Robert Rauschenberg

Alex Rover | Julho 3, 2022

Resumo

Milton Ernest “Robert” Rauschenberg (22 de Outubro de 1925 – 12 de Maio de 2008) foi um pintor e artista gráfico americano cujas primeiras obras anteciparam o movimento de arte Pop. Rauschenberg é bem conhecido pelas suas Combines (1954-1964), um grupo de obras de arte que incorporavam objectos do quotidiano como materiais de arte e que esbatiam as distinções entre pintura e escultura. Rauschenberg foi simultaneamente pintor e escultor, mas também trabalhou com fotografia, gravura, papelaria e performance.

Rauschenberg recebeu inúmeros prémios durante os seus quase 60 anos de carreira artística. Entre os mais destacados estavam o Grande Prémio Internacional de Pintura na 32ª Bienal de Veneza em 1964 e a Medalha Nacional das Artes em 1993.

Rauschenberg viveu e trabalhou em Nova Iorque e em Captiva Island, Florida, até à sua morte a 12 de Maio de 2008.

Rauschenberg nasceu Milton Ernest Rauschenberg em Port Arthur, Texas, o filho de Dora Carolina (née Matson) e Ernest R. Rauschenberg. O seu pai era de ascendência alemã e Cherokee e a sua mãe de ascendência holandesa. O seu pai trabalhava para a Gulf States Utilities, uma empresa de luz e electricidade. Os seus pais eram cristãos fundamentalistas. Tinha uma irmã mais nova chamada Janet Begneaud.

Aos 18 anos, Rauschenberg foi admitido na Universidade do Texas em Austin, onde começou a estudar farmacologia, mas desistiu pouco tempo depois devido à dificuldade do curso – não se apercebendo neste momento que era disléxico – e devido à sua falta de vontade de dissecar um sapo na aula de biologia. Foi recrutado para a Marinha dos Estados Unidos em 1944. Sediado na Califórnia, serviu como técnico neuropsiquiátrico num hospital da Marinha até à sua alta em 1945 ou 1946.

Rauschenberg estudou posteriormente no Instituto de Arte de Kansas City e na Académie Julian em Paris, França, onde conheceu a colega estudante de arte Susan Weil. Em 1948, Rauschenberg juntou-se a Weil na inscrição no Black Mountain College, na Carolina do Norte.

Na Black Mountain, Rauschenberg procurou Josef Albers, um fundador da Bauhaus na Alemanha, sobre quem tinha lido numa edição de Agosto de 1948 da revista Time. Ele esperava que os métodos de ensino rigorosos de Albers pudessem refrear a sua habitual desleixo. Os cursos de desenho preliminar de Albers baseavam-se numa disciplina rigorosa que não permitia qualquer “experimentação não influenciada”.

Rauschenberg tornou-se, nas suas próprias palavras, “a burrice de Albers, o exemplo notável daquilo de que ele não falava”. Embora Rauschenberg considerasse Albers o seu professor mais importante, encontrou uma sensibilidade mais compatível em John Cage, um compositor estabelecido de música de vanguarda. Tal como Rauschenberg, Cage afastou-se dos ensinamentos disciplinadores do seu instrutor, Arnold Schönberg, em favor de uma abordagem mais experimentalista da música. Cage deu a Rauschenberg o tão necessário apoio e encorajamento durante os primeiros anos da sua carreira, e os dois permaneceram amigos e colaboradores artísticos durante décadas a seguir.

De 1949 a 1952 Rauschenberg estudou com Vaclav Vytlacil e Morris Kantor na Art Students League of New York, onde conheceu os artistas Knox Martin e Cy Twombly.

Rauschenberg casou com Susan Weil no Verão de 1950 na casa da família Weil em Outer Island, Connecticut. O seu único filho, Christopher, nasceu a 16 de Julho de 1951. Os dois separaram-se em Junho de 1952 e divorciaram-se em 1953. Posteriormente, Rauschenberg teve relações românticas com os colegas artistas Cy Twombly e Jasper Johns, entre outros. O seu parceiro durante os últimos 25 anos da sua vida foi o artista Darryl Pottorf,

Nos anos 70, mudou-se para NoHo em Manhattan, na cidade de Nova Iorque.

