Yves Klein

gigatos | Fevereiro 1, 2022

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Resumo

Yves Klein era um artista francês, nascido a 28 de Abril de 1928 em Nice e falecido a 6 de Junho de 1962 em Paris.

Em 1954, finalmente voltou-se para a arte e começou a sua “Monochrome Adventure”.

Na sua busca da imaterialidade e do infinito, Yves Klein adoptou o azul ultramarino como veículo para este azul mais que azul, a que chamou “IKB” (International Klein Blue).

Dos seus monocromos, ao vazio, à “técnica do pincel vivo” ou “Antropometria”, à utilização dos elementos da natureza para manifestar a sua força criativa ou ouro, que utiliza como passagem para o absoluto, concebeu um corpo de trabalho que ultrapassa as fronteiras da arte conceptual, do corpo e do happening.

Pouco antes de morrer aos 34 anos de idade de um ataque cardíaco, Yves Klein confidenciou a um amigo: “Vou entrar no maior estúdio do mundo. E só aí farei obras imateriais”.

Yves Klein nasceu em Nice em 1928, de dois pintores, Fred Klein (1898-1990) e Marie Raymond (1908-1989), que viveram entre Paris e Nice durante a sua infância. Não escolheu imediatamente uma carreira artística e estudou na École nationale de la marine marchande e na École nationale des langues orientales em Nice de 1944 a 1946.

Em 1947, quando jovem, trabalhou em Nice, na livraria que a sua tia Rose Raymond lhe tinha preparado na sua loja. Durante o Verão, Yves Klein conheceu Claude Pascal e Armand Fernandez, o futuro Arman, no clube de judo da sede da polícia de Nice, uma disciplina que na altura era considerada tanto um método de educação intelectual e moral que visava o auto-controlo como um desporto. Unidos por uma grande atracção pelo exercício físico, os três aspiravam à “Aventura” da viagem, criação e espiritualidade. O Judo foi a primeira experiência de Yves no espaço “espiritual”. Na praia de Nice, os três amigos escolheram “partilhar o mundo”: Armand tinha a terra e as suas riquezas, Claude Pascal o ar e Yves o céu e o seu infinito.

Ao ler a Cosmogonia dos Rosacruzes de Max Heindel, ele também descobriu o misticismo Rosacruz em 1947. O ensino esotérico da Irmandade Rosacruz, da qual se tornou membro até 1953, através do centro Oceanside na Califórnia, bem como a leitura de Gaston Bachelard, forjará os fundamentos do pensamento que alimentará a sua obra.

Atraído pelas viagens, entre 1948 e 1954 fez várias viagens ao estrangeiro, primeiro a Itália, onde em 1950 Lucio Fontana produziu as suas primeiras monocromas, mas que perfurou, intituladas “Concetto spaziale” (conceito espacial) e fundou o espacialismo, depois a Inglaterra de 2 de Dezembro de 1949 a 25 de Novembro de 1950, onde aperfeiçoou o seu inglês e trabalhou com o enquadramento Robert Savage, que o introduziu no douramento, depois na Irlanda, Espanha e finalmente no Japão. As suas primeiras experiências pictóricas foram pequenas monocromos produzidos e exibidos em privado em 1950, durante a sua estadia em Londres. Ao mesmo tempo, imaginou uma Monoton-Silence Symphony e escreveu roteiros de cinema sobre arte.

A 3 de Fevereiro de 1951, Yves Klein partiu para estudar espanhol em Madrid, onde se inscreveu num clube de judo. Substituiu um instrutor e a partir daí passou a preencher regularmente, tornando-se muito próximo do director da escola, Fernando Franco de Sarabia, cujo pai era um editor. Após apenas cinco anos de prática do judo, Yves Klein, que sonhava em fazer dele a sua profissão, decidiu ir ao Japão para aperfeiçoar as suas capacidades. A 22 de Agosto de 1952, Klein embarcou em Marselha no transatlântico La Marseillaise e chegou a Yokohama a 23 de Setembro de 1952, de onde saiu a 4 de Janeiro de 1954 para regressar a Marselha a 4 de Fevereiro de 1954. Praticou judô no instituto Kōdōkan em Tóquio, onde se tornou um 4º cinturão negro dan.

