William-Adolphe Bouguereau
gigatos | Abril 5, 2022
Resumo
A sua obra tem sido descrita como “a pintura quintessencial da sua geração”. Os catálogos incluem 828 pinturas de Bouguereau, principalmente sobre temas mitológicos, alegóricos e bíblicos. Os investigadores creditam a sua obra ao que tem sido chamado “Realismo Romântico”, uma vez que preferiu pintar a partir da vida e reproduzir o aspecto dos seus modelos com precisão fotográfica, seguindo os métodos do Romantismo. Apesar da sua fidelidade aos princípios académicos, incluindo a primazia do desenho sobre a cor, nos anos 1890 foi influenciado pelo Simbolismo, que interpretou como um método de revelar a essência da pessoa representada através de detalhes secundários que carregam significado semântico.
Membro titular da Académie des Beaux-Arts desde 1876, professor na École des Beaux-Arts (1888) e na Académie Juliane (1875). Em 1857, foi-lhe atribuída a Medalha de Honra do Salão, Comandante da Legião de Honra (1885). Beneficiando do seu sucesso comercial, Bouguereau não aceitou o Impressionismo e novas direcções nas artes plásticas e opôs-se consistentemente a elas utilizando recursos administrativos. Como resultado, foi esquecido após a sua morte, e durante muito tempo a literatura crítica reproduziu apenas opiniões negativas da sua obra, entendida principalmente como um pintor do género nu, entregando-se aos gostos mais básicos. Só desde os anos 80, quando a atitude em relação à arte académica de salão mudou, Bouguereau tem sido visto como um dos maiores pintores do século XIX, tendo criado muitos artistas famosos, incluindo Henri Matisse, Félix Valloton, Jules Adler, Wilhelm Liszt, Dimitrie Pachurea e outros.
William-Adolphe Bouguereau foi o segundo de oito filhos de Elie-Sulpice-Theodore Bouguereau e a sua esposa, Marie-Marguerite-Adeline Bonnen. O chefe da família era um pequeno homem de negócios e dirigia um armazém de vinhos. Segundo a tradição, Guilherme foi baptizado numa igreja calvinista, mas foi convertido à fé católica por insistência do seu tio sacerdote Eugène quando tinha cinco anos de idade. Em 1832 Theodore Bouguereau mudou-se para a ilha de Ré, onde planeou trabalhar no porto, onde o Guilherme de sete anos desenvolveu pela primeira vez as suas capacidades artísticas e pintou apaixonadamente sobre tudo o que podia. Nessa altura, a pobreza constante obrigou as crianças a serem enviadas para os cuidados de familiares, Guilherme foi colocado aos cuidados de Eugene Bouguereau, o irmão mais novo de Theodore, que tinha então 27 anos de idade. O tio sacerdote incutiu em William uma fé sincera, bem como um amor pela literatura. Eugène Bouguereau providenciou ao seu sobrinho a frequência de uma escola em Pont, onde podia frequentar aulas de desenho e rapidamente alcançou sucesso; a escola foi ensinada por Louis Sage, um aluno de Ingres.
Quando William tinha 17 anos, o seu pai fez uma fortuna no comércio do azeite e convocou o seu filho para Bordéus para aprender o negócio. Contudo, o filho queria tornar-se pintor, e apesar da atitude hostil do seu pai, os seus clientes persuadiram-no a enviar William para a Escola de Belas Artes de Bordeaux, na condição de que isso não o impedisse de aprender o ofício. Como resultado, William Bouguereau assistiu às aulas de manhã cedo e à noite, e trabalhou na loja durante o dia. Em 1844 ganhou o primeiro prémio para uma pintura histórica; o concurso era dos alunos da Escola de Belas Artes, que frequentavam a tempo inteiro. O sucesso condicionou grandemente a relação pai-filho: William sonhava em mudar-se para Paris para estudar, mas não havia dinheiro. O tio Eugène conseguiu encontrar clientes para William, a quem pintou retratos por uma pequena quantia; em três meses, Bouguereau Jr. criou 33 retratos e ganhou 900 francos. De acordo com alguns relatórios, William Bouguereau concebeu etiquetas para frascos de compota, etc., para comerciantes.
Em Abril de 1846, William Bouguereau, de 21 anos, entrou no estúdio de François Picot e, por sua recomendação, na Ecole des Beaux-Arts. A partir de 1848, participou no concurso para o Prix de Rome, no qual não mais de 10 estudantes foram admitidos no processo de selecção. Em 1848 foi-lhe atribuído o terceiro lugar no concurso para um quadro da vida do Apóstolo Pedro e em 1849 apenas o sétimo lugar para um quadro sobre o tema da Odisseia. O artista de 26 anos de idade atingiu o seu objectivo em 1850: o seu quadro “Zenobia, encontrado na margem do Arax” recebeu menos votos do júri do que a obra de Paul Baudry, mas porque em 1848 ninguém foi enviado para Itália devido a acontecimentos revolucionários, ocorreu uma vaga na Academia Francesa em Roma. Bouguereau existia nessa altura com um estipêndio de 600 francos, que lhe era pago pelo município de La Rochelle, pelo que uma manutenção de 4000 francos durante quatro anos lhe parecia um luxo.
