Edward Hopper
gigatos | ianuarie 5, 2022
Rezumat
Edward Hopper (22 iulie 1882 – 15 mai 1967) a fost un pictor și gravor american realist. Deși este cunoscut pe scară largă pentru picturile sale în ulei, a fost la fel de competent ca acuarelist și ca gravorist în gravură. Cariera sa a beneficiat în mod decisiv de căsătoria cu colega sa Josephine Nivison, care a contribuit mult la opera sa, atât ca model de viață, cât și ca partener de creație. Hopper a fost un artist de tonalitate minoră, creând un dramatism subtil din subiecte banale „stratificate cu un sens poetic”, invitând la interpretări narative, adesea neintenționate. A fost lăudat pentru „veridicitatea completă” a Americii pe care a portretizat-o.
Citește și, biografii – Iosephus Flavius
Viața timpurie
Hopper s-a născut în 1882 în Nyack, New York, un centru de construcții de iahturi pe râul Hudson, la nord de New York. A fost unul dintre cei doi copii ai unei familii cu o situație confortabilă. Părinții săi, de origine în mare parte olandeză, erau Elizabeth Griffiths Smith și Garret Henry Hopper, un comerciant de mărfuri uscate. Deși nu a avut la fel de mult succes ca strămoșii săi, Garrett s-a descurcat bine pentru cei doi copii ai săi cu un ajutor considerabil din moștenirea soției sale. S-a pensionat la vârsta de 49 de ani. Edward și singura sa soră, Marion, au urmat atât școli private, cât și publice. Au fost crescuți într-un cămin baptist strict. Tatăl său avea o fire blândă, iar gospodăria era dominată de femei: mama, bunica, sora și menajera lui Hopper.
Locul său de naștere și casa copilăriei a fost inclusă în anul 2000 în Registrul Național al Locurilor Istorice. În prezent, aceasta funcționează ca Edward Hopper House Art Center. Acesta servește ca centru cultural comunitar non-profit care oferă expoziții, ateliere, conferințe, spectacole și evenimente speciale.
Hopper a fost un elev bun în școala primară și a dat dovadă de talent în desen la vârsta de cinci ani. A absorbit cu ușurință tendințele intelectuale ale tatălui său și dragostea pentru culturile franceză și rusă. De asemenea, a dat dovadă de moștenirea artistică a mamei sale. Părinții lui Hopper i-au încurajat arta și l-au aprovizionat din belșug cu materiale, reviste instructive și cărți ilustrate. Hopper a început să își semneze și să își dateze desenele pentru prima dată la vârsta de zece ani. Cele mai timpurii dintre aceste desene includ schițe în cărbune ale unor forme geometrice, inclusiv o vază, un bol, o ceașcă și cutii. Examinarea detaliată a luminii și a umbrelor, care a continuat pe tot parcursul restului carierei sale, se regăsește deja în aceste lucrări timpurii. În adolescență, lucra cu creionul și cerneala, cărbunele, acuarela și uleiul – desenând din natură, precum și realizând caricaturi politice. În 1895, a creat prima sa pictură în ulei semnată, Rowboat in Rocky Cove, pe care a copiat-o după o reproducere din The Art Interchange, o revistă populară pentru artiștii amatori. Alte uleiuri mai timpurii ale lui Hopper, cum ar fi Old ice pond at Nyack și tabloul său Ships din jurul anului 1898 au fost identificate ca fiind copii ale unor picturi ale unor artiști precum Bruce Crane și Edward Moran.
În primele sale autoportrete, Hopper avea tendința de a se reprezenta pe sine însuși ca fiind slab, lipsit de grație și de o înfățișare familiară. Deși era un adolescent înalt și liniștit, simțul său glumeț al umorului și-a găsit debușeul în arta sa, uneori în reprezentări de imigranți sau de femei care domină bărbați în situații comice. Mai târziu în viață, a reprezentat mai ales femei ca personaje în picturile sale. În liceu (a absolvit Liceul Nyack în 1899), visa să devină arhitect naval, dar după absolvire și-a declarat intenția de a urma o carieră artistică. Părinții lui Hopper au insistat ca acesta să studieze arta comercială pentru a avea un mijloc sigur de venit. În dezvoltarea imaginii de sine și a filozofiei sale individualiste de viață, Hopper a fost influențat de scrierile lui Ralph Waldo Emerson. Mai târziu, el a declarat: „Îl admir foarte mult… îl citesc iar și iar”.
Hopper a început studiile de artă printr-un curs prin corespondență în 1899. Curând s-a transferat la New York School of Art and Design, precursoarea Parsons The New School for Design. Acolo a studiat timp de șase ani, cu profesori printre care William Merritt Chase, care l-a instruit în domeniul picturii în ulei. Încă de la început, Hopper și-a modelat stilul după Chase și după maeștrii impresioniști francezi Édouard Manet și Edgar Degas. Schițarea după modele vii s-a dovedit a fi o provocare și un șoc pentru Hopper, care fusese crescut în mod conservator.
Un alt profesor al său, artistul Robert Henri, a predat cursul de viață. Henri și-a încurajat elevii să își folosească arta pentru a „face o mișcare în lume”. De asemenea, el i-a sfătuit pe elevii săi: „Nu subiectul contează, ci ceea ce simți în legătură cu el” și „Uită de artă și pictează imagini cu ceea ce te interesează în viață”. În acest fel, Henri l-a influențat pe Hopper, precum și pe viitorii artiști George Bellows și Rockwell Kent. El i-a încurajat să imprime un spirit modern în lucrările lor. Unii artiști din cercul lui Henri, printre care John Sloan, au devenit membri ai „The Eight”, cunoscută și sub numele de Școala Ashcan de artă americană. Prima pictură în ulei a lui Hopper care a supraviețuit și care face aluzie la utilizarea interioarelor ca temă a fost Solitary Figure in a Theater (c.1904). În timpul anilor de studenție, a pictat, de asemenea, zeci de nuduri, studii de natură statică, peisaje și portrete, inclusiv autoportrete.
În 1905, Hopper a obținut un loc de muncă cu jumătate de normă la o agenție de publicitate, unde a creat modele de coperte pentru reviste de specialitate. Hopper a ajuns să deteste ilustrația. A fost legat de ea de necesitatea economică până la mijlocul anilor 1920. A evadat temporar făcând trei călătorii în Europa, fiecare centrată la Paris, aparent pentru a studia scena artistică de acolo. De fapt, însă, a studiat singur și a părut în mare parte neafectat de noile curente din artă. Mai târziu a declarat că „nu-și amintea să fi auzit deloc de Picasso”. A fost extrem de impresionat de Rembrandt, în special de Rondul de noapte, despre care a spus că este „cel mai minunat lucru al său pe care l-am văzut; depășește credința în realitatea sa”.