Organizou exposições dos seus pais no local: Marie Raymond expôs assim com Fred Klein no Instituto Franco-Japonês em Tóquio de 20 a 22 de Fevereiro de 1953, depois sozinha no Museu de Arte Moderna em Kamakura, e novamente com Fred Klein em Novembro no Museu de Arte de Bridgestone em Tóquio. Foi também em 1953 que se realizou a primeira exposição do Grupo de Discussão de Arte Contemporânea no estúdio de Jiro Yoshihara no distrito de Shibuya em Tóquio, com alguns dos seus estudantes, incluindo Shōzō Shimamoto, que constituiu o início do movimento Gutai. No seu manifesto de arte Gutai de Dezembro de 1956, Yoshihara afirma que os princípios deste movimento, um precursor da arte performativa, tinham na realidade sido iniciados três anos antes. Atsuko Tanaka, também membro do grupo Gutai, exibiu folhas monocromáticas em 1955. No início da década de 1960, apresentou os artistas Gutai aos seus amigos do Grupo ZERO que expuseram com eles na Europa.

De volta a Paris em Janeiro de 1954, Yves Klein fundou a sua própria escola de judo em Fontenay-aux-Roses, tentou em vão ter a sua nota japonesa aprovada pela Federação Francesa de Judo, depois decidiu deixar novamente a França para Madrid, onde Fernando Franco de Sarabia o chamou. Aí tornou-se director técnico da Federação Espanhola de Judo.

A primeira apresentação pública da obra de Klein foi a publicação do livro do artista “Yves Peintures” em 18 de Novembro de 1954, seguida de Haguenault Peintures, colecções produzidas e editadas pela oficina de gravura de Fernando Franco de Sarabia, em Jaén. Parodiando um catálogo tradicional, o livro apresenta uma série de monocromos intensos relacionados com várias cidades onde tinha vivido durante os anos anteriores. O prefácio de Yves Peintures é composto por linhas pretas em vez de texto. As dez placas de cor consistem em rectângulos monocromáticos recortados em papel, datados e acompanhados de dimensões em milímetros. Cada placa indica um local de criação diferente: Madrid, Nice, Tóquio, Londres, Paris.

Yves Klein regressou a Paris em Novembro de 1954 após a publicação em Paris a 25 de Outubro de 1954, com a ajuda de Igor Correa Luna, de um tratado sobre as seis katas do judo intitulado “Les Fondements du Judo”. Em Setembro de 1955, abriu a sua própria escola de judo em Paris, no boulevard de Clichy 104, que decorou com monocromos, mas teve de a fechar no ano seguinte.

Quando, em Maio de 1955, quis expor a sua pintura monocromática Expression de l”univers de la couleur mine orange (M 60) no Salon des Réalités Nouvelles realizado no Musée d”Art Moderne de la Ville de Paris, foi-lhe recusada e foi-lhe pedido que acrescentasse uma segunda cor, um ponto ou uma linha, a fim de que a pintura fosse declarada “abstracta”, a tendência geral do Salon. Mas Klein permaneceu firme na sua ideia de que a cor pura representava “algo” em si mesma.

A sua primeira exposição de pinturas monocromáticas teve lugar no Club des Solitaires a 15 de Outubro de 1955 e passou praticamente despercebida. Expôs pinturas monocromáticas em diferentes cores (laranja, verde, vermelho, amarelo, azul, rosa) sob o título “Yves, peintures”. Para evitar qualquer toque pessoal, as obras são pintadas com um rolo: “Já no passado, eu tinha recusado o pincel, que era demasiado psicológico, para pintar com o rolo, que era mais anónimo, e assim tentar criar uma “distância”, pelo menos intelectual, constante, entre a tela e eu próprio, durante a execução. Também em 1955, Claude Bellegarde expôs a sua série de monocromos “période blanche” na galeria Studio Fachetti em Paris. Pierre Restany interessou-se por pinturas monocromáticas e fundou o grupo “Espaces Imaginaires” com Gianni Bertini, Hundertwasser, Bruning, Halpern e o escultor Delahaye. Apresentou então Bellegarde a Yves Klein, que já tinha começado a produzir e a pintar os seus próprios monocromos.

