William Shakespeare

gigatos | Fevereiro 13, 2022

Resumo

William Shakespeare (Stratford-upon-Avon, Warwickshire, Reino de Inglaterra, c. 23 Abril 1564-Julho.-Stratford-upon-Avon, Warwickshire, Reino de Inglaterra, 23 Abril-Julho.

De acordo com a Encyclopædia Britannica, “Shakespeare é geralmente reconhecido como o maior escritor de todos os tempos, uma figura única na história da literatura. A fama de outros poetas, como Homero e Dante Alighieri, ou romancistas como Leo Tolstoy ou Charles Dickens, transcendeu as fronteiras nacionais, mas nenhum deles alcançou a reputação de Shakespeare, cujas obras são agora lidas e executadas com mais frequência e em mais países do que nunca. A profecia de um dos seus grandes contemporâneos, Ben Jonson, foi assim cumprida: “Shakespeare não pertence a uma única época, mas à eternidade”.

O crítico americano Harold Bloom coloca Shakespeare ao lado de Dante Alighieri no auge do seu “cânone ocidental”: “Nenhum outro escritor jamais teve tantos recursos linguísticos como Shakespeare, tão profuso em Love”s Labours Lost que tenhamos a impressão de que, de uma vez por todas, muitos dos limites da língua foram alcançados. Contudo, a maior originalidade de Shakespeare reside no retrato das personagens: Bottom é um triunfo melancólico; Shylock, um problema permanentemente equívoco para todos nós; mas Sir John Falstaff é tão original e tão arrebatador que, com ele, Shakespeare faz com que o homem se torne cento e oitenta graus o que é criar um homem por palavras”.

Jorge Luis Borges escreveu sobre ele: “Shakespeare é o menos inglês dos poetas ingleses. Em comparação com Robert Frost (da Nova Inglaterra), com William Wordsworth, com Samuel Johnson, com Chaucer e com os desconhecidos que escreveram, ou cantaram, as elegias, ele é quase um estrangeiro. A Inglaterra é o lar da subestimação, da reticência bem criada; hipérbole, excesso e esplendor são típicos de Shakespeare”.

Shakespeare foi um poeta e dramaturgo venerado no seu próprio tempo, mas a sua reputação só atingiu o seu nível actual no século XIX. Os românticos, em particular, saudaram o seu génio, e os vitorianos adoraram Shakespeare com uma devoção a que George Bernard Shaw chamou “bardolatria”.

No século XX, as suas peças foram adaptadas e redescobertas em muitas ocasiões por todo o tipo de movimentos artísticos, intelectuais e dramáticos. Comédias e tragédias shakespearianas têm sido traduzidas para todas as principais línguas, e estão constantemente a ser estudadas e realizadas em vários contextos culturais e políticos em todo o mundo. Além disso, muitas das citações e aforismos que pimentavam as suas peças tornaram-se parte do uso diário, tanto em inglês como em outras línguas. E a nível pessoal, ao longo dos anos, tem havido muita especulação sobre a sua vida, questionando a sua sexualidade, a sua filiação religiosa, e mesmo a autoria das suas obras.

Existem muito poucos factos documentados sobre a vida de Shakespeare, embora seja provável que ele tenha nascido a 23 de Abril de 1564. O que se pode afirmar é que ele foi baptizado na Igreja da Santíssima Trindade em Stratford-upon-Avon, Warwickshire, a 26 de Abril do mesmo ano, e aí morreu a 23 de Abril de 1616, de acordo com o calendário juliano (3 de Maio no Gregoriano), o suposto dia do seu 52º aniversário.

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Início

William Shakespeare (também soletrado Shakspere, Shaksper e Shake-speare, porque a grafia na época Elizabetana não era fixa nem absoluta) nasceu em Stratford-upon-Avon, em Abril de 1564. Era o terceiro de oito filhos nascidos de John Shakespeare, um próspero comerciante que subiu à proeminência no bairro, e Mary Arden, que era descendente de uma família de ascendência.

Na altura do seu nascimento a sua família vivia na Henley Street, Stratford-upon-Avon. O dia exacto do seu nascimento não é conhecido, uma vez que nessa altura apenas foi feito o certificado de baptismo, neste caso a 26 de Abril, pelo que se deve assumir que nasceu alguns dias antes (2 ou 3 dias) e não mais do que uma semana depois, como era habitual. A tradição tem tradicionalmente fixado a data do seu nascimento em 23 de Abril, a festa de São Jorge, talvez por analogia com o dia da sua morte, 23 de Abril de 1616, de acordo com o calendário juliano, mas esta data não é apoiada por nenhum documento, embora seja a data mais provável.

O pai de Shakespeare, que estava no auge da sua prosperidade quando Guilherme nasceu, caiu da graça pouco tempo depois. Acusado de comércio ilegal de lã, perdeu a sua posição de destaque no governo do concelho. Foi também sugerido que uma possível afinidade com a fé católica, de ambos os lados da família, pode ter desempenhado um papel na sua acusação.

William Shakespeare fez provavelmente os seus primeiros estudos na escola gramatical local, Stratford Grammar School, no centro da sua cidade natal, o que lhe deve ter proporcionado uma educação intensiva em gramática e literatura latina. Embora a qualidade das escolas gramaticais no período Elizabetano fosse bastante irregular, há indícios de que a Escola Gramatical de Stratford era bastante boa. A frequência de Shakespeare nesta escola é pura conjectura, baseada no facto de que ele tinha legalmente direito à educação gratuita como filho de um funcionário do governo local. No entanto, não existe nenhum documento que o prove, uma vez que os registos da paróquia se perderam. Na altura era dirigido por John Cotton, um professor com um amplo background humanista e católico; uma escola gramatical (equivalente a uma escola gramatical no século XVI espanhol ou ao actual bacharelato) ensinada desde os 8 aos 15 anos de idade e a educação centrava-se na aprendizagem do latim; a níveis superiores, o uso do inglês era proibido para encorajar a fluência na língua latina; o estudo das obras de Esopo traduzidas para o latim, Ovid e Virgil, todos eles conhecidos de Shakespeare, prevalecia; e o currículo da escola baseava-se no estudo das obras de Esopo traduzidas para o latim, Ovid e Virgil, autores com os quais Shakespeare estava familiarizado.

A 28 de Novembro de 1582, quando tinha dezoito anos, Shakespeare casou com Anne Hathaway, 26, de Temple Grafton, perto de Stratford. Dois dos vizinhos de Anne, Fulk Sandalls e John Richardson, testemunharam que não havia impedimentos para a cerimónia. Parece ter havido uma pressa em organizar o casamento, talvez porque Anne estava grávida de três meses. Após o seu casamento, quase não há vestígios de William Shakespeare nos registos históricos, até ele aparecer no cenário teatral londrino. A 26 de Maio de 1583, a filha primogénita do casal, Susanna, foi baptizada em Stratford. Um filho, Hamnet, e uma outra filha, Judith, gémeos nascidos, foram também baptizados pouco depois. A julgar pela vontade do dramaturgo, que é um pouco desdenhosa de Anne Hathaway, o casamento não foi um bom casamento.

Os finais da década de 1580 são conhecidos como os “anos perdidos” do dramaturgo, uma vez que não há provas de onde ele estava, ou por que razão decidiu mudar-se de Stratford para Londres. Segundo uma lenda, agora pouco credível, ele foi apanhado a caçar veados no parque de Sir Thomas Lucy, o magistrado local, e foi forçado a fugir. De acordo com outra hipótese, ele pode ter entrado para a companhia teatral Lord Chamberlain”s Men enquanto passava por Stratford. Um biógrafo do século XVII, John Aubrey, regista o testemunho do filho de um dos companheiros do escritor de que Shakespeare pode ter passado algum tempo como um mestre de escola do campo.

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Londres e a sua passagem pelo teatro

Em 1592 Shakespeare já estava em Londres a trabalhar como dramaturgo, e era suficientemente conhecido para merecer uma descrição desdenhosa de Robert Greene, que o retrata como “um pirata carreirista, embelezado com as nossas penas”, que com o coração de tigre envolvido na pele de um comediante se julga capaz de impressionar com verso branco como o melhor de vós”, e também diz que “se julga a si próprio a única cena de abanar no país” (no original, Greene usa a palavra cena de abanar, aludindo tanto à reputação do autor como ao seu apelido, numa peça sobre paronomasia).

Em 1596, quando tinha apenas onze anos de idade, Hamnet, o único filho do escritor, morreu e foi enterrado em Stratford a 11 de Agosto do mesmo ano. Alguns críticos têm argumentado que a morte do seu filho pode ter inspirado Shakespeare a escrever Hamlet (cerca de 1601), uma reescrita de uma peça anterior que, infelizmente, não sobreviveu.

Em 1598 Shakespeare tinha transferido a sua residência para a paróquia de Santa Helena em Bishopsgate. O seu nome encabeça a lista de actores no Every Man in His Humour de Ben Jonson.

Logo se tornou actor, escritor e, finalmente, co-proprietário da companhia de teatro conhecida como Lord Chamberlain”s Men, nomeada, como outros da época, em homenagem ao seu aristocrático patrono, o Lord Chamberlain. A companhia tornou-se tão popular que, após a morte de Isabel I e a adesão de Tiago I ao trono, o novo monarca tomou-a sob a sua protecção, rebaptizando-a como os Homens do Rei.

