Akira Kurosawa

gigatos | ianuarie 12, 2022

Post Views: 18

Rezumat

Akira Kurosawa (黒澤明, ortografie modernă (新字体): 黒沢明 Kurosawa Akira, * 23 martie 1910 în Ōmori, Ebara County († 6 septembrie 1998 în Setagaya, ibidem) a fost un regizor de film japonez.Cu o operă care cuprinde 30 de filme pe o perioadă de 57 de ani, este considerat unul dintre cei mai influenți regizori din toate timpurile.

După o scurtă perioadă ca pictor, Kurosawa a intrat în industria cinematografică japoneză în 1938, unde a lucrat mai întâi ca scenarist și asistent de regie, înainte de a-și lansa cariera de regizor în 1943, cu filmul de acțiune Judo Saga – Legenda marelui Judo.

După câteva succese locale minore în timpul celui de-al Doilea Război Mondial, Kurosawa a publicat drama Angel of the Lost împreună cu studioul de film Tōhō în 1948. Filmul a avut un mare succes comercial și de critică și l-a consolidat în poziția sa de unul dintre cei mai cunoscuți regizori japonezi. Pentru unul dintre rolurile principale, l-a angajat pe tânărul actor Toshirō Mifune, pe atunci necunoscut, care, de asemenea, a dobândit peste noapte o mare faimă locală și a lucrat ulterior cu Kurosawa în alte șaisprezece filme.

Filmul Rashomon – The Pleasure Grove, publicat în 1950, a câștigat în mod surprinzător Leul de Aur la Festivalul Internațional de Film de la Veneția și l-a făcut pe Kurosawa celebru pe plan internațional. Succesul critic și comercial al filmului a atras pentru prima dată atenția Occidentului asupra produselor industriei cinematografice japoneze și este considerat esențial pentru creșterea popularității internaționale a filmului japonez.

În 1990, Kurosawa a fost distins cu Oscarul onorific pentru întreaga sa operă și a fost numit postum „Asiaticul secolului” la categoria „Artă, literatură și cultură” de către CNN. După mulți ani de la moartea sa, numeroase retrospective, studii și biografii despre el și cariera sa continuă să apară sub formă vizuală și audio.

Citește și, biografii – Spartacus

Copilărie și începuturi în industria cinematografică (1910-1945)

Akira Kurosawa s-a născut la 23 martie 1910 în cartierul Ōmori din Tokyo, fiind cel mai mic dintre cei opt copii. Tatăl său, Isamu (1864-1948), membru al unei familii de samurai din prefectura Akita, a fost directorul unei școli medii, în timp ce mama sa, Shima (1870-1952), făcea parte dintr-o familie de comercianți din Osaka. Unul dintre frații săi a murit la o vârstă fragedă, în timp ce cei doi frați mai mari își întemeiaseră deja propriile familii, lăsându-l cu trei surori și doi frați.

Kurosawa își descrie mama ca fiind o persoană foarte blândă, dar tatăl său este foarte strict. El a pus mai puțin accent pe o educație artistică pentru fiii săi decât pe o educație tradițională, spartan-militară. Avea, de asemenea, o afinitate pentru tradițiile occidentale, în special pentru piesele de teatru și filmele din Occident, pe care le considera a avea o mare valoare educativă. Din această cauză, Kurosawa a dezvoltat de la o vârstă fragedă o fascinație pentru divertismentul occidental, care mai târziu va avea o mare influență asupra filmelor sale. Tânărul Akira era interesat de artă și de pictură, iar un profesor din școala primară, în special, se spune că a recunoscut și a încurajat acest interes. Cu toate acestea, componenta sportivă-militară a educației sale școlare, care a constat în mare parte din antrenamentul Kendō, i-a rămas străină. Tatăl său, „deși era un militar inflexibil”, potrivit lui Kurosawa, a sprijinit acest filon artistic.

O altă influență majoră asupra operei ulterioare a lui Kurosawa a fost fratele său mai mare, Heigo. După Marele Cutremur Kantō din 1923, l-a obligat pe Akira, pe atunci în vârstă de 13 ani, să îl însoțească în zona dezastrului pentru a-l confrunta cu temerile sale și pentru a vedea mai îndeaproape devastarea. Acest eveniment a stat la baza carierei de mai târziu a lui Kurosawa, în care acesta și-a prelucrat artistic propriile temeri, traume și probleme în filmele sale.

După terminarea liceului, Kurosawa a urmat cursurile Școlii de pictură occidentală Doshusha în 1927. Și-a câștigat existența cu ilustrații și picturi de tot felul, dar fără succes. În această perioadă, a fost asociat îndeaproape cu fratele său Heigo, care s-a despărțit din ce în ce mai mult de familia sa și a dus o carieră de succes ca benshi în industria filmului mut. Prin contactele sale din industria cinematografică, Heigo l-a inspirat pe tânărul Akira cu toate formele de divertisment, inclusiv cu poveștile vechi ale samurailor, literatura locală, circul și filmul. Odată cu creșterea popularității filmelor cu sonorizare, Heigo a devenit șomer la începutul anilor 1930 și, ulterior, a intrat într-o depresie severă, care a culminat în mod tragic cu sinuciderea sa în 1933. Potrivit lui Kurosawa, nu a reușit niciodată să depășească complet sinuciderea fratelui său. Evenimentul avea să influențeze mai târziu multe dintre lucrările sale, multe dintre acestea fiind dedicate lui Heigo.

În 1935, nou înființatul studio de film Photo Chemical Laboratories (P.C.L.), cunoscut mai târziu sub numele de Tōhō, căuta candidați pentru postul de asistent de regie. În ciuda îndoielilor legate de propria competență, Kurosawa a scris eseul cerut pe tema „Care sunt defectele fundamentale ale filmului japonez și cum pot fi ele depășite”. Fără nicio speranță de a ajunge pe lista scurtă, Kurosawa a scris un eseu foarte cinic, cu mesajul de bază că defectele fundamentale nu pot fi depășite nici măcar prin definiție. Regizorul și colaboratorul P.C.L. Kajirō Yamamoto, care avea să devină mai târziu mentorul lui Kurosawa, a fost, contrar așteptărilor, foarte încântat de eseu și l-a descris ca fiind „carismatic”. Kurosawa a fost preselectat și, cu sprijinul lui Yamamoto, i s-a permis să preia postul de asistent de regie începând cu februarie 1936.

În timpul celor cinci ani în care a fost asistent de regie, Kurosawa a lucrat cu mai mulți regizori japonezi, dar cel mai important a rămas Yamamoto, cu care a colaborat de șaptesprezece ori. În ciuda lipsei de experiență a lui Kurosawa, Yamamoto l-a promovat ca asistent principal pe platoul de filmare după numai un an, extinzându-i responsabilitățile de la construcția decorului la revizuirea scenariului, iluminat, dublaj, producție de sunet etc. Această evoluție este considerată esențială în cariera sa. Această evoluție este considerată esențială pentru mentalitatea sa ulterioară de a prelua el însuși cea mai mare parte a producției de film, inclusiv scenariul, camera de filmat, montajul și regia.

La sfatul mentorului său, Kurosawa a început să scrie propriile scenarii în paralel cu munca sa de asistent de regie și să le vândă altor regizori japonezi. Într-un timp foarte scurt, și-a făcut un nume ca scenarist și a fost motivat de acest succes să continue să scrie singur toate scenariile în cariera sa ulterioară. Chiar și în anii 1960, când avea deja succes internațional, Kurosawa a continuat să scrie sporadic scenarii pentru alți regizori.

Spre sfârșitul anului 1942, la aproximativ un an după atacul de la Pearl Harbor, scriitorul japonez Tsuneo Tomita a publicat nuvela Sanshiro Sugata, o poveste de judo inspirată din romanul Musashi. Kurosawa, al cărui interes a fost stârnit de publicitatea făcută cărții, a cumpărat nuvela în ziua în care a fost publicată, a citit-o în aceeași zi și, la scurt timp după aceea, l-a abordat pe Tomita în legătură cu o adaptare cinematografică, pe care acesta a acceptat-o. Instinctul său cu privire la popularitatea emergentă a operei s-a dovedit a fi corect, deoarece doar câteva zile mai târziu, mai multe studiouri de film japoneze au vrut să cumpere drepturile pentru această nuvelă.

Următorul proiect al lui Kurosawa, filmul de propagandă Most Beautiful, este o excepție în filmografia sa. Kurosawa, care, spre deosebire de multe alte personalități cunoscute ale vremii sale, a fost mai degrabă reținut din punct de vedere politic, a abordat în film, într-un mod puternic subiectiv, problema femeilor muncitoare din timpul celui de-al Doilea Război Mondial și, de asemenea, prezintă în mod clar trăsături patriotice. Originea acestui fapt este necunoscută, dar cea mai răspândită teorie consideră că relația tensionată a lui Kurosawa cu autoritatea de cenzură japoneză și cu agenția de protecție constituțională a fost decisivă și interpretează schimbarea de stil și de conținut ca pe un gest de liniștire. Procesul de producție al filmului reprezintă, de asemenea, o particularitate, deoarece Kurosawa a cerut ca actorii săi să locuiască într-o clădire a fabricii în timpul producției filmului, să mănânce doar la cantină și să se adreseze unul altuia doar cu nume fictive. Această producție neobișnuită contrastează cu cursul obișnuit al operei sale de debut și marchează începutul obiceiului său de a folosi mijloace la fel de drastice în filmele viitoare pentru a le face să pară mai autentice.

Mulți dintre actori au fost iritați de comportamentul perfecționist al lui Kurosawa și, prin urmare, au ales-o pe Yōko Yaguchi, actrița principală a filmului, pentru a discuta cu el. În mod paradoxal, discuțiile dintre cei doi nu au provocat discordie, în schimb s-au îndrăgostit și s-au căsătorit un an mai târziu, pe 21 mai 1945. Cuplul a avut doi copii, un băiat pe nume Hisao și o fată pe nume Kazuko, și au rămas împreună până la moartea lui Yaguchi, în 1985.