No início de 1956, Klein conheceu Pierre Restany na sua segunda exposição intitulada “Yves: propositions monochromes”, que teve lugar de 21 de Fevereiro a 7 de Março de 1956 na galeria Colette Allendy”s Paris. Com este crítico de arte, estabeleceu um contacto intenso, uma compreensão tácita, e esta relação tornou-se uma experiência de “comunicação directa” que marcaria um ponto de viragem decisivo na compreensão da sua arte. No seu prefácio, Pierre Restany explicou aos visitantes os antecedentes teóricos do novo conceito. O problema de trabalhar com uma única cor entrou na consciência cultural de Paris. Klein tornou-se famoso como “Yves le Monochrome”.

No Outono de 1956, criou o IKB, International Klein Blue, que para ele é “a expressão mais perfeita do azul” (ver abaixo) e o símbolo da materialização da sensibilidade individual, entre o infinito e o imediato.

De 2 a 12 de Janeiro de 1957, a sua primeira exposição no estrangeiro, Proposte monocrome, epoca blu, foi realizada na Galerie Apollinaire em Milão, onde onze monocromos IKB de tamanho idêntico (78 × 56 cm), mas de preços diferentes, foram pendurados a 20 cm da parede por parênteses para produzir um efeito de saturação do espaço, um dos quais foi adquirido por Lucio Fontana. Seguiu-se em Maio de 1957 uma dupla exposição em Paris, “Yves, Propositions monochromes” na Galerie Iris Clert de 10 a 25 de Maio e “Pigment pur” na Galerie Colette Allendy de 14 a 23 de Maio.

A 31 de Maio de 1957, a Galeria Alfred Schmela (de) em Düsseldorf abriu as suas portas com a exposição Yves, Propositions monochromes, que mais tarde se tornou o principal local de exposição do Grupo ZERO. De 1957 a 1959, fez os seus primeiros relevos de esponja na Alemanha para o foyer do Teatro Gelsenkirchen.

De 4 de Junho a 13 de Julho de 1957, a exposição Monochrome Propositions of Yves Klein foi apresentada na Gallery One em Londres. A 26 de Junho, durante um debate organizado com Klein e Restany no Instituto de Artes Contemporâneas, uma polémica assumiu proporções imprevistas. A imprensa inglesa fez amplamente eco do escândalo causado pela exposição.

“Os meus quadros são agora invisíveis”, declarou ele na altura. E, de facto, a sua exposição de Maio de 1957 na galeria Colette Allendy incluía uma sala totalmente vazia intitulada Espaces et volumes de la sensibilité picturale immatérielle. A 5 de Junho de 1958, organizou a sua primeira experiência pública de “pincéis vivos” no apartamento de Robert J. Godet na Ile Saint-Louis.

A 27 de Outubro de 1960, no seu apartamento na rue Campagne-Première, 14 em Paris, participa na criação do Nouveau Réalisme, assinando a “Declaração Constitutiva do Nouveau Réalisme” com Pierre Restany que a redigiu, Arman, Raymond Hains, Martial Raysse, Daniel Spoerri, Jean Tinguely, Jacques Villeglé e François Dufrêne.

Em Abril de 1961, foi a Nova Iorque pela primeira vez, onde os seus monocromos IKB, que já tinham sido expostos na exposição New Forms – New Media realizada na Galeria Martha Jackson de 6 a 24 de Junho e de 28 de Setembro a 22 de Outubro de 1960, foram apresentados de 11 a 29 de Abril na exposição Yves Klein le Monochrome na Galeria Leo Castelli.

Na sequência da má recepção das suas obras, tanto por críticos como por artistas americanos nas suas conferências, escreveu o seu Chelsea Hotel Manifesto para justificar a sua abordagem. De 29 de Maio a 24 de Junho de 1961, a sua exposição foi também exibida na Galeria Dwan em Los Angeles.

Em 21 de Janeiro de 1962 Yves Klein casou com um jovem artista alemão, Rotraut Uecker, que conhecera na Arman em 1958, e que era irmã de um dos membros fundadores do Grupo ZERO, com quem tinha sido íntimo desde 1958.

A cerimónia de casamento, orquestrada pelo artista na igreja de Saint-Nicolas des Champs em Paris, é seguida de uma sebe de honra formada à saída da igreja por cavaleiros da Ordem dos Arqueiro de São Sebastião e depois de uma recepção em La Coupole, onde é servido um cocktail azul aos convidados, a recepção termina no estúdio do Larry Rivers.

