Roy Lichtenstein

gigatos | Julho 6, 2022

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Resumo

Roy Fox Lichtenstein (27 de Outubro de 1923 – 29 de Setembro de 1997) foi um artista pop americano. Durante a década de 1960, juntamente com Andy Warhol, Jasper Johns, e James Rosenquist entre outros, tornou-se uma figura de destaque no novo movimento artístico. A sua obra definiu a premissa da arte pop através da paródia. Inspirado na banda desenhada, Lichtenstein produziu composições precisas que documentaram enquanto parodiavam, muitas vezes de uma maneira tonguesa. A sua obra foi influenciada pela publicidade popular e pelo estilo dos livros de banda desenhada. O seu trabalho artístico foi considerado “perturbador”. Descreveu a arte pop como “não pintura “americana”, mas sim pintura industrial”. As suas pinturas foram exibidas na Galeria Leo Castelli em Nova Iorque.

Whaam! e Drowning Girl são geralmente consideradas como as obras mais famosas de Lichtenstein. Drowning Girl, Whaam!, e Look Mickey são consideradas como as suas obras mais influentes. A sua obra mais cara é Masterpiece, que foi vendida por $165 milhões em Janeiro de 2017.

Lichtenstein nasceu numa família de classe média alta germano-judaica na cidade de Nova Iorque. O seu pai, Milton, era corretor de imóveis, a sua mãe, Beatrice (Werner), uma dona de casa. Foi criado no Upper West Side da cidade de Nova Iorque e frequentou a escola pública até aos doze anos de idade. Frequentou então a Dwight School de Nova Iorque, graduando-se a partir daí em 1940. Lichtenstein interessou-se pela arte e pelo design como hobby, através da escola. Era um ávido fã de jazz, frequentando frequentemente concertos no Teatro Apollo, no Harlem. Desenhava frequentemente retratos dos músicos que tocavam os seus instrumentos. No seu último ano do liceu, 1939, Lichtenstein inscreveu-se em aulas de Verão na Art Students League of New York, onde trabalhou sob a tutela de Reginald Marsh.

Lichtenstein deixou então Nova Iorque para estudar na Ohio State University, que oferecia cursos de estúdio e uma licenciatura em belas artes. Os seus estudos foram interrompidos por um período de três anos no Exército durante e após a Segunda Guerra Mundial, entre 1943 e 1946. Depois de ter participado em programas de formação em línguas, engenharia, e formação piloto, todos cancelados, serviu como orador, desenhador, e artista.

Lichtenstein regressou a casa para visitar o seu pai moribundo e foi dispensado do Exército com elegibilidade para a G.I. Bill. Regressou aos estudos em Ohio sob a supervisão de um dos seus professores, Hoyt L. Sherman, que é amplamente considerado como tendo tido um impacto significativo no seu trabalho futuro (Lichtenstein nomearia mais tarde um novo estúdio por ele financiado na OSU como o Hoyt L. Sherman Studio Art Center).

Lichtenstein entrou no programa de pós-graduação no estado de Ohio e foi contratado como instrutor de arte, um cargo que ocupou durante os dez anos seguintes. Em 1949, Lichtenstein recebeu um mestrado em Belas Artes da Universidade Estatal de Ohio.

Em 1951, Lichtenstein teve a sua primeira exposição individual na Galeria Carlebach em Nova Iorque. Mudou-se para Cleveland no mesmo ano, onde permaneceu durante seis anos, embora viajasse frequentemente de volta para Nova Iorque. Durante este tempo, empreendeu trabalhos tão variados como desenhador a um decorador de janelas entre períodos de pintura. O seu trabalho nesta época oscilou entre o Cubismo e o Expressionismo. Em 1954, nasceu o seu primeiro filho, David Hoyt Lichtenstein, agora compositor. O seu segundo filho, Mitchell Lichtenstein, nasceu em 1956.

Em 1957, voltou para o norte de Nova Iorque e recomeçou a ensinar. Foi nesta altura que adoptou o estilo do Expressionismo Abstracto, sendo um convertido tardio a este estilo de pintura. Lichtenstein começou a ensinar na Universidade Estadual de Nova Iorque, em 1958, na Universidade de Oswego. Por esta altura, começou a incorporar imagens escondidas de personagens de desenhos animados como Mickey Mouse e Bugs Bunny nas suas obras abstractas.

