Barnett Newman
gigatos | aprilie 2, 2022
Rezumat
Barnett Newman (29 ianuarie 1905, New York – 4 iulie 1970, New York) a fost un pictor american. Este unul dintre cei mai importanți reprezentanți ai expresionismului abstract și unul dintre primii pictori de Colorfield Painting.
Citește și, biografii – Sigismund al II-lea August
Copilărie
Barnett Newman s-a născut la 29 ianuarie 1905, în casa familiei sale de pe Cherry Street 480, în Lower East Side din Manhattan, New York, la 29 ianuarie 1905. Părinții săi, Abraham și Anna (născuți în 1874 și, respectiv, 1882), erau imigranți evrei din orașul polonez Lomza.
Tatăl își câștiga existența vânzând piese de mașini de cusut muncitorilor din fabricile de confecții. Barnett Newman a avut patru frați și surori. Cel mai mare a murit în copilărie, ceea ce face ca Barnett să fie cel mai în vârstă dintre frați. Abraham Newman a început o afacere cu îmbrăcăminte industrială. Afacerea sa a prosperat și, în jurul anului 1915, familia Newman s-a mutat pe Belmont Avenue, un cartier de clasă mijlocie din Bronx. Acolo, Barnett s-a bucurat de o copilărie plină de sport și lecții de pian.
Soții Newman erau sioniști, iar copiii au frecventat Școala Națională Ebraică din Bronx. Pe lângă cursurile școlii, copiii sunt instruiți acasă de tineri evrei din Europa.
Citește și, istorie – Campania din Guadalcanal
Adolescența
Între 1919 și 1923, Barnett Newman a studiat la liceul DeWitt Clinton. Mai târziu, Newman a povestit că, în mod regulat, chiulea de la școală pentru a se distra la Muzeul Metropolitan de Artă din apropiere.
În timpul primului an de liceu, Newman și-a căutat un al doilea nume, care a devenit Benedict, un derivat al numelui său ebraic Baruch. Mai târziu, i se va spune „Barney” și apoi „B.B.”. Newman a folosit un „B” în plus la semnătură, pe care l-a folosit pentru tot restul vieții sale pe toate documentele sale oficiale.
În ultimul an de liceu, Newman a lucrat la desenul său în clasă șase zile pe săptămână la Art Students League. A fost răsplătit atunci când desenul său, la care a lucrat mult, a fost ales la o expoziție a celor mai bune lucrări ale elevilor.
La această școală, între 1923 și 1927, Newman l-a întâlnit pe Adolph Gottlieb, care își începuse deja viața de artist, deoarece Gottlieb abandonase liceul în 1921 pentru a studia arta și a vizita Europa. S-au împrietenit și au vizitat cu regularitate Muzeul Metropolitan de Artă.
După liceu, Newman s-a înscris la Universitatea din New York, unde a studiat filozofia. A contribuit cu articole la ziarul școlii The Campus și la revista literară studențească The Lavander. De exemplu, a publicat o recenzie a lui Roger Fry. În timpul studiilor, s-a împrietenit cu Aaron Siskind, un artist care avea să devină mai târziu un fotograf renumit.
În anii 1930 a pictat ceea ce se spune că ar fi fost lucrări expresioniste, dar le-a distrus pe toate. A devenit apoi scriitor și critic de artă, organizând expoziții și scriind prefețe de cataloage. Ulterior, a devenit membru al grupului Uptown.
Citește și, biografii – El Cid
După universitate
În 1927, tatăl lui Newman i-a oferit șansa de a se alătura afacerii înfloritoare a familiei, pentru a economisi bani pentru viitorul precar cu care s-ar putea confrunta un artist. Barnett Newman a acceptat și i s-a alăturat unul dintre frații săi.
În 1929, când bursa se prăbușește în octombrie, afacerea de îmbrăcăminte a familiei este în criză. În timp ce fratele său a părăsit afacerea, Barnett Newman a rămas să încerce să-l ajute pe tatăl său să salveze compania. Dar afacerea continuă să se prăbușească. Barnett a părăsit compania și a încercat să devină profesor de artă în sistemul de învățământ public din New York. A devenit profesor de artă suplinitor, câștigând 7,50 dolari pe zi.
