Sol LeWitt
gigatos | Janeiro 25, 2022
Resumo
Solomon “Sol” LeWitt (9 de Setembro de 1928 – 8 de Abril de 2007) foi um artista americano ligado a vários movimentos, incluindo a arte conceptual e o minimalismo.
LeWitt ganhou fama no final dos anos 60 com os seus desenhos de parede e “estruturas” (um termo que ele preferia em vez de “esculturas”) mas foi prolífico numa vasta gama de meios, incluindo desenho, gravura, fotografia, pintura, instalação, e livros de artista. Tem sido tema de centenas de exposições individuais em museus e galerias de todo o mundo desde 1965. A primeira biografia do artista, Sol LeWitt: A Life of Ideas, de Lary Bloom, foi publicada pela Wesleyan University Press na Primavera de 2019.
LeWitt nasceu em Hartford, Connecticut, de uma família de imigrantes judeus da Rússia. A sua mãe levou-o a aulas de arte no Wadsworth Atheneum, em Hartford. Depois de receber um BFA da Universidade de Syracuse em 1949, LeWitt viajou para a Europa, onde foi exposto a pinturas do Velho Mestre. Pouco tempo depois, serviu na Guerra da Coreia, primeiro na Califórnia, depois no Japão, e finalmente na Coreia. LeWitt mudou-se para Nova Iorque em 1953 e montou um estúdio no Lower East Side, no velho povoado judeu Ashkenazi na Hester Street. Durante este período estudou na Escola de Artes Visuais, ao mesmo tempo que prosseguia o seu interesse pelo design na revista Seventeen, onde fazia colagens, mecânicas e fotópsias. Em 1955, foi designer gráfico no escritório do arquitecto I.M. Pei durante um ano. Por essa altura, LeWitt descobriu também o trabalho do fotógrafo Eadweard Muybridge do final do século XIX, cujos estudos em sequência e locomoção foram uma influência precoce. Estas experiências, combinadas com um trabalho de entrada como recepcionista e escriturário nocturno que fez em 1960 no Museu de Arte Moderna (MoMA) em Nova Iorque, influenciariam o trabalho posterior de LeWitt.
No MoMA, os colaboradores de LeWitt incluíam os colegas artistas Robert Ryman, Dan Flavin, Gene Beery, e Robert Mangold, e a futura crítica de arte e escritora, Lucy Lippard, que trabalhou como página na biblioteca. A curadora Dorothy Canning Miller, agora famosa exposição “Dezasseis Americanos” de 1960 com trabalhos de Jasper Johns, Robert Rauschenberg, e Frank Stella criou uma onda de excitação e discussão entre a comunidade de artistas com quem LeWitt se associou. LeWitt também se tornou amigo de Hanne Darboven, Eva Hesse, e Robert Smithson.
LeWitt ensinou em várias escolas de Nova Iorque, incluindo a Universidade de Nova Iorque e a Escola de Artes Visuais, durante o final dos anos 60. Em 1980, LeWitt deixou Nova Iorque para Spoleto, Itália. Depois de regressar aos Estados Unidos no final dos anos 80, LeWitt fez de Chester, Connecticut, a sua residência principal. Morreu aos 78 anos de idade em Nova Iorque devido a complicações cancerígenas.
LeWitt é considerado como um fundador da Arte Mínima e Conceitual. O seu prolífico trabalho bidimensional e tridimensional abrange desde desenhos de parede (mais de 1200 dos quais foram executados) até centenas de obras em papel que se estendem a estruturas sob a forma de torres, pirâmides, formas geométricas, e progressões. Estas obras variam em tamanho desde livros e instalações do tamanho de galerias até peças monumentais ao ar livre. As primeiras esculturas em série de LeWitt foram criadas nos anos 60, utilizando a forma modular da praça em arranjos de complexidade visual variável. Em 1979, LeWitt participou no desenho da peça Dança da Lucinda Childs Dance Company.