Elevação à proeminência

Em 1960, começou a ensinar na Universidade Rutgers, onde foi fortemente influenciado por Allan Kaprow, que também era professor na universidade. Este ambiente ajudou a reacender o seu interesse pelas imagens Proto-pop. Em 1961, Lichtenstein iniciou as suas primeiras pinturas pop utilizando imagens de desenhos animados e técnicas derivadas do aparecimento da impressão comercial. Esta fase continuaria até 1965, e incluía o uso de imagens publicitárias sugerindo consumismo e artesanato caseiro. O seu primeiro trabalho a apresentar o uso em grande escala de figuras de aresta dura e pontos Ben-Day foi Look Mickey (1961, National Gallery of Art, Washington, D.C.). Esta peça veio de um desafio de um dos seus filhos, que apontou para uma banda desenhada do Mickey Mouse e disse: “Aposto que não consegues pintar tão bem como isso, eh, pai?”. No mesmo ano, produziu seis outras obras com caracteres reconhecíveis a partir de pastilhas elásticas e desenhos animados.

Em 1961, Leo Castelli começou a exibir o trabalho de Lichtenstein na sua galeria em Nova Iorque. Lichtenstein teve a sua primeira exposição individual na galeria Castelli em 1962; toda a colecção foi comprada por coleccionadores influentes antes mesmo da abertura da exposição. Um grupo de pinturas produzidas entre 1961 e 1962 centrou-se em objectos domésticos solitários, como ténis, cachorros-quentes e bolas de golfe. Em Setembro de 1963, tirou uma licença do seu cargo de professor no Douglass College na Rutgers.

As suas obras foram inspiradas por banda desenhada com histórias de guerra e românticas “Naquela época”, conta Lichtenstein mais tarde, “estava interessado em qualquer coisa que pudesse usar como tema emocionalmente forte – geralmente amor, guerra, ou algo que fosse um tema altamente carregado e emocional para ser oposto às técnicas de pintura removidas e deliberadas”.

Período do mais alto perfil do Lichtenstein

Foi nesta altura que Lichtenstein começou a encontrar fama não só na América mas em todo o mundo. Mudou-se de novo para Nova Iorque para estar no centro da cena artística e demitiu-se da Universidade Rutgers em 1964 para se concentrar na sua pintura. Lichtenstein usou óleo e tinta Magna (acrílica inicial) nas suas obras mais conhecidas, como Drowning Girl (1963), que foi apropriado da história principal na DC Comics” Secret Hearts No. 83. (Drowning Girl agora está no Museu de Arte Moderna, Nova Iorque.) Drowning Girl também apresenta contornos espessos, cores arrojadas e pontos de Ben-Day, como se tivessem sido criados por reprodução fotográfica. Do seu próprio trabalho, Lichtenstein diria que os expressionistas abstratos “pousam coisas na tela e respondem ao que tinham feito, às posições e tamanhos das cores”. O meu estilo parece completamente diferente, mas a natureza de colocar linhas é praticamente a mesma; o meu simplesmente não sai com aspecto caligráfico, como o de Pollock ou o de Kline”.

Em vez de tentar reproduzir os seus temas, o trabalho de Lichtenstein abordou a forma como os meios de comunicação social os retratam. Contudo, ele nunca se levaria demasiado a sério, dizendo: “Penso que o meu trabalho é diferente das bandas desenhadas – mas não lhe chamaria transformação; não penso que o que quer que seja que se queira dizer com isso seja importante para a arte”. Quando o trabalho de Lichtenstein foi exposto pela primeira vez, muitos críticos de arte da época desafiaram a sua originalidade. A sua obra foi duramente criticada como vulgar e vazia. O título de um artigo da revista Life em 1964 perguntava: “Será ele o pior artista dos Estados Unidos? Lichtenstein respondeu a tais afirmações, oferecendo respostas como as seguintes: “Quanto mais próximo estiver o meu trabalho do original, mais ameaçador e crítico é o conteúdo. No entanto, o meu trabalho é inteiramente transformado na medida em que o meu propósito e percepção são totalmente diferentes. Penso que as minhas pinturas estão criticamente transformadas, mas seria difícil prová-lo através de qualquer linha racional de argumentação”. Discutiu a experiência desta pesada crítica numa entrevista com April Bernard e Mimi Thompson em 1986. Sugerindo que por vezes era difícil ser criticado, Lichtenstein disse: “Não duvido quando estou realmente a pintar, é a crítica que nos faz pensar, ela faz”.