Klein morreu de ataque cardíaco a 6 de Junho de 1962, dois meses antes do nascimento do seu filho, a 6 de Agosto. Tinha adoecido pela primeira vez em 12 de Maio de 1962, após a exibição do filme Mondo cane de Paolo Cavara e Gualtiero Jacopetti no Festival de Cannes: Klein foi descrito como um “pintor checoslovaco”, e uma das suas exibições públicas de “antropometria do período azul”, feita para este filme em 17 e 18 de Julho de 1961, inserida numa sucessão de sequências espantosas, foi ridicularizada e distorcida.

Ele encontra-se no cemitério de La Colle-sur-Loup, nos Alpes Marítimos.

Monocromático

Inspirado pelo céu que tinha assinado com o seu nome na praia de Nice em 1946, queria pintar um espaço de cor infinito: o “mundo da cor pura”.

Yves Klein pintou monocromos porque favoreceu a expressão da sensibilidade em vez da figuração na forma: “Para pintar o espaço, tenho de ir para lá, para esse mesmo espaço. Sem truques ou artimanhas, nem num avião, nem num pára-quedas ou foguetão: deve ir lá sozinho, com uma força individual autónoma, numa palavra, deve ser capaz de levitar” e “Nunca através da linha foi possível criar uma quarta, quinta ou qualquer outra dimensão na pintura; só a cor pode tentar alcançar esta proeza”.

Klein Azul Internacional

Em 1956, com a ajuda do comerciante de cor parisiense Édouard Adam e um químico da Rhône-Poulenc, utilizou um meio de fixação (utilizando uma resina sintética chamada Rhodopas) que encolhe à medida que seca, revelando o pigmento puro. O azul ultramarino é assim percebido em toda a sua identidade original, enquanto que os aglutinantes tradicionais utilizados para fixar os pigmentos no suporte alteram sempre o seu brilho.

Em 1957, optou por pintar a azul porque era a cor mais abstracta na sua opinião: “O azul não tem dimensão, é sem dimensão, enquanto que as outras cores o fazem. Todas as cores levam a associações concretas de ideias, enquanto que o azul nos lembra, no máximo, o mar e o céu, as coisas mais abstractas de natureza tangível e visível”, referindo-se assim também ao vazio, porque encoraja a imaginação.

Em Maio de 1957, Yves Klein celebrou o advento da “era azul” com a dupla exposição Propositions monochromes em Paris, anunciada pelo envio de postais azuis cancelados com selos IKB que Klein tinha conseguido que os serviços postais aceitassem, com a sua primeira pintura de fogo composta por uma monocromia azul na qual foram fixadas 16 luzes Bengala na galeria Colette Allendy, e um lançamento de 1.001 balões na noite da inauguração na galeria Iris Clert. Este gesto, que Klein descreveria mais tarde como “escultura aerostática”, seria reproduzido 50 anos depois na praça do Centre Beaubourg, por ocasião do encerramento da exposição que lhe foi dedicada pelo Musée national d”Art moderne em 2006-2007.

A 19 de Maio de 1960, Yves Klein registou a fórmula da sua invenção no Institut national de la propriété industrielle (INPI), sob o envelope Soleau no. 63 471, a que deu o nome de IKB, “International Klein Blue”. Descreve o ligante, que é constituído por uma pasta fluida original que substitui o óleo tradicionalmente utilizado na pintura, e que fixa o pigmento azul ultramarino.

Esculturas de Esponja e Relevos de Esponja

Yves Klein começou por utilizar esponjas naturais no seu trabalho antes de optar definitivamente pela pintura em rolo a partir de 1956. Ele disse em 1957 que a extraordinária capacidade da esponja de se impregnar de qualquer fluido o seduziu. Ele notou a beleza do azul na esponja e este instrumento de trabalho tornou-se uma matéria-prima para ele.

A partir daí trabalhou nos seus primeiros relevos de esponja, estudos para o projecto foyer do Teatro Gelsenkirchen. De 1957 a 1959, Klein foi imensamente encorajado na expansão das suas actividades pela sua colaboração na construção do teatro de Gelsenkirchen. A música, o teatro e a ideia da obra de arte total foram impulsos decisivos para ele, pois trabalhou em relevos de esponja em dimensões bastante invulgares na altura. A abertura do teatro em Dezembro de 1959 marcou o triunfo oficial da “monocromia”. Todo o espaço foi pintado em azul de Klein. Segundo Klein, ele tinha conseguido transformar o espaço interior num lugar de encantamento mágico para a audiência.