“Zenobia foi uma peça de competição baseada num tema dos Anais de Tacitus; destinava-se a mostrar a capacidade do artista de pintar várias figuras de ângulos diferentes. Bouguereau mostrou um domínio confiante tanto da anatomia como da psicologia: as figuras não são idênticas e as personagens são individuais. A figura do Zenobia ferido é mostrada numa complexa perspectiva “intermediária”, onde as figuras congeladas dão a impressão de uma “performance dinâmica, onde todos improvisam de acordo com o seu papel” (definição de A. A. Shestimirov). A figura de um rapaz nu que se senta na alvenaria destaca-se aqui; este é o momento em que o pincel do artista capturou. Os críticos também notaram que Bouguereau conseguiu atingir o nível de artesanato dos séculos passados, aparentemente inspirado por cenas da remoção da cruz, em que a figura de Jesus Cristo era normalmente representada numa perspectiva semelhante.
Em 1850, juntamente com Baudry, Bouguereau foi enviado para Roma durante quatro anos. Na Academia Francesa conheceu H. Boulanger e J. Leneveux, mas acima de tudo fez amizade com o pintor paisagista P. Curzon. Juntos fizeram muitas viagens por Itália, visitando Nápoles, Pompeia, Siena, Perugia, Assis, Florença, Pisa, Milão, Ravena e assim por diante. Bouguereau estava principalmente interessado no período renascentista do complexo, e pôde visitar quase todos os museus e colecções privadas, incluindo os mais pequenos. William Bouguereau copiou monumentos romanos antigos e também fez uma réplica do ciclo completo de murais na Basílica de San Francesco em Assis. Também copiou Raphael”s Triumph of Galatea e Titian”s Triumph of Flora.
Em Itália, os gostos e preferências estéticas de Bouguereau tomaram forma. Considerava Michelangelo, Rafael e Leonardo da Vinci como as suas principais autoridades na pintura. Botticelli considerou mais “nervoso”, demasiado excêntrico nas suas alegorias, especialmente “A Primavera”. Também contou Correggio entre os génios, mas negou este estatuto a Mantegna, considerando as suas obras “sem alma”.
Enquanto esteve em Roma, Bouguereau esperava enviar os seus quadros para o Salão de Paris. Uma das suas primeiras obras independentes foram as grandes (281×225 cm) Dante e Virgil no Inferno, pintadas no ano em que chegou a Roma. A ideia original parece ter sido influenciada por uma pintura Delacroix sobre o mesmo assunto. Delacroix, como Ingres, contava Bouguereau entre os maiores artistas do século XIX. Argumentou que o que era primordial no seu trabalho era a sinceridade da imagem “…o que viam e sentiam, usando meios adequados ao seu ideal, e especialmente a linha”. Voltando ao assunto de Dante, Bouguereau estabeleceu uma tarefa extremamente ambiciosa, especialmente ao transmitir paixões que iriam ultrapassar Delacroix. O naturalismo deveria ter levado o público a acreditar na brutalidade das forças que reinam no Inferno. No entanto, a cena atraiu ataques de críticos e repugnância do público no Salão de 1850.
Em Pádua e Assis Bouguereau mergulhou num estudo da obra de Giotto. De acordo com ele:
“Giotto foi o primeiro a libertar a experiência humana de qualquer motivação teológica, tornando-a um sujeito independente de representação artística”.
Na arte de Giotto Bouguereau foi sobretudo atraído por gestos e representações de rostos, ao descobrir a profunda relação emocional entre a pintura Proto-Renascentista e a galanteria francesa do século XVIII. Esta “descoberta” definiu o trabalho de Bouguereau para o resto da sua vida: ele acreditava no poder do hábito humano transmitido externamente através de gestos. Ao retratar as pessoas, começou a trazer detalhes e movimentos não intencionais à tona. Isto é evidente nas suas duas pinturas de 1850 e 1851, igualmente intituladas Idyllia. Os seus súbditos e a forma de escrever fazem lembrar os pastorais rococó.