A sua imagem mais célebre é indiscutivelmente Whaam! (1963, Tate Modern, Londres), um dos mais antigos exemplos conhecidos de arte pop, adaptado de um painel de banda desenhada desenhada por Irv Novick numa edição de 1962 da DC Comics” All-American Men of War. O quadro retrata um avião de combate a disparar um foguete contra um avião inimigo, com uma explosão vermelho-e-amarelo. O estilo dos desenhos animados é acentuado pelo uso das letras onomatopéias “Whaam!” e a legenda em caixa “I pressed the fire control … and ahead of me rockets blazed through the sky …”. Este díptico é grande em escala, medindo 1,7 x 4,0 m (5 ft 7 in x 13 ft 4 in). Whaam segue os temas baseados em banda desenhada de algumas das suas pinturas anteriores e faz parte de um conjunto de obras com temas quentes criadas entre 1962 e 1964. É uma das suas duas grandes e notáveis pinturas com tema de guerra. Foi adquirida pela Galeria Tate em 1966, depois de ter sido exposta na Galeria Leo Castelli em 1963, e (agora na Tate Modern) tem permanecido na sua colecção desde então. Em 1968, o empresário de Darmstadt Karl Ströher adquiriu várias obras importantes de Lichtenstein, tais como Nurse (1964), Compositions I (1964), We up slowly (1964) e Yellow and Green Brushstrokes (1966). Após ter sido emprestado no Hessiches Landesmuseum Darmstadt durante vários anos, o director fundador do Museum für Moderne Kunst Frankfurt, Peter Iden, conseguiu adquirir um total de 87 obras em 1981, principalmente Arte Pop americana e Arte Mínima para o museu em construção até 1991.

Lichtenstein começou a experimentar a escultura por volta de 1964, demonstrando um dom para a forma que estava em desacordo com a insistente planura das suas pinturas. Para Head of Girl (1964), e Head with Red Shadow (1965), colaborou com um ceramista que esculpiu a forma da cabeça a partir do barro. Lichtenstein aplicou então um esmalte para criar o mesmo tipo de motivos gráficos que utilizou nas suas pinturas; a aplicação de linhas pretas e pontos de Ben-Day a objectos tridimensionais resultou num achatamento da forma.

A maioria das obras mais conhecidas de Lichtenstein são cópias relativamente próximas, mas não exactas, de painéis de banda desenhada, um assunto que ele abandonou em 1965, embora ocasionalmente incorporasse a banda desenhada no seu trabalho de formas diferentes nas últimas décadas. Estes painéis foram originalmente desenhados por artistas de banda desenhada como Jack Kirby e os artistas da DC Comics Russ Heath, Tony Abruzzo, Irv Novick, e Jerry Grandenetti, que raramente receberam qualquer crédito. Jack Cowart, director executivo da Fundação Lichtenstein, contesta a noção de que o Lichtenstein era um copista, dizendo: “O trabalho de Roy foi uma maravilha das fórmulas gráficas e da codificação do sentimento que tinha sido trabalhado por outros. Os painéis foram alterados em escala, cor, tratamento, e nas suas implicações. Não existe uma cópia exacta”, criticaram a utilização de imagens de banda desenhada e de obras de arte por parte de Lichtenstein, especialmente na medida em que essa utilização foi vista como endosso de uma visão paternalista da banda desenhada por parte da corrente artística; o cartoonista Art Spiegelman comentou que “Lichtenstein não fez mais ou menos pela banda desenhada do que Andy Warhol fez pela sopa”.

As obras de Lichtenstein baseadas em painéis alargados de banda desenhada suscitaram um amplo debate sobre os seus méritos como arte. O próprio Lichtenstein admitiu: “Estou nominalmente a copiar, mas estou realmente a reafirmar a coisa copiada noutros termos. Ao fazer isso, o original adquire uma textura totalmente diferente. Não são pinceladas grossas ou finas, são pontos e cores planas e linhas inabaláveis”. Eddie Campbell bloguou que “Lichtenstein tirou uma pequena fotografia, mais pequena que a palma da mão, impressa em tintas de quatro cores em papel de jornal e rebentou-a até ao tamanho convencional em que a ”arte” é feita e exposta e acabou-a em tinta sobre tela”. Em relação a Lichtenstein, Bill Griffith disse uma vez: “Há arte alta e arte baixa. E depois há arte alta que pode pegar na arte baixa, trazê-la para um contexto de arte alta, apropriá-la e elevá-la para outra coisa”.