Prin intermediul prietenului său, Gottlieb, l-a cunoscut pe pictorul Milton Avery în anii 1930. Ei au devenit centrul unui grup de tineri artiști care se întâlneau frecvent în casa lui Milton Avery pentru a le studia lucrările și pentru a discuta despre literatură. Newman și Gottlieb au locuit împreună în această perioadă.
Câțiva ani mai târziu, Newman a prezentat, împreună cu un prieten, un manifest intitulat „The Need for Public Action by Men of Culture” (Necesitatea unei acțiuni publice a oamenilor de cultură), care avea trei părți: o educație mai largă, o mai mare considerație pentru meșteșuguri și promovarea vieții culturale.
În 1934, Newman s-a împrietenit cu Annalee Greenhouse, cu care a împărtășit și s-a bucurat de muzică. Ea i-a devenit soție ceva mai târziu.
În 1935, a reluat o lucrare pe care o făcuse în studenție despre apărarea drepturilor funcționarilor publici (profesori, gunoieri etc.) pe care a numit-o „Răspunsul” și a scris: „Cărțile pe care le recomandăm” și a promulgat cărți precum Etica lui Spinoza, Republica lui Platon și un text în oglindă intitulat: „Cărțile pe care le condamnăm” și a citat operele lui Marx sau Lenin.
Citește și, biografii – Attila
Cariera sa didactică
La 30 iunie 1936, Annalee și Barnett s-au căsătorit. Cuplul a vrut să se mute în Maine, dar problemele financiare i-au obligat să se întoarcă la slujbele lor de profesori din New York.
În 1939, Annalee a obținut un post de profesor la un liceu din Queens (William Cullen Bryant School).
O acuarelă a lui Newman intitulată „Country Studio” a făcut parte dintr-o expoziție de artă organizată de membrii Asociației profesorilor de artă în martie 1940. Această acuarelă este aproape similară cu campania „Putem desena?”, care apăruse cu doi ani mai devreme. În luna octombrie a aceluiași an, Newman a decis să renunțe la unele dintre cursurile serale de serigrafie pe care le preda. Și-a continuat interesul pentru științele naturale. A urmat cursuri la Muzeul American de Istorie Naturală și a fost ales membru asociat al Uniunii Ornitologilor Americani. În timpul verii, Barnett și Annalee au studiat păsările și viața marină în Maine și apoi au urmat cursuri de botanică și ornitologie la Universitatea Cornell din Ithaca, New York.
Citește și, biografii – Maria Stuart
Cariera artistică
În 1943, Barnett Newman a scris prefața la catalogul primei expoziții a AMA, American Modern Artists. Această expoziție a fost un protest împotriva Muzeului Metropolitan de Artă din New York pentru că excludea arta modernă din expozițiile sale. În 1945, s-a dedicat mai multor scrieri care vor fi publicate post-mortem, cum ar fi: „The Plasma Image”, un eseu care expune ideile sale despre arta abstractă. În același an, Newman și soția sa au aflat că unii membri ai familiei au fost deportați de naziști. În această perioadă, s-au împrietenit cu Tony Smith, un arhitect și artist care l-a ajutat să organizeze expoziții. La sfârșitul aceluiași an, Newman s-a alăturat artiștilor care expuneau la expoziția lui Betty Parsons. Aceasta a fost prima expoziție a lui Newman de la expoziția din 1940 cu prietenii săi, membrii Art Teachers Association.
În 1947, Newman i-a întâlnit pe Jackson Pollock și Lee Krashner. Newman și Pollock au legat o prietenie puternică. Pollock a fost un artist care și-a expus lucrările la ultima expoziție „Art of This Century”, creată de Peggy Guggenheim. Prietena lui Newman, Betty Parson, l-a adăugat mai târziu pe Pollock printre artiștii pe care îi expunea în galeria sa. În același an, Newman a pregătit un eveniment la galeria lui Betty Parson, unde și-a expus lucrările: Gea și Euclidian Abyss.
