Frida Kahlo
gigatos | aprilie 2, 2022
Rezumat
Magdalena Carmen Frida Kahlo y Calderón (6 iulie 1907 – 13 iulie 1954) a fost o pictoriță mexicană cunoscută pentru numeroasele sale portrete, autoportrete și lucrări inspirate de natura și artefactele din Mexic. Inspirată de cultura populară a țării, ea a folosit un stil de artă populară naivă pentru a explora chestiuni legate de identitate, postcolonialism, gen, clasă și rasă în societatea mexicană. Picturile sale aveau adesea elemente autobiografice puternice și amestecau realismul cu fantezia. Pe lângă apartenența la mișcarea postrevoluționară Mexicayotl, care a căutat să definească o identitate mexicană, Kahlo a fost descrisă ca fiind suprarealistă sau realistă magică. Este cunoscută pentru că a pictat despre experiența ei de durere cronică.
Născută dintr-un tată german și o mamă metisă, Kahlo și-a petrecut cea mai mare parte a copilăriei și a vieții de adult în La Casa Azul, casa familiei sale din Coyoacán – acum accesibilă publicului sub numele de Muzeul Frida Kahlo. Deși a fost invalidată de poliomielită în copilărie, Kahlo a fost o studentă promițătoare care se îndrepta spre facultatea de medicină până când a fost rănită într-un accident de autobuz la vârsta de 18 ani, ceea ce i-a provocat dureri și probleme medicale pe viață. În timpul recuperării, s-a întors la interesul ei din copilărie pentru artă, cu ideea de a deveni artistă.
Interesul lui Kahlo pentru politică și artă a determinat-o să se alăture Partidului Comunist Mexican în 1927, ocazie cu care l-a cunoscut pe colegul ei, artistul mexican Diego Rivera. Cuplul s-a căsătorit în 1929 și a petrecut sfârșitul anilor 1920 și începutul anilor 1930 călătorind împreună în Mexic și în Statele Unite. În această perioadă, ea și-a dezvoltat stilul artistic, inspirându-se în principal din cultura populară mexicană, și a pictat mai ales mici autoportrete care amestecau elemente din credințele precolumbiene și catolice. Picturile ei au stârnit interesul artistului suprarealist André Breton, care a aranjat prima expoziție personală a lui Kahlo la Galeria Julien Levy din New York în 1938; expoziția a fost un succes și a fost urmată de o alta la Paris în 1939. În timp ce expoziția franceză a avut mai puțin succes, Luvru a achiziționat un tablou al lui Kahlo, The Frame (Cadrul), făcând-o prima artistă mexicană care a intrat în colecția sa. De-a lungul anilor 1940, Kahlo a participat la expoziții în Mexic și în Statele Unite și a lucrat ca profesor de artă. A predat la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado („La Esmeralda”) și a fost membru fondator al Seminario de Cultura Mexicana. Sănătatea mereu fragilă a lui Kahlo a început să se deterioreze în același deceniu. A avut prima sa expoziție personală în Mexic în 1953, cu puțin timp înainte de a muri în 1954, la vârsta de 47 de ani.
Activitatea artistică a lui Kahlo a rămas relativ necunoscută până la sfârșitul anilor 1970, când opera sa a fost redescoperită de istoricii de artă și de activiștii politici. Până la începutul anilor 1990, nu numai că a devenit o figură recunoscută în istoria artei, dar a fost, de asemenea, privită ca o icoană pentru Chicanos, mișcarea feministă și mișcarea LGBTQ+. Opera lui Kahlo a fost celebrată la nivel internațional ca fiind emblematică pentru tradițiile naționale și indigene mexicane, precum și de către feministe pentru ceea ce se consideră a fi o reprezentare fără compromisuri a experienței și formei feminine.
Citește și, batalii – Asediul Ierusalimului (70)
Începutul carierei
Kahlo s-a bucurat de artă de la o vârstă fragedă, primind lecții de desen de la gravoristul Fernando Fernández (care era prietenul tatălui ei) și umplând caiete cu schițe. În 1925, a început să lucreze în afara școlii pentru a-și ajuta familia. După ce a lucrat pentru scurt timp ca stenografă, a devenit ucenică plătită la gravură pentru Fernández. deși nu a luat în considerare arta ca o carieră în acest moment.
Un grav accident de autobuz, la vârsta de 18 ani, a lăsat-o pe Kahlo cu dureri pe viață. Închisă la pat timp de trei luni după accident, Kahlo a început să picteze. Ea a început să ia în considerare și o carieră de ilustrator medical, care ar fi combinat interesele sale în domeniul științei și al artei. Mama ei i-a pus la dispoziție un șevalet special făcut pentru ea, care îi permitea să picteze în pat, iar tatăl ei i-a împrumutat câteva dintre vopselele sale de ulei. A pus o oglindă deasupra șevaletului, pentru a se putea vedea. Pictura a devenit pentru Kahlo o modalitate de a explora întrebări legate de identitate și existență. Ea a explicat: „Mă pictez pe mine însămi pentru că sunt adesea singură și eu sunt subiectul pe care îl cunosc cel mai bine”. Ulterior, ea a declarat că accidentul și perioada de recuperare izolatoare au făcut-o să își dorească „să o ia de la capăt, pictând lucruri doar ca pe ochii ei și nimic mai mult”.
Majoritatea picturilor realizate de Kahlo în această perioadă erau portrete ale sale, ale surorilor sale și ale prietenelor sale de la școală. Primele sale picturi și corespondența arată că s-a inspirat în special din artiștii europeni, în special din maeștrii renascentiști, precum Sandro Botticelli și Bronzino, și din mișcările de avangardă, precum Neue Sachlichkeit și cubismul.
Când s-a mutat în Morelos, în 1929, împreună cu soțul ei Rivera, Kahlo a fost inspirată de orașul Cuernavaca, unde locuiau. Ea și-a schimbat stilul artistic și s-a inspirat din ce în ce mai mult din arta populară mexicană. Istoricul de artă Andrea Kettenmann afirmă că este posibil ca ea să fi fost influențată de tratatul lui Adolfo Best Maugard pe această temă, deoarece a încorporat multe dintre caracteristicile pe care acesta le-a subliniat – de exemplu, lipsa perspectivei și combinarea elementelor din perioadele precolumbiene și coloniale ale artei mexicane. Identificarea sa cu La Raza, poporul mexican, și interesul profund pentru cultura acestuia au rămas fațete importante ale artei sale pe tot parcursul vieții.
Citește și, biografii – Fra Angelico
Munca în Statele Unite ale Americii
Când Kahlo și Rivera s-au mutat la San Francisco în 1930, Kahlo a făcut cunoștință cu artiști americani precum Edward Weston, Ralph Stackpole, Timothy L. Pflueger și Nickolas Muray. Cele șase luni petrecute în San Francisco au fost o perioadă productivă pentru Kahlo, care a dezvoltat în continuare stilul de artă populară pe care îl adoptase în Cuernavaca. Pe lângă faptul că a pictat portretele mai multor cunoștințe noi, a realizat Frieda și Diego Rivera (1931), un portret dublu bazat pe fotografia lor de nuntă, și Portretul lui Luther Burbank (1931), care îl înfățișa pe horticultorul omonim ca un hibrid între un om și o plantă. Deși în continuare se prezenta în mod public mai degrabă ca simplă soție a lui Rivera decât ca artistă, ea a participat pentru prima dată la o expoziție, când Frieda și Diego Rivera a fost inclusă în cea de-a șasea expoziție anuală a Societății Femeilor Artiști din San Francisco din Palatul Legiunii de Onoare.
Când s-a mutat la Detroit împreună cu Rivera, Kahlo a avut numeroase probleme de sănătate legate de o sarcină eșuată. În ciuda acestor probleme de sănătate, precum și a aversiunii sale față de cultura capitalistă a Statelor Unite, perioada petrecută de Kahlo în oraș a fost benefică pentru exprimarea sa artistică. Ea a experimentat diferite tehnici, cum ar fi gravura și frescele, iar picturile sale au început să prezinte un stil narativ mai puternic. De asemenea, a început să pună accentul pe temele „terorii, suferinței, rănilor și durerii”. În ciuda popularității picturii murale în arta mexicană la acea vreme, ea a adoptat un mediu diametral opus, imaginile votive sau retablos, picturi religioase realizate pe mici foi de metal de către artiști amatori pentru a mulțumi sfinților pentru binecuvântările lor în timpul unei calamități. Printre lucrările pe care le-a realizat în maniera retablo în Detroit se numără Henry Ford Hospital (1932), My Birth (1932) și Self-Portrait on the Border of Mexico and the United States (1932). Deși niciuna dintre lucrările lui Kahlo nu a fost prezentată în expoziții în Detroit, aceasta a acordat un interviu pentru Detroit News despre arta sa; articolul a fost intitulat condescendent „Soția maestrului pictor muralist se dedă cu bucurie la opere de artă”.