Embora o trabalho baseado em banda desenhada do Lichtenstein tenha obtido alguma aceitação, as preocupações continuam a ser expressas por críticos que dizem que o Lichtenstein não creditou, não pagou quaisquer direitos a, ou não pediu autorização aos artistas ou detentores dos direitos de autor originais. Numa entrevista para um documentário da BBC Quatro em 2013, Alastair Sooke perguntou ao artista de banda desenhada Dave Gibbons se considerava Lichtenstein um plagiador. Gibbons respondeu: “Eu diria ”imitador”. Na música, por exemplo, não se pode simplesmente assobiar a melodia de outra pessoa ou executar a melodia de outra pessoa, por muito mal que seja, sem de alguma forma creditar e dar pagamento ao artista original. Ou seja, isto é ”WHAAM! de Roy Lichtenstein, depois de Irv Novick””. O próprio Sooke afirma que “Lichtenstein transformou a obra de arte de Novick de várias formas subtis mas cruciais”.

O fundador da revista, professor da City University London e do University College London PhD, Ernesto Priego observa que o facto de Lichtenstein não ter creditado os criadores originais das suas obras cómicas foi uma reflexão sobre a decisão da National Periodical Publications, o antecessor da DC Comics, de omitir qualquer crédito pelos seus escritores e artistas:

Para além de incorporar o preconceito cultural contra os livros de banda desenhada como veículos de arte, exemplos como a apropriação do vocabulário dos livros de banda desenhada por Lichtenstein sublinham a importância de ter em consideração o formato de publicação ao definir os livros de banda desenhada, bem como a economia política implicada por tipos específicos de publicações históricas, neste caso a grande banda desenhada americana. Até que ponto foi a National Periodical Publications (mais tarde DC) responsável pela rejeição dos papéis de Kanigher e Novick como artistas por direito próprio, ao não lhes conceder crédito autoral total sobre a publicação em si”?

Além disso, Campbell observa que houve uma época em que os artistas de banda desenhada recusavam frequentemente a atribuição do seu trabalho.

Num relato publicado em 1998, Novick disse ter-se encontrado com Lichtenstein no exército em 1947 e, como seu oficial superior, tinha respondido às queixas lacrimosas de Lichtenstein sobre as tarefas de homens que lhe tinham sido atribuídas, recomendando-o para um trabalho melhor. Jean-Paul Gabilliet questionou este relato, dizendo que Lichtenstein tinha deixado o exército um ano antes da altura em que Novick diz que o incidente teve lugar. Bart Beaty, observando que Lichtenstein tinha apropriado Novick para obras como Whaam! e Okay Hot-Shot, Ok!, diz que a história de Novick “parece ser uma tentativa de diminuir pessoalmente” o artista mais famoso.

Em 1966, Lichtenstein deixou as suas imagens muito célebres do início da década de 1960, e iniciou a sua série Modern Paintings, incluindo mais de 60 pinturas e desenhos acompanhantes. Usando os seus pontos característicos Ben-Day e as suas formas e linhas geométricas, ele tornou incongruentes e desafiantes imagens de estruturas arquitectónicas familiares, padrões emprestados da Art Déco e outros motivos subtilmente evocativos, frequentemente sequenciais. A série Modern Sculpture de 1967-8 fez referência a motivos da arquitectura Art Déco.

Trabalho posterior

No início da década de 1960, Lichtenstein reproduziu obras-primas de Cézanne, Mondrian e Picasso antes de embarcar na série Brushstrokes em 1965. Lichtenstein continuou a revisitar este tema mais tarde na sua carreira com obras como Bedroom at Arles que derivaram do Bedroom de Vincent van Gogh em Arles.

Em 1970, Lichtenstein foi encomendado pelo Los Angeles County Museum of Art (no âmbito do seu programa de Arte e Tecnologia desenvolvido entre 1967 e 1971) para fazer um filme. Com a ajuda da Universal Film Studios, o artista concebeu e produziu Three Landscapes, um filme de paisagens marinhas, directamente relacionado com uma série de colagens com temas paisagísticos que criou entre 1964 e 1966. Embora Lichtenstein tivesse planeado a produção de 15 curtas-metragens, a instalação de três ecrãs – feita com o cineasta independente Joel Freedman, com sede em Nova Iorque – acabou por ser a única aventura do artista para o meio.