Rauschenberg adquiriu a Beach House, a sua primeira propriedade na Ilha de Captiva, a 26 de Julho de 1968. No entanto, a propriedade só se tornou a sua residência permanente no Outono de 1970.

Rauschenberg morreu de insuficiência cardíaca a 12 de Maio de 2008, na ilha de Captiva, Florida.

A abordagem de Rauschenberg foi por vezes chamada “Neo-Dadaist”, um rótulo que partilhou com o pintor Jasper Johns. Rauschenberg afirmou, com fama, que “a pintura diz respeito tanto à arte como à vida”, e que queria trabalhar “no intervalo entre os dois”. Tal como muitos dos seus antecessores Dadaist, Rauschenberg questionou a distinção entre objectos de arte e objectos do quotidiano, e a sua utilização de materiais prontos a ler reprendeu as questões intelectuais levantadas pela Fonte de Marcel Duchamp (1917). A influência dada por Duchamp Dadaist também pode ser observada nas pinturas de Jasper Johns de alvos, numerais e bandeiras, que eram símbolos culturais familiares: “coisas que a mente já sabe”.

No Black Mountain College, Rauschenberg experimentou uma variedade de meios artísticos incluindo gravura, desenho, fotografia, pintura, escultura, e teatro; as suas obras apresentavam frequentemente alguma combinação destes. Ele criou as suas pinturas Night Blooming (1951) em Black Mountain, pressionando seixos e cascalho em pigmento preto sobre tela. No mesmo ano, fez desenhos de corpo inteiro em colaboração com Susan Weil no seu apartamento em Nova Iorque, que “esperam transformar-se em desenhos de ecrã e papel de parede”.

Desde o Outono de 1952 até à Primavera de 1953, Rauschenberg viajou em Itália e no Norte de África com o seu colega artista e parceiro Cy Twombly. Lá, criou colagens e pequenas esculturas, incluindo a Scatole Personali e Feticci Personali, a partir de materiais encontrados. Expôs-as em galerias em Roma e Florença. Para surpresa de Rauschenberg, várias das obras vendidas; muitas que não atirou para o rio Arno, seguindo a sugestão de um crítico de arte que reviu a sua exposição.

Ao regressar a Nova Iorque em 1953, Rauschenberg começou a criar escultura com materiais encontrados no seu bairro da Baixa Manhattan, tais como sucata, madeira, e cordel. Ao longo da década de 1950, Rauschenberg apoiou-se na concepção de montras para a Tiffany & Co. e Bonwit Teller, primeiro com Susan Weil e mais tarde em parceria com Jasper Johns sob o pseudónimo de Matson Jones.

Num famoso incidente de 1953, Rauschenberg pediu um desenho ao pintor expressionista abstrato Willem de Kooning com o objectivo expresso de o apagar como declaração artística. Esta obra conceptual, intitulada Erased de Kooning Drawing, foi executada com o consentimento do artista mais velho.

Em 1961, Rauschenberg explorou uma abordagem conceptual semelhante, apresentando uma ideia como a própria obra de arte. Foi convidado a participar numa exposição na Galerie Iris Clert em Paris, onde os artistas deveriam apresentar retratos de Clert, o dono da galeria. A apresentação de Rauschenberg consistiu num telegrama declarando “Este é um retrato de Iris Clert se eu o disser”.

Em 1962, as pinturas de Rauschenberg começaram a incorporar não só objectos encontrados, mas também imagens encontradas. Após uma visita ao estúdio de Andy Warhol nesse ano, Rauschenberg começou a utilizar um processo de serigrafia, normalmente reservado a meios comerciais de reprodução, para transferir fotografias para telas. As pinturas em serigrafia feitas entre 1962 e 1964 levaram os críticos a identificar o trabalho de Rauschenberg com a arte Pop.

