Georges Braque
gigatos | ianuarie 12, 2022
Rezumat
Georges Braque, născut la 13 mai 1882 la Argenteuil (Seine-et-Oise, în prezent Val-d”Oise) și decedat la 31 august 1963 la Paris, a fost un pictor, sculptor și gravor francez.
Implicat inițial în urma fauviștilor, influențat de Henri Matisse, André Derain și Othon Friesz, a ajuns, în vara anului 1907, la peisajele din Estaque cu case în formă de cuburi pe care Matisse le-a descris ca fiind „cubiste”, caracterizate în special în tabloul Case la Estaque. Se presupune că această simplificare ar fi marca cubismului, a cărui origine rămâne controversată, potrivit lui Olivier Céna.
Studiind metodic liniile de contur ale lui Paul Cézanne începând din 1906, Braque a ajuns treptat la compoziții care se folosesc de ușoare întreruperi ale liniilor, ca în Nature morte aux pichets. Apoi, cu o serie de nuduri, precum Nud în picioare și Nud mare, după 1908, a trecut la o ruptură cu viziunea clasică, la explozia de volume, o perioadă cunoscută sub numele de cubism, care a durat între 1911 și 1914. Apoi a folosit forme geometrice, în special pentru naturi statice, a introdus litere în tablouri și a inventat hârtiile lipite. Ca un adevărat „gânditor” al cubismului, a dezvoltat legile perspectivei și ale culorii. De asemenea, în 1912 a inventat sculpturi din hârtie, care au dispărut toate, din care a rămas doar o fotografie a unui contrarelief.
Mobilizat pentru Marele Război, unde a fost grav rănit, pictorul a renunțat la formele geometrice pentru naturi moarte în care obiectele erau recompuse în planuri. În perioada următoare, care a durat până în anii 1930, a realizat peisaje și figuri umane și, în ciuda diversității subiectelor sale, opera sa este „remarcabil de coerentă”. Braque, atât precursor, cât și depozitar al tradiției clasice, este pictorul francez prin excelență. Cahier de Georges Braque, 1917-1947, publicat în 1948, sintetizează poziția sa.
Al Doilea Război Mondial i-a inspirat cele mai serioase lucrări ale sale: Le Chaudron și La Table de cuisine. Revenirea păcii și sfârșitul bolii sale l-au inspirat să realizeze lucrări mai profunde, cum ar fi Atelierele, la care lucra adesea timp de mai mulți ani, urmărind câte șase ciorne, după cum a mărturisit Jean Paulhan. Cele mai cunoscute tablouri ale sale sunt și cele mai poetice: seria Păsărilor, din care două picturi împodobesc tavanul sălii Henri al II-lea din Muzeul Luvru din 1953. A creat, de asemenea, sculpturi, vitralii și modele de bijuterii, dar din 1959, suferind de cancer, și-a încetinit activitatea. Ultimul său tablou important este La Sarcleuse.
Cu doi ani înainte de moartea sa, în 1961, la Muzeul Luvru a avut loc o retrospectivă a lucrărilor sale intitulată L”Atelier de Braque, Braque devenind astfel primul pictor care a fost expus acolo în timpul vieții sale.
Un om discret, nu prea pasionat de relații publice, Braque a fost un intelectual pasionat de muzică și poezie, prieten cu Erik Satie, René Char și Alberto Giacometti. A murit la 31 august 1963, la Paris. În onoarea sa a fost organizată o înmormântare națională, în cadrul căreia André Malraux a ținut un discurs.
Citește și, biografii – Ignațiu de Loyola
Primii ani
Georges Braque a crescut într-o familie de artizani. A fost fiul lui Augustine Johannet (1859-1942) și al lui Charles Braque (1855-1911), un pictor-decorator și antreprenor în construcții „Charles Braque et Cie”, de asemenea „pictor de duminică” și fost elev al lui Théodule Ribot. A pictat adesea peisaje inspirate de impresioniști și a expus în mod regulat în Le Havre, unde familia s-a stabilit în 1890. Henriette (1878-1950) a fost sora mai mare a lui Georges Braque. În 1893, băiatul a intrat la liceu. Dar nu avea gustul studiului, era fascinat de viața din port și a desenat caricaturi ale lui Steinlein și Toulouse-Lautrec după Gil-Blas. Cu toate acestea, s-a înscris la clasa lui Courchet de la École supérieure d”art du Havre, condusă de un elev al lui Charles Lhuillier, Alphonse Lamotte. Scopul declarat al școlii municipale era acela de a forma „meseriași” și „muncitori cu dragoste de linie” care, altfel, „ar fi fost doar muncitori”. În același timp, a luat lecții de flaut cu Gaston Dufy, fratele lui Raoul Dufy. În iulie 1899, a obținut premiul al doilea al celei de-a doua divizii a școlii de artă.
Citește și, istorie – Campania din Guadalcanal
Învățare
În 1899, a părăsit liceul fără a lua bacalaureatul și a fost ucenic la tatăl său, apoi la Roney, un prieten de-al lor care era pictor-decorator. În anul următor, a venit la Paris pentru a-și continua ucenicia la un pictor-decorator, Laberthe, fostul partener al tatălui său, unde a exersat șlefuirea culorilor, faux bois și faux marble. În același timp, a urmat cursul municipal de la Batignolles, în clasa lui Eugène Quignolot. Locuiește în Montmartre, rue des Trois-Frères. Și-a obținut diploma de pictor-decorator. În 1901, și-a făcut serviciul militar în regimentul 129 de infanterie din Le Havre. La întoarcere, cu acordul părinților săi, a decis să se dedice în întregime picturii.
Citește și, biografii – Nicolas Poussin
Între Paris și Le Havre
Se întoarce la Paris în 1902, se instalează în Montmartre, pe strada Lepic, în octombrie, și se înscrie la Academia Humbert de pe bulevardul Rochechouart. Acolo i-a întâlnit pe Marie Laurencin și pe Francis Picabia, iar Marie i-a devenit confidenta lui, tovarășa lui din Montmartre; se desenau reciproc, ieșeau în oraș, își împărtășeau glumele, secretele și „zilele de lene”. Dar Marie este o tachinare, nu este ușor de sedus. Timidul Braque are cu ea doar o aventură castă. Este nevoie de toată tehnica amoroasă a lui Paulette Philippe pentru a-l face pe bărbatul timid, în jurul căruia gravitează multe femei, să se dezlănțuie. Henri-Pierre Roché îi întâlnește împreună la Balul Quat”z”Arts, în timp ce Braque este deghizat în roman. Această viață de „lux și plăcere” i-a întărit tânărului decizia de a se despărți. Și-a distrus toate lucrările din vara anului 1904, pe care o petrecuse la Honfleur, l-a abandonat pe Humbert și a intrat în contact cu Léon Bonnat în mai 1905, la Ecole des Beaux-Arts din Paris, unde i-a cunoscut pe Othon Friesz și Raoul Dufy.
În același an, îi studiază pe impresioniști la Musée du Luxembourg, a cărui colecție este compusă în principal din moștenirea lui Gustave Caillebotte, și vizitează galeriile Durand-Ruel și Vollard. S-a mutat într-un studio închiriat pe rue d”Orsel, vizavi de teatrul Montmartre, unde a asistat la multe drame de epocă și a îmbrățișat fauvismul. Decizia sa s-a datorat, fără îndoială, prieteniei sale cu Othon Friesz, care era tot din Le Havre; cei doi tineri artiști au plecat împreună la Anvers în 1906, iar în anul următor în sudul Franței.
Mai târziu, Georges Braque i-a făcut cunoștință cu Marie Laurencin la Bateau-Lavoir și a încurajat-o pe aceasta și pe Matisse să urmeze o carieră de pictor. El credea în talentul ei.
Braque a expus în mod regulat în Le Havre, la Société des amis des Arts în 1902 și 1905, (împreună cu tatăl său), iar în același an, prima sa expoziție importantă a avut loc la Galerie Beuzebosc. Între 1906 și 1909 a expus anual în cadrul Cercle de l”art modern du Havre, al cărui membru fondator a fost, și al Comitetului Peintures, alături de tatăl său, Raoul Dufy și Othon Friez, printre alții. Tatăl său a murit în 1911 și a fost înmormântat la cimitirul Argenteuil.