Citește și, biografii – Margareta de Anjou
Întoarcerea la Mexico City și recunoașterea internațională
La întoarcerea în Ciudad de Mexico în 1934, Kahlo nu a mai pictat niciun tablou nou, iar în anul următor doar două, din cauza unor complicații de sănătate. Cu toate acestea, în 1937 și 1938, cariera artistică a lui Kahlo a fost extrem de productivă, în urma divorțului și apoi a împăcării cu Rivera. Ea a pictat mai mult „decât făcuse în toți cei opt ani de căsnicie anteriori”, creând lucrări precum My Nurse and I (1937), Memory, the Heart (1937), Four Inhabitants of Mexico (1938) și What the Water Gave Me (1938). Deși era încă nesigură în privința operei sale, Universitatea Națională Autonomă din Mexic a expus câteva dintre picturile sale la începutul anului 1938. A realizat prima vânzare semnificativă în vara anului 1938, când starul de film și colecționarul de artă Edward G. Robinson a cumpărat patru tablouri cu 200 de dolari fiecare. O recunoaștere și mai mare a urmat atunci când suprarealistul francez André Breton a vizitat-o pe Rivera în aprilie 1938. El a fost impresionat de Kahlo, afirmând imediat că este suprarealistă și descriindu-i opera ca fiind „o panglică în jurul unei bombe”. El nu numai că a promis că va aranja ca picturile ei să fie expuse la Paris, dar i-a scris și prietenului său și comerciant de artă, Julien Levy, care a invitat-o să organizeze prima ei expoziție personală la galeria sa de pe East 57th Street din Manhattan.
În octombrie, Kahlo a călătorit singură la New York, unde rochia ei mexicană colorată „a făcut senzație” și a făcut-o să fie văzută ca „culmea exotismului”. La vernisajul expoziției din noiembrie au participat personalități celebre precum Georgia O”Keeffe și Clare Boothe Luce și a primit multă atenție pozitivă în presă, deși mulți critici au adoptat un ton condescendent în recenziile lor. De exemplu, Time scria că „picturile micuței Frida … aveau delicatețea miniaturilor, roșul și galbenul viu al tradiției mexicane și fantezia jucăușă și sângeroasă a unui copil nesentimental”. În ciuda Marii Crize, Kahlo a vândut jumătate din cele 25 de tablouri prezentate în expoziție. De asemenea, a primit comenzi din partea lui A. Conger Goodyear, pe atunci președinte al MoMA, și a lui Clare Boothe Luce, pentru care a pictat un portret al prietenei lui Luce, socialita Dorothy Hale, care se sinucisese sărind de pe clădirea în care locuia. În timpul celor trei luni petrecute la New York, Kahlo a pictat foarte puțin, concentrându-se în schimb pe bucuria de a se bucura de oraș în măsura în care sănătatea ei fragilă i-a permis. De asemenea, a avut mai multe aventuri, continuând-o pe cea cu Nickolas Muray și angajându-se în altele cu Levy și Edgar Kaufmann, Jr.
În ianuarie 1939, Kahlo a plecat la Paris pentru a da curs invitației lui André Breton de a organiza o expoziție cu lucrările sale. Când a sosit, a aflat că acesta nu îi vămuise picturile și nici măcar nu mai deținea o galerie. Cu ajutorul lui Marcel Duchamp, a reușit să aranjeze o expoziție la Galeria Renou et Colle. Alte probleme au apărut atunci când galeria a refuzat să expună toate picturile lui Kahlo, cu excepția a două, considerându-le prea șocante pentru public, iar Breton a insistat ca acestea să fie expuse alături de fotografii ale lui Manuel Alvarez Bravo, sculpturi precolumbiene, portrete mexicane din secolele al XVIII-lea și al XIX-lea și ceea ce ea considera „vechituri”: cranii de zahăr, jucării și alte obiecte pe care le cumpărase de pe piețele mexicane.
Expoziția a fost deschisă în martie, dar a primit mult mai puțină atenție decât în Statele Unite, în parte din cauza celui de-al Doilea Război Mondial care se apropia, și a fost în pierdere din punct de vedere financiar, ceea ce a determinat-o pe Kahlo să anuleze o expoziție planificată la Londra. Cu toate acestea, Louvre a cumpărat The Frame, făcând-o prima artistă mexicană care a fost prezentată în colecția lor. De asemenea, a fost primită cu căldură de alți artiști parizieni, cum ar fi Pablo Picasso și Joan Miró, precum și de lumea modei, designerul Elsa Schiaparelli creând o rochie inspirată de ea, iar Vogue Paris prezentând-o în paginile sale. Cu toate acestea, părerea ei generală despre Paris și suprarealiști a rămas negativă; într-o scrisoare adresată lui Muray, ea i-a numit „această adunătură de nebuni coioși și suprarealiști foarte proști”, care „sunt atât de nebunește „intelectuali” și putreziți încât nici măcar nu-i mai pot suporta”.
În Statele Unite, picturile lui Kahlo au continuat să stârnească interes. În 1941, lucrările sale au fost prezentate la Institutul de Artă Contemporană din Boston, iar în anul următor a participat la două expoziții de profil la New York, expoziția Twentieth-Century Portraits de la MoMA și expoziția First Papers of Surrealism a suprarealiștilor. În 1943, a fost inclusă în expoziția Mexican Art Today de la Muzeul de Artă din Philadelphia și în expoziția Women Artists de la galeria Peggy Guggenheim”s The Art of This Century din New York.
Kahlo a câștigat mai multă apreciere pentru arta sa și în Mexic. Ea a devenit membru fondator al Seminario de Cultura Mexicana, un grup de 25 de artiști însărcinat de Ministerul Educației Publice în 1942 să răspândească cunoștințele publicului despre cultura mexicană. În calitate de membru, a participat la planificarea expozițiilor și a participat la o conferință despre artă. În Ciudad de Mexico, picturile sale au fost prezentate în două expoziții de artă mexicană care au fost organizate la Biblioteca Benjamin Franklin în limba engleză în 1943 și 1944. A fost invitată să participe la „Salon de la Flor”, o expoziție prezentată în cadrul expoziției anuale de flori. Un articol scris de Rivera despre arta lui Kahlo a fost publicat, de asemenea, în revista editată de Seminario de Cultura Mexicana.
În 1943, Kahlo a acceptat un post de profesor la recent reformată și naționalistă Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado „La Esmeralda”. Ea și-a încurajat studenții să o trateze într-un mod informal și neierarhic și i-a învățat să aprecieze cultura populară și arta populară mexicană și să își extragă subiectele din stradă. Când problemele sale de sănătate au făcut dificilă deplasarea la școala din Mexico City, a început să țină lecțiile la La Casa Azul. Patru dintre elevii ei – Fanny Rabel, Arturo García Bustos, Guillermo Monroy și Arturo Estrada – au devenit devotați și au fost numiți „Los Fridos” pentru entuziasmul lor. Kahlo a obținut trei comenzi de picturi murale pentru ea și pentru elevii ei. În 1944, au pictat La Rosita, o pulqueria din Coyoacán. În 1945, guvernul le-a comandat să picteze picturi murale pentru o spălătorie din Coyoacán, ca parte a unui program național de ajutorare a femeilor sărace care își câștigau existența ca spălătorese. În același an, grupul a creat picturi murale pentru Posada del Sol, un hotel din Mexico City. Cu toate acestea, pictura a fost distrusă la scurt timp după ce a fost finalizată, deoarece proprietarului hotelului nu i-a plăcut.
Kahlo s-a luptat să trăiască din arta sa până la mijlocul și sfârșitul anilor 1940, deoarece a refuzat să își adapteze stilul pentru a se potrivi dorințelor clienților săi. A primit două comenzi din partea guvernului mexican la începutul anilor 1940. Nu a finalizat-o pe prima, posibil din cauza faptului că nu-i plăcea subiectul, iar cea de-a doua comandă a fost respinsă de organismul care a comandat-o. Cu toate acestea, a avut clienți privați obișnuiți, cum ar fi inginerul Eduardo Morillo Safa, care a comandat mai mult de treizeci de portrete ale membrilor familiei de-a lungul deceniului. Situația sa financiară s-a îmbunătățit când a primit un premiu național de 5000 de pesos pentru pictura Moses (1945) în 1946 și când The Two Fridas a fost achiziționată de Museo de Arte Moderno în 1947. Potrivit istoricului de artă Andrea Kettenmann, până la mijlocul anilor 1940, picturile ei erau „prezentate în majoritatea expozițiilor de grup din Mexic”. Mai mult, Martha Zamora a scris că putea „să vândă orice picta în acel moment; uneori, tablourile incomplete erau cumpărate chiar de pe șevalet”.