Em 1604, Shakespeare actuou como casamenteiro para a filha do seu senhorio. A documentação legal de 1612, quando o caso foi levado a julgamento, mostra que em 1604, Shakespeare tinha sido inquilino de Christopher Mountjoy, um artesão Huguenot do noroeste de Londres. O aprendiz de Mountjoy, Stephen Belott, pretendia casar com a filha do seu mestre, pelo que o dramaturgo foi escolhido como intermediário para ajudar a negociar os detalhes do dote. Graças aos serviços de Shakespeare, o casamento foi combinado, mas oito anos mais tarde Belott processou o seu sogro por não ter pago o dote acordado na totalidade. O escritor foi convocado para testemunhar, mas não se lembrava da quantia que tinha proposto.

Existem vários documentos relacionados com assuntos legais e transacções comerciais que mostram que durante o seu tempo em Londres Shakespeare se tornou suficientemente rico para comprar uma propriedade em Blackfriars e tornar-se proprietário da segunda maior casa em Stratford.

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Anos recentes

Shakespeare retirou-se para a sua aldeia natal em 1611, mas viu-se envolvido em vários processos judiciais, tais como uma disputa sobre o confinamento de terras comuns que, se por um lado incentivava o pastoreio de ovelhas, por outro condenava os pobres, privando-os da sua única fonte de subsistência. Como o escritor tinha um certo interesse económico em tais propriedades, para desagrado de alguns ele tomou uma posição neutra que só garantiu o seu próprio benefício. Em Março de 1613 fez a sua última compra, não na sua cidade natal, mas em Londres, comprando por £140 uma casa e um quintal perto do teatro Blackfriars, dos quais pagou apenas sessenta libras no local, no dia seguinte hipotecou a casa para o resto ao vendedor. A propósito, Shakespeare não registou a compra apenas em seu próprio nome, mas associou os de William Johnson, John Jackson e John Hemynge, este último um dos actores que promoveram a edição do Primeiro Fólio. O efeito legal deste procedimento, escreve o grande biógrafo de Shakespeare, Sidney Lee, “era privar a sua esposa, se sobrevivesse, do direito ao dote da viúva nesta propriedade”; mas alguns meses mais tarde o desastre ocorreu: o Globe Theatre ardeu, e com ele todos os manuscritos do dramaturgo, juntamente com a sua comédia Cardenio, inspirada num episódio em Don Quixote de La Mancha; conhecemos esta peça porque a 9 de Setembro de 1653 o editor Humphrey Maseley obteve uma licença para a publicação de uma peça que descreve como a História de Cardenio, de Fletcher e Shakespeare; Sidney Lee diz que nenhum drama deste título chegou até nós, e que provavelmente será identificado com a comédia perdida chamada Cardenno ou Cardenna, que foi apresentada duas vezes perante o Tribunal pela companhia de Shakespeare, a primeira em Fevereiro de 1613, por ocasião das festividades do casamento da Princesa Isabel, e a segunda a 8 de Junho, perante o embaixador do Duque de Sabóia, ou seja, alguns dias antes de o Teatro Globe arder.

Nas últimas semanas de vida de Shakespeare, o homem que ia casar com a sua filha Judith – um dono de taberna chamado Thomas Quiney – foi acusado de promiscuidade perante o tribunal eclesiástico local. Uma mulher chamada Margaret Wheeler tinha dado à luz um filho, e afirmava que Quiney era o pai. Tanto a mulher como o seu filho morreram pouco tempo depois. Isto afectou, no entanto, a reputação do futuro genro do escritor, e Shakespeare reviu a sua vontade de salvaguardar a herança da sua filha de quaisquer problemas legais que Quiney pudesse ter.

Shakespeare morreu a 23 de Abril de 1616, de acordo com o calendário juliano (3 de Maio no calendário gregoriano). Foi casado com Anne até à sua morte, e foi sobrevivido por duas filhas, Susannah e Judith. O antigo casou com o Dr. John Hall. Contudo, nem os filhos de Susannah nem os filhos de Judith tinham descendência, pelo que actualmente não há descendentes vivos do escritor. No entanto, havia rumores de que Shakespeare era o verdadeiro pai do seu afilhado, o poeta e dramaturgo William Davenant.

Sempre houve uma tendência para associar a morte de Shakespeare à bebida – ele morreu, segundo o comentário mais generalizado, como resultado de uma febre alta, o resultado da sua embriaguez – mas parece que o dramaturgo se tinha encontrado com Ben Jonson e Michael Drayton para celebrar algumas novas ideias literárias com os seus colegas. Investigações recentes de cientistas alemães mostraram que é muito provável que o dramaturgo inglês sofresse de cancro.

Os restos mortais de Shakespeare foram enterrados na capela-mor da Igreja da Santíssima Trindade, Stratford. A honra de ser enterrado na capela, perto do altar-mor da igreja, não se deveu ao seu prestígio como dramaturgo, mas à compra de um dízimo da igreja por £440 (uma soma considerável na altura). O monumento funerário de Shakespeare, erguido pela sua família na parede perto da sua sepultura, mostra-o numa atitude de escrita, e todos os anos, na comemoração do seu nascimento, uma nova pena é colocada na sua mão.

Era costume na altura, quando havia necessidade de espaço para novas sepulturas, esvaziar as antigas e mover o seu conteúdo para um ossuário próximo. Talvez temendo que os seus restos mortais pudessem ser exumados, segundo a Enciclopédia Britannica, o próprio Shakespeare teria composto o seguinte epitáfio para a sua pedra tumular:

Uma lenda afirma que as obras não publicadas de Shakespeare jazem com ele na sua sepultura. Ninguém se atreveu a verificar a veracidade da lenda, talvez por medo da maldição do referido epitáfio.

Não se sabe qual de todos os retratos existentes de Shakespeare é o mais fiel à imagem do escritor, pois muitos deles são falsificações, pintados depois do facto da gravação do Primeiro Fólio. O chamado Retrato de Chandos, datado entre 1600 e 1610, na National Portrait Gallery (Londres), é considerado o mais exacto. Representa o autor nos seus primeiros quarenta anos, com barba e um brinco dourado na sua orelha esquerda.

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O debate de Shakespeare

É curioso que todo o conhecimento que se tem chegado à posteridade sobre um dos autores do cânone ocidental não seja mais do que uma construção feita das mais diversas especulações. Discutiu-se mesmo se Shakespeare é o verdadeiro autor das suas peças, atribuído por alguns a Francis Bacon, a Christopher Marlowe (a realidade é que todas estas imaginações derivam do simples facto de os dados disponíveis sobre o autor serem muito poucos e contrastam com a enormidade da sua brilhante obra, que é fértil e dá origem às interpretações mais distorcidas.

Quase cento e cinquenta anos após a morte de Shakespeare em 1616, começaram a surgir dúvidas sobre a verdadeira autoria das peças a ele atribuídas. Os críticos dividiram-se em “Stratfordians” (apoiantes da tese de que William Shakespeare, nascido e morto em Stratford, foi o verdadeiro autor das peças que lhe foram atribuídas) e “anti-Stratfordians” (defensores da atribuição destas peças a outro autor). A segunda posição é, neste momento, muito minoritária.

Documentos históricos mostram que entre 1590 e 1620 foram publicadas várias peças e poemas atribuídos ao autor William Shakespeare, e que a companhia que apresentou estas peças, Lord Chamberlain”s Men (mais tarde King”s Men), tinha entre os seus membros um actor com este nome. Este actor pode ser identificado com o William Shakespeare que está registado como tendo vivido e morrido em Stratford, uma vez que este último faz certos presentes na sua vontade aos membros da companhia de teatro londrina.

Os chamados “Stratfordians” acreditam que este actor é também o autor das peças atribuídas a Shakespeare, com base no facto de terem o mesmo nome, e nos poemas encomiásticos incluídos na edição de 1623 do Primeiro Fólio, em que há referências ao “Cisne de Avon” e ao seu “Monumento de Stratford”. Este último refere-se ao seu monumento funerário na Igreja da Santíssima Trindade, Stratford, no qual, por acaso, é retratado como escritor, e do qual há descrições de visitantes da localidade de pelo menos 1630s. De acordo com esta visão, as peças de Shakespeare foram escritas pelo próprio William Shakespeare de Stratford, que deixou a sua cidade natal e teve sucesso como actor e dramaturgo em Londres.

Os chamados “anti-Stratfordians” discordam. Segundo eles, o Stratford Shakespeare não seria mais do que um palhaço a encobrir a verdadeira autoria de outro dramaturgo que teria preferido manter a sua identidade em segredo. Esta teoria tem bases diferentes: alegadas ambiguidades e lacunas na documentação histórica sobre Shakespeare; a crença de que as peças exigiriam um nível de cultura superior ao de Shakespeare; alegadas mensagens codificadas escondidas nas peças; e paralelos entre personagens das peças de Shakespeare e as vidas de certos dramaturgos.

Durante o século XIX, o candidato alternativo mais popular foi Sir Francis Bacon. Muitos “anti-Stratfordianos” da época, porém, estavam cépticos em relação a esta hipótese, mesmo que não fossem capazes de propor uma alternativa. O poeta americano Walt Whitman atestou este cepticismo quando disse a Horace Traubel: “Estou convosco, amigos, quando dizem ”não” a Shaksper (sic): é o mais longe que posso chegar. Quanto ao Bacon, bem, veremos, veremos. Desde os anos 80, o candidato mais popular tem sido Edward de Vere, 17º Conde de Oxford, proposto por John Thomas Looney em 1920, e por Charlton Ogburn em 1984. O poeta e dramaturgo Christopher Marlowe também tem sido considerado como uma alternativa, embora a sua morte prematura o relegue para segundo lugar. Muitos outros candidatos têm sido propostos, embora não tenham ganho muito seguidores.