Cu puțin timp înainte de nuntă, Kurosawa a fost presat de studioul său de filmare să facă o continuare a filmului său de debut. Kurosawa a respins vehement ideea la început, dar a cedat după o discuție îndelungată și a lansat filmul Sugata Sanshiro sequel în mai 1945. Filmul a avut succes la box-office, dar este considerat de spectatori și de regizorul însuși ca fiind cel mai slab film al său.

Din cauza controversei din jurul primului său film și a ceea ce el a spus că a fost un buget inutil de mare pentru continuarea acestuia, Kurosawa a decis ca pentru următorul său proiect să producă un film care să fie mai puțin costisitor și mai prietenos cu cenzura decât cele anterioare. Filmările pentru filmul The Men Who Stepped on the Tiger”s Tail, bazat pe drama Kanjinchō a lui Kakubi și avându-l ca protagonist pe renumitul actor Enomoto Ken”ichi, au fost finalizate în septembrie 1945. În același timp, Japonia a capitulat și a început perioada de ocupație în Japonia, astfel că filmul a trebuit să fie controlat de noile autorități de cenzură americane, care l-au considerat „prea feudal” și l-au pus la Index. În mod ironic, însă, filmul ar fi avut aceeași soartă dacă Japonia nu s-ar fi predat, deoarece documente vechi ale autorităților japoneze arată că acestea doreau să îl pună la index pentru că era „prea occidental și prea legat de valorile democratice”. Abia șapte ani mai târziu, în 1952, filmul a fost lansat împreună cu noua sa operă Ikiru – Once Really Alive.

Citește și, istorie – Tratatul de la Amiens

Perioada postbelică până la Barba Roșie

Inspirat de valorile democratice ale ocupației occidentale, Kurosawa și-a propus de acum înainte să producă filme mai orientate spre o viziune individualistă asupra lumii. Primul dintre aceste filme a fost No Regrets for My Youth (Fără regrete pentru tinerețea mea) din 1946, o critică a opresiunii politice a regimului japonez din timpul celui de-al Doilea Război Mondial. El a fost motivat în special de „incidentul Takigawa”, precum și de spionul Hotsumi Ozaki din timpul războiului, dar și de propriile experiențe cu cenzura internă. Protagonista este – în mod neobișnuit pentru regizor – o femeie, Yukie (interpretată de Setsuko Hara), care crește într-o familie bogată și își pune la îndoială propriile idealuri prin intermediul crizelor celor din jur. Scenariul original a trebuit să fie rescris de mai multe ori și a avut parte de o primire împărțită din partea criticilor de la acea vreme din cauza temelor controversate și a faptului că personajul principal este o femeie. Cu toate acestea, filmul a avut un mare succes comercial și de public, iar variațiile titlului filmului s-au impus ca sloganuri postbelice.

Povestea de dragoste „O duminică frumoasă” a avut premiera în iulie 1947 și spune povestea unui cuplu tânăr care se pregătește să se bucure de prima lor vacanță împreună în mijlocul dezastrului din Japonia. Filmul a fost puternic influențat de David Wark Griffith, Frank Capra și Friedrich Wilhelm Murnau, toți trei regizori favoriți ai lui Kurosawa, și reprezintă o particularitate în filmografia sa, prin spargerea repetată a celui de-al patrulea perete. În același an a avut loc lansarea filmului Calea zăpezii, regizat de Senkichi Taniguchi, pentru care Kurosawa a scris scenariul. Filmul este special prin faptul că a reprezentat debutul tânărului actor în devenire Toshirō Mifune, care a fost atât de convingător încât Kurosawa i-a oferit un contract cu Tōhō, în ciuda scepticismului celorlalți judecători de casting. Mifune a apărut în șaisprezece dintre filmele ulterioare ale lui Kurosawa, în majoritatea cazurilor în rolul principal.

Îngerul celor pierduți este considerat de mulți, inclusiv de el însuși, ca fiind prima operă majoră a lui Kurosawa; a fost începutul seriei de filme preferate de critici și de public care apăreau aproape în fiecare an. Deși scenariul a fost rescris de mai multe ori din cauza influenței cenzorilor americani, Kurosawa a declarat ulterior că filmul a fost primul în care s-a putut exprima liber. Povestea urmărește un doctor și alcoolic care încearcă să salveze un yakuza bolnav de tuberculoză și a stabilit colaborarea dintre Kurosawa și Toshirō Mifune. Deși Mifune nu a fost angajat pentru rolul principal, care a fost deținut de Takashi Shimura, un vechi coleg de muncă al lui Kurosawa, interpretarea sa în rolul gangsterului i-a încântat atât de mult pe cei de pe platoul de filmare încât Kurosawa a regândit pentru scurt timp dramaturgia filmului, mutând mai mult accentul de pe Shimura pe el. Angel of the Lost a avut premiera la Tokyo în aprilie 1948 și a fost primit cu euforie de critici și spectatori. Printre altele, Kinema Junpo, cea mai veche și mai cunoscută revistă de film din Japonia, l-a desemnat filmul anului.

Motivat de succesul filmului, Kurosawa a fondat studioul de film Eiga Geijutsu Kyōkai (germană: Filmkunst-Verbund) împreună cu producătorul Sōjirō Motoki și regizorii Kajiro Yamamoto, Mikio Naruse și Senkichi Taniguchi. Pentru a inaugura studioul, Kurosawa a lansat filmul The Silent Duel, singura sa adaptare a unei piese de teatru, în martie 1949. Toshirō Mifune a fost angajat pentru rolul principal, în care joacă rolul unui medic aspirant care se luptă cu consecințele bolii sale de sifilis. Intenția lui Kurosawa aici a fost de a ieși din criza lui Mifune, care fusese catalogat drept gangster de alți regizori datorită prestației sale din Angel of the Lost, dar care dorea să strălucească și în alte roluri. În ciuda timpului foarte scurt în care a lucrat la acest film – Kurosawa însuși l-a văzut mai degrabă ca pe un mic proiect secundar decât ca pe o lucrare cu adevărat bine gândită – acesta a primit recenzii bune și a fost convingător și la box office. Chiar și în retrospectivă, filmul primește încă recenzii bune, deși mulți critici îl clasifică drept unul dintre cele mai puțin importante din filmografia lui Kurosawa.

Cel de-al doilea film al său din același an, Un câine vagabond, reprezintă primul din cele trei filme noir ale lui Kurosawa. Filmul polițist descrie metaforic starea de spirit din Japonia în perioada postbelică prin povestea unui tânăr polițist, interpretat de Mifune, care își caută arma furată. La fel ca în majoritatea filmelor sale, regia, distribuția și scenariul sunt semnate de Kurosawa, care în acest caz s-a inspirat din stilul scriitorului de romane polițiste Georges Simenon. Într-o secvență iconică, fără cuvinte, de opt minute, polițistul își caută arma pe străzi. Scena a fost imitată ulterior de numeroși regizori, printre care Francis Ford Coppola și Andrei Tarkovsky. O altă particularitate a filmului sunt imaginile din Tokyo distrus, care prezintă imagini reale ale prietenului regizorului Ishirō Honda, care avea să aibă mai târziu o mare descoperire cu Godzilla. Filmul a avut un succes de critică și comercial similar cu Angel of the Lost și este considerat, de asemenea, fondatorul filmului polițist de amiciție, popular ulterior la nivel internațional, precum și al filmului polițist japonez în general.

Filmul Scandal, publicat în 1950 de Shōchiku, este o critică a presei tabloide japoneze emergente, în special a disprețului acesteia față de intimitate, și este puternic inspirat de propriile experiențe ale regizorului. Alternând între conversații în sala de judecată și lungi monologuri filozofice despre libertatea de exprimare și responsabilitatea socială, produsul final al filmului a devenit extrem de experimental, spre nemulțumirea lui Kurosawa, care l-a descris mai târziu ca fiind neterminat și necentrat. Cu toate acestea, filmul, ca și cele dinaintea lui, a avut succes la nivel local din toate punctele de vedere. Cu toate acestea, cea de-a doua lucrare a sa din același an, Rashomon – The Pleasure Grove, a fost cea care a făcut din el și din cinematografia japoneză o forță internațională.

Filmările pentru Rashomon – Pădurea plăcerilor au început la 7 iulie 1950 și s-au încheiat la 17 august a aceluiași an. Pădurea primară din Nara a servit drept decor. Post-producția a fost finalizată într-o săptămână, după complicații cauzate de un incendiu la studio, astfel încât filmul a putut totuși să aibă premiera la Teatrul Imperial din Tokyo, la 25 august 1950; lansarea la nivel național a avut loc o zi mai târziu. Filmul, la fel ca majoritatea filmelor lui Kurosawa de până atunci, a fost un succes local de critică și comercial, dar era încă necunoscut pe plan internațional.

Datorită succesului comercial al filmului Rashomon și a libertății sale artistice de a nu fi legat de un singur studio de producție, Kurosawa și-a îndeplinit dorința pentru următorul său film și a adaptat „Idiotul”, romanul cu același nume al autorului său preferat, Fiodor Mihailovici Dostoievski. Deși a schimbat locația acțiunii din Rusia în Hokkaidō, în Japonia, adaptarea este foarte fidelă originalului, ceea ce o face o excepție în filmografia regizorului, care de obicei nu lua decât premisele brute atunci când adapta opere cunoscute. Prima versiune a filmului avea în jur de patru ore și jumătate, spre nemulțumirea studioului de producție Shōchiku, care l-a considerat prea lung pentru spectatorul obișnuit și l-a redus de la 265 la 166 de minute. Gestul a instaurat o lungă dușmănie între Shōchiku și Kurosawa, care, potrivit unor surse, a cerut chiar ca filmul să nu fie publicat în forma sa prescurtată și a aprobat lansarea acestuia doar la cererea actriței Setsuko Hara. Reconcilierea celor două părți a avut loc abia patruzeci de ani mai târziu și a dus la cea de-a treia și ultima lor colaborare, Rhapsody in August. Potrivit regizorului britanic și apropiat al acestuia, Alex Cox, cu această ocazie Kurosawa a căutat fără succes în arhivele studioului versiunea originală a filmului, care este considerată și astăzi pierdută.