Hopper a început să picteze scene urbane și arhitecturale într-o paletă întunecată. Apoi a trecut la paleta mai deschisă a impresioniștilor înainte de a reveni la paleta mai întunecată cu care se simțea bine. Hopper a spus mai târziu: „Am trecut peste asta și mai târziu lucrurile făcute la Paris erau mai degrabă genul de lucruri pe care le fac acum”. Hopper și-a petrecut o mare parte din timp desenând scene de stradă și de cafenea și mergând la teatru și la operă. Spre deosebire de mulți dintre contemporanii săi care imitau experimentele cubiste abstracte, Hopper era atras de arta realistă. Mai târziu, el a recunoscut că nu a avut alte influențe europene în afară de gravorul francez Charles Meryon, ale cărui scene mohorâte din Paris Hopper le-a imitat.
Citește și, biografii – Zheng He
Ani de luptă
După ce s-a întors din ultima sa călătorie în Europa, Hopper a închiriat un studio în New York, unde s-a străduit să își definească propriul stil. Cu reticență, s-a întors la ilustrație pentru a se întreține. Fiind un freelancer, Hopper a fost nevoit să solicite proiecte și a trebuit să bată la ușile birourilor revistelor și agențiilor pentru a-și găsi de lucru. Pictura sa a lâncezit: „îmi este greu să mă hotărăsc ce vreau să pictez. Uneori stau luni întregi fără să găsesc ceva. Vine încet.” Colegul său ilustrator Walter Tittle a descris starea emoțională deprimată a lui Hopper în termeni mai tranșanți, văzându-l pe prietenul său „suferind… de lungi perioade de inerție de neînvins, stând zile întregi în fața șevaletului său, neputând să ridice o mână pentru a rupe vraja”.
În 1912 (22 februarie – 5 martie) a fost inclus în expoziția The Independents, un grup de artiști la inițiativa lui Robert Henri, dar nu a realizat nicio vânzare.
În 1912, Hopper a călătorit în Gloucester, Massachusetts, în căutare de inspirație și a realizat primele sale picturi în aer liber în America. A pictat Squam Light, prima dintre numeroasele picturi de faruri care aveau să apară.
În 1913, la Armory Show, Hopper a câștigat 250 de dolari când a vândut primul său tablou, Sailing (1911), unui om de afaceri american Thomas F Vietor, pe care îl pictase peste un autoportret anterior. Hopper avea treizeci și unu de ani și, deși spera că prima sa vânzare va duce la altele în scurt timp, cariera sa nu va prinde contur decât peste mulți ani. A continuat să participe la expoziții de grup în spații mai mici, cum ar fi MacDowell Club din New York. La scurt timp după moartea tatălui său, în același an, Hopper s-a mutat în apartamentul 3 Washington Square North din Greenwich Village, în Manhattan, unde avea să locuiască pentru tot restul vieții sale.
În anul următor, a primit o comandă pentru a crea câteva afișe de film și a se ocupa de publicitate pentru o companie cinematografică. Deși nu i-a plăcut munca de ilustrare, Hopper a fost un devotat pe viață al cinematografului și al teatrului, pe care le-a tratat ca subiecte pentru picturile sale. Fiecare formă i-a influențat metodele de compoziție.
Aflat într-un impas în ceea ce privește picturile sale în ulei, Hopper s-a orientat în 1915 către gravură. Până în 1923 a realizat majoritatea celor aproximativ 70 de lucrări pe acest suport, multe dintre ele reprezentând scene urbane atât din Paris, cât și din New York. A produs, de asemenea, câteva postere pentru efortul de război, precum și a continuat cu proiecte comerciale ocazionale. Când putea, Hopper a realizat câteva picturi în ulei în aer liber în timpul vizitelor în New England, în special la coloniile de artă din Ogunquit și Monhegan Island.
La începutul anilor 1920, gravurile sale au început să fie recunoscute de public. Acestea exprimau unele dintre temele sale ulterioare, ca în Night on the El Train (cupluri în tăcere), Evening Wind (femeie solitară) și The Catboat (scenă nautică simplă). Două picturi în ulei notabile din această perioadă au fost New York Interior (1921) și New York Restaurant (1922). A pictat, de asemenea, două dintre numeroasele sale picturi de „ferestre” care vor urma: Girl at Sewing Machine și Moonlight Interior, ambele înfățișând o figură (îmbrăcată sau nud) lângă o fereastră a unui apartament privită din exterior sau din punctul de vedere al privitului din exterior spre interior.
Deși au fost ani frustranți, Hopper a obținut o oarecare recunoaștere. În 1918, Hopper a primit premiul U.S. Shipping Board pentru posterul său de război, „Smash the Hun”. A participat la trei expoziții: în 1917 cu Societatea Artiștilor Independenți, în ianuarie 1920 (o expoziție personală la Whitney Studio Club, care a fost precursorul Muzeului Whitney) și în 1922 (din nou la Whitney Studio Club). În 1923, Hopper a primit două premii pentru gravurile sale: Premiul Logan de la Chicago Society of Etchers și Premiul W. A. Bryan.
Citește și, biografii – Ludovic al XVI-lea al Franței
Căsătorie și descoperire
Până în 1923, ascensiunea lentă a lui Hopper a produs în cele din urmă o descoperire. El a reîntâlnit-o pe Josephine Nivison, o artistă și fostă studentă a lui Robert Henri, în timpul unei excursii de pictură de vară în Gloucester, Massachusetts. Erau opuși: ea era scundă, deschisă, sociabilă, sociabilă și liberală, în timp ce el era înalt, secretos, timid, tăcut, introspectiv și conservator. S-au căsătorit un an mai târziu, avându-l ca cavaler de onoare pe artistul Guy Pene du Bois. Ea a remarcat: „Uneori, să vorbești cu Eddie este ca și cum ai arunca o piatră într-o fântână, cu excepția faptului că aceasta nu bate când atinge fundul.” Și-a subordonat cariera lui și a împărtășit stilul de viață retras al acestuia. Restul vieții lor se învârtea în jurul apartamentului lor liber din oraș și a verilor petrecute în South Truro, în Cape Cod. Ea i-a gestionat cariera și interviurile, a fost principalul său model și i-a fost tovarășa de viață.