Leia também, civilizacoes – Civilização Minoica
Escultura
No início da década de 1960, LeWitt começou a criar as suas “estruturas”, um termo que utilizava para descrever a sua obra tridimensional. O seu uso frequente de estruturas abertas e modulares tem origem no cubo, uma forma que influenciou o pensamento do artista desde a época em que se tornou artista. Depois de criar um corpo inicial de trabalho composto por objectos de madeira de forma fechada, fortemente lacados à mão, em meados dos anos 60 ele “decidiu remover a pele por completo e revelar a estrutura”. Esta forma esquelética, o cubo aberto radicalmente simplificado, tornou-se um bloco básico de construção do trabalho tridimensional do artista. Em meados da década de 1960, LeWitt começou a trabalhar com o cubo aberto: doze elementos lineares iguais ligados em oito cantos para formar uma estrutura esquelética. A partir de 1969, ele conceberia muitas das suas estruturas modulares em grande escala, para serem construídas em alumínio ou aço por fabricantes industriais. Várias das estruturas do cubo de LeWit situavam-se ao nível aproximado dos olhos. A esta escala, o artista introduziu a proporção corporal à sua unidade escultórica fundamental.
Após as primeiras experiências LeWitt assentou numa versão padrão para os seus cubos modulares, por volta de 1965: o espaço negativo entre as vigas ficaria no espaço positivo do próprio material escultórico numa proporção de 8,5:1, ou 172{i1}{i1}displaystyle {i}frac {i}{i1}{i1}. O material seria também pintado de branco em vez de preto, para evitar a “expressividade” da cor preta das peças anteriores, semelhantes. Tanto a relação como a cor eram escolhas estéticas arbitrárias, mas uma vez tomadas, eram usadas consistentemente em várias peças que tipificam as obras de “cubo modular” de LeWitt. Museus com exemplares das obras do “cubo modular” de LeWitt publicaram sugestões de lições para a educação elementar, destinadas a encorajar as crianças a investigar as propriedades matemáticas das obras de arte.
A partir de meados da década de 1980, LeWitt compôs algumas das suas esculturas a partir de blocos de cinza empilhados, gerando ainda variações dentro das restrições auto-impostas. Nesta altura, começou a trabalhar com blocos de betão. Em 1985, o primeiro Cubo de cimento foi construído num parque em Basileia. A partir de 1990, LeWitt concebeu múltiplas variações sobre uma torre a ser construída com blocos de betão. Num desvio do seu conhecido vocabulário geométrico de formas, as obras realizadas por LeWitt no final dos anos 90 indicam vivamente o crescente interesse do artista por formas curvilíneas algo aleatórias e cores altamente saturadas.
Em 2007, LeWitt concebeu 9 Torres, um cubo feito de mais de 1.000 tijolos de cor clara que mede cinco metros de cada lado. Foi instalado no Centro de Arte Kivik em Lilla Stenshuvud, Suécia, em 2014.
Leia também, historia-pt – Rebelião do Norte
Desenhos de parede
Em 1968, LeWitt começou a conceber conjuntos de orientações ou diagramas simples para os seus trabalhos bidimensionais desenhados directamente na parede, executados primeiro em grafite, depois em lápis de cera, mais tarde em lápis de cor e finalmente em lavagens cromaticamente ricas de tinta da Índia, tinta acrílica brilhante, e outros materiais. Desde que criou uma obra de arte para a exposição inaugural da Galeria Paula Cooper em 1968, uma exposição em benefício do Comité de Mobilização Estudantil para o Fim da Guerra no Vietname, milhares de desenhos de LeWitt foram instalados directamente sobre as superfícies das paredes. Entre 1969 e 1970, criou quatro “Séries de Desenhos”, que apresentavam diferentes combinações do elemento básico que governou muitos dos seus primeiros desenhos de parede. Em cada série aplicou um sistema diferente de alteração a cada uma das vinte e quatro combinações possíveis de um quadrado dividido em quatro partes iguais, cada uma contendo um dos quatro tipos básicos de linhas LeWitt utilizados (vertical, horizontal, diagonal esquerda e diagonal direita). O resultado são quatro permutações possíveis para cada uma das vinte e quatro unidades originais. O sistema utilizado nos Desenhos Série I é o que LeWitt denominou ”Rotação,” Desenhos Série II utiliza um sistema denominado ”Espelho,” Desenhos Série III utiliza ”Espelho Cruzado e Inverso,” e Desenhos Série IV utiliza ”Cruzado e Inverso”.
