Andy Warhol
gigatos | ianuarie 16, 2022
Rezumat
Andy Warhol (6 august 1928 – 22 februarie 1987) a fost un artist, regizor de film și producător american, care a fost o figură marcantă a curentului de artă vizuală cunoscut sub numele de pop art. Lucrările sale explorează relația dintre expresia artistică, publicitate și cultura celebrității care a înflorit prin anii 1960 și acoperă o varietate de medii, inclusiv pictura, serigrafia, fotografia, filmul și sculptura. Printre cele mai cunoscute lucrări ale sale se numără picturile serigrafice Campbell”s Soup Cans (1962) și Marilyn Diptych (1962), filmele experimentale Empire (1964) și Chelsea Girls (1966) și evenimentele multimedia cunoscute sub numele de Exploding Plastic Inevitable (1966-67).
Născut și crescut în Pittsburgh, Warhol a urmat inițial o carieră de succes ca ilustrator comercial. După ce și-a expus lucrările în mai multe galerii la sfârșitul anilor 1950, a început să fie recunoscut ca artist influent și controversat. Studioul său din New York, The Factory, a devenit un loc de întâlnire bine-cunoscut care a reunit intelectuali distinși, travestiți, dramaturgi, oameni ai străzii boemi, celebrități de la Hollywood și patroni bogați. El a promovat o colecție de personalități cunoscute sub numele de superstarurile Warhol și i se atribuie inspirația expresiei larg utilizate „15 minute de faimă”. La sfârșitul anilor 1960, a gestionat și produs trupa de rock experimental The Velvet Underground și a fondat revista Interview. Este autorul a numeroase cărți, printre care The Philosophy of Andy Warhol și Popism: The Warhol Sixties. A trăit în mod deschis ca homosexual înainte de mișcarea de eliberare a homosexualilor. În iunie 1968, a fost aproape ucis de feminista radicală Valerie Solanas, care l-a împușcat în interiorul studioului său. După o operație la vezica biliară, Warhol a murit de aritmie cardiacă în februarie 1987, la vârsta de 58 de ani, la New York.
Warhol a fost subiectul a numeroase expoziții retrospective, cărți și filme documentare și de lung metraj. Muzeul Andy Warhol din Pittsburgh, orașul său natal, care deține o colecție permanentă de artă și arhive, este cel mai mare muzeu din Statele Unite dedicat unui singur artist. Un articol din 2009 din The Economist l-a descris pe Warhol drept „clopotul pieței de artă”. Multe dintre creațiile sale sunt foarte ușor de colecționat și foarte valoroase. Cel mai mare preț plătit vreodată pentru o pictură a lui Warhol este de 105 milioane de dolari pentru o serigrafie din 1963 intitulată Silver Car Crash (Double Disaster). Printre lucrările sale se numără unele dintre cele mai scumpe picturi vândute vreodată.
Citește și, biografii – John Everett Millais
Primii ani de viață și începuturile (1928-1949)
Warhol s-a născut pe 6 august 1928, în Pittsburgh, Pennsylvania. A fost al patrulea copil al lui Ondrej Warhola (americanizat ca Andrew Warhola, Sr., 1889-1942) și al Juliei (născută Zavacká, 1892-1972), al cărei prim copil s-a născut în țara lor natală, Austria-Ungaria, și a murit înainte de mutarea lor în SUA.
Părinții săi erau emigranți Lemko din clasa muncitoare din Mikó, Austria-Ungaria (în prezent Miková, situată în nord-estul Slovaciei de astăzi). Tatăl lui Warhol a emigrat în Statele Unite în 1914, iar mama sa i s-a alăturat în 1921, după moartea bunicilor lui Warhol. Tatăl lui Warhol a lucrat într-o mină de cărbune. Familia a locuit pe strada Beelen nr. 55 și, mai târziu, pe strada Dawson nr. 3252, în cartierul Oakland din Pittsburgh. Familia era catolică ruteniană și frecventa biserica catolică bizantină St. John Chrysostom. Andy Warhol a avut doi frați mai mari-Pavol (Ján s-a născut în Pittsburgh. Fiul lui Pavol, James Warhola, a devenit un ilustrator de cărți pentru copii de succes.
În clasa a treia, Warhol a avut coreea lui Sydenham (cunoscută și sub numele de Dansul Sfântului Vitus), boală a sistemului nervos care provoacă mișcări involuntare ale extremităților, despre care se crede că ar fi o complicație a scarlatinei, care provoacă pete de pigmentare a pielii. În momentele în care era țintuit la pat, desena, asculta radioul și colecționa poze cu vedete de cinema în jurul patului său. Ulterior, Warhol a descris această perioadă ca fiind foarte importantă în dezvoltarea personalității sale, a setului de abilități și a preferințelor sale. Când Warhol avea 13 ani, tatăl său a murit într-un accident.
În adolescență, Warhol a absolvit Liceul Schenley în 1945, iar în această perioadă a câștigat și un premiu Scholastic Art and Writing Award. După absolvirea liceului, intenția sa era să studieze educația artistică la Universitatea din Pittsburgh în speranța de a deveni profesor de artă, dar planurile sale s-au schimbat și s-a înscris la Carnegie Institute of Technology, în prezent Carnegie Mellon University din Pittsburgh, unde a studiat arta comercială. În perioada petrecută acolo, Warhol s-a alăturat Clubului de dans modern din campus și Societății Beaux Arts. A fost, de asemenea, director artistic al revistei studențești de artă Cano, ilustrând o copertă în 1948 și o ilustrație interioară de o pagină întreagă în 1949. Se crede că acestea sunt primele sale două lucrări de artă publicate. Warhol a obținut o diplomă de licență în Arte Plastice în design pictural în 1949. Mai târziu, în același an, s-a mutat la New York și a început o carieră în domeniul ilustrațiilor de reviste și al publicității.
Citește și, biografii – Joseph Cornell
1950s
Începutul carierei lui Warhol a fost dedicat artei comerciale și publicitare, prima sa comandă fiind aceea de a desena pantofi pentru revista Glamour la sfârșitul anilor 1940. În anii 1950, Warhol a lucrat ca designer pentru producătorul de pantofi Israel Miller. În timp ce lucra în industria încălțămintei, Warhol și-a dezvoltat tehnica „liniei șterse”, aplicând cerneală pe hârtie și apoi ștergând cerneala încă umedă, ceea ce se aseamănă cu un proces de imprimare la cea mai rudimentară scară. Folosirea hârtiei de calc și a cernelii i-a permis să repete imaginea de bază și, de asemenea, să creeze variații nesfârșite pe această temă. Fotograful american John Coplans își amintește că
nimeni nu a desenat pantofi așa cum a făcut-o Andy. El a dat cumva fiecărui pantof un temperament propriu, un fel de sofisticare șireată, gen Toulouse-Lautrec, dar forma și stilul erau precise, iar catarama era întotdeauna la locul potrivit. Copiii din apartamentul [pe care Andy îl împărțea în New York – notă de Coplans] au observat că vămile de pe desenele de pantofi ale lui Andy deveneau din ce în ce mai lungi, dar Miller nu s-a supărat. Lui Miller îi plăceau la nebunie.
În 1952, Warhol a avut prima sa expoziție personală la Hugo Gallery din New York și, deși expoziția nu a fost bine primită, în 1956 a fost inclus în prima sa expoziție de grup la Muzeul de Artă Modernă din New York. Desenele „capricioase” cu cerneală ale lui Warhol, reprezentând reclame la pantofi, au figurat în unele dintre primele sale expoziții la Bodley Gallery din New York, în 1957.
Warhol obișnuia să folosească expedientul de a trasa fotografiile proiectate cu ajutorul unui epidiascop. Folosind printuri realizate de Edward Wallowitch, „primul său prieten”, fotografiile erau supuse unei transformări subtile în timpul trasării adesea superficiale a contururilor și a hașurării umbrelor de către Warhol. Warhol a folosit fotografia lui Wallowitch, Young Man Smoking a Cigarette (c.1956), pentru un design din 1958 pentru o copertă de carte pe care a trimis-o la Simon and Schuster pentru romanul Pulp „The Immortal” al lui Walter Ross, iar mai târziu a folosit altele pentru seria sa de picturi.