Em Roma Bouguereau pintou uma série de grandes telas sobre temas religiosos (em particular O Triunfo do Martírio em 1854), que chamaram a atenção das autoridades seculares e eclesiásticas francesas. No final da sua viagem de reforma, recebeu várias comissões para a decoração de igrejas: a hagiografia de St. Louis para a capela de St. Clos, as hagiografias dos Santos Pedro e Paulo e João Baptista para a igreja de Santo Agostinho em Paris, e várias outras. Também recebeu várias comissões para a decoração das mansões de A. Bartoloni e E. Pereira, para a primeira das quais criou “Arion on the Seahorse” e “The Bacchante”. Estas obras demonstram a inquestionável capacidade do artista para a pintura monumental. As obras de Bouguereau, expostas no Salão de 1857, suscitaram uma resposta entusiástica de Theophile Gautier e receberam uma medalha de honra – principalmente pela decoração da Mansão Bartoloni. O resultado foram comissões do Imperador Napoleão III. Em 1857, por exemplo, Bouguereau foi oficialmente encarregado de pintar “O Imperador Visitando as Vítimas das Cheias de Tarascon em Junho de 1856”.
Já em 1856 Bouguereau casou com Marie-Nellie Montchablon, que deu à luz em 1857 a filha Henriette, o primeiro dos seus cinco filhos. A família em crescimento necessitava de uma fonte de rendimento estável, que era fornecida por um conhecido comerciante de arte famoso, Paul Durand-Ruel. Na altura, pequenos quadros representando mulheres em trajes populares e várias cenas de género, na sua maioria cenas familiares, eram procurados. Tais obras dominaram a própria colecção de Durand-Ruel e isto abriu uma nova direcção na obra de Bouguereau.
É impossível determinar que impressão ou acontecimento em particular formou a base de O Dia da Memória dos Mortos. Na altura, os trabalhos do género Bouguereau baseavam-se necessariamente num evento ou associação em particular. O mesmo aconteceu com as obras decorativas: o famoso painel Dança foi basicamente uma interpretação livre do fresco Aurora de Guido Reni. Há uma teoria de que a Pietà de Miguel Ângelo foi a fonte de inspiração para o “Dia da Memória”. A composição é complexa, duas figuras entrelaçadas formam um triângulo que torna toda a composição monumental. Segundo A. Shestimirov, as mãos sobre o fundo da roupa de luto tornam-se particularmente expressivas; os dedos dormentes exprimem o pesar não menos do que o rosto da mãe.
Os idílios de Bouguereau datam do início da década de 1860 e foram uma resposta à sua polémica com Jean Millet, que já em 1857 apresentou o seu quadro “Harvest Girl” no Salão e continuou em 1859 a retratar o trabalho duro dos camponeses. Bouguereau tentou contrastar a ideologia da arte de Millais com cenas de felicidade familiar. Ao contrário dos realistas, para Bouguereau os nus profissionais, que permitiram mesmo nas simples cenas populares levar a cabo o princípio básico do academismo – a arte por definição representa um mundo de beleza, não o feio, um mundo de harmonia e de valores eterna afirmação da vida.
Em 1861 o casal teve uma segunda filha, Jeanne, que deixou o pai quase completamente absorvido no melhoramento da casa; em 1862 Bouguereau pintou apenas dois quadros, ambos de conteúdo mitológico. Destas duas obras, “Orestes perseguidos por Arynias” é a mais famosa. Como no caso de “Dante e Virgil”, o tema do duelo e das paixões desinibidas atraiu o artista. A inspiração artística desta vez foi alimentada pela composição de Michelangelo “A Criação de Adão”, em qualquer caso, a mão da Aerínia com o dedo indicador estendido recorda a mão de Deus das hostes. No entanto, o significado dos gestos é exactamente o contrário – o Deus do Antigo Testamento estava a dar a Adão algum do Seu poder, enquanto na mitologia antiga as Aerynias estavam a retirar poder a Orestes, ao mesmo tempo que apelavam à consciência do assassino-mãe. Apesar do seu sucesso no Salão, Bouguereau não conseguiu vender o quadro durante sete anos, até que este foi comprado pelo negociante de arte americano S. Aweghi em 1870.
Em 1864 Bouguereau apresentou o seu primeiro trabalho nu ao público – foi The Bathing Lady. A composição francamente erótica parece ter sido inspirada pelo Salão de 1863, onde obras deste tipo estavam em abundância, entre as quais Cabanel”s The Birth of Venus de Cabanel se destacou e foi imediatamente comprada pelo Imperador. Apesar das críticas dos críticos da época, A. Shestimirov observou que a Vénus de Cabanel foi pintada no estúdio e depois colocada numa paisagem marítima, com a superfície do mar mais parecida com “um pavimento plano e liso”. Na sua obra, Bouguereau virou-se para as descobertas teóricas dos mestres da Renascença, muito especialmente Leon Battista Alberti, que aconselhou os pintores a observar rigorosamente as gradações de luz e sombra, evitando a dureza dos contornos. Em resultado disso, para toda a convencionalidade da paisagem de fundo, Bouguereau foi capaz de alcançar uma unidade da figura feminina com o seu ambiente.