Rauschenberg tinha experimentado a tecnologia nas suas obras de arte desde a realização das suas primeiras combinações em meados dos anos 50, onde por vezes utilizava rádios de trabalho, relógios e ventiladores eléctricos como materiais escultóricos. Mais tarde, explorou o seu interesse pela tecnologia enquanto trabalhava com o cientista de investigação dos Laboratórios Bell Billy Klüver. Juntos, realizaram algumas das experiências mais ambiciosas de Rauschenberg baseadas em tecnologia, tais como Soundings (1968), uma instalação de luz que respondia ao som ambiente. Em 1966, Klüver e Rauschenberg lançaram oficialmente a Experiments in Art and Technology (E.A.T.), uma organização sem fins lucrativos criada para promover a colaboração entre artistas e engenheiros.

Em 1969, a NASA convidou Rauschenberg para testemunhar o lançamento da Apollo 11. Em resposta a este acontecimento marcante, Rauschenberg criou a sua série de litografias da Lua Pedrada. Isto envolveu a combinação de diagramas e outras imagens dos arquivos da NASA com os seus próprios desenhos e textos escritos à mão.

A partir de 1970, Rauschenberg trabalhou a partir da sua casa e estúdio em Captiva, Florida. Os primeiros trabalhos que criou no seu novo estúdio foram Cardboards (1971-72) e Early Egyptians (1973-74), para os quais dependia de materiais de origem local, tais como cartão e areia. Onde os seus trabalhos anteriores tinham frequentemente destacado imagens e materiais urbanos, Rauschenberg favoreceu agora o efeito das fibras naturais encontradas no tecido e no papel. Imprimia em têxteis utilizando a sua técnica de transferência de solventes para fazer o Hoarfrost (este último apresentava grandes extensões de tecido colado em painéis de madeira. Rauschenberg criou a sua série Jammer (1975-76) utilizando tecidos coloridos inspirados na sua viagem a Ahmedabad, Índia, uma cidade famosa pelos seus têxteis. A simplicidade sem imaginação da série Jammer é um contraste impressionante com os Hoarfrosts cheios de imagens e a grandiosidade das suas primeiras obras feitas em Nova Iorque.

As viagens internacionais tornaram-se uma parte central do processo artístico de Rauschenberg depois de 1975. Em 1984, Rauschenberg anunciou o início do seu Rauschenberg Overseas Culture Interchange (ROCI) nas Nações Unidas. Quase inteiramente financiado pelo artista, o projecto ROCI consistiu numa digressão de sete anos por dez países de todo o mundo. Rauschenberg tirou fotografias em cada local e fez obras de arte inspiradas nas culturas que visitou. As obras resultantes foram expostas numa exposição local em cada país. Rauschenberg doou frequentemente uma obra de arte a uma instituição cultural local.

A partir de meados da década de 1980, Rauschenberg concentrou-se em imagens serigráficas sobre uma variedade de metais tratados de forma diferente, tais como o aço e o alumínio espelhado. Ele criou muitas séries das chamadas “pinturas de metal”, incluindo: Borealis (1988-92), Urban Bourbons (1988-1996), Phantoms (1991), e Night Shades (1991). Além disso, ao longo dos anos 90, Rauschenberg continuou a utilizar novos materiais enquanto ainda trabalhava com técnicas mais rudimentares. Como parte do seu compromisso com as últimas inovações tecnológicas, na sua série de pintura tardia, transferiu imagens fotográficas digitais a jacto de tinta para uma variedade de suportes de pintura. Para os seus retiros Arcadian (1996), transferiu imagens para frescos húmidos. De acordo com o seu compromisso com o ambiente, Rauschenberg utilizou corantes e pigmentos biodegradáveis, e água em vez de produtos químicos no processo de transferência.