În iunie 1947, tatăl lui Newman a murit. La sfârșitul anului școlar, Newman și-a părăsit slujba și căsnicia pentru a trăi din singurul venit al soției sale, Annalee. Newman a scris un eseu intitulat Primul om a fost un artist. Acest eseu a apărut în primul număr al Tiger”s Eye, o mică revistă de artă. O contribuție majoră a avut-o prin scrierea „De ce pictez”, despre care spunea: „Un artist pictează pentru a avea la ce să se uite, uneori trebuie să scrie pentru a avea și ceva de citit. În același an, lucrarea sa „Euclidian Abyss” a fost expusă în noiembrie 1947 în cadrul expoziției de artă americană abstractă și suprarealistă de la Institutul de Artă din Chicago. Acest tablou a fost prima vânzare a lui Newman. Tabloul a fost achiziționat de colecționari din Connecticut.
În anul următor, 1948, Newman a pictat Onement I. Acest tablou trebuie considerat un progres major în cariera sa, următorii doi ani urmând să fie cei mai productivi din viața sa. Onement I face parte din seria Onement, alături de Onement II și Onement III. La începutul toamnei, William Baziotes, David Hare, Robert Motherwell și Mark Rothko au format o școală de artă cooperativă. Newman a sugerat numele școlii, Artist”s Subjects, pentru a sublinia importanța obiectului în arta abstractă.
În 1949, Newman a realizat șaptesprezece lucrări în același an, cel mai productiv din cariera sa. În ianuarie, Newman s-a alăturat facultății Subiecte ale artistului. Cuplul Newman a ajutat la organizarea de prelegeri pentru școală. În ciuda popularității sale, școala a fost închisă în mai 1949.
În 1950, Newman a avut prima sa expoziție personală la galeria lui Betty Parsons. Imediat după această primă expoziție, Barnett Newman a declarat în cadrul unei sesiuni artistice de la Studio 35: „Într-un fel, noi facem lumea după imaginea noastră. Folosindu-se de talentul său de scriitor, Newman s-a străduit să își consolideze noua imagine de artist și să își promoveze opera. Dar recenziile au fost în mare parte negative. ARTNews scrie: „Newman este acolo pentru a șoca, dar nu este acolo pentru a șoca burghezia – asta s-a mai făcut. Îi place să șocheze alți artiști. Un singur tablou (End of Silence) a fost vândut unor prieteni ai soției sale. După expoziție, profitul lui Newman a fost de 84,14 dolari.
Împreună cu alți șaptesprezece artiști, Newman a scris o scrisoare de protest împotriva Muzeului Metropolitan de Artă și a viziunii negative a acestuia asupra artei moderne. Scrisoarea a apărut în New York Times la 22 mai 1950 și a stârnit o avalanșă de editoriale în publicațiile locale și naționale. În același an a realizat prima sa sculptură Here I, din lemn și ghips. Artistul a reflectat asupra verticalității și a accentuat-o în această lucrare din bronz. În același an a realizat și „The Wild”, care este o pânză lungă și îngustă. Suprafața sa este vopsită în portocaliu, iar marginea sa este gri-albastru.
În aprilie 1951, Newman a expus pentru a doua oară la galeria lui Betty Parsons. În cadrul acestei expoziții a apărut pentru prima dată un tablou de 5,40 metri lungime și 2,40 metri lățime, Vir Heroicus Sublimis. Din păcate, criticii l-au condamnat din nou și niciunul dintre tablouri nu a fost vândut. În cele din urmă, și-a retras lucrările din galerie și și-a încetat orice activitate acolo. Acest tablou avea să devină mai târziu cea mai cunoscută lucrare a sa.
Într-un eseu intitulat „Feelings is all”, publicat în 1952, criticul Clement Greenberg a recunoscut cu întârziere lucrările lui Newman din 1950 și 1951 în cadrul expozițiilor sale și i-a denunțat pe criticii săi. El a declarat: „Newman este un artist foarte important și original”. În aprilie 1952, Newman a fost exclus de la Muzeul de Artă Modernă, care expunea cincisprezece artiști americani, inclusiv mulți dintre prietenii săi, precum Pollock și Rothko. Acest eveniment l-a rănit profund pe Newman. În catalogul expoziției, se poate citi: „Pentru prietenul meu Barnett Newman, care ar fi trebuit să fie și el reprezentat în această expoziție”.