Também em 1970, Lichtenstein comprou uma antiga casa de carruagem em Southampton, Long Island, construiu um estúdio na propriedade, e passou o resto da década de 1970 em relativo isolamento. Nos anos 70 e 80, o seu estilo começou a afrouxar e expandiu o que tinha feito antes. Lichtenstein iniciou uma série de pinturas Mirrors em 1969. Em 1970, enquanto prosseguia na série Mirrors, começou a trabalhar sobre o tema das entablaturas. As Entablaturas consistiram numa primeira série de pinturas de 1971 a 1972, seguida de uma segunda série em 1974-76, e da publicação de uma série de gravuras em relevo em 1976. Produziu uma série de “Estúdios de Artistas” que incorporou elementos do seu trabalho anterior. Um exemplo notável é o “Artist”s Studio, Look Mickey” (1973, Walker Art Center, Minneapolis) que incorpora cinco outras obras anteriores, encaixadas na cena.

Durante uma viagem a Los Angeles em 1978, Lichtenstein ficou fascinado pela colecção do advogado Robert Rifkind de gravuras expressionistas alemãs e livros ilustrados. Ele começou a produzir obras que emprestavam elementos estilísticos encontrados em pinturas expressionistas. The White Tree (1980) evoca as paisagens líricas Der Blaue Reiter, enquanto o Dr. Waldmann (1980) recorda o Dr. Mayer-Hermann de Otto Dix (1926). Pequenos desenhos a lápis de cor foram utilizados como modelos para cortes de madeira, um meio favorecido por Emil Nolde e Max Pechstein, bem como por Dix e Ernst Ludwig Kirchner. Também no final dos anos 70, o estilo de Lichtenstein foi substituído por obras mais surrealistas como Pow Wow (1979, Ludwig Forum für Internationale Kunst, Aachen). Uma grande série de pinturas Surrealist-Pop de 1979 a 1981 é baseada em temas nativos americanos. Estas obras vão desde a figura Amerind (1981), uma escultura estilizada em tamanho real que lembra um poste tótem racionalizado em bronze pintado de preto, até à monumental tapeçaria de lã Amerind Landscape (1979). As obras “índias” tomaram os seus temas, como as outras partes da série Surrealista, da arte contemporânea e de outras fontes, incluindo livros sobre design índio americano da pequena biblioteca de Lichtenstein.

As pinturas, esculturas e desenhos de Lichtenstein, que abrangem desde 1972 até ao início dos anos 80, cobrem uma variedade de motivos e temas, incluindo os mais tradicionais, tais como fruta, flores e vasos. Em 1983 Lichtenstein fez dois cartazes anti-apartheid, simplesmente intitulados “Contra o Apartheid”. Na sua série Reflexão, produzida entre 1988 e 1990, Lichtenstein reutilizou os seus próprios motivos de obras anteriores. Interiores (1991-1992) é uma série de obras que retratam ambientes domésticos banais inspirados por anúncios de mobiliário que o artista encontrou em listas telefónicas ou em painéis publicitários. Tendo-se inspirado nas gravuras monocromáticas de Edgar Degas apresentadas numa exposição de 1994 no Metropolitan Museum of Art em Nova Iorque, os motivos das suas Paisagens na série Chinese Style são formados com pontos de Benday simulados e contornos de blocos, apresentados em cores duras e vivas, com todos os traços da mão removidos. O nu é um elemento recorrente no trabalho de Lichtenstein dos anos 90, como no Collage for Nude with Red Shirt (1995).

Para além de pinturas e esculturas, Lichtenstein também realizou mais de 300 gravuras, a maioria em serigrafia.

Comissões

Em 1969, Lichtenstein foi encarregado por Gunter Sachs de criar Composition e Leda e o Cisne, para a suite do quarto de dormir Pop Art do coleccionador no Palace Hotel em St. No final da década de 1970 e durante a década de 1980, Lichtenstein recebeu grandes encomendas para obras em locais públicos: as esculturas Lamp (as Pinceladas de 26 pés de altura em voo (o Mural de cinco andares de altura com Pincel Azul (e El Cap de Barcelona (1992) em Barcelona). Em 1994, Lichtenstein criou o Mural de 53 pés de comprimento, com esmalte sobre metal, na estação de metro de Times Square. Em 1977, foi encarregado pela BMW de pintar uma versão de corrida do Grupo 5 do BMW 320i para a terceira parcela do Projecto BMW Art Car. O logotipo da DreamWorks Records foi o seu último projecto concluído. “Não estou no negócio de fazer nada disso (um logótipo empresarial) e não pretendo fazê-lo novamente”, permite Lichtenstein. “Mas eu conheço Mo Ostin e David Geffen e pareceu-me interessante”.