Cu ajutorul lui Nivison, șase dintre acuarelele lui Hopper din Gloucester au fost admise la o expoziție la Muzeul Brooklyn în 1923. Unul dintre ele, The Mansard Roof, a fost achiziționat de muzeu pentru colecția sa permanentă pentru suma de 100 de dolari. Criticii au fost în general încântați de lucrările sale; unul dintre ei a declarat: „Ce vitalitate, forță și directețe! Observați ce se poate face cu cel mai domestic subiect”. Hopper și-a vândut toate acuarelele în cadrul unei expoziții personale în anul următor și a decis în cele din urmă să lase ilustrația în urmă.
Artistul și-a demonstrat capacitatea de a transfera atracția sa pentru arhitectura pariziană la arhitectura urbană și rurală americană. Potrivit curatorului Muzeului de Arte Frumoase din Boston, Carol Troyen, „lui Hopper îi plăcea foarte mult felul în care aceste case, cu turnurile și turnurile lor, cu pridvoarele, acoperișurile mansardate și ornamentele lor, proiectau umbre minunate. Întotdeauna a spus că lucrul său preferat era să picteze lumina soarelui pe o parte a unei case.”
La patruzeci și unu de ani, Hopper a primit o nouă recunoaștere pentru munca sa. A continuat să nutrească amărăciune față de cariera sa, refuzând mai târziu apariții și premii. Cu stabilitatea financiară asigurată de vânzările constante, Hopper va duce o viață simplă și stabilă și va continua să creeze artă în stilul său personal timp de încă patru decenii.
Lucrarea Two on the Aisle (1927) a fost vândută pentru suma record de 1.500 de dolari, ceea ce i-a permis lui Hopper să cumpere un automobil, pe care l-a folosit pentru a face excursii în zone îndepărtate din New England. În 1929, a produs Chop Suey și Railroad Sunset. În anul următor, patronul de artă Stephen Clark a donat House by the Railroad (1925) Muzeului de Artă Modernă, prima pictură în ulei pe care acesta a achiziționat-o pentru colecția sa. Hopper și-a pictat ultimul autoportret în ulei în jurul anului 1930. Deși Josephine a pozat pentru multe dintre tablourile sale, ea a stat pentru un singur portret oficial în ulei realizat de soțul ei, Jo Painting (1936).
Hopper s-a descurcat mai bine decât mulți alți artiști în timpul Marii Depresiuni. Statura sa a cunoscut o creștere bruscă în 1931, când muzee importante, inclusiv Whitney Museum of American Art și Metropolitan Museum of Art, au plătit mii de dolari pentru lucrările sale. În acel an a vândut 30 de tablouri, inclusiv 13 acuarele. În anul următor, a participat la prima ediție a Whitney Annual și a continuat să expună în fiecare ediție anuală a muzeului pentru tot restul vieții sale. În 1933, Muzeul de Artă Modernă i-a oferit lui Hopper prima sa retrospectivă la scară largă.
În 1930, soții Hopper au închiriat o cabană în South Truro, în Cape Cod. S-au întors în fiecare vară pentru tot restul vieții lor, construind o casă de vară acolo în 1934. De acolo, făceau excursii cu mașina în alte zone atunci când Hopper avea nevoie să caute materiale proaspete pentru a picta. În verile 1937 și 1938, cuplul a petrecut sejururi prelungite la Wagon Wheels Farm din South Royalton, Vermont, unde Hopper a pictat o serie de acuarele de-a lungul râului White River. Aceste scene sunt atipice printre lucrările de maturitate ale lui Hopper, deoarece majoritatea sunt peisaje „pure”, lipsite de arhitectură sau figuri umane. First Branch of the White River (1938), care se află în prezent la Muzeul de Arte Frumoase din Boston, este cel mai cunoscut dintre peisajele din Vermont ale lui Hopper.
Hopper a fost foarte productiv în anii ”30 și la începutul anilor ”40, realizând, printre multe lucrări importante, New York Movie (1939), Girlie Show (1941), Nighthawks (1942), Hotel Lobby (1943) și Morning in a City (1944). La sfârșitul anilor 1940, însă, a suferit o perioadă de relativă inactivitate. El a recunoscut: „Mi-aș dori să pot picta mai mult. M-am săturat să citesc și să merg la film”. În următoarele două decenii, sănătatea sa s-a șubrezit și a suferit mai multe operații la prostată și alte probleme medicale. Dar, în anii 1950 și la începutul anilor 1960, a creat mai multe lucrări majore, printre care First Row Orchestra (și Intermission în 1963.
Citește și, biografii – François-René de Chateaubriand
Moartea
Hopper a murit din cauze naturale în atelierul său din apropierea Washington Square din New York, la 15 mai 1967. A fost înmormântat două zile mai târziu în parcela familiei din cimitirul Oak Hill din Nyack, New York, locul său de naștere. Soția sa a murit zece luni mai târziu și este înmormântată alături de el.
Soția sa a lăsat moștenire colecția lor comună de peste trei mii de lucrări Muzeului Whitney de Artă Americană. Alte tablouri importante ale lui Hopper se află la Muzeul de Artă Modernă din New York, la Centrul de Artă Des Moines și la Institutul de Artă din Chicago.
Citește și, civilizatii – Austro-Ungaria
Personalitate și viziune
Întotdeauna reticent în a discuta despre el însuși și despre arta sa, Hopper a spus pur și simplu: „Întregul răspuns este acolo, pe pânză”. Hopper era stoic și fatalist – un om liniștit și introvertit, cu un simț al umorului blând și o manieră sinceră. Hopper a fost o persoană atrasă de un simbolism emblematic, anti-narativ, care „picta scurte momente izolate de configurare, saturate de sugestie”. Spațiile sale tăcute și întâlnirile sale neliniștitoare „ne ating acolo unde suntem cel mai vulnerabili” și au „o sugestie de melancolie, acea melancolie fiind pusă în scenă”. Simțul său al culorii l-a dezvăluit ca pictor purist, deoarece „a transformat puritanul în purist, în pânzele sale liniștite, în care defectele și binecuvântările se echilibrează”. Potrivit criticului Lloyd Goodrich, el a fost „un pictor eminamente autohton, care, mai mult decât oricare altul, aducea mai mult din calitatea Americii în pânzele sale”.
Conservator în politică și în chestiuni sociale (Hopper a afirmat, de exemplu, că „viețile artiștilor ar trebui să fie scrise de oameni foarte apropiați de ei”), a acceptat lucrurile așa cum erau și a dat dovadă de lipsă de idealism. Cultivat și sofisticat, era foarte citit, iar multe dintre picturile sale prezintă personaje care citesc. În general, era o companie plăcută și nu era deranjat de tăceri, deși uneori era taciturn, morocănos sau detașat. Era întotdeauna serios în ceea ce privește arta sa și arta altora și, atunci când era întrebat, dădea opinii sincere.