În iunie 1953, și-a răscumpărat o parte din lucrări. Acesta a declarat că dorește să elimine toate aceste picturi „mici” din fața publicului. Această acțiune este reprezentativă pentru dorința lui Newman de a se retrage din lumea oficială a artei. Nu a mai expus până în 1955.
În 1955, Newman a ajuns la vârsta de 50 de ani și, în ciuda faptului că soția sa a început să aibă o a doua slujbă, situația financiară a cuplului era precară. Cuplul a luat împrumuturi și a amanetat obiecte de valoare. În același an, criticul Clement Greenberg a lăudat arta lui Newman, descriind-o ca fiind „profundă și onestă”, dar afirmând, de asemenea, că era un discipol al lui Still și că opera sa era foarte asemănătoare cu cea a prietenului său Rothko. Această ultimă afirmație l-a iritat profund pe Newman. Se poate cita, de exemplu, scrisoarea sa din 9 aprilie 1955, „Scrisoare către Sidney Janis: – Este adevărat că Rothko vorbește cu luptătorul. El luptă, însă, pentru a supune lumea filistenilor. Lupta mea împotriva societății burgheze m-a convins să o resping în totalitate.”
Cu ocazia celei de-a zecea aniversări a galeriei lui Betty Parsons, a expus una dintre lucrările sale, „Horizon Light”. Aceasta a fost prima sa expoziție publică din 1951. Apoi, până în 1957, nu a mai pictat niciun tablou, iar dacă a pictat, l-a abandonat. Prietenul său, Jackson Pollock, îi arată atelierul lui Newman lui Ben Heller, un tânăr colecționar, care cumpără două tablouri, Adam și Queen of the Night I, pentru 3.500 de dolari. La scurt timp după aceea, Jackson Pollock a murit într-un accident de mașină în Long Island, ceea ce a afectat foarte mult cuplul Newman.
În iunie 1957, Newman a fost inclus în expoziția de la Minneapolis Institute of Arts. Dar problemele sale cu criticii au continuat: „Cel mai stupid lucru din spectacol este Barnett Newman cu Vir Heroicus Sublimis. Câteva luni mai târziu, spre sfârșitul anului, Newman a suferit un atac de cord și a fost spitalizat timp de șase săptămâni.
După aceea, în 1958, a fost ajutat de soția, mama și sora sa în apartamentul său și a pictat foarte puțin, inclusiv două tablouri care au fost numite mai târziu First Station și Second Station. Aceste picturi au fost primele dintr-o lungă serie intitulată „Stations of the Cross”. Mai târziu, Ben Heller, tânărul colecționar, i-a invitat pe Alfred Barr și Dorothy Miller de la Muzeul de Artă Modernă să viziteze atelierul lui Newman. Patru dintre tablourile sale, Abraham, Concord, Horizon Light și Adam, au fost apoi expuse în cadrul unei expoziții itinerante la Muzeul de Artă Modernă și a mers la Milano, Madrid, Berlin, Amsterdam, Bruxelles, Paris și Londra, revenind la New York în anul următor.
În 1959, în timpul unei călătorii de afaceri, Arnold Rudlinger, un istoric de artă și director de muzeu elvețian care avea să fie considerat unul dintre pionierii artei americane în Europa, a văzut o lucrare a lui Newman intitulată Day Before One. Acesta a cumpărat lucrarea și a devenit prima persoană care deținea o colecție publică cu o lucrare a lui Newman. Mai târziu, MoMA i-a urmat exemplul și a devenit primul muzeu american care a expus o lucrare a lui Newman.
Barnett Newman a avut apoi o expoziție organizată de Clement Greenberg, critic de artă și consilier de galerie. Criticii au rămas ostili, dar expoziția a fost de interes pentru tânăra generație de artiști newyorkezi, pentru care a fost prima ocazie de a-i vedea lucrările. În august 1959, cuplul Newman a călătorit în Canada, unde Barnett a condus un atelier de vară pentru artiștii canadieni. A devenit foarte influent pentru acești tineri artiști, mulți dintre ei mergând apoi la New York. Unul dintre ei, sculptorul Robert Murray, a declarat mai târziu: „Ne-a ajutat cu paranoia noastră provincială… El a făcut să pară important să fii artist.
