Salvador Dalí

gigatos | Novembro 10, 2021

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Resumo

Salvador Dalí, nascido em Figueras a 11 de Maio de 1904 e falecido na mesma cidade a 23 de Janeiro de 1989, era um pintor, escultor, gravador, roteirista e escritor catalão de nacionalidade espanhola. Ele é considerado um dos principais representantes do surrealismo e um dos pintores mais famosos do século XX.

Influenciado pelo Impressionismo desde muito cedo, deixou Figueras para receber uma educação artística académica em Madrid, onde fez amizade com Federico García Lorca e Luis Buñuel e procurou o seu estilo entre diferentes movimentos artísticos. A conselho de Joan Miró, mudou-se para Paris após os seus estudos e juntou-se ao grupo surrealista, onde conheceu a sua esposa Gala. Ele encontrou o seu próprio estilo a partir de 1929, quando se tornou um verdadeiro surrealista e inventou o método paranóico-crítico. Excluído do grupo alguns anos depois, viveu a Guerra Civil Espanhola no exílio na Europa, antes de deixar a França devastada pela guerra para Nova Iorque, onde viveu durante oito anos e fez a sua fortuna. No seu regresso à Catalunha em 1949, voltou-se para o catolicismo, aproximou-se da pintura renascentista e inspirou-se nos desenvolvimentos científicos do seu tempo para desenvolver o seu estilo em direcção ao que chamou de “misticismo corpuscular”.

Os seus temas mais frequentes eram sonhos, sexualidade, comida, a sua esposa Gala e religião. A Persistência da Memória é um dos seus quadros surrealistas mais famosos, Cristo de S. João da Cruz é um dos seus principais quadros com um motivo religioso. Artista altamente imaginativo, mostrou uma tendência notável para o narcisismo e a megalomania, o que lhe permitiu atrair a atenção do público, mas irritou alguns no mundo da arte, que viam este comportamento como uma forma de publicidade que por vezes ia para além do seu trabalho. Dois museus foram-lhe dedicados durante a sua vida, o Museu Salvador Dalí e o Teatro-Museu Dalí. O próprio Dalí criou esta última como uma obra surrealista de pleno direito.

A simpatia de Dalí por Francisco Franco, a sua excentricidade e os seus trabalhos tardios tornam a análise do seu trabalho e da sua pessoa difícil e controversa.

Infância

Salvador Domingo Felipe Jacinto Dalí i Domènech nasceu na Rua 20 Monturiol. Esta área, o Empordà, com o porto de Cadaqués, serviu de “pano de fundo, apoio e cortina de palco” para o seu trabalho. O seu pai, Salvador Dalí y Cusi (1872-1952) foi notário. A sua mãe foi Felipa Domènech Ferrés y Born (1874-1921). Ele nasceu nove meses após a morte do seu irmão, também chamado Salvador (1901-1903), que morreu de uma gastroenterite infecciosa. Quando ele tinha cinco anos de idade, os seus pais levaram-no para a campa do seu irmão e disseram-lhe – de acordo com o que ele relatou – que ele era a reencarnação do seu irmão. Diz-se que esta cena lhe deu um desejo de provar a sua singularidade no mundo, um sentimento de ser uma cópia do seu irmão, e um medo do túmulo do seu irmão.

“Nasci um duplo. O meu irmão, a primeira tentativa contra mim, um génio extremo e, portanto, inviável, ainda tinha vivido sete anos antes de os seus circuitos cerebrais acelerados se incendiarem”.

O seu pai é descrito como autoritário ou bastante liberal, dependendo da fonte. Em qualquer caso, aceitou sem demasiada dificuldade que o seu filho enveredasse por uma carreira artística, encorajado pelo renascimento artístico na Catalunha no início do século. A sua mãe compensou um pouco este carácter autoritário, apoiando o interesse artístico do seu filho, tolerando as suas birras, o seu chichi na cama, os seus sonhos e as suas mentiras.

Dalí também tinha uma irmã, Ana Maria, que era quatro anos mais nova do que ele. Em 1949, publicou um livro sobre o seu irmão, Dalí visto pela sua irmã. Durante a sua infância, Dalí tornou-se amigo de futuros jogadores de Barcelona F.C., tais como Emilio Sagi-Barba ou Josep Samitier. Durante as férias, o trio jogou futebol em Cadaqués. Em 1916, descobriu a pintura contemporânea durante uma visita familiar a Cadaqués, onde conheceu a família do pintor impressionista Ramón Pichot, um artista local que viajava regularmente para Paris, a capital da arte da época.

A conselho de Pichot, o seu pai enviou-o para ter aulas de pintura com Juan Núñez na escola municipal de gravura. No ano seguinte, o seu pai organizou uma exposição dos seus desenhos a lápis na casa da família. Aos catorze anos de idade, em 1919, Dalí participou numa exposição colectiva de artistas locais no teatro municipal de Figueras, onde vários dos seus quadros foram notados por dois críticos famosos: Carlos Costa e Puig Pujades. Participou também numa segunda exposição colectiva em Barcelona, patrocinada pela Universidade, onde recebeu o Prémio do Reitor. A influência impressionista é claramente visível nos quadros de Dalí até 1919. A maioria delas foi feita em Cadaqués, inspirada na aldeia e nas suas cenas da vida quotidiana.

No final da Primeira Guerra Mundial, juntou-se a um grupo de anarquistas e fixou o seu objectivo no desenvolvimento da revolução marxista. No ano seguinte, em 1919, quando estava no seu último ano no Instituto Ramón Muntaner, ele e vários dos seus amigos publicaram uma revista mensal, Studium, que apresentava ilustrações, textos poéticos e uma série de artigos sobre pintores como Goya, Velázquez e Leonardo da Vinci. Em 1921, juntamente com amigos, fundou o grupo socialista Renovació Social.

Em Fevereiro de 1921, a sua mãe morreu de cancro do útero. Dalí tinha então 16 anos de idade. Ele disse mais tarde que este foi “o golpe mais duro que já recebi na minha vida”. Eu adorava-a. Não podia conformar-me com a perda de um ser com quem pretendia tornar invisíveis as inevitáveis manchas na minha alma”. Posteriormente, o pai de Dalí voltou a casar com a irmã do falecido, o que Dalí nunca aceitou. Obteve o seu bacharelato em 1922.

Juventude em Madrid

Em 1922 Dalí mudou-se para a famosa residência estudantil em Madrid para iniciar os seus estudos na Academia Real de Belas Artes de San Fernando. Atraiu imediatamente a atenção devido à sua excêntrica personagem de dança. Usava cabelo comprido, com queimaduras laterais, uma gabardine, e meias grossas, ao estilo vitoriano. No entanto, foram as suas pinturas, que Dalí tingia de cubismo, que atraíram a maior atenção dos seus colegas residentes, especialmente aqueles que se tornaram figuras na arte espanhola: Federico García Lorca, Pepín Bello, Pedro Garfias, Eugenio Montes, Luis Buñuel, Rafael Barradas e, mais genericamente, a geração de ”27. Naquele tempo, no entanto, é possível que Dalí não compreendesse completamente os princípios cubistas. De facto, as suas únicas fontes foram artigos publicados na imprensa – L”Esprit Nouveau – e um catálogo que lhe foi dado por Pichot, uma vez que não havia na altura pintores cubistas em Madrid. Embora os seus professores estivessem abertos ao novo, estavam por trás do aluno: adaptaram o impressionismo francês a temas hispânicos, uma abordagem que Dalí tinha ultrapassado no ano anterior.

Dalí dedicou-se, juntamente com Lorca e Buñuel, ao estudo dos textos psicanalíticos de Sigmund Freud. Ele considerou a psicanálise como uma das descobertas mais importantes da sua vida. Injustamente acusado de liderar uma agitação na Catalunha, foi expulso da academia em 1923 e preso de 21 de Maio a 11 de Junho. A razão da sua detenção parece estar ligada à queixa de fraude eleitoral apresentada pelo pai de Dalí, na sequência do golpe de Estado de Primo de Rivera. Dalí regressou à Academia no ano seguinte.

Em 1924, ainda desconhecido, Salvador Dalí ilustrou, pela primeira vez, um livro. Foi uma publicação do poema catalão Les Bruixes de Llers (As Bruxas de Llers) de um dos seus amigos da residência, o poeta Carles Fages de Climent. Dalí cedo se familiarizou com o dadaísmo, uma influência que o marcou para o resto da sua vida. Na residência ele recusou os avanços amorosos do jovem Lorca, que lhe dedicou vários poemas:

“Ele era um homossexual, todos sabem disso, e estava loucamente apaixonado por mim. Ele tentou abordar-me algumas vezes… e eu fiquei muito envergonhado, porque não era homossexual, e não estava disposto a ceder.

– Salvador Dalí; conversas com Alain Bosquet

Os dois artistas tornaram-se amigos. Juntamente com Maruja Mallo e Margarita Manso, também estudantes da Escola de Belas Artes, participaram no episódio fundador do movimento feminista Las Sinsombrero na Puerta del Sol, baptizado após o acto de tirar o chapéu em público, um acto então reservado aos homens na década de 1920 em Madrid. É provável que cada um dos jovens tenha encontrado no outro uma paixão pela descoberta estética que correspondia aos seus próprios desejos. Os pedidos do escritor chegaram a um ponto de viragem na obra de Dalí, que ele viu como um eco da sua pesquisa sobre o inconsciente. Dadas as aflições de Dalí, provavelmente nunca saberemos qual era a sua relação, apesar de os dois artistas se retratarem “amorosamente” um ao outro. Os quadros deste período são marcados pelo onanismo do pintor, que afirmou ter permanecido virgem antes do seu encontro com a Gala. Dalí foi visitado por Federico García Lorca em Novembro de 1925 em Cadaqués, e nesse mesmo ano Dalí realizou a sua primeira exposição individual em Barcelona na Galeria Dalmau, onde apresentou Portrait of the Artist”s Father and Young Girl at the Window.

No final de 1926, a mesma galeria expôs outras obras de Dalí, incluindo The Bread Basket, pintadas durante o ano. Este foi o primeiro quadro do artista a ser exibido fora de Espanha, em 1928, na exposição Carnegie em Pittsburgh. O seu domínio dos meios pictóricos está impecavelmente reflectido neste trabalho realista. As primeiras críticas de Barcelona foram calorosas. Para um deles, se este “filho de Figueras” virou o seu rosto para a França, “é porque o pode fazer, porque os seus dons dados por Deus como pintor devem fermentar. Que importa se Dalí usa o lápis de chumbo de Ingres ou a madeira grossa da obra cubista de Picasso para ventilar as chamas? Dalí foi subsequentemente expulso da Academia em Outubro de 1926, pouco antes dos seus exames finais, por ter declarado que ninguém se encontrava em condições de o examinar.

Paris, casamento com Gala

Em 1927, provavelmente no início do ano, Dalí visitou Paris pela primeira vez, com duas cartas de recomendação a Max Jacob e André Breton. Segundo ele, esta viagem “foi marcada por três visitas importantes: Versalhes, o Museu Grévin e Picasso”, que o jovem Dalí admirava profundamente. Picasso já tinha recebido comentários brilhantes sobre Dalí da parte de Joan Miró.