În același timp, prin eforturile reprezentantei cinematografiei italiene Giuliana Stramigioli, Rashomon – The Pleasure Grove a fost nominalizat la prestigiosul Festival Internațional de Film de la Veneția, unde a fost admis pe lista scurtă. Contrar tuturor așteptărilor, filmul a câștigat premiul cel mare, Leul de Aur, la 10 septembrie 1951, surprinzându-l nu numai pe Kurosawa și studioul său, ci și peisajul cinematografic internațional, pentru care produsele din Japonia fuseseră complet necunoscute timp de decenii.

După ce Kadokawa Daiei a vândut filmul cu subtitrare la diverse cinematografe din zona Los Angeles pentru o perioadă scurtă de timp, RKO Pictures a obținut drepturile pentru Rashomon în SUA. Achiziția a fost considerată un mare risc la vremea respectivă, deoarece singurul film japonez lansat anterior în SUA, „Woman Be Like a Rose” de Mikio Naruse, fusese un eșec pentru critici și public. Totuși, acțiunea a dat roade în cele din urmă. Rashomon a devenit un succes uriaș, nu în ultimul rând datorită criticilor euforice și publicității făcute de Ed Sullivan, printre alții, și a consolidat numele lui Kurosawa în rândul celor mai faimoși regizori ai vremii, alături de nume mari precum Alfred Hitchcock și Billy Wilder. De exemplu, Rashomon, care a fost lansat ca producție proprie în anumite cinematografe din Japonia doar în 1950, a fost deja lansat la nivel mondial la jumătatea anului 1952, fiind primul film asiatic din istorie.

Succesul filmului a ajutat industria cinematografică japoneză să câștige o mare atenție și popularitate pe piața occidentală, care continuă până în prezent, înlocuind neorealismul italian, care s-a bucurat de o mare popularitate pentru o lungă perioadă de timp prin intermediul unor regizori precum Roberto Rossellini, Federico Fellini și Vittorio De Sica. Printre regizorii japonezi care au primit ulterior premii cinematografice și au fost lansați comercial în Occident ca urmare a șocului produs de Rashomon se numără Mizoguchi Kenji și Ozu Yasujirō. Mulți ani mai târziu, piața occidentală era încă deschisă pentru noua generație de cineaști japonezi, precum Kon Ichikawa, Masaki Kobayashi, Nagisa Ōshima, Shōhei Imamura, Jūzō Itami, Takeshi Kitano și Takashi Miike.

Odată cu succesul său internațional, Kurosawa s-a simțit liber din punct de vedere artistic, dar și financiar, astfel că, odată cu următorul său film, și-a îndeplinit dorința de a filma o altă dramă. Rezultatul a fost Ikiru – Once Really Alive, un film despre un birocrat pe nume Watanabe, care suferă de cancer la stomac și care pleacă în căutarea unui sens înainte de a muri. În ciuda subiectului sumbru, scenariul abordează atât nișa birocratică a protagonistului, cât și colonizarea culturală a Japoniei de către SUA, cu o abordare satirică care a fost adesea comparată cu Bertolt Brecht de către criticii contemporani. Ikiru și-a sărbătorit premiera la 9 octombrie 1952, cu vânzări de bilete și recenzii euforice, nu în ultimul rând datorită tonului său satiric, care a fost perceput de publicul larg ca o revigorare generală revigorantă a genului dramatic, de altfel preponderent camuflat. Chiar și astăzi, Ikiru este inclus în numeroase liste ca fiind unul dintre cele mai bune filme din toate timpurile.

În luna decembrie a aceluiași an, Kurosawa și-a rezervat o cameră într-un han izolat pentru 45 de zile pentru a lucra în izolare la scenariul unui nou film: Cei șapte samurai. Ansamblul a fost primul său film de samurai, genul pe care avea să îl revoluționeze cu acest film și cu alte câteva dintre lucrările sale ulterioare. Povestea despre un sat sărac din perioada Sengoku care angajează un grup de samurai pentru a se proteja de bandiți a fost refăcută în stil epic: Cu o distribuție numeroasă, secvențe de acțiune minuțios detaliate și o durată de aproximativ trei ore și jumătate.

Pre-producția a durat aproximativ trei luni, iar repetițiile încă una. Cu toate acestea, filmarea este considerată deosebit de excesivă, având o durată de 148 de zile (aproape cinci luni) pe o perioadă de aproximativ un an. Filmările au fost însoțite de numeroase complicații, inclusiv faptul că Kurosawa a calculat greșit bugetul filmului și a trebuit să găsească bani în mai multe moduri diferite pentru a plăti costurile imense. Acest stres i-a cauzat și probleme de sănătate, ceea ce a avut un efect contraproductiv asupra producției. În cele din urmă, filmul a avut premiera în aprilie 1954, la jumătate de an după lansarea planificată în cinematografe și cu un buget de trei ori mai mare decât cel planificat inițial, ceea ce l-a transformat în cel mai scump film japonez din toate timpurile până la acel moment. La fel ca și cele două opere anterioare ale lui Kurosawa, acest film epic a fost lăudat până la cer de critici și a devenit rapid un succes internațional de box office fără egal. Reputația filmului a continuat să crească în timp și este considerat în prezent unul dintre cele mai bune filme din toate timpurile. În 1979, de exemplu, diverși regizori japonezi l-au votat cel mai bun film japonez din toate timpurile în cadrul unui sondaj, revista Sight & Sound a Institutului Britanic de Film l-a clasat pe locul 17 în topul celor mai bune filme din toate timpurile, iar Internet Movie Database îl clasează în prezent pe locul 15.

În 1954, testele nucleare au provocat precipitații radioactive pe o mare parte a Japoniei; în special, radiațiile echipajului vasului de pescuit japonez Happy Dragon V au ținut prima pagină a ziarelor și au provocat neliniște în rândul populației japoneze. Măcinat de atacuri de panică și paranoia, Kurosawa și-a lansat contribuția în noiembrie 1955 sub forma filmului Balanța unei vieți, o poveste semi-autobiografică despre un bătrân proprietar de fabrică care, temându-se de un atac nuclear, vrea cu hotărâre să își mute fiecare membru al familiei sale (înrudiți prin sânge și în afara căsătoriei) la o fermă presupus sigură din Brazilia. Pentru o lungă perioadă de timp, producția a fost mult mai puțin conflictuală decât cea a filmelor sale anterioare, până la moartea compozitorului și prietenului său apropiat Fumio Hayasaka din cauza tuberculozei, cu câteva zile înainte de încheierea filmărilor. Coloana sonoră a filmului a fost finalizată de Masaru Satō, care avea să compună și muzica pentru următoarele opt filme ale lui Kurosawa. Balanța unei vieți a fost un succes critic și financiar, dar nu s-a ridicat nici pe departe la nivelul reputației predecesorului său. Cu toate acestea, de-a lungul anilor, filmul a câștigat în popularitate și este considerat acum de mulți critici renumiți ca fiind una dintre cele mai bune reprezentări psihanalitice ale angoasei umane în format cinematografic.

Următorul proiect al lui Kurosawa, Castelul din pădurea de pânză de păianjen, o adaptare aproximativă a lui Macbeth de William Shakespeare, a prezentat o remodelare ambițioasă a operei englezești într-un context japonez. De exemplu, regizorul a instruit-o pe actrița principală Yamada Isuzu să vadă opera ca pe o reprezentare cinematografică a literaturii japoneze, mai degrabă decât ca pe una europeană. Pentru a conferi filmului atmosfera unică a literaturii japoneze antice, precum și pentru a aduce un omagiu artei teatrale japoneze în general, Kurosawa le-a cerut actorilor săi să învețe și să folosească gesticulații și accente din teatrul tradițional Nō. Produsul final a fost lansat în Japonia la 15 ianuarie 1957 și la nivel internațional în ziua următoare, cu recenzii foarte bune și un nou succes financiar. Până în prezent, Castelul din pădurea de pânză de păianjen este catalogat drept unul dintre cele mai bune filme ale lui Kurosawa și, în ciuda libertăților creative luate față de original, este considerat una dintre cele mai populare adaptări ale lui Shakespeare.

A urmat o altă adaptare liberă a unei piese clasice europene, Nachtasyl, bazată pe piesa cu același nume de Maxim Gorki. Povestea despre un cuplu căsătorit care închiriază paturi unor străini în perioada Edo și care ulterior se implică în situații neașteptate este plasată în lunile mai și iunie 1957, în corelație cu perioada filmărilor. Spre deosebire de Castelul din pădurea de pânze de păianjen, un film costisitor și foarte ambițios, Azilul de noapte a fost filmat pe doar două platouri de filmare restrânse, cu intenția de a putea evidenția izolarea emoțională a personajelor. Spre deosebire de prima interpretare a lui Kurosawa a literaturii ruse, „Idiotul”, încercarea a fost considerată un succes de către spectatori și critici. Nachtasyl este adesea considerată una dintre cele mai subestimate opere ale regizorului până în prezent.

Atmosfera celor trei filme care au urmat filmului Cei șapte samurai a devenit din ce în ce mai pesimistă și mai sumbră, în special prin prisma analizei critice a întrebării dacă răscumpărarea poate fi cu adevărat obținută prin responsabilitate personală. Dacă Bilanțul unei vieți era deja foarte sumbru, următoarele două filme, în special, au fost dominate de această filozofie nihilistă. Kurosawa însuși a observat acest lucru și, astfel, a decis în mod conștient să facă următorul său film mai ușor și mai distractiv, încercând în același timp să folosească noul format widescreen, care atrăgea din ce în ce mai mult atenția, în special în Japonia. Rezultatul, „The Hidden Fortress”, este un film de aventuri comice despre o prințesă medievală, generalul ei loial și doi țărani care se confruntă cu situații periculoase pentru a ajunge în regiunea lor de origine. Lansat în decembrie 1958, „Fortăreața ascunsă” a avut un succes comercial uriaș și a reușit să entuziasmeze și criticii, atât pe plan local, cât și internațional. În prezent, opera este considerată una dintre cele mai ușoare ale lui Kurosawa, dar se bucură în continuare de o mare popularitate și este inclusă în mod regulat în listele celor mai buni regizori. Regizorul american George Lucas a numit ulterior filmul drept cea mai mare sursă de inspirație pentru opera sa spațială Războiul stelelor și a adoptat parțial scene întregi ca omagiu adus operei lui Kurosawa.