Odată cu expansiunea rapidă a industriei discografice, RCA Records l-a angajat pe Warhol, împreună cu un alt artist independent, Sid Maurer, pentru a realiza coperțile albumelor și materialele promoționale.
Citește și, istorie – Primul Război al Burilor
1960s
Warhol a fost unul dintre primii care a adoptat procesul de imprimare serigrafică ca tehnică de realizare a picturilor. În 1962, Warhol a fost învățat tehnicile de imprimare serigrafică de către Max Arthur Cohn, în afacerea sa de arte grafice din Manhattan. În cartea sa Popism: The Warhol Sixties, Warhol scrie: „Când faci ceva exact greșit, întotdeauna scoți ceva la iveală”.
În mai 1962, Warhol a apărut într-un articol din revista Time cu tabloul Big Campbell”s Soup Can with Can Opener (Vegetable) (1962), care a inițiat cel mai susținut motiv al său, cutia de supă Campbell”s. Această pictură a devenit prima pictură a lui Warhol care a fost expusă într-un muzeu, când a fost expusă la Wadsworth Atheneum din Hartford în iulie 1962. La 9 iulie 1962, expoziția lui Warhol s-a deschis la Galeria Ferus din Los Angeles cu Campbell”s Soup Cans, marcând debutul său în arta pop pe Coasta de Vest.
În noiembrie 1962, Warhol a avut o expoziție la Eleanor Ward”s Stable Gallery din New York. Expoziția a inclus lucrările Gold Marilyn, opt din seria clasică „Marilyn”, numită și „Marilyns cu aromă”, Marilyn Diptych, 100 de cutii de supă, 100 de sticle de Coca-Cola și 100 de bancnote de 100 de dolari. Flavor Marilyns au fost selectate dintr-un grup de paisprezece pânze din subserie, fiecare măsurând 20″ x 16″. Unele dintre pânze au fost denumite după diferite arome de bomboane Life Savers, inclusiv Marilyn de cireșe, Marilyn de lămâie, Marilyn de mentă, Marilyn de lavandă, Marilyn de struguri sau Marilyn de lemn dulce. Celelalte sunt identificate după culorile de fundal. Gold Marilyn, a fost cumpărată de arhitectul Philip Johnson și donată Muzeului de Artă Modernă. În cadrul expoziției, Warhol l-a întâlnit pe poetul John Giorno, care avea să joace în primul film al lui Warhol, Sleep, în 1964.
În anii 1960, Warhol a început să picteze obiecte americane emblematice, precum bancnote de un dolar, ciuperci, scaune electrice, cutii de supă Campbell”s, sticle de Coca-Cola, celebrități precum Marilyn Monroe, Elvis Presley, Marlon Brando, Troy Donahue, Muhammad Ali și Elizabeth Taylor, precum și titluri de ziare sau fotografii ale câinilor polițiști care atacă protestatarii afro-americani în timpul campaniei din Birmingham din cadrul mișcării pentru drepturile civile. În acești ani, și-a fondat studioul „The Factory” și a adunat în jurul său o gamă largă de artiști, scriitori, muzicieni și celebrități underground. Lucrările sale au devenit populare și controversate. Warhol a spus următoarele despre Coca-Cola:
Ceea ce este grozav la această țară este că America a inițiat tradiția conform căreia cei mai bogați consumatori cumpără în esență aceleași lucruri ca și cei mai săraci. Poți să te uiți la televizor și să vezi Coca-Cola, să știi că președintele bea Coca-Cola, Liz Taylor bea Coca-Cola și să te gândești că și tu poți bea Coca-Cola. O Coca-Cola este o Coca-Cola și nici o sumă de bani nu vă poate aduce o Coca-Cola mai bună decât cea pe care o bea vagabondul de la colț. Toate Coca-Cola sunt la fel și toate Coca-Cola sunt bune. Liz Taylor o știe, președintele o știe, vagabondul o știe și tu o știi.
În decembrie 1962, Muzeul de Artă Modernă din New York a găzduit un simpozion pe tema pop art, în cadrul căruia artiști precum Warhol au fost atacați pentru „capitularea” în fața consumerismului. Criticii au fost îngroziți de acceptarea deschisă a lui Warhol a culturii de piață, ceea ce a dat tonul pentru receptarea sa.
În primăvara anului 1964, Warhol a avut cea de-a doua expoziție la Stable Gallery, în care a prezentat sculpturi de cutii comerciale stivuite și împrăștiate în tot spațiul pentru a semăna cu un depozit. Pentru această expoziție, Warhol a comandat cutii de lemn personalizate și a serigrafiat grafică pe ele. Sculpturile – Brillo Box, Del Monte Peach Box, Heinz Tomato Ketchup Box, Kellog”s Cornflakes Box, Campbell”s Tomato Juice Box și Mott”s Apple Juice Box – au fost vândute cu 200-400 de dolari, în funcție de mărimea cutiei.
Un eveniment crucial a fost expoziția The American Supermarket de la galeria lui Paul Bianchini din Upper East Side în toamna anului 1964. Expoziția a fost prezentată ca un mediu tipic de supermarket mic, cu excepția faptului că tot ce se afla în el – de la produse, conserve, carne, posterele de pe pereți etc. – a fost creat de artiști pop proeminenți ai vremii, printre care se numărau sculptorii Claes Oldenburg, Mary Inman și Bob Watts. Warhol a proiectat o pungă de cumpărături din hârtie de 12 dolari – albă cu o cutie de supă Campbell”s roșie. Pictura sa cu o cutie de supă Campbell”s a costat 1.500 de dolari, în timp ce fiecare cutie cu autograf s-a vândut la prețul de 3 pentru 18 dolari, 6,50 dolari fiecare. Expoziția a fost unul dintre primele evenimente de masă care a confruntat în mod direct publicul larg atât cu arta pop, cât și cu veșnica întrebare despre ce este arta.
Ca ilustrator de reclame în anii 1950, Warhol a folosit asistenți pentru a-și spori productivitatea. Colaborarea va rămâne definitorie (acest lucru a fost valabil mai ales în anii 1960. Unul dintre cei mai importanți colaboratori din această perioadă a fost Gerard Malanga. Malanga l-a asistat pe artist la producția de serigrafii, filme, sculpturi și alte lucrări la „The Factory”, studioul lui Warhol din strada 47 (mutat ulterior pe Broadway), căptușit cu folie de aluminiu și vopsea de argint. Printre ceilalți membri ai mulțimii lui Warhol din Factory se numărau Freddie Herko, Ondine, Ronald Tavel, Mary Woronov, Billy Name și Brigid Berlin (de la care se pare că a primit ideea de a-și înregistra conversațiile telefonice).
În anii 1960, Warhol a pregătit și o suită de excentrici boemi și de contracultură, cărora le-a conferit denumirea de „Superstars”, printre care Nico, Joe Dallesandro, Edie Sedgwick, Viva, Ultra Violet, Holly Woodlawn, Jackie Curtis și Candy Darling. Toți acești oameni au participat la filmele Factory, iar unii – precum Berlin – au rămas prieteni cu Warhol până la moartea acestuia. Figuri importante ale artei underground din New York
Pe 3 iunie 1968, scriitoarea feministă radicală Valerie Solanas i-a împușcat pe Warhol și pe Mario Amaya, critic de artă și curator, în studioul lui Warhol, The Factory. Înainte de împușcături, Solanas fusese o figură marginală pe scena Factory. În 1967, ea a fost autoarea Manifestului SCUM, un tratat feminist separatist care pleda pentru eliminarea bărbaților, și a apărut în 1968 în filmul lui Warhol I, a Man. Mai devreme, în ziua atacului, Solanas fusese respinsă din Factory după ce ceruse să i se înapoieze un scenariu pe care i-l dăduse lui Warhol. Se pare că scenariul fusese rătăcit.
Amaya a suferit doar răni minore și a fost externată din spital mai târziu în aceeași zi. Warhol a fost grav rănit în urma atacului și abia a supraviețuit. El a suferit efecte fizice pentru tot restul vieții, inclusiv a fost nevoit să poarte un corset chirurgical. Împușcăturile au avut un efect profund asupra vieții și artei lui Warhol.