Pablo Picasso era 23 anos mais velho do que era. Dalí contou que durante este encontro lhe mostrou um dos seus pequenos quadros, A Menina de Figueres, que Picasso contemplou durante um quarto de hora, e depois Picasso fez o mesmo com muitos dos seus, sem uma palavra. Ele acrescentou que quando chegou a altura de sair, “à porta, trocámos um olhar que dizia: ”Entendido? – Entendido”.

Picasso permaneceu uma referência constante para Dalí, admirado e rivalizado. Na sua Análise Daliniana dos Valores Comparativos dos Grandes Pintores, atribuiu-lhe 2020 na categoria de “génio”, a par de Leonardo da Vinci, Velázquez, Raphael e Vermeer, enquanto que a ele atribuiu “apenas” 1920. No final da sua vida, ele permitiu-se ser mais crítico da pintura de Picasso: “Picasso recusa a legitimidade; não se preocupa em corrigir, e as suas pinturas têm cada vez mais pernas, todos os seus arrependimentos apressados saem com o tempo; ele confiou no acaso; o acaso vingança”. Permaneceram em contacto durante toda a sua vida.

Com o tempo, Dalí desenvolveu o seu próprio estilo e, por sua vez, tornou-se um ponto de referência e um factor de influência na pintura destes pintores. Algumas das características da pintura de Dalí deste período tornaram-se os traços distintivos da sua obra. Absorveu as influências de várias correntes artísticas, desde o academicismo e classicismo até à vanguarda. As suas influências clássicas incluíam Raphael, Bronzino, Zurbarán, Vermeer e, claro, Velázquez, cujo bigode torto ele adoptou e que se tornou emblemático. Alternou técnicas tradicionais com métodos contemporâneos, por vezes no mesmo trabalho. As exposições deste período atraíram grande atenção, provocaram debate e dividiram os críticos. A sua irmã mais nova Anna-Maria serviu muitas vezes de modelo durante este período, muitas vezes posando por trás em frente a uma janela. Em 1927, Dalí, aos 23 anos, atingiu a sua maturidade artística, como se pode ver nas suas obras Mel é mais doce que Sangue e Carne de Ganso, o primeiro inspirado pela sua relação com Lorca e o segundo pelo seu primeiro encontro íntimo com a Gala.

Alguns meses mais tarde, Luis Buñuel foi a Figueras onde os dois amigos escreveram o argumento do filme surrealista Un chien andalou antes de Dalí regressar a Paris em 1928, acompanhado por outra catalã, Joan Miró. Para Robert Descharnes e Gilles Néret, o filme lançou Dalí e Buñuel “como um foguetão”. Para o pintor, foi “uma adaga no coração de Paris espiritual, elegante e culta”, acrescentando que o filme foi aplaudido por um “público burro que aplaude tudo o que parece novo e estranho”.

Após a visita de René Magritte e Paul Éluard a Cadaqués no Verão de 1929, e a conselho de Joan Miró, Dalí juntou-se ao surrealismo. No seu regresso a Paris, começou a frequentar o grupo surrealista composto por Hans Arp, André Breton, Max Ernst, Yves Tanguy, René Magritte, Man Ray, Tristan Tzara e Paul Éluard e a sua esposa Helena, conhecida por todos como Gala. Nascida sob o nome de Elena Ivanovna Diakonova, era uma emigrante russa por quem Dalí se apaixonou, e que foi seduzida por este homem dez anos mais novo do que ela. Embora Dalí afirmasse ser completamente impotente e virgem, o seu trabalho reflecte a sua obsessão sexual. Em particular, representava o desejo sob a forma de cabeças de leões.

A Gala foi a sua musa. Ela tomou o lugar da sua família, organizou as suas exposições e vendeu os seus quadros. Em Dezembro, devido ao seu caso com a Gala – uma mulher casada – Salvador Dalí caiu com o seu pai e a sua irmã Anna-Maria. A lenda de uma gravura mal interpretada completa a imagem de um filho em desacordo com a sua família. O crítico de arte Eugenio d”Ors relatou num jornal de Barcelona que Dalí tinha mostrado ao grupo surrealista um cromo representando o Sagrado Coração, no qual estava escrito “por vezes cuspo por prazer no retrato da minha mãe”, provocando a ira do seu pai e forçando Dalí a partir. Ele e a Gala passaram os anos de 1930 a 1932 em Paris. Os primeiros meses foram, no entanto, difíceis, pois os seus quadros vendiam mal e o casal vivia de muito pouco. Mas o pintor fez o seu nome em Paris, onde frequentava tanto os jantares sociais como os círculos surrealistas. Em 1930, incapazes de se estabelecerem em Cadaqués devido à hostilidade do seu pai, Dalí e Gala compraram uma pequena cabana de pescadores a algumas centenas de metros de Cadaqués, à beira-mar, na pequena enseada de Portlligat. Ao longo dos anos, com a ajuda da fortuna, transformou a sua propriedade numa suntuosa villa, agora convertida em museu. A paisagem na pequena enseada tornou-se uma referência pictórica permanente na obra do pintor que disse: “Só estou em casa aqui, em todos os outros lugares por onde passo”. Gala e Dalí casaram-se civilmente em 1934, antes de se casarem religiosamente em 1958.

Em 1931 Dalí pintou uma das suas telas mais famosas, A Persistência da Memória, também conhecida como Os Relógios Suaves, que, segundo algumas teorias, ilustra a sua rejeição do tempo como uma entidade rígida ou determinista. Dalí, “num desejo patético de eternidade, transforma o tempo do relógio, ou seja, o tempo mecânico da civilização, num material macio e dúctil que também pode ser comido à maneira de um camembert a pingar. Esta ideia é desenvolvida por outras figuras do trabalho, tais como a grande paisagem ou certos relógios de bolso que são comidos por insectos. Por outro lado, os insectos fazem parte da imaginação Daliniana como uma entidade destrutiva natural e, como o pintor explica nas suas memórias, fazem lembrar a sua infância.

Dalí e o grupo surrealista

Dalí continuou a expor regularmente e juntou-se oficialmente ao grupo surrealista no distrito parisiense de Montparnasse. Em Outubro e Novembro de 1933, participou no 6º Salon des Surindépendants com membros do grupo.

Durante os dois anos seguintes, o seu trabalho influenciou fortemente o círculo surrealista, que o aclamou como o criador do método paranóico-crítico, que se dizia fornecer acesso ao subconsciente, libertando as energias artísticas criativas. É, segundo o pintor, um “método espontâneo de conhecimento irracional baseado na objectivação crítica e sistemática de associações e interpretações ilusórias”. Breton prestou homenagem a esta descoberta, que acabara de ser dotada de

“É o método crítico paranóico que o surrealismo se mostrou capaz de aplicar à pintura, à poesia, ao cinema, à construção de objectos típicos surrealistas, à moda, à escultura, à história da arte e mesmo, se necessário, a qualquer tipo de exegese.

– André Breton

Nesta altura, Dalí abandonou temporariamente o seu trabalho com imagens de duplo sentido, tais como O Homem Invisível, enquanto as figuras de William Tell, Lenine, paisagens e figuras antropomórficas, Angelus de Millet, Vermeer e Hitler apareciam sistematicamente nas suas pinturas. Uma actividade significativa deste período foi a criação de objectos surrealistas com o escultor Giacometti. Segundo Dalí, eles são dotados de um “mínimo de funcionamento mecânico, baseado nas fantasias e representações susceptíveis de serem provocadas pela realização de actos inconscientes”. Ele permaneceu impermeável aos problemas dos surrealistas com a política, uma “anedota da história”, segundo ele. Ele irritou o grupo estudando sistematicamente Hitler e “a suástica tão velha como o sol chinês”.

Se as diferenças políticas distanciaram gradualmente André Breton e Louis Aragon, as provocadas por Dalí não tinham comparação. Para André Thirion, Dalí “não era marxista e não se importava”, mas entre os devaneios eróticos de Dalí para com raparigas de 12 anos, o que provocou uma reacção mesmo no Comité Central do Partido Comunista, e a sua obsessão com a figura de Hitler durante dois anos, o pintor foi convocado para a casa de Breton em Janeiro de 1934, onde apareceu vestido de doente, com um saltador e um termómetro na boca. Uma vez terminada a acusação de Breton, ele leu o seu apelo em striptease, afirmando em linguagem floreada que estava meramente a transcrever os seus – particulares – sonhos e que, como resultado dos seus sonhos, ele e Breton seriam em breve objecto de uma actuação homossexual. Foi expulso após esta reunião. No entanto, Dalí continuou a trabalhar com o grupo, que precisava dele, especialmente como agente publicitário, em Londres em 1936 num fato de mergulho, e em Paris em Fevereiro de 1938, onde mostrou o seu pluvieux de táxi, em que dois manequins de janela receberam a chuva entre saladas e caracóis da Borgonha.

No final de 1933, o seu negociante de arte Julien Levy expôs 25 obras de Dalí em Nova Iorque. Dalí estava a morrer para ver os Estados Unidos. As obras de Picasso já estavam aí expostas, ao contrário do que acontece nos museus franceses. Ele foi facilmente persuadido por Caresse Crosby, uma mulher americana rica, a fazer a viagem. Dalí e Gala foram a Nova Iorque pela primeira vez em 1934; Picasso adiantou o dinheiro para os seus bilhetes. Os americanos foram cativados pela excentricidade do carácter e pela audácia de um surrealismo com o qual quase não estavam familiarizados. Para o grande desespero de Breton, Dalí foi considerado o único autêntico Surrealista, um facto que o pintor, triunfante e bêbedo com megalomania, rapidamente confirmou a 14 de Novembro em Nova Iorque: “Os críticos já estão a distinguir entre o Surrealismo antes ou depois de Dalí. A exposição na Galeria Julien Levy foi um grande sucesso e Dalí compreendeu que o seu sucesso residia nos Estados Unidos. A sua pintura estava a começar a ser apreciada. Eduardo James – afilhado do Rei Eduardo VII – tornou-se seu patrono e comprou toda a sua obra de 1935 a 1936. Metamorfose de Narciso e Canibalismo do Outono estão entre as pinturas mais famosas deste período.

Guerra Civil Espanhola

De volta à Catalunha, Dalí e Gala deixaram Portlligat em 1936 para escapar à Guerra Civil Espanhola e viajaram pela Europa. Viveram durante algum tempo na Itália fascista, onde se inspirou em obras romanas e florentinas da Renascença, em particular para criar imagens duplas como a Espanha. As suas pinturas Construção Suave com Feijão Cozido (também conhecida como Premonição da Guerra Civil) e A Girafa em Chamas foram as mais representativas deste período, que viu a invenção destes monstros. Estes reflectem a sua visão de guerra, mas não a sua atitude política. Representou a guerra civil como um fenómeno histórico natural, uma catástrofe natural, e não um acontecimento político, como Picasso tinha feito com Guernica. Foi em Londres que tomou conhecimento do assassinato do seu amigo Federico García Lorca a 19 de Agosto de 1936 em Granada por um franquista, causando-lhe uma depressão profunda.

Durante a sua segunda viagem aos Estados Unidos, a imprensa e o público deram ao “Sr. Surrealismo” um acolhimento triunfante. O retrato de Dalí pelo fotógrafo Man Ray fez a primeira página da revista Time em Dezembro de 1936. Em Fevereiro de 1937, Dalí conheceu os Irmãos Marx em Hollywood e pintou um retrato de Harpo Marx, completo com colheres, harpas e arame farpado. O filme que eles planearam fazer nunca viu a luz do dia. Em 1938, por intermédio de Edward James e do seu amigo Stefan Zweig, Dalí conheceu Sigmund Freud em Londres, que há muito admirava e cujo trabalho tinha inspirado a sua própria pesquisa pictórica sobre os sonhos e o inconsciente.