În 1960, a completat pânzele brute cu vopsea neagră. În acest moment a început să se gândească la Drumul Crucii ca la o serie. A lucrat la el în următorii șase ani. De asemenea, va lucra la lucrări de grafică, lucru pe care nu l-a mai făcut de unsprezece ani. El a realizat o serie de douăzeci și două de desene cu cerneală de 4,20 metri pe 3 metri. În ianuarie 1961, tabloul Vir Heroicus Sublimis a fost cumpărat de Ben Heller. Alte vânzări din acel an au fost L”Errance și Onement VI.
În februarie, Barnett Newman a intrat într-o depresie profundă în urma morții subite a fratelui său mai mic, George. Pentru a-l scoate din această situație, prietenul său Cleve Gray îl invită să se alăture unui proiect de litografie la Centrul de Arte Grafice al Institutului Pratt. Aceasta a fost prima sa experiență cu gravura. La scurt timp după aceea, a pictat un tablou dedicat fratelui său George, în culorile ecru și negru, Surgit la lumière (Pentru George).
În ianuarie 1962, a refuzat invitații la evenimente importante, cum ar fi Gallery of Modern Art din Washington și evenimentul „Geometric Abstraction” de la Whitney Museum of American Art din New York. Tot în acest an a realizat și tabloul intitulat Al treilea. Cu ajutorul lui Robert Murray, Newman a participat la o turnare cu sculptura sa din 1950, Here I (To Marcia), la Modern Art Foundry din Queens. A fost botezat după Marcia Weisman, care l-a îndemnat să facă un casting.
La 23 octombrie 1962, Newman și De Kooning au organizat o expoziție cu lucrările lor în galeria lui Tony Smith. Valurile de critici au fost în cele din urmă în favoarea lui Newman, care a fost declarat unul dintre „cei mai remarcabili artiști în viață”.
În 1963, revista Vogue a publicat un eseu biografic elogios scris de Harold Rosenberg, intitulat „Barnett Newman, un om controversat și de mare măreție spirituală”. Mai târziu, Newman a fost încurajat de William Lieberman, un curator de gravuri la Muzeul de Artă Modernă, să realizeze litografii. Atunci Newman a decis să realizeze o „carte”, o colecție de litografii. A lucrat la patru pietre în atelierul său. Lucrările sale au devenit o serie de procese litografice numite „Cantos” publicate de ULAE. În 1964, și-a finalizat proiectul cu 14 „Cantos”, dar mai târziu a decis că mai erau necesare încă patru gravuri, ajungând astfel la un total de 18. El a fost încântat de acest număr, care în ebraică (chai) înseamnă și viață. Pentru el sunt ca niște cântece muzicale, pe care le dedică soției sale Annalee. Apoi a pictat Stația a șaptea, Stația a opta, Stația a noua și Be II, care a încheiat seria Stațiilor Crucii, care a fost expusă de Guggenheim din New York. În septembrie, Annalee se pensionează. Acum își petrece zilele cu Barnett în studio.
În 1965, lucrările lui Newman au fost incluse în două evenimente care au celebrat sfârșitul expresionismului abstract, la Philadelphia, The Decisive Years: 1943-1953 și la Los Angeles, New York School, The First Generation: Paintings of the 1940s and 1950s. În același an, Newman a realizat o altă sculptură din oțel, Here II, la Treitel Gratz Company, care completa Here I. Câteva luni mai târziu, curatorul Walter Hopps l-a desemnat pe Newman ca figură centrală într-un grup de artiști pe care i-a selectat pentru Pavilionul Statelor Unite la cea de-a opta Bienală de la São Paulo. Ceilalți șase artiști erau cu douăzeci de ani mai tineri decât Newman. Aceștia sunt Billy Al Bengston, Larry Bell, Robert Irwin, Donald Judd, Larry Poons și Frank Stella. La cererea artistului, cele șapte picturi și două sculpturi sunt prezentate în afara concursului. Cu acest eveniment, Newman i-a fermecat pe jurnaliști. A câștigat admirația arhitectului Oscar Niemeyer și a celebrului fotbalist Pelé. Dar i-a impresionat și pe artiștii din São Paulo cu cunoștințele sale de istorie a artei.