Citește și, biografii – Daniel Gabriel Fahrenheit
Ultimii ani
Chiar și în timp ce Kahlo câștiga recunoaștere în Mexic, starea ei de sănătate se deteriora rapid, iar o tentativă de intervenție chirurgicală pentru a-i susține coloana vertebrală a eșuat. Printre picturile sale din această perioadă se numără Coloana frântă (1944), Fără speranță (1945), Copacul speranței, Stai tare (1946) și Cerbul rănit (1946), care reflectă starea ei fizică precară. În timpul ultimilor ani, Kahlo a fost în cea mai mare parte limitată la Casa Azul. A pictat mai ales naturi statice, reprezentând fructe și flori cu simboluri politice precum steaguri sau porumbei. Era preocupată de posibilitatea de a-și putea înfățișa convingerile politice, declarând: „Am o mare neliniște în legătură cu picturile mele. În principal pentru că vreau să o fac utilă mișcării comuniste revoluționare… până acum am reușit pur și simplu o exprimare onestă a propriei mele persoane… Trebuie să mă lupt cu toate forțele mele pentru ca puținul pozitiv pe care mi-l permite sănătatea să îl fac să fie și în folosul Revoluției, singurul motiv real de a trăi”. De asemenea, și-a modificat și stilul de pictură: tușele ei, care înainte erau delicate și atente, erau acum mai grăbite, utilizarea culorilor mai îndrăzneață, iar stilul general mai intens și mai febril.
Fotografa Lola Alvarez Bravo a înțeles că Kahlo nu mai avea mult de trăit și, astfel, a organizat prima sa expoziție personală în Mexic, la Galeria Arte Contemporaneo, în aprilie 1953. Deși inițial Kahlo nu trebuia să participe la vernisaj, deoarece medicii îi prescriseseră repaus la pat, ea a ordonat ca patul ei cu baldachin să fie mutat de la casa ei la galerie. Spre surprinderea invitaților, a sosit într-o ambulanță și a fost transportată pe o targă până la pat, unde a rămas pe toată durata petrecerii. Expoziția a fost un eveniment cultural notabil în Mexic și a primit, de asemenea, atenția presei mainstream din întreaga lume. În același an, expoziția de artă mexicană de la Tate Gallery din Londra a prezentat cinci dintre picturile ei.
În 1954, Kahlo a fost din nou spitalizată în aprilie și mai. În acea primăvară, ea a reluat pictura după un interval de un an. Printre ultimele sale picturi se numără tablourile politice Marxismul va da sănătate bolnavilor (c. 1954) și Frida și Stalin (c. 1954) și natura moartă Viva La Vida (1954).
Estimările variază în ceea ce privește numărul de tablouri realizate de Kahlo în timpul vieții sale, cu cifre care variază de la mai puțin de 150. Primele sale picturi, realizate la mijlocul anilor 1920, arată influența maeștrilor renascentiști și a artiștilor europeni de avangardă, cum ar fi Amedeo Modigliani. Spre sfârșitul deceniului, Kahlo s-a inspirat mai mult din arta populară mexicană, atrasă de elementele sale de „fantezie, naivitate și fascinație pentru violență și moarte”. Stilul pe care l-a dezvoltat a amestecat realitatea cu elemente suprarealiste și a descris adesea durerea și moartea.
Unul dintre primii susținători ai lui Kahlo a fost artistul suprarealist André Breton, care a susținut că aceasta face parte din mișcare ca artistă care, se presupune, și-a dezvoltat stilul „în totală ignoranță față de ideile care au motivat activitățile prietenilor mei și ale mele”. Această afirmație a fost reluată de Bertram D. Wolfe, care a scris că stilul lui Kahlo era un „un fel de suprarealism „naiv”, pe care l-a inventat pentru ea însăși”. Deși Breton a considerat-o ca fiind în principal o forță feminină în cadrul mișcării suprarealiste, Kahlo a adus în prim-planul suprarealismului său întrebări și teme postcoloniale. Breton a descris, de asemenea, opera lui Kahlo ca fiind „minunat situată la punctul de intersecție dintre linia politică (filosofică) și linia artistică”. Deși a participat ulterior la expoziții suprarealiste, ea a declarat că „detestă suprarealismul”, care pentru ea era „artă burgheză” și nu „arta adevărată pe care poporul o așteaptă de la artist”. Unii istorici de artă nu au fost de acord dacă opera ei ar trebui clasificată ca aparținând mișcării. Potrivit Andreei Kettenmann, Kahlo a fost o simbolistă preocupată mai mult de portretizarea experiențelor sale interioare. Emma Dexter a argumentat că, întrucât Kahlo și-a derivat amestecul de fantezie și realitate în principal din mitologia aztecă și din cultura mexicană și nu din suprarealism, este mai potrivit să considerăm că picturile sale au mai multe în comun cu realismul magic, cunoscut și sub numele de Noua Obiectivitate. Acesta a combinat realitatea și fantezia și a folosit un stil asemănător cu cel al lui Kahlo, cum ar fi perspectiva aplatizată, personaje clar conturate și culori vii.
Citește și, biografii – Licinius
Mexicanidad
La fel ca mulți alți artiști mexicani contemporani, Kahlo a fost puternic influențată de Mexicanidad, un naționalism romantic care s-a dezvoltat în urma revoluției. Mișcarea Mexicanidad pretindea să reziste „mentalității de inferioritate culturală” creată de colonialism și acorda o importanță deosebită culturilor indigene. Înainte de revoluție, cultura populară mexicană – un amestec de elemente indigene și europene – era denigrată de către elită, care pretindea că are o ascendență pur europeană și privea Europa ca fiind definiția civilizației pe care Mexicul ar trebui să o imite. Ambiția artistică a lui Kahlo era să picteze pentru poporul mexican și a declarat că își dorea „să fie demnă, prin picturile mele, de poporul căruia îi aparțin și de ideile care mă întăresc”. Pentru a impune această imagine, ea a preferat să ascundă educația pe care o primise în domeniul artei de la tatăl ei și de la Ferdinand Fernandez și la școala pregătitoare. În schimb, a cultivat o imagine de „artistă autodidactă și naivă”.
Când Kahlo și-a început cariera de artistă în anii 1920, muralele dominau scena artistică mexicană. Aceștia au creat lucrări publice de mari dimensiuni în genul maeștrilor renascentiști și al realiștilor socialiști ruși: de obicei, reprezentau mase de oameni, iar mesajele lor politice erau ușor de descifrat. Deși a fost apropiată de muraliști precum Rivera, José Clemente Orozco și David Alfaro Siquieros și le-a împărtășit angajamentul față de socialism și naționalismul mexican, majoritatea picturilor lui Kahlo erau autoportrete de dimensiuni relativ mici. În special în anii 1930, stilul ei era îndatorat în special picturilor votive sau retablos, care erau imagini religioase de mărimea unei cărți poștale realizate de artiști amatori. Scopul lor era de a mulțumi sfinților pentru protecția lor în timpul unei calamități și, în mod normal, reprezentau un eveniment, cum ar fi o boală sau un accident, de care comisarul său fusese salvat. Accentul era pus pe figurile reprezentate și rareori prezentau o perspectivă realistă sau un fundal detaliat, distilând astfel evenimentul la esența sa. Kahlo a avut o colecție vastă de aproximativ 2.000 de retablo, pe care le-a expus pe pereții din La Casa Azul. Potrivit Laurei Mulvey și lui Peter Wollen, formatul retablo i-a permis lui Kahlo „să dezvolte limitele pur iconice și i-a permis să folosească narațiunea și alegoria”.
Multe dintre autoportretele lui Kahlo imită clasicele portrete cu bustul lung, la modă în perioada colonială, dar subminează formatul prin faptul că își prezintă subiectul ca fiind mai puțin atractiv decât în realitate. Ea s-a concentrat mai frecvent asupra acestui format spre sfârșitul anilor 1930, reflectând astfel schimbările din societatea mexicană. Din ce în ce mai deziluzionați de moștenirea revoluției și luptându-se să facă față efectelor Marii Crize, mexicanii abandonau etosul socialismului pentru individualism. Acest lucru a fost reflectat de „cultele personalității”, care s-au dezvoltat în jurul unor vedete de film mexicane precum Dolores del Río. Potrivit lui Schaefer, „autoportretele cu măști ale lui Kahlo sunt un ecou al fascinației contemporane pentru prim-planul cinematografic al frumuseții feminine, precum și al misticii alterității feminine exprimate în filmul noir”. Prin repetarea mereu a acelorași trăsături faciale, Kahlo s-a inspirat din reprezentarea zeițelor și a sfinților din culturile indigene și catolice.