Mais tarde criou Sponge Reliefs e Sponge Sculptures, que se destinavam a representar os espectadores das suas obras, que foram impregnados pela intensidade do azul IKB. Em 1958 ele disse: “Graças às esponjas, um material selvagem vivo, eu ia poder fazer retratos dos leitores dos meus monocromos que, depois de terem visto, depois de terem viajado no azul dos meus quadros, regressavam totalmente impregnados de sensibilidade como esponjas”.

Intangível

Em 1958, pintou as paredes da galeria parisiense Iris Clert branco como parte da “Exposition du Vide” (La spécialisation de la sensibilité à l”état matière première en sensibilité picturale stabilisée, Le Vide). As “Antropometrias”, impressões de corpos de mulheres nuas revestidas de azul sobre tela branca, apareceram em 1960. Numerosas “Antropometrias” foram filmadas como eventos reais e podem ser vistas em certos museus (Centre Pompidou entre outros).

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Rumo a uma união da vanguarda internacional

Após a sua exposição “Proposta monocromática, Époque bleue” na Galeria Apollinaire em Milão em Janeiro de 1957, o antigo pintor Alfred Schmela (de) decidiu expor Yves Klein em Maio de 1957 para a abertura da sua galeria em Dusseldorf, numa altura em que o clima geral ainda era de expressionismo abstracto e, mais particularmente na Europa, da tendência para a arte informal conhecida como abstracção lírica. Esta galeria rapidamente se tornou o principal local para a orquestração do Grupo ZERO fundado por Heinz Mack, Otto Piene e Günther Uecker, cuja irmã Rotraut Klein casou quatro meses e meio antes da sua morte a 21 de Janeiro de 1962.

Klein foi um dos primeiros franceses a expor na Alemanha no período do pós-guerra, quando os dois países estavam fechados numa total ausência de comunicação e intercâmbio artístico. De facto, Heinz Mack já tinha visitado Yves Klein no seu estúdio de Paris no final de 1955, período durante o qual também conheceu Jean Tinguely, que mais tarde se envolveria no Grupo ZERO. No final dos anos 50, Klein viajou frequentemente para a Alemanha, em particular pelo trabalho que realizou para a Ópera de Gelsenkirchen. Gradualmente, foram forjadas ligações com o grupo de Düsseldorf, ao qual se sentia cada vez mais próximo. Klein expôs mesmo com os artistas alemães pela primeira vez em Abril de 1958 na sua sétima “exposição de uma noite”. No mesmo ano, Piero Manzoni, que também estava muito interessado no trabalho de Klein e Lucio Fontana, que tinha visto em Milão, viajou para a Holanda, onde estabeleceu contacto com os futuros artistas holandeses do Grupo NUL, que eram próximos de ZERO, liderados por Herman de Vries, Jan Schoonhoven (nl), Armando (nl), Jan Henderikse (nl) e Henk Peeters (en).

Esta rede internacional da Avant-Garde europeia tomou gradualmente forma até à Primavera de 1959, quando Tinguely organizou a exposição “Motion in Vision – Vision in Motion” em Antuérpia. Esta foi a exposição unificadora do grupo, que reuniu Bury, Mack, Manzoni, Piene, Soto, Spoerri e Klein, entre outros, que actuaram declarando que a sua única presença física no local que lhe foi atribuído era o trabalho correspondente à sua contribuição. Foi aqui que proferiu as agora famosas palavras de Gaston Bachelard: ”Primeiro não há nada, depois há um nada profundo, depois uma profundidade azul”.

O movimento ZERO foi estabelecido. A partir daí, realizaram-se muitas exposições colectivas, reunindo os círculos artísticos das quatro principais cidades: Amesterdão, Dusseldorf, Milão e Paris, em particular a que teve lugar no Museu Stedelijk em Amesterdão em Março de 1962, na qual Klein, que discordou do título “Monochromes”, se recusou a participar, e depois novamente em 1965, onde foi representado post-mortem, bem como Yayoi Kusama e os membros do grupo japonês Gutai, os pioneiros do espectáculo contemporâneo, que Klein tinha anteriormente introduzido nos outros movimentos da rede. A partir do início dos anos 60, Lucio Fontana expôs até na companhia desta jovem geração, que, fortalecido pelo seu trabalho como teórico, o via como um pai espiritual. A sua participação no movimento ZERO foi, de certa forma, a consagração do grupo, ou pelo menos um grande apoio desta figura, que na altura já era reconhecida na arte contemporânea.