Reconhecimento

Lichtenstein recebeu numerosos diplomas de Doutoramento Honorário, entre outros, da Universidade George Washington (1996), Bard College, Royal College of Art (1993), Ohio State University (1987), Southampton College (1980), e do California Institute of the Arts (1977). Também fez parte da direcção da Academia de Música de Brooklyn.

Em 1949, Lichtenstein casou com Isabel Wilson, que anteriormente tinha sido casada com o artista Michael Sarisky, de Ohio. No entanto, os brutais Invernos no Norte do Estado fizeram um preço ao Lichtenstein e à sua esposa, depois de ele ter começado a ensinar na Universidade Estatal de Nova Iorque, em Oswego, em 1958. O casal vendeu a casa da família em Highland Park, Nova Jersey, em 1963 e divorciou-se em 1965.

Lichtenstein casou com a sua segunda esposa, Dorothy Herzka, em 1968. Em 1966, alugaram uma casa em Southampton, Nova Iorque, que Larry Rivers tinha comprado na esquina da sua própria casa. Três anos mais tarde, compraram uma casa de carruagem de 1910 de frente para o oceano em Gin Lane. De 1970 até à sua morte, Lichtenstein dividiu o seu tempo entre Manhattan e Southampton. Ele também tinha uma casa na ilha de Captiva.

Em 1991, Lichtenstein começou um caso com a cantora Erica Wexler que se tornou a musa da sua série Nudes, incluindo o “Nudes with Beach Ball” de 1994. Ela tinha 22 anos e ele 68. O caso durou até 1994 e terminou quando Wexler foi para Inglaterra com o futuro marido Andy Partridge do XTC. De acordo com Wexler, Lichtenstein e a sua esposa Dorothy tinham um entendimento e ambos tinham outros importantes para além do seu casamento.

Lichtenstein morreu de pneumonia a 29 de Setembro de 1997 no Centro Médico da Universidade de Nova Iorque, onde tinha sido hospitalizado durante várias semanas, quatro semanas antes do seu 74º aniversário. Foi sobrevivido pela sua segunda esposa, Dorothy Herzka, e pelos seus filhos, David e Mitchell, a partir do seu primeiro casamento.

A arte pop continua a influenciar o século XXI. Lichtenstein e Andy Warhol foram utilizados na tournée PopMart dos U2 em 1997, 1998 e numa exposição em 2007 na British National Portrait Gallery.

Entre muitas outras obras de arte perdidas nos ataques ao World Trade Center a 11 de Setembro de 2001, uma pintura da série The Entablature Series de Lichtenstein foi destruída no incêndio subsequente.

A sua obra Crying Girl foi uma das obras de arte trazidas à vida na Noite do Museu: A Batalha do Smithsonian.

Em 1964, Lichtenstein tornou-se o primeiro americano a expor na Tate Gallery, Londres, por ocasião da exposição “”54-”64: Pintura e Escultura de uma Década”. Em 1967, teve lugar a sua primeira exposição retrospectiva no Museu de Arte de Pasadena, na Califórnia. No mesmo ano, a sua primeira exposição individual na Europa teve lugar em museus de Amesterdão, Londres, Berna e Hannover. Lichtenstein participou mais tarde no documento IV (1968) e VI em (1977). Lichtenstein teve a sua primeira retrospectiva no Museu Guggenheim em 1969, organizada por Diane Waldman. O Guggenheim apresentou uma segunda retrospectiva do Lichtenstein em 1994. Lichtenstein tornou-se o primeiro artista vivo a ter uma exposição individual de desenho no Museu de Arte Moderna de Março – Junho de 1987. Pesquisas retrospectivas recentes incluem o “All About Art” de 2003, Museu Louisiana de Arte Moderna, na Dinamarca (que viajou para a Hayward Gallery, Londres, Museo Reina Sofia, Madrid, e o Museu de Arte Moderna de São Francisco, até 2005); e “Classic of the New”, Kunsthaus Bregenz (2005), “Roy Lichtenstein”: Meditações sobre Arte” Museo Triennale, Milão (2010, viajou para o Museu Ludwig, Colónia). No final de 2010, a Biblioteca e Museu Morgan mostrou Roy Lichtenstein: Os Desenhos a Preto e Branco, 1961-1968. Outra grande retrospectiva foi inaugurada no Art Institute of Chicago em Maio de 2012 antes de ir para a National Gallery of Art em Washington, Tate Modern em Londres, e o Centre Pompidou em Paris em 2013. 2013:Roy Lichtenstein, Olyvia Fine Art. 2014: Roy Lichtenstein: Intimate Sculptures, The FLAG Art Foundation. Roy Lichtenstein: Opera Prima, Civic Gallery of Modern and Contemporary Arts, Turim. 2018: Exposição em The Tate Liverpool, Merseyside, Reino Unido.