A posição mais amplamente ocupada nos círculos académicos é que o William Shakespeare de Stratford foi o autor das peças de teatro que levam o seu nome.

Recentemente, contudo, o rumor sobre a autoria de Shakespeare aumentou na sequência de declarações dos actores Derek Jacobi e Mark Rylance. Ambos lançaram uma chamada Declaração de Dúvida Razoável sobre a identidade do famoso dramaturgo. A declaração questiona se William Shakespeare, um plebeu do século XVI criado numa família analfabeta em Stratford-upon-Avon, escreveu as peças brilhantes que levam o seu nome. A declaração argumenta que um homem que mal sabia ler e escrever não poderia ter possuído o rigoroso conhecimento jurídico, histórico e matemático que é apimentado durante as tragédias, comédias e sonetos atribuídos a Shakespeare.

Houve teorias ao longo dos anos de que William Shakespeare era apenas um pseudónimo por detrás do qual outros nomes ilustres como Christopher Marlowe (1564-1593), o filósofo e homem de letras Francis Bacon (1561-1626) ou Edward de Vere (1550-1604), 17º Conde de Oxford, se podiam esconder. Jacobi afirma favorecer Eduardo de Vere, que frequentou a vida da corte no reinado de Isabel I (1533-1603), e descreve-o como o seu “candidato” preferido, dadas as supostas semelhanças entre a biografia do Conde e numerosos acontecimentos narrados nos livros de Shakespeare.

Qual é uma das principais razões pelas quais a autoria de Shakespeare foi questionada? A World Book Encyclopedia aponta para “a recusa de acreditar que um actor de Stratford na Avon poderia ter escrito tais peças. O seu fundo rural não se enquadrava na imagem que tinham do grande autor”. A enciclopédia acrescenta que a maioria dos alegados escritores “pertenciam à nobreza ou a outras classes privilegiadas”. Assim, muitos dos que questionaram a paternidade literária de Shakespeare acreditam que “só um autor educado, refinado e de classe alta poderia ter escrito as peças”. No entanto, muitos estudiosos acreditam que Shakespeare os escreveu.

Muito tem sido dito sobre a vida pessoal do autor e a sua alegada homossexualidade, especulação que encontra a sua base principal numa colecção de sonetos altamente original que foi publicada, aparentemente sem o seu consentimento. Suspeitou-se também que ele tinha uma amante ou amantes que fizeram o seu casamento infeliz, pois a sua esposa e mãe dos seus três filhos era muito mais velha e grávida antes do casamento. Esta suspeita baseia-se numa famosa citação do seu testamento: “Deixo-vos a minha segunda melhor cama”, uma passagem que deu origem às mais díspares interpretações e não a algumas especulações. O mais geral tem a ver com o facto de a relação do casal não ter sido inteiramente satisfatória. Mas outro ponto na direcção oposta, pois diz-se que o dramaturgo dedicou um soneto à sua esposa intitulado A Esposa do Mundo.

A crueldade de Shakespeare para com a figura feminina nos seus sonetos e, consequentemente, para com a ingenuidade do homem que cai nas suas redes, também tem sido seguida de perto. Os temas da promiscuidade, do carnal e da falsidade das mulheres – descritos e humoristicamente criticados pelo dramaturgo – são prova suficiente para aqueles que assumem que ele teria uma certa predilecção pelos homens e um repúdio pela coquetria das senhoras, em qualquer caso, sempre mencionada em alusão à sua superficialidade e interesses materialistas.

Ver parte do seguinte fragmento do seu soneto 144:

Podemos ver claramente as duras críticas shakespearianas ao papel de uma mulher que, à primeira vista, parece estar entre o romance do dramaturgo e o seu patrono. Aqueles que contestam esta suposição fazem-no objectando que a voz poética do soneto não corresponde necessariamente à personalidade do autor.

A verdade é que Shakespeare parodia a sua perspectiva, como vemos na citação:

Todo este problema é toldado se pararmos por um momento para analisar algumas das suas passagens teatrais mais famosas. Numa das suas comédias, intitulada As You Like It, Shakespeare destaca a corrupção do mundo masculino e a capacidade de uma mulher – Rosalind – para restaurar a ordem original e trazer a paz. No entanto, embora a heroína da trama seja uma figura feminina, ela só se torna corajosa e capaz de grandes feitos quando assume o papel de um homem, Ganímedes – um personagem mitológico, o amante masculino de Júpiter.

Passando à tragédia, o caso do Rei Lear é também muito representativo. Aqui o autor destaca a cegueira dos homens, especialmente Lear, que bane a sua filha Cordelia por ser a única das três irmãs a exprimir a sua honestidade.Estudos feministas salientariam que Shakespeare estava a atacar a sua sociedade contemporânea, e que ele usaria nomes e lugares fictícios para escapar à perseguição do tribunal.

Ele defende a mulher e faz com que os homens vejam que silenciá-la acabaria em catástrofe, como acontece no desenlace de Lear, e outras opiniões sobre a peça dizem que as mulheres não poderiam aceder ao trono, de acordo com o dramaturgo, porque isso implicaria caos e controvérsia. Quando o Rei Lear dá poder às suas duas filhas mais velhas, Goneril e Regan, elas mudam abruptamente o seu comportamento para com o seu pai e sujeitam-no a uma tortura opressiva que irá gradualmente consumir a sua vida. O governo deteriora-se e a comitiva real desmorona-se até que um homem assuma novamente o comando.

Em 1559, cinco anos antes do nascimento de Shakespeare, durante o reinado de Isabel I, a Igreja de Inglaterra separou-se finalmente, após um período de incerteza, da Igreja Católica. Por esta razão, os católicos ingleses foram pressionados a converter-se ao anglicanismo, e foram estabelecidas leis para perseguir aqueles que se recusassem a converter-se. Alguns historiadores argumentam que durante o tempo de Shakespeare houve uma oposição significativa e generalizada à imposição da nova fé. Alguns críticos, com base em provas tanto históricas como literárias, argumentaram que Shakespeare foi um desses opositores, embora não tenham conseguido provar isto de forma conclusiva. O que é certo é que Shakespeare estava mais confortável sob o reinado do filocatólico James I do que sob o anti-Católico Elizabeth I.

Há indícios de que alguns membros da família do dramaturgo eram católicos. O mais importante é um panfleto assinado por John Shakespeare, o pai do poeta, no qual ele alegadamente professava o seu catolicismo secreto. O texto, encontrado dentro de uma das jangadas do local de nascimento de Shakespeare no século XVIII, foi analisado por um importante estudioso, Edmond Malone. No entanto, perdeu-se, pelo que a sua autenticidade não pode ser provada. John Shakespeare estava também entre aqueles que não compareceram aos cultos da igreja, mas supostamente isto foi “por medo de ser processado por dívidas”, de acordo com os comissários, e não porque ele não aceitou a religião anglicana.

A mãe de Shakespeare, Mary Arden, pertencia a uma conhecida família católica em Warwickshire; em 1606, a sua filha Susannah era uma das poucas mulheres a viver em Stratford que se recusava a comungar, o que poderia sugerir algumas simpatias pelo catolicismo. O arquiduque Richard Davies, um clérigo anglicano do século XVIII, terá escrito sobre Shakespeare: “Morreu como papista”. Além disso, quatro dos seis professores da escola de Stratford que o escritor terá frequentado durante a sua juventude eram simpatizantes católicos, e Simon Hunt, provavelmente um dos professores de Shakespeare, acabou por se tornar jesuíta.

Embora nenhuma destas teorias prove conclusivamente que Shakespeare era católico, a historiadora Clare Asquith é da opinião que as simpatias de Shakespeare ao catolicismo são discerníveis na sua escrita. Segundo Asquith, Shakespeare usa termos positivos, tais como “alto” (e termos negativos – “baixo”, “escuro”) para os protestantes.

Embora muito seja desconhecido sobre a educação de Shakespeare, é certo que o artista não teve acesso a uma educação universitária, e o seu amigo Ben Jonson, que o fez, uma vez lamentou “o seu pequeno latim e ainda menos grego”, o que não o impediu de o chamar “doce cisne da Avon” e acrescentando que “ele não é de um século, mas de todos os tempos”. De certa forma, a sua não tão pequena educação (havia uma boa escola em Stratford, e Shakespeare pôde lá aprender alguns clássicos latinos) foi uma vantagem, uma vez que a sua cultura não foi moldada no padrão comum do seu tempo; como autodidacta, William Shakespeare, como notado por um perito conhecedor e tradutor das suas obras completas, Luis Astrana Marín, teve acesso a fontes literárias extremamente raras graças à amizade que tinha com um livreiro. As análises dos seus escritos revelam que era um leitor voraz; alguns deles são verdadeiras centenas de textos extraídos das mais diversas fontes. Mas existem essencialmente quatro fontes para as suas obras.

Primeiro, historiadores ingleses, especialmente a segunda edição de The Chronicles of England, de Rafael Holinshed, Scotlande, e Irelande, publicada em 1587, como fonte para alguns dos seus dramas históricos, para a trama de Macbeth, e para partes de King Lear e Cymbeline; O Paralelo de Plutarco Vive na retradução da versão francesa de Jacques Amyot pelo seu amigo Thomas North (1573), da qual tirou o seu Titus Andronicus, o seu Júlio César, o seu Coriolanus e o seu António e Cleópatra, e os Ensaios de Montaigne na tradução de John Florio (1603), que moldaram algumas passagens de O Tempestade.