“Não é por acaso que individualidades artísticas tão fortes como Manzoni, Klein e Piene se juntam e trabalham em conjunto. O substrato deste fenómeno é uma intuição comum que está subjacente às suas relações pessoais e à sua investigação.

No entanto, as mortes semelhantes de Klein, líder do Novo Realismo, em Junho de 1962 e 8 meses mais tarde de Manzoni, precursor da teorização da Arte Povera em 1967, dois dos três principais teóricos desta nova vanguarda internacional com Heinz Mack, dificultariam gravemente esta colaboração europeia emergente; enquanto o Grupo holandês NUL seria dissolvido após a grande exposição de 1965 de todos estes movimentos organizada no Museu Stedelijk. Em 2015, o Museu Stedelijk organizou uma exposição retrospectiva para celebrar o 50º aniversário desta exposição histórica, intitulada ZERO, Let Us Explore the Stars.

A sua relação com o corpo

A abordagem de Yves Klein não pode ser compreendida sem os antecedentes de autodisciplina, comunicação intuitiva e domínio do corpo que o Judo implica. Klein tinha uma relação muito especial com o corpo na sua actividade artística. Esta relação está situada em vários níveis:

Em primeiro lugar, a presença de corpos nus (a grande maioria deles femininos) no seu estúdio é necessária para a criação dos seus monocromos com a sua cor azul IKB. Ele usa esta nudez, diz ele, para “estabilizar o material pictórico” (extracto de Dimanche). Ele diz frequentemente: “Esta carne, portanto, presente no estúdio, estabilizou-me durante muito tempo durante a iluminação provocada pela execução dos monocromos”.

Ele não pintou a partir de um modelo como os artistas figurativos, mas na sua companhia, o que, segundo ele, o fez sentir: “uma atmosfera de boa natureza”, “um clima sensual”, ou “um puro clima emocional”. Esta sensação é explicitada numa das citações de Klein em que ele a descreve: “Os meus modelos riram muito para me verem executar esplêndidos monocromos azuis bem misturados depois deles! Riam, mas cada vez mais se sentiam atraídos pelo azul.

Klein cedo percebeu que a sua mera presença no seu estúdio era insuficiente. Mesmo que, de acordo com ele, eles permeassem a atmosfera que criaram nos monocromos, esta permeação seria ainda mais bem sucedida se os próprios modelos pintassem o monocromo.

Estas obras, que são descritas como “antropometrias”, seguiram-se, em que o corpo, desta vez na pintura, desempenhou o mesmo papel de “estabilização” do material pictórico. Uma primeira sessão pública (em pequeno grupo) foi organizada na casa de Robert Godet a 5 de Junho de 1958. Esta sessão permaneceu em continuidade com os monocromos mas constituiu a segunda etapa na evolução do corpo na sua arte. Durante esta sessão, uma única modelo feminina age como uma “escova viva” na tela, o seu corpo revestido de cor. O modelo rastejou na folha de papel no chão sob o olhar de Yves Klein, que a dirigiu e a convidou a percorrer as áreas onde a tinta ainda não tinha sido aplicada. Todos os movimentos do modelo foram ensaiados previamente e Klein dá a iniciativa a si próprio ou ao modelo de acordo com os seus vários escritos.

Klein refere-se a este exercício como “colaboração”. Esta palavra está muito frequentemente presente e repetida nestes textos como uma obsessão. Ele diz: “Nunca lhes toquei, e é por isso que confiaram em mim e gostaram de colaborar, e ainda o fazem, com todo o seu corpo na minha pintura.