Em Desenho de Parede
LeWitt, que se tinha mudado para Spoleto, Itália, no final dos anos 70 creditou a sua transição de lápis de grafite ou lápis de cera para lavagens de tinta viva, ao seu encontro com os frescos de Giotto, Masaccio, e outros pintores florentinos primitivos. Nos finais dos anos 90 e princípios dos anos 2000, criou desenhos de parede em acrílico colorido altamente saturado. Embora as suas formas sejam curvilíneas, lúdicas e pareçam quase aleatórias, são também desenhadas de acordo com um conjunto exigente de directrizes. As bandas são uma largura padrão, por exemplo, e nenhuma secção colorida pode tocar noutra secção da mesma cor.
Em 2005, LeWitt começou uma série de desenhos de parede ”rabiscos”, assim chamados porque exigiam que os desenhadores preenchessem áreas da parede rabiscando com grafite. Os rabiscos ocorrem a seis densidades diferentes, que são indicadas nos diagramas do artista e depois cartografadas em cordel na superfície da parede. As gradações da densidade de rabiscos produzem um tom contínuo que implica três dimensões. O maior desenho de rabiscos na parede, Desenho de Parede
De acordo com o princípio da sua obra, os desenhos de LeWitt são normalmente executados por outras pessoas que não o próprio artista. Mesmo após a sua morte, as pessoas continuam a fazer estes desenhos. Por conseguinte, ele acabaria por utilizar equipas de assistentes para criar tais obras. Escrevendo sobre a realização de desenhos de parede, o próprio LeWitt observou em 1971 que “cada pessoa desenha uma linha de forma diferente e cada pessoa entende as palavras de forma diferente”. Entre 1968 e a sua morte em 2007, LeWitt criou mais de 1.270 desenhos de parede. Os desenhos de parede, executados no local, existem geralmente durante a duração de uma exposição; são depois destruídos, dando à obra na sua forma física uma qualidade efémera. Podem ser instalados, retirados, e depois reinstalados noutro local, tantas vezes quantas as necessárias para fins de exposição. Quando transferidas para outro local, o número de paredes só pode mudar, assegurando que as proporções do diagrama original são mantidas.
Murais permanentes de LeWitt podem ser encontrados, entre outros, no AXA Center, Nova Iorque (a sede da Swiss Re Américas em Armonk, Nova Iorque, a Câmara Municipal de Atlanta, Atlanta (o Walter E. Washington Convention Center, Washington, DC (a Galeria de Arte Albright-Knox, Buffalo (a Estação de Metro Columbus Circle, Nova Iorque; o Museu Judaico (o Centro Verde de Física no MIT, Cambridge (o Wadsworth Atheneum; e a Casa de John Pearson, Oberlin, Ohio. O último desenho de parede público do artista, Wall Drawing
Leia também, historia-pt – Tratado de Brest-Litovski
Gouaches
Nos anos 80, em particular após uma viagem a Itália, LeWitt começou a utilizar guache, uma tinta opaca à base de água, para produzir trabalhos abstractos de fluxo livre em cores contrastantes. Estas representavam um afastamento significativo do resto da sua prática, uma vez que criou estas obras com as suas próprias mãos. As guaches de LeWitt são frequentemente criadas em série com base num motivo específico. As séries anteriores incluíram Formulários Irregulares, Curvas Paralelas, Pinceladas de Squiggly e Grelhas em forma de Web.
Embora esta composição pouco estruturada possa ter sido um afastamento das suas obras anteriores, mais geometricamente estruturadas visualmente, manteve-se no entanto em alinhamento com a sua intenção artística original. LeWitt fez cuidadosamente as suas próprias impressões a partir das suas composições gouache. Em 2012, a consultora de arte Heidi Lee Komaromi curadoria, “Sol LeWitt: Works on Paper 1983-2003”, uma exposição revelando a variedade de técnicas utilizadas por LeWitt no papel durante as últimas décadas da sua vida.
Leia também, biografias-pt – Georges Seurat
Livros de artista
A partir de 1966, o interesse de LeWitt pela seriedade levou à sua produção de mais de 50 livros de artistas ao longo da sua carreira; mais tarde doou muitos exemplos à biblioteca de Wadsworth Athenaeum. Em 1976 LeWitt ajudou a fundar a Printed Matter, Inc, um espaço de arte com fins lucrativos no bairro de Tribeca, na cidade de Nova Iorque, com colegas artistas e críticos como Lucy Lippard, Carol Androcchio, Amy Baker (Sandback), Edit DeAk, Mike Glier, Nancy Linn, Walter Robinson, Ingrid Sischy, Pat Steir, Mimi Wheeler, Robin White e Irena von Zahn. LeWitt foi um inovador sinal do género do “livro do artista”, um termo que foi cunhado para uma exposição de 1973 com curadoria de Dianne Perry Vanderlip no Moore College of Art and Design, Filadélfia.