De acordo com o relato de Conroy Maddox, o idoso Freud contou a Zweig, nesta ocasião, sobre Dalí:

“Nunca vi um espécime tão perfeito de espanhol; que fanático!

– Conroy Maddox.

Em 1939, Dalí publicou uma Declaração da Independência da Imaginação e dos Direitos do Homem à sua Própria Loucura. As suas peregrinações europeias levaram-no ao exílio durante cinco meses, a partir de Setembro de 1938, na villa de Coco Chanel, La Pausa, onde preparou a exposição de Nova Iorque na galeria Julien Levy. Nesta ocasião, em 1939, ele destruiu uma obra que tinha criado e que tinha sido modificada sem o seu consentimento numa loja na Quinta Avenida.

Nova Iorque

Quando a França entrou na guerra em 1939, Dalí e Gala estavam em Paris, que partiram para Arcachon. Pouco antes da invasão alemã, eles foram para Espanha e depois para Portugal. Dalí, que tinha feito um desvio para Figueras para ver a sua família, juntou-se à Gala em Lisboa de onde embarcaram para Nova Iorque. Viveram aí durante oito anos, onde muitos intelectuais franceses no exílio também vivem. Dalí integrou-se perfeitamente na alta sociedade de Nova Iorque, pintou numerosos retratos de americanos ricos – Helena Rubinstein – participou activamente na vida teatral com grandes murais, fez as suas primeiras jóias, e interessou-se pelo cinema, em particular os Irmãos Marx, Walt Disney e Alfred Hitchcock. Após este movimento, procurou também a fé católica e aproximar a sua pintura do classicismo, o que não fez até 1945.

Em 1941, Dalí enviou a Jean Gabin um guião de filme, Moontide (O Barco do Amor). No final desse ano, a primeira exposição retrospectiva Dalí teve lugar no Museu de Arte Moderna, e estas sessenta obras – 43 óleos e 17 desenhos – viajaram pelos Estados Unidos durante os dois anos seguintes. As oito maiores cidades acolheram a exposição, assegurando a notoriedade do pintor, e em breve as propostas comerciais multiplicaram-se, permitindo-lhe acumular uma sólida fortuna, o que inspirou Breton a utilizar o anagrama feroz “Salvador Dalí – Avida Dollars”. Robert e Nicolas Descharnes explicam que “durante este período, Dalí nunca deixou de escrever”.

Em 1942 publicou a sua autobiografia, The Secret Life of Salvador Dalí. Escreveu regularmente para os catálogos das suas exposições, tais como o organizado pela Galeria Knoedler em 1943. Nele afirmou que “o surrealismo terá servido pelo menos para dar provas experimentais da total esterilidade das tentativas de automatização, tendo ido longe demais e gerado um sistema totalitário. A preguiça contemporânea e a falta de técnica atingiram o seu paroxismo no significado psicológico da actual utilização da instituição académica. Também escreveu um romance, publicado em 1944, sobre um desfile de moda para automóveis, que inspirou uma caricatura de Erdwin Cox para o The Miami Herald, em que Dalí veste um automóvel como disfarce de festa. Durante estes anos, Dalí produziu ilustrações para edições em língua inglesa de clássicos como Don Quixote, a autobiografia de Benvenuto Cellini e os Ensaios de Michel de Montaigne. Também concebeu os cenários do filme Spellbound de Alfred Hitchcock e, juntamente com Walt Disney, empreendeu a produção do desenho animado inacabado Destin, que foi editado em 2003, muito depois da morte dos seus autores.

Este foi um dos períodos mais prolíficos da sua vida, mas que é contestado por alguns críticos, que acreditam que Dalí estava a esbater a linha entre arte e bens de consumo, abandonando a pintura para se dedicar ao design e aos artigos comerciais. As pinturas deste período foram inspiradas por memórias da Catalunha nas suas cores e espaços, em que o pintor representava temas da América. A este respeito, a Poesia de Pintura da América foi visionária. Reúne numa só obra a segregação negra, a paixão americana pelo rugby, e a irrupção de uma marca numa obra de arte: Coca-Cola. No final da Segunda Guerra Mundial, ele não regressou imediatamente à Europa. Em 1945, chegou à sua vez do classicismo, sem se afastar do resto do mundo. Os bombardeamentos atómicos de Hiroshima e Nagasaki inspiraram-no a criar Idyll Atómico e Uraniano e Três Esfinges em biquíni. O abandono do “Dalí da psicanálise” pelo “Dalí da física nuclear” não lhe permitiu dar um passo imediato em direcção ao catolicismo. A pintura deste período tomou emprestada dos clássicos as relações geométricas – a razão de ouro ou proporção divina. Este foi particularmente o caso da Leda Atómica.

Regresso à Catalunha

A partir de 1949, os Dalis voltaram a viver na Catalunha sob a ditadura de Franco e passaram os seus Invernos em Paris, numa suite no Hotel Meurice. Aumentou dez vezes o seu virtuosismo técnico, intensificou o seu interesse pelos efeitos ópticos e, acima de tudo, fez o seu regresso à fé católica. Foi recebido em audiência privada a 23 de Novembro de 1949 pelo Papa Pio XII. As suas pesquisas sobre as proporções clássicas levaram-no a “sublimar todas as experiências revolucionárias da adolescência na grande tradição mística e realista da Espanha”. Esta conversão tomou a forma de dois quadros, A Virgem de Port Lligat (1949) e Cristo de São João da Cruz (1951), que foram completados com ilustrações para A Divina Comédia (1952, aguarelas). Nessa altura já tinha publicado a sua mística Manifeste, na qual explicava os meandros do seu misticismo nuclear, e assinou as suas primeiras telas corpuscular, das quais o quadro Galatea com Esferas é um representante. Ele ligou o catolicismo e a física das partículas explicando as Elevações – da Virgem, de Jesus – pela “força angélica”, da qual protões e neutrões seriam vectores, elementos angélicos. Ele ligou o corno de rinoceronte à castidade, à Virgem Maria, num raciocínio que combinava a geometria “divina” da espiral logarítmica, o corno do animal, e a construção corpuscular “do mais violento rigor” da tela do mestre holandês. Ele pintou muitos temas compostos por este apêndice.

A 17 de Dezembro de 1955, expôs estas ideias na Sorbonne na sua palestra “Aspectos Fenomenológicos do Método Paranóico-Crítico”. Conduziu até à universidade num Rolls-Royce amarelo e preto, cheio de couve-flor, que distribuiu como autógrafos. Na sua apresentação, contrastou a França e Espanha, sendo o primeiro o país mais racional do mundo e o segundo o mais irracional, e demonstrou a singularidade dos quartos traseiros do pachiderm com um girassol, estando o conjunto ligado ao famoso Dentellière e aos corpúsculos da física atómica.

Em 1959, André Breton organizou uma exposição intitulada “Homenagem ao Surrealismo” para celebrar o quadragésimo aniversário deste movimento. A exposição incluiu obras de Dalí, Joan Miró, Enrique Tábara e Eugenio Granell. Breton opôs-se fortemente à inclusão da Madonna Sistina de Dalí na Exposição Surrealista Internacional em Nova Iorque no ano seguinte. Segundo Robert Descharnes, o comportamento de Dalí nesta altura foi uma reacção à sua fama para proteger a sua criatividade. Se Picasso, pelas mesmas razões, se tivesse refugiado no castelo de Vauvenargues, Dalí, incapaz de ficar calado, comentou os fenómenos, descobertas e acontecimentos do seu tempo, e a mistura resultante nem sempre estava no melhor gosto. Confundindo os críticos, deixou aos principais meios de comunicação social a análise dos seus bigodes e a concentração em alguns dos seus quadros, como o Cristo de São João da Cruz. Esta atitude fez o especialista em surrealismo da Sotheby, Andrew Strauss, dizer:

“Dalí trabalhou para construir a sua popularidade a uma escala global. Ele precedeu Andy Warhol nesta estratégia do culto do artista estrela”.

Dalí estava interessado nas novas descobertas científicas do seu tempo. Ficou fascinado pelo ADN e pelo tesseract, um hipercubo tetradimensional. A sua pintura Corpus hypercubus (1954) retrata Jesus Cristo crucificado no padrão de uma tal hiperfigura, na qual procurou criar uma síntese da iconografia cristã e imagens de desintegrações inspiradas pela física nuclear. Um artista experiente, Dalí não se limitou à pintura. Permaneceu muito atento a todos os desenvolvimentos na pintura pós-surrealista, incluindo as formas que lhe foram totalmente alheias. Experimentou muitos meios e processos novos ou inovadores, tais como a pintura de projecção ou a holografia, uma técnica que ele foi pioneiro. Muitas das suas obras incorporavam ilusões de óptica, trocadilhos visuais e trompe-l”oeil. Também experimentou o pontilhismo, o halftoning (uma rede de pontos semelhantes aos utilizados na impressão) e imagens estereoscópicas. Foi um dos primeiros a utilizar a holografia na arte. Jovens artistas, tais como Andy Warhol, proclamaram que Dalí tinha uma influência importante na Arte Pop. Descoberto na estação ferroviária de Perpignan, a estereoscopia fascinou Dalí, que no final da sua carreira produziu imagens em dois quadros (olhos direito e esquerdo) que eram difíceis de reproduzir. Muitos destes estão expostos no Museu Dalí em Figueras (Atenas está a arder!).

Dalí tinha um chão de vidro numa sala perto do seu estúdio. Fez muito uso dela para estudar a previsão, tanto de baixo como de cima, para incorporar figuras e objectos muito expressivos nas suas pinturas. Também gostava de o utilizar para entreter os seus amigos e convidados.

Os rendimentos dos Dalí e da Gala permitiram-lhes levar uma vida de luxo. Já em 1960, contrataram o gerente John Peter Moore. O seu sucessor, Enrique Sabater, explicou que “Dalí ganhou mais do que o Presidente dos Estados Unidos”. Nesta altura, Salvador Dalí e Gala começaram a separar-se. Em Paris, Dalí conheceu Amanda Lear, que foi então apresentada como transexual. Amanda Lear teve lições de pintura de Dalí. Um artigo de Julián Ruiz (es) no El Mundo é ilustrado por uma foto de 1963 dos dois protagonistas. Ela serviu principalmente como seu modelo e tornou-se a sua musa (por exemplo com Hypnos (1965) e Bateau Anthotropic), com quem manteve uma relação que durou quinze anos, como relatou no seu livro sobre o pintor. A partir de 1965, o modelo acompanhou oficialmente Dalí nos seus passeios. Salvador Dalí também a ajudou a mudar-se para o quarto 9 do Hotel La Louisiane, na rue de Seine. Em 1969, a Gala Dalí adquiriu o antigo castelo em Púbol, perto de Figueras, que recuperou e que alberga a Fundação Gala-Salvador Dalí.

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Trabalhos históricos e estereoscópicos

As pinturas em pequena escala dos anos anteriores deram lugar, a partir de 1958, a obras monumentais sobre temas históricos, tais como A Batalha de Tetouan (1962, 308 × 406 cm). A pintura representa a conquista espanhola de Tetouan em Marrocos em 1860. Dalí pintava todos os anos uma pintura de grande formato, como The Discovery of the Americas de Cristóvão Colombo (1959). As últimas obras-primas deste período foram Perpignan Station (1965), The Hallucinogenic Torero (1968-1970) e Tuna Fishing (1966-1967). De 1966 a 1973, Dalí trabalhou numa comissão para uma edição de luxo de Alice no País das Maravilhas.