Începând cu Rashomon, operele lui Kurosawa au început să devină din ce în ce mai ambițioase; în consecință, bugetul a crescut în mod constant. Din lipsă de precauție, după lansarea filmului Fortăreața ascunsă, Toho a făcut propunerea de a acționa ca sponsor pentru o nouă companie regizată de Kurosawa. Acest lucru ar avea avantajul pentru Toho că un eșec comercial nu ar implica pierderi potențiale atât de mari, în timp ce Kurosawa ar fi mai liber ca niciodată să controleze producția și lansarea operelor sale. Kurosawa a fost încântat de idee și a fondat Kurosawa Production Company în aprilie 1959, cu Toho ca investitor.

În ciuda unui risc ridicat de pierdere, Kurosawa a ales să își inaugureze studioul cu cea mai clară critică la adresa elitei economice și politice japoneze. The Wicked Sleep Well este un film noir despre un bărbat care se infiltrează în ierarhia unei companii japoneze corupte pentru a-i găsi pe cei responsabili de moartea tatălui său. Subiectul s-a dovedit a fi ironic de actual: în paralel cu producția filmului, mulțimile au manifestat pe străzile din Japonia împotriva Tratatului de cooperare și securitate reciprocă dintre Japonia și Statele Unite, un acord pe care mulți tineri japonezi îl considerau o amenințare masivă la adresa constituției democratice a țării, în special prin transferul clar al puterii către marile corporații și politicieni. Filmul a fost lansat, contrar așteptărilor pesimiste ale lui Kurosawa, în septembrie 1960, cu recenzii pozitive din partea publicului și a criticii. În special, secvența de deschidere de 25 de minute este adesea citată ca fiind una dintre cele mai puternice din istoria filmului.

Datorită succesului înregistrat de Yojimbo, Toho i-a cerut lui Kurosawa să realizeze o continuare. Încântat de idee, a căutat în arhivele sale scenariile aruncate, a găsit ceea ce căuta și a rescris unul dintre ele pentru continuarea promisă. Sanjuro, numit după personajul din titlu, are un ton mult mai ușor decât predecesorul său, în ciuda poveștii serioase despre un clan de samurai cu conflicte interne și lupte pentru putere. Este, de asemenea, neobișnuit de plină de umor, punând sub semnul întrebării regulile și valorile predate în jidai-geki-ul tradițional prin ironia și nereușita protagoniștilor respectivi. Filmul a fost lansat în ziua de Anul Nou 1962 și a avut un succes și mai mare decât predecesorul său deja euforic din punct de vedere critic și financiar. Chiar și astăzi, ca și Yojimbo, filmul este catalogat în mod regulat ca fiind unul dintre cele mai bune filme ale lui Kurosawa.

În ciuda succesului fulminant al ultimelor sale două filme cu samurai, Kurosawa a fost sfătuit să producă un alt film noir care să abordeze subiectul răpirii – crima de care Kurosawa se temea cel mai mult. Filmul Between Heaven and Hell a fost filmat în a doua jumătate a anului 1962 și a fost lansat la nivel internațional în martie 1963. A fost al treilea film consecutiv care a doborât recordul de încasări al lui Kurosawa și a devenit cel mai de succes film al întregului an. De asemenea, filmul s-a bucurat de un succes uriaș în rândul criticilor, care au făcut o scurtă pauză după ce filmul a fost acuzat de un val de răpiri în masă în Japonia. Chiar și Kurosawa a primit amenințări la adresa fiicei sale, Kazuko. Scandalul s-a stins după un timp, iar în prezent filmul este considerat în unanimitate drept una dintre cele mai bune producții ale lui Kurosawa. Avea să fie ultimul din cele trei filme noir din repertoriul regizorului.

La scurt timp după aceea, a început să lucreze la noul său proiect, Red Beard. Influențat pe alocuri de romanul lui Dostoievski Umiliți și insultați, filmul de epocă este plasat într-o clinică din secolul al XIX-lea și este considerat cel mai clar manifest cinematografic al lui Kurosawa despre o viziune umanistă asupra omului. Un tânăr medic egoist și materialist pe nume Yasumoto se simte obligat să lucreze ca stagiar într-o clinică sub tutela strictă a doctorului Niide, cunoscut sub numele de Redbeard. După ce inițial se împotrivește lui Barba Roșie, în curând începe să-i admire curajul și își reconsideră ulterior părerea despre pacienții clinicii, pe care anterior îi detesta.

Barba Roșie a marcat, de asemenea, aproximativ jumătate din cariera sa cronologică. În cei 29 de ani de activitate în industria cinematografică (inclusiv cei cinci ca asistent de regie), a produs 23 de filme, în timp ce în următorii 28 de ani vor mai fi doar șapte. De asemenea, Barba roșie a marcat ultima colaborare cu Toshiro Mifune. Motivele nu au fost niciodată făcute publice, chiar și în urma unor cereri repetate.

Citește și, biografii – Lady Godiva

A doua eră (1966-1998)

După ce contractul lui Kurosawa cu Toho a expirat în 1966, regizorul în vârstă de 56 de ani s-a gândit la o schimbare drastică de direcție. Odată cu dominația tot mai mare a televiziunii și cu numeroasele oferte de contracte din străinătate, a devenit din ce în ce mai sensibil la ideea de a lucra în afara Japoniei.

Pentru primul său proiect în străinătate, Kurosawa a ales o poveste bazată pe un articol din revista Life. Thrillerul de acțiune, care urma să fie filmat în limba engleză sub titlul Runaway Train, ar fi fost primul său film color. Totuși, bariera lingvistică s-a dovedit a fi o problemă majoră, iar versiunea în limba engleză a scenariului nu a fost gata nici măcar pentru începerea filmărilor, programată pentru toamna anului 1966. Filmările, care necesitau zăpadă, au fost în cele din urmă amânate cu un an și abandonate cu totul în 1968. Abia două decenii mai târziu, Andrei Konchalovsky a filmat filmul sub numele de Runaway Train, bazat în mare măsură pe scenariul lui Kurosawa.

De atunci, Kurosawa s-a implicat într-un proiect hollywoodian mult mai ambițios. Tora! Tora! Tora!, produs de 20th Century Fox și Kurosawa Productions, a fost conceput ca un portret al atacului de la Pearl Harbor din perspectiva Statelor Unite și a Japoniei. Kurosawa urma să filmeze jumătatea japoneză, iar un regizor anglofon, inițial nedeterminat, partea americană. După luni de muncă intensă și ambițioasă din partea lui Kurosawa, proiectul a început să se destrame. Prestigiosul David Lean nu a fost angajat pentru jumătatea în limba engleză a filmului, așa cum i se promisese lui Kurosawa, ci mult mai puțin cunoscutul Richard Fleischer. În plus, bugetul a fost redus, iar partea japoneză a filmului nu trebuia să dureze mai mult de 90 de minute – o problemă majoră, deoarece Kurosawa fusese însărcinat să realizeze o epopee și lucrase mai multe luni la un scenariu de patru ore și jumătate. După mai multe discuții și o scurtă intervenție a producătorului de film Darryl F. Zanuck, în mai 1968 s-a ajuns la un acord asupra unui produs final mai mult sau mai puțin finalizat.

Prin dezastrul cu Tora! Tora! Kurosawa știa că reputația sa era în joc dacă nu se ridica din nou. Keisuke Kinoshita, Masaki Kobayashi și Kon Ichikawa, regizori și ei înșiși și prieteni de lungă durată ai lui Kurosawa, i-au sărit în ajutor și au fondat împreună cu acesta o nouă companie de producție în iulie 1969: Yonki no kai („Clubul celor patru cavaleri”). Deși planul oficial era ca fiecare regizor să folosească platforma pentru propriile lansări, multe retrospective sunt de acord că adevărata motivație a fost aceea de a-l ajuta pe Kurosawa să își finalizeze opera pentru a-l reintegra în industria cinematografică.

Incapabil să mai producă filme din cauza cheltuielilor excesive și suferind din cauza problemelor de sănătate, Kurosawa a atins fundul sacului la 22 decembrie 1971, tăindu-și venele și gâtul. Tentativa de sinucidere s-a dovedit a fi un eșec, iar regizorul și-a revenit relativ repede, dar a decis pentru a doua oară că nu mai vrea să contribuie la activitatea cinematografică.

La începutul anului 1973, cel mai renumit studio de film rusesc Mosfilm l-a abordat pe Kurosawa și i-a cerut o colaborare. În ciuda scepticismului inițial, Kurosawa a acceptat oferta de a-și îndeplini vechiul vis de a filma viața vânătorului Dersu Usala. Bazele acestui demers au fost puse în scrierile exploratorului rus Vladimir Klawdiyevich Arsenyev (1872-1930). Kurosawa nutrea acest plan încă de la mijlocul anilor 1930, dar nu găsise până atunci pe nimeni interesat de proiect. În decembrie 1973, regizorul în vârstă de 63 de ani s-a stabilit în Uniunea Sovietică, unde avea să trăiască încă un an și jumătate. Filmările au început în mai 1974 în Siberia și s-au dovedit dificile din cauza condițiilor naturale dure de acolo, motiv pentru care filmul a fost finalizat abia în aprilie 1975. Uzala the Kirghiz, așa cum avea să se numească în cele din urmă filmul, a avut premiera mondială la 2 august 1975, fiind un succes uriaș de critică și de public. Nu numai că filmul a devenit unul dintre cele mai de succes filme ale anului la nivel internațional, alături de nume precum Jaws și One Flew Over the Cuckoo”s Nest, dar a avut succes și la diverse ceremonii de premiere. Printre altele, a primit premiul Oscar în 1976. Până în prezent, Uzala the Kirghiz este considerat unul dintre cele mai bune filme ale lui Kurosawa.