Solanas a fost arestată a doua zi după agresiune, după ce s-a predat la poliție. Ca o explicație, ea a spus că Warhol „avea prea mult control asupra vieții mele”. Ulterior, a fost diagnosticată cu schizofrenie paranoică și, în cele din urmă, a fost condamnată la trei ani sub controlul Departamentului de Corecție. După împușcături, scena Factory și-a sporit puternic securitatea, iar pentru mulți dintre ei „anii ”60 ai Factory” au luat sfârșit („Superstarurile de pe vremea vechii Factory nu prea veneau la noua Factory”).
Warhol a spus următoarele despre acest atac:
Înainte de a fi împușcat, am crezut întotdeauna că eram mai mult pe jumătate decât în totalitate – am bănuit întotdeauna că mă uitam la televizor în loc să trăiesc viața. Oamenii spun uneori că felul în care se întâmplă lucrurile în filme este ireal, dar, de fapt, felul în care se întâmplă lucrurile în viață este ireal. Filmele fac ca emoțiile să pară atât de puternice și reale, în timp ce atunci când ți se întâmplă cu adevărat, e ca și cum te-ai uita la televizor – nu simți nimic. Chiar în momentul în care am fost împușcat și de atunci încoace, am știut că mă uit la televizor. Canalele se schimbă, dar totul este televiziune.
În 1969, Warhol și jurnalistul britanic John Wilcock au fondat revista Interview.
Citește și, istorie – Războiul Malvinelor
1970s
Warhol a avut o expoziție retrospectivă la Whitney Museum of American Art în 1971. Celebrul său portret al liderului comunist chinez Mao Zedong a fost creat în 1973. În 1975, a publicat lucrarea The Philosophy of Andy Warhol (1975). O idee exprimată în carte: „A face bani este artă, iar a lucra este artă și o afacere bună este cea mai bună artă”.
În comparație cu succesul și scandalul lucrărilor lui Warhol din anii 1960, anii 1970 au fost un deceniu mult mai liniștit, în care Warhol a devenit mai întreprinzător. A socializat în diverse localuri de noapte din New York, inclusiv Max”s Kansas City și, mai târziu, în anii 1970, Studio 54. În general, a fost considerat tăcut, timid și un observator meticulos. Criticul de artă Robert Hughes l-a numit „cârtița albă din Union Square”.
În 1977, Warhol a fost însărcinat de colecționarul de artă Richard Weisman să creeze „Athletes”, zece portrete ale celor mai importanți sportivi ai momentului.
Potrivit lui Bob Colacello, Warhol și-a dedicat o mare parte din timp căutării de noi și bogați patroni pentru comenzi de portrete – inclusiv șahul Iranului Mohammad Reza Pahlavi, soția sa, împărăteasa Farah Pahlavi, sora sa, prințesa Ashraf Pahlavi, Mick Jagger, Liza Minnelli, John Lennon, Diana Ross și Brigitte Bardot. În 1979, criticii nu au apreciat expozițiile sale de portrete ale unor personalități și celebrități din anii 1970, numindu-le superficiale, facile și comerciale, fără profunzime sau indicii privind semnificația subiecților.
În 1979, Warhol și prietenul său de lungă durată Stuart Pivar au fondat Academia de Artă din New York.
Citește și, biografii – Umberto Boccioni
1980s
Warhol a avut un nou succes critic și financiar în anii 1980, parțial datorită afilierii și prieteniei sale cu o serie de tineri artiști prolifici, care dominau „piața de artă” a New York-ului anilor 1980: Jean-Michel Basquiat, Julian Schnabel, David Salle și alți așa-numiți neoexpresioniști, precum și membri ai mișcării Transavantgarde din Europa, printre care Francesco Clemente și Enzo Cucchi. Warhol a câștigat, de asemenea, credibilitate pe stradă, iar artistul de graffiti Fab Five Freddy i-a adus un omagiu lui Warhol pictând un tren întreg cu cutii de supă Campbell.
De asemenea, Warhol a fost criticat pentru că a devenit un simplu „artist de afaceri”. Criticii au criticat expoziția sa din 1980, Ten Portraits of Jews of the Twentieth Century (Zece portrete ale evreilor din secolul XX) de la Muzeul Evreiesc din Manhattan, pe care Warhol – care nu era interesat de iudaism și de evrei – a descris-o în jurnalul său ca fiind „Se vor vinde”. Cu toate acestea, retrospectiv, unii critici au ajuns să considere superficialitatea și comercialitatea lui Warhol drept „cea mai strălucită oglindă a vremurilor noastre”, susținând că „Warhol a surprins ceva irezistibil în legătură cu zeitgeistul culturii americane din anii 1970”.
De asemenea, Warhol a avut o apreciere pentru farmecul intens de la Hollywood. El a spus odată: „Iubesc Los Angeles. Iubesc Hollywood-ul. Sunt atât de frumoase. Totul este din plastic, dar eu iubesc plasticul. Vreau să fiu din plastic”. Warhol a defilat ocazional pe podiumurile de modă și a făcut sponsorizări de produse, fiind reprezentat de Agenția Zoli și, mai târziu, de Ford Models.
Înainte de Jocurile Olimpice de iarnă de la Sarajevo din 1984, a făcut echipă cu alți 15 artiști, printre care David Hockney și Cy Twombly, și a contribuit cu o gravură Speed Skater la colecția Art and Sport. Speed Skater a fost folosit pentru posterul oficial al Jocurilor Olimpice de iarnă de la Sarajevo.
În 1984, Vanity Fair l-a însărcinat pe Warhol să realizeze un portret al lui Prince, pentru a însoți un articol care celebra succesul filmului Purple Rain și al filmului care l-a însoțit. Făcând referire la numeroasele portrete de celebrități realizate de Warhol de-a lungul carierei sale, Orange Prince (1984) a fost creat folosind o compoziție similară cu cea a seriei Marilyn „Flavors” din 1962, printre primele portrete de celebrități realizate de Warhol. Prince este înfățișat într-o paletă de culori pop folosită în mod obișnuit de Warhol, în portocaliu aprins cu accente de verde și albastru strălucitor. Trăsăturile feței și părul sunt serigrafiate în negru pe fundalul portocaliu.
În septembrie 1985, expoziția comună a lui Warhol și a lui Basquiat, Paintings, a fost vernisată la Galeria Tony Shafrazi, unde a primit critici negative. În aceeași lună, în ciuda aprehensiunilor lui Warhol, seria de serigrafii Reigning Queens a fost expusă la Galeria Leo Castelli. În Jurnalele lui Andy Warhol, Warhol a scris: „Trebuiau să fie doar pentru Europa – nimănui de aici nu-i pasă de regalitate și va fi o altă recenzie proastă”.
În ianuarie 1987, Warhol a călătorit la Milano pentru deschiderea ultimei sale expoziții, Last Supper, la Palazzo delle Stelline. În luna următoare, Warhol și muzicianul de jazz Miles Davis au fost modele pentru prezentarea de modă a lui Koshin Satoh la Tunnel din New York, la 17 februarie 1987.
Citește și, biografii – Gheorghi Valentinovici Plehanov
Moartea
Warhol a murit în Manhattan la ora 6:32 a.m., pe 22 februarie 1987, la vârsta de 58 de ani. Potrivit relatărilor din presă, acesta se recuperase bine după o operație la vezica biliară la New York Hospital înainte de a muri în somn din cauza unei bătăi neregulate a inimii, survenită brusc după operație. Înainte de diagnosticare și operație, Warhol a amânat verificarea problemelor sale recurente la vezica biliară, deoarece îi era teamă să intre în spitale și să consulte medici. Familia sa a dat în judecată spitalul pentru îngrijiri inadecvate, spunând că aritmia a fost cauzată de îngrijiri necorespunzătoare și de intoxicația cu apă. Cazul de malpraxis a fost soluționat rapid pe cale amiabilă; familia lui Warhol a primit o sumă de bani nedeclarată.
Cu puțin timp înainte de moartea lui Warhol, medicii se așteptau ca Warhol să supraviețuiască operației, deși o reevaluare a cazului la aproximativ 30 de ani după moartea sa a arătat multe indicii că operația lui Warhol a fost de fapt mai riscantă decât se credea inițial. La vremea respectivă s-a raportat pe scară largă că Warhol a murit în urma unei operații „de rutină”, deși, dacă se iau în considerare factori precum vârsta sa, istoricul familial de probleme cu vezica biliară, rana anterioară prin împușcare și starea sa medicală în săptămânile premergătoare intervenției, riscul potențial de deces în urma operației părea să fi fost semnificativ.