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As pinturas brancas, pinturas pretas e tintas vermelhas

Em 1951 Rauschenberg criou a sua série de Pintura Branca na tradição da pintura monocromática estabelecida por Kazimir Malevich, que reduziu a pintura às suas qualidades mais essenciais para uma experiência de pureza estética e infinidade. As pinturas brancas foram expostas na Eleanor Ward”s Stable Gallery, em Nova Iorque, no Outono de 1953. Rauschenberg utilizava diariamente tinta branca de casa e rolos de pintura para criar superfícies lisas e não embelezadas que, no início, aparecem como tela em branco. No entanto, em vez de as perceber como sem conteúdo, John Cage descreveu as Pinturas Brancas como “aeroportos para as luzes, sombras e partículas”; superfícies que reflectiam delicadas alterações atmosféricas na sala. O próprio Rauschenberg disse que elas eram afectadas pelas condições ambientais, “por isso quase se podia dizer quantas pessoas se encontravam na sala”. Rauschenberg aplicou tinta preta fosca e brilhante em terrenos texturizados de jornais sobre tela, permitindo ocasionalmente que o jornal permanecesse visível.

Em 1953 Rauschenberg tinha passado da série de Pintura Branca e Pintura Negra para o expressionismo exacerbado da sua série de Pintura Vermelha. Ele considerava o vermelho como “a cor mais difícil” para pintar, e aceitou o desafio ao pingar, colar, e espremer camadas de pigmento vermelho directamente sobre os motivos de tela que incluíam tecido com padrões, jornal, madeira, e pregos. As complexas superfícies de material das Pinturas Vermelhas foram precursoras da conhecida série Combine (1954-1964) de Rauschenberg.

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Combina

Rauschenberg recolheu objectos descartados nas ruas de Nova Iorque e trouxe-os de volta para o seu estúdio onde os integrou no seu trabalho. Afirmou que “queria algo mais do que aquilo que eu próprio podia fazer e queria usar a surpresa e a colectividade e a generosidade de encontrar surpresas. Assim, o próprio objecto foi alterado pelo seu contexto e, por conseguinte, tornou-se uma coisa nova”.

O comentário de Rauschenberg sobre o fosso entre a arte e a vida fornece o ponto de partida para uma compreensão das suas contribuições como artista. Ele viu a beleza potencial em quase tudo; uma vez disse: “Tenho realmente pena de pessoas que pensam que coisas como pratos de sabão ou espelhos ou garrafas de Coca-Cola são feias, porque estão rodeadas por coisas assim durante todo o dia, e isso deve torná-las infelizes”. A sua série Combine dotou os objectos quotidianos de um novo significado, trazendo-os para o contexto da arte nobre, juntamente com materiais de pintura tradicionais. As Combines eliminaram as fronteiras entre arte e escultura, de modo a que ambas estivessem presentes numa única obra de arte. Enquanto “Combines” se refere tecnicamente ao trabalho de Rauschenberg de 1954 a 1964, Rauschenberg continuou a utilizar objectos do quotidiano como roupa, jornal, lixo urbano, e cartão ao longo da sua carreira artística.

As suas peças de transição que levaram à criação de Combines foram Charlene (1954) e Collection (1954

Os críticos viram originalmente as Combinações em termos das suas qualidades formais: cor, textura, e composição. A visão formalista dos anos 60 foi mais tarde refutada pelo crítico Leo Steinberg, que disse que cada Combine era “uma superfície receptora na qual os objectos estão espalhados, na qual os dados são introduzidos”. De acordo com Steinberg, a horizontalidade do que ele chamou de “plano de imagem plano” de Rauschenberg tinha substituído a verticalidade tradicional da pintura, e permitiu subsequentemente que as superfícies exclusivamente ligadas ao material da obra de Rauschenberg fossem utilizadas.