A estética deste e de nus semelhantes foi delineada por Theodore Dreiser no seu romance autobiográfico Genius:
As imagens favoritas de Bouguereau não eram de criaturas rechonchudas, pequenas, frágeis, desprovidas de força e paixão, mas de belas mulheres de sangue puro, com linhas voluptuosas de pescoço, braços, peito, ancas e pernas, mulheres concebidas para acender o fogo febril no sangue de um homem jovem. O artista sem dúvida compreendeu e conheceu a paixão, a forma amada, a sensualidade, a beleza…
Nos anos 1860 Bouguereau virou-se para o tema da maternidade, que parece ter sido influenciado por Millet. Contudo, as imagens de Bouguereau diferiam fundamentalmente no seu tratamento e tratamento artístico do tema. Em primeiro lugar, Bouguereau contrastou a generalização das imagens de Millais com o retrato mais detalhado dos rostos, mostrando a dignidade e a individualidade das personagens. Nas pinturas de Bouguereau não há atributos de trabalho árduo, e como é habitual na arte académica, a forma prevaleceu sobre o conteúdo. O método de trabalho não foi desenvolvido imediatamente, o artista utilizou inicialmente formas clássicas para os idílicos e não se apercebeu imediatamente da possibilidade de retratar um ambiente relaxado. Enquanto Millais colocava os seus modelos na postura que desejava, Bouguereau, trabalhando com mulheres e crianças pequenas, permitia-lhes brincar, discutir, cambalear, etc. No que ele considerava serem momentos de sucesso, ele esboçava os movimentos, cada vez tentando capturar o fugaz: a franqueza do olhar e do gesto, os impulsos subconscientes. A naturalidade do assunto assegurava que este era divertido e valorizado pelos seus clientes.
A primeira pintura sobre o tema da maternidade, Mãe e Filho, foi concluída em 1861. A imagem canónica da Madonna tal como interpretada pelos mestres renascentistas foi tomada como base para a composição, em particular, como em Rafael, a mãe é retratada meia-volta. Nos seus modelos, Bouguereau sempre sublinhou a correcção dos traços faciais e a dignidade da figura. Para além das mães, Bouguereau retratou de boa vontade irmãs mais velhas, por exemplo, na pintura epónima “Big Sister” (1869) o artista tentou recriar um retrato psicológico de uma rapariga séria que por acaso cuidava de uma criança pequena. Os seus próprios filhos – a sua filha mais velha Henriette e o filho mais novo Paul – posaram para ele. No quadro “The Pastoral” de 1868, Bouguereau, não satisfeito com as possibilidades da composição clássica, tentou encontrar outros meios expressivos, voltando-se para a antiguidade. A cena familiar resultante (a mãe a dançar com os filhos ao acompanhamento da irmã mais nova, observada pelo pai com barba) revelou-se dinâmica, mas não satisfez o autor, porque ao longo dos anos começou a esforçar-se por mostrar a realidade real, na qual seria apenas um espectador.
Bouguereau conseguiu concretizar estas ideias em 1869, quando pintou vários quadros (incluindo A Cluster of Grapes and A Mother”s Delight) que se distinguem pela sua composição livre, as suas heroínas, totalmente absorvidas nos seus filhos, não olham para o espectador. E mais tarde, Bouguereau voltou repetidamente ao tema da maternidade e da ternura das relações de parentesco. Por vezes, este género era cruzado com representações de pessoas pobres e indigentes, incluindo os ciganos.
Em 1866, enquanto Bouguereau trabalhava numa pintura da Igreja de Santo Agostinho, a sua segunda filha Jane morreu. O artista respondeu com várias pinturas sobre o tema da dor, incluindo a Oração, em que uma jovem mãe e a sua filha, ambas segurando uma única vela, rezam pela saúde do seu filho doente. A pintura lembra mais uma vez os mestres da Renascença. Vários dos primeiros retratos e as imagens da menina cigana de 1867 mostram lágrimas. Para se distrair, no final dos anos 1860 Bouguereau viajou bastante, visitando a Suíça e a Bélgica; das províncias francesas, viajou com mais frequência para a Bretanha. Os seus rendimentos permitiram-lhe em 1868 construir uma grande casa com um estúdio no bairro artístico de Montparnasse, com Emile Durand, Rosa Boehner e James Whistler a viver e a trabalhar nas proximidades.
Com o início da Guerra Franco-Prussiana, Bouguereau evacuou a sua família para a Bretanha, mas permaneceu em Paris. Durante o cerco da cidade, juntou-se à Guarda Nacional como soldado raso; após a proclamação da Comuna de Paris, contudo, fugiu para La Rochelle, onde se reuniu com a sua família. A família não regressou à capital até Setembro de 1871. Não surpreendentemente, apresentou a sua única obra no Salão de 1870 – foi The Bathing Lady, uma reprodução da famosa estátua antiga de Vénus Anadimena. Esta pintura abriu uma grande série de obras no género nu, que se tornou determinante para Bouguereau na década de 1870.