La 20 aprilie 1966, Guggenheim din New York a organizat o expoziție a lucrărilor lui Newman, inclusiv a picturilor de la Stations of the Cross. Aceste „stații” au atras atenția mult dincolo de limitele obișnuite ale lumii artei, iar lucrările sale au fost expuse în întreaga lume, în special în Europa. A continuat să lucreze la turnătoria Treitel Gratz, unde a realizat o sculptură din oțel Corten și oțel inoxidabil numită Be III. În același an a realizat și prima sa pictură în culori primare, care va sta la baza seriei de patru tablouri „Cui i-e frică de roșu, galben și albastru”, realizate cu acrilice. În acel an a realizat mai multe tablouri, inclusiv unul de aproximativ 5 metri lungime, Voice of Fire, care a fost folosit în pavilionul american la Expoziția Universală din 1967 de la Montreal, unul dintre cele mai impresionante tablouri ale sale.
În august 1967, Newman a fost invitat să vorbească despre dimensiunea spirituală a artei contemporane la primul Congres internațional privind religia, arhitectura și artele vizuale de la New York. În discursul său, Newman a declarat: „Ceea ce contează pentru un artist adevărat este distincția dintre loc și non-loc; și cu cât este mai mare opera de artă, cu atât mai mare va fi acest sentiment. Iar acest sentiment este o dimensiune spirituală fundamentală. La scurt timp după aceea, Newman a început să lucreze cu turnătoria North Haven din Connecticut, care era specializată în fabricarea de opere de artă de mari dimensiuni. Newman a realizat o sculptură monumentală, Broken Obelisk, care a fost expusă ulterior în multe galerii de artă. În timp ce lucra la obeliscul său, Newman s-a gândit la ideea unei picturi triunghiulare.
În noiembrie 1967, soții Newman au venit în Europa pentru deschiderea expoziției „The Poetry of Vision” la Dublin, o expoziție de artă contemporană și antică, în cadrul căreia au fost prezentate Who”s Afraid of Red, Yellow and Blue II, Queen of the Night II și Now II. La 21 decembrie 1967, Newman semnează o scrisoare deschisă în New York Review of Books în care protestează împotriva antisemitismului din Uniunea Sovietică.
În ianuarie 1968, cuplul a venit la Paris pentru ca Newman să participe la o conferință în onoarea lui Charles Baudelaire și a făcut prima sa vizită la Luvru. La 28 aprilie, Newman a acceptat un post de profesor la Universitatea din Bridgeport, Connecticut. În acel an, Newman execută un tablou dedicat luminii mamei sale, Anna. A fost cel mai mare tablou pe care Newman l-a realizat vreodată și primul care nu a fost întins și montat direct pe peretele atelierului. Câteva luni mai târziu, a protestat împotriva primarului Daley din Chicago și a acțiunilor brutale ale poliției, care a înlăturat lucrarea lui Gea dintr-o expoziție din Chicago, și a făcut planuri pentru o sculptură intitulată „Primarul Daley”s Outhouse”, dar nu a avut timp suficient pentru a o finaliza.
La 25 martie 1969, Newman a deschis prima sa galerie, M. Knoedler and Company, care îi va expune lucrările din anii 1960. Cele patru lucrări Who”s Afraid of Red, Yellow and Blue au avut un mare succes, la fel ca Now II, Anna”s Light și cele două picturi triunghiulare pe care tocmai le terminase, Jericho și Chartres. Apoi a apărut prima monografie publicată despre Newman, scrisă de Thomas Hess.
Munca lui Newman este controversată, dar apreciată de comunitate. Recenzile negative ale criticilor nu lasă nicio îndoială asupra importanței lui Newman. Expozițiile sale au atras la fel de multă atenție ca și retrospectivele muzeale ale lui Willem de Kooning și David Smith, care au avut loc în același an. În acel an a executat Zim Zum I, care trebuia să aibă inițial o înălțime de 3,60 metri, dar pe care a redus-o la 2,40 metri pentru a putea fi trimisă la Tokyo pentru o expoziție la Muzeul în aer liber Hakoone.