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Performance e dança

Rauschenberg começou a explorar o seu interesse pela dança depois de se ter mudado para Nova Iorque no início dos anos 50. Foi exposto pela primeira vez a dança de vanguarda e arte performativa no Black Mountain College, onde participou na peça de teatro nº 1 de John Cage (1952), frequentemente considerada o primeiro a acontecer. Começou a desenhar cenários, iluminação e figurinos para Merce Cunningham e Paul Taylor. No início dos anos 60, esteve envolvido nas experiências radicais de teatro de dança na Judson Memorial Church em Greenwich Village, e coreografou a sua primeira actuação, Pelican (1963), para o Judson Dance Theater, em Maio de 1963. Rauschenberg era amigo íntimo de bailarinos afiliados a Cunningham, incluindo Carolyn Brown, Viola Farber, e Steve Paxton, todos eles presentes nos seus trabalhos coreografados. A ligação a tempo inteiro de Rauschenberg à Merce Cunningham Dance Company terminou após a sua digressão mundial de 1964. Em 1966, Rauschenberg criou a actuação Open Score para parte das 9 noites: Teatro e Engenharia no 69º Regiment Armory, Nova Iorque. A série foi fundamental na formação da Experiments in Art and Technology (E.A.T.).

Em 1977 Rauschenberg, Cunningham, e Cage reconectaram-se como colaboradores pela primeira vez em treze anos para criar o Travelogue (1977), para o qual Rauschenberg contribuiu com o figurino e os desenhos do cenário. Rauschenberg não coreografou as suas próprias obras depois de 1967, mas continuou a colaborar com outros coreógrafos, incluindo Trisha Brown, durante o resto da sua carreira artística.

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Comissões

Ao longo da sua carreira, Rauschenberg desenhou numerosos cartazes de apoio a causas que lhe eram importantes. Em 1965, quando a revista Life o encarregou de visualizar um Inferno moderno, ele não hesitou em descarregar a sua raiva na Guerra do Vietname e outras questões sociopolíticas contemporâneas, incluindo violência racial, neonazismo, assassinatos políticos, e catástrofe ecológica.

Em 30 de Dezembro de 1979, o Miami Herald publicou 650.000 exemplares da revista Tropic, a sua revista de domingo, com uma capa desenhada por Rauschenberg. Em 1983, ganhou um prémio Grammy pelo design do seu álbum “Talking Heads”, Speaking in Tongues. Em 1986, Rauschenberg foi encarregado pela BMW de pintar um BMW 635 CSi em tamanho real para a sexta parte do famoso Projecto BMW Art Car. O carro de Rauschenberg foi o primeiro no projecto a apresentar reproduções de obras do Metropolitan Museum of Art, Nova Iorque, assim como as suas próprias fotografias.

Em 1998, o Vaticano encomendou uma obra de Rauschenberg em honra do Jubileu do ano 2000 para ser exibida no Salão Litúrgico Padre Pio, San Giovanni Rotondo, Itália. Trabalhando em torno do tema do Juízo Final, Rauschenberg criou O Feliz Apocalipse (1999), uma maquete de vinte pés de comprimento. Foi finalmente rejeitado pelo Vaticano com o argumento de que a representação de Deus como uma antena parabólica por Rauschenberg era uma referência teológica inadequada.

Rauschenberg teve a sua primeira exposição individual na Galeria Betty Parsons na Primavera de 1951. Em 1953, enquanto estava em Itália, foi notado por Irene Brin e Gaspero del Corso e eles organizaram a sua primeira exposição europeia na sua famosa galeria em Roma. Em 1953, Eleanor Ward convidou Rauschenberg a participar numa exposição conjunta com Cy Twombly na Galeria Stable. Na sua segunda exposição individual em Nova Iorque na Galeria Charles Egan em 1954, Rauschenberg apresentou as suas Pinturas Vermelhas (1953-1953) e Combinadas (1954-1964). Leo Castelli montou uma exposição individual de Pinturas Combinadas de Rauschenberg em 1958. A única venda foi uma aquisição pelo próprio Castelli de Cama (1955), agora na colecção do Museu de Arte Moderna, Nova Iorque.