A pintura de 1873 Ninfas e Satyr foi um marco histórico. A enorme tela (260×180 cm) não era uma ilustração de nenhum tema particular da literatura e mitologia antigas, o seu tema era uma fantasia sobre o tema da sedução. Esta forma representou provavelmente um compromisso entre as aspirações criativas do artista e as exigências do público. Ao analisar as razões do fracasso de Dante e Virgil e Orestes perseguidos pelos aerynianos no Salão, Bouguereau escreveu:
I… percebi que pinturas com temas horríveis, selvagens e heróicos não compravam bem porque o público preferia venus e cupidos.
Por outras palavras, houve uma crise do género académico: tradicionalmente, a Escola de Belas Artes e a Academia declaravam que o género mais elevado de arte era a pintura histórica e alegórica, enquanto o público que assistia ao Salão estava habituado ao nu e valorizava a representação impecável da beleza feminina. No entanto, Bouguereau manteve-se fiel a si próprio e mostrou a sedução do sátiro tanto como uma dança como uma luta. O tratamento da sedução como dança erótica tornou-se mais tarde um tema constante nas pinturas de Bouguereau. Um exemplo notável é a pintura Flora e Zephyr, possivelmente baseada no ballet de Didlo à música de Cavos, em que a sedução é interpretada como uma investida dinâmica e resoluta, com a Flora seminua com a cabeça curvada “dando ao quadro um entretenimento sensual”.
O quadro “Regresso da Colheita” parece estar intimamente ligado à iconografia do voo para o Egipto, mas a sua composição utiliza um motivo de dança. O tema pode também estar relacionado com os festivais de Bacchic. Este tema foi mais tarde desenvolvido na pintura multifigurada The Youth of Bacchus de 1884.
Bouguereau não abandonou o tema camponês que tinha iniciado nos anos anteriores. Foi agora interpretado no espírito do sentimentalismo de Greuze. As mulheres camponesas de Bouguereau são caracterizadas pela sua própria dignidade; ao contrário dos modelos de Millet, não evocam piedade, nem são caracterizadas pela miséria intelectual. A rejeição de Bouguereau de imagens generalizadas e cenas de trabalho árduo foi a posição de princípio do artista: os espectadores do Salão queriam ver imagens que lhes eram familiares a partir de imagens e peças de teatro do género pastoral (tais obras caracterizam-se por uma certa repetição de temas, mas todos eles diferem em subtil habilidade na representação de rostos, mãos, pernas, pés e a textura da pele.
Bouguereau continuou a trabalhar nos géneros académicos tradicionais da pintura histórica e alegórica. Um exemplo notável é a sua pintura Arte e Literatura. A composição do par em tamanho humano (formato 200×108 cm) é marcada pela precisão quase fotográfica da pintura, e são utilizadas cores brilhantes, não muito típicas do estilo do artista.
A metade e a segunda metade da década de 1870 foram os anos mais difíceis para Bouguereau emocionalmente – houve uma série de perdas na sua família. Em 1875, aos 16 anos de idade, o filho mais velho de Bouguereau, Georges, adoeceu e morreu. Em Outubro de 1876 nasceu um terceiro filho, Maurice, mas a mulher do artista de 40 anos morreu no início de Abril de 1877 devido a complicações após o parto. O filho mais novo morreu em Junho do mesmo ano. O estado em que o artista se encontrava, empurrou-o para a pintura religiosa. Uma das suas pinturas religiosas mais penetrantes foi a ”Pieta”, baseada no grupo escultórico de Miguel Ângelo da Catedral de São Pedro, em Roma. Ele não desenvolveu a tradição renascentista de retratar a Virgem Maria no fundo da cidade de Jerusalém; ao rodear a Virgem Maria com anjos, o artista salientou que a morte de Cristo foi a catástrofe pessoal mais profunda. Após a morte da sua esposa, Bouguereau pintou Nossa Senhora da Consolação, na qual mostrou Maria como mediadora entre a dor da sua mãe, que estava a experimentar a morte do seu filho, e o Céu. O artista utilizou posteriormente o tema desta pintura em muitas das suas obras, introduzindo elementos desenhados a partir da pintura renascentista. In The Mercy” (1878), por exemplo, o jarro virado cheio de moedas de ouro e prata, pisado pelo pé esquerdo da mãe, é pintado, sublinhando que as crianças são mais preciosas do que o dinheiro. Os livros, nos quais o rapaz se inclina, expressam o desejo da mãe de educar os seus filhos. As alegorias descomplicadas levaram mais tarde a uma séria busca artística por parte de Bouguereau. O famoso historiador de arte americano da época, Earl Shinn (1838-1886), escreveu sobre A Misericórdia:
Bouguereau é frequentemente repreendido pela suavidade e polimento da escrita para conseguir a suavidade da pintura acabada, o que transforma a perfeição numa falha. Mas para este assunto, a suavidade diamantífera da superfície ajuda a impressão: ”Misericórdia” parece inatacável, como deveria ser.