Zece dintre picturile și trei dintre sculpturile sale, care acoperă cariera lui Newman din 1946 până în 1969, apar în expoziția newyorkeză Painting and Sculpture 1940-1970, organizată de Henry Geldzahler pentru Metropolitan Museum of Art. Mai târziu, în același an, Newman a început să planifice expoziții retrospective majore care urmau să fie organizate de Thomas Hess la Tate Gallery din Londra, la Grand Palais din Paris, la MoMA din New York și la Stedelijk Museum din Amsterdam, printre altele.
În ianuarie 1970, Newman a contribuit la aniversarea centenarului Muzeului Metropolitan de Artă, unde a scris: „Întotdeauna am avut o aversiune, chiar un dispreț, pentru reproducerile și fotografiile operelor de artă, chiar și ale propriilor mele lucrări. Nu pot decât să mă simt norocoasă că educația mea artistică nu a venit din examinarea fotografiilor și a superproducțiilor de diapozitive sau chiar de la profesori, ci de la mine însămi în fața realității.
La 17 mai 1970, Universitatea Brandeis din Waltham, Massachusetts, a onorat opera lui Newman cu o medalie pentru artă creativă în pictură.
La 4 iulie 1970, la vârsta de 65 de ani, Barnett Newman a murit în urma unui atac de cord în atelierul său, în apropierea tabloului Who”s Afraid of Red, Yellow, and Blue IV. De asemenea, în atelierul său se află o pânză neterminată de 5,40 metri pe 2,40 metri, o pânză triunghiulară în unghi drept și trei dintre lucrările sale finalizate, dar încă fără titlu.
Citește și, biografii – Jean-Baptiste Lully
Primele lucrări
În anii 1940, stilul său era mai degrabă suprarealist, iar apoi a devenit mai matur. Aceasta se caracterizează prin zone de culoare separate de linii verticale subțiri, așa cum le numește el. În primele sale lucrări cu aceste fermoare, câmpurile de culoare nu sunt uniforme, dar mai târziu culorile sunt pure și plate.
În 1947, a expus două lucrări în galeria lui Betty Parson, Gea și Euclidian Abyss. Pe un fond negru, liniile galbene verticale care nu sunt chiar verticale devin din ce în ce mai importante în lucrările sale. Aceste fermoare marchează singularitatea artistului și vor rămâne un element constant în cariera lui Newman.
El însuși credea că a atins maturitatea deplină a stilului său cu seria Onement din 1948. Acestea sunt lucrări cu un fundal de culoare burgundă și fermoare verticale de alte culori. Acestea provoacă tulburare și emoție în privitor. Newman a spus despre aceste lucrări: „Există transformări specifice și separate ale sentimentului care pot fi experimentate în fața fiecărui tablou.
În unele tablouri din anii 1950, cum ar fi The Wild, care are doi metri și jumătate lungime și patru centimetri lățime, fermoarul este prezent, dacă nu și lucrarea în sine. Newman a realizat, de asemenea, câteva sculpturi, inclusiv Here I, care sunt în esență reprezentări tridimensionale ale unor fermoare.
În 1951, a expus Vir Heroicus Sublimis, care a devenit ulterior cea mai cunoscută lucrare a sa. Numărul de fermoare și regularitatea lor conferă tabloului o simetrie, rezultând o planeitate roșie care pare simplă.
Deși picturile lui Newman par a fi pur abstracte și multe dintre ele erau inițial fără titlu, numele pe care le-a dat mai târziu se referă la subiecte specifice, adesea cu o temă evreiască. Două lucrări de la începutul anilor 1950, de exemplu, se numesc Adam, iar apoi Uriel (1954) și Abraham (1949), o pictură foarte întunecată, care poartă cu siguranță numele patriarhului biblic, dar era și numele tatălui lui Newman, care a murit în 1947. Newman exprimă un anumit misticism prin titlurile operelor sale. Adam”, prenumele personajului biblic, este apropiat de adom, care înseamnă roșu, și de dam, care înseamnă sânge. Această pictură în tonuri roșii este rezultatul identității evreiești a lui Newman, care l-a preocupat foarte mult, mai ales în timpul ororilor celui de-al Doilea Război Mondial, Holocaustul. El a spus: „Când Hitler făcea ravagii în Europa, puteam să ne exprimăm pictând o fată frumoasă și goală întinsă pe o canapea? La această întrebare a răspuns cu abstracție.