Dintre artiștii populari mexicani, Kahlo a fost influențată în special de Hermenegildo Bustos, ale cărui lucrări înfățișau cultura mexicană și viața țărănească, și de José Guadalupe Posada, care descria accidentele și crimele într-o manieră satirică. De asemenea, s-a inspirat din operele lui Hieronymus Bosch, pe care l-a numit „om de geniu”, și ale lui Pieter Bruegel cel Bătrân, al cărui accent pe viața țărănească era similar cu interesul ei pentru poporul mexican. O altă influență a fost poeta Rosario Castellanos, ale cărei poezii relatează adesea soarta unei femei în societatea mexicană patriarhală, o preocupare pentru corpul feminin și povestesc povești de imensă durere fizică și emoțională.
Citește și, biografii – Charles Lindbergh
Simbolism și iconografie
Picturile lui Kahlo prezintă adesea imagini cu rădăcini, cu rădăcini care cresc din corpul ei pentru a o lega de pământ. Acest lucru reflectă, în sens pozitiv, tema creșterii personale; în sens negativ, ideea de a fi prins într-un anumit loc, timp și situație; și, într-un sens ambiguu, modul în care amintirile din trecut influențează prezentul în bine și în rău.
Întrucât a suferit pentru tot restul vieții în urma accidentului de autobuz din tinerețe, Kahlo și-a petrecut o mare parte din viață în spitale și a fost supusă unor intervenții chirurgicale, multe dintre ele efectuate de șarlatani care credeau că o pot readuce la starea în care se afla înainte de accident. Multe dintre picturile lui Kahlo sunt preocupate de imaginile medicale, care sunt prezentate în termeni de durere și suferință, înfățișând-o pe Kahlo sângerând și afișându-și rănile deschise. Multe dintre picturile medicale ale lui Kahlo, în special cele care se referă la naștere și avort spontan, au un puternic sentiment de vinovăție, de trăire a propriei vieți în detrimentul altei persoane care a murit pentru ca tu să poți trăi.
Deși Kahlo s-a prezentat pe ea însăși și evenimente din viața ei în picturile sale, acestea aveau adesea un înțeles ambiguu. Ea nu le-a folosit doar pentru a-și arăta experiența sa subiectivă, ci și pentru a ridica întrebări despre societatea mexicană și construcția identității în cadrul acesteia, în special în ceea ce privește genul, rasa și clasa socială. Istoricul Liza Bakewell a afirmat că Kahlo „a recunoscut conflictele aduse de ideologia revoluționară”:
Ce înseamnă să fii mexican? – modern, dar precolumbian; tânăr, dar bătrân; anticatolic, dar catolic; occidental, dar din Lumea Nouă; în curs de dezvoltare, dar subdezvoltat; independent, dar colonizat; metis, dar nici spaniol, nici indian.
Pentru a explora aceste întrebări prin intermediul artei sale, Kahlo a dezvoltat o iconografie complexă, folosind pe scară largă simboluri și mitologie precolumbiene și creștine în picturile sale. În majoritatea autoportretelor sale, ea își înfățișează chipul ca o mască, dar înconjurat de indicii vizuale care permit privitorului să descifreze semnificații mai profunde pentru acesta. Mitologia aztecă este foarte prezentă în picturile lui Kahlo prin simboluri care includ maimuțe, schelete, cranii, sânge și inimi; adesea, aceste simboluri se refereau la miturile lui Coatlicue, Quetzalcoatl și Xolotl. Alte elemente centrale pe care Kahlo le-a derivat din mitologia aztecă au fost hibriditatea și dualismul. Multe dintre picturile sale înfățișează opuse: viața și moartea, premodernitatea și modernitatea, mexicanul și europeanul, bărbatul și femeia.
Pe lângă legendele aztece, Kahlo a reprezentat frecvent în picturile sale două figuri feminine centrale din folclorul mexican: La Llorona și La Malinche ca fiind legate de situațiile grele, de suferință, de nenorocire sau de judecată, ca fiind calamitate, nenorocite sau fiind „de la chingada”. De exemplu, atunci când s-a pictat pe ea însăși în urma avortului spontan suferit la Detroit, în spitalul Henry Ford (1932), se arată plângând, cu părul ciufulit și inima descoperită, toate acestea fiind considerate ca făcând parte din înfățișarea lui La Llorona, o femeie care și-a ucis copiii. Pictura a fost interpretată în mod tradițional ca fiind o simplă descriere a durerii și a suferinței lui Kahlo din cauza sarcinilor sale eșuate. Însă, odată cu interpretarea simbolurilor din pictură și cu informațiile despre opiniile reale ale lui Kahlo despre maternitate din corespondența sa, pictura a fost considerată ca reprezentând alegerea neconvențională și tabu a unei femei care rămâne fără copii în societatea mexicană.
Kahlo și-a înfățișat adesea propriul corp în picturile sale, prezentându-l în diferite stări și deghizări: rănit, rupt, ca un copil sau îmbrăcat în diferite ținute, cum ar fi costumul Tehuana, un costum de bărbat sau o rochie europeană. Ea și-a folosit corpul ca metaforă pentru a explora întrebări legate de rolurile sociale. Picturile ei au descris adesea corpul feminin într-o manieră neconvențională, cum ar fi în timpul avorturilor spontane și al nașterii sau al travestirii. Prin reprezentarea corpului feminin într-o manieră grafică, Kahlo a poziționat privitorul în rolul de voyeur, „făcând practic imposibil pentru un privitor să nu-și asume o poziție conștientă de răspuns”.
Potrivit lui Nancy Cooey, Kahlo s-a transformat, prin intermediul picturilor sale, în „personajul principal al propriei mitologii, ca femeie, ca mexicancă și ca persoană suferindă … Ea a știut să le transforme pe fiecare în parte într-un simbol sau semn capabil să exprime enorma rezistență spirituală a umanității și splendida sa sexualitate”. În mod similar, Nancy Deffebach a afirmat că Kahlo „s-a creat pe sine însăși ca subiect feminin, mexican, modern și puternic”, care s-a îndepărtat de dihotomia obișnuită a rolurilor de mamă
receptarea critică a explorării subiectivității și a istoriei personale a negat sau a de-subliniat prea des politica implicată în examinarea propriei locații, a moștenirilor și a condițiilor sociale … Răspunsurile critice continuă să treacă cu vederea reelaborarea personală a lui Kahlo, ignorând sau minimalizând interogarea de către aceasta a sexualității, a diferenței sexuale, a marginalității, a identității culturale, a subiectivității feminine, a politicii și a puterii.
Citește și, istorie – Bolșevic
1907-1924: Familie și copilărie
Magdalena Carmen Frida Kahlo y Calderón s-a născut la 6 iulie 1907 în Coyoacán, un sat de la periferia orașului Mexico City. Kahlo a declarat că s-a născut în casa familiei, La Casa Azul (Casa Albastră), dar, potrivit registrului oficial al nașterii, nașterea a avut loc în casa din apropiere a bunicii sale materne. Părinții lui Kahlo au fost fotograful Guillermo Kahlo (1871-1941) și Matilde Calderón y González (1876-1932), iar când au născut-o aveau 36, respectiv 30 de ani. Originar din Germania, Guillermo emigrase în Mexic în 1891, după ce epilepsia provocată de un accident i-a pus capăt studiilor universitare. Deși Kahlo a declarat că tatăl ei era evreu, iar bunicii ei paterni erau evrei din orașul Arad, această afirmație a fost contestată în 2006 de o pereche de genealogiști germani care au descoperit că el era în schimb luteran. Matilde s-a născut în Oaxaca, dintr-un tată indigen și o mamă de origine spaniolă. În afară de Kahlo, din căsătorie au rezultat fiicele Matilde (c. 1898-1951), Adriana (c. 1902-1968) și Cristina (c. 1908-1964). A avut două surori vitrege din prima căsătorie a lui Guillermo, María Luisa și Margarita, dar acestea au fost crescute într-o mănăstire.
Mai târziu, Kahlo a descris atmosfera din casa copilăriei sale ca fiind adesea „foarte, foarte tristă”, iar căsnicia lor a fost lipsită de dragoste. Relația ei cu mama ei, Matilde, era extrem de tensionată. Kahlo și-a descris mama ca fiind „bună, activă și inteligentă, dar și calculată, crudă și fanatic religioasă”. Afacerea de fotografie a tatălui ei, Guillermo, a avut mult de suferit în timpul Revoluției mexicane, deoarece guvernul răsturnat îi comandase lucrări, iar lungul război civil a limitat numărul de clienți privați.