Em 1996, a National Gallery of Art em Washington, D.C. tornou-se o maior repositório individual da obra do artista quando Lichtenstein doou 154 gravuras e 2 livros. O Instituto de Arte de Chicago tem várias obras importantes do Lichtenstein na sua colecção permanente, incluindo Brushstroke with Spatter (1966) e Mirror No. 3 (Six Panels) (1971). As explorações pessoais da viúva de Lichtenstein, Dorothy Lichtenstein, e do número da Fundação Roy Lichtenstein nas centenas. Na Europa, o Museu Ludwig em Colónia tem uma das mais completas explorações de Lichtenstein com Takka Takka (1962), Enfermeira (1964), Composições I (1964), além do Museu de Frankfurt für Moderne Kunst com Nós subimos lentamente (1964) e Pinceladas Amarelas e Verdes (1966). Fora dos Estados Unidos e da Europa, a National Gallery of Australia”s Kenneth Tyler Collection tem extensas explorações de gravuras de Lichtenstein, numerando mais de 300 obras. No total, existem cerca de 4.500 obras que se pensa estarem em circulação.

Após a morte do artista em 1997, foi criada em 1999 a Fundação Roy Lichtenstein. Em 2011, a direcção da fundação decidiu que os benefícios da autenticação eram compensados pelos riscos de processos judiciais prolongados.

No final de 2006, a fundação enviou um cartão de férias com um quadro de corda eléctrica (1961), um quadro que tinha desaparecido desde 1970 depois de ter sido enviado ao restaurador de arte Daniel Goldreyer pela Galeria Leo Castelli. O cartão instava o público a relatar qualquer informação sobre o seu paradeiro. Em 2012, a fundação autenticou a peça quando esta apareceu num armazém da cidade de Nova Iorque.

Entre 2008 e 2012, após a morte do fotógrafo Harry Shunk em 2006, a Fundação Lichtenstein adquiriu a colecção de material fotográfico fotografado por Shunk e pelo seu János Kender, bem como os direitos de autor dos fotógrafos. Em 2013, a fundação doou o troféu Shunk-Kender a cinco instituições – Getty Research Institute em Los Angeles; o Museum of Modern Art em Nova Iorque; a National Gallery of Art em Washington; o Centre Pompidou em Paris; e o Tate em Londres – que permitirá a cada museu o acesso à parte dos outros.

Desde os anos 50, o trabalho de Lichtenstein tem sido exposto em Nova Iorque e noutros locais com Leo Castelli na sua galeria e na Castelli Graphics, bem como com Ileana Sonnabend na sua galeria em Paris, e na Ferus Gallery, Pace Gallery, Gagosian Gallery, Mitchell-Innes & Nash, Mary Boone, Brooke Alexander Gallery, Carlebach, Rosa Esman, Marilyn Pearl, James Goodman, John Heller, Blum Helman, Hirschl & Adler, Phyllis Kind, Getler Pall, Condon Riley, 65 Thompson Street, Holly Solomon, e Sperone Westwater Galleries, entre outras. A Galeria Leo Castelli representou Lichtenstein exclusivamente desde 1962, quando uma exposição individual do artista esgotou antes da sua abertura.

A partir de 1962, a Galeria Leo Castelli, Nova Iorque, realizou exposições regulares do trabalho do artista. A Galeria Gagosian tem vindo a expor trabalhos do Lichtenstein desde 1996.

Big Painting No. 6 (1965) tornou-se a obra de Lichtenstein com o preço mais elevado em 1970. Como toda a série Pinceladas, o tema da pintura é o processo de pintura expressionista abstrata através de pinceladas e gotejamentos, mas o resultado da simplificação de Lichtenstein que utiliza um fundo de pontos de Ben-Day é uma representação da pintura mecânica

A pintura de Lichtenstein Torpedo … Los! (1963) vendido na Christie”s por 5,5 milhões de dólares em 1989, uma soma recorde na altura, o que o tornou um dos três únicos artistas vivos a ter atraído quantias tão avultadas. Em 2005, In the Car foi vendido por 16,2 milhões de dólares (10 milhões de libras esterlinas).