Citește și, istorie – Regatul Hawaii
De la fauvism la cubism
În vara anului 1905, din nou la Honfleur, apoi la Le Havre, în compania sculptorului Manolo și a criticului de artă Maurice Raynal, și încurajat de Raoul Dufy și Othon Friesz să folosească culori pure, Braque a expus la Salonul de Automne din 1905 alături de Matisse, Derain și prietenii săi din Le Havre, care au fost descriși drept fauviști. Timp de aproape doi ani, Braque s-a implicat în sistemul Fauve pe baza propriei sale lecturi a operei lui Cézanne. Cel mai caracteristic exemplu al fauvismului lui Braque este Petite Baie de La Ciotat, 1907, ulei pe pânză (60,3 × 72,7 cm), Musée National d”Art Moderne, pe care pictorul l-a considerat suficient de important pentru a-l răscumpăra în 1959.
Începând cu 1907, Georges Braque a locuit în sudul Franței alături de Othon Friesz și, după ce a meditat mult timp asupra utilizării liniei și culorii de către Paul Cézanne, a realizat un număr mare de tablouri legate de peisajele din l”Estaque, aproape toate în mai multe versiuni: Le Viaduc de l”Estaque (1907), Le Viaduc de l”Estaque (1908), Route de l”Estaque (1908), Terrasse à l”Estaque (1908), La Baie de l”Estaque (1908), Les Toits d”usine à l”Estaque (1908), Chemin à l”Estaque (1908), Paysage à l”Estaque (1908)
Maisons à l”Estaque a fost reprodusă în 34 de publicații și prezentată în 22 de expoziții, între 1908 și 1981.
După ce tabloul a fost refuzat la Salon d”Automne din 1908, negustorul de artă Daniel-Henry Kahnweiler, foarte șocat de această reacție, i-a oferit lui Georges Braque să folosească galeria sa pentru a prezenta această lucrare, precum și toate lucrările recente ale pictorului. Kahnweiler tocmai deschisese o mică galerie pe 28 rue Vignon, la Paris, și i-a încredințat prefața catalogului lui Guillaume Apollinaire, care s-a lansat într-un ditirambiu: „Acesta este Georges Braque. El duce o viață admirabilă. El se străduiește cu pasiune pentru frumusețe și o obține, se pare, fără efort.
În același an, Braque a vizitat atelierul lui Pablo Picasso, unde a descoperit două tablouri: Les Demoiselles d”Avignon și Trois femmes, care nu era încă terminat. Ritmurile constructive ale acestor pânze sunt preluate de la Cézanne, dar mai mult decupate și distorsionate. La început, acestea au provocat uimirea lui Braque, care începuse deja același proces cu Nudurile sale. Dar nu din aceste pânze s-a inspirat pentru Le Grand Nu, început în 1907 și finalizat în 1908.
„A scrie că ele nu au reconvertit în mod radical cercetările lui Georges Braque nu înseamnă nici a lua nimic din forța subversivă a Demoiselles d”Avignon sau a Grand nu à la draperie, nici a subestima ruptura pe care o marchează în istoria picturii.
Îndrăzneala lui Picasso l-a surprins, iar Braque a fost inițial reticent, dar aici condiționalul este necesar.
Există cel puțin trei versiuni ale reacției lui Braque, relatate fie de Kahnweiler, care nu a fost de față, fie de André Salmon, care nici el nu a fost de față, fie de Fernande Olivier, ale cărei declarații sunt discutabile, deoarece l-a amenințat pe Picasso cu dezvăluiri jenante despre acea perioadă în Souvenirs intime. Datorită intervenției doamnei Braque și a plății de un milion de franci de către Picasso, Fernande a renunțat la șantaj. De fapt, Braque se afla deja pe o altă cale, începuse să facă variațiuni asupra peisajelor lui Estaque. Dar importanța operelor sale va dura mult timp până să se dezvăluie: cele mai importante au fost păstrate în colecții private în cea mai mare parte a secolului XX, „ceea ce nu a ajutat cauza lui Braque în dezbaterile despre anterioritate”.
Când a reflectat asupra lor după ce le-a văzut, aceste tablouri au confirmat direcțiile cercetării pe care o efectuase deja cu Viaduc à l”Estaque sau Le Grand Nu. Din acest moment a început „cordonul Braque-Picasso”, cei doi artiști cercetându-se și confruntându-se în mod constant. Braque l-a învățat pe Picasso să citească motivul încă de la prima lor întâlnire. Potrivit lui Pierre Daix: „Ceea ce scoate în evidență întâlnirea dintre Picasso și Braque este că motivul nu mai este tabloul. Compoziția, prin ritmurile sale contrastante, este cea care dezvăluie ceea ce a fost structural – cu condiția să știi să citești – în motiv.
În 1907, Braque își începuse deja propria revoluție cu Nud în picioare (care este uneori confundat cu Nudul mare). Nud în picioare este puțin cunoscut, nu este expus prea des și aparține unei colecții private. Este o cerneală pe hârtie de format mic (31 × 20 cm), în care pictorul experimentase deja o construcție a corpului în forme geometrice, pe care a dezvoltat-o ulterior în câteva gravuri, în care corpul feminin nud în picioare are mai multe poziții (brațele de-a lungul corpului, la spate, capul drept, aplecat). În Le Grand Nu și Nu debout, precum și în alte reprezentări ale corpului feminin: La Femme (1907), un desen oferit de Braque criticului de artă american Gelett Burgess pentru a ilustra articolul său The Wild Men in Paris, corpul pare să fi fost descompus și apoi recompus în trei puncte de vedere. O fotografie a lui Braque și a desenului La Femme a apărut pe pagina 2 a articolului lui Burgess din The Architectural Record din mai 1910.
Formele sunt modelate după o structură și un ritm, care sunt cele două noțiuni fundamentale ale cubismului. Inspirația sa este instinctivă, iar traseul său pictural este pe urmele lui Paul Cézanne. Braque a fost, de asemenea, influențat de figurile măștilor negre, din care a deținut mai multe exemplare. „Măștile negrilor mi-au deschis noi orizonturi. Ele mi-au permis să intru în contact cu instinctualitatea”. La acea vreme, „descoperirea artei negre” a fost revendicată de o serie de artiști, printre care Maurice de Vlaminck și André Derain. Braque nu a revendicat nicio precedență. A cumpărat pur și simplu câteva măști Tsogo de la un marinar în 1904 și a continuat să adauge măști Fang la colecția sa.
Le Grand Nu a fost deținut de Louis Aragon și apoi de colecționarul Marie Cuttoli, înainte de a intra în colecția lui Alex Maguy. În 2002, lucrarea a intrat în colecțiile publice printr-o „dațiune în plata impozitului pe moștenire”, iar în prezent este păstrată la Musée national d”art moderne.
Citește și, istorie – Al doilea triumvirat
Perioada cubistă
Există mai multe versiuni cu privire la originea cuvântului cubist și la „părinții” mișcării. Mulți critici de artă îi numesc pe Braque și Picasso în special „fondatorii cubismului”. Alții îi asociază cu Fernand Léger și Juan Gris, în timp ce Louis Vauxcelles, critic de artă pentru ziarul Gil Blas, este creditat ca fiind cel care a inventat cuvântul atunci când descrie „Maisons à l”Estaque” a lui Braque ca fiind „cuburi mici”. Acest tablou a fost considerat atunci „certificatul de naștere al cubismului”. Alții oferă o versiune diferită. Potrivit lui Bernard Zurcher, Henri Matisse a fost cel care a descris Casele de la Estaque ca fiind „cubiste”, în timp ce la Salonul de toamnă din 1908 respingea aceste locuri și modele geometrice.
„Această simplificare teribilă care a adus cubismul pe baptisteriu este în mare parte responsabilă de o adevărată mișcare pentru care nici Braque, nici Picasso nu au vrut să-și asume responsabilitatea. O mișcare ai cărei teoreticieni (Albert Gleizes și Jean Metzinger) vor depăși cu greu ciudățeniile „cubice” stigmatizate de Vauxcelles.”
În realitate, pentru Braque și Picasso, aceste „cuburi” au fost doar un răspuns provizoriu la problema pusă de construirea unui spațiu pictural care trebuia să se îndepărteze de noțiunea de perspectivă stabilită încă din Renaștere. „Funicularul Braque-Picasso” a fost un atelier de cercetare pentru cei doi artiști, cu lucrări realizate simultan de bărbați pasionați cărora li s-au alăturat Derain și Dufy. A fost o aventură interesantă care a pus bazele artei moderne.