Ele estava interessado em melhorar a representação da terceira dimensão para além da perspectiva clássica. Segundo o pintor, o momento mais tranquilizador da história da pintura teve lugar a 17 de Novembro de 1964, quando descobriu, no centro da estação ferroviária de Perpignan, a possibilidade de pintar a “verdadeira” terceira dimensão em óleo utilizando a estereoscopia. A descoberta da holografia permitiu-lhe abordar a quarta dimensão (tempo), técnica que utilizou a partir dos anos 70, a fim de obter a “imortalidade das imagens gravadas holograficamente graças à luz do laser temporário”. Em 1969 pintou os seus primeiros tectos e, a partir do ano seguinte, concentrou-se em imagens estereoscópicas. As suas pinturas holográficas mais conhecidas datam de 1972. Os primeiros hologramas foram expostos na Galeria Knoedler em Nova Iorque, em Abril de 1972.

Teatro-museu

Em 1960 Dalí começou a trabalhar no seu teatro-museu na sua cidade de Figueras. Este foi o seu maior projecto. Dedicou-lhe a maior parte da sua energia até 1974. Continuou a desenvolvê-lo até meados da década de 1980. Com o acordo do presidente da câmara, Ramon Guardiola, escolheu as ruínas do teatro Figueras, queimadas durante a Guerra Civil Espanhola, onde tinha realizado a sua primeira exposição em 1914. Os fundos para a renovação foram adiantados pelo Estado espanhol em 1970. A cúpula de vidro em forma de bizantino foi concebida pelo arquitecto Emilio Pérez Piñero a pedido de Dalí, que sonhou com uma cúpula de vidro ao estilo do arquitecto americano Buckminster Fuller. O próprio Dalí projectou uma grande parte do museu, desde os monumentais ovos nas paredes até à altura dos sanitários. O arquitecto Joaquim Ros de Ramis trabalhou na renovação, sempre de acordo com as directivas do mestre. A construção começou em 13 de Outubro de 1970 e um ano mais tarde o pintor começou a trabalhar nas pinturas do tecto do teatro-museu. Em 1971, foi-lhe atribuída a Medalha de Mérito de Ouro para as Belas Artes pelo Ministério da Educação, Cultura e Desporto. Inaugurou também a primeira e maior galeria de arte em Espanha na altura, a Sala Gaudí Barcelona, juntamente com outras celebridades tais como Gabriel García Márquez.

Últimos anos

Em 1979, o Centro Georges Pompidou realizou uma grande retrospectiva da obra de Dalí, exibindo 169 pinturas e 219 desenhos, gravuras e objectos do artista. Uma das características especiais da exposição foi na cave. Um Citroën foi suspenso do tecto com uma botifarra (salsicha catalã), uma colher de 32 metros de comprimento e água a correr pelo radiador do carro.

No ano seguinte, a saúde de Dalí deteriorou-se consideravelmente. Aos 76 anos de idade, Dalí mostrou sintomas da doença de Parkinson e perdeu definitivamente as suas capacidades artísticas. Em 1982 recebeu o título de Marqués de Dalí de Púbol (Marquês de Dalí de Púbol) do Rei de Espanha, Juan Carlos. Dalí fez o seu último desenho para o Rei, intitulado Chefe da Europa.

A Gala morreu a 10 de Junho de 1982, com 87 anos de idade. Dalí mudou-se de Figueras para o Castelo de Púbol, onde em 1984 deflagrou um incêndio no seu quarto, cuja causa nunca foi esclarecida. Dalí foi salvo e regressou para viver em Figueras, no seu teatro-museu. Em Novembro de 1988, Dalí foi hospitalizado após sofrer um ataque cardíaco. Recebeu uma visita final do Rei de Espanha a 5 de Dezembro de 1988. O pintor faleceu a 23 de Janeiro de 1989 em Figueras, aos 84 anos de idade. Foi enterrado na cripta do seu teatro-museu.

O seu carácter turbulento fez-nos por vezes esquecer o compromisso artístico do pintor. Dalí era, no entanto, um pintor meticuloso e implacável, concebendo as suas telas durante um longo período de tempo e criando-as com o cuidado de querer estar próximo dos seus mestres clássicos, Raphael ou Vermeer. Michel Déon considera que “Dalí está consciente da sua genialidade ao ponto de vertigens. É, ao que parece, uma sensação íntima muito reconfortante”. As primeiras pinturas preservadas mostram um verdadeiro talento precoce, a partir dos 6 anos de idade. Os seus primeiros retratos da sua família em Cadaqués já tinham uma força pictórica espantosa, nomeadamente impressionista. Brincando com o material, misturou cascalho com tinta durante algum tempo (Vieillard crépusculaire, 1918).

Lamentou a falta de formação teórica na Academia de Belas Artes de Madrid. No final destes anos de Madrid, começou um período de diversas influências. O jovem Dalí mergulhou em várias técnicas, desde o pontilhismo (Mannequin barcelonais, 1927) e Picasso (Vénus e um marinheiro, 1925).

Trabalho pictórico

Aos dez anos de idade, Dalí disse que não queria um professor de desenho porque era pintor impressionista. Embora esta afirmação peremptória tenha provocado risos, o pintor foi de facto influenciado pelos impressionistas em tenra idade através da proximidade da família Pichot e, em particular, de Ramón Pichot. Este último foi um dos primeiros impressionistas catalães a fazer parte da comitiva de Picasso em 1900 e o seu estilo fazia lembrar Toulouse-Lautrec. Dalí admirava Renoir e Meissonier (“um verdadeiro rouxinol do pincel”), cuja falta de génio ridicularizava mas cuja técnica incrivelmente meticulosa o impressionava. A estas influências foi acrescentado, por volta de 1918, um interesse pelos pintores “pomposos”, como Marià Fortuny, de quem extraiu inspiração para A Batalha de Tetouan (1962). Picasso era uma espécie de irmão mais velho que o recebeu quando chegou a Paris. Dalí procurou durante toda a sua vida confrontá-lo, o único artista contemporâneo a quem reconheceu um génio pelo menos igual ao seu.

Mais do que qualquer outro, o Renascimento italiano foi para Dalí uma referência permanente e indispensável. Embora se considerasse o melhor desenhador do seu tempo, reconheceu que os seus desenhos “não valiam quase nada” em comparação com os grandes mestres da Renascença. Um admirador de Leonardo da Vinci – em quem encontrou as raízes do seu método paranóico – há muito que tinha uma grande estima por Rafael, afirmando que ele era o único contemporâneo capaz de o compreender. No final da sua vida, as figuras de Miguel Ângelo tornaram-se uma parte importante da sua produção pictórica. Também teve uma admiração vitalícia por Diego Velázquez, e Vermeer foi outro farol, cuja técnica procurou imitar durante muito tempo – por vezes com sucesso.

Dalí reivindicou uma técnica muito clássica, mesmo hiper-realista em certos períodos, e ao longo da sua carreira procurou mostrar mais e mais virtuosismo real, permanecendo fiel à pintura a óleo para quase toda a sua obra pintada. O trabalho é quase sempre muito meticuloso, dando-lhe o aspecto tranquilizador do academismo, com desenhos preparatórios muito cuidadosos e execução meticulosa, muitas vezes com uma lupa. Alguns dos pequenos trabalhos mostram um verdadeiro talento para o miniaturismo (Primeiro Retrato de Gala, Retrato de Gala com duas costeletas de borrego equilibradas no ombro). Ele disse que o ultra-académico era, na sua opinião, uma formação que todo o pintor deveria ter, “só a partir deste virtuosismo é que algo mais, isto é, a arte, é possível”. Ele odiava Cézanne, que era, segundo ele, “o pior pintor francês”. Opõe-se aos pintores modernos como um todo; racionalização, cepticismo e abstracção. Matisse foi “um dos últimos pintores modernos”, que representou as últimas consequências da Revolução e o triunfo da burguesia. Em contraste com a sua conversão ao catolicismo, ele afirmou que os jovens pintores modernos não acreditavam em nada, e que era, portanto, um “modernista”,

“É bastante normal que quando não se acredita em nada, acaba-se por pintar quase nada, o que é o caso de toda a pintura moderna.

– Salvador Dalí

Antes do seu encontro com o surrealismo, enquanto ainda em Cadaqués, Dalí começou a produzir com “facilidade diabólica em todas as técnicas”, “fotografias trompe-l”oeil”, como ele as chamou, antecipando os hiperrealistas americanos em mais de 25 anos. No final da década de 1920, ele representava os seus sonhos. A sua primeira imagem dupla foi O Homem Invisível (1929) e manteve esta abordagem durante a maior parte da sua carreira.

A noção de “duplo” era central para Dalí, tanto na sua pintura como na sua vida. Teve origem na morte do seu irmão mais velho Salvador, continuou com Veermer e a espiral logarítmica, continuou com o seu alter ego Gala, e tornou-se uma oposição entre Dentelière e Rinoceronte, numa personagem que era simultaneamente agnóstica e católica romana. Aperfeiçoou e diversificou a sua técnica de imagens dentro de imagens e imagens baseadas em molduras e redes de pontos (The Sistine Madonna).

As suas pesquisas sobre a terceira e quarta dimensões levaram-no a trabalhar sucessivamente em estereografia e holografia. Em 1973, declarou que estava a fazer “fotografias coloridas à mão de imagens superfinas extra-pictoriais de irracionalidade concreta”. Até ao fim, jogou com o olhar do espectador, particularmente nas suas últimas obras, Cinquenta imagens abstractas que, vistas a dois metros de distância, se transformam em três Lenins vestidos de chinês e a seis metros de distância na cabeça de um tigre real de Bengala, The Hallucinogenic Torero ou Gala Nua Olhando para o Mar, que, a uma distância de dezoito metros, revela o Presidente Lincoln.

Desde então, o seu trabalho estava cheio de alusões pessoais, muitas vezes enigmáticas e oníricas, que ele reutilizou a seu gosto, tais como a figura assombrosa do Grande Masturbador, que ele usou muitas vezes em 1929 (Retrato de Paul Éluard e O Grande Masturbador). Reconheceu que a pintura de Miró era “feita do mesmo sangue” que a sua e foi influenciada por René Magritte, mas rapidamente adquiriu o seu próprio estilo com as suas pinturas Honey is Sweeter than Blood (1927) e Cenicitas (1928) e depois com a invenção do método paranóico-crítico.

Patrice Schmitt, falando de um encontro entre Dalí e Lacan, observou que “a paranóia segundo Dalí é a antítese da alucinação no seu carácter activo. É simultaneamente metódico e crítico. Tem um significado preciso e uma dimensão fenomenológica e opõe-se ao automático, do qual o exemplo mais conhecido é o cadáver requintado. Fazendo um paralelo com as teorias de Lacan, ele conclui que o fenómeno paranóico é de um tipo pseudo-halucinógeno. Agora, as técnicas de imagens duplas em que Dalí trabalhava desde Cadaqués, O Homem Invisível (uma conjunção que fez Robert Descharnes e Gilles Néret dizerem que Dalí era “o único verdadeiro pintor que era totalmente surrealista, da mesma forma que podemos dizer que Monet é o único verdadeiro pintor que é totalmente impressionista, desde o início da sua obra até às Ninféas no final”.