Ele disse ter visto “as ”marcas do corpo” aparecerem em cada sessão, que desapareceram muito rapidamente porque tudo tinha de se tornar monocromático”. Esta citação refere-se à sua segunda actividade, o Judo, onde pôde observar as marcas suadas do corpo dos judocas nos tapetes brancos poeirentos durante as grandes lutas, ou um tipo de desenho japonês feito a partir de estampas de peixe. Esta decisão de realizar antropometrias deve-se também a um acontecimento do seu tempo que o marcou: os vestígios de pessoas deixadas nas paredes durante a explosão em Hiroshima, da qual também fará uma antropometria. Sobre esta tela, pode-se observar vários vestígios de corpos em movimento

Nesta relação de movimento, Klein afirma que, em comparação com os figurativos, libertou os modelos femininos nus, porque os deixou agir sobre o seu trabalho, enquanto que eles criaram as suas obras a partir dos seus corpos imóveis.

Apenas os monocromos criados com escovas vivas não permitiam a percepção da presença de carne. É por isso que Klein desenvolveu progressivamente o procedimento de deixar marcas de um modelo num suporte. Após várias tentativas, ele sentiu que tinha aperfeiçoado esta técnica e apresentou-a à Restany. Em 23 de Fevereiro de 1960, em frente ao crítico acompanhado por um director do museu, uma modelo, cujo busto, estômago e coxas tinham sido manchados com tinta azul, fez uma impressão do seu corpo colorido em folhas de papel colocadas no chão. Foi nesta sessão que Restany cunhou o termo “antropometrias do período azul”. Klein organizou um evento nocturno na Galerie Internationale d”Art Contemporain em Paris a 9 de Março de 1960, diante de uma centena de convidados, incluindo artistas, críticos, amantes da arte e coleccionadores.

Klein, vestido com roupas de noite, deu um sinal aos nove músicos ao seu lado para iniciar a Sinfonia Monoton-Silence, composta por ele próprio em 1949, uma única nota contínua de vinte minutos, seguida de vinte minutos de silêncio. Durante este tempo, três mulheres começam a manchar os seus seios, estômagos e coxas com tinta azul. Realizam depois várias antropometrias, a mais conhecida das quais se intitula “Antropometria do Período Azul” (ANT 100), 1960. Ensaiou, organizou a encenação, convidou fotógrafos e operadores de câmara que conhecia, e controlou a distribuição das imagens. No entanto, embora pensasse estar a fazer tudo o que era possível para tornar as suas novas técnicas claras, surgiram mal-entendidos e pareceu a alguns ser masoquista ou obsceno.

Produziu também uma série de “retratos em relevo”, moldes em tamanho real de outros membros do movimento Novo Realismo, pintados em azul IKB e colocados contra um painel dourado, que não teve tempo de completar, ou utilizou estatuetas de gesso de esculturas famosas, como a Vitória da Samotrácia e a Vénus de Milo pintadas em IKB.

Mais tarde, diversificou os seus métodos e diferenciou entre a antropometria estática e a antropométrica dinâmica. Ao criar as “estáticas”, o corpo da mulher é simplesmente colocado como um selo no suporte e deixa a sua marca. Estas impressões estáticas de mulheres e por vezes de homens foram frequentemente agrupadas para formar, se não uma composição, pelo menos um todo. As antropometrias feitas nos tecidos referem-se a um objecto de culto que é o Sudário de Turim.

Em imagens negativas, tais como “Hiroshima”, a tinta é projectada e o corpo do modelo é utilizado como um estêncil. A antropometria dinâmica consiste em ter um modelo a rastejar através do suporte, deixando um rasto dinâmico para trás. Também convidou vários modelos a simular uma batalha em que os corpos já não são tão distintos. O processo em si é concebido como um ritual. É um ritual de passagem da tela branca para a carne: “foi a própria carne que aplicou a cor ao suporte sob a minha direcção” e depois da carne para o invisível. Ao reutilizar o azul IKB, ele reutiliza a cor, reutiliza o espaço conquistado pelo imaterial e evita a semelhança com o rosa. Klein também opta por não representar as mãos pelas seguintes razões: “As mãos não deveriam ser impressas, pois isso teria dado um humanismo chocante às composições que eu procurava”. “Claro, todo o corpo é feito de carne, mas a massa essencial é o tronco e as coxas. É aqui que o universo real é escondido pelo universo da percepção. (esta visão é semelhante às noções japonesas de Katas e Hara).