Cea mai sistematică declarație a lui Hopper despre filozofia sa ca artist a fost făcută într-o notă scrisă de mână, intitulată „Statement”, trimisă în 1953 la revista Reality:
Marea artă este expresia exterioară a unei vieți interioare a artistului, iar această viață interioară va avea ca rezultat viziunea sa personală asupra lumii. Nici o cantitate de invenție abilă nu poate înlocui elementul esențial al imaginației. Unul dintre punctele slabe ale unei mari părți a picturii abstracte este încercarea de a substitui invențiile intelectului uman cu o concepție imaginativă personală.
Deși Hopper susținea că nu a încorporat în mod conștient semnificații psihologice în picturile sale, era profund interesat de Freud și de puterea subconștientului. El a scris în 1939: „Atât de mult din fiecare artă este o expresie a subconștientului, încât mi se pare că majoritatea calităților importante sunt puse acolo în mod inconștient, iar cele mai puțin importante sunt puse de intelectul conștient.”
Metode
Deși este cel mai bine cunoscut pentru picturile sale în ulei, Hopper a fost recunoscut inițial pentru acuarelele sale și a realizat și câteva gravuri de succes comercial. În plus, caietele sale conțin schițe în creion și stilou de înaltă calitate, care nu au fost niciodată destinate vizionării publice.
Hopper a acordat o atenție deosebită designului geometric și plasării atente a figurilor umane în echilibru cu mediul înconjurător. A fost un artist lent și metodic; după cum a scris: „Este nevoie de mult timp pentru ca o idee să apară. Apoi trebuie să mă gândesc mult timp la ea. Nu încep să pictez până când nu am totul în minte. Mă simt bine când ajung la șevalet”. Adesea, el făcea schițe pregătitoare pentru a-și elabora compozițiile atent calculate. El și soția sa au ținut un registru detaliat al lucrărilor lor, notând elemente precum „fața tristă a unei femei neiluminate”, „lumina electrică din tavan” și „coapsele mai reci”.
Pentru New York Movie (1939), Hopper își demonstrează pregătirea minuțioasă cu mai mult de 53 de schițe ale interiorului teatrului și ale figurii ucenicului gânditor.
Utilizarea eficientă a luminii și a umbrelor pentru a crea o atmosferă este, de asemenea, un element central în metodele lui Hopper. Lumina strălucitoare a soarelui (ca emblemă a intuiției sau a revelației) și umbrele pe care le proiectează joacă, de asemenea, un rol simbolic puternic în tablourile lui Hopper, cum ar fi Early Sunday Morning (1930), Summertime (1943), Seven A.M. (1948) și Sun in an Empty Room (1963). Folosirea efectelor de lumină și umbră de către acesta a fost comparată cu cinematografia filmului noir.
Deși era un pictor realist, realismul „soft” al lui Hopper a simplificat formele și detaliile. El a folosit culori saturate pentru a accentua contrastul și a crea o stare de spirit.
Citește și, biografii – Antoine Watteau
Subiecte și teme
Hopper și-a derivat subiectele din două surse primare: una, trăsăturile comune ale vieții americane (și două, peisajele marine și rurale). În ceea ce privește stilul său, Hopper s-a definit ca fiind „un amalgam de mai multe rase” și nu a fost membru al vreunei școli, în special al „Școlii Ashcan”. Odată ce Hopper a ajuns la stilul său matur, arta sa a rămas consecventă și autonomă, în ciuda numeroaselor tendințe artistice care au apărut și au dispărut pe parcursul lungii sale cariere.
Peisajele marine ale lui Hopper se împart în trei grupe principale: peisaje pure de stânci, mare și iarbă de plajă; faruri și ferme; și bărci cu pânze. Uneori a combinat aceste elemente. Cele mai multe dintre aceste tablouri descriu lumină puternică și vreme frumoasă; a arătat puțin interes pentru scenele cu zăpadă sau ploaie, sau pentru schimbările de culoare sezoniere. A pictat majoritatea peisajelor marine pure în perioada dintre 1916 și 1919 pe insula Monhegan. Tabloul lui Hopper The Long Leg (1935) este un tablou de navigație aproape în întregime albastru, cu cele mai simple elemente, în timp ce tabloul său Ground Swell (1939) este mai complex și înfățișează un grup de tineri ieșiți să navigheze, o temă care amintește de iconicul Breezing Up (1876) al lui Winslow Homer.
Arhitectura urbană și peisajele urbane au fost, de asemenea, subiecte importante pentru Hopper. El era fascinat de scena urbană americană, „arhitectura noastră nativă cu frumusețea ei hidoasă, cu acoperișurile sale fantastice, pseudogotice, mansarde franceze, coloniale, corcituri sau mai știu eu ce, cu culori care îți iau ochii sau cu armonii delicate de vopsea decolorată, care se sprijină unele pe altele de-a lungul unor străzi interminabile care se reduc în mlaștini sau gropi de gunoi”.
În 1925, a produs Casa de lângă calea ferată. Această lucrare clasică înfățișează o vilă victoriană izolată din lemn, parțial ascunsă de terasamentul ridicat al unei căi ferate. Ea a marcat maturitatea artistică a lui Hopper. Lloyd Goodrich a lăudat lucrarea ca fiind „una dintre cele mai emoționante și dezolante piese de realism”. Lucrarea este prima dintr-o serie de scene rurale și urbane sumbre, care folosește linii ascuțite și forme mari, redate de un iluminat neobișnuit, pentru a surprinde starea de singurătate a subiecților săi. Deși criticii și spectatorii interpretează semnificația și starea de spirit din aceste peisaje urbane, Hopper a insistat: „Am fost mai interesat de lumina soarelui pe clădiri și pe figuri decât de orice simbolism”. Ca și cum ar dovedi acest lucru, pictura sa târzie Sun in an Empty Room (1963) este un studiu pur al luminii solare.
Majoritatea picturilor cu figuri ale lui Hopper se concentrează pe interacțiunea subtilă a ființelor umane cu mediul înconjurător – realizată cu figuri solitare, cupluri sau grupuri. Temele sale emoționale principale sunt solitudinea, singurătatea, regretul, plictiseala și resemnarea. El exprimă aceste emoții în diverse medii, inclusiv la birou, în locuri publice, în apartamente, pe drum sau în vacanță. Ca și cum ar fi creat fotografii pentru un film sau tablouri într-o piesă de teatru, Hopper și-a poziționat personajele ca și cum ar fi fost surprinse chiar înainte sau chiar după punctul culminant al unei scene.