Mai târziu, însă, pictorul spaniol și-a revendicat, în fața lui Kahnweiler, invențiile de papier collés pe care spunea că le-a făcut la Céret și, în cele din urmă, și-a atribuit invenția cubismului, acuzându-l pe Braque că l-a imitat în perioada lor cubistă, ceea ce a creat o mare neînțelegere cu privire la importanța operei lui Braque. Potrivit lui Olivier Cena: „Patruzeci de ani mai târziu, Picasso nu a vrut să-i lase nimic lui Braque, nici cubismul analitic, nici cel sintetic…”.
Interpretările eronate au fost apoi alimentate de diverse personalități, în special de Gertrude Stein, ale cărei afirmații Eugène Jolas le respinge citându-l pe Matisse: „Din câte îmi amintesc, Braque a fost cel care a realizat primul tablou cubist. A adus înapoi din sud un peisaj mediteranean. Este cu adevărat primul tablou care constituie originea cubismului și pe care l-am considerat ca fiind ceva radical nou.
William Rubin consideră că cubismul lui Braque este anterior Casei de la Estaque. El se referă la Natură moartă cu ulcioare și pipă, a cărei locație și dimensiuni sunt necunoscute, ca fiind prima lucrare cubistă a pictorului, care a ales obiecte cu un înveliș curbat, compoziția fiind așezată pe diagonală și centrată de întâlnirea a două axe oblice.
Începând din 1909, Braque a adus din șederile sale la La Roche-Guyon și Carrières-sur-Seine mai multe peisaje care sunt variațiuni cubiste ale lui Cézanne: Le Château de La Roche-Guyon (73 × 60 cm), Lille Métropole, Le Vieux Château de la Roche-Guyon (65 × 54 cm), Muzeul Pușkin de Arte Frumoase, Moscova, Paysage des carrières Saint-Denis (41 × 33 cm), Musée national d”art moderne, Paris.
Braque a intrat apoi în perioada de „cubism analitic”. Peisajele care predominau în opera pictorului au cedat treptat locul naturilor moarte. Aceste peisaje au fost doar faza pregătitoare pentru o perioadă mai fructuoasă, în care au apărut Broc și vioara, 1909-1910, ulei pe pânză (117 × 75 cm), Kunstmuseum, Basel, Vioara și paleta (92 × 43 cm) și Pianul și mandora (92 × 43 cm), Solomon R. Guggenheim Museum. Pictorul nu mai caută să copieze natura. Printr-o succesiune de articulații dinamice, prin multiplicarea punctelor de vedere, pictura sa se îmbogățește cu combinații neașteptate, cu o multiplicare a fațetelor. Formele sunt apoi geometrizate și simplificate.
„Dacă ne gândim că bătălia cubismului s-a dat, în cele din urmă, pe tema naturii statice, Braque a fost cel mai bine pregătit sau, mai degrabă, a fost capabil, prin consolidarea fiecărei etape a evoluției sale, să meargă mai sigur spre acel „semn care ajunge”, cum îl numea Matisse.”
În 1911, pictorul a cunoscut-o pe Marcelle Lapré, care i-a devenit soție în 1926. A plecat la Céret, unde a rămas cu Picasso timp de un an.
Din acest moment, Braque a inventat un nou vocabular, introducând în tablourile sale litere în șablon, caractere de tipar: Portughezul (Emigrantul) (117 × 81 cm), Kunstmuseum, Basel, Natură moartă cu banderile (65,4 × 54,9 cm), Metropolitan Museum of Art. Într-un interviu acordat criticului de artă Dora Vallier, el a explicat: „Erau forme în care nu era nimic de distorsionat, pentru că, fiind suprafețe plane, literele erau în afara spațiului și, prin urmare, prezența lor în tablou permitea să se distingă obiectele care se aflau în spațiu de cele care erau în afara spațiului”. Braque a început, de asemenea, să facă inscripții cu mâna liberă, dispuse în paralel pentru a aminti caracterele de afiș. În portughezul (L”Emigrant), cuvântul BAL este descifrat în colțul din dreapta sus, un cuvânt care revine anul următor în Natura moartă cu vioară BAL (Kunstmuseum Basel).
La Céret, nu a renunțat la peisaje. A realizat Acoperișurile din Céret (82 × 59 cm), colecție particulară, și Fereastra din Céret, pânze stilizate după metoda cubismului analitic și fără nicio legătură cu peisajele din anii precedenți.
În anul următor, la Sorgues, se alătură lui Picasso și închiriază vila de la Bel-Air. Papier collés al lui Braque își face apariția: Compotier et verre (50 × 65 cm), colecție privată. A fost o mare descoperire care va fi reprodusă de mulți pictori: Juan Gris, Henri Laurens, Fernand Léger, Albert Gleizes. Hârtiile sunt compoziții, care nu trebuie confundate cu colajele pe care Braque le-a realizat mai târziu.
Tot la Sorgues, Braque și-a perfecționat tehnica sculpturii pe hârtie, inventată la Céret în 1911, potrivit unui articol de Christian Zervos din Cahiers d”art. Găsim urme ale acestor sculpturi într-o scrisoare trimisă lui Kahnweiler în august 1912, în care artistul spune că a profitat de șederea sa în țară pentru a face ceea ce nu se putea face la Paris, printre altele, sculpturi în hârtie „care îi dau o mare satisfacție. Din păcate, nu a rămas nimic din aceste construcții efemere, cu excepția unei fotografii a unui contrarelief din 1914, descoperită în arhivele Laurens, cu care sculpturile din hârtie din 1912 probabil că nu semănau. Potrivit lui Bernard Zurcher, acestea sunt mai apropiate de naturile statice din același an (1912), care au urmat principiul inversării reliefului caracteristic măștii Wobe.
Pentru Jean Paulhan, „care și-a petrecut jumătate din viață încercând să explice natura operei lui Braque”, papier collés de Braque sunt „Machines à voir”. În opinia sa, cubismul constă în „înlocuirea spațiului brut cu spațiul concertat al clasicilor”. Această înlocuire se face cu ajutorul unei mașini analoge mașinii de perspectivă a lui Filippo Brunelleschi și a sticlei grilate a lui Albrecht Dürer, potrivit lui Jean Paulhan. Geamul grilat al lui Dürer, cunoscut și sub numele de „mise au carreau”, este un mijloc prin care desenatorul poate mări sau reduce un desen fără intervenția perspectivei. Braque a folosit adesea această pătrățică. Un exemplu poate fi găsit în fotografia studioului în care lucra la „Pasărea și cuibul ei” în 1955, realizată de Mariette Lachaud. În partea superioară a imaginii, urmele de gresie sunt încă vizibile, desprinse de subiectul principal.
Braque a rămas la Sorgue până în noiembrie 1912, în timp ce Picasso s-a întors la Paris, unde a început să execute propriile sale papiers collés. I-a scris lui Braque: „Dragul meu prieten Braque, folosesc cele mai recente procedee de hârtie și pusiereux. Îmi imaginez o chitară și folosesc o bucată de hârtie împotriva teribilei noastre pânze. Mă bucur foarte mult că sunteți fericit în vila dumneavoastră din Bel Air și că sunteți mulțumit de munca dumneavoastră. După cum vedeți, am început să lucrez puțin. Cu toate acestea, Braque și-a continuat cercetările în domeniul hârtiei lipite, îndreptându-se spre hârtia cu aspect de lemn fals și imitând, de asemenea, marmura. Inversiunile de relief au devenit mai frecvente, iar spre sfârșitul anului 1913 au apărut semne optice, care se bazează pe repetiția unei figuri geometrice sau a unui motiv decorativ. În anul următor, Braque a adăugat noi semne obiective: corzi de chitară, corzi de vioară, cărți de joc, o bucată de ziar transformată în carte de joc.
Spre sfârșitul „perioadei de hârtie”, a apărut cartonul ondulat. Pictorul a introdus conceptul de relief în compoziția sa, care va avea un mare succes începând din 1917, atât în colajele sale, cât și în cele ale celui mai bun prieten al său, sculptorul Henri Laurens. Printre lucrările importante din perioada papier collage (1913-1914) se numără Le Petit Éclaireur (92 × 63 cm), cărbune, hârtie de ziar, hârtie falsă de lemn și hârtie neagră lipită pe pânză, Musée de Lille métropole, Natură moartă pe o masă (Gillette) cu o reproducere a unei lame de ras Gillette (48 × 62 cm), Centre Pompidou, Paris, Vioară și pipă LE QUOTIDIEN (74 × 100 cm), cărbune, hârtie falsă din lemn, împletitură de tapet, hârtie neagră, hârtie de ziar lipită pe hârtie, lipită pe carton, Centre Pompidou, Paris.