Frații lui Warhol i-au dus trupul neînsuflețit la Pittsburgh, unde a avut loc un priveghi în sicriu deschis la Casa funerară Thomas P. Kunsak. Sicriul din bronz masiv avea balustrade placate cu aur și tapițerie albă. Warhol a fost îmbrăcat într-un costum negru din cașmir, o cravată paisley, o perucă platinată și ochelari de soare. El a fost așezat ținând în mână o mică carte de rugăciuni și un trandafir roșu. Liturghia de înmormântare a avut loc la Biserica Catolică Bizantină Sfântul Duh din North Side din Pittsburgh. Elogiul a fost rostit de monseniorul Peter Tay. Yoko Ono și John Richardson au fost vorbitori. Sicriul a fost acoperit cu trandafiri albi și ferigi sparanghel. După liturghie, sicriul a fost condus la cimitirul catolic bizantin Sfântul Ioan Botezătorul din Bethel Park, o suburbie din sudul orașului Pittsburgh.
La mormânt, preotul a rostit o scurtă rugăciune și a stropit sicriul cu apă sfințită. Înainte ca sicriul să fie coborât, Paige Powell, prietena lui Warhol și director de publicitate la Interview, a aruncat în mormânt un exemplar al revistei, un tricou Interview și o sticlă de parfum Estée Lauder „Beautiful”. Warhol a fost înmormântat lângă mama și tatăl său. O slujbă de pomenire a avut loc în Manhattan pentru Warhol la Catedrala Sfântul Patrick la 1 aprilie 1987.
Citește și, biografii – Huang Di
Picturi
La începutul anilor 1960, arta pop era o formă experimentală pe care mai mulți artiști o adoptau în mod independent; unii dintre acești pionieri, precum Roy Lichtenstein, vor deveni mai târziu sinonimi cu această mișcare. Warhol, care avea să devină celebru ca „Papa Pop”, s-a orientat către acest nou stil, în care subiectele populare puteau face parte din paleta artistului. Primele sale picturi prezintă imagini preluate din desene animate și reclame, pictate manual cu picaturi de vopsea. Marilyn Monroe a fost o pictură pop art pe care Warhol a realizat-o și a fost foarte populară. Acele picături imitau stilul expresioniștilor abstracți de succes (precum Willem de Kooning). Primele picturi pop art ale lui Warhol au fost expuse în aprilie 1961, servind ca fundal pentru vitrina magazinului Bonwit Teller din New York. Aceasta a fost aceeași scenă pe care au onorat-o cândva și contemporanii săi din Pop Art, Jasper Johns, James Rosenquist și Robert Rauschenberg.
Galerista Muriel Latow a fost cea care a venit cu ideile atât pentru conservele de supă, cât și pentru picturile în dolari ale lui Warhol. La 23 noiembrie 1961, Warhol i-a scris lui Latow un cec de 50 de dolari, care, potrivit biografiei lui Warhol din 2009, Pop, The Genius of Warhol, a fost o plată pentru că a venit cu ideea de a folosi conservele de supă ca subiect. Pentru prima sa expoziție majoră, Warhol a pictat celebrele sale cutii de supă Campbell”s, pe care susținea că le-a mâncat la prânz în cea mai mare parte a vieții sale.
De la aceste începuturi, și-a dezvoltat stilul și subiectele ulterioare. În loc să lucreze la un subiect de semnătură, așa cum a început să facă, a lucrat din ce în ce mai mult la un stil de semnătură, eliminând încet-încet lucrul manual din procesul artistic. Warhol a folosit frecvent serigrafia; desenele sale ulterioare au fost trasate după proiecții de diapozitive. La apogeul faimei sale ca pictor, Warhol avea mai mulți asistenți care îi produceau multiplii serigrafiei, urmându-i indicațiile pentru a realiza diferite versiuni și variante.
Warhol a produs atât lucrări comice, cât și serioase; subiectul său putea fi o cutie de supă sau un scaun electric. Warhol a folosit aceleași tehnici – serigrafii, reproduse în serie și adesea pictate în culori vii – fie că a pictat celebrități, obiecte de zi cu zi sau imagini de sinucideri, accidente de mașină și dezastre, ca în seria Death and Disaster din 1962-63.
În 1979, Warhol a fost însărcinat de BMW să picteze o versiune de cursă Group-4 a BMW M1, pe atunci „supercar de elită”, pentru a patra parte a BMW Art Car Project. La vremea respectivă, s-a raportat că, spre deosebire de cei trei artiști dinaintea sa, Warhol a ales să picteze el însuși direct pe automobil, în loc să lase tehnicienii să transfere modelul său la scară pe mașină. S-a indicat că Warhol a petrecut în total doar 23 de minute pentru a picta întreaga mașină.
Unele dintre lucrările lui Warhol, precum și propria sa personalitate, au fost descrise ca fiind Keatonesque. Warhol a fost descris ca făcând pe prostul în fața presei. Uneori a refuzat să dea explicații despre lucrările sale. El a sugerat că tot ceea ce trebuie să știi despre opera sa este „deja acolo „la suprafață””.
Petele sale de cerneală Rorschach sunt considerate comentarii pop despre artă și despre ceea ce ar putea fi arta. Tapetul său cow wallpaper (literalmente, tapet cu un motiv de vacă) și picturile sale de oxidare (pânze pregătite cu vopsea de cupru care a fost apoi oxidată cu urină) sunt, de asemenea, demne de remarcat în acest context. La fel de remarcabil este și modul în care aceste lucrări – și mijloacele lor de producție – oglindeau atmosfera de la „Fabrica” lui Andy din New York. Biograful Bob Colacello oferă câteva detalii despre „picturile cu urină” ale lui Andy:
Victor… a fost fantoma lui Andy la Oxidations. El venea la fabrică pentru a urina pe pânzele care fuseseră deja amorsate cu vopsea pe bază de cupru de către Andy sau Ronnie Cutrone, un al doilea pișicher fantomă foarte apreciat de Andy, care spunea că vitamina B pe care o lua Ronnie dădea o culoare mai frumoasă atunci când acidul din urină făcea ca cuprul să devină verde. Și-a folosit Andy vreodată propria urină? Jurnalul meu arată că atunci când a început seria, în decembrie 1977, a făcut-o. Au fost mulți alții: băieți care veneau la prânz și beau prea mult vin și care găseau amuzant sau chiar măgulitor să li se ceară să îl ajute pe Andy să „picteze”. Andy avea întotdeauna un pic mai mult curaj în mers când îi conducea la atelierul său.
Portretul lui Warhol din 1982 al lui Basquiat, Jean-Michel Basquiat, este o serigrafie peste o „pictură de urină” din cupru oxidat. După mulți ani de serigrafie, oxidare, fotografie etc., Warhol s-a întors la pictură cu pensula în mână. În 1983, Warhol a început să colaboreze cu Basquiat și Clemente. Warhol și Basquiat au creat o serie de peste 50 de lucrări mari în colaborare între 1984 și 1985. În ciuda criticilor atunci când acestea au fost expuse pentru prima dată, Warhol le-a numit pe unele dintre ele „capodopere”, iar acestea au fost influente pentru lucrările sale ulterioare.
În 1984, Warhol a fost însărcinat de colecționarul și galeristul Alexander Iolas să realizeze o lucrare bazată pe Cina cea de Taină a lui Leonardo da Vinci pentru o expoziție în vechiul refectoriu al Palazzo delle Stelline din Milano, vizavi de Santa Maria delle Grazie, unde poate fi văzută pictura murală a lui Leonardo da Vinci. Warhol a depășit cerințele comenzii și a produs aproape 100 de variațiuni pe această temă, în principal serigrafii și picturi, printre care și o sculptură realizată în colaborare cu Basquiat, Ten Punching Bags (Last Supper).Expoziția de la Milano, care a fost deschisă în ianuarie 1987 cu un set de 22 de serigrafii, a fost ultima expoziție atât pentru artist, cât și pentru galerist. Seria The Last Supper (Cina cea de Taină) a fost văzută de unii ca fiind „probabil cea mai mare lucrare a sa”, dar de alții ca fiind „fără sens, religioasă” și „lipsită de spirit”. Este cea mai mare serie de lucrări cu tematică religioasă realizată de un artist american.
