos Kasimir Malevich e Piet Mondrian), já afirmada na série Flowers (1909), e que continuará nos Formulários Circulares.

Depois de apresentar a sua série L”Équipe de Cardiff no Salon des Indépendants no início de 1913, reformou-se em Louveciennes e iniciou uma grande série intitulada Formes Circulaires. Com esta obra, Robert Delaunay desejava render o poder da luz solar, tema que já tinha esboçado na sua pintura Paysage au disque de 1906, e a irradiação da lua. Sobre uma das obras desta série, declarou mais tarde que se tratava da “primeira pintura circular, a primeira pintura não figurativa”. Esta pintura revela o seu interesse pelas teorias científicas da cor (em parte erradas) no século XIX. Em Formulários Circulares, Sol Nº 2, as três cores primárias azul, vermelho e amarelo estão nas extremidades de um triângulo deformado, o que dá um sentido de rotação ao todo. Para Delaunay, este efeito resulta do turbilhão dos padrões de cor, azul descendente e vermelho ascendente. Entre estas cores primárias aparecem cores secundárias, obtidas através da mistura das primeiras: laranja, verde e violeta. Os redemoinhos inteiros à volta do centro, a cor original e final, brancos. Não é o sol que é representado, mas o processo de percepção pelo olho

Em Agosto de 1913, ainda em Louveciennes, produziu uma obra solitária chamada Disque (Le Premier Disque), que consiste em sete círculos concêntricos divididos em quatro segmentos iguais. Enquanto havia muitos círculos coloridos na sua série Formes Circulaires, nesta pintura Robert Delaunay concentra-se na pureza da superfície plana; mas não é apenas um detalhe de uma obra anterior, é uma obra por direito próprio, parte da pesquisa de Delaunay sobre harmonia pictórica. Este trabalho inquestionavelmente não-objectivo é de grande importância na história da arte.

Enquanto esteve em Espanha e Portugal durante a guerra, renovou os seus temas, passando da cidade para a vida popular nos mercados ou em casa, mas a sua técnica artística permaneceu a mesma. Os caracteres são desenhados figurativamente, mas rodeados de objectos abstractos; nestas mesmas telas, as cores irrompem e são utilizadas em completa liberdade. A luz da península ibérica é muito mais forte do que a da Île-de-France, de onde Robert Delaunay mal tinha saído, o que lhe permite observar e render um novo tipo de vibração de cor nas suas pinturas.

Na década de 1920, Robert Delaunay trabalhou novamente na Torre Eiffel, de uma forma significativamente diferente. A torre já não desaba, mas sobe, vista de um ângulo baixo, de tal forma que parece crescer infinitamente. Outras vezes, a torre é vista do céu e associada às curvas do Champ de Mars; para estas vistas utilizou fotografias aéreas. Extrai da sua composição o dinamismo do ritmo, e o arranjo de cores irrealistas.

Em 1925, participou na Exposition des Arts Décoratifs, para a qual decorou o salão de uma embaixada com Fernand Léger. Escolheu o tema A Mulher na Torre, que reproduziu num painel de mais de quatro metros, e causou um escândalo violento.

Os muitos retratos de amigos e conhecidos que ele pintou naqueles anos eram de facto figurativos, mas Robert Delaunay sempre usou cores brilhantes e poderosas. Por exemplo, no Retrato de Tristan Tzara, o elemento principal não é o rosto do poeta, mas o lenço laranja e verde que ele usa ao pescoço.

Por volta de 1930, ocorreu uma reviravolta bastante difícil de explicar, que levou Delaunay a regressar ao Orphism, iniciando uma série intitulada Rythmes, que retoma os Formulários Circulares produzidos nos anos 1910, de uma forma nova e mais madura, inspirando-se no trabalho de Piet Mondrian, e os artistas agrupados sob o nome de abstracção-geometria (a maioria dos quais reconheceu uma dívida artística para com ele). Mostrou o seu domínio da disposição das cores, e alcançou o objectivo que tinha procurado no início dos anos órficos: harmonia pictórica.