Aceasta a fost, de asemenea, perioada instrumentelor muzicale. Vioară (72 × 31 cm), cărbune, hârtie lipită, lemn fals, pictură murală și ziar pe hârtie, Cleveland Museum of Art, Vioară (35 × 37 cm), ulei, cărbune, creion și hârtie lipită pe pânză, Philadelphia Museum of Art, Vioară și ziar FÊTE (90 × 60 cm), Philadelphia Museum.
Braque nu a încetat niciodată să inventeze. Încă din 1912, locuind cu Marcelle Lapré la 5, impasse Guelma, a amestecat rumeguș și nisip cu vopsea pentru a da relief pânzelor sale. În 1913, și-a mutat atelierul în rue Caulaincourt, în timp ce lucrările sale erau prezentate la New York în cadrul Armory Show. Cu toate acestea, în acel an, relația dintre cei doi pictori s-a deteriorat și nu au mai simțit nevoia să se întâlnească. Decalajul se măritase, „cordée” se dezintegra. Două expoziții private l-au prezentat pe Braque în Germania în primăvara anului 1914, la Berlin, la Galeria Feldmann, apoi la Dresda, la Galeria Emil Richter. În momentul asasinării ducelui de Austria, Braque și-a petrecut vara la Sorgues împreună cu soția sa. A fost mobilizat și a luat trenul cu Derain la 2 august 1914 spre Avignon, unde au fost însoțiți de „tovarășul de frânghie” care avea să multiplice cuvintele autorului, relatate în diverse moduri, în funcție de biografi.
Citește și, istorie – Războiul Succesiunii Spaniole
Războiul din 1914 și consecințele sale
Mobilizarea lui Braque pe front în 1914 a întrerupt brusc cariera pictorului. A fost repartizat la Regimentul 224 Infanterie ca sergent și trimis pe Somme, la Maricourt, unde regimentul lui Braque (acum locotenent Braque) a rămas timp de trei luni înainte de a fi mutat în Artois, la nord de Arras, pentru a pregăti o ofensivă de amploare împotriva satelor care protejau creasta Vimy.
Rănit grav la 11 mai 1915 la Neuville-Saint-Vaast, Braque a fost lăsat să moară pe câmpul de luptă. A fost eliberat de brancardierii care s-au împiedicat de trupul său a doua zi, în groapa comună în care fuseseră striviți 17.000 de oameni. Pictorul era bolnav și și-a recăpătat cunoștința abia după două zile de comă. De două ori citat, a primit Crucea de Război. După un banchet organizat la Paris pentru a sărbători însănătoșirea sa, a plecat în convalescență la Sorgues.
Împreună cu poetul Pierre Reverdy, Georges Braque scrie Pensées et réflexions sur la peinture (Gânduri și reflecții asupra picturii), care sunt publicate în revista Nord-Sud. A fost apoi apropiat de Juan Gris, care i-a transmis gustul său pentru texturi sofisticate și planuri reduse la forme geometrice. Cu Gris a început să picteze din nou ca „pictor orb din naștere – acest orb renăscut”, după cum spune Jean Paulhan, în special cu Chitară și sticlă (60,1 × 91,5 cm), Muzeul Kröller-Müller din Otterlo.
În această perioadă, Braque nu a fost departe de a crede că Picasso „trăda” cubismul și tinerețea lor. Dar pictorul discret și-a reluat cercetările. A devenit „verificator”. Și-a rafinat descoperirile și a dezvoltat un nou vocabular pentru pictura sa. Aceasta va deveni „cubismul sintetic”, ale cărui prime creații, începute în 1913 cu Compotier et cartes, ulei pe pânză (81 × 60 cm), Centre Pompidou, Paris, au fost reluate în 1917 cu La Joueuse de mandoline (92 × 65 cm), ulei pe pânză, Musée de Lille Métropole, și La Musicienne, ulei pe pânză (221,4 × 112,8 cm), Kunstmuseum, Basel.
În jurul anului 1919, când cubismul triumfa, când Gleizes, Metzinger și Maurice Raynal îi descopereau motivele, legile și limitele, Georges Braque a declarat: „Eu plecasem de mult. N-aș fi eu cel care să-l fac pe Braque pe măsură”.
Câțiva ani mai târziu, în cartea sa, Braque le patron, Jean Paulhan a făcut o paralelă între arta cubistă și arta camuflajului de război. „Camuflajul de război a fost opera cubiștilor: dacă vreți, a fost și răzbunarea lor. Tablourile pe care opinia publică le-ar fi reproșat cu încăpățânare că nu seamănă cu nimic erau, în momentul de pericol, singurele care puteau să semene cu totul. Ei se recunoșteau în naturile statice ale lui Braque, iar aviatorul care se îndoia de pădurea Ardenilor sau de Beauce nu mai ezita în fața unui tun retușat de Braque. Paulhan amintește, de asemenea, că pictorul oficial însărcinat cu camuflarea tunurilor în 1915, Lucien-Victor Guirand de Scevola, spunea, în capitolul „Souvenirs de camouflage”, că a folosit aceleași mijloace ca și cubiștii pentru a deforma total aspectul obiectului, ceea ce i-a permis să angajeze în secția sa niște pictori care erau capabili, prin viziunea lor foarte specială, să deformeze orice formă.
Dar noile picturi ale lui Braque oferă acum o paletă mai vie și mai senzuală, ca în Femeie cu mandolină, 1922-1923, ulei pe tablă (41 × 33 cm), Centrul Pompidou, Paris. La începutul anilor 1920, pictorul și-a variat producția și mai mult la cererea lui Serge de Diaghilev, compunând decoruri și costume pentru Ballets Russes. Între 1922 și 1926, a proiectat decorurile și costumele pentru Les Fâcheux, o adaptare a comediei-balet a lui Molière, Salade, Zéphire și Flore, precum și decorurile pentru baletul Sylphides al lui Michel Fokine. Diaghilev credea că pictorul avea un caracter ciudat și că, în plus, nu avea simțul afacerilor, ceea ce este adevărat, potrivit lui Jean Paulhan.
Cortina din baletul Salade a fost lăsată moștenire Muzeului de Artă Modernă din orașul Paris în 1955 de către contele Etienne de Beaumont. De atunci, a fost închisă în rezervele Palatului din Tokyo, dar tocmai a fost scoasă și va fi restaurată.
Citește și, biografii – Francis Picabia
Perioada interbelică, cubismul sintetic și naturile statice
Juan Gris a fost singurul pictor cubist a cărui valoare a fost recunoscută de Braque, în afară de Picasso; despre ceilalți a spus: „Au „cubizat” tablourile, au publicat cărți despre cubism și toate acestea m-au îndepărtat tot mai mult de ei. Singurul care a împins cercetarea cubistă în mod conștient, după părerea mea, a fost Gris.”
La acea vreme, sculptorii Jacques Lipchitz și Henri Laurens au jucat un rol mai important decât pictorii în dezvoltarea lui Braque. Pictorul a dezvoltat nuanțe plate de culoare. Braque nu mai deforma, ci forma, așa cum a confirmat în caietul său. Așa a avut loc „metamorfoza”, caracterizată prin utilizarea fondului negru, despre care i-a spus lui Daniel-Henry Kahnweiler, refugiat în Elveția, că „negrul este o culoare de care impresionismul ne-a privat atât de mult timp și care este atât de frumoasă…”.
Expoziția lucrărilor sale recente din martie 1919 la Galerie de L”Effort moderne a lui Léonce Rosenberg a fost primită cu entuziasm. Cu acest prilej, a fost publicată o primă monografie despre Braque, realizată de Roger Bissière, care a subliniat meticulozitatea operei pictorului: „Braque a fost poate primul dintre moderni care a întrezărit poezia care emană dintr-o meserie fină, dintr-o lucrare făcută cu dragoste și răbdare. Aceasta este cea de-a doua expoziție personală a pictorului care își reînnoiește contractul cu Léonce Rosenberg în mai 1920, an în care realizează prima sa sculptură: La Femme debout în șase exemplare. Această perioadă, care a durat până la începutul anilor 1930, a fost și perioada lui Canéphores, 1922 (180,5 × 73,5 cm), ulei pe pânză, Centrul Pompidou, Paris, precum și a nudurilor și a figurilor feminine, Trois Baigneuses, ulei pe lemn (18 × 75 cm), colecție privată.