As explosões da bomba atómica em Hiroshima e Nagasaki abalaram ”sismicamente” o pintor e deram-lhe uma nova fonte de inspiração: a física nuclear. Declarou-se um “ex-surrealista”, embora, segundo Robert Decharnes e Gilles Néret, tenha permanecido um mais do que nunca. A teoria atómica assume uma descontinuidade fundamental da matéria: a física nuclear diz, simplificando as coisas, que partículas elementares separadas por um vácuo permanecem em equilíbrio, enquanto formam um todo coerente a uma escala macroscópica. Ao encontrar em Heisenberg o seu novo pai, e com uma lógica sempre irrefutável, afirmou que o que os físicos produzem, os pintores, que já são especialistas em anjos, podem pintar. Durante este período, os corpos e objectos representados por Dalí encontravam-se num estado de levitação, uma nova abordagem que estava ligada “tanto à razão de ouro como às especulações da física moderna”. Reflectiam a evolução espiritual do pintor, numa preocupação constante por uma dupla filiação, agnóstica e católica romana.

Em 1946, regressou à pintura renascentista para se inspirar, o que permitiu ao pintor alcançar uma síntese de três abordagens improváveis: corpuscular, católica romana e renascentista.

Temas pictóricos

A enseada de Portlligat, mas também o porto de pesca ou a frente da casa do pintor, aparecem em muitos dos seus quadros desde a época em que o casal se mudou para lá em 1930. A área à volta de Cap de Creus era para Dalí “a paisagem mais concreta do mundo”. As rochas de arestas afiadas e de forma estranha são bem conhecidas dos caminhantes em Cadaqués. Dalí usava-os frequentemente nas suas pinturas (Nariz de Napoleão transformado numa mulher grávida a caminhar à sombra entre as ruínas originais, 1945). A imagem composta e de aspecto enigmático do Grande Masturbador apareceu em 1929, no Retrato de Paul Éluard. É composto por vários elementos, por vezes variáveis: pálpebras, pestanas, todos descansando sobre um nariz de perfil. Um gafanhoto é frequentemente representado de cabeça para baixo, perto do local da boca. Este elemento esteve muito presente entre 1929 e 1931 (La Persistance de la mémoire, 1931). Para além do simbolismo do próprio autor, a aparência geral é a das rochas com as quais Dalí estava familiarizado.

Vários animais assumem para ele um carácter mórbido. É o caso, por exemplo, das formigas, que estão muito presentes desde Portrait of Paul Éluard (1929). Segundo ele, estão relacionados com uma cena de infância em que, depois de acolher um morcego ferido, o jovem Salvador encontrou o animal a morrer na manhã seguinte: “O morcego, coberto de formigas frenéticas, geme, a sua boca aberta, revelando os dentes de uma pequena senhora idosa. O burro podre também faz parte destas representações. Esteve presente no filme Un chien andalou (1929), e em vários quadros do mesmo período – Honey is Sweeter than Blood (1927), Cenicitas (1928), The Rotten Donkey (1928) – assim como em vários cadáveres de animais em decomposição. Segundo o pintor, estas imagens recordaram-lhe a cena traumática do cadáver do seu ouriço domado, invadido por um exército de minhocas: “As suas costas espinhosas estavam a agitar-se sobre um inédito enxame de minhocas frenéticas”.

Os gafanhotos também se referem a cenas da sua infância e ao seu terror de gafanhotos, que os seus colegas de turma por vezes lhe enviavam na aula. Os gafanhotos estavam muito presentes nas suas obras das décadas de 1920 e 1930, e estavam frequentemente associados ao Grande Masturbador.

O rinoceronte – e especialmente a sua trompa – era, por outro lado, um instrumento divino em relação ao seu misticismo nuclear, bem como um apêndice fálico óbvio (Jovem Virgem auto-sodomizada pelos chifres da sua própria castidade). Dalí utilizou-o já em 1951 (Tête raphaélesque éclatée) e, sobretudo, por volta de 1955 (Étude paranoïacritique de La Dentellière de Vermeer). Explicou que “O Lacemaker atinge um máximo de dinamismo biológico graças às curvas logarítmicas dos chifres de rinoceronte”.

Por outro lado, diz-se que as moscas estão associadas a um sentimento positivo. Dalí disse que adorava estes insectos e que em Portlligat costumava deixá-los cobrir o seu corpo. Considerava-as “as fadas do Mediterrâneo”. Michel Déon diz-nos que se deleitava em ler L”Éloge de la mouche, de Lucien de Samosate.

Tal como o seu pai, que se escondia para os comer, Dalí adorava comer os ouriços do mar que lhe eram trazidos do mar vizinho. Utilizou-os nos seus quadros (The Madonna of Port Lligat 1950), na fotografia, e mesmo como artista, espetando-lhes uma palhinha na boca, cujos movimentos desenhavam formas num ecrã. Este foi provavelmente o primeiro uso de um equinodermes como artista pictórico.

Em 1954 assinou seis cerâmicas “A Estrela Vermelha do Mar” inspiradas por Maurice Duchin, ministro espanhol.

A comida, e o acto de comer, têm um lugar central no trabalho e pensamento de Dalí, para quem “a beleza será comestível ou não será, o pão estava muito presente desde 1926 (O Cesto do Pão). O muito clássico Bread Basket, Rather Death Than Filth (1945) foi exibido num local de honra por Dalí no museu Figueras, expressando a importância desta pintura. Foi com uma baguete de 2 metros de comprimento que chegou aos Estados Unidos pela primeira vez, e com uma baguete de 12 metros de comprimento transportada por vários padeiros que se apresentou numa conferência de Paris em 1959. O seu simbolismo parecia muito importante para Dalí: “O pão tem sido um dos primeiros temas fetiches e obsessões do meu trabalho, o primeiro, aquele a que tenho permanecido mais fiel”.

O ovo frito sem o prato repete-se regularmente no seu trabalho. Teria recordado ao pintor os fosfenos que aparecem quando os globos oculares são espremidos e que ele associa a uma memória intra-uterina. Talvez a criação pictórica mais conhecida de Dalí sejam os Montres Molles. Fluem como um camembert: “Os relógios macios são como o queijo, e especialmente como o camembert quando está completamente maduro, ou seja, quando tem a tendência de começar a pingar. O que é que o queijo tem a ver com o misticismo? As costas e nádegas das mulheres estavam presentes no seu trabalho muito cedo, especialmente nos retratos da sua irmã Anna-Maria em Cadaqués (Personage at a Window, 1925, Young Girl with her Back (Anna Maria), 1926). Mais tarde, uma pintura mais explícita, Young Virgin Self-Sodomised by the Horns of Her Own Chastity (1954), lançou luz sobre o significado erótico destas poses. Permaneceram presentes durante todo o trabalho do pintor.

Gala apareceu em 1931 numa pequena obra (Primeiro Retrato de Gala), uma verdadeira digressão de força do miniaturista, exibida no Teatre-Museu Gala Salvador Dalí; uma lupa está disponível para melhor apreciar os detalhes. Os seus retratos foram subsequentemente muito numerosos, o seu rosto e o seu penteado característico tornando-a facilmente reconhecível. Apareceu de frente (Angelus de Gala, 1935) ou de trás (A minha mulher, nua, olhando para o seu próprio corpo tornar-se, três vértebras de uma coluna, céu e arquitectura, 1945), nua (Leda Atomica, 1949), como a Virgem Maria (A Virgem de Port Lligat, 1950), com um peito nu (Galarina, 1945).

A descoberta de um par de muletas abandonadas no sótão da casa do seu pai foi uma revelação. Ele define-o como “um suporte de madeira derivado da filosofia cartesiana”. Geralmente utilizado para suportar a ternura de estruturas macias”. Tornou-se imediatamente um objecto fetiche que prolifera no seu trabalho, muitas vezes para apoiar um apêndice macio. Nele podemos detectar a angústia de impotência que dominava Dalí antes do seu encontro sexual com a Gala. Em 1929, a presença no quadro, Jeu lugubre, de um homem de calças manchadas causou um escândalo no círculo surrealista. A gala foi enviada numa delegação para garantir que o jovem catalão não tivesse tendências coprofágicas, o que horrorizava os surrealistas. A Gala conseguiu tranquilizá-los, ao mesmo tempo que advertia Dalí contra o estado de espírito muito “pequeno burguês” de um grupo de artistas que afirmava ser totalmente sincero.

O Angelus de Millet tornou-se uma verdadeira obsessão para Dalí. As suas figuras foram representadas num grande número dos seus quadros, desde o Monumento imperial à la femme-enfant, Gala – Fantaisie utopique (1929) até La Gare de Perpignan, em 1965. Dalí explicou frequentemente o erotismo do quadro, assim como a sua crença de que o casal estava a rezar à volta do caixão do seu filho morto. Surpreendentemente, um raio-x no Louvre revela uma área escura e rectangular sob o solo entre as duas figuras.

A Vénus de Milo foi uma referência ocasional. Ela apareceu primeiro numa escultura sequestrada com o seu amigo Marcel Duchamp, e depois como uma imagem metamorfoseando-se num toureiro em Le Torero hallucinogène.

A morte está presente em todo o trabalho desde as primeiras pinturas surrealistas, mesmo os primeiros retratos de homens velhos. A morte aparece primeiro no seu aspecto físico mais repulsivo, o dos cadáveres em decomposição. Mais tarde, tornou-se mais discreta mas esteve sempre presente, mesmo nas pinturas cristãs – principalmente crucificações. É notável em Portrait of My Dead Brother (1963), Tuna Fishing (1967), The Hallucinogenic Torero (1970).

O Alfabeto do Amor nasceu da paixão de Dalí pelas artes gráficas e pela sua musa Gala. Das suas iniciais, “S”, “D” e “G”, e uma coroa, inventou oito caracteres abstractos como símbolo do seu amor. O alfabeto tornou-se público nos anos 70 quando encomendou uma mala de mão à Lancel como prenda para a Gala.

Este saco é um pequeno modelo de rajada de ventoinha com uma pega de corrente de bicicleta. O seu couro é decorado com uma estampa do tipo Toile Dalígram, utilizando os caracteres do alfabeto do amor.

Escultura

Durante muito tempo, a escultura permaneceu anedótica na obra de Dalí, com raras excepções como o Objecto Escatológico com Funcionamento Simbólico (1931) ou o Busto Rinocerónico do Lacemaker de Vermeer (1955). Voltou à criação tridimensional nos anos 60, e especialmente em 1970, com a criação do Teatre-Museu Gala Salvador Dalí: Busto de Dante (1964), Cadeira com Asas de Abutre (1960), Lilith. Hommage à Raymond Roussel (1966), Funeral Mask of Napoleon que pode ser usada como tampa para um rinoceronte (1970).

Salvador Dalí disse que quando criança modelou a Vénus de Milo porque estava na sua caixa de lápis: esta foi a sua primeira tentativa de escultura. A partir da década de 1930, Dalí tentou a sua mão na terceira dimensão com objectos surrealistas. Juntamente com Giacometti, criou objectos com uma função simbólica, Retrospective Woman”s Bust. Busto: Pão e Inkwell, montando uma marota de moinho de porcelana pintada com vários outros objectos reciclados (1933). Em 1936, Marcel Duchamp e Salvador Dalí colaboraram na criação da Vénus de Milo com as Gavetas.