Personajele solitare ale lui Hopper sunt în mare parte femei – îmbrăcate, semi-dezbrăcate și dezbrăcate – care adesea citesc, privesc pe fereastră sau se află la locul de muncă. La începutul anilor 1920, Hopper a pictat primele sale imagini de acest fel: Girl at Sewing Machine (1921), New York Interior (o altă femeie care coase) (1921) și Moonlight Interior (o femeie goală care se bagă în pat) (1923). Cu toate acestea, Automat (1927) și Hotel Room (1931) sunt mai reprezentative pentru stilul său de maturitate, subliniind în mod mai evident singurătatea.
Așa cum a scris Gail Levin, cercetător al lui Hopper, despre Hotel Room:
Benzile verticale și diagonale de culoare și umbrele electrice ascuțite creează o dramă concisă și intensă în noapte…Combinând un subiect emoționant cu un aranjament formal atât de puternic, compoziția lui Hopper este suficient de pură pentru a se apropia de o sensibilitate aproape abstractă, dar cu o semnificație poetică pentru observator.
Hopper”s Room in New York (1932) și Cape Cod Evening (1939) sunt exemple excelente de picturi de „cuplu” ale lui Hopper. În primul, un cuplu tânăr pare înstrăinat și necomunicativ – el citind ziarul în timp ce ea stă degeaba lângă pian. Privitorul își asumă rolul de voyeur, ca și cum ar privi cu un telescop prin fereastra apartamentului pentru a spiona lipsa de intimitate a cuplului. În cel de-al doilea tablou, un cuplu mai în vârstă, care nu-și spun prea multe unul altuia, se joacă cu câinele lor, a cărui atenție este distrasă de la stăpânii săi. Hopper duce tema cuplului la un nivel mai ambițios cu Excursion into Philosophy (1959). Un bărbat de vârstă mijlocie stă abătut pe marginea unui pat. Lângă el se află o carte deschisă și o femeie parțial îmbrăcată. Un fascicul de lumină luminează podeaua din fața lui. Jo Hopper a notat în jurnalul lor de bord: „cartea deschisă este Platon, recitit prea târziu”.
Levin interpretează tabloul:
Filozoful lui Platon, în căutarea realului și a adevărului, trebuie să se îndepărteze de acest tărâm trecător și să contemple Formele și Ideile eterne. Bărbatul gânditor din tabloul lui Hopper este poziționat între atracția domeniului pământesc, reprezentat de femeie, și chemarea domeniului spiritual superior, reprezentat de căderea de lumină eterică. Durerea de a se gândi la această alegere și la consecințele ei, după ce a citit Platon toată noaptea, este evidentă. El este paralizat de travaliul interior fervent al melancolicului.
În Office at Night (1940), un alt tablou de „cuplu”, Hopper creează un puzzle psihologic. Tabloul prezintă un bărbat care se concentrează asupra documentelor sale de lucru, în timp ce în apropiere, secretara sa atrăgătoare trage un dosar. Mai multe studii pentru acest tablou arată modul în care Hopper a experimentat cu poziționarea celor două figuri, probabil pentru a spori erotismul și tensiunea. Hopper îi prezintă privitorului posibilitatea ca bărbatul să fie cu adevărat neinteresat de atracția femeii sau că se străduiește din răsputeri să o ignore. Un alt aspect interesant al tabloului este modul în care Hopper folosește trei surse de lumină, de la o lampă de birou, printr-o fereastră și lumină indirectă de sus. Hopper a continuat să realizeze mai multe tablouri „de birou”, dar niciun altul cu un substrat senzual.
Cea mai cunoscută dintre picturile lui Hopper, Nighthawks (1942), este una dintre picturile sale de grup. Acesta prezintă clienți care stau la tejgheaua unui restaurant deschis toată noaptea. Formele și diagonalele sunt construite cu grijă. Punctul de vedere este cinematografic – de pe trotuar, ca și cum privitorul s-ar apropia de restaurant. Lumina electrică aspră a restaurantului îl deosebește de noaptea întunecată de afară, sporind atmosfera și emoția subtilă. Ca în multe tablouri de Hopper, interacțiunea este minimă. Restaurantul reprezentat a fost inspirat de unul din Greenwich Village. Atât Hopper, cât și soția sa au pozat pentru figuri, iar Jo Hopper a dat titlul tabloului. Este posibil ca inspirația tabloului să fi venit din povestirea lui Ernest Hemingway „The Killers”, pe care Hopper o admira foarte mult, sau din mai filozoficul „A Clean, Well-Lighted Place”. Starea de spirit a tabloului a fost interpretată uneori ca o expresie a anxietății din timpul războiului. În concordanță cu titlul tabloului său, Hopper a declarat mai târziu că „Nighthawks” are mai mult de-a face cu posibilitatea prădătorilor în timpul nopții decât cu singurătatea.
Al doilea tablou al său cel mai cunoscut după Nighthawks este o altă pictură urbană, Early Sunday Morning (numită inițial Seventh Avenue Shops), care prezintă o scenă de stradă goală în lumină laterală puternică, cu un hidrant de incendiu și un stâlp de frizerie ca înlocuitori ai figurilor umane. Inițial, Hopper intenționa să pună figuri în ferestrele de la etaj, dar le-a lăsat goale pentru a accentua sentimentul de dezolare.
Scenele rurale din New England ale lui Hopper, precum Gas (1940), nu sunt mai puțin semnificative. Gas reprezintă „un refugiu diferit, la fel de curat, bine luminat … ke deschis pentru cei care au nevoie, în timp ce navighează noaptea, parcurgându-și propriile mile de parcurs înainte de a dormi”. Lucrarea prezintă o fuziune a mai multor teme ale lui Hopper: figura solitară, melancolia amurgului și drumul singuratic.
Hopper se apropie de suprarealism cu Rooms by the Sea (1951), unde o ușă deschisă oferă o priveliște asupra oceanului, fără o scară sau trepte aparente și fără nicio indicație a unei plaje.