Dar în 1921, lucrurile au mers prost între Rosenberg și Braque. Lichidarea stocului Kahnweiler, confiscat în timpul războiului, a avut loc la Hôtel Drouot. Expertul era tocmai Léonce Rosenberg, care reușise să se facă numit acolo și care profita de poziția sa dominantă pentru a subevalua operele pe care urma să le răscumpere la prețuri mici. În prima zi a vânzării de la Drouot, Braque a încercat să-l închidă, împreună cu bietul Amédée Ozenfant, care a încercat să intervină. Afacerea s-a încheiat la secția de poliție, iar beligeranții au fost în cele din urmă eliberați. Léonce Rosenberg a vândut tablourile pe care le cumpărase cu un profit uriaș. Fratele său, Paul, face același lucru. Unul dintre marii perdanți a fost statul francez, care a lăsat să scape în 1921, pentru 2 820 de franci, lucrări precum Omul cu chitară (1913-1914), un tablou pe care avea să-l răscumpere pentru Musée National d”Art Moderne șaizeci de ani mai târziu, pentru nouă milioane de franci.
Stilul și cercetările pictorului au evoluat între 1919 și 1939. Din trecutul său cubist, a păstrat simultaneitatea punctelor de vedere, dezvoltarea obiectelor pe același plan și inversarea spațiului. A folosit întotdeauna negrul ca fundal pentru a sugera profunzimea și a împărțit obiectele și planurile într-un mod care le îndepărtează de realism. În acest sens, Guitar and Still Life on the Mantelpiece, 1925, ulei și nisip pe pânză (130,5 × 74,6 cm), Metropolitan Museum of Art, și Fruit on a Tablecloth and Fruit Bowl, ulei pe pânză (130,5 × 75 cm), Centre Pompidou, sunt caracteristice acestei evoluții. Obiectele par a fi accesorii ale compoziției, iar toate eforturile sale se concentrează asupra culorii, așa cum remarca Georges Charensol la expoziția Braque de la Paul Rosenberg din 1926, care prezenta Fruits sur une nappe et compotier. Braque a împins și mai departe utilizarea contrastului în Nature morte à la clarinette, 1927, ulei pe pânză (55,9 × 75 cm), The Phillips Collection, cu forme descrise de Christian Zervos ca fiind „naturaliste”.
Din 1925, Braque a locuit în Montparnasse, rue du Douanier, într-o casă-atelier construită după planurile lui Auguste Perret. În 1926 s-a căsătorit cu Marcelle Lapré, cu care trăia din 1912. Vecinii săi erau Louis Latapie și Roger Bissière, pe strada care îi poartă astăzi numele: rue Georges-Braque.
Formele naturaliste și abstracte au căpătat o nouă dimensiune odată cu variațiunile din Le Guéridon din 1928, anul în care cuplul Braque a cumpărat o casă în Varengeville, în Normandia Superioară. Pe stâncile din Pays de Caux, arhitectul american Paul Nelson a construit o casă și un atelier pentru pictor. Cu Le Guéridon, 1928, ulei pe pânză (197 × 73 cm, Museum of Modern Art, New York) și Le Grand Guéridon, ulei pe pânză (147 × 114 cm), la care pictorul a continuat să lucreze până în 1936-1939, Braque a trecut printr-o lungă maturizare a formelor. În 1945, a refăcut chiar și Le Guéridon rouge (180 × 73 cm), început în 1939, reducând motivul ornamental. Tema mesei cu piedestal revine frecvent în lucrările sale din 1911 până în 1952. Acesta asigură continuitatea unei dezvoltări a cărei deplină înflorire a fost realizată de către Ateliere.
În anii 1930 au apărut fețele de masă: Nappe rose (1933) și Nappe jaune, 1935 (114,3 × 144,8 cm), colecție particulară, care în 1937 a primit premiul întâi al Fundației Carnegie din Pittsburgh. De asemenea, pictorul a experimentat cu mulaje de ghips gravate, Heraklès, 1931 (187 × 105,8 cm), Fondation Maeght, și gravurile Théogonie d”Hésiode, 1932, un set de opt gravuri (53 × 38 cm), Musées de Belfort, comandate de Ambroise Vollard pentru a ilustra cartea cu același nume, care nu a fost publicată niciodată, deoarece Vollard a murit în 1939.
Prima expoziție retrospectivă a lui Braque la Kunsthalle Basel în 1933 în Elveția a marcat începutul recunoașterii sale internaționale, urmată în 1934 de Braque Recent Paintings la Valentine Gallery din New York, deschisă în 1937 de galeristul german Curt Valentin. Potrivit lui Frank Elgar: „În anii 1930, Braque a pictat cele mai concentrate și mai savuroase naturi moarte ale sale. Stâncile sale, bărcile sale eșuate, figurile sale cu două fețe sunt martorele perioadei sale cele mai fericite. Dar din 1940 încoace a fost în pericol.
Citește și, istorie – A Treia Republică Franceză
În timpul celui de-al Doilea Război Mondial
În perioada 1939-1940, soții Braque s-au aflat în Varengeville, în timpul falsului război, alături de Joan Miró, care închiriase o casă lângă familia Braque în august 1939 și care a rămas în Franța până în 1940. „Cei doi pictori au întreținut o relație de prietenie și încredere, fără ca vecinătățile de atunci și prietenia din toate timpurile să-i fi făcut pe vreunul dintre ei să se abată vreun milimetru de la drumul celuilalt. Braque l-a invitat pur și simplu pe prietenul său catalan să folosească procedeul hârtiei de transfer, o tehnică de imprimare pentru litografie. La Varengeville, la aceeași dată, se mai aflau Georges Duthuit, Alexander Calder, precum și poetul Raymond Queneau și arhitectul Paul Nelson.
În această perioadă, Braque s-a dedicat aproape în exclusivitate sculpturii, realizând, printre altele, Hymen, Hesperis și Le Petit Cheval. Sculpturile umane sunt întotdeauna capete în profil, ca în reliefurile din Egiptul antic. Acest stil este derivat din picturi precum The Duet, un ulei pe pânză (129,8 × 160 cm) cu două profiluri de femei așezate pe scaune.
În 1939-1940, Braque a făcut obiectul unei retrospective importante la Chicago, la The Arts Club of Chicago, precum și la Washington (The Phillips Collection) și San Francisco (San Francisco Museum of Modern Art). De asemenea, a avut o expoziție personală la New York în 1941, apoi la Baltimore, apoi din nou la New York, la Paul Rosenberg”s, în aprilie 1942. În 1943, Galerie de France i-a dedicat o expoziție, Douze peintures de Georges Braque, în timp ce la Salonul de toamnă din Paris a prezentat 26 de picturi și 9 sculpturi. Jean Bazaine îi dedică un articol în Comœdia. În același an, Jean Paulhan publică Braque le patron.
Între 1940 și 1945, soții Braque au locuit mai întâi în Limousin, apoi în Pirinei, la Caujac, unde l-au găzduit pe nepotul lor, Jacques Gosselin, și în cele din urmă s-au întors la Paris. Ei s-au întors la Varengeville abia în 1945. În 1941, multe dintre tablourile lui Braque depozitate la Libourne au fost confiscate de autoritățile germane.
Braque nu a participat la călătoria la Berlin organizată în 1941 de Arno Breker și Otto Abetz, la care au participat André Derain, Othon Friesz, Maurice de Vlaminck, Kees van Dongen și André Dunoyer de Segonzac. Dar nu a vrut să se dezică de prietenul său Derain, iar Fernand Mourlot a comentat: „Din fericire, pictura mea nu a plăcut, nu am fost invitat; altfel, din cauza eliberărilor promise, aș fi putut merge acolo. Potrivit lui Alex Dantchev și Fernand Mourlot, rămâne o formă de exonerare de orice acuzație de colaborare față de prietenul Derain. Desigur, legătura cu Derain a fost ruptă, la fel ca și cea cu ceilalți artiști care făcuseră aceeași călătorie. În august 1943, Braque a fost cavaler de onoare la nunta lui Geneviève Derain cu Joseph Taillade, la proprietatea lui Derain din La Roseraie, în Chambourcy. Dar Braque s-a distanțat ulterior de epurare.