La vârsta de șase ani, Kahlo a contractat poliomielita, care i-a făcut piciorul drept mai scurt și mai subțire decât cel stâng. Boala a obligat-o să fie izolată de colegii ei timp de luni de zile și a fost agresată. În timp ce experiența a făcut-o retrasă, a făcut-o favorita lui Guillermo, datorită experienței lor comune de a trăi cu un handicap. Kahlo l-a creditat pentru că i-a făcut copilăria „minunată… el a fost pentru mine un exemplu imens de tandrețe, de muncă (fotograf și, de asemenea, pictor) și, mai presus de toate, de înțelegere pentru toate problemele mele”. El a învățat-o despre literatură, natură și filozofie și a încurajat-o să facă sport pentru a-și recăpăta forțele, în ciuda faptului că majoritatea exercițiilor fizice erau considerate nepotrivite pentru fete. De asemenea, el a învățat-o fotografie, iar ea a început să-l ajute să retușeze, să dezvolte și să coloreze fotografii.
Din cauza poliomielitei, Kahlo a început școala mai târziu decât colegii ei. Împreună cu sora ei mai mică, Cristina, a frecventat grădinița și școala primară locală din Coyoacán, iar în clasele a cincea și a șasea a fost educată la domiciliu. În timp ce Cristina le-a urmat pe surorile lor la o școală de mănăstire, Kahlo a fost înscrisă la o școală germană din dorința tatălui lor. A fost curând exmatriculată pentru neascultare și a fost trimisă la o școală de profesori vocaționali. Șederea ei la școală a fost scurtă, deoarece a fost abuzată sexual de o profesoară.
În 1922, Kahlo a fost acceptată la școala de elită National Preparatory School, unde s-a axat pe științele naturale cu scopul de a deveni medic. Instituția începuse abia de curând să admită femei, având doar 35 de fete din 2.000 de elevi. era o cititoare vorace și a devenit „profund imersată și serios angajată în cultura mexicană, în activismul politic și în problemele de justiție socială”. Școala a promovat indigenismo, un nou sentiment de identitate mexicană care se mândrea cu moștenirea indigenă a țării și căuta să se debaraseze de mentalitatea colonială în care Europa era considerată superioară Mexicului. Nouă dintre colegii ei de școală, cu care a format un grup informal numit „Cachuchas”, au avut o influență deosebită asupra lui Kahlo în această perioadă – mulți dintre ei vor deveni figuri importante ale elitei intelectuale mexicane. Erau rebeli și împotriva a tot ce era conservator și făceau farse, puneau în scenă piese de teatru și dezbăteau filozofia și clasicii ruși. Pentru a masca faptul că era mai în vârstă și pentru a se declara „fiică a revoluției”, a început să spună că s-a născut la 7 iulie 1910, anul în care a început Revoluția mexicană, lucru pe care l-a continuat pe tot parcursul vieții sale. S-a îndrăgostit de Alejandro Gomez Arias, liderul grupului și prima ei dragoste. Părinții ei nu au fost de acord cu această relație. Arias și Kahlo au fost des despărțiți unul de celălalt, din cauza instabilității politice și a violenței din acea perioadă, așa că au făcut schimb de scrisori de dragoste pasionale.
Citește și, biografii – Francisc I al Austriei
1925-1930: Accident de autobuz și căsătoria cu Diego Rivera
Pe 17 septembrie 1925, Kahlo și prietenul ei, Arias, se întorceau de la școală. S-au urcat într-un autobuz, dar au coborât din autobuz pentru a căuta o umbrelă pe care Kahlo o lăsase în urmă. S-au urcat apoi într-un al doilea autobuz, care era aglomerat, și s-au așezat în spate. Șoferul a încercat să depășească un tramvai electric care venea din sens opus. Tramvaiul s-a izbit de partea laterală a autobuzului de lemn, târându-l câțiva metri. Mai mulți pasageri au fost uciși în accident. În timp ce Arias a suferit răni minore, Kahlo a fost împunsă cu o balustradă de fier care i-a trecut prin pelvis. Ea a descris mai târziu rana ca fiind „felul în care o sabie străpunge un taur”. Balustrada a fost îndepărtată de Arias și de alte persoane, ceea ce a fost incredibil de dureros pentru Kahlo.
Kahlo a suferit multe răni: Osul pelvian a fost fracturat, abdomenul și uterul i-au fost perforate de șină, coloana vertebrală a fost ruptă în trei locuri, piciorul drept a fost rupt în unsprezece locuri, piciorul drept a fost zdrobit și dislocat, clavicula a fost ruptă, iar umărul a fost dislocat. A petrecut o lună în spital și două luni de recuperare la domiciliu înainte de a se putea întoarce la muncă. Deoarece a continuat să resimtă oboseală și dureri de spate, medicii i-au comandat radiografii, care au arătat că accidentul a deplasat și trei vertebre. Ca tratament, a fost nevoită să poarte un corset de ghips care a ținut-o la pat aproape trei luni.
Accidentul a pus capăt viselor lui Kahlo de a deveni medic și i-a provocat dureri și boli pentru tot restul vieții; prietenul ei, Andrés Henestrosa, a declarat că Kahlo „a trăit murind”. Repausul la pat al lui Kahlo a luat sfârșit la sfârșitul anului 1927 și a început să socializeze cu vechii ei prieteni din școală, care acum erau la universitate și implicați în politica studențească. S-a înscris în Partidul Comunist Mexican (PCM) și a făcut cunoștință cu un cerc de activiști politici și artiști, printre care se numărau comunistul cubanez exilat Julio Antonio Mella și fotograful italo-american Tina Modotti.
La una dintre petrecerile lui Modotti, în iunie 1928, Kahlo a fost prezentată lui Diego Rivera. Se întâlniseră pentru scurt timp în 1922, când acesta pictase o pictură murală la școala ei. La scurt timp după ce au făcut cunoștință în 1928, Kahlo l-a rugat pe Rivera să judece dacă picturile ei arătau suficient talent pentru ca ea să urmeze o carieră de artist. Rivera și-a amintit că a fost impresionat de lucrările ei, afirmând că acestea arătau „o energie neobișnuită de expresie, o delimitare precisă a caracterului și o severitate adevărată … Aveau o onestitate plastică fundamentală și o personalitate artistică proprie …. Era evident pentru mine că această fată era o artistă autentică”.
Kahlo a început curând o relație cu Rivera, care era cu 20 de ani mai în vârstă decât ea și avea două soții de drept comun. Kahlo și Rivera s-au căsătorit în cadrul unei ceremonii civile la primăria din Coyoacán, la 21 august 1929. Mama ei s-a opus căsătoriei, iar ambii părinți s-au referit la aceasta ca la o „căsătorie între un elefant și un porumbel”, referindu-se la diferențele de mărime ale cuplului; Rivera era înalt și supraponderal, în timp ce Kahlo era mică și fragilă. Cu toate acestea, tatăl ei l-a aprobat pe Rivera, care era bogat și, prin urmare, capabil să o întrețină pe Kahlo, care nu putea lucra și trebuia să primească tratamente medicale costisitoare. Nunta a fost relatată de presa mexicană și internațională, iar căsătoria a fost supusă unei atenții mediatice constante în Mexic în anii următori, articolele referindu-se la cuplu ca fiind pur și simplu „Diego și Frida”.
La scurt timp după căsătorie, la sfârșitul anului 1929, Kahlo și Rivera s-au mutat la Cuernavaca, în statul rural Morelos, unde el fusese însărcinat să picteze picturi murale pentru Palatul lui Cortés. Cam în aceeași perioadă, ea și-a dat demisia din PCM pentru a-l susține pe Rivera, care fusese exclus cu puțin timp înainte de căsătorie pentru că susținea mișcarea de opoziție de stânga din cadrul celei de-a Treia Internaționale.
În timpul războiului civil, Morelos a fost martorul unora dintre cele mai grele lupte, iar viața în orașul Cuernavaca, în stil spaniol, i-a ascuțit lui Kahlo sentimentul de identitate și istorie mexicană. La fel ca multe alte artiste și intelectuale mexicane din acea perioadă, Kahlo a început să poarte haine tradiționale de țărancă indigenă mexicană pentru a-și sublinia ascendența metisă: fuste lungi și colorate, huipils și rebozos, coafuri elaborate și o mulțime de bijuterii. Ea a preferat în special îmbrăcămintea femeilor din societatea presupus matriarhală din Istmul Tehuantepec, care ajunsese să reprezinte „o moștenire culturală mexicană autentică și indigenă” în Mexicul postrevoluționar. Ținuta Tehuana i-a permis lui Kahlo să își exprime idealurile feministe și anticolonialiste.