Deși a primit un flux constant de oferte pentru televiziune, Kurosawa nu a manifestat niciodată un interes serios pentru actorie în afara lumii filmului. Până la moartea sa, iubitorul declarat de whisky a făcut o excepție doar pentru o serie de reclame pentru producătorul japonez Suntory, în primăvara anului 1976. Chiar dacă regizorul bolnav psihic era chinuit permanent de teama de a nu mai putea face filme de la tentativa sa de sinucidere, el a scris permanent alte scenarii, picturi și schițe pe care dorea să le înregistreze pentru posteritate, chiar dacă nu vor fi filmate niciodată.

În 1977, regizorul american George Lucas a lansat Războiul Stelelor, o adaptare a filmului „Fortăreața ascunsă” de Kurosawa, care a fost foarte bine primită. Lucas, la fel ca mulți alți regizori de la New Hollywood, l-a venerat pe Kurosawa și a fost șocat să afle că acesta nu a putut să-i finanțeze filmele. Cei doi s-au întâlnit la San Francisco în iulie 1978 pentru a discuta despre finanțarea unui nou film al lui Kurosawa: Kagemusha – Umbra războinicului, povestea epică a unui hoț angajat pentru a fi dublat de un războinic japonez. Lucas a fost atât de entuziasmat de scenariu și de picturi, încât și-a folosit noile contacte pentru a convinge 20th Century Fox să producă filmul. Studioul a fost de acord, în ciuda trecutului turbulent al regizorului japonez, și l-a recrutat pe Francis Ford Coppola, un alt fan al lui Kurosawa, ca și coproducător.

Producția a început în luna aprilie a anului următor, filmările s-au întins din iunie 1979 până în martie 1980 și au fost întrerupte uneori de diverse complicații, inclusiv o a doua distribuție improvizată după ce protagonistul inițial Shintarō Katsu a fost înlocuit cu Tatsuya Nakadai din cauza unor neînțelegeri. Filmul a fost finalizat cu câteva săptămâni întârziere, dar a reușit totuși să aibă premiera la Tokyo la data programată, în aprilie 1980. Filmul a devenit rapid un succes internațional – câștigând inclusiv premiul Palme d”Or la Festivalul Internațional de Film de la Cannes din 1980 – și, spre bucuria lui Kurosawa, a avut succes și în Japonia. Kurosawa a folosit restul anului în mod intensiv pentru a promova filmul în Europa și America, precum și pentru ceremonii de premiere și o expoziție de artă cu desene conceptuale ale epopeii.

Marele succes al filmului Kagemusha i-a permis lui Kurosawa să finanțeze proiectul său de vis, Ran, un film istoric de o amploare inimaginabilă. Filmul descrie căderea lui Hidetora Ichimonji, un Daimyō din perioada Sengoku, care decide să se retragă în favoarea fiilor săi. Imperiul său se prăbușește sub intrigile și luptele fiilor; în acest context, Hidetora cade pradă nebuniei. Cu un buget de 12 milioane de dolari americani, Ran a fost cel mai costisitor film japonez de până atunci, motiv pentru care Kurosawa a primit un nou ajutor financiar, de data aceasta de la producătorul francez Serge Silberman, devenit celebru în special pentru colaborarea sa cu Luis Buñuel. Filmările au început în decembrie 1983 și au durat puțin peste un an.

În ianuarie 1985, post-producția filmului Ran a fost întreruptă din cauza bolii soției lui Kurosawa, Yōko, care a murit la 1 februarie a aceluiași an. În mijlocul durerii sale, Kurosawa a lucrat meticulos pentru a finaliza filmul, astfel încât Ran să poată sărbători premiera la Festivalul Internațional de Film de la Tokyo, la 31 mai 1985. Filmul a fost lansat la nivel mondial în ziua următoare. S-a bucurat de un succes moderat în Japonia și de un mare succes în străinătate, în special în America și Europa. În lunile septembrie și octombrie ale aceluiași an, Kurosawa a călătorit în întreaga lume pentru a-și promova filmul, așa cum făcuse și pentru Kagemusha.

Ran a câștigat o multitudine de premii în întreaga lume, inclusiv în Japonia. Prin urmare, lumea filmului a fost surprinsă când Japonia nu a prezentat Ran la categoria Cel mai bun film străin la Premiile Oscar din 1986, în favoarea unui alt film. Academia a anunțat la scurt timp după aceea că Ran a fost astfel exclus oficial din competiție, deoarece nu era clar dacă era considerat un film japonez, un film francez sau ambele în același timp. Multe personalități din industria de la Hollywood, în special influentul regizor Sidney Lumet, au fost indignate de această decizie discutabilă. Lumet a lansat apoi cu succes o campanie pentru ca Kurosawa să fie premiat la categoria „Cel mai bun regizor”. Ran a primit și un Oscar pentru „Cel mai bun design vestimentar”.

Kagemusha și Ran se numără de obicei printre cele mai importante opere ale lui Kurosawa. Însuși cineastul japonez a descris Ran ca fiind cel mai bun film al său după lansare, încălcându-și obiceiul de a nu-și favoriza niciunul dintre filmele sale.

Pentru următorul său film, Kurosawa a ales o temă foarte specifică, diferită de toate lucrările sale anterioare. Chiar dacă unele dintre filmele sale conțineau deja scurte secvențe de vis (de exemplu, „Îngerul pierdut” și „Kagemusha”), „Visele” lui Akira Kurosawa se bazează în întregime pe vise reale ale regizorului din diferite etape ale vieții sale. Filmul este foarte colorat și nu conține aproape niciun dialog, ci își spune poveștile în mare parte prin imagini. Deși bugetul filmului a fost mult mai mic decât cel al filmului Ran, studiourile de film japoneze au refuzat să îl finanțeze în totalitate, astfel că Steven Spielberg, un alt admirator cunoscut al lui Kurosawa, a cerut ajutorul Warner Bros. Entertainment, care la scurt timp a obținut drepturile internaționale ale filmului. Acest lucru i-a facilitat fiului lui Kurosawa, Hisao, coproducătorul filmului, găsirea unui compromis cu studiourile de film japoneze. Filmările au durat aproximativ opt luni, până când Visuri de Akira Kurosawa a putut avea premiera la Cannes, în mai 1990. Filmul a fost bine primit de critici și a fost un succes financiar, deși nu la fel de mare ca Ran sau Kagemusha. Chiar dacă Visuri de Akira Kurosawa nu este considerat una dintre cele mai mari realizări ale regizorului, filmul are și astăzi un anumit statut de cult în rândul spectatorilor. La sfârșitul anului 1990, Kurosawa a primit Oscarul onorific pentru întreaga sa activitate.

Următoarea sa lucrare, Rapsodie în august, a fost din nou o poveste convențională. Filmul tratează consecințele bombelor atomice lansate asupra orașelor Hiroshima și Nagasaki la sfârșitul celui de-al Doilea Război Mondial. A fost produs în întregime în Japonia pentru prima dată de la Dodeskaden și, de asemenea, pentru prima dată în film apare o vedetă americană, Richard Gere, în rolul nepotului personajului principal. Filmările au început în ianuarie 1991, iar filmul a fost lansat la nivel internațional la 25 mai. Chiar dacă a fost un succes financiar, filmul a fost primit în mare parte negativ, mai ales în SUA, care l-au acuzat pe regizorul japonez de opinii antiamericane. Kurosawa însuși a negat acuzațiile.

Madadayo avea să fie ultimul film al regizorului în vârstă. Urmărește viața profesorului japonez de germană Uchida Hyakken în timpul celui de-al Doilea Război Mondial și dincolo de acesta. O mare parte din narațiunea filmului se limitează la o petrecere de aniversare cu studenții săi, cărora le vorbește despre reticența sa față de moarte – un subiect care devenea din ce în ce mai relevant pentru regizorul în vârstă de 81 de ani. Filmul a fost filmat în perioada februarie-septembrie 1992 și a fost lansat pe 17 aprilie 1993. Madadayo s-a dovedit a fi un mare succes și a câștigat diverse premii atât pe plan internațional, cât și în Japonia, inclusiv patru categorii ale Premiului Academiei Japoneze, cel mai important premiu cinematografic din Japonia. În 1994 a primit Premiul Kyoto.

După accident, starea de sănătate a lui Kurosawa s-a deteriorat foarte mult. Cu toate că mintea sa nu era încă afectată, corpul său a cedat din ce în ce mai mult și a fost țintuit la pat în ultimele șase luni de viață. Kurosawa a murit în cele din urmă la 6 septembrie 1998, la vârsta de 88 de ani, în urma unui atac cerebral. Locul său de odihnă se află în cimitirul templului budist An”yō-in din Kamakura. Ambele scenarii pe care le-a lăsat în urmă au fost transformate în filme în onoarea sa: „The Sea Comes”, de Takashi Koizumi, în 1999, și „After the Rain”, de Kei Kumai, în 2002. Nepotul său, Takayuki Kato, a fost distribuit ca actor secundar în ambele filme.

Akira Kurosawa a lăsat o moștenire diversă și cu influență internațională generațiilor următoare de regizori. Aceasta a variat de la metodele sale de lucru la stilul său și la alegerea selectivă a anumitor teme și filosofii. Metodele de lucru ale lui Kurosawa implicau o participare extinsă la numeroase aspecte ale producției de film. Printre altele, era cunoscut ca un scenarist talentat, dar perfecționist, care își refăcea sau chiar revizuia scenariul de mai multe ori.

Pictor de formație, Kurosawa a acordat la fel de multă importanță esteticii filmelor sale. În acest scop, el a controlat și camera de filmat și a fost cunoscut pentru faptul că a refăcut sau a înlocuit pentru scurt timp unele cadre doar pentru cinematografie. Kurosawa s-a ocupat, de asemenea, de post-producție, inclusiv de editarea filmului și a sunetului, pentru majoritatea filmelor sale. Desfășurarea activității de editor de film în paralel cu cea de regizor este neobișnuită până în prezent.

Kurosawa a lucrat cu aceiași actori în majoritatea filmelor. Grupul său de încredere a fost poreclit mai târziu „Kurosawa-gumi” (în traducere: „trupa Kurosawa”).