În mod similar, a păstrat un profil foarte scăzut în raport cu regimul de la Vichy pe tot parcursul războiului. Cu toate acestea, forțele de ocupație nu au dus lipsă de progrese, iar picturile sale au stârnit entuziasmul lui Pierre Drieu la Rochelle, când douăzeci dintre ele au fost expuse la Salonul de toamnă din 1943. Ofițerii germani care i-au vizitat atelierul, considerându-l prea rece, s-au oferit să-i livreze cărbune, lucru pe care Braque l-a refuzat cu finețe. De asemenea, a refuzat să creeze o emblemă pentru guvernul de la Vichy, deși Gertrude Stein se oferise să traducă discursurile lui Pétain. Braque a avut o problemă opusă: nu putea fi cumpărat. Poziția sa este clară: niciun compromis, niciun compromis. Acest lucru nu l-a împiedicat să îl primească pe Ernst Jünger în atelierul său la 4 octombrie 1943. Scriitor și poet în uniformă de ocupant în acel an, Jünger, care a primit Premiul Goethe în 1982 și a intrat la Pléiade în 2008, aprecia picturile „degenerate” ale lui Edvard Munch, James Ensor, Douanier Rousseau, Picasso, pe care l-a vizitat în același an, dar și Braque, ale cărui tablouri le-a văzut la Salonul de toamnă din 1943 și pe care le-a găsit „reconfortante, pentru că reprezintă momentul în care ieșim din nihilism”. Forța lor, atât în formă, cât și în ton, reprezintă pentru el momentul în care materialul noii creații se adună în noi.
Izolat în atelierul său pe durata războiului, Braque s-a dedicat temei interioarelor, cu o puternică întoarcere la negru, care dădea o impresie de simplitate și severitate. Pentru Georges Braque, războiul a fost sinonim cu austeritatea și deznădejdea. La acea vreme, „în viața lui Braque nu exista aproape deloc loc de emulație: nu existau concursuri, discuții, lucrări comune. Și-a întreprins activitatea în secret. O femeie așezată în fața unui pachet de cărți, văzută din profil, intitulată La Patience, ulei pe pânză (146 × 114 cm), ilustrează starea sa de spirit.
În această perioadă, Braque a continuat să lucreze la subiectul său preferat: instrumentele muzicale, care apăreau în picturile sale încă din 1908, deoarece: „Instrumentul muzical, ca obiect, are particularitatea că poate fi animat prin atingere, motiv pentru care am fost întotdeauna atras de instrumentele muzicale. 1942 a fost un an deosebit de productiv pentru pictor, care a început mai multe tablouri pe tema muzicii, pe care le-a finalizat ulterior, cum ar fi Man with a Guitar, 1942-1961 (130 × 97 cm), ulei pe pânză, colecție privată.
Mai face câteva desene de femei ale căror atitudini amintesc de perioada sa fauvistă, Femme à la toilette (1942), dar foarte curând natura moartă preia controlul: Deux poissons dans un plat avec une jug, 1949-1941, ulei pe hârtie montat pe pânză, colecție particulară, inaugurează o serie de pești pe fond negru, Les Poissons noirs, 1942, ulei pe pânză (33 × 55 cm), Centre Pompidou, Paris, și câteva Vanités, Le Poêle (1942), Le Cabinet de toilette (1942, The Phillips Collection). Toate aceste interioare amintesc de faptul că artistul s-a „claustrat” în propria casă, în special Interior mare cu paletă, 1942 (143 × 195,6 cm), Menil Collection, Houston. Cele mai semnificative picturi ale sale reprezintă obiecte cotidiene, obiecte derizorii, utile pentru supraviețuire sau pentru hrana raționalizată: Kitchen Table, ulei pe pânză (163 × 78 cm), colecție privată.
A realizat câteva figuri masculine pe un fundal întunecat înainte de a începe seria Billiards, pe care a continuat-o până în 1949. Una dintre cele mai frumoase, Le Billard, 1947-1949 (145 × 195 cm), se află la Muzeul de Artă Contemporană din Caracas, Venezuela. A fost expusă la Grand Palais (Paris) în cadrul retrospectivei Georges Braque din 2013, cu menționarea anilor în care a fost realizată: 1947-1949.
Citește și, batalii – Bătălia de la Ramillies
Perioada postbelică
Braque a stat departe de epurare și s-a alăturat lui Varengeville. Nu a aderat nici la Partidul Comunist Francez, în ciuda cererilor repetate ale lui Picasso și Simone Signoret. De asemenea, s-a ținut departe de Picasso, a cărui atitudine o aprecia din ce în ce mai puțin și pe care Maïa Plissetskaïa îl va descrie mai târziu ca pe un huligan. A refuzat invitația de a locui la La Californie din Cannes, alegând să locuiască la Saint-Paul-de-Vence, la noul său dealer parizian, Aimé Maeght. Cu toate acestea, ambii pictori au încercat să păstreze legătura unul cu celălalt. În special, atunci când Braque a suferit o operație pentru un dublu ulcer la stomac în 1945, Picasso a venit să-l vadă în fiecare zi și a continuat să-i ceară aprobarea, în ciuda atitudinii sale distante.24 decembrie 1950, sora sa, Henriette, a murit.
Începând cu 1951, a început un fel de reconciliere. Françoise Gilot l-a vizitat foarte des pe Braque, chiar și după despărțire, și i-a făcut cunoștință cu fiul ei, Claude Picasso, pe atunci adolescent, care semăna atât de mult cu tatăl său, încât Braque a izbucnit în lacrimi: băiatul era portretul viu al „tovarășului său de frânghie” din acea vreme. Adevărata natură a legăturii dintre cei doi pictori rămâne neclară. Potrivit lui Braque, nu a fost o cooperare artistică, ci „o uniune în independență”.
După o convalescență de doi ani, Braque și-a recăpătat vigoarea și a expus la Muzeul Stedelijk din Amsterdam, apoi la Bruxelles, la Palais des Beaux-Arts. În 1947, a fost prezent la Galeria Tate din Londra. În același an, Aimé Maeght devine noul său dealer parizian și publică prima ediție a Cahiers G. Braque.
În 1948, la Bienala de la Veneția, unde a prezentat seria Billiards, a primit Marele Premiu pentru întreaga sa operă. Au urmat o serie de expoziții, în special la MoMA din New York, care au completat recunoașterea internațională a operei sale. Paul Rosenberg i-a organizat o altă expoziție în galeria sa din New York în 1948.
Începând cu 1949, pictorul a început seria Ateliers, o serie de opt tablouri pe aceeași temă, într-o perpetuă stare de incompletitudine. Aceste pânze veșnic refăcute dau bătăi de cap editorilor de cataloage, în special criticului de artă englez John Richardson, care are mari dificultăți în a le data în articolul său The Ateliers of Braque. Căci Braque schimbă în mod constant conținutul și numerotarea tablourilor din această serie. Dacă comparăm fotografia lui Robert Doisneau cu Atelierul VII (1952-1956) din Varengeville, putem observa că a fost modificat, că pictorul a mutat obiectele și că a devenit Atelierul IX. Ultima stare a acestui tablou este prezentată la Grand Palais în 2013, ulei pe pânză (146 × 146 cm), Centre Georges Pompidou.
Pasărea, a cărei prezență aduce o nouă dimensiune în șase dintre cele opt Ateliere, și-a făcut apariția în Atelier IV, 1949, ulei pe pânză (130 × 195 cm), colecție particulară, cu aripile desfăcute și ocupând o treime din spațiu. Una dintre cele mai frecvent reproduse este Atelier I, 1949, ulei pe pânză (92 × 73 cm), colecție privată. Acesta prezintă un tablou în interiorul unui tablou și un ulcior alb mare „în gaura cheii”. Atelier VIII este cea mai frontală și cea mai colorată din serie (132,1 × 196,9 cm), Fundación Masaveu, Oviedo.
Ordinea de datare a Atelierelor, reținută în cele din urmă pentru ultima retrospectivă din 2013, este cea stabilită de Nicole Worms de Romilly în Catalogul raisonné de l”œuvre de Braque (editat de Maeght, șapte volume, publicate între 1959 și 1982). Les Ateliers au fost prezenți, începând din ianuarie 1949, la retrospectiva organizată la Museum of Modern Art din New York și la Cleveland Museum of Art, pentru care Jean Cassou a scris catalogul.
În 1955, pictorul și criticul englez Patrick Heron i-a trimis lui Braque cartea sa, „The Changing Forms of Art”, care descria Atelierele și, în special, Billards, ca fiind seturi de suprafețe plane din care se naște spațiul, combinate cu linii drepte, diagonale, parțial îngropate, jucându-se cu geometria cubistă. Braque i-a răspuns: „Mi-au fost traduse câteva pasaje din cartea dumneavoastră despre pictură, pe care le-am citit cu interes. Tu deschizi ochii celor pe care critica obișnuită îi rătăcește.