Em segundo lugar, devemos mencionar como fonte de inspiração o romance (de Mateo Bandello vem a história de As You Like It e a de Romeu e Julieta, que também inspirou Castelvines y Monteses de Lope de Vega e Los bandos de Verona de Francisco Rojas Zorrilla; de Giambattista Giraldi Cinthio a de Othello; de Giovanni Boccaccio A buen fin no hay mal tiempo e de Giovanni Fiorentino O Comerciante de Veneza e As Feliz Esposas de Windsor; Giovanni Boccaccio”s A buen fin no hay mal tiempo e Giovanni Fiorentino”s The Merchant of Venice e The Merry Wives of Windsor; Chaucer também inspirou algumas obras) e obras diversas de todo o tipo, algumas delas espanholas, como Noches de invierno de Antonio de Eslava ou Silva de varia lección de Pero Mexía.

Em terceiro lugar, também se inspirou na produção dramática inglesa que lhe foi apresentada, da qual extraiu uma riqueza de enredos, personagens e princípios de composição. Por vezes até reelaborou peças inteiras (por exemplo, houve um Hamlet anterior atribuído a Thomas Kyd, 1589, que foi um sucesso e não foi preservado, mas inspirou o mais recente de Shakespeare). Ele citou ou evocou textos de muitas peças, sendo especialmente sensível ao modelo de Christopher Marlowe nos seus primeiros trabalhos. Este anseio imitativo não passou despercebido ao seu contemporâneo Robert Greene, que o tomou por plagiador e escreveu em 1592, aludindo a uma conhecida fábula citada por Horace, como se segue:

Finalmente, Shakespeare também era bem versado na mitologia (conhecia muito bem as Metamorfoses de Ovid) e na retórica, embora o seu estilo, por vezes, escapa conscientemente às simetrias rígidas e mecânicas deste último e, outras vezes, se mostre demasiado tocador de palavras, como era então a moda do Euphuism, difundido por John Lyly e, por sua vez, derivado do estilo de Antonio de Guevara, embora Shakespeare tenha falado contra os excessos desse estilo.

Shakespeare reconheceu ser um grande assimilador (o poder de síntese caracteriza grandes poetas, como faz, por exemplo, Dante Alighieri) e declarou-o no seu soneto LXXVI; mas também afirmou neste soneto ser capaz de superar os seus modelos, fazendo algo radicalmente antigo novo, dando-lhe uma nova vida. Em vez de inventar ou apelar à originalidade, pegou em histórias pré-existentes, como as de Hamlet, e deu-lhes o que lhe faltava para eminência. No entanto, e apesar de tudo, ele também se mostrou completamente original, por vezes deliberadamente afastando-se de toda a tradição, como nos seus Sonetos, que invertem todos os cânones do petrarquismo, elaborando um cancioneiro destinado a um homem e onde ele exige, nem mais nem menos, o abandono do narcisismo da época, o abandono do narcisismo da época, o abandono do narcisismo do momento para engendrar a transcendência da eternidade através do amor, que pode parecer bastante abstracto, mas é assim que estes poemas são abstractos e enigmáticos, cada um dos quais contém sempre um movimento dramático, uma invocação à acção.

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Antecedentes: Teatro Elizabethan

Quando Shakespeare iniciou a sua actividade teatral, estava a sofrer as mudanças de um período de transição. Originalmente, o teatro em Inglaterra era um espectáculo popular, associado a outros espectáculos populares da época, tais como a isca de urso (lutar com um urso acorrentado contra cães raivosos). As suas raízes encontram-se no final do período medieval, numa tripla tradição dramática: as peças de mistério, com temas religiosos e destinadas a solenizar as festividades das várias guildas; as peças de moral ou de moral, de carácter alegórico e interpretadas por actores profissionais; e as peças de teatro cortês, destinadas ao entretenimento da nobreza.

Os mais proeminentes grupos de nobres patrocinados com os seus nomes. Assim, nos tempos de Elizabethan, empresas como The Hundson Men (mais tarde Lord Chamberlain”s Men), The Admiral”s Men, e The Queen”s Men, entre as mais importantes, surgiram. Estas companhias teatrais actuavam por vezes no palácio dos seus aristocráticos patronos. Os Homens do Rei, por exemplo, após o patrocínio da companhia pelo Rei James I, actuaram na corte uma vez por mês. Ter o apoio de um mecenas foi essencial para assegurar o sucesso futuro da peça.

As peças foram originalmente representadas nos pátios interiores das pousadas. Mesmo na época de Shakespeare, alguns destes lugares continuaram a acolher representações teatrais. No entanto, não eram muito adequados para actuações, uma vez que a actividade da estalagem por vezes dificultava as actuações. Também se opuseram às autoridades, preocupadas com a desordem e as querelas que aí surgiram, bem como as “práticas perversas de incontinência” que aí tiveram lugar. O factor higiene era também contra eles: a peste era muito frequente e as reuniões de massa não promoviam propriamente a saúde.

Por estas razões, a legislação surgiu gradualmente para regulamentar a actividade teatral, e tornou-se mais difícil obter licenças para espectáculos nas pousadas. Isto levou à construção de teatros mais salubres e fixos na periferia da cidade, e à consolidação e profissionalização da carreira de actor. O primeiro teatro, simplesmente chamado The The Theatre, foi construído em 1576. Outros foram construídos mais tarde: The Curtain, The Rose, The Swan e The Globe. Esta última, construída em 1599 e localizada, como as outras, fora da cidade, para evitar problemas com a City de Londres, era a mais famosa de todas, e era a favorita da companhia da qual William Shakespeare era membro.

Todos estes teatros foram construídos sobre o modelo dos pátios das estalagens. Nenhum deles sobreviveu no seu estado original, mas é possível ter uma ideia aproximada da sua forma, graças a algumas referências do período. Eram recintos hexagonais ou octogonais (há excepções), com um palco moderadamente coberto que se dirigia ligeiramente para o centro de uma arena ao ar livre rodeada por dois ou três andares de galerias. A plataforma consistia em dois níveis, um um pouco mais de um metro acima da arena, coberto e apoiado por colunas, e o outro um pouco mais alto com um telhado que ocultava o aparelho necessário para operar a maquinaria do palco e manobrar a encenação. Poderia levar uma bandeira e até simular uma torre.

Estes teatros tinham uma capacidade de lugares muito respeitável. Foi calculado, por exemplo, que The Globe poderia sentar cerca de 2.000 espectadores.

A princípio, o estatuto social dos comediantes, especialmente dos mais humildes, não era facilmente distinguível do de um vagabundo ou de um mendigo. No entanto, com o tempo, com a abertura dos novos teatros, os actores da era Elizabetana foram gradualmente alcançando um maior estatuto social.

O desenho rudimentar do cenário significava que o intérprete tinha a maior responsabilidade pela peça, de modo que a sua técnica tendia a uma interpretação excessiva na linguagem, gesticulação e fantasias flamboyant. Como as mulheres estavam proibidas de subir ao palco, foram atribuídos papéis femininos a crianças ou adolescentes, que se prestaram ao jogo cómico da ambiguidade erótica. O discurso foi muito importante, e o facto de o palco ter avançado um pouco para o pátio significava que o palco era frequentemente utilizado para monólogos. A ausência de cenários pintados significava que o actor invocava frequentemente a imaginação do público e o escritor recorria a hipótipos. O público era variegado e heterogéneo, e como resultado houve uma mistura de alusões grosseiras e piadas de bawdy, bawdy aos mais cultos e refinados galanterismo amoroso e pedantismo eufórico mais retorcido.

O público chegou ao teatro a um preço que variava de acordo com o conforto do lugar oferecido. O bilhete mais barato exigia estar de pé e exposto ao tempo; os bilhetes menos acessíveis favoreciam a nobreza e os ricos, que podiam sentar-se debaixo da cobertura e fora do sol.

A profissão de dramaturgo não foi bem remunerada, e todos os direitos das peças passaram para as companhias que as interpretaram; assim, as peças sofreram frequentemente múltiplas reformulações e adaptações por parte de várias canetas, nem sempre habilidosas ou respeitosas, para não falar dos cortes a que foram submetidas por capricho dos actores. O nome do autor só foi mencionado (e muitas vezes incorrectamente) dois ou três anos mais tarde, pelo que os escritores não desfrutaram dos frutos do seu trabalho, a menos que fossem accionistas da empresa, como foi o caso de Shakespeare e de outros dramaturgos que trabalharam juntos e partilharam os lucros.

Uma das características mais importantes do teatro elizabetano, e de Shakespeare em particular, é a multiplicidade de níveis em que giram as suas parcelas. O trágico, o cómico, o poético, o terrestre e o sobrenatural, o real e o fantástico misturam-se em maior ou menor grau nestas peças. As transições entre o melancólico e o activo são rápidas e manifestam-se frequentemente em duelos e lutas em palco, o que deve ter constituído uma coreografia animada muito ao gosto da época.

O tolo é uma personagem importante no trabalho de Shakespeare, uma vez que lhe dá liberdade de expressão e facilidade. Foi reconhecido como tendo uma inadequação mental ou deficiência física que lhe permitiu dizer coisas ou expressar opiniões sobre questões controversas que teriam sido proibidas nas bocas de personagens maiores. Sem dúvida que este estratagema era ideal para o autor inglês, uma vez que qualquer crítica à realeza poderia ser justificada atribuindo-a a um personagem que não pensa como a maioria das outras pessoas, dadas as insuficiências de que sofre.