Citește și, istorie – Frontul din Macedonia (Primul Război Mondial)
1931-1933: Călătorii în Statele Unite ale Americii
După ce Rivera a finalizat comanda din Cuernavaca, la sfârșitul anului 1930, el și Kahlo s-au mutat la San Francisco, unde a pictat picturi murale pentru Luncheon Club of the San Francisco Stock Exchange și pentru California School of Fine Arts. Cuplul a fost „sărbătorit, leonizat, răsfățat” de colecționari și clienți influenți în timpul șederii lor în oraș. Lunga ei poveste de dragoste cu fotograful american de origine maghiară Nickolas Muray a început, cel mai probabil, în această perioadă.
Kahlo și Rivera s-au întors în Mexic în vara anului 1931, iar în toamnă au călătorit la New York City pentru deschiderea retrospectivei lui Rivera la Muzeul de Artă Modernă (MoMA). În aprilie 1932, s-au îndreptat spre Detroit, unde Rivera fusese însărcinat să picteze picturi murale pentru Institutul de Arte din Detroit. Până în acest moment, Kahlo devenise mai îndrăzneață în interacțiunile cu presa, impresionând jurnaliștii cu fluența sa în limba engleză și declarând la sosirea în oraș că ea era cea mai mare artistă dintre cei doi.
„Bineînțeles că se descurcă bine pentru un băiețel, dar eu sunt marele artist”
Anul petrecut în Detroit a fost o perioadă dificilă pentru Kahlo. Deși îi plăcuse să viziteze San Francisco și New York, nu-i plăceau anumite aspecte ale societății americane, pe care le considera colonialiste, precum și majoritatea americanilor, pe care îi găsea „plictisitori”. Nu i-a plăcut să fie nevoită să socializeze cu capitaliști precum Henry și Edsel Ford și a fost furioasă că multe dintre hotelurile din Detroit au refuzat să accepte oaspeți evrei. Într-o scrisoare adresată unui prieten, ea a scris că „deși sunt foarte interesată de toată dezvoltarea industrială și mecanică a Statelor Unite”, a simțit „un pic de furie împotriva tuturor băieților bogați de aici, deoarece am văzut mii de oameni în cea mai cumplită mizerie, fără nimic de mâncare și fără un loc unde să doarmă, asta este ceea ce m-a impresionat cel mai mult aici, este terifiant să-i vezi pe bogați dând petreceri zi și noapte în timp ce mii și mii de oameni mor de foame”. Perioada petrecută de Kahlo în Detroit a fost complicată și de o sarcină. Medicul ei a fost de acord să efectueze un avort, dar medicamentele folosite au fost ineficiente. Kahlo era profund ambivalentă în legătură cu ideea de a avea un copil și suferise deja un avort mai devreme, în timpul căsătoriei cu Rivera. În urma avortului eșuat, a acceptat cu reticență să continue sarcina, dar a pierdut sarcina în iulie, ceea ce a provocat o hemoragie gravă care a necesitat spitalizarea ei timp de două săptămâni. Mai puțin de trei luni mai târziu, mama ei a murit în Mexic, în urma unor complicații ale unei intervenții chirurgicale.
Kahlo și Rivera s-au întors la New York în martie 1933, pentru că el fusese însărcinat să picteze o pictură murală pentru Rockefeller Center. În această perioadă, a lucrat la un singur tablou, My Dress Hangs There (1934). De asemenea, a acordat mai multe interviuri presei americane. În luna mai, Rivera a fost concediat de la proiectul Rockefeller Center și a fost angajat în schimb să picteze o pictură murală pentru New Workers School. Deși Rivera dorea să își continue șederea în Statele Unite, lui Kahlo îi era dor de casă, iar cei doi s-au întors în Mexic la scurt timp după dezvelirea picturii murale, în decembrie 1933.
Citește și, biografii – Lady Godiva
1934-1949: La Casa Albastră și sănătatea în declin
Înapoi în Mexico City, Kahlo și Rivera s-au mutat într-o casă nouă în cartierul bogat San Ángel. Comandată de Juan O”Gorman, elev al lui Le Corbusier, aceasta era formată din două secțiuni unite printr-un pod; cea a lui Kahlo a fost vopsită în albastru, iar cea a lui Rivera în roz și alb. Reședința boemă a devenit un important loc de întâlnire pentru artiști și activiști politici din Mexic și din străinătate.
Kahlo s-a confruntat din nou cu probleme de sănătate – a suferit o apendicectomie, două avorturi și amputarea unor degete de la picioare cangrenate – iar căsnicia cu Rivera a devenit tensionată. El nu era fericit să se întoarcă în Mexic și o învinovățea pe Kahlo pentru întoarcerea lor. Deși îi mai fusese infidel înainte, acum s-a angajat într-o aventură cu sora ei mai mică, Cristina, ceea ce a rănit-o profund pe Kahlo. După ce a descoperit aventura la începutul anului 1935, s-a mutat într-un apartament în centrul orașului Mexico City și s-a gândit să divorțeze de el. De asemenea, a avut o relație cu artistul american Isamu Noguchi.
Kahlo s-a împăcat cu Rivera și Cristina mai târziu, în 1935, și s-a mutat din nou la San Ángel. A devenit o mătușă iubitoare pentru copiii Cristinei, Isolda și Antonio. În ciuda împăcării, atât Rivera, cât și Kahlo și-au continuat infidelitățile. De asemenea, și-a reluat activitățile politice în 1936, alăturându-se Internaționalei a IV-a și devenind membru fondator al unui comitet de solidaritate pentru a oferi ajutor republicanilor în Războiul Civil Spaniol. Ea și Rivera au solicitat cu succes guvernului mexican să acorde azil fostului lider sovietic Leon Troțki și au oferit La Casa Azul ca reședință pentru el și soția sa, Natalia Sedova. Cuplul a locuit acolo din ianuarie 1937 până în aprilie 1939, iar Kahlo și Troțki nu numai că au devenit buni prieteni, dar au avut și o scurtă aventură.
După ce a deschis o expoziție la Paris, Kahlo a navigat înapoi la New York. Ea era nerăbdătoare să se reunească cu Muray, dar acesta a decis să pună capăt relației lor, deoarece cunoscuse o altă femeie cu care plănuia să se căsătorească. Kahlo a călătorit înapoi în Mexico City, unde Rivera i-a cerut divorțul. Motivele exacte ale deciziei sale nu sunt cunoscute, dar el a declarat public că a fost doar o „chestiune de conveniență juridică în stilul timpurilor moderne… nu există motive sentimentale, artistice sau economice”. Potrivit prietenilor lor, divorțul a fost cauzat în principal de infidelitățile lor reciproce. El și Kahlo au obținut divorțul în noiembrie 1939, dar au rămas prieteni; ea a continuat să se ocupe de finanțele și de corespondența lui.
După despărțirea de Rivera, Kahlo s-a mutat din nou la La Casa Azul și, hotărâtă să își câștige singură existența, a început o altă perioadă productivă ca artistă, inspirată de experiențele sale din străinătate. Încurajată de recunoașterea pe care o obținea, a trecut de la foile de tablă mici și mai intime pe care le folosea din 1932 la pânze mari, deoarece erau mai ușor de expus. De asemenea, a adoptat o tehnică mai sofisticată, a limitat detaliile grafice și a început să producă mai multe portrete de un sfert de metru, care erau mai ușor de vândut. În această perioadă a pictat câteva dintre cele mai faimoase lucrări ale sale, cum ar fi Cele două Fridas (1939), Autoportret cu părul tuns (1940), Masa rănită (1940) și Autoportret cu colier de spini și colibri (1940). Trei expoziții i-au prezentat lucrările în 1940: cea de-a patra Expoziție Internațională Suprarealistă din Mexico City, Expoziția Internațională Golden Gate din San Francisco și Douăzeci de secole de artă mexicană la MoMA din New York.
La 21 august 1940, Troțki a fost asasinat în Coyoacán, unde a continuat să locuiască după ce a părăsit La Casa Azul. Kahlo a fost suspectată pentru scurt timp de implicare, deoarece îl cunoștea pe asasin, și a fost arestată și reținută timp de două zile împreună cu sora ei, Cristina. În luna următoare, Kahlo a călătorit la San Francisco pentru tratament medical pentru dureri de spate și o infecție fungică la mână. Starea ei de sănătate, în permanență fragilă, se deteriorase din ce în ce mai mult de la divorț și era exacerbată de consumul mare de alcool.
Rivera se afla, de asemenea, în San Francisco după ce a fugit din Mexico City în urma asasinării lui Troțki și a acceptat o misiune. Deși Kahlo a avut o relație cu negustorul de artă Heinz Berggruen în timpul vizitei sale la San Francisco, aceștia s-au recăsătorit în cadrul unei simple ceremonii civile la 8 decembrie 1940. Kahlo și Rivera s-au întors în Mexic la scurt timp după nuntă. În primii cinci ani, uniunea a fost mai puțin turbulentă decât înainte și, în timp ce La Casa Azul a fost reședința lor principală, Rivera a păstrat casa San Ángel pentru a o folosi ca atelier și al doilea apartament. Amândoi au continuat să aibă aventuri extraconjugale; Kahlo, fiind bisexuală, a avut aventuri atât cu bărbați, cât și cu femei, dovezile sugerând că iubiții ei bărbați erau mai importanți pentru Kahlo decât aventurile ei lesbiene.