A partir de 1875 Bouguereau começou a ensinar na Académie Julian privada. Entre aqueles que vieram estudar no seu estúdio ao longo dos anos estavam Henri Matisse, Oton Friese, Edmund Tull, Gustave Jacquet, Paul Chabas, Emilie Dejeux, Pierre Auguste Côt, Albert Lynch, Peter Mönsted, José Julio de Souza Pinto, Nasreddine Dine e George Clausen. Em 1876, o artista foi eleito membro vitalício da Academia de Belas Artes, e seis meses mais tarde foi nomeado Oficial da Legião de Honra. Em Dezembro de 1877, Bouguereau conheceu Elizabeth Jane Gardner, uma americana, que se tornou a sua primeira aluna e amante. O casamento foi oposto pela filha mais velha do artista e pela sua mãe, mas William e Elizabeth casaram em segredo em Maio de 1879. Não puderam anunciar formalmente o seu casamento até 1896.
No mesmo ano, 1879, Bouguereau realizou um grande quadro sobre O Nascimento de Vénus. A escolha do tema pode ter sido devido a uma rivalidade com Cabanel, cuja pintura foi durante muitos anos considerada a referência para a pintura académica. Bouguereau caracterizou-se geralmente por um sentimento de rivalidade e um desejo de ultrapassar um dos seus contemporâneos, como foi o caso de Millais.
No início da década de 1880 Bouguereau pintou uma série de alegorias dedicadas às estações do dia, nas quais conseguiu uma combinação harmoniosa de sensualidade e lirismo. Estes serviram como uma transição para pinturas que eram completamente desprovidas de enquadramento mitológico ou de associações alegóricas. Em 1884, os Padres Sentados e Desnudos foram pintados desta forma. Nestas obras, Bouguereau mostrou o fascínio do corpo feminino tomado por si; acredita-se, no entanto, que estas figuras se destinavam a actuar como auxiliares visuais para a educação dos estudantes. Numa palestra dada em 1885 no Institut de France, William Bouguereau declarou, entre outras coisas:
A arte antiga mostra que uma fonte inesgotável de inspiração reside num número relativamente limitado de elementos – cabeça humana, busto, braços, tronco, pernas, abdómen. Quantas obras-primas foram criadas onde apenas elas foram usadas! Porquê então procurar outros temas para pintura ou escultura?
No Salão de 1886, um grande escândalo foi causado pelo quadro O Regresso da Primavera, dedicado ao tema do nascimento do amor: o artista foi acusado de “imoralidade”. Em 1890 a tela foi comprada nos Estados Unidos e mudou-se para Omaha, onde um dos espectadores até tentou destruir o quadro, “para proteger a dignidade da mulher. O artista demorou muito tempo com incidentes deste tipo; orgulhava-se deste quadro e numa das suas cartas ao genro afirmou que “a pose e expressão da jovem mulher é, penso eu, bastante correcta”. As ideias por trás de O Regresso da Primavera foram também activamente utilizadas por Bouguereau na década de 1890. Típico aqui é a Invasão do Reino de Cupido, mas os críticos, embora reconheçam o elevado padrão da sua arte, censuram-no por “infinitas variações do mesmo assunto luxurioso”. Kenneth Clarke descreveu os nus de Bouguereau como “manifestamente voluptuosos” enquanto embelezam a realidade.
Uma série de pinturas de rapazes alados, feitas nas décadas de 1880 e 1890, é reconhecida como mais original. Estas pinturas eram frequentemente anedóticas no tema e combinavam “um sabor franco da ternura da carne num tema fantasmagórico”. Foram estas obras que criaram a reputação de Bouguereau como um artista que se entregou ao gosto indiscriminado da burguesia rica. Logicamente, isto levou à criação de telas programáticas, The Gifts of Love (1893) e Delight (1897). O artista envelhecido tentou tornar a sua mensagem clara – o mundo será salvo pelo amor, mas a sua encarnação não é o Cupido másculo e militante, mas sim um rapaz subtil.