Citește și, biografii – Eduard al IV-lea al Angliei

Metode de lucru

Kurosawa a subliniat cu pasiune că, pentru el, scenariul este fundamentul unui film bun. El a mers atât de departe încât a afirmat că un regizor mediocru poate face uneori un film acceptabil dintr-un scenariu bun, dar niciun regizor bun nu poate face vreodată un film acceptabil dintr-un scenariu prost. Prin urmare, Kurosawa s-a ocupat el însuși în mare măsură de scenariile sale, iar apoi le-a transmis mai departe, pentru sugestii de îmbunătățire, unui grup de prieteni de încredere, în principal celor cinci scenariști profesioniști Eijirō Hisaita, Ryuzo Kikushima, Shinobu Hashimoto, Hideo Oguni și Masato Ide. Cu toate acestea, regizorul însuși a avut întotdeauna ultimul cuvânt în ceea ce privește versiunea finală.

Pe lângă scenariu, Kurosawa scria adesea note detaliate, schițe și desene conceptuale. Acest lucru a servit la elaborarea viziunii sale și, nu în ultimul rând, la asigurarea autenticității, care a fost întotdeauna o prioritate pentru regizor. De exemplu, pentru „Cei șapte samurai”, a scris șapte caiete cu detalii meticuloase despre trecutul personajelor din film, ce mănâncă și ce poartă, cum merg, cum vorbesc și se comportă cu ceilalți și chiar cum ar trebui să-și lege pantofii. Pentru cei 101 fermieri din film, a creat un registru format din peste 23 de arbori genealogici meticulos planificați și a instruit actorii să „trăiască” fictiv în familiile respective în timp ce se aflau pe platou, chiar și în afara filmărilor. El a folosit metode la fel de drastice într-un număr mare de lucrări ale sale.

Cu toate că au fost întotdeauna bine filmate, Kurosawa a folosit în primele sale filme lentile de cameră normale și o cinematografie cu focalizare profundă. Începând cu filmul Cei șapte samurai, tehnica sa s-a schimbat drastic, cu lentile cu focalizare lungă și utilizarea simultană a mai multor camere de filmat. Regizorul însuși a declarat că această tehnică de filmare a conferit mai multă autenticitate și performanțe mai bune actorilor săi, deoarece aceștia nu știau niciodată care dintre camere vor fi folosite în cele din urmă în film și cu atât mai puțin unde vor fi amplasate. Concentrarea spasmodică asupra camerei de filmat se deplasează astfel către actori sau către decorul în care se află personajele. Abordarea experimentală a funcționat în mod evident. Printre alții, unul dintre actori, Tatsuya Nakadai, a declarat într-un interviu că modul de filmare al lui Kurosawa a contribuit semnificativ la interpretarea sa. Dar, din punct de vedere vizual, acest stil de filmare a avut un efect asupra filmului, în special asupra secvențelor de acțiune.

Odată cu „Fortăreața ascunsă”, Kurosawa a început să folosească un proces anamorfotic. Aceste trei tehnici – teleobiectivul, camerele multiple și formatul widescreen – au fost folosite pe scară largă în lucrările sale ulterioare, chiar și în scene cu acțiune redusă sau inexistentă. Un exemplu sunt scenele de început din Between Heaven and Hell din casa protagoniștilor. Aici, mijloacele sunt folosite pentru a dramatiza tensiunea într-un spațiu foarte limitat, precum și pentru a consolida relațiile dintre personaje.

Într-o scenă din Castelul din pădurea de pânză de păianjen, în care Washizu este atacat cu săgeți de proprii săi oameni, regizorul a pus arcași adevărați să tragă săgeți scobite în actorul lui Washizu, Toshiro Mifune. Aceștia din urmă au urmărit cu atenție semnele de cretă de pe sol pentru a evita să fie loviți. Chiar dacă Mifune nu a fost rănit, el a povestit mai târziu că unele săgeți l-au ratat de puțin. A purtat traumatismul experienței timp de multe luni după aceea. Intenția excentrică a lui Kurosawa de a face frica lui Mifune mai autentică a funcționat însă perfect, astfel încât scena a trebuit să fie filmată o singură dată.

Pentru ca decorul clinicii din „Barba roșie” să pară mai sărăcăcios, Kurosawa și-a pus asistenții să demonteze lemnul putred din decoruri vechi și să-l reasambleze pentru recuzită. De asemenea, și-a instruit echipa de filmare să toarne litri de ceai vechi pe toate ceștile de ceai pentru a crea efectul că acestea sunt vechi.

Regizorul artistic și scenograful Muraki Yoshirō a fost instruit pentru proiectarea celui de-al treilea castel din Ran să fotografieze pietrele unui castel real și să le recreeze cu precizie folosind blocuri de polistiren. Apoi a lipit blocurile de polistiren bucată cu bucată pentru a simula aspectul castelului. Întregul proces a fost realizat sub instrucțiunile precise ale lui Kurosawa și a durat câteva luni. Într-o scenă celebră din film, castelul este atacat și incendiat, așa că o parte din echipă s-a temut că căldura ar putea topi blocurile de polistiren. La ordinul lui Kurosawa, blocurile au fost acoperite cu patru straturi de ciment și apoi vopsite în culoarea blocurilor vechi.

Kurosawa a remarcat adesea că a făcut un film doar pentru a avea material pe care să-l poată monta mai târziu. Procesul de creare a unui produs final din materia primă a fost întotdeauna cea mai importantă și mai interesantă parte pentru el. Hiroshi Nezu, un vechi supervizor de producție, a spus odată: „Credem că este cel mai bun regizor al Toho, cel mai bun scenarist din Japonia și cel mai bun editor de film din lume. Un film de Kurosawa se face prin montaj, ca să zic așa.”

Metoda obișnuită a lui Kurosawa era de a monta filmul bucată cu bucată în paralel cu producția, de obicei zilnic. Acest lucru s-a dovedit deosebit de util atunci când a trecut la mai multe camere.

Datorită muncii intensive de editare, procesul a devenit o rutină în cursul carierei sale. În consecință, post-producția unui film tipic Kurosawa poate fi extraordinar de scurtă. De exemplu: Yojimbo a avut premiera pe 20 aprilie 1961, la numai patru zile după ce s-au încheiat filmările.

Citește și, istorie – Tratatul de la Brest-Litovsk

Mijloace stilistice

Practic, toți comentatorii au remarcat în opera lui Kurosawa un stil îndrăzneț și dinamic, care inițial nu era deloc neobișnuit la Hollywood. Cu toate acestea, ei au subliniat, de asemenea, că regizorul a arătat încă de la început o tehnică destul de diferită de stilul fără cusur al Hollywood-ului clasic. Această tehnică a inclus, printre altele, o descriere angoasantă a ecranului prin utilizarea a numeroase unghiuri de filmare nerepetitive, o ignorare a axei tradiționale de acțiune de 180 de grade în jurul căreia sunt construite de obicei scenele de la Hollywood și mișcări fluide ale camerei, care apar frecvent în locul montajului convențional pentru a face narațiunea mai spațială. Kurosawa s-a folosit de multe dispozitive stilistice care i-au fost atribuite în cariera sa, deși unele au apărut mai frecvent.

În filmele sale din anii 1940 și 1950, Kurosawa a folosit adesea așa-numitul „jump cut”, un tip de montaj în care camera de filmat se apropie sau se îndepărtează în etape, nu prin fading sau printr-un cadru de urmărire, ci printr-o serie de jump cut-uri coordonate. Un exemplu din filmul Sanshiro Sugata sequel este ilustrat de către cercetătorul David Bordwell pe blogul său. Acolo, Sanshiro, eroul filmului, își părăsește iubita Sayo, efectuând în mod repetat aceeași acțiune: El se îndepărtează câțiva metri de ea, se întoarce cu fața la ea și ea se apleacă în față. Acest lucru se întâmplă de trei ori fără ca aparatul de filmat să urmărească eroul, în schimb fiecare cadru este o scenă separată, juxtapusă. Prin tăieri în succesiune rapidă, nefirești și la distanțe tot mai mari, filmul subliniază durata absenței lui Sanshiro.

În secvența de deschidere a filmului Cei șapte samurai, saltul de pe margine este folosit de două ori. Când sătenii sunt adunați în cerc, ei sunt văzuți de sus, de la distanță extremă, apoi se face o tăietură și camera se apropie, iar apoi o altă tăietură la nivelul solului, unde poate începe dialogul. Câteva minute mai târziu, când sătenii merg la moară pentru a cere sfatul bătrânului satului, vedem un cadru lung al morii cu o roată care se învârte încet, apoi, după o tăietură, o imagine și mai apropiată a roții care se învârte și, în final, un prim-plan. Deoarece s-a stabilit anterior că bătrânul satului locuiește în moară, aceste imagini creează o legătură importantă ulterioară între bătrânul satului și moară.

O serie de analiști au subliniat tendința lui Kurosawa de a tăia într-o singură mișcare. Adică împărțirea unei scene fluide între două personaje în mișcare în două sau mai multe porțiuni separate, mai degrabă decât într-o singură imagine neîntreruptă. Un exemplu poate fi găsit din nou în Cei șapte samurai, când samuraiul Shichirōji, care stă în picioare, vrea să-l consoleze pe țăranul Manzo, care stă pe jos, și îngenunchează pentru a vorbi cu el. Kurosawa a filmat această acțiune simplă de a îngenunchea în două planuri în loc de unul pentru a transmite mai puternic umilința lui Shichirōji. Numai în același film, există nenumărate exemple de acest gen. Joan Mellen a spus despre ediția specială Criterion Collection a epopeii: „Kurosawa întrerupe și fragmentează acțiunea pentru a crea un efect emoțional.”

O formă de punctuație cinematografică care este asociată în mod special cu Kurosawa este așa-numita tranziție „wipe”. Efectul este creat prin utilizarea unei imprimante optice. Când o scenă se termină, o linie sau o bară pare să se deplaseze pe ecran, „ștergând” imaginea și dezvăluind în același timp primul cadru al scenei următoare. Kurosawa a folosit adesea această tehnică în locul obișnuitelor dizolvări sau tăieturi normale. Mai ales în ultimele sale lucrări, regizorul a folosit metoda tranziției ca marcă înregistrată; în filmul „Îngerul celor pierduți”, de exemplu, aceasta este folosită de douăsprezece ori.