După anii de studenție, Hopper a realizat numai nuduri de femei. Spre deosebire de artiștii din trecut care pictau nuduri feminine pentru a glorifica forma feminină și pentru a evidenția erotismul feminin, nudurile lui Hopper sunt femei solitare, expuse psihologic. O excepție îndrăzneață este Girlie Show (1941), în care o regină roșcată a strip-tease-ului pășește încrezătoare pe o scenă, acompaniată de muzicienii din boxă. Girlie Show a fost inspirată de vizita lui Hopper la un spectacol burlesc cu câteva zile mai devreme. Soția lui Hopper, ca de obicei, a pozat pentru el pentru pictură și a notat în jurnalul ei: „Ed începe o nouă pânză – o regină burlescă făcând strip tease – și eu pozând fără cusături în fața sobei – nimic altceva decât pantofi cu tocuri înalte în postura de dansatoare de loterie”.
Portretele și autoportretele lui Hopper au fost relativ puține după anii de studenție. Hopper a realizat un „portret” comandat al unei case, The MacArthurs” Home (1939), în care detaliază cu fidelitate arhitectura victoriană a casei actriței Helen Hayes. Aceasta a declarat mai târziu: „Cred că nu am întâlnit în viața mea un individ mai mizantrop și mai morocănos”. Hopper a bombănit pe tot parcursul proiectului și nu a mai acceptat niciodată o comandă. Hopper a pictat, de asemenea, Portrait of Orleans (1950), un „portret” al orașului Cape Cod de pe strada sa principală.
Deși foarte interesat de Războiul Civil American și de fotografiile lui Mathew Brady de pe câmpurile de luptă, Hopper a realizat doar două picturi istorice. Ambele înfățișează soldați în drum spre Gettysburg. De asemenea, printre temele sale sunt rare picturile care prezintă acțiune. Cel mai bun exemplu de pictură de acțiune este Bridle Path (1939), dar este posibil ca lupta lui Hopper cu anatomia corectă a cailor să-l fi descurajat de la încercări similare.
Ultimul tablou în ulei al lui Hopper, Two Comedians (1966), pictat cu un an înainte de moartea sa, se concentrează pe dragostea sa pentru teatru. Doi actori francezi de pantomimă, un bărbat și o femeie, ambii îmbrăcați în costume albe strălucitoare, își fac plecăciunea în fața unei scene întunecate. Jo Hopper a confirmat că soțul ei a vrut ca aceste figuri să sugereze faptul că ei își fac ultimele plecăciuni din viață împreună, ca soț și soție.
Picturile lui Hopper au fost adesea considerate de alții ca având un conținut narativ sau tematic pe care artistul nu l-a intenționat. Multe semnificații pot fi adăugate unui tablou prin titlul său, dar titlurile tablourilor lui Hopper au fost uneori alese de alții sau au fost selectate de Hopper și de soția sa într-un mod care face să nu fie clar dacă au vreo legătură reală cu semnificația artistului. De exemplu, Hopper i-a spus odată unui intervievator că îi plăcea „Early Sunday Morning… dar nu era neapărat duminică. Acest cuvânt a fost adăugat mai târziu de altcineva”.
Tendința de a citi în tablourile lui Hopper un conținut tematic sau narativ, pe care Hopper nu l-a intenționat, s-a extins chiar și la soția sa. Când Jo Hopper a comentat despre figura din Cape Cod Morning: „Este o femeie care se uită afară să vadă dacă vremea este suficient de bună pentru a-și întinde rufele”, Hopper a replicat: „Am spus eu asta? O faci pe Norman Rockwell. Din punctul meu de vedere, ea doar se uită pe fereastră”. Un alt exemplu al aceluiași fenomen este consemnat într-un articol din 1948 din Time:
Seara de vară a lui Hopper, în care un cuplu tânăr vorbește în lumina crudă a verandei unei case de țară, este inevitabil romantică, dar Hopper a fost rănit de sugestia unui critic care a spus că ar fi bună pentru o ilustrație în „orice revistă pentru femei”. Hopper a avut tabloul în minte „timp de 20 de ani și nu m-am gândit niciodată să pun figurile până când am început efectiv vara trecută. De ce orice director artistic ar fi făcut tabloul bucăți. Nu figurile erau ceea ce mă interesa, ci lumina care curgea în jos și noaptea din jur”.
Locul în arta americană
Concentrându-se în primul rând pe momentele de liniște și foarte rar pe acțiune, Hopper a folosit o formă de realism adoptată de un alt realist american de frunte, Andrew Wyeth, însă tehnica lui Hopper era complet diferită de stilul hiperdetaliat al lui Wyeth. În rând cu unii dintre contemporanii săi, Hopper a împărtășit sensibilitatea sa urbană cu John Sloan și George Bellows, dar a evitat acțiunea și violența evidentă a acestora. În timp ce Joseph Stella și Georgia O”Keeffe au glorificat structurile monumentale ale orașului, Hopper le-a redus la geometria cotidiană și a descris pulsul orașului ca fiind mai degrabă dezolant și periculos decât „elegant sau seducător”.
Charles Burchfield, pe care Hopper îl admira și cu care a fost comparat, a spus despre Hopper: „el atinge o veridicitate atât de completă încât poți citi în interpretările sale de case și în concepțiile despre viața din New York orice implicații umane dorești”. De asemenea, el a atribuit succesul lui Hopper „individualismului său îndrăzneț”. … În el am recăpătat acea independență americană robustă pe care ne-a dat-o Thomas Eakins, dar care pentru o vreme s-a pierdut”. Hopper a considerat că acesta este un mare compliment, deoarece îl considera pe Eakins cel mai mare pictor american.
Deborah Lyons, cercetătoare a lui Hopper, scrie: „Momentele noastre de revelație sunt adesea oglindite, transcendente, în opera lui Hopper. Odată văzute, interpretările lui Hopper există în conștiința noastră în tandem cu propria noastră experiență. Vedem pentru totdeauna un anumit tip de casă ca fiind o casă Hopper, investită poate cu un mister pe care Hopper l-a implantat în propria noastră viziune.” Tablourile lui Hopper evidențiază scenele aparent banale și tipice din viața noastră de zi cu zi și le oferă un motiv de epifanie. În acest fel, arta lui Hopper ia peisajele americane dureroase și benzinăriile singuratice și creează în ele un sentiment de anticipare frumoasă.
Deși a fost comparat cu contemporanul său Norman Rockwell din punct de vedere al subiectului, lui Hopper nu i-a plăcut comparația. Hopper se considera mai subtil, mai puțin ilustrativ și cu siguranță nu era sentimental. Hopper a respins, de asemenea, comparațiile cu Grant Wood și Thomas Hart Benton, declarând: „Cred că pictorii scenei americane au caricaturizat America. Eu am vrut întotdeauna să mă fac pe mine însumi”.