William Bouguereau foi um devoto do academismo e do “romantismo ideal” ao longo da vida, mas na década de 1890 um novo método de revelar a essência da pessoa retratada emergiu em várias das suas obras, sem dúvida influenciada pelo simbolismo. Ele estava longe da ideia de visualização de devaneios, expressa pelos teóricos do simbolismo, tal como não podia abandonar a adesão exacta à natureza para criar imagens desejáveis, como Gauguin ou Moreau. O mais próximo que chegou de Rossetti foi provavelmente Rossetti, que viu uma semelhança entre o seu simbolismo contemporâneo e o simbolismo dos antigos mestres europeus, o que lhe permitiu complementar a imagem retratada ou transmitir o seu significado íntimo. Bouguereau utilizou este método principalmente nas suas obras do género “camponês”, mas motivos semelhantes podem ser encontrados numa pintura sobre um tema antigo chamado “Trabalho Interrompido”. Uma bola de fio nas mãos de uma rapariga denota um devaneio que se afasta do verdadeiro caminho da vida.
Uma das primeiras obras em que as experiências da heroína foram transmitidas através de símbolos foi a pintura The Broken Jug. Embora a causa da dor da rapariga seja desconhecida, a tensão é transmitida pelas mãos apertadas, o que, nas obras dos anos 1860-1870, teria sido suficiente para caracterizar o mundo interior. No entanto, os detalhes do quadro dão muitas pistas: o dente-de-leão amarelo na margem direita do quadro indica a separação, e o jarro partido – a perda da virgindade e o colapso das esperanças. Muitos quadros da década de 1890 mostram os mesmos símbolos: ”Rapariga com Maçãs”, ”Rapariga com Limões”, ”Margaridas”, e outros. Flores e frutos simbolizam a bondade e inocência, frescura e fé.
Durante este período, a pedido dos seus negociantes de arte e clientes ricos, Bouguereau vira-se para o género retrato, embora já nos anos 1850 tenha experimentado com os seus muitos parentes. A maioria destes retratos são mantidos em colecções privadas, com o único “Retrato da Contessa Cambaceres” no Museu do Estado. Difere nitidamente das obras do género da artista, uma vez que o modelo é limitado internamente e carece de naturalidade, apesar da irrepreensível prestação da sua aparência e do seu vestido de seda. No entanto, os estudos sobreviventes, como o Retrato de Gabrielle Côte (filha de um dos alunos de Bouguereau), são considerados como estando entre os melhores exemplos de retratos franceses.
Durante os últimos vinte anos da sua vida, Bouguereau foi mais activo na vida pública do que antes. Já em 1883 foi eleito presidente da Associação do Barão Taylor, que apoiava artistas carenciados e suas famílias. Em 1885 foi nomeado Comendador da Legião de Honra e em 1886, graças aos seus esforços, foi organizada uma exposição póstumo de obras do seu amigo Paul Baudry. Em 1892 começou a expôr regularmente em Londres, na Royal Academy of Arts. Em 1894 Bouguereau foi eleito vice-presidente da Exposição Internacional de Antuérpia e membro do júri da secção de pintura. Em 1898, num banquete dado pelo Presidente da Câmara de Londres, negociou uma exposição de artistas franceses na Galeria Gouldhall, que teve algum impacto no mercado artístico vitoriano. Em 1901 Bouguereau foi convidado para um banquete oficial em honra de uma visita a França do Imperador russo Nicolau II e da Imperatriz.
O seu estatuto oficial permitiu a Bouguereau entrar num debate sobre novas direcções na arte, ao qual se opôs fortemente, após o qual, tal como outros pintores académicos da sua geração, passou a ser visto como um reaccionário completo. O próprio Bouguereau expressou-se da seguinte forma:
Aceito e respeito todas as escolas de pintura que se baseiam num estudo sincero da natureza, numa busca da verdade e da beleza. Quanto aos místicos, impressionistas, pontilistas, etc., não vejo como eles vêem. Esta é a única razão para a minha opinião negativa sobre eles.
A pintura de William Bouguereau da última década da sua vida fez poucos progressos. Em memória de Beaudry havia várias representações de mulheres nuas contra o fundo de uma onda que chegava; uma das suas últimas pinturas foi Okeanida (1905). Já em 1902, Bouguereau apresentou A Jovem Sacerdotisa, aparentemente uma resposta da artista francesa aos temas da pintura académica vitoriana da época. As representações das mulheres modernas em drapeados antigos e ambientes ricos eram características dos principais académicos ingleses da época – Alma-Tadema e Godward. A harmonia entre o rosa e o branco estava de acordo com a estética “arte pela arte” que se espalhava em Inglaterra.
Em Julho de 1905, o artista de 79 anos partiu para a sua terra natal de La Rochelle, onde morreu a 19 de Agosto. Cinco dias depois foi enterrado no cemitério Montparnasse em Paris com as honras que lhe eram devidas como Comandante da Legião de Honra.