A partir deste período, criou esculturas de bronze baseadas nos seus quadros mais famosos, tais como La Persistance de la mémoire, Le Profil du temps, La Noblesse du temps, Venus à la girafe, Le Toréador hallucinogène, La Vénus spatiale, Alice au pays des Merveilles, L”Éléphant spatial, que demonstram com extremo vigor o poder expressivo das suas imagens iconográficas surrealistas.

Dalí fez as suas primeiras jóias após a Segunda Guerra Mundial em Nova Iorque: The Eye of Time (1949), Ruby Lips (1950), The Royal Heart (1953).

Entre 1969 e 1979, Salvador Dalí fez uma colecção de 44 estátuas de bronze, das quais apenas 4 foram feitas: Coágulo de Dalí de colecção.

Arquitectura

Em 1939, criou o pavilhão Dream of Venus para a Feira Internacional de Nova Iorque. Era uma atracção surrealista de feira com, entre outras coisas, uma Vénus vencida pela febre do amor numa cama de cetim vermelho, sereias e girafas. Tudo o que resta desta casa são as memórias, cerca de quarenta fotografias de Eric Schaal, um filme de oito minutos e o sumptuoso quadriptich com relógios macios, preservados no Japão. O pintor tinha feito do surrealismo uma arte de viver.

Em Portlligat decorou a sua casa à sua maneira, “como um príncipe do kitsch, da ironia e do escárnio”. A sua biblioteca estava deliberadamente inacessível, com filas de livros colocadas no alto da parede para que ninguém pudesse alcançá-los. No eixo da piscina fálica estava um templo com uma grande mesa de altar, onde se abrigou do sol e recebeu os seus amigos. O fundo da sua piscina estava forrado com ouriços do mar; esta era uma comissão do mestre ao escultor César, que tinha feito uma fundição de poliéster para “caminhar sobre os ouriços do mar enquanto Cristo caminhava sobre as águas”. O pátio tinha a forma da silhueta de uma mulher de Millet”s Angelus. O sofá foi feito a partir de um molde dos lábios de Mae West. A parede traseira, chamada “parede Pirelli”, foi decorada com grandes anúncios de pneus.

No início da década de 1970, o projecto para o teatro-museu em Figueras finalmente tomou forma. Dalí levou a peito o design deste museu construído para sua glória: “Quero que o meu museu seja um bloco único, um labirinto, um grande objecto surrealista. Será um Museu Teatral. Os visitantes partirão com a sensação de terem tido um sonho teatral.

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Literatura

Os escritos de Dalí formam um importante corpus que só é publicado como um todo em espanhol. Escreveu, pelo menos desde a sua adolescência (Studium), poemas, alguns textos literários e um diário que foi publicado em 2006. Ele publicou numerosos textos que expõem as suas ideias, a sua concepção de pintura e fornecem elementos biográficos que nos permitem compreender a génese de algumas das suas pinturas. Oui expõe as suas concepções teóricas em dois textos principais: “A Revolução Paranóida-Crítica” e “O Arcanjo Científico”.

Escritos num estilo muito pessoal, os dois textos autobiográficos mais famosos de Dalí são A Vida Secreta de Salvador Dalí, que dá detalhes biográficos da sua infância, a sua relação problemática com o seu pai e a convicção adquirida desde a infância de que ele era um génio, e Diário de um génio, que trata dos anos 1952 a 1963. Dalí escreveu um único romance durante a guerra, Hidden Faces. Nele retratava a aristocracia francesa durante a guerra, e em particular o caso de amor de duas personagens, o Duque de Grandsailles e Solange de Cléda. Este último é uma ilustração do que ele próprio chamou clédalisme, cujo objectivo era completar “a trilogia da paixão inaugurada pelo Marquês de Sade”, cujos dois primeiros elementos são o sadismo e o masoquismo.

Em 1938 escreveu também uma interpretação paranóico-crítica de uma das suas obras de referência, em Millet”s Tragic Myth of the Angelus, publicado em 1963. Ilustrou Fantastic memories (1945), La Maison sans fenêtre, Le Labyrinthe (1949) e La Limite (1951) de Maurice Sandoz, que conheceu em Nova Iorque no início da década de 1940.

Cinema

A juventude de Dalí coincidiu com a era dourada do cinema mudo. Conheceu Luis Buñuel na residência estudantil em Madrid – fez dele o tema de um dos seus primeiros quadros. Esta amizade levou a uma colaboração que se desenvolveu no contexto do surrealismo. Em cumplicidade com ele, participou na escrita de dois filmes emblemáticos do cinema surrealista. O primeiro, Un chien andalou (1929), é uma curta-metragem de dezasseis minutos. Foi financiado pelo Visconde e pela Viscondessa de Noelhes, na sequência de uma exposição em Paris. Depois de uma brutal imagem introdutória destinada a marcar melhor a divisão entre o mundo real e o mundo surrealista, várias cenas semelhantes a sonhos sucedem-se, dotadas apenas da lógica dos sonhos. O filme causou um escândalo nos círculos intelectuais parisienses. No entanto, segundo Robert Descharnes, Dalí e Buñuel queriam fazer algo “diferente de tudo o que já tinha sido feito antes”. Foi com isto em mente que o segundo filme, L”Âge d”or (A Idade de Ouro), foi realizado em 1930. Apesar de um programa comum, os dois autores opuseram-se um ao outro; Dalí queria representar o amor, a criação e os mitos católicos no cenário do Cap de Creus. O que deveria ter sido um sacrilégio subtil, refinado e profundo para Dalí foi transformado por Buñuel num anticlericalismo primário. O filme de uma hora causou agitação pública entre realistas e surrealistas. Deemed insolente na altura, foi banido até 1981.

Dalí participou na realização de vários filmes que não foram concluídos. Em 1941 escreveu a primeira cena de sonho para o filme Moontide de Fritz Lang, que não foi rodado devido à entrada dos Estados Unidos na guerra. Em 1945, Dalí começou a dirigir o desenho animado Destino com Walt Disney, que foi parado após alguns meses devido a problemas financeiros relacionados com a guerra. Dalí e Disney gostavam muito um do outro, e Dalí considerava o cineasta um “grande surrealista americano” ao nível dos irmãos Marx e Cecil B. DeMille.

O próprio Dalí produziu uma série de curtas-metragens experimentais surrealistas, nas quais se colocou em palco. Nos anos 50 produziu L”Aventure prodigieuse de la Dentellière et du rhinocéros, dirigida por Robert Descharnes, na qual imagens e objectos eram associados pela curva logarítmica e a proporção áurea. Em 1975, foi Impressions de la Haute Mongolie (Homenagem a Raymond Roussel). Neste filme, que tem o aspecto de um falso documentário, Salvador Dalí conta a história de um povo desaparecido cujos vestígios encontrou durante uma viagem à “Mongólia Superior”. A história é completamente inventada. Dalí tinha urinado no anel de uma caneta e esperou que a corrosão fizesse efeito, filmando os efeitos a distâncias macro e microscópicas, com um comentário “historiador”.

Com Jean-Christophe Averty e Robert Descharnes, dirigiu L”Autoportrait mou de Salvador Dalí (1967), um anúncio para o chocolate Lanvin em 1968. Alejandro Jodorowsky, no seu projecto de filme abortado para o romance Duna, tinha pedido a Dalí para desempenhar o papel do imperador Shaddam IV. Dalí exigiu, entre outras coisas, o pagamento da taxa astronómica de 100.000 dólares por hora e propôs um trono de inspiração escatológica.

Teatro

Dalí participou em vários projectos relacionados com o teatro. Em 1927 colaborou com Federico García Lorca na peça Marina Pineda e escreveu o libreto para Bacchanal, inspirado no Tannhäuser de Richard Wagner. Durante a sua estadia em Nova Iorque, Dalí criou vários cenários, cenários e trajes para ballet, Labirinto (1941), Helena (1942), Romeu e Julieta (1942), Café de Cinitas (1943) e Tristan Fou (1944).

Muitos dos seus desenhos permaneceram como modelos sem nunca terem sido realizados. Estes incluíam vestidos com divisórias falsas e recheados com anatomia falsa; maquilhagem oca para eliminar sombras sob os olhos; óculos caleidoscópicos para viagens de carro; unhas falsas feitas de pequenos espelhos nos quais se pode contemplar a si próprio.

Fotografia

Dalí mostrou um interesse real pela fotografia, à qual deu um lugar importante no seu trabalho. Harmonizou os cenários e fotografias enquanto pintor trabalha a sua tela com os seus pincéis. Dalí, o fotógrafo, foi a revelação de uma parte importante e pouco conhecida da criação Daliniana. Trabalhou com fotógrafos tais como Man Ray, Brassaï, Cecil Beaton e Philippe Halsman. Com esta última, criou a famosa série Dalí Atomicus. Foi sem dúvida Robert Descharnes, seu amigo e colaborador-fotógrafo durante 40 anos, quem tirou mais fotografias de Dalí, o homem e a sua obra.

O fotógrafo e jornalista Enrique Sabater conheceu Dalí no Verão de 1968, quando foi encarregado pela agência americana Radical Press de entrevistar o pintor na sua casa em Portlligat. Desenvolveu-se uma amizade entre eles e o fotógrafo que passou doze anos com Dalí como seu secretário, braço direito e confidente. Enrique tirou milhares de fotografias de Dalí e Gala. Em 1972, quando Elvis Presley o visitou, Dalí ficou tão impressionado com a sua camisa de campo com motivos bordados e botões de madrepérola que o cantor lha deu de presente. Depois usou-o para fazer Dalí com a camisa de Elvis. O mestre disse a Marc Lacroix, que tirou a fotografia: “Quando Elvis Presley veio ter comigo ao meu estúdio, notou imediatamente que eu estava fascinado pela sua camisa de campo. Ao sair, disse-me: “Gostas da minha camisa? Sim. Muito. Sem uma palavra, ele desfez os botões e deixou sem camisa. Desde então, nunca o deixei de pintar.

Com Marc Lacroix, um fotógrafo de moda, Dalí posou em 1970 para uma série de retratos em que se colocou em palco, em delirantes fotografias: Dalí com uma coroa de aranha marinha, Dalí com uma orelha florida, Avida Dollars. Esta última fotografia foi tirada por cima de um cartaz do Banque de France, rodeado de notas na sua efígie. Ainda com Marc Lacroix, ele tentou uma experiência em que tinha pensado durante muito tempo. Fez uma pintura tridimensional, Oito Pupilas, utilizando uma câmara estereoscópica protótipo para renderizar profundidade.

Dalí tinha uma relação amigável com o cantor da banda de hard rock Alice Cooper, Vincent Furnier. Os dois artistas admiraram-se um ao outro, Alice Cooper utilizando uma pintura de Dalí para ilustrar o seu álbum DaDa em 1983, depois de este último lhe ter dedicado um holograma dez anos antes intitulado First Cylinder. Retrato do cérebro de Alice Cooper. Uma das fotografias mais marcantes é a do pintor com uma cartola, em cujos lados tinha colocado máscaras de Mona Lisa. Segundo Thérèse Lacroix, criou-a para a sua participação numa bola dada pela Baronesa Rothschild. Apenas metade do rosto de Dalí aparece no meio de sorrisos enigmáticos e congelados.