Printed Matter foi uma das primeiras organizações dedicadas à criação e distribuição de livros de artistas, incorporando auto-publicação, pequenas publicações de imprensa, e redes e colectivos de artistas. Para LeWitt e outros, a Matéria impressa também serviu como sistema de apoio a artistas de vanguarda, equilibrando o seu papel como editor, espaço de exposição, espaço comercial, e centro comunitário para a cena artística do centro da cidade, nesse sentido emulando a rede de aspirantes a artistas que LeWitt conhecia e apreciava como membro do pessoal do Museu de Arte Moderna.
Leia também, biografias-pt – Plotino
Arquitectura e paisagismo
LeWitt colaborou com o arquitecto Stephen Lloyd na concepção de uma sinagoga para a sua congregação Beth Shalom Rodfe Zedek; concebeu o edifício “arejado” da sinagoga, com a sua cúpula rasa suportada por “exuberantes vigas de madeira”, uma homenagem às sinagogas de madeira da Europa Oriental.
Em 1981, LeWitt foi convidado pela Fairmount Park Art Association (actualmente conhecida como Association for Public Art) a propor uma obra de arte pública para um local no Fairmount Park. Seleccionou o longo e rectangular terreno conhecido como o Reilly Memorial e apresentou um desenho com instruções. Instalado em 2011, o Lines in Four Directions in Flowers é composto por mais de 7.000 plantações dispostas em filas estrategicamente configuradas. Na sua proposta original, o artista planeou uma instalação de plantações de flores de quatro cores diferentes (branco, amarelo, vermelho e azul) em quatro áreas rectangulares iguais, em filas de quatro direcções (vertical, horizontal, diagonal direita e esquerda) enquadradas por sebes sempre-verdes de cerca de 2” de altura, com cada bloco de cores composto por quatro a cinco espécies que florescem sequencialmente.
Em 2004, a escultura Six Curved Walls foi instalada na encosta da encosta do Crouse College no campus da Universidade de Syracuse. A escultura de blocos de betão é composta por seis paredes onduladas, cada uma com 12 pés de altura, e estende-se por 140 pés. A escultura foi concebida e construída para assinalar a inauguração de Nancy Cantor como a 11ª Chanceler da Universidade de Syracuse.
Desde o início dos anos 60, ele e a sua esposa, Carol Androccio, reuniram quase 9.000 obras de arte através de compras, em negócios com outros artistas e comerciantes, ou como presentes. Desta forma, adquiriu obras de aproximadamente 750 artistas, incluindo Flavin, Ryman, Hanne Darboven, Eva Hesse, Donald Judd, On Kawara, Carl Andre, Dan Graham, Hans Haacke, Gerhard Richter, e outros. Em 2007, a exposição “Selections from The LeWitt Collection” no Weatherspoon Art Museum reuniu aproximadamente 100 pinturas, esculturas, desenhos, gravuras e fotografias, entre elas obras de Andre, Alice Aycock, Bernd e Hilla Becher, Jan Dibbets, Jackie Ferrara, Gilbert e George, Alex Katz, Robert Mangold, Brice Marden, Mario Merz, Shirin Neshat, Pat Steir, e muitos outros artistas.
O trabalho de LeWitt foi exibido publicamente pela primeira vez em 1964 numa exposição colectiva comissariada por Dan Flavin na Galeria Kaymar, Nova Iorque. A Galeria John Daniels de Dan Graham”s deu-lhe mais tarde a sua primeira exposição individual em 1965. Em 1966, participou na exposição “Primary Structures” no Museu Judaico em Nova Iorque (uma exposição seminal que ajudou a definir o movimento minimalista), apresentando um cubo modular sem título, aberto, de 9 unidades. No mesmo ano, foi incluído na exposição “10” na Dwan Gallery, Nova Iorque. Foi mais tarde convidado por Harald Szeemann para participar em “When Attitude Becomes Form”, no Kunsthalle Bern, Suíça, em 1969. Entrevistado em 1993 sobre esses anos, LeWitt observou: “Decidi fazer recuar a cor ou a forma e proceder de uma forma tridimensional”.