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Teatro de Shakespeare

Na ausência de manuscritos holográficos e de datas precisas de composição, é muito difícil estabelecer uma cronologia bibliográfica shakespeariana. O Primeiro Fólio, que reúne a maior parte da sua produção literária, foi publicado por dois actores da sua companhia, John Heminges e Henry Condell, em 1623, oito anos após a morte do autor. Este livro dividiu a sua dramática produção em Histórias, Comédias e Tragédias, e foram feitas 750 cópias, das quais um terço sobreviveu até aos dias de hoje, a maioria delas incompleta. Graças a este trabalho, metade das obras dramáticas não impressas do dramaturgo foram preservadas, uma vez que Shakespeare não se importou de entrar para a história como dramaturgo.

O Primeiro Fólio contém exclusivamente obras dramáticas (nenhum dos seus poemas líricos está incluído na edição), 36 em número: 11 tragédias, 15 comédias e 10 peças históricas. Não inclui algumas peças tradicionalmente atribuídas a Shakespeare, tais como as comédias Péricles e The Two Noble Kinsmen, nem a peça histórica Edward III. Enquanto no caso de Péricles, o envolvimento de Shakespeare parece bastante certo, o mesmo não acontece com as outras duas peças, de modo que o número de títulos incluídos no cânone shakespeariano varia, dependendo das versões, entre 37 e 39.

Como muitas tragédias ocidentais, a tragédia de Shakespeare retrata frequentemente um protagonista que cai do deserto da graça e acaba por morrer, juntamente com uma proporção próxima do resto do corpo principal. Tem sido sugerido que a reviravolta do dramaturgo no género é o oposto polar da comédia; exemplifica a sensação de que os seres humanos são inevitavelmente infelizes devido aos seus próprios erros, ou mesmo ao exercício ironicamente trágico das suas virtudes, ou através da natureza do destino, ou da condição do homem para sofrer, cair, e morrer…. Por outras palavras, é uma representação com um final necessariamente infeliz.

Shakespeare compôs tragédias desde o início da sua carreira: uma das mais antigas foi a tragédia romana Titus Andronicus, seguida alguns anos mais tarde por Romeu e Julieta. No entanto, os mais aclamados foram escritos num período de sete anos entre 1601 e 1608: Hamlet, Otelo, Rei Lear, Macbeth (os quatro principais), e António e Cleópatra, juntamente com o menos conhecido Timão de Atenas e Tróilo e Cressida.

Muitos sublinharam nestas peças o conceito aristotélico de tragédia: que o protagonista deve ser um personagem admirável mas com falhas, com um público capaz de o compreender e simpatizar com ele. De facto, cada um dos trágicos personagens de Shakespeare é capaz tanto do bem como do mal. A peça insiste sempre no conceito de livre arbítrio; o (anti)herói pode degradar-se ou regredir e redimir-se pelas suas acções. O autor, por outro lado, acaba por conduzi-los à sua inevitável desgraça.

Abaixo estão listadas as tragédias completas de Shakespeare, organizadas de acordo com a data aproximada da sua composição:

Entre as características essenciais da comédia shakespeariana encontramos o vis cómico, a dialéctica de uma linguagem cheia de trocadilhos, o contraste entre personagens opostas por classe social, sexo, género ou poder (um exemplo representativo seria The Taming of the Shrew, também traduzido por vezes como The Taming of the Brave); as alusões e conotações eróticas, os disfarces e a tendência para a dispersão e confusão caótica até que a trama da história conduza à recuperação do que foi perdido e à correspondente restauração no quadro do natural. O panorama da comédia envolve também a exploração de uma sociedade onde todos os seus membros são igualmente estudados de uma forma muito diferente da forma como a sociedade é vista nas suas peças históricas, que são montadas na busca maquiavélica do poder (“uma escada de areia”, devido ao seu vazio de conteúdo) e a perturbação da ordem cósmica divina que o rei representa na terra. Como galeria de tipos sociais, a comédia é assim um espaço mais amplo em Shakespeare do que o trágico e o histórico e reflecte melhor a sociedade do seu tempo, embora o talento do autor para criar personagens particularmente individualizadas, como no caso de Falstaff, também se destaque neste campo.

Enquanto o tom do enredo é frequentemente burlesco, noutras alturas um elemento trágico perturbador está latente, como em O Comerciante de Veneza. Quando aborda temas que podem desencadear um resultado trágico, Shakespeare tenta ensinar, à sua maneira habitual, sem tomar partido, propondo remédios ou moralizando ou pregando de todo, os perigos do vício, do mal e da irracionalidade no ser humano, sem a necessidade de cair na destruição que aparece nas suas tragédias e deixa a ordem restaurativa e restaurativa à Natureza.

Os finais das comédias são geralmente festivos e agradáveis. É de notar que a linguagem vulgar e de duplo sentido, bem como a magnitude dos diversos pontos de vista, as mudanças de fortuna e a agitação das identidades, fornecem um ingrediente infalível que é frequentemente acompanhado por coincidências surpreendentes. A paródia do sexo, o papel do disfarce e o poder mágico da natureza para reparar os danos e feridas infligidos por uma sociedade corrupta e sedenta de ganância são elementos transcendentes na comédia de Shakespeare.

O homem muda completamente a sua maneira de pensar e de agir refugiando-se no deserto e fugindo da civilização, emprestando-se ao jogo das oposições. Finalmente, vale a pena notar que a esfera social que Shakespeare utiliza nas suas peças é talvez um pouco mais restrita do que a encontrada na maioria das comédias.

Como mencionado acima, o bobo – que era um personagem muito popular na corte da época – é o elemento inabalável sobre o qual o dramaturgo se sente mais livre para expressar o que pensa, considerando que as opiniões de tal pessoa nunca foram consideradas válidas – uma desculpa perfeita para elaborar.

A data da composição das comédias de Shakespeare é estimada entre 1590 e 1612, como ponto de partida e culminação da sua obra como escritor. O primeiro e menos elaborado foi The Two Gentlemen of Verona, seguido por The Merchant of Venice, Much Ado About Nothing, As You Like It, A Winter”s Tale, The Tempest, e muitos outros listados abaixo:

É importante deixar claro que The Tempest, Winter”s Tale, Cymbeline e Pericles são considerados por muitos como fantasias poéticas (em inglês é utilizado o termo romance), uma vez que possuem características que os distinguem do resto das comédias.

O Primeiro Fólio classifica como “obras históricas” (histórias) apenas aquelas relacionadas com a história relativamente recente da Inglaterra. Outras peças de teatro com temas históricos, tais como as ambientadas na Roma antiga, ou mesmo Macbeth, com um verdadeiro rei da Escócia, não são aqui classificadas. São onze no total (ou dez, se excluirmos Eduardo III, modernamente considerado apócrifo). A fonte utilizada pelo dramaturgo para a composição destas peças é bem conhecida: são as Crónicas de Raphael Holinshed.

Segue-se uma lista destas obras, organizada de acordo com a data aproximada da sua composição.

Existem sérias dúvidas sobre a autoria do primeiro da lista, Eduardo III. O último, Henrique VIII, foi escrito em colaboração com John Fletcher, que substituiu Shakespeare como o principal dramaturgo da companhia King”s Men.

As dez peças que escreveu sobre os reis ingleses, conhecidas como o “Ciclo Histórico”, que Shakespeare dedicou a sete reis ingleses, são normalmente agrupadas dentro das suas peças históricas. Este ciclo exclui peças sobre o Rei Lear (um rei lendário) e Macbeth (baseadas na vida do rei escocês, Macbeth da Escócia) e uma peça sobre Eduardo III (embora haja indicações crescentes de que foi escrita por Shakespeare, pelo menos em parte, a sua autoria não foi estabelecida). Este ciclo exclui o Rei João e Henrique VIII porque não seguem a sequência histórica.

Oito destas peças estão agrupadas em duas tetralogias cuja ordem de escrita não coincide com a ordem cronológica dos acontecimentos históricos retratados. A primeira destas tetralogias consiste nas três dedicadas ao reinado de Henrique VI (1422-1461), juntamente com a dedicada ao ambicioso e terrível Ricardo III (que reinou no período 1483-1485). Todos eles foram provavelmente compostos entre 1590 e 1594.

A segunda tetralogia, composta por Ricardo II, as duas partes de Henrique IV e Henrique V, recua no tempo. Centra-se nos reinados de Ricardo II (1377-1399), Henrique IV (1399-1413) e Henrique V (1413-1422). Todas estas obras foram compostas no período 1594-1597.

Dado que grande parte do público era analfabeto, estas peças eram uma boa forma de comunicar a história e, consequentemente, fomentar o patriotismo e o amor pela cultura inglesa, bem como instilar um sentimento de rejeição das guerras civis. Para além de proporcionar entretenimento, as peças históricas reafirmaram e justificaram o poder da monarquia àqueles que poderiam questionar a sua legitimidade. Nas peças de Shakespeare, o rei, como nas peças de Lope de Vega, é o representante da ordem cósmica na Terra. É isto que os estudiosos da estatura do Greenblatt analisariam mais tarde, concentrando-se no discurso dominante e na capacidade do teatro elizabetano para afirmar a autoridade real, manter a ordem e desencorajar a subversão.

Dada a dependência das companhias de teatro dos seus patronos aristocráticos (e, no caso de Os Homens do Rei, da autoridade real), é lógico que as peças foram escritas e representadas com figuras históricas pertencentes à nobreza e importantes na história da Inglaterra. Este é o caso de Henrique V, vencedor da Batalha de Agincourt sobre as tropas de França, o rival perene da Inglaterra. Ao retomar factos históricos notáveis, ignorando derrotas e exagerando o heroísmo da vitória – que foi atribuído ao monarca reinante – estas obras conseguiram aumentar a devoção popular à coroa.