O Cesto do Pão

O cesto do pão (31,5 × 31,5 cm), (Museu Salvador Dali), é um óleo sobre madeira feito em 1926. Foi a primeira obra de Dalí a ser exposta fora de Espanha, na Exposição Internacional do Instituto Carnegie em Pittsburgh, em 1928. Este primeiro trabalho foi produzido pouco depois de ter terminado os seus estudos de arte em Madrid, quando estava a estudar os mestres holandeses. Nele, aos vinte e dois anos de idade, Dalí demonstrou a plena posse das suas capacidades pictóricas.

Apresentado de uma forma muito realista num claro-escuro muito clássico, um cesto de pão de vime é apresentado com quatro fatias de pão, uma das quais é amanteigada. O conjunto é colocado sobre uma toalha de mesa branca com muitas volutas. No centro, é mostrado o verso da toalha de mesa, revelando os detalhes do tecido de uma forma muito clara. O fundo é escuro, mesmo negro. A dura luz branca parece esmaltar a cena.

Metamorfose de Narciso

A Metamorfose de Narciso (Galeria Tate, 50,8 × 78,3 cm) foi pintada em 1936-37, quando o pintor se encontrava no meio do seu período surrealista. É uma cena mitológica cuja história mais detalhada é contada nas Metamorfoses de Ovídio.

Dalí apresentou com a sua pintura um “poema paranóico” com o mesmo nome e tema, precedido por um metatexto, um manual de instruções. Segundo o pintor, esta foi a primeira obra, pintura e poema, a ser concebida inteiramente de acordo com o método crítico paranóico. Enquanto o poema afirma que o deus da neve está presente nas montanhas ao fundo, a cena tem lugar na Primavera, a estação dos narcisos. O pintor explora uma imagem dupla, derivada do seu método crítico paranóico, ao retratar o estado antes da transformação de Narciso à esquerda, e a sua transformação à direita, utilizando a direcção de leitura latina. À esquerda, a figura com os seus contornos imprecisos reflecte-se na água. Ele está dobrado e a sua cabeça está a descansar de joelhos, à espera da morte. À direita está o dobro da imagem após a transformação. A figura torna-se uma mão fina e pedregosa que emerge da terra. Nos seus três dedos unidos transporta um enorme ovo do qual emerge um narciso. Tanto o prego como o ovo estão partidos e o grupo é representado num cinzento pedregoso e cadavérico, sobre o qual as formigas, símbolos de putrefacção, estão a subir.

No fundo e no centro está representado o que Dalí define no poema como um “grupo heterossexual em estado de espera”. É um grupo de oito homens e mulheres nus rejeitado por Narciso, que, segundo Dalí, inclui um hindu, um catalão, um alemão, um russo, um americano, uma sueca e uma inglesa. Outra interpretação é feita por Shnyder que considera a transformação oposta. A mão à direita é o estado inicial; à esquerda, deslocada por tradução, está o pintor Dalí, num duplo desta imagem. Este grupo metamorfoseia-se numa figura sentada e curvada que reflecte em água congelada, uma figura como o mito do Narciso de Ovídio. As cores são quentes, douradas e suaves. Dalí diz da figura de Narciso no seu estado inicial que “quando se olha para ele com insistência, ele também se derrete nas rochas vermelhas e douradas”.

Premonição da guerra civil

Como muitos dos quadros de Dalí, este tem um título duplo: Construções suaves com feijão cozido. Premonição da Guerra Civil. É um óleo sobre tela, medindo 100 × 99 cm, e é guardado no Museu de Arte da Filadélfia. Foi iniciada em Paris em 1936, quando o aumento da agitação armada em Espanha deixou poucas dúvidas sobre o futuro imediato do país, sobre “a abordagem do grande canibalismo armado da nossa história, a da nossa próxima guerra civil”. Na Vida Secreta de Salvador Dalí, o pintor conta como, em 1934, quando a República Catalã foi proclamada, ele e Gala fugiram de Barcelona para Paris, entre bloqueios anarquistas e a declaração da independência catalã. O seu motorista foi assassinado no caminho de regresso.

No fundo, a maior parte da tela é ocupada pelo céu. No solo terrestre, ensolarado, é um ser enorme com uma cara de dor e uma anatomia absurda. O quadro completo é visto de um ângulo baixo. Nesta pintura Dalí consegue uma forma de decomposição, dissecação e recomposição de um gigante num monstro. É, segundo Jean-Louis Ferrier, uma tela na qual “um corpo humano gigantesco se rasga, se abre, se estrangula, se agarra com dor e loucura”. Uma mão está no chão no pó enquanto a outra, levantada para o céu, agarra um peito. São ambos contraídos e de cor cinza cadavérica. Os braços formam um ângulo e estendem-se numa espécie de perna ligada a uma pélvis. Na pélvis, um pé em decomposição e a sua perna direita formam, juntamente com as partes acima mencionadas, um enorme trapézio, cujo lado comprido é superado por uma cabeça sorridente erguida em direcção ao céu. O conjunto é apoiado por um pé morbidamente cortado e uma pequena mesa de cabeceira, ambos situados entre feijões cozidos espalhados pelo chão. Na bacia, à direita do pé, está um cagalhão.

O próprio Dalí comentou a presença destes feijões, o que justifica o primeiro título da obra: “A estrutura macia desta enorme massa de carne na Guerra Civil, guardei com feijões cozidos, porque não se pode imaginar engolir toda esta carne insensível sem o acompanhamento, mesmo banal, de algum vegetal melancólico e farinhento.

A combinação de guerra, comida e amor é o tema central de outro dos seus quadros sobre o mesmo tema: Canibalismo no Outono.

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A tentação de Santo António

A Tentação de Santo António foi pintada em 1946. É um óleo surrealista sobre tela de 90 × 119,5 cm e é conservado em Bruxelas no Museu Real de Belas Artes. A pintura foi feita em 1946 em Nova Iorque e é representativa do período em que o surrealismo deu gradualmente lugar à religião. Dalí já se tinha envolvido com o cinema e produzido este trabalho durante um concurso organizado para uma adaptação cinematográfica do romance de Guy de Maupassant, Bel-Ami. O concurso foi ganho por Max Ernst e a pintura de Dalí não foi aceite. Para Gilles Néret, a pintura joga sobre a oposição religioso-erótica.

“Alquimia de medos e desejos, A Tentação de Santo António é uma síntese subtil da pintura clássica e do sentido apurado de espiritualidade do seu autor.

– Gilles Néret

A pintura mostra Santo António no deserto, ajoelhado e carregando uma cruz para se proteger das tentações que o atacam num gesto de exorcismo. Estas tentações tomam a forma de um cavalo gigante e de uma linha de elefantes com enormes e grotescas “pernas de aranha”. Santo António é retratado como um mendigo, enquanto cada animal tem uma tentação nas costas, entre as mais comuns entre os homens. O triunfo é representado pelo cavalo com cascos sujos e gastos; à sua direita, uma mulher nua cobrindo os seus seios oferece o seu corpo voluptuoso. Ela representa a sexualidade. A seguir vêm as riquezas. Este é um obelisco dourado no próximo elefante, inspirado no obelisco de Bernini em Roma. A isto segue-se uma mulher nua presa numa casa dourada. Isto é encimado pelas trombetas da fama. No fundo, um último elefante transporta um enorme monólito fálico e salta de uma nuvem sobre a qual é retratado um castelo. No meio da paisagem deserta, debaixo dos elefantes, dois homens estão a discutir. Uma está vestida com uma capa vermelha e carrega uma cruz. A outra é cinzenta e inclinada para a frente. Um anjo branco voa sobre o deserto.

Cristo de São João da Cruz

O Cristo de São João da Cruz é um dos quadros mais famosos do pintor. É um óleo sobre tela, produzido em 1951, medindo 205 × 116 cm, e é conservado no Museu Kelvingrove em Glasgow. A originalidade da perspectiva e a habilidade técnica tornaram a pintura muito famosa, tanto que em 1961 um fanático tentou vandalizá-la com pouco sucesso. Durante a década de 1950, o artista representou várias vezes a cena da crucificação, como em Corpus hypercubus, pintado em 1945. Para esta pintura, Dalí baseou-se nas teorias do Discurso sobre a Forma Cúbica de Juan de Herrera, que foi responsável pelo mosteiro de San Lorenzo de El Escorial no século XVI.

Dalí foi inspirado por um desenho místico de São João da Cruz guardado no Mosteiro da Encarnação em Ávila, e por uma imagem que ele disse ter sonhado com um círculo num triângulo. Esta figura, que ele disse ser como o núcleo de um átomo, era semelhante ao desenho do mosteiro e ele decidiu utilizá-la para a sua pintura. O quadro mostra o Jesus crucificado, tirado de uma perspectiva de olho de pássaro e visto de cima da cabeça. A cabeça olha para baixo e é o ponto focal da pintura. A parte inferior da pintura representa uma paisagem impassível, formada pela baía de Port Lligat. No canto inferior direito, dois pescadores estão ocupados com um barco. São inspirados por um desenho de Velázquez para A Rendição de Breda e por um quadro de Le Nain. Entre o Crucificado e a baía existem nuvens místicas e misteriosas, iluminadas pela luz que emana do corpo de Jesus. O poderoso claro-escuro usado para realçar a figura de Jesus cria um efeito dramático.

Cristo é retratado de uma forma humana e simples. Tem cabelo curto – em contraste com as representações clássicas – e está numa posição descontraída. O sinal na parte superior da cruz é uma folha de papel com as iniciais INRI. Ao contrário das representações clássicas, Cristo não está ferido, não está pregado à cruz, não tem cortes, muito pouco sangue e não tem nenhum dos atributos clássicos da crucificação – pregos, coroa de espinhos, etc. Ele parece estar a flutuar junto à cruz. Parece estar a flutuar ao lado da cruz. Dalí justificou isto explicando que num sonho ele mudou o seu plano inicial para colocar flores, cravos e jasmins, nas feridas de Cristo, “talvez por causa de um provérbio espanhol que diz A mal Cristo, demasiada sangre”. Alguns comentadores afirmam que este é o trabalho mais humano e humilde sobre o tema da Crucificação.

Principais obras pictóricas

Salvador Dalí pintou 1.640 quadros, principalmente óleos sobre tela. Os títulos e datas são retirados do livro de Gilles Néret e Robert Descharnes.

Um grande número de obras de Salvador Dalí estão expostas na Fondación Gala-Salvador Dalí em Figueras, no Teatro-Museu Dalí, que descreveu como “o maior dos objectos surrealistas do mundo”.

Principais museus

Juntamente com Pablo Picasso, Salvador Dalí foi um dos dois artistas para quem dois museus dedicados exclusivamente ao seu trabalho foram criados durante a sua vida. O primeiro a abrir foi fundado pelos coleccionadores A. Reynolds Morse e Eleanor Morse, que ao longo dos anos tinham reunido uma vasta colecção. Em 1971, o primeiro museu, localizado em Beachwood (Cleveland), foi inaugurado pelo próprio Salvador Dalí. Nos anos 80, o casal legou as obras à cidade de São Petersburgo na Florida, que abriu um novo Museu Salvador Dalí em 1982. Noventa e seis quadros de Dalí estão aí alojados, juntamente com mais de 100 aguarelas e desenhos, mais de 1.300 fotografias, esculturas, jóias e numerosos arquivos. Um novo edifício à prova de furacões foi inaugurado em 2011. O segundo museu a abrir foi o Dalí Theatre-Museum. Localizado na sua cidade natal de Figueras, Catalunha, foi construído nas ruínas de um antigo teatro devastado pelo fogo durante a Guerra Civil Espanhola. Foi transformado num museu nos anos 70 pelo pintor e deu à cidade uma nova atracção turística. Foi inaugurado em 1974.