William Bouguereau foi um prolífico pintor que produziu mais de 800 quadros, incluindo alguns de tamanho gigantesco, durante a sua vida. O método e a técnica criativa do pintor tomou forma na década de 1860. O processo de pintura incluiu várias fases, a primeira das quais foi a realização de um esboço inicial a lápis ou carvão (com branqueamento). Seguiram-se esboços a óleo nos quais foram trabalhadas as gradações de cor e onde os estudos de cor eram na realidade uma pintura abstracta. Depois veio a vez dos estudos detalhados de rostos, partes de figuras, vestuário e drapejamento. Bouguereau trabalhou muito rapidamente: não precisou de mais de 3-4 horas para cada esboço, que muitas vezes não exigiu quaisquer alterações e foi colocado na versão final do quadro. O gesso para todos os esboços tinha de coincidir com o gesso da versão final. Uma das etapas importantes do trabalho preparatório foi desenhar caixas de cartão, como ele chamou aos esboços de composição. Só depois de os pormenores terem sido trabalhados é que a pintura da tela principal começou. Tal como os antigos mestres, Bouguereau utilizava tanto os doentes como os vernizes, cuja composição escondeu cuidadosamente não só dos seus colegas mas também dos seus alunos. Praticamente nenhum deles continuou na direcção desenvolvida pelo seu professor. O conflito entre Bouguereau e Matisse é bem conhecido, com o professor a aconselhá-lo “não só a estudar a perspectiva mais profundamente, mas também a aprender a segurar um lápis em geral”. Como todos os académicos, Bouguereau considerou o desenho como sendo a base da sua técnica de pintura e de toda a teoria rejeitada, insistindo que a experiência só vem com a prática contínua. Em estilo, as pinturas de Bouguereau assemelham-se apenas às da sua aluna e esposa Jane Gardner.
Na sua vida privada, Bouguereau era despretensioso e propenso ao ascetismo. P. Veron escreveu que em tudo, incluindo a sua roupa, “mostrou uma tendência para a simplicidade grosseira”. Bouguereau trabalhou de acordo com uma ordem estabelecida de uma vez por todas, que não devia ser quebrada mesmo quando ele estava doente. “Invariavelmente, todos os dias à hora marcada, sentava-se para trabalhar e pintava um certo número de horas. Alguns estatísticos chegaram mesmo a afirmar que em cada estação o Sr. Bouguereau fazia o mesmo número de pinceladas”.
Para os seus contemporâneos, Bouguereau foi um dos maiores pintores do século XIX, e os seus quadros eram altamente apreciados, adquiridos por coleccionadores nos Estados Unidos, Bélgica, Holanda e Espanha; coleccionadores americanos compraram especialmente muitos dos seus quadros e nos Estados Unidos Bouguereau tinha a mais alta reputação, e as suas obras estão expostas em 70 museus desse país, sem contar com colecções privadas. Durante as últimas décadas da sua vida, porém, foi alvo de duras críticas por parte dos impressionistas, e Edgar Degas até cunhou o termo depreciativo Bouguereauté, que aplicou a um estilo de arte inclinado para superfícies mais suaves e pinceladas. Imediatamente após a sua morte, Bouguereau tornou-se um pária no mundo da arte; as suas obras foram enviadas para os cofres dos museus; os críticos de vanguarda ficaram particularmente irritados com o seu comercialismo e predilecção pelos nus. O crítico Pierre Veron escreveu já em 1881:
Nada apela aos burgueses pacíficos como um quadro sem originalidade. Tal imagem ele compreenderá e desfrutará imediatamente; enquanto as tentativas ousadas dos recém-chegados confundem decisivamente os burgueses.
O artista foi ainda mais fortemente expresso por P. Gnedich, que proclamou o estilo de Bouguereau como sendo “uma mistura de Winterhalter, Boucher e Fragonard”, e os temas como sendo “fórmulas” e “brincadeiras infantis”. Na crítica de arte soviética havia opiniões ainda mais extremas, por exemplo, A. Chegodaev incluiu Bouguereau (juntamente com outros artistas da sua geração – Jerome, Cabanel, Meissonnier) entre o povo “que, através dos seus esforços conjuntos, criou uma imagem única da cultura artística, única na sua banalidade condensada”.
A primeira retrospectiva da obra de Bouguereau desde a sua morte, em parte entendida como uma curiosidade, teve lugar em 1974 em Nova Iorque. O organizador da exposição e curador Robert Isaacson (1927-1998) empenhou-se em reabilitar Bouguereau e os seus contemporâneos. Isaacson publicou um catálogo da exposição em 1974. Em 1984, o Museu de Montreal organizou a primeira exposição enciclopédica de Bouguereau, que também foi exibida em Paris, no Musée Petit Palais. A partir da mesma altura, as obras de Bouguereau começaram a ser valorizadas no mercado de antiguidades. Se nas primeiras vendas em 1977 o valor das suas obras não ultrapassou $10.000, em 2005 tinha ultrapassado a marca de $23.000.000.
Fontes