Nos primeiros tempos do drama shakespeariano, o objectivo era legitimar a autoridade da dinastia Tudor, entronizada em 1485, precisamente após o derrube de Ricardo III, uma das mais abomináveis personagens do drama shakespeariano. A adesão dos Tudor ao trono tinha suscitado algumas apreensões, tanto devido à sua origem galesa como devido à natureza problemática das suas reivindicações ao trono (aparentemente, Henrique VII, o primeiro monarca da dinastia, baseou os seus direitos na sua descendência da princesa francesa Catarina, viúva de Henrique V, que voltou a casar alguns anos mais tarde com Owen Tudor, um nobre galês com pouca influência na monarquia nacional).

No entanto, há críticos que acreditam que as peças históricas de Shakespeare contêm críticas veladas à monarquia, disfarçadas para evitar potenciais problemas com a lei.

As narrativas cavalheirescas escritas em prosa ou verso eram um género comum de fantasia heróica na Europa desde a Idade Média até ao Renascimento; livros de cavalaria em inglês, francês, espanhol, italiano e alemão podiam também conter mitos arturianos e lendas celtas e anglo-saxónicas; a magia e a fantasia também estavam envolvidas, e a nostalgia pela mitologia pré-cristã perdida das fadas e outras superstições também era perceptível. Esta narrativa lendária, cuja expressão última e obra-prima foi talvez A Morte de Artur de Sir Thomas Malory, já se tinha tornado alternativa e popular, identificada com o vernáculo em oposição a uma narrativa cristã mais moralizante, ligada à esfera eclesiástica, para um público mais selecto e em latim. Para definir este tipo de conteúdo popular, foi escolhido o termo romance ou novelesco.

Na Grã-Bretanha, no final do século XVI e início do século XVII, o romance surgiu como um género fantástico no qual, além de seguir certas convenções características (cavaleiros com poderes especiais, magia, bruxaria, alteração da realidade, cortejo da figura feminina, façanhas e aventuras ousadas), foi acrescentado o facto da conquista da América: um caldeirão de raças e culturas bárbaras que serviu de inspiração para muitos viajantes e dramaturgos. Em William Shakespeare, a peça que reúne todas as convenções acima mencionadas e as molda numa produção teatral tão interessante quanto irreal é The Tempest, considerada o testamento dramático de Shakespeare porque foi provavelmente a sua última peça.

Foi apresentado pela primeira vez em 1611 e foi encenado pela segunda vez por volta de Fevereiro de 1613 por ocasião do casamento de Elizabeth Stuart, filha do Rei James I, com o Príncipe Frederick de Heidelberg. A peça tem muitos paralelos com as figuras mais proeminentes do período jacobeu: a máscara nupcial que Prospero cria para o gozo de Miranda e Ferdinand corresponde às figuras divinas de Ceres e Juno, prometendo um futuro feliz se o casal feliz prometesse manter a castidade até depois do casamento. Isto poderia ter-se adaptado ao monarca, que era tão conhecido pelo rigor da sua moral tradicional como pelo seu interesse mórbido pela magia e bruxaria, que também figuram de forma proeminente na peça. De facto, estas práticas levaram à queima de mulheres entre os séculos XVI e XVIII, e James I condenou à morte, sem hesitação, qualquer pessoa suspeita de realizar tais cerimónias. O tema da Tempestade, então, só se podia manifestar num monarca – Prospero – interessado em pôr fim ao feitiço maléfico de uma velha bruxa, que ameaçava invadir a ordem social da ilha. O mundo mágico deste período reaparece, contudo, em outras comédias romancistas e fantásticas do último período de Shakespeare, como por exemplo:

A Tempestade é considerada como o testamento dramático de Shakespeare. Aparentemente inspirado por uma das Noites de Inverno de Antonio de Eslava, o príncipe Prospero, naufragado numa ilha, semi-humano e semi-divino devido aos seus poderes mágicos, finalmente quebra a sua varinha enquanto reflecte sobre o seu poder limitado, e é quase impossível não pôr as suas palavras na própria boca de Shakespeare:

Algumas das peças que Shakespeare escreveu com John Fletcher perderam-se, por exemplo Cardenio, inspirado num episódio no Don Quixote de Miguel de Cervantes, ou Os Dois Nobres Cavaleiros (como esta última peça não foi incluída no Primeiro Fólio, muitos leitores questionam a autoria do dramaturgo). Por outro lado, e tendo em conta as vicissitudes de muitas das produções de Shakespeare, alguns argumentam que metade delas se enquadraria no perfil e estilo de Fletcher.

Shakespeare possuía, como todos os grandes poetas, um grande poder de síntese; escreveu com toda a língua e tinha um léxico matizado e extenso. Ele foi cuidadoso com a estilização retórica do seu verso em branco, muitas vezes um pouco embutido na tradição conceptualista barroca do euphuismo, razão pela qual hoje em dia é bastante difícil de compreender e decifrar mesmo para os próprios ingleses; ele evitou conscientemente simetrias retóricas, oposições demasiado óbvias de termos; a língua era então uma língua proteana e os significados das palavras ainda não estavam claramente fixados pelos repertórios lexicais. Se a sua linguagem demasiado trabalhada é e costumava ser (e era mesmo quando Voltaire atacava nas suas Cartas Inglesas o puffery anticlássico do seu estilo) um impedimento para apreciar a obra do autor, também é verdade que é a base sobre a qual a obra do autor pode ser apreciada, é também verdade que é a base sobre a qual assenta a sua fama e prestígio como polidor de metáforas e inventor de neologismos comparáveis aos de outros dramaturgos e poetas de renome do seu tempo, tais como os espanhóis Miguel de Cervantes, Lope de Vega, Francisco de Quevedo, Luis de Góngora e Calderón de la Barca.

De um modo geral, os críticos têm enfatizado dois aspectos principais do trabalho dramático de William Shakespeare.

Em primeiro lugar, uma indiferença quase desumana e um afastamento do autor da realidade das suas personagens, que também partilha com a maior introspecção e profundidade na criação da sua psicologia. Shakespeare não moraliza, não prega, não propõe fé, crença, ética ou qualquer solução para os problemas humanos: levanta, e fá-lo melhor do que ninguém, algumas das ansiedades fundamentais da condição humana (ser ou não ser, ingratidão, filial (Rei Lear) ou não, ambição vazia), mas nunca dá respostas: Não sabemos o que Shakespeare pensava, para quem o espectáculo do mundo não tem consequências, mesmo que a sua visão subjacente seja pessimista e sombria face à posição miserável e mínima ocupada por um homem feito do mesmo material que os sonhos num universo misterioso, profundo, incompreensível e sem sentido. Enquanto o teatro barroco espanhol privilegia o divino sobre o humano, Shakespeare partilha igualmente o seu espanto (ou, mais precisamente, a sua maravilha) perante o celeste e o terreno:

Há mais coisas no céu e na terra, Horatio, do que tudo aquilo com que a sua filosofia pode sonhar.

Porque Shakespeare está aberto a tudo, ele não impõe limites religiosos, éticos ou filosóficos a si próprio; faz Júlio César dizer que “de todas as maravilhas que ouvi, a mais estranha parece-me que os homens devem ter medo” e em qualquer caso só se pode ter medo “do medo que os outros têm”.

Os críticos têm por vezes apontado o fio constante da misantropia no seu trabalho e, por outro lado, apenas um desprendimento cósmico de tudo o que é divino e humano é capaz de cunhar frases como esta:

A vida é uma história contada por um idiota, uma história cheia de rugido e fúria, o que não significa nada.

Ou:

A natureza recta dirá: “Aquilo foi um homem…. Quando é que vem outro?

Em segundo lugar, os críticos têm enfatizado o extraordinário poder de síntese do “Cisne de Avon” como letrista; a sua fantasia é capaz de ver um universo em poucas palavras; como criador de personagens, cada um deles representa em si uma visão do mundo, razão pela qual tem sido chamado poeta de poeta. Ricardo III, Hamlet, Otelo, Brutus, Macbeth, Lady Macbeth, Falstaff… são autênticas criações. No entanto, e por esta mesma razão, ele também tem sido criticado: as personagens das suas peças parecem autistas, não sabem ouvir um ao outro e permanecem fechados no seu mundo a qualquer compreensão profunda do outro. Que simpatia existe entre Hamlet e a sua pobre e torturada namorada Ofélia? Será que Marco António e Cleópatra, que apesar de amantes, desconfiam patologicamente um do outro, alguma vez “ouviram” um ao outro? O crítico Harold Bloom apontou esta como uma das diferenças mais notáveis e sensíveis entre Shakespeare e Cervantes. Neste último existe empatia, amizade e ligação humana entre as suas personagens, para que aprendam umas com as outras e evoluam, enquanto as personagens trágicas autistas de Shakespeare são incapazes de se compreenderem umas às outras e de se aperceberem desta aproximação humana.

O estudo de Shakespeare tem sido abordado a partir de muitas perspectivas diferentes. No início, o historicismo analisou o seu trabalho de um ponto de vista histórico e externo, centrando a sua atenção no extra-literário. Como reacção, o neocritismo estava mais inclinado para a análise do próprio trabalho, ignorando qualquer elemento extraliterário. O expoente principal desta escola de crítica foi Stephen Greenblatt.

Nos últimos anos, os estudos de Shakespeare de uma perspectiva feminista, duramente criticados por autores como Bloom, ganharam alguma actualidade nos círculos académicos.

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A poesia de Shakespeare

Além de ser um dramaturgo de inquestionável importância, Shakespeare foi também poeta e sonhador, e acredita-se geralmente que se valorizava mais como letrista do que como dramaturgo e apenas como tal esperava sobreviver no seu tempo. Embora tenha escrito principalmente longas narrativas e poemas mitológicos, é especialmente recordado como um autor excepcional de sonetos puramente líricos.