Em meados da década de 1990, dois outros museus abriram em Espanha. O primeiro é o Castelo de Púbol, que foi a residência da sua esposa Gala. Após a sua morte em 1982, o castelo serviu como residência de Salvador Dalí durante dois anos, até que um incêndio deflagrou na sala em 1984. Do mesmo modo, a sua casa em Portlligat, no porto de Cadaqués, foi transformada num museu público. Em França, Dalí Paris apresenta a colecção de mais de quinze esculturas originais, dando a esta exposição o seu estatuto como a colecção mais importante em França. Na Alemanha, o Museu Dalí na Praça Leipzig, em Berlim, reúne mais de 400 obras do artista catalão.

Cinema em Dalí

A relação de Dalí com o cinema foi tema de um documentário intitulado Cinema Dalí em 2004, e de uma retrospectiva do Tate Modern em Londres em 2007. Em 2009, o filme Little Ashes, realizado por Paul Morrison, retrata a juventude de Dalí em Madrid. Robert Pattinson desempenha o papel de Salvador Dalí.

Em 2011, uma comédia dirigida por Woody Allen, Midnight in Paris, conta a história de dois jovens americanos no meio de artistas nos anos 20 de Paris. Encontram Salvador Dalí, interpretado por Adrien Brody. O filme ganhou o Óscar de Melhor Argumento Original em 2012.

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A personagem

A figura permanece controversa entre os críticos de arte e os historiadores. No centenário do nascimento de Dalí, o crítico literário Peter Bürger salientou no Die Zeit que as classificações dos artistas modernos estabelecidas a partir de 1955 não incluem geralmente Dalí, ao contrário de outros pintores surrealistas como André Masson, Joan Miró e Max Ernst. A partir dos anos 40 nos Estados Unidos, Dalí foi alvo de críticas devido ao seu trabalho para a alta costura, joalharia e, de uma forma mais geral, design. Foi acusado de esbater a linha entre a arte e o consumo. Esta atitude dos críticos só terminou com o advento da arte pop, que assumiu completamente esta confusão. A sua obsessão por Hitler também foi controversa.

O historiador de arte Michael Peppiatt escreveu, a este respeito, que “Dalí passou do brilho subversivo da sua juventude para um crescente vazio e exibicionismo remunerador”, opondo-se a Jean Dutourd, da Academia Francesa:

“Salvador Dalí, que era muito inteligente, compreendeu várias coisas que os artistas geralmente não compreendem, a primeira das quais é que o talento (ou génio) é uma banca de feira. A fim de atrair clientes, é preciso falar um bom jogo, ter uma língua afiada, executar antics e antics num palco. Foi nisto que Dalí se destacou desde o início. Considerou-se o maior pintor do século XX, ou seja, um artista clássico que teve a infelicidade de cair num período baixo da sua arte. As Trissotinas da inteligência ocidental e a burguesia que as seguiu fizeram a lei, ou seja, a opinião.

“Há duas maneiras de conciliar estas pessoas, de quem dependem as reputações; a primeira é ser tão sério como elas, tão cheio de dignidade. Reconhecem imediatamente um membro da tribo e sabem como o mostrar. A desvantagem é que para ser bem sucedido em tal atitude é preciso ser um pouco imbecil. A única outra saída era a provocação, ou seja, a extravagância e o inesperado tanto em pensamento como em palavras, a sinceridade brutal, o gosto pela face, o iconoclasmo em relação a tudo o que está na moda e, portanto, intocável.

Contudo, Dalí utilizou o academicismo e a pintura de salão do século XIX de uma forma completamente inesperada, o que forçou alguns críticos a reconsiderarem o seu julgamento da sua arte mais recentemente. Este foi particularmente o caso após as retrospectivas sobre o surrealismo Daliniano em Paris e Dusseldorf. De acordo com Peter Bürger, “Dalí, que morreu em 1989, ainda não encontrou o seu lugar na arte do século XX”.

No seu prefácio ao Diário de um génio, Michel Déon resume a originalidade do pintor: “O que é mais adorável em Dalí são as suas raízes e as suas antenas. Raízes mergulhadas profundamente na terra, onde vão em busca de tudo o que o homem foi capaz de produzir que é suculento (segundo uma das suas três palavras favoritas) em quarenta séculos de pintura, arquitectura e escultura. Antenas dirigidas para o futuro, que cheiram, prevêem e compreendem com a velocidade da luz. Nunca é demais dizer que Dalí é um espírito de curiosidade insaciável”. Thérèse Lacroix, esposa e colaboradora de Marc Lacroix, que visitou Salvador e Gala em numerosas ocasiões durante um período de dez anos, observa que Dalí “foi impressionante no seu aspecto e na forma como carregou a sua cabeça. Ele era altivo mas divertido, não se levava a sério”.

Opiniões políticas

A relação de Dalí com a política era muitas vezes equívoca e mal compreendida. No entanto, desempenharam um papel significativo na sua carreira artística. Enquanto adolescente, Dalí “inclinou-se para o anarco-sindicalismo radical”, acompanhou apaixonadamente a revolução russa e o progresso do Exército Vermelho de Trotsky, e definiu-se a si próprio como um socialista na altura. Foi detido e preso durante várias semanas em Girona por agitação revolucionária. Mas a sua visão política evoluiu gradualmente para um “anarquismo violentamente anti-social” e depois para um provocador apolitismo. O seu individualismo visceral provavelmente não conseguiria lidar com um movimento popular a longo prazo. Em 1934 provocou a raiva dos surrealistas ao representar William Tell sob o disfarce de Lenine, que André Breton considerou um “acto anti-revolucionário”. A ruptura estava completa quando Dalí concentrou a sua obra em Hitler, para quem fez observações ambíguas no final dos anos 30, até que Breton excluiu definitivamente o pintor. Dalí fugiu de Espanha mesmo a tempo da eclosão da Guerra Civil.

Para Robert Descharnes e Gilles Néret, Dalí viveu esta guerra espanhola com incompreensão. Registam as palavras do pintor: “Não tinha a alma nem a fibra histórica. Quanto mais acontecimentos se desenrolam, mais me sinto apolítico e inimigo da história”. Ficou atordoado com a “ignomínia” do assassinato do seu amigo Lorca, “o pintor mais apolítico do mundo”. Pressionado a escolher entre Hitler e Estaline “pela hiena da opinião pública”, optou por permanecer ele próprio. Ele teve a mesma atitude durante a Segunda Guerra Mundial, fugindo da França em guerra, e foi muito criticado por isso, por exemplo por George Orwell: “À medida que a guerra na Europa se aproximava, ele tinha apenas uma preocupação: encontrar um lugar que tivesse boa comida e do qual pudesse fugir rapidamente em caso de perigo”, acrescentando na sua biografia que Dalí era um desenhador excepcional e um sujeito nojento.

Após o seu regresso a Cadaqués em 1948, Dalí mostrou um monarquismo quase místico. Jean-Louis Gaillemin anota as palavras do pintor:

“Monarquia Absoluta, cúpula estética perfeita da alma, homogeneidade, unidade, continuidade biológica hereditária suprema, tudo isto no topo, erguido perto da cúpula do céu. Abaixo, enxameação e anarquia super gelatinosa, heterogeneidade viscosa, diversidade ornamental de estruturas macias ignominiosas, comprimida e renunciando ao último sumo das suas últimas formas de reacção”.

Esta atitude foi interpretada ou como uma aproximação ao franquismo – nomeadamente por André Breton – ou como uma forma de não apoiar directamente esse regime, que no entanto fez uso de algumas das declarações do pintor e lhe atribuiu a Grande Cruz da Ordem de Isabel, a Católica, em 1964. A sua atitude permaneceu ambígua. Para além de considerações surrealistas, se por um lado Dalí não perdoou a morte de Lorca às mãos da milícia de Franco e denunciou até ao fim a censura da obra do seu amigo poeta, conheceu Franco pessoalmente em 1953 e pintou um retrato da sua neta em 1974.

Para Robert Descharnes, Dalí era sobretudo próximo da tradição monárquica espanhola, que complementava outros aspectos da sua viragem tradicionalista para o catolicismo romano e a pintura renascentista. Dalí reivindicou o seu apoio à monarquia, que promoveu como uma traição à burguesia, a sua classe social original. Começando na extrema esquerda, a sua carreira política deslocou-se para a direita. Em França, Dalí foi apoiado principalmente nas décadas de 1950 e 1960 por intelectuais de direita como Louis Pauwels, mas quando se declarou “anarco-monárquico” em 1970, abriu a porta à especulação sobre esta orientação política, que era certamente minoritária.

Segundo Vicente Navarro, em 1975, pouco antes da sua morte, Dalí felicitou o velho General Franco pelas suas acções destinadas a “desobstruir a Espanha das forças destrutivas”, após assinar ordens para executar quatro prisioneiros da ETA. Enquanto muitos viam Dalí desempenhar o papel de “bobo da corte” de Franco, outros, como o arquitecto Óscar Tusquets no seu livro Dalí y otros amigos, salientaram que o extremo exagero destas felicitações a um ditador às portas da morte deveria ser interpretado ironicamente, uma vez que as constantes provocações do pintor visavam a construção de uma figura pública surrealista.

As pinturas de Salvador Dalí são obras muito procuradas por coleccionadores de arte. O óleo sobre madeira My Naked Woman Looking at Her Own Body Becoming Steps, Three Vertebrae of a Column, 1945, foi vendido na Sotheby”s em Londres a 4 de Dezembro de 2000 por £2,600,000 ou EUR 4,274,140. O óleo sobre tela, Nostalgic Echo, medindo 96,5 × 96,5 cm, vendido na Sotheby”s em Londres a 2 de Novembro de 2005 por $2.368.000 (EUR 2.028.665).

Há rumores de que Dalí foi forçado pela sua comitiva a assinar telas em branco para que pudessem ser pintadas por outros e vendidas após a sua morte como originais, alimentando suspeitas e consequentemente desvalorizando os trabalhos tardios do mestre.Quanto às suas litografias com borboletas, Salvador Dalí recortou fotografias destes insectos de revistas, colou-as numa folha de papel e mandou copiá-las pelo litógrafo Jean Vuillermoz. Estas litografias foram impressas em folhas já pré-assinadas por Dali.

Em 2017, uma cartomante, Pilar Abel, afirmou ser a sua filha. A fim de determinar se o pintor era realmente o pai biológico, o tribunal de Madrid ordenou a exumação do seu corpo a 26 de Junho “a fim de obter amostras dos seus restos mortais”. A exumação teve lugar a 20 de Julho no Museu Dalí em Figueras, onde o pintor foi enterrado numa cripta. Em 6 de Setembro de 2017, a Fundação Dalí revelou que os resultados do ADN provam que o artista espanhol não é o pai de Pilar Abel.

Salvador Dalí é um personagem secundário no filme de animação Buñuel após a Idade de Ouro (2018): é mencionado várias vezes e a sua voz (interpretada por Salvador Simó, o realizador) é ouvida numa cena em que Luis Buñuel o telefona.

Ligações externas

Fontes