Seria de picturi care include variații de bej cu dungi verticale negre, The Stations of the Cross (1958-1964), a început la scurt timp după ce Newman s-a recuperat după un atac de cord și este considerată un punct culminant al carierei. Serialul este subintitulat Lema sabachthani – „De ce m-ai abandonat? – cuvintele rostite de Hristos pe cruce. Newman vede cuvintele sale ca având o semnificație universală. Serialul a fost văzut, de asemenea, ca un memorial pentru victimele Holocaustului. Newman a vrut să exprime tragedia și violența universală în raport cu pasiunea.
Citește și, istorie – Operațiunea Leul de Mare
Lucrări târzii
Lucrările ulterioare ale lui Newman, cum ar fi seria Who”s Afraid of Red, Yellow and Blue (Cui i-e frică de roșu, galben și albastru), care este alcătuită în întregime din culori primare, iar fermoarele dau o dinamică întregului tablou. Aceste lucrări sunt realizate în culori pure, vibrante, adesea pe pânze de mari dimensiuni – Anna”s Light (1968), numită astfel în memoria mamei sale, care a murit în 1965, este cea mai mare, de opt metri patruzeci pe doi metri șaptezeci. Spre sfârșitul vieții sale, Newman a lucrat, de asemenea, la pânze non-rectangulare, cum ar fi Chartres (1969), care este triunghiulară, și apoi s-a întors la sculptură, realizând câteva piese din oțel lustruit. Ultimele sale picturi sunt realizate cu vopsea acrilică, mai degrabă decât cu vopsea în ulei, ca în lucrările sale anterioare. Dintre sculpturile sale, Obeliscul spart este cel mai mare și cel mai cunoscut, reprezentând un obelisc răsturnat, cu vârful sprijinit pe vârful unei piramide.
De asemenea, a realizat o serie de litografii, 18 Cantos (1963-64), care, potrivit lui Newman, evocă muzica. Lucrările sale includ, de asemenea, câteva gravuri. Îi dedică lucrările sale soției sale Annalee.
În 1962, a realizat o pânză mare portocalie cu două fermoare galbene, The Third. În legătură cu această lucrare, Newman a declarat: „Simt că fermoarele mele nu îmi împart tablourile. Eu cred că ele fac exact opusul, ele unifică întregul.
Newman este considerat în general un expresionist abstract, pe baza activității sale din New York în anii 1950, unde, împreună cu alți expresioniști abstracți, a dezvoltat un stil abstract care nu avea nimic în comun cu arta europeană. Cu toate acestea, respingerea pensulației expresive folosite de alți expresioniști abstracți, precum Clyfford Still și Mark Rothko, precum și utilizarea de zone plate de culoare pe suprafețe bine definite, îl pot transforma într-un precursor al artiștilor din mișcările Hard Edge Painting, Colorfield Painting și Minimalism (art), precum Frank Stella.
Newman nu a avut un mare succes ca artist în cea mai mare parte a vieții sale, fiind eclipsat de figuri colorate precum Jackson Pollock. Influentul critic Clement Greenberg a scris articole entuziaste despre el, dar abia la sfârșitul vieții sale a fost luat în serios în considerare. Cu toate acestea, a influențat mulți tineri pictori.
Newman a insistat întotdeauna asupra faptului că spectatorii trebuie să îi privească lucrările de aproape pentru a fi învăluiți de culorile dense. Picturile sale trebuie să dea privitorului senzația că se îneacă în culori pure. Arta sa este abstractă, totală și fără compromisuri. El a spus: „Se spune că am dus pictura abstractă la limitele sale, în timp ce pentru mine este evident că am făcut doar un nou început.
Newman a murit la New York din cauza unui atac de cord în 1970.
Citește și, biografii – Russell Kirk
Note
sursele