În ciuda tratamentului medical pe care l-a primit în San Francisco, problemele de sănătate ale lui Kahlo au continuat pe tot parcursul anilor 1940. Din cauza problemelor sale de coloană vertebrală, între 1940 și 1954 a purtat douăzeci și opt de corsete de susținere separate, variind de la oțel și piele până la ghips. Avea dureri la picioare, infecția de la mână devenise cronică și a fost tratată și pentru sifilis. Moartea tatălui ei, în aprilie 1941, a aruncat-o în depresie. Starea ei de sănătate precară a făcut-o să fie tot mai mult izolată în La Casa Azul, care a devenit centrul lumii ei. Îi plăcea să aibă grijă de casă și de grădina acesteia, iar prietenii, servitorii și diverse animale de companie, printre care maimuțe păianjen, Xoloitzcuintlis și papagali, îi țineau companie.
În timp ce Kahlo obținea recunoaștere în țara sa natală, starea ei de sănătate a continuat să se deterioreze. Până la mijlocul anilor 1940, spatele i se agravase până la punctul în care nu mai putea sta în picioare sau în șezut continuu. În iunie 1945, ea a călătorit la New York pentru o operație prin care i s-a fuzionat o grefă osoasă și un suport de oțel la coloana vertebrală pentru a o îndrepta. Operația dificilă a fost un eșec. Potrivit lui Herrera, Kahlo și-a sabotat, de asemenea, recuperarea prin faptul că nu s-a odihnit așa cum era necesar și că, odată, și-a redeschis fizic rănile într-un acces de furie. Tablourile sale din această perioadă, cum ar fi The Broken Column (1944), Without Hope (1945), Tree of Hope, Stand Fast (1946) și The Wounded Deer (1946), reflectă starea ei de sănătate în declin.
Citește și, biografii – Edgar Degas
1950-1954: Ultimii ani și moartea
În 1950, Kahlo și-a petrecut cea mai mare parte a anului la Spitalul ABC din Mexico City, unde a suferit o nouă operație de grefă osoasă la coloană. Aceasta a provocat o infecție dificilă și a necesitat mai multe intervenții chirurgicale ulterioare. După ce a fost externată, a fost în mare parte limitată la La Casa Azul, folosind un scaun cu rotile și cârje pentru a se deplasa. În acești ultimi ani din viață, Kahlo și-a dedicat timpul cauzelor politice, în măsura în care sănătatea i-a permis. Ea s-a reînscris în Partidul Comunist Mexican în 1948 și a militat pentru pace, de exemplu, prin strângerea de semnături pentru Apelul de la Stockholm.
Piciorul drept al lui Kahlo a fost amputat de la genunchi din cauza cangrenei în august 1953. Ea a devenit grav deprimată și anxioasă, iar dependența de analgezice a crescut. Când Rivera a început încă o aventură, a încercat să se sinucidă prin supradoză. Ea a scris în jurnalul ei din februarie 1954: „Mi-au amputat piciorul acum șase luni, mi-au dat secole de tortură și în unele momente aproape că mi-am pierdut rațiunea. Continui să vreau să mă sinucid. Diego este cel care mă împiedică să o fac, prin ideea mea deșartă că i-ar fi dor de mine. … Dar niciodată în viața mea nu am suferit mai mult. Voi aștepta o vreme…”
În ultimele sale zile, Kahlo a fost țintuită la pat din cauza unei bronhopneumonii, deși a avut o apariție publică pe 2 iulie 1954, participând alături de Rivera la o demonstrație împotriva invaziei CIA în Guatemala. Ea părea să își anticipeze moartea, deoarece vorbea despre aceasta vizitatorilor și desena schelete și îngeri în jurnalul său. Ultimul desen era un înger negru, pe care biograful Hayden Herrera îl interpretează ca fiind Îngerul Morții. Desenul a fost însoțit de ultimele cuvinte pe care le-a scris: „Aștept cu bucurie ieșirea – și sper să nu mă mai întorc niciodată – Frida” („Espero Alegre la Salida – y Espero no Volver jamás”).
Demonstrația i-a agravat boala, iar în noaptea de 12 iulie 1954, Kahlo a avut febră mare și dureri extreme. Pe 13 iulie 1954, în jurul orei 6 dimineața, asistenta ei a găsit-o moartă în patul ei. Kahlo avea 47 de ani. Cauza oficială a decesului a fost embolia pulmonară, deși nu a fost efectuată nicio autopsie. Herrera a susținut că, de fapt, Kahlo s-a sinucis. Asistenta, care număra analgezicele lui Kahlo pentru a monitoriza consumul de droguri, a declarat că Kahlo a luat o supradoză în noaptea în care a murit. Îi fusese prescrisă o doză maximă de șapte pastile, dar a luat unsprezece. De asemenea, îi dăduse lui Rivera un cadou de aniversare a căsătoriei în acea seară, cu peste o lună înainte.
În seara zilei de 13 iulie, trupul lui Kahlo a fost transportat la Palacio de Bellas Artes, unde a fost depus sub un steag comunist. A doua zi, acesta a fost transportat la Panteón Civil de Dolores, unde prietenii și familia au participat la o ceremonie funerară informală. Sute de admiratori au stat afară. În conformitate cu dorința sa, Kahlo a fost incinerată. Rivera, care a declarat că moartea ei a fost „cea mai tragică zi din viața mea”, a murit trei ani mai târziu, în 1957. Cenușa lui Kahlo este expusă într-o urnă precolumbiană la La Casa Azul, care s-a deschis ca muzeu în 1958.
Tate Modern o consideră pe Kahlo „una dintre cele mai importante artiste ale secolului XX”, în timp ce, potrivit istoricului de artă Elizabeth Bakewell, ea este „una dintre cele mai importante figuri mexicane ale secolului XX”. Reputația de artistă a lui Kahlo s-a dezvoltat târziu în viață și a crescut și mai mult postum, întrucât în timpul vieții era cunoscută în principal ca soția lui Diego Rivera și ca o personalitate excentrică în rândul elitei culturale internaționale. Ea a dobândit treptat mai multă recunoaștere la sfârșitul anilor 1970, când cercetătorii feminiști au început să pună la îndoială excluderea femeilor și a artiștilor non-occidentali din canonul istoric al artei, iar Mișcarea Chicano a ridicat-o drept una dintre icoanele lor. Primele două cărți despre Kahlo au fost publicate în Mexic de Teresa del Conde și Raquel Tibol în 1976 și, respectiv, 1977, iar, în 1977, The Tree of Hope Stands Firm (1944) a devenit prima pictură a lui Kahlo vândută la licitație, obținând 19.000 de dolari la Sotheby”s. Aceste repere au fost urmate de primele două retrospective organizate asupra operei lui Kahlo în 1978, una la Palacio de Bellas Artes din Mexico City și alta la Museum of Contemporary Art din Chicago.
Două evenimente au contribuit la creșterea interesului publicului larg din afara Mexicului pentru viața și arta sa. Primul a fost o retrospectivă comună a picturilor sale și a fotografiilor realizate de Tina Modotti la Whitechapel Gallery din Londra, care a fost curatoriată și organizată de Peter Wollen și Laura Mulvey. Expoziția a fost inaugurată în mai 1982 și a călătorit ulterior în Suedia, Germania, Statele Unite și Mexic. Al doilea a fost publicarea bestsellerului internațional Frida, al istoricului de artă Hayden Herrera: O biografie a Fridei Kahlo în 1983.
Până în 1984, reputația artistei Kahlo crescuse atât de mult încât Mexicul a declarat operele sale ca făcând parte din patrimoniul cultural național, interzicând exportul lor din țară. Ca urmare, picturile ei apar rareori în licitațiile internaționale, iar retrospectivele cuprinzătoare sunt rare. Cu toate acestea, picturile ei au bătut recorduri pentru arta latino-americană în anii 1990 și 2000. În 1990, a devenit prima artistă latino-americană care a depășit pragul de un milion de dolari, atunci când Diego și cu mine a fost vândut la licitație de către Sotheby”s pentru 1.430.000 de dolari. În 2006, Roots (1943) a ajuns la 5,6 milioane de dolari, iar în 2016, Two Lovers in a Forest (1939) s-a vândut cu 8 milioane de dolari.