Există multe teorii cu privire la motivul pentru care Kurosawa era atât de atașat de această metodă de tranziție specifică. Deoarece „ștergerea” a fost folosită în principal în filmele mute, dar a devenit din ce în ce mai rară odată cu apariția filmelor vorbite, cercetătorul James Goodwin a sugerat că este un omagiu adus regretatului frate al lui Kurosawa, Heigo, care a lucrat ca benshi în filmele mute și care s-a sinucis din cauza popularității filmelor vorbite și a șomajului care a rezultat. Dincolo de aceasta, însă, „ștergerea” are și motive stilistice. De exemplu, Goodwin susține că „ștergerea” din Rashomon are întotdeauna unul dintre cele trei scopuri: Pentru a evidenția mișcarea unui personaj care călătorește, pentru a marca schimbări narative în secvențe de judecată și pentru a forma elipse temporale între acțiuni (de exemplu, între declarațiile a două personaje). De asemenea, el subliniază că Kurosawa nu folosește metoda „ștergerii” în Nachtasyl, ci își pune în scenă actorii și recuzita într-un mod care simulează „ștergerea” de la un cadru la altul.

Un exemplu de utilizare satirică a acestei metode poate fi găsit în Ikiru – Once Really Live. Un grup de femei vizitează biroul administrației locale pentru a le cere birocraților să transforme o zonă de deșeuri într-un loc de joacă pentru copii. Apoi, spectatorului i se arată o serie de imagini din punctul de vedere al diverșilor birocrați care folosesc metoda „swipe”, toți aceștia transmițând grupul către un alt departament. Analistul de film Nora Tennessen a descris efectul metodei în felul următor: „Ștergerea face ca scena să fie mai amuzantă. Setările birocraților sunt stivuite ca niște cărți de joc, fiecare mai pedant decât cel dinainte.”

După cum reiese din memoriile lui Teruyo Nogami, Kurosawa a acordat întotdeauna o mare atenție coloanei sonore a filmelor sale. La sfârșitul anilor 1940, a folosit pentru prima dată obiceiul său ulterior de a folosi muzica ca un contrapunct la conținutul emoțional al unei scene. La Hollywood tradițional, muzica era și este de obicei adaptată la atmosfera unei scene; de exemplu, dacă o scenă trebuie să fie tristă, se cântă o piesă de muzică tristă. Trucul lui Kurosawa de a face exact opusul acestui lucru provine dintr-o tragedie de familie. Când Kurosawa a aflat de moartea tatălui său, în 1948, a rătăcit fără țintă pe străzile din Tokyo. Durerea i s-a agravat când a auzit la radio cântecul vesel Valsul cucului. Artistul l-a însărcinat apoi pe compozitorul de film Fumio Hasayaka, cu care lucra la Angel of the Lost la acea vreme, să înregistreze cântecul ca acompaniament ironic în scena morții lui Matsunaga, cea mai tristă scenă din întregul film.

Un alt exemplu este filmul Un câine vagabond. În scena culminantă în care Murakami se luptă cu Yusa pe un câmp noroios, se aude brusc o piesă de Wolfgang Amadeus Mozart, cântată la pian de o femeie din casa vecinilor. Un comentator a remarcat: „În contrast cu scena de violență primitivă, seninătatea lui Mozart pare literalmente „din altă lume”. Puterea acestei ciocniri primare este intensificată de muzică.” Cu toate acestea, utilizarea revoluționară a sunetului de către Kurosawa nu s-a limitat la muzică. După cum a subliniat un critic în recenzia sa la Cei șapte samurai: „În decorurile de crimă și haos, păsările ciripesc pe fundal, ca în prima scenă când țăranii își plâng soarta aparent fără speranță.”

Citește și, biografii – Hadrian

Teme recurente

Mulți comentatori au remarcat apariția regulată în filmele lui Kurosawa a unei relații complexe între un bărbat mai în vârstă și unul mai tânăr, sau între un maestru și un discipol. Această temă a fost, fără îndoială, influențată autobiografic. Joan Mellen a declarat într-o retrospectivă: „Kurosawa și-a venerat profesorii, în special pe Kajiro Yamamoto, mentorul său de la Toho. Imaginea instructivă a unei persoane mai în vârstă care îl învață pe unul neexperimentat evocă întotdeauna momentele de patetism din filmele lui Kurosawa.” Criticul Tadao Sato vede în figura recurentă a „maestrului” un fel de tată surogat al cărui rol este de a fi martor și de a aproba creșterea morală a tânărului protagonist.

În primul său film, Judo Sage, forma narativă se schimbă după ce maestrul de judo Yano devine profesorul și ghidul spiritual al personajului principal, „sub forma unei cronici , explorând etapele de creștere a măiestriei și maturității eroului”. Relația maestru-discipol din filmele sale postbelice – cum ar fi „Îngerul celor pierduți”, „Un câine vagabond”, „Cei șapte samurai”, „Barbă Roșie” și „Uzala the Kirghiz” – implică foarte puține instrucțiuni directe, în schimb elevul învață prin propriile experiențe. Stephen Prince leagă această tendință de natura privată și non-verbală a conceptului de iluminare Zen.

Cu Kagemusha, însă, potrivit lui Prince, sensul acestei relații s-a schimbat în sensul pesimist. Un hoț ales ca sosie a unui Daimyō își continuă identitatea și după moartea acestuia din urmă: „Relația a devenit spectrală și este generată de dincolo, cu maestrul ca o prezență fantomatică. Sfârșitul său este moartea, nu reînnoirea angajamentului față de cei vii, ca în filmele sale anterioare.” Cu toate acestea, potrivit unui biograf, la Madadayo a apărut o viziune mai optimistă asupra acestei teme: „Studenții organizează o sărbătoare anuală pentru profesorul lor, la care participă zeci de absolvenți, acum de vârste diferite. Această secvență extinsă exprimă, așa cum numai Kurosawa poate, bucuria simplă a relațiilor dintre elev și profesor, a relațiilor de rudenie și a vieții însăși.”

Filmele lui Kurosawa tratează adesea destinele și faptele unor personalități eroice. Eroul tipic Kurosawa a fost rezultatul perioadei postbelice, în care valorile feudale au fost înlocuite de cele individualiste, ca urmare a ocupației Japoniei. Kurosawa, care era orientat de mic spre valorile occidentale, a salutat această schimbare și a adoptat-o ca program artistic și social. După cum a descris Stephen Prince, „Kurosawa a salutat climatul politic în schimbare și s-a străduit să îl modeleze în propria sa voce cinematografică”. Criticul de film japonez Tadao Sato a fost de acord: „Înfrângerea Japoniei în cel de-al Doilea Război Mondial i-a lăsat pe mulți cetățeni japonezi cu conștientizarea faptului că guvernul i-a mințit ani de zile și că nu a fost nici corect, nici demn de încredere. În acest timp, Akira Kurosawa a transmis populației iritate mesajul că sensul vieții nu este dirijat de o națiune, ci trebuie găsit de fiecare în parte prin suferință.” Regizorul însuși a declarat pe această temă: „Întotdeauna am crezut că, fără stabilirea sinelui ca ideal pozitiv, nu ar putea exista nici libertate, nici democrație.”

Prima dintre aceste figuri eroice eroice a fost, în mod neobișnuit pentru regizor, o femeie: Yukie, interpretată de Setsuko Hara în Fără regrete pentru tinerețea mea. Potrivit lui Prince, „abandonarea familiei, ajutorul acordat unui sat sărac, perseverența în ciuda unor obstacole enorme, acceptarea responsabilității personale și a altruismului și singurătatea existențială” sunt părți esențiale ale eroului Kurosawa. Această singurătate existențială caracterizează, de asemenea, figura doctorului Sanada, interpretat de Takashi Shimura, în Angel of the Lost: „Kurosawa insistă ca eroii săi să rămână sinceri cu ei înșiși și să lupte singuri împotriva tradițiilor și obstacolelor pentru o lume mai bună, chiar dacă rezultatul nu le este complet clar. Separarea de un sistem corupt și stigmatizant din punct de vedere social pentru a ușura suferința unei persoane, așa cum face Dr. Sanada, este o cale onorabilă.”

Mulți comentatori consideră Cei șapte samurai ca fiind expresia supremă a idealurilor eroice ale artistului. Joan Mellen descrie acest punct de vedere după cum urmează: „Cei șapte samurai” este, înainte de toate, un omagiu adus clasei samurailor în cea mai nobilă formă a sa. Samuraiul reprezintă pentru Kurosawa tot ce este mai bun în tradiția și integritatea japoneză.” Cei Șapte se ridică la o măreție inimaginabilă datorită vremurilor haotice ale războiului civil, nu în ciuda acestuia. „Kurosawa nu caută beneficiile neașteptate mai departe decât în tragedia acestui moment istoric. Tulburarea îi obligă pe samurai să dovedească abnegația crezului lor de a servi cu loialitate, lucrând pentru oamenii de jos, țăranii.” Acest eroism este însă în zadar, deoarece „exista deja o clasă emergentă care urma să înlocuiască aristocrația războinicilor”. Astfel, curajul lor este complet dezinteresat, deoarece oricum nu pot opri distrugerea internă a clasei lor.

Pe măsură ce cariera sa avansa, regizorului i s-a părut din ce în ce mai dificil să mențină idealul eroic. Prince notează: „Viziunea lui Kurosawa este, în esență, o viziune tragică a vieții. Așa că sensibilitatea lui îi împiedică eforturile.” Mai mult, narațiunea ultimelor sale filme subminează însuși idealul eroic: „Când istoria este prezentată ca o forță oarbă, ca în Castelul din pădurea de pânză de păianjen, eroismul încetează să mai fie realitate.” Potrivit lui Prince, viziunea regizorului a devenit în cele din urmă atât de sumbră și de nihilistă, încât a văzut istoria doar ca pe un model de violență care se repetă veșnic și în care individul este prezentat nu doar ca un erou, ci și ca fiind complet neajutorat. (a se vedea mai jos: „Ciclul violenței”)

Vântul este, de asemenea, un simbol semnificativ: „O metaforă persistentă în operele lui Kurosawa este cea a vântului, vântul schimbării, al fericirii și al nenorocirii. Bătălia din Yojimbo are loc pe strada principală, în timp ce mari nori de praf îi înconjoară pe luptători. Vânturile care agită praful au adus în oraș arme de foc, împreună cu cultura occidentală. Lucrurile care vor pune capăt tradiției războinicilor.”