Artistul Maurizio Cattelan descrie faptul că este dificil să separi întâlnirile zilnice de arta lui Andy Warhol: „Acesta este probabil cel mai mare lucru la Warhol: modul în care a pătruns și a sintetizat lumea noastră, până la punctul în care a face distincția între el și viața noastră de zi cu zi este practic imposibilă și, în orice caz, inutilă”. Warhol a fost o sursă de inspirație în ceea ce privește revistele și compilațiile de fotografie ale lui Cattelan, precum Permanent Food, Charley și Toilet Paper.
În perioada de dinaintea morții sale, Warhol lucra la Cars, o serie de picturi pentru Mercedes-Benz.
Piața de artă
Valoarea operei lui Andy Warhol a fost pe o traiectorie ascendentă nesfârșită de la moartea sa în 1987. În 2014, operele sale au acumulat 569 de milioane de dolari la licitație, ceea ce a reprezentat mai mult de o șesime din piața globală de artă. Cu toate acestea, au existat unele scăderi. Potrivit comerciantului de artă Dominique Lévy, „comerțul cu Warhol se mișcă ceva de genul unei balansoare care este trasă în sus: crește și scade, dar fiecare nou maxim și minim este deasupra celui precedent”. Ea atribuie acest lucru afluxului constant de noi colecționari intrigați de Warhol. „În momente diferite, ați avut diferite grupuri de colecționari care au intrat pe piața Warhol, iar acest lucru a dus la vârfuri ale cererii, apoi la satisfacție și la o încetinire”, înainte ca procesul să se repete cu o altă categorie demografică sau cu următoarea generație.
În 1998, Orange Marilyn (1964), o reprezentare a lui Marilyn Monroe, a fost vândută cu 17,3 milioane de dolari, ceea ce a stabilit un nou record ca fiind cel mai mare preț plătit pentru o operă de artă a lui Warhol. În 2007, unul dintre tablourile lui Warhol din 1963 care o reprezintă pe Elizabeth Taylor, Liz (Colored Liz), care a fost deținut de actorul Hugh Grant, a fost vândut cu 23,7 milioane de dolari la Christie”s.
În 2007, Stefan Edlis și Gael Neeson au vândut lucrarea Turquoise Marilyn (1964) a lui Warhol finanțatorului Steven A. Cohen pentru 80 de milioane de dolari. În mai 2007, Green Car Crash (1963) s-a vândut cu 71,1 milioane de dolari, iar Lemon Marilyn (1962) s-a vândut cu 28 de milioane de dolari la licitația de artă postbelică și contemporană a casei Christie”s. În 2007, Large Campbell”s Soup Can (1964) a fost vândută la o licitație Sotheby”s unui colecționar sud-american pentru 7,4 milioane de euro. În noiembrie 2009, 200 de bancnote de un dolar (1962) la Sotheby”s pentru 43,8 milioane de dolari.
În 2008, Eight Elvises (1963) a fost vândut de Annibale Berlingieri pentru 100 de milioane de dolari unui cumpărător privat. Lucrarea îl înfățișează pe Elvis Presley în postura de pistolar. A fost expusă pentru prima dată în 1963 la Galeria Ferus din Los Angeles. Warhol a realizat 22 de versiuni ale lui Double Elvis, dintre care nouă sunt păstrate în muzee. În mai 2012, Double Elvis (Tip Ferus) a fost vândută la licitație la Sotheby”s pentru 37 de milioane de dolari. În noiembrie 2014, Triple Elvis (Ferus Type) a fost vândută pentru 81,9 milioane de dolari la Christie”s.
În mai 2010, un autoportret violet al lui Warhol din 1986, deținut de creatorul de modă Tom Ford, a fost vândut cu 32,6 milioane de dolari la Sotheby”s. În noiembrie 2010, Men in Her Life (1962), inspirat de Elizabeth Taylor, a fost vândut cu 63,4 milioane de dolari la Phillips de Pury, iar Coca-Cola (4) (1962) a fost vândut cu 35,3 milioane de dolari la Sotheby”s. În mai 2011, primul autoportret al lui Warhol din 1963-64 s-a vândut cu 38,4 milioane de dolari, iar un autoportret roșu din 1986 s-a vândut cu 27,5 milioane de dolari la Christie”s. În mai 2011, Liz
În noiembrie 2013, rareori văzut, diptic al lui Warhol din 1963, Silver Car Crash (Double Disaster), a fost vândut la Sotheby”s cu 105,4 milioane de dolari, un nou record pentru artist. În noiembrie 2013, Coca-Cola (3) (1962) s-a vândut cu 57,3 milioane de dolari la Christie”s. În mai 2014, White Marilyn (1962) s-a vândut cu 41 de milioane de dolari la Christie”s. În noiembrie 2014, Four Marlons (1964), care îl înfățișează pe Marlon Brando, s-a vândut cu 69,6 milioane de dolari la Christie”s. În mai 2015, Silver Liz (diptic), pictat în 1963-65, s-a vândut cu 28 de milioane de dolari, iar Colored Mona Lisa (1963) s-a vândut cu 56,2 milioane de dolari la Christie”s. În mai 2017, tabloul lui Warhol din 1962, Big Campbell”s Soup Can With Can Opener (Vegetable), pictat de Warhol în 1962, a fost vândut cu 27,5 dolari la Christie”s.
Citește și, biografii – Diego Velázquez
Colecționari
Printre primii colecționari și susținători influenți ai lui Warhol s-au numărat Emily și Burton Tremaine. Printre cele peste 15 lucrări de artă achiziționate, Marilyn Diptych (acum la Tate Modern, Londra) și A boy for Meg (acum la National Gallery of Art din Washington, DC), au fost cumpărate direct din atelierul lui Warhol în 1962. Într-un Crăciun, Warhol a lăsat un mic cap de Marilyn Monroe la ușa familiei Tremaine, în apartamentul lor din New York, în semn de recunoștință pentru sprijinul și încurajarea lor.
Citește și, mitologie – Dionis
Filmografie
Warhol a asistat în 1962 la premiera compoziției statice a lui La Monte Young intitulată Trio for Strings și a creat ulterior faimoasa sa serie de filme statice. Cineastul Jonas Mekas, care l-a însoțit pe Warhol la premiera Trio, susține că filmele statice ale lui Warhol au fost inspirate direct de spectacol. Între 1963 și 1968, a realizat mai mult de 60 de filme, plus aproximativ 500 de portrete scurte alb-negru „screen test” ale vizitatorilor Factory. Unul dintre cele mai faimoase filme ale sale, Sleep, îl monitorizează pe poetul John Giorno dormind timp de șase ore. Filmul Blow Job, de 35 de minute, este un cadru continuu al feței lui DeVeren Bookwalter care se presupune că primește sex oral de la regizorul Willard Maas, deși camera nu se înclină niciodată în jos pentru a vedea acest lucru. Un alt film, Empire (1964), constă în opt ore de filmare a Empire State Building din New York City la apus. Filmul Eat (Mănâncă) constă într-un bărbat care mănâncă o ciupercă timp de 45 de minute.
Batman Dracula este un film din 1964, produs și regizat de Warhol, fără permisiunea DC Comics. A fost proiectat doar în cadrul expozițiilor sale de artă. Un fan al seriei Batman, filmul lui Warhol a fost un „omagiu” adus seriei și este considerat prima apariție a unui Batman în mod flagrant camuflat. Până de curând, s-a crezut că filmul a fost pierdut, până când scene din film au fost prezentate pe larg în documentarul Jack Smith and the Destruction of Atlantis din 2006.
Filmul Vinyl, realizat de Warhol în 1965, este o adaptare a popularului roman distopic al lui Anthony Burgess, Portocala mecanică. Altele înregistrează întâlniri improvizate între obișnuiții de la Factory, precum Brigid Berlin, Viva, Edie Sedgwick, Candy Darling, Holly Woodlawn, Ondine, Nico și Jackie Curtis. Legendarul artist underground Jack Smith apare în filmul Camp.