Paulhan remarcă faptul că Braque este unul dintre foarte puținii pictori care nu și-a pictat propriul autoportret și este surprins că se știe atât de puțin despre cel care a fost decorat în unanimitate cu Legiunea de Onoare în calitate de ofițer și apoi de comandor în 1951. „Acceptă gloria cu calm. Văd că toate aceste anecdote sunt slabe. Da, dar este și faptul că la Braque, omul anecdotic este destul de subțire. Omul este în altă parte.
Braque era un bărbat chipeș, a fost fotografiat de Robert Doisneau la Varengeville, în diverse situații: la țară. Pictorul a fost portretizat și de Man Ray, care l-a fotografiat frecvent între 1922 și 1925, și desenat de prietenul său Giacometti și de Henri Laurens, pe când era încă bandajat în 1915. El a inspirat-o și pe fotografa Mariette Lachaud, a cărei expoziție de patruzeci de fotografii a avut loc la Varengeville în august 2013. Braque a fost, de asemenea, un atlet, pasionat de sport și de boxul englezesc. În 1912, s-a bucurat de o reputație de boxer, iar în 1997, criticul de artă englez John Russell, în The New York Times, a amintit de măiestria sa în boxul englezesc.
Dar pictorul era mai preocupat de pictură decât de imagine. „Mi-ar fi jenant să decid dacă Braque este cel mai inventiv sau cel mai divers artist al timpului nostru. Dar dacă marele pictor este cel care dă cea mai acută și mai hrănitoare idee despre pictură, atunci Braque este, fără ezitare, cel pe care îl iau ca patron.
Citește și, biografii – Maria Montessori
Ultimii câțiva ani
În 1952, Georges Salles, directorul Muzeelor Franței, l-a însărcinat pe Georges Braque să decoreze tavanul sălii Henric al II-lea din Muzeul Luvru, care datează din 1938 și urmează să fie renovată. Subiectul ales de pictor : Les Oiseaux (Păsările) se potrivea bine cu sala și chiar și cei care erau reticenți la amestecul de artă modernă și antică au fost în cele din urmă seduși. În 1953, a fost inaugurată decorarea tavanului. Artistul a reușit să transpună în plan monumental o temă intimă care îi era dragă. El a rezolvat problema reprezentată de suportul vast prin utilizarea unor tonuri largi și plate de culoare, care conferă ansamblului un aspect puternic și simplu. Deprimat de faptul că nu a fost ales pentru acest proiect, Picasso a afirmat că Braque i-a copiat porumbeii.
Braque a produs foarte mult, dar, din retragerea sa din Varengeville-sur-mer, a ieșit foarte puțin. A renunțat la Provence. Tinerii pictori au fost cei care au venit să-l viziteze, în special Jean Bazaine. Dar mai presus de toate, Nicolas de Staël, pe care l-a încurajat cu tărie și a cărui sinucidere în 1955 avea să-l afecteze foarte mult. Nicolas de Staël îl admira atât de mult pe Braque, încât i-a scris criticului de artă și colecționarului american David Cooper: „Vă voi fi întotdeauna infinit de recunoscător pentru că ați creat acest climat în care retorica lui Braque primește lumina cu atât mai bine cu cât a refuzat marea sa strălucire, în care tablourile sale, într-un fulger, își croiesc în mod natural drumul de la Sofocle la tonul confidențial al lui Baudelaire, fără să insiste și păstrând marea voce. Este unic. Pe lângă prietenia lor, Staël și Braque aveau ceva în comun în ceea ce privește abordarea picturii din acea perioadă.
Duncan Phillips, care a fost „îndrăgostit” de Braque, deține, de asemenea, multe lucrări de Staël în Colecția Phillips. Revenirea neașteptată a lui Braque la peisajele figurative între Les Ateliers și Les Oiseaux este, într-un fel, îndatorată schimbului cu Staël. Aceste peisaje din ultimii ani (1957-1963), care l-au fascinat pe cel mai apropiat prieten al său, Alberto Giacometti, sunt în mare parte de dimensiuni mici, în formate alungite: Marine, 1956 (26 × 65 cm, colecție privată), Le Champ de colza, 1956 (30 × 65 cm), cu o trimitere evidentă la Vincent van Gogh, pe care îl admira. Staël a creat, de asemenea, tablouri care fac trimitere la van Gogh: Zborul pescărușilor este, de asemenea, un omagiu adus lui Vincent van Gogh, Câmp de grâu cu ciori, pe care Braque îl omagiază la rândul său, în jurul anului 1957, cu Păsări în grâu, ulei pe pânză (24 × 41 cm), într-un stil asemănător cu cel al lui Staël. Peisaj, 1959 (21 × 73 cm), dar și lucrări mai mari, cum ar fi The Plough, 1960 (84 × 195 cm) și The Weeder (1961), la care Braque a lucrat în fiecare vară începând din 1930, este ultima pictură a lui Braque. În prezent se află la Musée d”Art Moderne de Paris, la Centre Pompidou. Pe 31 august 1963, când a murit, tabloul se afla încă pe șevaletul din atelierul său din Varengeville. Peisajul pe care îl prezintă este cel din Pays de Caux, între Le Havre și Dieppe, care este auster și se termină cu stânci abrupte pe malul mării. Tabloul pare a fi un ecou al ultimei picturi a lui Vincent van Gogh, Câmp de grâu cu ciori (1890). „Seninătatea i-a scăpat lui van Gogh, cu disperare. Braque s-a străduit să realizeze acest lucru și, într-adevăr, a reușit.
Începând cu 1953, Braque și-a multiplicat referințele la zbor, la păsări. Acestea se regăsesc în Atelier IX (1952-1956), cu aripi mari care perturbă spațiul ici și colo. În acești ani, păsările i-au invadat munca. Dar abia în Atelier VIII (1952-1955) pasărea în zbor a căpătat albeața. L”Oiseau et son nid, 1955-1956 (130,5 × 173,5 cm), Centre Pompidou, Paris, este decupat în mod abstract pe un fond maro. Ea marchează o etapă importantă în opera lui Braque, întrucât prefigurează pasărea profilată din À tire d”aile, 1956-1961 (114 × 170,5 cm, Centre Pompidou, Paris), apoteoza operei pictorului despre păsări. Artistul a mers să observe un sanctuar de păsări din Camargue și a admirat zborul flamingo roz: „Am văzut păsări mari care zburau pe lângă mine. Din această viziune, am trasat forme aeriene. Păsările m-au inspirat. Conceptul însuși, după ce șocul inspirației le-a făcut să răsară în mintea mea, acest concept trebuie să se estompeze pentru a mă apropia de ceea ce mă preocupă: construcția faptului pictural. Pictorul stilizează, apoi lucrează formele în culori plate, simplificându-le la extrem.
Păsările negre (1956-1957, sau 1960, în funcție de sursă (129 × 181 cm), colecția Adrien Maeght, sunt reprezentative pentru „conceptul de pasăre” finalizat, la fel ca À tire d”aile, 1956-1961 (129 × 181 cm), Centrul Pompidou, Paris. În tabloul Les Oiseaux, 1960 (134 × 167,5 cm), conceptul este redus la semne aproape abstracte care se joacă cu lumina. Braque era foarte atașat de păsările sale și le-a păstrat până la moartea sa. L”Oiseau et son nid, ulei și nisip pe pânză (130,5 × 173,5 cm), Centre Georges Pompidou. „Pasărea și cuibul ei”, pe care l-a păstrat până la moartea sa, este cel mai bun autoportret al lui Braque.
În anii ”50 și ”60, opera lui Braque a făcut obiectul a numeroase expoziții atât în Franța, cât și în străinătate, la Tokyo, la Muzeul Național în 1952, la Kunsthalle din Berna și la Kunsthaus din Zurich în 1953. Dar, în timp ce o expoziție gigantică a lucrărilor sale a fost organizată la Festivalul Internațional de la Edinburgh în 1956 și apoi la Galeria Tate din Londra, el a rămas în atelierul său din Paris, pe care l-a părăsit doar pentru a merge la Varengeville. El s-a mulțumit să trimită pânzele sale din ce în ce mai „înaripate”. Cu toate acestea, expoziția de la Edinburgh s-a desfășurat în douăzeci și trei de săli și a inclus optzeci și nouă de tablouri care au atras un public foarte numeros. În anul următor, sculpturile sale au fost trimise la Muzeul din Cincinnati; mai târziu, la Roma, unde au fost expuse la sfârșitul anului 1958 și începutul anului 1959, a primit Premiul Antonio Feltrinelli acordat de Academia de Arte Frumoase. Între 1959 și 1963, Braque, care în 1950 realizase, împreună cu Jean Signovert, gravurile din Milarépa pentru editura Maeght, a lucrat și la cărți de artist: cu Pierre Reverdy, La Liberté des mers, cu Frank Elgar, La Résurrection de l”oiseau (1959), cu Apollinaire, Si je mourais là-bas, cu Saint-John Perse, L”Ordre des oiseaux (1962), cu René Char, Lettera Amorosa (1963).