Citește și, biografii – William al III-lea al Angliei
Influență
Influența lui Hopper asupra lumii artei și a culturii pop este de netăgăduit; a se vedea § În cultura populară pentru numeroase exemple. Deși nu a avut studenți formali, mulți artiști l-au citat ca fiind o influență, inclusiv Willem de Kooning, Jim Dine și Mark Rothko. O ilustrare a influenței lui Hopper este lucrarea timpurie a lui Rothko, Composition I (c. 1931), care este o parafrazare directă a tabloului Chop Suey al lui Hopper.
Compozițiile cinematografice ale lui Hopper și utilizarea dramatică a luminii și a întunericului au făcut din el un favorit al regizorilor de film. De exemplu, se pare că „House by the Railroad” a influențat puternic casa emblematică din filmul „Psycho” al lui Alfred Hitchcock. De asemenea, același tablou a fost citat ca fiind o influență asupra casei din filmul lui Terrence Malick Days of Heaven. Filmul Pennies from Heaven din 1981 include un tablou vivant al filmului Nighthawks, cu actorii principali în locul clienților. Regizorul german Wim Wenders citează, de asemenea, influența lui Hopper. Filmul său din 1997, The End of Violence (Sfârșitul violenței), include, de asemenea, un tableau vivant al filmului Nighthawks, recreat de actori. Celebrul regizor de filme de groază suprarealiste Dario Argento a mers atât de departe încât a recreat restaurantul și patronii din Nighthawks ca parte a decorului pentru filmul său din 1976, Deep Red (cunoscut și ca Profondo Rosso). Ridley Scott a citat același tablou ca sursă de inspirație vizuală pentru Blade Runner. Pentru a stabili iluminarea scenelor din filmul Road to Perdition (2002), regizorul Sam Mendes s-a inspirat din picturile lui Hopper, în special din New York Movie, ca sursă de inspirație.
Omagii pentru Nighthawks cu personaje de desene animate sau cu celebrități ale culturii pop, precum James Dean și Marilyn Monroe, sunt adesea găsite în magazinele de postere și în magazinele de cadouri. Canalul de televiziune prin cablu Turner Classic Movies difuzează uneori clipuri animate bazate pe picturile lui Hopper înainte de difuzarea filmelor sale. Printre influențele muzicale se numără albumul live-in-the-studio din 1975 al cantautorului Tom Waits intitulat Nighthawks at the Diner, după tablou. În 1993, Madonna a fost suficient de inspirată de tabloul lui Hopper din 1941 Girlie Show încât și-a numit turneul mondial după acesta și a încorporat în spectacol multe dintre elementele teatrale și atmosfera tabloului. În 2004, chitaristul britanic John Squire (fost membru al trupei The Stone Roses) a lansat un album conceptual bazat pe opera lui Hopper, intitulat Marshall”s House. Fiecare cântec de pe album este inspirat de un tablou al lui Hopper și își împarte titlul cu acesta. Grupul rock canadian The Weakerthans și-a lansat albumul Reunion Tour în 2007, care conține două cântece inspirate de picturile lui Hopper și denumite după acestea, „Sun in an Empty Room” și „Night Windows”, și au făcut referire la el în cântece precum „Hospital Vespers”. Compartimentul C, Car 293 al lui Hopper a inspirat Compartment 2, Car 7 pentru vioară, violă, violoncel și vibrafon al compozitorului polonez Paweł Szymański (2003), precum și cântecul Compartiment C Voiture 293 Edward Hopper 1938 (2011) al lui Hubert-Félix Thiéfaine. Opera lui Hopper a influențat mai multe înregistrări ale trupei britanice Orchestral Manoeuvres in the Dark. Early Sunday Morning a fost sursa de inspirație pentru coperta albumului Crush (1985). Single-ul „Night Café” din 2013 al aceleiași trupe, „Night Café”, a fost influențat de Nighthawks și îl menționează pe Hopper. Șapte dintre picturile sale sunt menționate în versuri.
În poezie, numeroase poezii au fost inspirate de picturile lui Hopper, de obicei sub forma unor descrieri vii și dramatizări; acest gen este cunoscut sub numele de ekphrasis. Pe lângă numeroasele poeme individuale inspirate de Hopper, mai mulți poeți au scris colecții bazate pe picturile lui Hopper. Poetul francez Claude Esteban a scris o colecție de poeme în proză, Soleil dans une pièce vide (Soarele într-o cameră goală, 1991), bazată pe patruzeci și șapte de tablouri ale lui Hopper din perioada 1921-1963, care se încheie cu Sun in an Empty room (1963), de unde și titlul. Poemele dramatizau fiecare o pictură a lui Hopper, imaginând o poveste în spatele scenei; cartea a câștigat premiul Prix France Culture în 1991. Opt dintre poeme – Ground Swell, Girl at Sewing Machine, Compartment C, Car 293, Nighthawks, South Carolina Morning, House by the Railroad, People in the Sun și Roofs of Washington Square – au fost ulterior puse pe muzică de compozitoarea Graciane Finzi și înregistrate cu lectura cântăreței Natalie Dessay pe albumul său Portraits of America (2016), unde au fost completate prin selectarea a încă zece tablouri ale lui Hopper și a unor cântece din repertoriul de cântece americane care să le însoțească. În mod similar, poetul spaniol Ernest Farrés a scris o colecție de cincizeci și unu de poeme în catalană, sub numele Edward Hopper (2006, traducere în engleză 2010 de Lawrence Venuti), iar James Hoggard a scris Triangles of Light: The Edward Hopper Poems (Wings Press, 2009). O colecție de diverși poeți a fost organizată în The Poetry of Solitude: A Tribute to Edward Hopper 1995 (editor Gail Levin). Printre poemele individuale se numără Byron Vazakas (1957) și John Stone (1985), inspirați de Early Sunday Morning, și Mary Leader, inspirată de Girl at Sewing Machine.
Citește și, biografii – Girolamo Savonarola
Expoziții
În 1980, expoziția Edward Hopper: The Art and the Artist a fost deschisă la Whitney Museum of American Art și a vizitat Londra, Düsseldorf și Amsterdam, precum și San Francisco și Chicago. Pentru prima dată, această expoziție a prezentat picturile în ulei ale lui Hopper împreună cu studiile pregătitoare pentru aceste lucrări. Acesta a fost începutul popularității lui Hopper în Europa și al marii sale reputații mondiale.
În 2004, o mare selecție de tablouri ale lui Hopper a făcut un turneu în Europa, vizitând Muzeul Ludwig din Köln, Germania, și Tate Modern din Londra. Expoziția de la Tate a devenit a doua cea mai populară din istoria galeriei, cu 420.000 de vizitatori în cele trei luni în care a fost deschisă.