A primeira menção deste último está no Palladis Tamia (Wit”s Treasury) (Londres, 1598) pelo Cambridge Bachelor of Arts Francis Meres, que louva Shakespeare pelos seus ”sonetos de açúcar”; esta menção mostra que cópias manuscritas deles circulavam entre os seus amigos próximos nesta altura:

Como a alma de Euforbius se considerava viver em Pitágoras, assim a alma espirituosa e doce de Ovídio vive na língua melífera e gentil de Shakespeare. Testemunha, a sua Vénus e Adónis, a sua Lucretia, os seus Sonetos de Açúcar, conhecidos dos seus amigos íntimos. E como Plautus e Séneca são estimados como os melhores para a comédia e tragédia entre os latinos, Shakespeare entre os ingleses é o mais excelente em ambos os géneros. Para a comédia, testemunhe os seus Dois Cavalheiros de Verona, as suas Equivocações, os seus Trabalhos de Amor Perdidos, os seus Trabalhos de Amor Ganhados, o seu Sonho de Noite de Verão e o seu Mercador de Veneza. Pela tragédia, os seus Ricardo II, Ricardo III, Henrique IV, Rei João, Tito Andronicus e Romeu e Julieta. E como Epio Stolo disse que as Musas falariam na língua de Plautus se quisessem falar latim, então eu digo que as Musas falariam na bela frase de Shakespeare se falassem inglês.

Pouco tempo depois, em 1599, alguns dos seus sonetos, 138 e 144, mais três incluídos na sua comédia Love”s Labours Lost, foram impressos (com numerosas variações em edições posteriores) numa colecção de poemas líricos intitulada The Passionate Pilgrim, uma miscelânea de vários autores erradamente atribuídos na sua totalidade ao Cisne de Avon e que inclui entre os seus outros sonetos oito outros que lhe foram atribuídos com toda a razão por motivos de estilo e conteúdo. Foi apenas em 1609 que uma misteriosa edição completa apareceu, provavelmente sem a permissão do autor, por um certo T. T. (Thomas Thorpe, um editor que era amigo dos escritores e do próprio escritor). A dedicação é a um Sr. W. H.

Não há forma de estabelecer com certeza a identidade por detrás destas iniciais, e foram apresentadas várias teorias sobre o personagem por detrás delas; a mais provável é que ele fosse um dos patronos regulares do poeta, e a grande maioria dos críticos está inclinada a pensar que as iniciais estão invertidas e que ele é Henry Wriothesley (1573), Conde de Southampton, uma vez que Shakespeare já lhe tinha manifestado publicamente o seu apreço com dedicatórias de outros poemas: Vénus e Adónis e A Violação de Lucrece. Mas outro possível candidato é William Herbert, Conde de Pembroke e filho de Mary Herbert, irmã de Sir Philip Sidney, o famoso poeta que compôs The Arcadia; a favor deste último também se diz que ele tinha uma intensa devoção ao teatro e era patrono dos Homens do Rei, a companhia teatral de Shakespeare. Ambos eram bonitos nobres dedicados ao mecenato da arte e das letras, e consideravelmente mais jovens do que o poeta, o que é um requisito para qualquer verdadeiro destinatário de poemas.

A ordem estabelecida pela edição de Thorpe consagrou uma estrutura peculiar muito diferente do habitual livro de canções do Petrarchan italiano; de facto, não existem composições noutros metros para quebrar a monotonia, o metro é muito diferente do do soneto clássico (é composto por três serventes e um par, o chamado soneto shakespeariano) e é dedicado na sua maioria à amizade (ou amor) de um homem, a quem interpela frequentemente para criar a sua própria imagem e semelhança:

Criar um outro tu, por afecto a mim, para que a beleza sobreviva para ti ou para o teu.

Ele está assim instalado numa tradição completamente renovada e original, e o próprio poeta estava ironicamente consciente disso:

Porque é que os meus versos são tão desprovidos de novas formas, tão rebeldes a todas as variações ou mudanças vivas? Porque é que com os tempos não estou inclinado para métodos recém-descobertos e estranhos adereços? Porque é que escrevo sempre de uma coisa, sempre a mesma, e envolvo as minhas invenções num traje familiar, enquanto cada palavra quase proclama o meu nome, revela o seu nascimento e indica a sua fonte? Oh, saiba isto, doce amor, que escrevo sempre de si, e que você e o amor são o meu tema eterno; de modo que todo o meu talento consiste em camuflar o que é novo em palavras antigas, e reutilizar o que já usei. Pois como o sol é todos os dias novo e velho, o meu amor repete sempre o que já foi dito.

Pode ser dividido em duas séries sucessivas de sonetos: um de 126, que celebra uma amiga de cabelo louro e bem parecida de nascimento alto, padroeira do poeta, a quem propõe deixar a solidão, o narcisismo e os prazeres e gerar herdeiros, e o último 28, que diz respeito a uma mulher escura, casada, como se pode inferir de uma alusão no soneto 152, e que foi provavelmente uma mulher educada, uma vez que podia tocar o espinheiro ou o cravo. Dois dos sonetos são considerados separadamente, uma vez que são versões do mesmo epigrama da Antologia grega.

Por outro lado, um poeta rival também aparece ocasionalmente no trio de Shakespeare, o enigmático destinatário e a senhora das trevas, um facto que complica ainda mais a história de um amor que na linguagem da época também poderia ser entendido como amizade ou como aquele tipo especial de dilema que se estabelece entre um poeta e o seu patrono. Os peritos (William Minto, seguido mais tarde por Edward Dowden, Tylor e Frederick Furnivall) sustentam na sua maioria que este poeta foi o Hellenist George Chapman, uma vez que ele é identificado como o autor de alexandrinas, versos que eram então bastante raros em métrica inglesa e que só eram utilizados nessa altura por esse autor.

Os temas dos Sonnets são o amor e o tempo, que de certa forma são opostos entre si; neste último, o tema da transitoriedade é explorado em profundidade, chegando por vezes ao metafísico. Cada soneto também contém um movimento dramático; também se pode apreciar, sobretudo, o valor moral e espiritual da mensagem e a filosofia que nos deixa: aproveitar ao máximo o pouco tempo que a vida tem para nos oferecer, a fim de nos entregarmos plenamente a ela. Claudio Guillén salienta também que “Shakespeare ousa dizer coisas novas, coisas completamente novas, tais como a não-diferença entre amizade e amor, e também a não-diferença essencial entre o amor da mulher e o amor do homem”.

A cronologia dos sonetos é difícil de estabelecer, mas conjectura-se que eles foram compostos entre 1592 e 1597.

Cada época histórica deu prioridade a certas peças de teatro de acordo com as preocupações e interesses predominantes. O conceito de “justiça poética” que prevaleceu no século XVIII levou à rejeição de muitas das tragédias de Shakespeare, uma vez que, de acordo com os seus critérios, o teatro deveria promover exemplos de virtude. O crítico inglês Samuel Johnson (1709-1784) não aceitou o final do Rei Lear, que considerou cruel e desnecessário, e a versão 1681 de Nahum Tate substituiu a de Shakespeare até meados do século XIX, surpreendendo o público leitor com o seu grande sucesso: tem um final feliz no qual Cordelia e Lear conseguem triunfar sobre os obstáculos, e o protagonista casa com Edgardo, o legítimo herdeiro do Conde de Gloucester.

Em 1731, o famoso actor David Garrick (1717-1779) apareceu pela primeira vez no papel do corcunda Richard III no palco de um teatro nas favelas de Londres e foi um sucesso retumbante. Quando assumiu a direcção do elegante Drury Lane Theatre, a sua deslumbrante actuação desencadeou uma verdadeira ”Shakespeare-mania”, que atingiu o seu clímax quando o próprio Garrick organizou o primeiro jubileu em honra do poeta em Stratford (1769), um evento que promoveu tal entusiasmo que até a Irlanda exumou falsos documentos literários atribuídos a Shakespeare sob a sua bandeira. Em 1772 Garrick alterou grande parte de Hamlet, removendo a cena dos coveiros e isentando Laertes de qualquer culpa pelo veneno na sua espada. Além disso, a Rainha Gertrudes consegue sobreviver para levar uma vida de arrependimento, o que não é o caso no original. Ao mesmo tempo, a fama do dramaturgo espalhou-se por toda a Europa; Voltaire deu-o a conhecer nas suas Cartas de Inglaterra, e Jean-François Ducis introduziu-o no palco parisiense ao apresentar a sua primeira adaptação de Hamlet (no mesmo ano Gotthold Ephraim Lessing publicou na Alemanha a sua Hamburgische Dramaturgie, uma colecção de estudos teatrais críticos em que defendia o repúdio da tragédia clássica francesa e a nova elevação de Shakespeare, como Johann Gottfried Herder faria em 1771 no seu Blättern von Deutscher Art und Kunst. Tal como Garrick em Inglaterra, Friedrich Ludwig Schröder, actor e director de teatro, contribuiu com a sua primeira actuação de Hamlet na Alemanha (1777) para dar vida a Shakespeare no palco alemão. Goethe apresentou peças de Shakespeare e Calderón em Weimar quando foi encarregado de dirigir o teatro do principado, e ele próprio e Friedrich von Schiller experimentaram a influência do génio inglês nas suas próprias peças. Em Espanha, Ramón de la Cruz traduziu o Hamlet em 1772 e Leandro Fernández de Moratín em 1798.