Kahlo a stârnit un interes popular atât de mare încât a fost inventat termenul „Fridamania” pentru a descrie acest fenomen. Ea este considerată „una dintre cele mai ușor de recunoscut instantaneu artiste”, al cărei chip a fost „folosit cu aceeași regularitate, și adesea cu un simbolism comun, ca și imaginile lui Che Guevara sau Bob Marley”. Viața și arta ei au inspirat o varietate de mărfuri, iar aspectul ei distinctiv a fost însușit de lumea modei. Un film biografic de la Hollywood, Frida lui Julie Taymor, a fost lansat în 2002. Bazat pe biografia lui Herrera și avându-o ca protagonistă pe Salma Hayek (care a coprodus filmul) în rolul lui Kahlo, filmul a avut încasări de 56 de milioane de dolari la nivel mondial și a obținut șase nominalizări la premiile Oscar, câștigând pentru cel mai bun machiaj și cea mai bună coloană sonoră originală. Animația Disney-Pixar Coco din 2017 o prezintă, de asemenea, pe Kahlo într-un rol secundar, cu vocea Nataliei Cordova-Buckley.
Se consideră că atracția populară a lui Kahlo provine în primul rând din fascinația față de povestea vieții sale, în special față de aspectele sale dureroase și tragice. Ea a devenit un simbol pentru mai multe grupuri minoritare și mișcări politice, cum ar fi feministele, comunitatea LGBTQ și chicanos. Oriana Baddeley a scris că Kahlo a devenit un semnificant al nonconformismului și „arhetipul unei minorități culturale”, care este privită simultan ca „o victimă, schilodită și abuzată” și ca „o supraviețuitoare care ripostează”. Edward Sullivan a afirmat că Kahlo este aclamată ca o eroină de atât de mulți pentru că este „cineva care să valideze propria lor luptă pentru a-și găsi propria voce și propria personalitate publică”. Potrivit lui John Berger, popularitatea lui Kahlo se datorează în parte faptului că „împărtășirea durerii este una dintre precondițiile esențiale pentru regăsirea demnității și a speranței” în societatea secolului al XXI-lea. Kirk Varnedoe, fostul curator-șef al MoMA, a declarat că succesul postum al lui Kahlo este legat de modul în care „ea se potrivește cu sensibilitatea de astăzi – preocuparea sa psiho-obsesivă față de sine, crearea unei lumi alternative personale poartă o tensiune. Refacerea constantă a identității sale, construirea unui teatru al sinelui sunt exact ceea ce preocupă artiști contemporani precum Cindy Sherman sau Kiki Smith și, la un nivel mai popular, Madonna… Ea se potrivește bine cu chimia hormonală ciudată, androgină, a epocii noastre.”
Popularitatea postumă a lui Kahlo și comercializarea imaginii sale au atras critici din partea multor cercetători și comentatori culturali, care consideră că nu numai că multe fațete ale vieții sale au fost mitologizate, dar și aspectele dramatice ale biografiei sale au pus în umbră arta sa, producând o lectură simplistă a operelor sale, în care acestea sunt reduse la descrieri literale ale evenimentelor din viața sa. Potrivit jurnalistei Stephanie Mencimer, Kahlo „a fost îmbrățișată ca un copil de poster pentru orice cauză corectă din punct de vedere politic posibilă” și
ca un joc de telefon, cu cât povestea lui Kahlo a fost mai mult spusă, cu atât a fost mai mult distorsionată, omițând detalii incomode care arată că ea a fost o figură mult mai complexă și mai plină de defecte decât sugerează filmele și cărțile de bucate. Această ridicare a artistului deasupra artei diminuează înțelegerea publică a locului pe care Kahlo îl ocupă în istorie și pune în umbră adevărurile mai profunde și mai tulburătoare din opera sa. Totuși, și mai îngrijorător este faptul că, prin aerisirea biografiei sale, promotorii lui Kahlo au pregătit-o pentru căderea inevitabilă atât de tipică pentru femeile artist, acel moment în care contestatarii se vor aduna și se vor antrena pentru a-i doborî imaginea umflată și, odată cu ea, arta.”
Baddeley a comparat interesul față de viața lui Kahlo cu interesul față de viața tulbure a lui Vincent van Gogh, dar a afirmat, de asemenea, că o diferență crucială între cele două este că majoritatea oamenilor îl asociază pe Van Gogh cu picturile sale, în timp ce Kahlo este de obicei reprezentată de o imagine a sa – un comentariu intrigant despre modul în care sunt priviți artiștii bărbați și femei. În mod similar, Peter Wollen a comparat numărul de adepți ai lui Kahlo cu cel al Sylviei Plath, a cărei „artă neobișnuit de complexă și contradictorie” a fost umbrită de o concentrare simplificată asupra vieții sale.
Citește și, biografii – Augustus John
Comemorări și caracterizări
Moștenirea lui Kahlo a fost comemorată în mai multe moduri. La Casa Azul, casa ei din Coyoacán, a fost deschisă ca muzeu în 1958 și a devenit unul dintre cele mai populare muzee din Mexico City, cu aproximativ 25.000 de vizitatori lunar. Orașul i-a dedicat un parc, Parque Frida Kahlo, în Coyoacán, în 1985. Parcul prezintă o statuie din bronz a lui Kahlo. În Statele Unite, ea a devenit prima femeie hispanică care a fost onorată cu un timbru poștal american în 2001 și a fost inclusă în Legacy Walk, o expoziție publică în aer liber din Chicago care celebrează istoria și persoanele LGBT, în 2012.
Kahlo a primit mai multe comemorări cu ocazia centenarului nașterii sale, în 2007, și altele cu ocazia centenarului anului nașterii pe care l-a atestat, 2010. Printre acestea s-a numărat lansarea de către Banca Mexicului a unei noi bancnote de 500 de pesos MXN$, care prezintă tabloul lui Kahlo intitulat Îmbrățișarea iubirii universului, Pământul, (Mexic), Eu, Diego și domnul Xólotl (1949) pe reversul bancnotei și Diego Rivera pe față. Cea mai mare retrospectivă a operelor sale la Palacio de Bellas Artes din Mexico City a atras aproximativ 75.000 de vizitatori.
Pe lângă alte omagii, viața și arta lui Kahlo au inspirat artiști din diverse domenii. În 1984, Paul Leduc a lansat un film biografic intitulat Frida, naturaleza viva, cu Ofelia Medina în rolul lui Kahlo. Ea este protagonista a trei romane de ficțiune: Frida, de Barbara Mujica (2001), Frida”s Bed, de Slavenka Drakulic (2008), și The Lacuna, de Barbara Kingsolver (2009). În 1994, flautistul și compozitorul american de jazz James Newton a lansat un album intitulat Suite for Frida Kahlo. Cântăreața scoțiană
Kahlo a fost, de asemenea, subiectul mai multor spectacole de teatru. Annabelle Lopez Ochoa a coregrafiat un balet într-un act intitulat Broken Wings (Aripi frânte) pentru English National Ballet, care a debutat în 2016, iar Tamara Rojo i-a dat naștere lui Kahlo în balet. Dutch National Ballet i-a comandat apoi lui Lopez Ochoa să creeze o versiune integrală a baletului, Frida, care a avut premiera în 2020, cu Maia Makhateli în rolul lui Kahlo. Ea a inspirat, de asemenea, două opere: Frida, de Robert Xavier Rodriguez, care a avut premiera la Festivalul American Music Theater din Philadelphia în 1991, și Frida y Diego, de Kalevi Aho, care a avut premiera la Helsinki Music Centre din Helsinki, Finlanda, în 2014. A fost personajul principal în mai multe piese de teatru, printre care Goodbye, My Friduchita (1999), de Dolores C. Sendler, La Casa Azul (2002), de Robert Lepage și Sophie Faucher, Frida Kahlo, de Humberto Robles: Viva la vida! (2009) și Tree of Hope (2014), de Rita Ortez Provost. În 2018, Mattel a prezentat șaptesprezece noi păpuși Barbie pentru a sărbători Ziua Internațională a Femeii, inclusiv una a lui Kahlo. Criticii au obiectat față de talia subțire a păpușii și de unibrow vizibil lipsă.
În 2014, Kahlo a fost una dintre primele persoane premiate în cadrul Rainbow Honor Walk, o alee a faimei din cartierul Castro din San Francisco, unde se remarcă persoanele LGBTQ care „au avut contribuții semnificative în domeniile lor”.
În 2018, Consiliul de Supraveghere din San Francisco a votat în unanimitate pentru redenumirea Bulevardului Phelan în Frida Kahlo Way. Pe Frida Kahlo Way se află City College of San Francisco și Archbishop Riordan High School.
În 2019, Frida a fost reprezentată pe o pictură murală realizată de Rafael Blanco (artist) în centrul orașului Reno, Nevada.
Note informative
Citate
Bibliografie
sursele