Cel mai popular film al său și cu cel mai mare succes de critică a fost Chelsea Girls (1966). Filmul a fost extrem de inovator prin faptul că a constat în proiectarea simultană a două pelicule de 16 mm, cu două povești diferite prezentate în tandem. Din cabina de proiecție, sunetul era ridicat pentru un film pentru a elucida „povestea” respectivă, în timp ce era coborât pentru celălalt. Multiplicarea imaginilor a evocat lucrările serigrafice fundamentale ale lui Warhol de la începutul anilor 1960.
Warhol a fost un fan al filmului regizorului Radley Metzger și a comentat că filmul lui Metzger, The Lickerish Quartet, a fost „o capodoperă scandalos de perversă”. Blue Movie – un film în care superstarul Warhol Viva face dragoste în pat cu Louis Waldon, un alt superstar Warhol – a fost ultimul film al lui Warhol în calitate de regizor. Filmul, un film de referință în Epoca de Aur a filmului porno, a fost, la vremea respectivă, controversat pentru abordarea sa sinceră a unei întâlniri sexuale. Blue Movie a fost proiectat în public la New York în 2005, pentru prima dată după mai bine de 30 de ani.
În urma împușcăturilor din 1968, Warhol a renunțat la implicarea sa personală în cinematografie. Paul Morrissey, acoliatul și asistentul său de regie, a preluat sarcinile de realizare a filmelor pentru colectivul Factory, orientând cinematografia marca Warhol către o producție de exploatare mai convențională, bazată pe narațiune, de tip B-movie, cu Flesh, Trash și Heat. Toate aceste filme, printre care mai târziu Andy Warhol”s Dracula și Andy Warhol”s Frankenstein, au fost mult mai mainstream decât tot ceea ce încercase Warhol în calitate de regizor. Aceste ultime filme „Warhol” l-au avut ca protagonist pe Joe Dallesandro – mai degrabă o vedetă Morrissey decât un adevărat superstar Warhol.
La începutul anilor ”70, majoritatea filmelor regizate de Warhol au fost scoase din circulație de către acesta și de oamenii din jurul său care îi conduceau afacerea. După moartea lui Warhol, filmele au fost restaurate lent de către Muzeul Whitney și sunt proiectate ocazional la muzee și festivaluri de film. Puține dintre filmele regizate de Warhol sunt disponibile pe suport video sau DVD.
Citește și, biografii – Diego Rivera
Muzică
La mijlocul anilor 1960, Warhol a adoptat trupa Velvet Underground, făcând din aceasta un element crucial al spectacolului multimedia Exploding Plastic Inevitable. Warhol, împreună cu Paul Morrissey, a acționat ca manager al trupei, prezentându-i pe aceștia lui Nico (care avea să cânte cu trupa la cererea lui Warhol). În timp ce era managerul trupei The Velvet Underground, Andy îi punea pe aceștia să se îmbrace în negru pentru a cânta în fața unor filme pe care tot el le prezenta. În 1966, el a „produs” primul lor album The Velvet Underground & Nico, asigurând și grafica albumului. Participarea sa reală la producția albumului s-a rezumat la simpla plată a timpului petrecut în studio. După primul album al trupei, Warhol și liderul trupei, Lou Reed, au început să nu mai fie de acord cu privire la direcția pe care ar trebui să o ia trupa, iar prietenia lor artistică a luat sfârșit. În 1989, după moartea lui Warhol, Reed și John Cale s-au reunit din nou pentru prima dată din 1972 pentru a scrie, interpreta, înregistra și lansa albumul conceptual Songs for Drella, un omagiu adus lui Warhol. În octombrie 2019, s-a raportat că o casetă audio cu muzică necunoscută publicului de Reed, bazată pe cartea lui Warhols din 1975, „The Philosophy of Andy Warhol: From A to B and Back Again”, a fost descoperită într-o arhivă a Muzeului Andy Warhol din Pittsburgh.
Warhol a proiectat multe coperte de album pentru diverși artiști, începând cu coperta fotografică a albumului de debut al lui John Wallowitch, This Is John Wallowitch!!! (1964). A realizat coperțile albumelor Sticky Fingers (1971) și Love You Live (1977) ale trupei The Rolling Stones, precum și albumele The Academy in Peril (1972) și Honi Soit (1981) ale lui John Cale. Una dintre ultimele lucrări ale lui Warhol a fost un portret al Aretha Franklin pentru coperta albumului de aur al acesteia, Aretha, din 1986.
Warhol a influențat puternic noul val
L-am întâlnit de câteva ori, dar rareori am împărtășit mai mult decât banalități. Prima dată când ne-am văzut, s-a așternut o tăcere ciudată până când mi-a remarcat pantofii mei galbeni strălucitori și a început să vorbească cu entuziasm. A vrut să fie foarte superficial. Și aparent lipsit de emoții, indiferent, exact ca un pește mort. Lou Reed l-a descris cel mai profund când mi-a spus odată că ar trebui să scoată pe piață o păpușă cu Andy: o păpușă pe care o înfășori și nu face nimic. Dar am reușit să îl observ bine, iar asta a fost o mână de ajutor pentru film Am împrumutat hainele lui de la muzeul din Pittsburgh, iar acestea erau intacte, nespălate. Nici măcar buzunarele nu fuseseră golite: conțineau clătite, fond de ten alb, mortal de palid, pe care Andy și-l ungea mereu pe față, un cec rupt în bucăți, adresa cuiva, o mulțime de pastile homeopatice și o perucă. Andy purta mereu peruci din acelea argintii, dar nu recunoștea niciodată că erau peruci. Unul dintre coafezele sale mi-a spus în ultima vreme că își tundea peruci în mod regulat, ca și cum ar fi fost păr adevărat. Când peruca era tunsă, luna următoare își punea alta ca și cum i-ar fi crescut părul.
Trupa Triumph a scris, de asemenea, un cântec despre Andy Warhol, „Stranger In A Strange Land” de pe albumul Thunder Seven din 1984.
Citește și, biografii – Akhenaton
Cărți și tipărituri
Începând cu începutul anilor 1950, Warhol a realizat mai multe portofolii nelegate cu lucrările sale.
Prima dintre cele câteva cărți autopublicate de Warhol a fost 25 Cats Name Sam and One Blue Pussy, tipărită în 1954 de Seymour Berlin pe hârtie filigranată de marcă Arches, folosind tehnica sa de linii blocate pentru litografii. Ediția originală a fost limitată la 190 de exemplare numerotate și colorate de mână, folosind spălăturile de cerneală ale lui Dr. Martin. Cele mai multe dintre acestea au fost dăruite de Warhol ca daruri pentru clienți și prieteni. Exemplarul nr. 4, inscripționat „Jerry” pe coperta din față și dăruit lui Geraldine Stutz, a fost folosit pentru o tipărire în facsimil în 1987, iar originalul a fost scos la licitație în mai 2006 pentru 35.000 de dolari americani de către Doyle New York.
Alte cărți autopublicate de Warhol includ:
Cartea lui Warhol, A La Recherche du Shoe Perdu (1955), a marcat „tranziția sa de la artist comercial la artist de galerie”. (Titlul este un joc de cuvinte al lui Warhol cu titlul cărții À la recherche du temps perdu a scriitorului francez Marcel Proust).
După ce a dobândit faima, Warhol a „scris” mai multe cărți care au fost publicate în scop comercial:
Warhol a creat revista de modă Interview, care este publicată și astăzi. Se crede că titlul buclucaș de pe copertă este scris de mâna lui sau a mamei sale, Julia Warhola, care lucra adesea la textele pentru primele sale lucrări comerciale.
Citește și, biografii – Hans (Jean) Arp
Alte mijloace de comunicare
Deși Andy Warhol este cunoscut mai ales pentru picturile și filmele sale, el a realizat lucrări în multe medii diferite.