O renascimento de Shakespeare (assim como o de Pedro Calderón de la Barca) foi um acontecimento decisivo na história do teatro europeu, pois favoreceu a chegada do Pré-Romanticismo e ao mesmo tempo tornou possível o surgimento do drama nacional alemão e mais tarde do drama romântico francês de Victor Hugo.

Em 1807 Thomas Bowdler publicou Family Shakespeare, uma versão modificada para o tornar, na sua opinião, mais adequado para mulheres e crianças, de modo a não “ofender a mente virtuosa e religiosa”. Esta adaptação deu origem à palavra inglesa bowdlerize, que designa a censura puritana.

Na era vitoriana, as representações caracterizavam-se geralmente por uma tentativa arqueológica de reconstrução de uma era, e os encenadores e actores eram obcecados pelo realismo histórico de acordo com a metodologia documental do positivismo. A vanguarda artística também afectou o dramaturgo: Gordon Craig tentou um Hamlet cubista em 1911. A sua concepção iconoclasta do palco abriu o caminho para várias revisões estéticas das peças de Shakespeare no século XX. Em 1936, Orson Welles encenou um Macbeth inovador no Harlem, transpondo não só o período da peça mas também empregando actores afro-americanos. A longa-metragem de Laurence Olivier Henry V, filmada em homenagem aos combatentes da Segunda Guerra Mundial, teve algumas passagens destacadas para encorajar o patriotismo britânico, sendo a mais significativa a haringue do monarca às suas tropas antes da batalha de Agincourt contra as tropas francesas. O mesmo é válido para inúmeras adaptações teatrais e cinematográficas até aos dias de hoje.

Assim, a adaptação, interpretação e torção da obra de Shakespeare foi durante muito tempo o produto de interesses morais, políticos e estéticos específicos, e ocultaram a concepção sombria da vida que Shakespeare genuinamente oferece.

Em termos da sua influência sobre outras culturas, e a cultura hispânica em particular, Shakespeare foi sempre uma rica fonte de inspiração para escritores modernos e contemporâneos, mas não fez realmente sentir a sua presença até ao século XIX. Na América espanhola, escritores como Rubén Darío e em particular o ensaísta José Enrique Rodó leram O Tempestade com particular interesse. Rodó, por exemplo, articulou no seu conhecido ensaio Ariel (1900) toda uma interpretação da América baseada nos mitos de duas das suas personagens principais, Ariel e Caliban.

Mas a sua coroação como autor de literatura universal teve de esperar em Espanha até ao final do século XVIII, quando Voltaire despertou no Iluminismo espanhol uma certa curiosidade para o autor inglês através do que disse sobre ele nas suas Cartas Inglesas; Ramón de la Cruz traduziu o Hamlet em 1772 da redução francesa por Jean-François Ducis (1733-1816), que tinha adaptado as traduções francesas das tragédias de Shakespeare em verso sem saber inglês de acordo com os gostos do Neoclassicismo e eliminando o final violento, entre outras retoques. Esta tradução, no entanto, nunca foi publicada. Leandro Fernández de Moratín, por outro lado, imprimiu o seu, também da má versão francesa de Ducis, acrescentando outras deficiências às do seu modelo (Madrid: Villalpando, 1798).

Havia outras versões de obras individuais (Macbé ou Los Remordimientos, 1818, de Manuel García, também da versão francesa de Ducis), mas foi apenas na segunda metade do século XIX que foram empreendidos esforços globais para traduzir toda a obra do autor, empreendimentos sem dúvida estimulados pelo prestígio que o autor tinha alcançado com o incansável elogio que o Romantismo alemão lhe tinha dedicado.

1872 foi um ano fundamental na recepção espanhola de Shakespeare. As primeiras traduções directas do inglês foram publicadas: Obras de William Shakspeare trad. fielmente del… inglés con presencia de las primeras ediciones y de los textos d á luz por los más célebres comentadores del inmortal pota, Madrid, 1872-1877 (Imp. Manuel Minuesa, R. Berenguuillo). A tradução é de Matías de Velasco y Rojas, Marquês de Dos Hermanas, mas não foi além de três volumes; o segundo e terceiro foram impressos em 1872, o primeiro com os seus poemas e sonetos, o segundo com O Mercador de Veneza e o terceiro com Julieta e Romeu.

Entre 1872 e 1876, Jaime Clark traduziu Romeu e Julieta; Hamlet; Otelo; O Rei Lear; O Mercador de Veneza; Como Vós Gostais; Décima Segunda Noite e A Tempestade. Em 1873, o gibraltino William Mcpherson começou a imprimir a sua tradução de 23 peças em hendecasyllabic branco, com importantes prólogos.

Por outro lado, entre 1872 e 1912, foram frequentes as representações das suas peças em Madrid; Shakespeare apareceu mesmo como personagem no drama nuevo de Manuel Tamayo y Baus, embora já tivesse aparecido como tal no drama de Enrique Zumel Guillermo Shakespeare (Granada: José María Zamora, 1853). Do mesmo modo, os críticos espanhóis empreenderam pela primeira vez um estudo aprofundado de Shakespeare; os primeiros foram Guillermo Macpherson e o seu amigo Eduardo Benot (1885) e especialmente Eduardo Juliá Martínez (1918), que aproveitaram a data centenária para popularizar a figura de Shakespeare com uma espécie de biografia de romance que, sob o título Shakespeare y su tiempo: historia y fantasía (1916), visava expor “verdades no meio das aparências do entretenimento” (p. xii). O trabalho está bem documentado, como se reflecte na copiosa anotação e nos apêndices finais (depois deste Juliá escreveu o seu interessante Shakespeare em Espanha (1918), que serviu de base para o trabalho de Alfonso Par com o mesmo nome. Entre outras peças, traduziu o Rei Lear para catalão e espanhol. Em 1916, coincidindo com o terceiro centenário da morte do dramaturgo, escreveu Vida de Guillem Shakespeare em catalão, que apareceu em espanhol em 1930, e no mesmo ano Contribución a la bibliografía española de Shakespeare; a sua dedicatória seria coroada com duas obras colossais, uma publicada em 1935, Shakespeare en la literatura española, em dois volumes, e a outra no ano seguinte, as Representaciones posthumous shakespearianas en España, também em dois volumes. Também se deve mencionar aqui outro estudioso espanhol de Shakespeare, Ricardo Ruppert y Ujaravi (1920), o escritor realista Juan Valera e membros da Geração de 98, como Miguel de Unamuno e Valle-Inclán, que dedicaram ensaios ao Cisne da Avon.

Entre as traduções, destacam-se as obras completas em oito volumes do já mencionado William Macpherson (1885-1900), com as suas correspondentes introduções. As Obras Completas de Shakespeare de Rafael Martínez Lafuente também ocupam um lugar privilegiado, embora sejam muito provavelmente retraduções do francês, pois incluem no seu prólogo fragmentos dos ensaios de Victor Hugo sobre a vida e obra do dramaturgo que precedeu uma tradução francesa. Toda a obra, e mesmo os títulos atribuídos, estão incluídos na versão em prosa de Luis Astrana Marín, publicada entre 1920 e 1930, que foi amplamente lida por Federico García Lorca; Astrana também compôs uma biografia que reimprimiu de forma ampliada e produziu um estudo global da sua obra, que utilizou como introdução à sua edição monumental. Merecem também menção as traduções e adaptações efectuadas pelos simbolistas Antonio Ferrer e Robert (Noche de Epifanía (Romeu e Julieta (1918) e Hamlet (1918) por Gregorio Martínez Sierra. Um número considerável de estudos e traduções utilizadas e acumuladas por William Macpherson e Rafael Martínez Lafuente pode também ser encontrado na Biblioteca del Ateneo de Madrid.

Entre as traduções modernas, para além da famosa e já mencionada tradução em prosa de Luis Astrana Marín, deve mencionar-se a Obras completas de José María Valverde (Barcelona: Planeta, 1967), também em prosa, e as edições bilingues com versão em espanhol em verso branco produzidas pelo Instituto Shakespeare de Valência, dedicado inteiramente a este esforço desde 1980 sob a direcção de Manuel Ángel Conejero e Jenaro Talens. Também notáveis são as versões de algumas das peças do mais importante dramaturgo trágico espanhol da segunda metade do século XX, Antonio Buero Vallejo. Ángel Luis Pujante realizou também uma nova tradução das suas obras completas para a Editorial Espasa-Calpe desde 1986.

Finalmente, na Universidade de Múrcia, foi criada uma base de dados online com os textos de todas as traduções dos textos históricos de Shakespeare para espanhol, cinco biografias do autor, materiais complementares e a bibliografia compilada por Ángel-Luis Pujante e Juan F. Cerdá Shakespeare em Espanha. Bibliografia bilingue anotada

Entre as versões cinematográficas da biografia de Shakespeare estão Shakespeare in Love (1998), realizado por John Madden, Miguel e William, 2007, pela realizadora e argumentista Inés París sobre Miguel de Cervantes e Shakespeare, e Anonymous (2011), realizado por Roland Emmerich, que apresenta uma possível resposta sobre a autoria das suas obras no contexto de uma trama política.

Cerca de 250 filmes foram produzidos com base nos textos de Shakespeare, demonstrando a enorme influência do trabalho de Shakespeare. A peça mais frequentemente filmada é Hamlet, com 61 adaptações de filmes e 21 séries de televisão entre 1907 e 2000. Alguns filmes baseados nas peças de Shakespeare incluem o seguinte:

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Tragédia

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Comédia

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Drama histórico

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Outras obras

Fontes

1. William Shakespeare
2. William Shakespeare