A primeira retrospectiva da carreira de Rauschenberg foi organizada pelo Museu Judaico, Nova Iorque, em 1963. Em 1964, tornou-se um dos primeiros artistas americanos a ganhar o Grande Prémio Internacional de Pintura na Bienal de Veneza (Mark Tobey e James Whistler tinham anteriormente ganho prémios de pintura em 1895 e 1958, respectivamente). Uma retrospectiva a meio da carreira foi organizada pela Colecção Nacional de Belas Artes (agora Museu de Arte Americana do Smithsonian), Washington, D.C., e viajou pelos Estados Unidos entre 1976 e 1978.

Nos anos 90 realizou-se uma retrospectiva no Museu Solomon R. Guggenheim, Nova Iorque (1997), que viajou para museus em Houston, Colónia e Bilbao até 1999. Uma exposição de Combines foi apresentada no Metropolitan Museum of Art, Nova Iorque (viajou para o Museum of Contemporary Art, Los Angeles, Centre Georges Pompidou, Paris, e Moderna Museet, Estocolmo, até 2007). A primeira retrospectiva póstumo de Rauschenberg foi montada no Tate Modern (viajou para o Museum of Modern Art, Nova Iorque, e San Francisco Museum of Modern Art, até 2017).

Outras exposições incluem: Robert Rauschenberg: Jammers, Gagosian Gallery, Londres ( A Visual Lexicon, Leo Castelli Gallery (Rauschenberg na China, Ullens Center for Contemporary Art, Pequim (e Rauschenberg: O 1

Rauschenberg acreditava fortemente no poder da arte como um catalisador para a mudança social. O Rauschenberg Overseas Culture Interchange (ROCI) começou em 1984 como um esforço para desencadear o diálogo internacional e melhorar a compreensão cultural através da expressão artística. Uma exposição ROCI foi apresentada na Galeria Nacional de Arte, D.C., em 1991, concluindo uma digressão de dez países: México, Chile, Venezuela, China, Tibete, Japão, Cuba, U.S.S.R., Alemanha, e Malásia.

Em 1970, Rauschenberg criou um programa chamado Change, Inc., para conceder subsídios de emergência únicos de até $1,000 a artistas visuais com base em necessidades financeiras. Em 1990, Rauschenberg criou a Fundação Robert Rauschenberg (RRF) para promover a sensibilização para as causas que o preocupavam, tais como a paz mundial, o ambiente e as questões humanitárias. Em 1986, Rauschenberg recebeu o Prémio Prato de Ouro da Academia Americana de Realizações. Recebeu a Medalha Nacional das Artes pelo Presidente Bill Clinton em 1993. Em 2000, Rauschenberg foi galardoado com o Prémio de Excelência da amfAR para Contribuições Artísticas na Luta contra a SIDA.

A RRF é hoje proprietária de muitas obras de Rauschenberg de todos os períodos da sua carreira. Em 2011, a fundação apresentou A Colecção Privada de Robert Rauschenberg em colaboração com a Gagosian Gallery, apresentando selecções da colecção de arte pessoal de Rauschenberg. As receitas da exposição ajudaram a financiar as actividades filantrópicas da fundação. Também em 2011, a fundação lançou o seu projecto “Artista como Activista” e convidou o artista Shepard Fairey a concentrar-se num tema da sua escolha. O trabalho editado por ele realizado foi vendido para angariar fundos para a Coligação para os Sem-Abrigo. A RRF continua a apoiar artistas e organizações artísticas emergentes com subsídios e colaborações filantrópicas todos os anos. A RRF tem vários programas de residência que têm lugar na sede da fundação em Nova Iorque e na propriedade do falecido artista em Captiva Island, Florida.

Em 2013, Dale Eisinger of Complex classificou Open Score (1966) em sétimo lugar na sua lista das melhores obras de arte performativa de todos os tempos.