În 2007, la Muzeul de Arte Frumoase din Boston a fost prezentată o expoziție axată pe perioada celor mai mari realizări ale lui Hopper – din 1925 până la mijlocul secolului trecut. Expoziția cuprindea cincizeci de picturi în ulei, treizeci de acuarele și douăsprezece gravuri, inclusiv favoritele Nighthawks, Chop Suey și Lighthouse and Buildings. Expoziția a fost organizată de Muzeul de Arte Frumoase din Boston, Galeria Națională de Artă din Washington și Institutul de Artă din Chicago și sponsorizată de firma de consultanță în management global Booz Allen Hamilton.
În 2010, Muzeul Fondation de l”Hermitage din Lausanne, Elveția, a organizat o expoziție care a acoperit întreaga carieră a lui Hopper, cu lucrări provenite în mare parte de la Muzeul Whitney din New York. Expoziția a inclus picturi, acuarele, gravuri, desene animate, postere, precum și unele dintre studiile pregătitoare pentru anumite picturi. Expoziția fusese văzută anterior la Milano și Roma. În 2011, The Whitney Museum of American Art a organizat o expoziție intitulată Edward Hopper and His Times.
În 2012, la Grand Palais din Paris a fost deschisă o expoziție care a încercat să pună în lumină complexitatea capodoperelor sale, ceea ce reprezintă un indiciu al bogăției operei lui Hopper. Expoziția a fost împărțită cronologic în două părți principale: prima secțiune a acoperit anii de formare ai lui Hopper (1900-1924), comparând lucrările sale cu cele ale contemporanilor săi și cu arta pe care a văzut-o la Paris, care este posibil să îl fi influențat. A doua secțiune a analizat arta anilor de maturitate, de la primele picturi emblematice pentru stilul său personal, precum House by the Railroad (1924), până la ultimele sale lucrări.
În 2020, Fundația Beyeler a organizat o expoziție care prezintă arta lui Hopper. Expoziția s-a axat pe „reprezentările iconice ale lui Hopper ale întinderii infinite a peisajelor și peisajelor urbane americane”. Acest aspect a fost rareori menționat în cadrul expozițiilor, însă este un ingredient-cheie pentru înțelegerea operei lui Hopper.
Citește și, biografii – Ioan al Angliei
Piața de artă
Operele lui Hopper apar rar pe piață. Artistul nu a fost prolific, pictând doar 366 de pânze; în anii 1950, când avea 70 de ani, a produs aproximativ cinci tablouri pe an. Dealerul de lungă durată al lui Hopper, Frank Rehn, care i-a oferit artistului prima sa expoziție personală în 1924, a vândut Hotel Window (1956) colecționarei Olga Knoepke pentru 7.000 de dolari (echivalentul a 64.501 dolari în 2020) în 1957. În 1999, colecția Forbes Collection l-a vândut actorului Steve Martin în mod privat pentru aproximativ 10 milioane de dolari. În 2006, Martin a vândut-o pentru 26,89 milioane de dolari la Sotheby”s New York, un record de licitație pentru artist.
În 2013, Academia de Arte Frumoase din Pennsylvania a scos la vânzare East Wind Over Weehawken (1934) de Hopper, sperând să obțină între 22 și 28 de milioane de dolari, cât este evaluat tabloul, pentru a crea un fond de achiziție de „artă contemporană” care să se aprecieze. Este o scenă stradală redată în tonuri întunecate, pământii, care înfățișează casa cu frontispiciu de pe 1001 Boulevard East, la intersecția cu strada 49 din Weehawken, New Jersey, și este considerată una dintre cele mai bune lucrări ale lui Hopper. A fost achiziționată direct de la dealerul care se ocupa de picturile artistului în 1952, cu cincisprezece ani înainte de moartea pictorului, la un preț foarte mic. Tabloul a fost vândut pentru suma record de 36 de milioane de dolari la Christie”s din New York, unui licitator anonim prin telefon.
În 2018, după moartea colecționarului de artă Barney A. Ebsworth și licitația ulterioară a multora dintre piesele din colecția sa, Chop Suey (1929) a fost vândută cu 92 de milioane de dolari, devenind cea mai scumpă lucrare a lui Hopper cumpărată vreodată la licitație.
Pe lângă influența sa (a se vedea § Influență), Hopper este frecvent citat în cultura populară.
În 1981, Hopper”s Silence, un documentar realizat de Brian O”Doherty și produs de Whitney Museum of American Art, a fost prezentat în cadrul Festivalului de Film de la New York, la Alice Tully Hall.
Regizorul austriac Gustav Deutsch a creat în 2013 filmul Shirley – Viziuni ale realității, bazat pe 13 dintre tablourile lui Edward Hopper.
Alte lucrări bazate sau inspirate de picturile lui Hopper includ albumul Nighthawks at the Diner din 1975 al lui Tom Waits și o serie de fotografii realizate în 2012 de Gail Albert Halaban.
În cartea (1985, 1998) și expoziția itinerantă Hopper”s Places, Gail Levin a localizat și fotografiat locurile în care au fost realizate multe dintre picturile lui Hopper. În recenzia sa din 1985 despre o expoziție organizată de Levin, Vivien Raynor scria în New York Times: „Deducțiile domnișoarei Levin sunt invariabil lămuritoare, ca atunci când deduce că tendința lui Hopper de a alunge structurile a fost o reflectare a propriei sale înălțimi mari.”
Albumul Crush din 1985 al trupei de muzică new wave Orchestral Manoeuvres in the Dark conține o ilustrație inspirată de mai multe tablouri de Hopper, printre care Early Sunday Morning, Nighthawks și Room in New York. Single-ul din 2013 al trupei „Night Cafe” a fost influențat de Nighthawks și îl menționează pe Hopper. Șapte dintre picturile sale sunt menționate în versuri.
New York City Opera a pus în scenă la Harlem Stage, în 2016, premiera pe Coasta de Est a operei „Hopper”s Wife” de Stewart Wallace – o operă de cameră din 1997 despre o căsătorie imaginară între Edward Hopper și Hedda Hopper, editorialistă de bârfe.
Romanciera irlandeză, Christine Dwyer Hickey, a publicat în 2019 un roman, The Narrow Land, în care Edward și Jo Hopper erau personaje centrale.
Paul Weller a inclus un cântec intitulat „Hopper” pe albumul său din 2017, A Kind Revolution.
sursele