Citește și, istorie – Renașterea
Sexualitate
Warhol era homosexual. În 1980, acesta i-a spus unui intervievator că este încă virgin. Biograful Bob Colacello, care a fost prezent la interviu, a fost de părere că era probabil adevărat și că puținul sex pe care l-a avut a fost probabil „un amestec de voyeurism și masturbare – pentru a folosi afirmația lui Warhol privind virginitatea ar părea să fie contrazisă de tratamentul pe care l-a primit în spital în 1960 pentru condilomata, o boală cu transmitere sexuală. De asemenea, a fost contrazisă și de iubitele sale, inclusiv muza lui Warhol, BillyBoy, care a declarat că au făcut sex până la orgasm: „Când nu era Andy Warhol și când erai singur cu el, era o persoană incredibil de generoasă și foarte bună. Ceea ce m-a sedus a fost Andy Warhol pe care l-am văzut singur. De fapt, când eram cu el în public, mă cam enerva….mi spunea: „Ești odios, nu te pot suporta”.” Billy Name a negat, de asemenea, că Warhol ar fi fost doar un voyeur, spunând: „El era esența sexualității. Pătrundea totul. Andy o emana, împreună cu marea sa creativitate artistică….Aducea o bucurie întregii lumi artistice din New York”. „Dar personalitatea lui era atât de vulnerabilă încât a devenit o apărare pentru a pune o fațadă goală.” Printre iubiții lui Warhol s-au numărat John Giorno, Charles Lisanby și Jon Gould. Iubitul său de 12 ani a fost Jed Johnson, pe care l-a întâlnit în 1968 și care mai târziu a devenit celebru ca designer de interior.
Faptul că homosexualitatea lui Warhol i-a influențat opera și i-a modelat relația cu lumea artei este un subiect important al studiilor despre artist și este o problemă pe care Warhol însuși a abordat-o în interviuri, în conversații cu contemporanii săi și în publicațiile sale (de exemplu, Popism: The Warhol 1960s). De-a lungul carierei sale, Warhol a produs fotografii și desene erotice cu nuduri masculine. Multe dintre cele mai faimoase lucrări ale sale (portrete ale Liza Minnelli, Judy Garland și Elizabeth Taylor, precum și filme precum Blow Job, My Hustler și Lonesome Cowboys) se inspiră din cultura underground gay sau explorează în mod deschis complexitatea sexualității și a dorinței. Așa cum au abordat o serie de cercetători, multe dintre filmele sale au avut premiera în cinematografele porno gay, inclusiv New Andy Warhol Garrick Theatre și 55th Street Playhouse, la sfârșitul anilor 1960.
Primele lucrări pe care Warhol le-a trimis la o galerie de artă, desene homoerotice de nuduri masculine, au fost respinse pentru că erau prea deschis gay. Mai mult, în Popism, artistul își amintește o conversație cu cineastul Emile de Antonio despre dificultatea pe care Warhol a avut-o de a fi acceptat din punct de vedere social de către artiștii homosexuali mult mai faimoși la acea vreme (dar ascunși) Jasper Johns și Robert Rauschenberg. De Antonio a explicat că Warhol era „prea șmecher și asta îi deranja”. Ca răspuns la acest lucru, Warhol scrie: „Nu am avut nimic de spus la asta. Totul era prea adevărat. Așa că am decis că nu-mi va păsa, pentru că acelea erau toate lucrurile pe care oricum nu voiam să le schimb, pe care nu credeam că „ar trebui” să vreau să le schimb… Ceilalți oameni își puteau schimba atitudinea, dar nu și eu”. În explorarea biografiei lui Warhol, mulți se îndreaptă spre această perioadă – sfârșitul anilor 1950 și începutul anilor 1960 – ca moment-cheie în dezvoltarea personalității sale. Unii au sugerat că refuzul său frecvent de a-și comenta lucrările, de a vorbi despre el însuși (limitându-se în interviuri la răspunsuri de genul „Um, nu” și „Um, da” și permițând adesea altora să vorbească în locul său) – și chiar evoluția stilului său pop – pot fi urmărite până în anii în care Warhol a fost respins pentru prima dată de cercurile interne ale lumii artei din New York.
Citește și, biografii – André Breton
Credința religioasă
Warhol era un catolic rutenean practicant. El a fost voluntar în mod regulat la adăposturile pentru persoanele fără adăpost din New York, în special în perioadele mai aglomerate ale anului, și s-a descris ca fiind o persoană religioasă. Multe dintre lucrările ulterioare ale lui Warhol au reprezentat subiecte religioase, inclusiv două serii, Details of Renaissance Paintings (1984) și The Last Supper (1986). În plus, un corpus de lucrări cu tematică religioasă a fost găsit postum în averea sa.
În timpul vieții sale, Warhol a participat cu regularitate la Liturghie, iar preotul de la biserica lui Warhol, Saint Vincent Ferrer, a declarat că artistul mergea acolo aproape zilnic, deși nu a fost observat împărtășindu-se sau spovedindu-se și stătea sau îngenunchea în băncile din spate. Preotul credea că se temea să nu fie recunoscut; Warhol a spus că era conștient de faptul că era văzut într-o biserică de rit roman făcându-și cruce „în mod ortodox” (de la dreapta la stânga în loc de invers).
Arta sa este vizibil influențată de tradiția creștină răsăriteană, care era atât de evidentă în lăcașurile sale de cult.
Fratele lui Warhol l-a descris pe artist ca fiind „foarte religios, dar nu voia ca oamenii să știe despre asta, pentru că era ceva privat”. În ciuda naturii private a credinței sale, în elogiul lui Warhol, John Richardson a descris-o ca fiind devotată: „Din câte știu cu siguranță, el a fost responsabil pentru cel puțin o convertire. A fost foarte mândru să finanțeze studiile nepotului său pentru preoție”.
Citește și, biografii – Temistocle
Colecții
Warhol a fost un colecționar avid. Prietenii săi se refereau la numeroasele sale colecții, care umpleau nu numai casa sa de patru etaje, ci și un depozit din apropiere, ca fiind „lucrurile lui Andy”. Adevărata amploare a colecțiilor sale a fost descoperită abia după moartea sa, când Muzeul Andy Warhol din Pittsburgh a preluat 641 de cutii cu „lucrurile” sale.
Printre colecțiile lui Warhol se numărau, printre alte excentricități, un panou cu suveniruri Coca-Cola și tablouri din secolul al XIX-lea, precum și meniuri de avion, facturi neplătite, aluat de pizza, romane pornografice, ziare, timbre, pliante de supermarket și borcane de prăjituri. De asemenea, a inclus și opere de artă semnificative, cum ar fi Miss Bentham de George Bellows. Una dintre principalele sale colecții a fost cea de peruci. Warhol deținea peste 40 și se simțea foarte protector față de perucile sale, care erau cusute de un peruchier din New York din păr importat din Italia. În 1985, o fată i-a smuls peruca lui Warhol de pe cap. Ulterior, s-a descoperit în jurnalul lui Warhol din acea zi că acesta a scris: „Nu știu ce m-a reținut să nu o împing de la balcon”.
În 1960, a cumpărat un desen al unui bec de Jasper Johns.
Un alt obiect găsit în cutiile lui Warhol de la muzeul din Pittsburgh a fost un picior uman mumificat din Egiptul Antic. Conservatorul de antropologie de la Muzeul Carnegie de Istorie Naturală a considerat că Warhol l-a găsit cel mai probabil la un târg de vechituri.
Andy Warhol a colecționat, de asemenea, numeroase cărți, colecția sa personală cuprinzând peste 1200 de titluri. Dintre acestea, 139 de titluri au fost identificate public prin intermediul unui catalog de licitație Sotheby”s din 1988, The Andy Warhol Collection și pot fi vizualizate online. Colecția sa de cărți reflectă gusturile și interesele sale eclectice și include cărți scrise de și despre unii dintre cunoscuții și prietenii săi. Printre titlurile din colecția sa se numără The Two Mrs. Grenvilles: A Novel de Dominick Dunne, Artists in Uniform de Max Eastman, Andrews” Diseases of the Skin: Clinical Dermatology de George Clinton Andrews, D.V. de Diana Vreeland, Blood of a Poet de Jean Cocteau, Watercolours de Francesco Clemente, Little World, Hello! de Jimmy Savo, Hidden Faces de Salvador Dalí și The Dinah Shore Cookbook de Dinah Shore.
În 2002, Serviciul Poștal al SUA a emis un timbru de 18 cenți pentru a-l comemora pe Warhol. Desenat de Richard Sheaff din Scottsdale, Arizona, timbrul a fost dezvelit în cadrul unei ceremonii la Muzeul Andy Warhol și prezintă tabloul lui Warhol „Self-Portrait, 1964”. În martie 2011, o statuie cromată a lui Andy Warhol și a aparatului său Polaroid a fost dezvelită în Union Square din New York.