Ao mesmo tempo, embora quase sempre se tivesse contentado em permanecer dentro da técnica de pintura clássica (excepto para as artes decorativas), começou a investigar novas técnicas pictóricas, que Jean Cassou descreveu em pormenor num artigo publicado em 1935 na revista Art et décoration: “Estes revestimentos, em cuja composição domina a caseína, podem ser aplicados em cartão ou tela. É possível pintá-los em fresco, com óleo ou com ovo. Delaunay misturou a sua caseína com pastas feitas de pó de cortiça e assim obteve espessuras com serradura. A vantagem destes materiais é que, uma vez endurecidos, podem ser utilizados no exterior e resistir aos agentes atmosféricos. Delaunay também utilizou toda uma gama de areias coloridas, em particular areias do Colorado, que pulverizou sobre os seus gessos de caseína com uma pistola de ar. As cores assim obtidas são leves e resistentes à água. Finalmente, aplicou vernizes nos seus revestimentos. Outro material devido ao engenho da Delaunay é a pedra lacada, que pode ser utilizada para criar paredes de cores variadas e atractivas. É um material leve, não inflamável, ideal para utilização na marinha. Pode atingir a densidade do mármore e a resistência do cimento: mas esta é a sua superioridade sobre o cimento, tem a sua própria coloração. Também pode ser produzida em superfícies brancas, nas quais a tinta adere perfeitamente. É inútil salientar que as pastas de caseína podem ser dispostas em relevos decorativos tão complexos e livres quanto se deseje. Robert Delaunay passou assim do cavalete para o trabalho artístico nas paredes. Ele explicou isto na revista Commune: “Eu, o artista, o artista manual, estou a fazer uma revolução nas paredes. Neste momento, encontrei novos materiais que transformam a parede, não só externamente mas na sua própria substância. Separar o homem da arte? Nunca. Não posso separar o homem da arte porque faço casas para ele! Enquanto a moda era para pinturas de cavalete, eu já estava a pensar apenas em grandes obras de parede.

Estas obras de parede encontraram o seu ponto alto na Exposição Internacional de 1937, para a qual ele criou enormes decorações. Já em 1935, foi abordado para participar nesta gigantesca exposição, mas, ao contrário de muitos artistas, não se candidatou; a atenção foi-lhe dirigida graças a uma exposição organizada pela revista Art et décoration, intitulada Revêtements muraux en relief et en couleurs de Robert Delaunay, em 1935. Decorou o Palais du Chemin de Fer et de l”Air. Para este último, reproduziu a sua pintura Rythme sans fin em grande escala. O desejo era também de tirar a vanguarda do seu pequeno círculo de iniciados, e torná-la acessível a todos.

Robert Delaunay pintou obras abstractas durante dois períodos da sua vida: primeiro por volta de 1912 e 1913, com a série Cities, Circular Forms e a pintura Simultaneous Disc, o que o tornou um dos pioneiros da abstracção; depois por volta de 1933 e 1934, quando pintou a série Ritmos e Ritmos Intermináveis. No entanto, em momento algum definiu a sua arte como abstracta. Isto porque se sentiu um cubista, foi visto pelos críticos e pelo público como um pintor cubista, e as suas obras foram interpretadas como tal. A fim de se distanciar dos outros “-ismos” que estavam a florescer na altura, criou o seu próprio movimento, simultaneismo, devido à sua pesquisa cromática sobre as cores. Considerou-se um “heresiar do Cubismo”. Numa carta a August Macke em 1913, ele também declarou que “Uma coisa que é indispensável para mim é a observação directa da essência da luz na natureza”, que o afasta dos teóricos da arte abstracta como Piet Mondrian, que gostariam de ver a arte que está completamente isolada da natureza. No entanto, algumas das suas obras são inquestionavelmente abstractas, incluindo a série acima mencionada. A fim de representar a luz, que parece ser um elemento natural, teve de recorrer a formas não figurativas, sem qualquer ligação directa à realidade. A fim de capturar a essência da luz, optou por utilizar esquemas de cor, sem representar um objecto. Sonia Delaunay, pela sua parte, notas no seu diário (publicado em 1978 por Robert Laffont, p. 137) “Terminei o livro de Dorival. No final do seu livro ele resume o seu primeiro volume mostrando que toda a pintura deste período anuncia uma pintura que se afasta do Realismo, uma pintura inobjectiva, todas as pinturas que conhecemos estão apenas na sua infância. Ele é espantosamente compreensivo e quão próximo está de nós! Esta é a primeira vez que vejo alguém de tão longe e tão perto. É uma pena que o Delaunay não o conhecesse”.

Bibliografia

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Ligações externas

Fontes