Em 2010, Studio Painting (1960-61), uma das combinações de Rauschenberg, originalmente estimada em $6 milhões a $9 milhões, foi comprada à colecção de Michael Crichton por $11 milhões na Christie”s, Nova Iorque. Em 2019, a Christie”s vendeu a pintura de serigrafia Buffalo II (1964) por 88,8 milhões de dólares, quebrando o recorde anterior do artista.

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Lobbying para os direitos de revenda dos artistas

No início dos anos 70, Rauschenberg fez lobby junto do Congresso dos EUA para aprovar um projecto de lei que compensaria os artistas quando o seu trabalho fosse revendido no mercado secundário. Rauschenberg começou a sua luta pelos direitos de revenda dos artistas após o barão de táxi Robert Scull ter vendido parte da sua colecção de obras de arte expressionista e pop por 2,2 milhões de dólares. Scull tinha originalmente comprado as pinturas de Rauschenberg Thaw (cerca de uma década depois, Scull vendeu as peças por $85.000 e $90.000 num leilão de 1973 na Sotheby Parke Bernet em Nova Iorque.

Os esforços de lobby de Rauschenberg foram recompensados em 1976 quando o governador da Califórnia Jerry Brown assinou o California Resale Royalty Act de 1976. O artista continuou a perseguir a legislação nacional sobre direitos de revenda após a vitória da Califórnia.

Fontes

1. Robert Rauschenberg
2. Robert Rauschenberg
3. ^ Marlena Donohue (November 28, 1997). “Rauschenberg”s Signature on the Century”. Christian Science Monitor. Archived from the original on July 7, 2006. Rauschenberg”s mammoth career retrospective at the Solomon R. Guggenheim Museum (and other New York sites) from Sept. 19 to Jan. 7, 1998… along with longtime friends pre-Pop painter Jasper Johns and the late conceptual composer John Cage, Rauschenberg pretty much defined the technical and philosophic art landscape and its offshoots after Abstract Expressionism.
4. ^ Franklin Bowles Galleries. “Robert Rauschenberg”. FranlinkBowlesGallery.com. Archived from the original on 2007-08-21. Significantly, given his use of print media imagery, he was also the first living American artist to be featured by Time magazine on its cover.
5. ^ “American Art Great Robert Rauschenberg Dies at 82”. The Ledger. Archived from the original on May 19, 2008.
6. Helmut Schneider: Zeichnungen von Robert Rauschenberg in Tübingen: Irgendwo zwischen Kunst und Leben. In: Die Zeit. 25. Mai 1979, ISSN 0044-2070 (zeit.de [abgerufen am 23. Februar 2020]).
7. First Time Painting wurde in den 60er Jahren von Karl Ströher erworben, kam dann 1981 mit dem von der Stadt Frankfurt für das Museum für Moderne Kunst erworbenen Konvolut der Ströher Sammlung als Leihgabe an das MMK und wurde von den Ströher Erben schließlich an die Sammlung Marx verkauft.
8. Peter Iden, Rolf Lauter: Bilder für Frankfurt. Bestandskatalog des Museums für Moderne Kunst. München 1985, S. 191f. ISBN 978-3-7913-0702-2
9. ^ Explore Modern Art | Multimedia | Interactive Features | Robert Rauschenberg”s Erased de Kooning Drawing, su sfmoma.org, SFMOMA. URL consultato il 20 marzo 2011 (archiviato dall”url originale il 6 gennaio 2011).
10. ^ Kristine Stiles & Peter Selz, Theories and Documents of Contemporary Art: A Sourcebook of Artists” Writings (Second Edition, Revised and Expanded by Kristine Stiles) University of California Press 2012, p. 453
11. ^ Birmingham Museum of Art, Birmingham Museum of Art : guide to the collection, [Birmingham, Ala], Birmingham Museum of Art, 2010, p. 235, ISBN 978-1-904832-77-5.
12. Il changea de prénom une fois adulte.
13. Walter Hopps, Robert Rauschenberg: The Early 1950”s, (ISBN 0-940619-07-5)
14. Stuart Preston, The New York Times, December 19, 1954.