No início de 1961, Klein produziu a série de Pinturas Contra Fogo, na qual procurou imprimir os vestígios de fogo em vários meios de comunicação. Alberto Burri já tinha utilizado o poder deste elemento em 1954-1955 na sua série Combustioni, que consistia em camadas queimadas de plástico. Foi no centro de testes da Gaz de France em Plaine-Saint-Denis, onde lhe foi fornecido equipamento industrial, que ele aprendeu a dominar o fogo e a fazer ajustes precisos para utilizar os seus diferentes graus de potência.

Nestas pinturas de fogo, como nas Cosmogonias, impressões de chuva e vento sobre tela, que ele produziu a partir de 1960, o artista convoca os elementos da natureza para manifestar a sua força criativa. Mas aqui combinou o elemento natural com o corpo, as pinturas de fogo sendo feitas com a ajuda de modelos nus que Klein utilizou por sua vez. Humedece o suporte à volta do corpo para determinar que partes ficarão em reserva e completa os vestígios de incêndio com impressões de tinta. Assim, misturando as duas técnicas, Klein jogou com a plenitude e o vazio das formas traçadas alternadamente em negativo e positivo.

Assim, as impressões dos corpos de mulheres foram reveladas pela acção do fogo. As antropometrias servem assim de passagem do visível para o invisível, do material para o espiritual e do carnal para o divino. Fazem-no na espectacular ausência do artista.

Nas suas Cosmogonies, o artista submeteu a tela aos elementos do tejadilho do seu carro enquanto viajava. Em colaboração com os arquitectos Claude Parent e Werner Ruhnau, imagina nas suas Architectures de l”air vastas construções com telhados mantidos em levitação por ar pulsado, destinadas a manter um ambiente temperado e controlado, onde o homem, como num Éden redescoberto, deixaria de estar sujeito aos caprichos do clima.

Também pintou relevos planetários de gesso de França e globos no IKB, encantado por aprender que a Terra deveria parecer azul do espaço.

Três meses antes da sua morte, a exposição “Antagonismes II: l”objet”, apresentada a 7 de Março de 1962 no Musée des Arts Décoratifs, expôs modelos da Architecture de l”air e da Rocket pneumatique feita com a ajuda do designer Roger Tallon. Num diorama, uma chuva simulada é desviada por uma lâmina de ar, enquanto o Rocket, uma espécie de pequena nave espacial movida por pulsação do ar, está destinada a desaparecer no vácuo do espaço.

O fogo, o ar, a água, a terra – os quatro elementos da terra – são assim postos em uso. Mas a morte prematura do artista interrompeu as suas pesquisas e experiências sobre a arquitectura do ar e sobre o tema da exploração do espaço.

O azul não é a única cor presente nas antropometrias, que pode ser diferente como numa destas antropometrias iniciais, ANT121, datada de cerca de 1960, que é ouro sobre um fundo preto. Os monocromos dourados chamados Monogold são essencialmente compostos de folha de ouro, que representa o acesso ao imaterial, ao absoluto e à eternidade. Klein também pintou monocromos cor-de-rosa chamados Monopink.

Ele afirma, pelas suas antropometrias criadas com fogo, que “o fogo é azul, dourado e rosa também. Estas são as três cores básicas na pintura monocromática, e para mim é um princípio explicativo universal, uma explicação do mundo. As três cores básicas de azul, dourado e rosa no seu trabalho também se articulam perfeitamente no fogo. De facto, quando se olha para a cor de uma chama, é possível ver claramente estas três cores.

Ele criou vários trípticos usando estas três cores primárias e também os reuniu em esculturas como Ci-git l”Espace (MNAM, Paris), que consiste numa laje funerária coberta com folha de ouro, uma coroa feita de esponja IKB e rosas. Finalmente, a sua obra Ex-voto, criada para o santuário de Rita em Cássia, será a conclusão da sua obra, reunindo todas as suas ideias numa única obra composta pelas suas três cores, rosa, azul e dourado.

Yves Klein é, através do seu trabalho e da sua postura, uma das grandes figuras da arte contemporânea francesa e internacional. Ele estava à frente do seu tempo e consciente da natureza radical da sua posição. Ele abriu a arte aos imateriais. Para ele, o ouro, o rosa e o azul são a mesma cor e formam uma “trilogia cromática” completa.

Catálogos de exposições individuais

1960-1965

1966-1970

1971-1980

1981-1990

1991-2000

2001-2010

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Ligações externas

Fontes