Începând cu „Castelul din pădurea de pânză de păianjen”, filmele lui Kurosawa au abordat în mod repetat cicluri istorice de violență sălbatică neîncetată, pe care Stephen Prince le descrie ca fiind „o mișcare contrară tonului eroic al filmelor sale”. Potrivit lui Donald Richie, în film „cauza și efectul sunt singura lege. Libertatea nu există.” Prince susține că evenimentele sunt „înscrise într-un ciclu temporal care se repetă la nesfârșit”. El își întemeiază teza pe faptul că, spre deosebire de piesa originală a lui Shakespeare, maestrul lui Washizu și-a ucis anterior propriul stăpân din motive de putere, înainte de a muri el însuși în cele din urmă de mâna lui Washizu. „Evoluția evenimentelor din Macbeth a fost transmisă de Kurosawa cu un accent mai pronunțat pe evenimentele prestabilite și pe irelevanța umană prin legile karmei.”

Epicele lui Kurosawa, Kagemusha și Ran, marchează o cotitură drastică în viziunea regizorului asupra lumii. Pentru Kagemusha, Prince afirmă că „dacă odinioară individul putea să înțeleagă cu precizie și să ceară evenimente astfel încât acestea să se conformeze impulsurilor sale, acum eul nu este decât un epifenomen al unui proces temporal nemilos și sângeros, făcut praf sub greutatea și forța istoriei”.

Ulterior, epopeea sa epică Ran este, potrivit lui Prince, „o cronică necruțătoare a celei mai josnice foamete de putere, a trădării unui tată de către fiii săi și a războaielor și crimelor omniprezente”. Cadrul istoric al filmului este folosit doar ca un „comentariu explicativ despre ceea ce Kurosawa a ajuns să perceapă ca fiind atemporalitatea înclinației umane spre violență și autodistrugere”. „Istoria lasă loc percepției vieții ca o roată a suferinței nesfârșite, care se învârte constant și se repetă mereu”, spune Prince; acest proces este caracterizat de obicei în scenariile convenționale de la Hollywood ca fiind infernul. Potrivit lui Prince, Kurosawa „a descoperit că iadul este atât rezultatul inevitabil al comportamentului uman, cât și vizualizarea adecvată a propriei sale amărăciuni și dezamăgiri”.

Citește și, biografii – Élisabeth Vigée Le Brun

Reputația în rândul directorilor

Mulți regizori renumiți au fost inspirați de Kurosawa și i-au venerat opera. Cei menționați mai jos reprezintă o selecție și pot fi împărțiți în patru categorii: în primul rând, cei care, ca și Kurosawa însuși, au ajuns în prim-plan în anii 1950 și 1960; în al doilea rând, așa-numiții regizori de la Noul Hollywood din jurul anului 1970; în al treilea rând, alți regizori asiatici; și în al patrulea rând, regizori din timpuri mai recente.

Fiind primul regizor de film de renume mondial din Asia, Akira Kurosawa a servit drept sursă de inspirație pentru mulți alți autori asiatici. Satyajit Ray, cel mai faimos regizor indian, a spus despre Rashomon: „Efectul pe care filmul l-a avut asupra mea după ce l-am văzut pentru prima dată la Calcutta, în 1952, a fost electrizant. L-am văzut de trei ori în cele trei zile care au urmat și m-am întrebat de fiecare dată dacă mai există în lume un alt film ca acesta care să arate o dovadă atât de durabilă a controlului total al unui regizor pe platou.” Printre alți admiratori asiatici cunoscuți se numără regizorul japonez de anime Hayao Miyazaki, actorul și regizorul Takeshi Kitano, regizorul din Hong Kong John Woo și regizorul din China continentală Zhang Yimou, care l-a numit pe Kurosawa „chintesența cinematografiei asiatice”.

În secolul XXI, producțiile lui Kurosawa continuă să inspire cineaști din întreaga lume. Alexander Payne și-a petrecut primii ani ai carierei vizionând și inspectând în detaliu filmele lui Kurosawa, în special Ikiru – Once Really Alive. Guillermo del Toro l-a numit pe Kurosawa unul dintre „maeștrii săi fundamentali” și a enumerat „Castelul din pădurea de pânză de păianjen”, „Între cer și iad” și „Ran” printre cele mai bune filme din toate timpurile. Kathryn Bigelow l-a lăudat pe Kurosawa ca fiind unul dintre „cei mai influenți regizori” care reușește să creeze cele mai profunde personaje din punct de vedere emoțional. J.J. Abrams a declarat că s-a inspirat semnificativ din Kurosawa atunci când a realizat filmul Star Wars: The Force Awakens. Alejandro González Iñárritu a vorbit într-un interviu despre cum, la 19 ani, a fost răpit emoțional de Ikiru – Once Really Alive ca niciodată până atunci și l-a lăudat pe Kurosawa ca fiind unul dintre „primele genii ale povestirii care au putut să întoarcă pe dos narațiunea convențională a filmelor”. Spike Lee a publicat o listă de 87 de filme pe care orice cinefil ar trebui să le vadă, printre care se numără cele trei filme ale lui Kurosawa: Rashomon, Yojimbo și Ran. Filmul lui Wes Anderson, Isle of Dogs – Atari”s Journey, a fost puternic inspirat de Kurosawa și de tehnicile sale extravagante de filmare.

Citește și, istorie – Revolta din Münster

Scenarii postume

După moartea lui Kurosawa, unele dintre scenariile sale nerealizate au fost transformate în filme. After the Rain, în regia lui Takashi Koizumi, a fost lansat în 1999 ca un omagiu postum adus regizorului, cu care Koizumi avea o strânsă prietenie. The Sea Comes de Kei Kumai a avut premiera în 2002, iar un scenariu scris pe vremea cooperativei de producție Yonki no kai și niciodată realizat în favoarea Dodeskaden a fost realizat în 2000 de singurul membru supraviețuitor Kon Ichikawa sub numele Dora-heita. Frații Huayi au anunțat în 2017 filmarea unei adaptări realizate de Kurosawa a povestirii lui Edgar Allan Poe „Masca morții roșii”. Produsul final este programat să fie lansat la nivel internațional în 2020. Patrick Frater, editorul revistei Variety, a scris în lucrarea sa din 2017 că alte două scenarii aruncate au fost găsite în arhivele Toho și că încă se filmează. Filmările la primul film au început în 2018 sub numele de Silvering Spear.

Citește și, civilizatii – Regatul Prusiei

Kurosawa Production Company

În septembrie 2011, s-a anunțat că drepturile pentru toate remake-urile sau adaptările cinematografice ale scenariilor nerealizate de Akira Kurosawa au fost cedate companiei Splendent din Los Angeles. Purtătorul de cuvânt al Splendent a declarat că scopul său este de a ajuta alți regizori să introducă o nouă generație de spectatori în aceste „povești de neuitat”.

Kurosawa Production Co., fondată în 1959, deține în continuare controlul asupra tuturor proiectelor realizate în numele lui Akira Kurosawa. Fiul regizorului, Hisao Kurosawa, este actualul director al companiei, precum și al filialei sale din SUA, Kurosawa Enterprises. Până în prezent, drepturile asupra lui Kurosawa au fost deținute exclusiv de Kurosawa Production Company și de studiourile de film în cadrul cărora a lucrat, în special Toho. Aceste drepturi au fost în cele din urmă cedate proiectului Akira Kurosawa 100 și se află în prezent la Splendent. Kurosawa Production Co. colaborează îndeaproape cu Fundația Akira Kurosawa, înființată în 2003. Organizația organizează un concurs anual de scurtmetraje și reglementează proiecte legate de Kurosawa, cum ar fi proiectul de construcție a unui muzeu memorial.

Un număr mare de documentare de lungmetraj și de scurtmetraj au abordat viața și opera lui Akira Kurosawa. A.K. a fost lansat în 1985, pe când regizorul era încă în viață. Filmul a fost regizat de regizorul francez de filme documentare Chris Marker. Chiar dacă documentarul a apărut în timpul lucrului la Ran, este mai puțin preocupat de realizarea filmului decât de personalitatea lui Kurosawa. Mai târziu, Marker a numit acest film drept motivul interesului său pentru cultura japoneză și sursa de inspirație pentru cel mai faimos film al său, Sans Soleil – Soarele invizibil. Filmul a avut premiera la Festivalul Internațional de Film de la Cannes din 1985. O mică selecție de alte documentare despre Akira Kurosawa, aclamate de critici, sunt:

Citește și, biografii – Henric al VII-lea al Angliei

Scripturi

În 1965, Kurosawa a fost ales membru al Academiei Americane de Arte și Științe.

În 1976 a fost distins ca persoană cu merite culturale deosebite, iar în 1985 a fost decorat cu Ordinul Culturii.

În iunie 2013, filmul lui Kurosawa, Once Really Lived, a fost inclus în Top 250 al Internet Movie Database. Acest lucru înseamnă că Kurosawa, alături de alți zece regizori, a avut mai mult de patru filme în Top 250 IMDb. Acest lucru îl face unul dintre cei mai bine cotați regizori de pe IMDb. În iunie 2015, a adăugat Castelul din pădurea de pânză de păianjen, urmat, puțin mai târziu, de Între cer și iad și Uzala the Kirghiz. El deține astfel recordul de opt filme în primele 250 de filme din lista IMDb, alături de Martin Scorsese și Stanley Kubrick. Alte filme ale sale, printre care „Fortăreața ascunsă”, „Barba roșie”, „Sanjuro”, „The Discarded Sleep Well” și „Kagemusha – Umbra războinicului”, toate au ratinguri ridicate pe platformă și ar putea fi incluse în listă în viitor.

sursele