Un crater de pe Mercur a fost numit după Warhol în 2012.
Citește și, istorie – Retragerea armatei sârbe prin Albania
Fundația Warhol
Testamentul lui Warhol prevedea ca întreaga sa avere – cu excepția câtorva moșteniri modeste către membrii familiei – să fie destinată creării unei fundații dedicate „avansării artelor vizuale”. Warhol avea atât de multe posesiuni încât a fost nevoie de nouă zile pentru ca Sotheby”s să scoată la licitație averea sa după moartea sa; licitația a generat încasări de peste 20 de milioane de dolari.
În 1987, în conformitate cu testamentul lui Warhol, a fost înființată Fundația Andy Warhol pentru Arte Vizuale. Fundația servește ca moștenire a lui Andy Warhol, dar are și misiunea de „a încuraja expresia artistică inovatoare și procesul creativ” și este „axată în primul rând pe sprijinirea lucrărilor de natură provocatoare și adesea experimentală”.
Artists Rights Society este reprezentantul din SUA al Fundației Andy Warhol pentru Arte Vizuale pentru drepturile de autor pentru toate operele lui Warhol, cu excepția fotografiilor de film Warhol. Reprezentantul SUA pentru drepturile de autor pentru fotografiile de film Warhol este Muzeul Warhol din Pittsburgh. În plus, Fundația Andy Warhol pentru Arte Vizuale a încheiat acorduri pentru arhiva sa de imagini. Toate imaginile digitale ale lui Warhol sunt gestionate exclusiv de Corbis, în timp ce toate imaginile pe transparență ale lui Warhol sunt gestionate de Art Resource.
În 2007, Fundația Andy Warhol a publicat Raportul anual cu ocazia celei de-a 20-a aniversări, sub forma unui set de trei volume: Vol. I, 1987-2007; Vol. II, Granturi și expoziții; și Vol. III, Programul de moștenire.
Fundația este în curs de a compila catalogul său raisonné de picturi și sculpturi în volume care acoperă blocuri de ani din cariera artistului. Volumele IV și V au fost lansate în 2019. Volumele ulterioare sunt încă în curs de compilare.
Fundația rămâne una dintre cele mai mari organizații care acordă granturi pentru artele vizuale din SUA.
Multe dintre lucrările și bunurile lui Warhol sunt expuse la Muzeul Andy Warhol din Pittsburgh. Fundația a donat muzeului peste 3.000 de opere de artă.
Warhol a fondat revista Interview, o scenă pentru celebrități pe care le „susținea” și o afacere cu prieteni. A colaborat cu alții la toate cărțile sale (dintre care unele au fost scrise împreună cu Pat Hackett.) S-ar putea spune chiar că a produs oameni (ca în cazul „Superstarului” warholian și al portretului warholian). Warhol a sponsorizat produse, a apărut în reclame și a avut frecvente apariții ale unor celebrități în emisiuni de televiziune și în filme (a apărut în orice, de la Love Boat până la filmul lui Richard Pryor Dynamite Chicken).
În acest sens, Warhol a fost un fan al „Art Business” și al „Business Art” – de fapt, a scris despre interesul său de a gândi arta ca o afacere în The Philosophy of Andy Warhol from A to B and Back Again.
Citește și, biografii – Harold al II-lea al Angliei
Filme
Warhol a apărut în rolul său în filmul Cocaine Cowboys (1979) și în filmul Tootsie (1982).
După moartea sa, Warhol a fost portretizat de Crispin Glover în filmul lui Oliver Stone „The Doors” (1991), de David Bowie în filmul lui Julian Schnabel „Basquiat” (1996) și de Jared Harris în filmul lui Mary Harron „I Shot Andy Warhol” (1996). Warhol apare ca personaj în opera Jackie O (1997) a lui Michael Daugherty. Actorul Mark Bringleson face o scurtă apariție în rolul lui Warhol în Austin Powers: International Man of Mystery (1997). Multe filme ale cineastului avangardist Jonas Mekas au surprins momentele din viața lui Warhol. Sean Gregory Sullivan l-a înfățișat pe Warhol în filmul 54 (1998). Guy Pearce l-a portretizat pe Warhol în filmul Factory Girl (2007), despre viața lui Edie Sedgwick. Actorul Greg Travis îl portretizează pe Warhol într-o scurtă scenă din filmul Watchmen (2009).
În filmul Autostrada spre iad, un grup de Andy Warhol face parte din Compania de pavaje Good Intentions Paving Company, unde sufletele cu bune intenții sunt transformate în pavaj. În filmul Men in Black 3 (2012), Andy Warhol se dovedește a fi de fapt agentul MIB sub acoperire W (interpretat de Bill Hader). Warhol organizează o petrecere la The Factory în 1969, unde este căutat de agenții MIB K și J (J din viitor). Agentul W este disperat să pună capăt misiunii sale sub acoperire („Sunt atât de în pană de idei încât pictez cutii de supă și banane, pentru numele lui Dumnezeu!”, „Trebuie să-mi înscenezi moartea, bine? Nu mai pot asculta muzică de sitar.” și „Nu pot deosebi femeile de bărbați.”).
Andy Warhol (portretizat de Tom Meeten) este unul dintre personajele principale ale emisiunii de televiziune britanice Noel Fielding”s Luxury Comedy din 2012. Personajul este portretizat ca având maniere asemănătoare cu cele ale unui robot. În lungmetrajul din 2017 The Billionaire Boys Club, Cary Elwes îl portretizează pe Warhol într-un film bazat pe povestea adevărată despre Ron Levin (portretizat de Kevin Spacey), un prieten al lui Warhol care a fost ucis în 1986. În septembrie 2016, s-a anunțat că Jared Leto va interpreta personajul principal în Warhol, un viitor film american biografic dramatic produs de Michael De Luca și scris de Terence Winter, bazat pe cartea Warhol: The Biography de Victor Bockris.
Citește și, istorie – Societatea Națiunilor
Televiziune
Warhol a apărut ca personaj recurent în serialul TV Vinyl, interpretat de John Cameron Mitchell. Warhol a fost interpretat de Evan Peters în serialul American Horror Story: Cult, episodul „Valerie Solanas a murit pentru păcatele voastre”: Scumbag”. Episodul prezintă tentativa de asasinare a lui Warhol de către Valerie Solanas (Lena Dunham).
La începutul anului 1969, Andy Warhol a fost însărcinat de Braniff International să apară în două reclame televizate pentru a promova campania „When You Got It – Flaunt It” a companiei aeriene de lux. Campania a fost creată de agenția de publicitate Lois Holland Calloway, care era condusă de George Lois, creatorul unei serii celebre de coperte ale revistei Esquire Magazine. Prima serie de reclame a implicat perechi de oameni improbabili care aveau în comun faptul că amândoi zburau cu Braniff Airways. Warhol a fost asociat cu legenda boxului Sonny Liston. Această reclamă ciudată a funcționat, la fel ca și celelalte care au avut ca protagoniști colegi de călătorie improbabili, cum ar fi pictorul Salvador Dalí și legenda baseball-ului Whitey Ford.
Au fost create două reclame suplimentare pentru Braniff, care prezentau persoane celebre care intrau într-un avion Braniff și erau întâmpinate de o hostess Braniff, în timp ce își exprimau interesul pentru zborul cu Braniff. Warhol a apărut, de asemenea, în prima dintre aceste reclame care au fost produse tot de Lois și au fost lansate în vara anului 1969. Lois a declarat în mod incorect că a fost însărcinat de Braniff în 1967 pentru reprezentarea în acel an, dar la acea vreme decana publicității de pe Madison Avenue, Mary Wells Lawrence, care era căsătorită cu președintele și președintele Braniff, Harding Lawrence, reprezenta la acea vreme compania aeriană cu sediul în Dallas. Lois a succedat agenției Wells Rich Greene la 1 decembrie 1968. Drepturile asupra filmelor realizate de Warhol pentru Braniff și contractele semnate de acesta sunt deținute de un trust privat și sunt administrate de Braniff Airways Foundation din Dallas, Texas.
Citește și, biografii – Zheng He
Cărți
O biografie a lui Andy Warhol scrisă de criticul de artă Blake Gopnik a fost publicată în 2020 sub titlul Warhol.
sursele