Em 2010, o seu quadro em estilo de desenhos animados de 1964 Ohhh….Muito bem…, anteriormente propriedade de Steve Martin e mais tarde de Steve Wynn, foi vendido a um preço recorde de 42,6 milhões de dólares (£26,7 milhões) numa venda na Christie”s em Nova Iorque.

Baseado num desenho de William Overgard de 1961 para uma história em quadrinhos de Steve Roper, Lichtenstein”s I Can See the Whole Room…e não há ninguém nele! (1961) retrata um homem a olhar através de um buraco numa porta. Foi vendido pelo coleccionador Courtney Sale Ross por $43 milhões, o dobro da sua estimativa, na Christie”s em Nova Iorque em 2011; o marido do vendedor, Steve Ross, tinha-o adquirido em leilão em 1988 por $2,1 milhões. O quadro mede quatro pés por quatro pés e está em grafite e óleo.

A pintura cómica Sleeping Girl (1964) da colecção de Beatrice e Phillip Gersh estabeleceu um novo recorde Lichtenstein de $44,8 milhões na Sotheby”s em 2012.

Em Outubro de 2012, a sua pintura Cabo Eléctrico (1962) foi devolvida à viúva de Leo Castelli Barbara Bertozzi Castelli, depois de ter estado desaparecida durante 42 anos. Castelli tinha enviado o quadro a um restaurador de arte para limpeza em Janeiro de 1970, e nunca mais o recebeu de volta. Ele morreu em 1999. Em 2006, a Fundação Roy Lichtenstein publicou uma imagem do quadro no seu cartão de felicitações de férias e pediu à comunidade artística para ajudar a encontrá-lo. O quadro foi encontrado num armazém de Nova Iorque, depois de ter sido exposto em Bogotá, Colômbia.

Em 2013, a pintura Woman with Flowered Hat estabeleceu outro recorde de 56,1 milhões de dólares ao ser comprada pelo joalheiro britânico Laurence Graff ao investidor americano Ronald O. Perelman.

Isto foi ultrapassado em 2015 pela venda da enfermeira por 95,4 milhões de dólares num leilão da Christie”s.

Em Janeiro de 2017, a obra-prima foi vendida por $165 milhões. O produto desta venda será utilizado para criar um fundo para a reforma da justiça penal.

Bibliografia

Biográfico:

Obras:

Outros:

Fontes

Roy Lichtenstein
Roy Lichtenstein
^ a b c d e f g h i j k l Bell, Clare. “The Roy Lichtenstein Foundation – Chronology”. Archived from the original on June 6, 2013. Retrieved November 12, 2007.
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a b Biografie (Memento vom 6. Juni 2013 im Internet Archive) auf der Seite der Roy Lichtenstein Foundation
Magda Salvesen, Diane Cousineau: Artists’ Estates – Reputations in Trust, Jack Cowart on the Roy Lichtenstein Foundation. Rutgers, 2005, ISBN 0-8135-3604-9, S. 336.
Lawrence Alloway: Roy Lichtenstein. (= Modern Masters Series. 1). Abbeville Press, 1983, ISBN 0-89659-330-4, S. 127.
Tintin Reading est une œuvre créée par Roy Lichtenstein au début des années 1990, à l”origine pour illustrer la couverture de Tintin in the New World. A Romance, un roman de Frederic Tuten (en)[18]. Ce livre comportera également un frontispice du peintre[19]. C”est la seconde fois que Lichtenstein illustre une couverture de cet auteur, après celle de 1971 pour la nouvelle The Adventures of Mao on the Long March[20]. Le peintre utilise la technique caractéristique des points ben-day qu”il affectionne depuis 1961 pour représenter Tintin assis dans une pièce lisant son journal avec son chien Milou proche, le tableau de Matisse, La Danse en décor de fond[21] et un couteau passant derrière le personnage de bande dessinée. L”onomatopée « CRAC » y est dessiné venant de derrière la porte, rappelant le tableau Crak! de 1963. L”affiche Tintin Reading, en Gravure offset, est publiée la première fois à Bruxelles pour une rétrospective Tintin au Palais des beaux-arts de Bruxelles.
1 2 Roy Lichtenstein // Encyclopædia Britannica (англ.)
Roy Lichtenstein // Lambiek Comiclopedia (англ.) — Lambiek, 1999.
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Рихтер, Ханс. Дада — искусство и антиискусство. Вклад дадаистов в искусство XX века. — М.: Гилея, 2014. — С. 275. — 360 с. — ISBN 978-5-87987-090-9.
Alloway, Lawrence. Roy Lichtenstein (неопр.). — 1983. — С. 114.