O Gemeentemuseum de Haia apresentou a sua primeira exposição retrospectiva em 1970, e a sua obra foi mais tarde apresentada numa importante retrospectiva a meio da carreira no Museu de Arte Moderna, Nova Iorque, em 1978. Em 1972
Em 2006, LeWitt”s Drawing Series… foi exibido em Dia:Beacon e foi dedicado aos desenhos dos anos 70 pelo artista conceptual. Os desenhadores e assistentes desenharam directamente nas paredes usando grafite, lápis de cor, lápis de cera e giz de cera. As obras foram baseadas nos princípios complexos de LeWitt, que eliminaram as limitações da tela para construções mais extensas.
“Sol LeWitt: A Wall Drawing Retrospective”, uma colaboração entre a Galeria de Arte da Universidade de Yale (YUAG), MASS MoCA (Museu de Arte Contemporânea de Massachusetts), e o Williams College Museum of Art (WCMA) abriu ao público em 2008 na MASS MoCA em North Adams, Massachusetts. A exposição estará patente durante 25 anos e está instalada num edifício histórico de três andares com 27.000 pés quadrados (2.500 m2) no coração do campus da MASS MoCA totalmente restaurado pela Bruner.
Além disso, o artista foi tema de exposições no P.S. 1 Contemporary Center, Long Island City (a Galeria Addison de Arte Americana, Andover (e Wadsworth Atheneum Museum of Art, Hartford (Incomplete Cubes), que viajou para três museus de arte nos Estados Unidos. Na altura da sua morte, LeWitt tinha acabado de organizar uma retrospectiva da sua obra no Museu de Arte Allen Memorial em Oberlin, Ohio. L”artista e i suoi artisti abriu no Museo Madre a 15 de Dezembro de 2012, em funcionamento até 1 de Abril de 2013.
As obras de LeWitt encontram-se nas colecções mais importantes do museu, incluindo: Tate Modern, Londres, Van Abbemuseum, Eindhoven, Museu Nacional da Sérvia em Belgrado, Centre Georges Pompidou, Paris, Hallen für Neue Kunst Schaffhausen, Suíça, Australian National Gallery, Canberra, Austrália, Guggenheim Museum, Museum of Modern Art, Nova Iorque, Dia:Beacon, The Jewish Museum in Manhattan, MASS MoCA, North Adams, National Gallery of Art, Washington D.C., e o Hirshhorn Museum and Sculpture Garden. A erecção da Pirâmide Negativa Dupla por Sol LeWitt no Europos Parkas em Vilnius, Lituânia, foi um acontecimento significativo na história da arte na era pós-Muro de Berlim.
Sol LeWitt foi uma das figuras principais do seu tempo; ele transformou o processo de fazer arte questionando a relação fundamental entre uma ideia, a subjectividade do artista, e a obra de arte que uma dada ideia poderia produzir. Enquanto muitos artistas desafiaram as concepções modernas de originalidade, autoria e génio artístico nos anos 60, LeWitt negou que abordagens como Minimalismo, Conceptualismo e Arte de Processo fossem meramente técnicas ou ilustrativas de filosofia. Nos seus Parágrafos sobre Arte Conceptual, LeWitt afirmou que a Arte Conceptual não era nem matemática nem intelectual, mas intuitiva, dado que a complexidade inerente à transformação de uma ideia numa obra de arte estava repleta de contingências. A arte de LeWitt não se trata da mão singular do artista; é a ideia por detrás de cada obra que ultrapassa a obra em si. No início do século XXI, a obra de LeWitt, especialmente os desenhos de parede, foi aclamada criticamente pela sua perspicácia económica. Embora os modos – a maior parte deles existem como simples instruções numa folha de papel – os desenhos podem ser feitos repetidamente, em qualquer parte do mundo, sem que o artista precise de estar envolvido na sua produção.
O seu recorde de leilão de 749.000 dólares foi estabelecido em 2014 para a sua guache em papelão Wavy Brushstroke (1995) na Sotheby”s, Nova Iorque.
Fontes