Braque este unul dintre cei mai importanți pictori din istoria picturii. A influențat noi generații de artiști. După expoziția din 1946 de la Galeria Tate din Londra, pe care Patrick Heron a descris-o ca fiind „prost montată”, „artiștii în lipsă au început, în toată Anglia, și fără să știe criticii aroganți, să picteze naturi moarte cu heringi”. Printre pictorii influențați de Braque, Alex Danchev îi citează pe Ben Nicholson, John Piper sau Bryan Winter, precum și pe americanii William Congdon și Ellsworth Kelly. Françoise Gilot a fost înconjurată de operele lui Braque, iar la Școala Juilliard din New York a urmat un curs de istoria artei intitulat „De la Bach la Braque și dincolo de el”.
Georges Braque a creat, de asemenea, vitralii: șapte vitralii pentru capela Saint-Dominique și vitraliul reprezentând un arbore de Iesei în biserica parohială Saint-Valéry din Varengeville-sur-Mer în 1954, precum și sculptura pentru ușa tabernacolului din biserica din Assy în 1948. Ultima expoziție a operei sale în Franța a avut loc la Musée des Arts Décoratifs din Paris, între 22 martie și 14 mai 1963. Ele sunt reproduse pe mai multe site-uri: aici. În același an, la München, o mare expoziție retrospectivă a prezentat întreaga sa operă între 12 iunie și 6 octombrie.
A murit la 31 august 1963, la domiciliul său din arondismentul 14 din Paris. Alberto Giacometti, care a venit să îi deseneze portretul funerar, a scris: „În această seară, toată opera lui Braque redevine relevantă pentru mine. Dintre toate lucrările sale, privesc cu cel mai mare interes, curiozitate și emoție micile peisaje, naturile statice și buchetele modeste din ultimii ani, chiar din ultimii ani. La 3 septembrie a avut loc o înmormântare de stat pentru artist. André Malraux își rostește elogiul în fața colonadei de la Luvru.
Georges Braque a fost înmormântat a doua zi în cimitirul marin din Varengeville-sur-Mer. Soția sa, Marcelle Lapré, născută la 29 iulie 1879 la Paris, era cu trei ani mai mare decât pictorul. A murit la doi ani după el, dar înainte de asta, „în 1965, cu puțin timp înainte de moartea sa și în conformitate cu dorința soțului ei, doamna Braque a făcut o donație de paisprezece tablouri și cinci sculpturi pe care pictorul nu dorea să le vadă părăsind Franța. Este înmormântată alături de soțul ei în cimitirul marin din Varengeville.
Citește și, biografii – David Hume
Perioada post-impresionistă
Multe dintre tablourile din perioada postimpresionistă au fost distruse de artistul însuși după vara anului 1904 lângă Pont-Aven, cu excepția portretului Fillette bretonne. Cel mai vechi tablou expus până în prezent este Le Parc Monceau (1900), Parc Monceau, pe locul Muzeului Georges-Braque din Saint-Dié-des-Vosges.
Citește și, biografii – Papa Grigore al XIII-lea
Perioada fauvistă (1905-1907)
Artistul a fost atras în sistemul fauve de admirația pe care o avea pentru „liderul fauvilor” de la acea vreme, Henri Matisse – care nu i-a răspuns cu greu -, dar mai ales de prietenia sa cu Othon Friesz, André Derain și Raoul Dufy, care l-au împins la acțiune. În cele din urmă, a expus pentru prima dată șapte tablouri fauviste la Salon des Indépendants din 1906, care nu au avut succes și pe care le-a distrus. Foarte productiv, Braque a început o perioadă de înflorire: lucrările sale au fost cumpărate ulterior de numeroase muzee. Majoritatea lucrărilor sale sunt peisaje, cum ar fi Mât dans le port d”Anvers, 1906, ulei pe pânză (46,5 × 38,4 cm), Centre Georges-Pompidou, Bateau à quai, Le Havre, 1905 (54 × 65 cm), Museum of Modern Art, New York, Vezi tabloul expus în 2009 la Musée des Beaux-Arts de Bordeaux), Paysage à l”Estaque, 1906 (60,3 × 72,7 cm), Art Institute of Chicago, Vezi Paysage à l”Estaque. Și, de asemenea, nuduri: Femme nue assise, 1907, ulei pe pânză (55,5 × 46,5 cm), Musée national d”art moderne, Paris. Descriere Femeie nud așezată și Nud așezat, 1907, ulei pe pânză (61 × 50 cm), colecția Samir Traboulsi.
Citește și, istorie – Războiul de Succesiune Austriacă
Cubismul analitic (1907 – 1912)
Perioada cubistă a lui Braque a început în principal cu peisaje, cum ar fi Le Viaduc à l”Estaque (1907) sau Route près de l”Estaque și, mai ales, Maisons à l”Estaque, care a fost declarat tablou cubist de Matisse și, mai târziu, de Louis Vauxcelles, deși pictorul considera că Les Instruments de musique a fost primul său tablou cu adevărat cubist. Dezbaterile despre cubism sunt încă confuze, mai ales pentru că discreția extremă a lui Braque i-a permis „colegului său de frânghie” să monopolizeze toate rolurile. Cu toate acestea, fiecare dintre ei a rămas publicul de „avanpremieră” al celuilalt pe toată durata cordoanelor Braque-Picasso, din 1911 până în 1912, în perioada cubismului analitic și sintetic.
Relația dintre cei doi pictori a devenit oarecum tensionată atunci când Braque a realizat primul său papier collé în Sorgues: Compotier et verre, 1912, ulei și nisip pe pânză (50 × 65 cm), colecție particulară, primul papier collé cu acest titlu, urmat de un număr mare de alte papier collés care au dus treptat la cubismul sintetic.
Citește și, biografii – Alexis de Tocqueville
Cubismul sintetic (1912 – 1917-1918)
Împărțirea exactă între perioada analitică și cea sintetică variază în funcție de biografi. Unii includ în această perioadă hârtiile lipite de la Compotier et verre (1912) încoace, care duc la perioada „Braque le vérificateur”, care include și Compotier et cartes (1913), urmată de prolifica serie „Machines à voir”: Le Petit Éclaireur (1913). În această perioadă, în care Braque își perfecționează meticulos pictura, găsim picturile în ulei: Vioară și clarinet (1913), Natură moartă cu pipă (1914), Om cu chitară (1914).
Catalogul expoziției Georges Braque 2013 de la Grand Palais consacră un capitol separat colajelor pe hârtie din 1912-1914, de la Compotier et verre (1912) la La Bouteille de rhum (1914). Revenim apoi la tehnicile mixte pe pânză cu Compotier et cartes (1913), sau Cartes et dé (1914). Papier collés ar putea fi considerat un interludiu cubist între „analitic” și „sintetic”.
Printre principalele lucrări din această perioadă se numără vioara și pipa LE QUOTIDIEN (1913-1914), sau La Guitare: „Statue d”épouvante” (1913), dar mai ales naturi statice, când Braque și-a recăpătat vederea după o lungă perioadă de orbire cauzată de rana de război: La Joueuse de mandoline, 1917 (92 × 65 cm), Musée de Lille métropole), La Musicienne (221,3 × 113 cm, 1917-1918, Kunstmuseum, Basel.
Citește și, biografii – Emily Dickinson
Din 1919 până în 1932
Deși a păstrat rigoarea cubismului, Braque s-a îndepărtat de abstracție prin naturi moarte ale căror motive sunt expuse în culori plate, iar culorile devin din ce în ce mai vii pe măsură ce trece timpul. Juxtapunerea de planuri diferite, ca în Compotier avec grappe de raisin et verre (1919), Musée national d”art moderne, Centre Georges Pompidou, Paris, este realizată cu paste groase și linii înțepenite, care dau impresia de măsură caracteristică lui Braque. Pe măsură ce anii treceau, revenirea sa la culoare devenea din ce în ce mai pronunțată, de la Guitar and Still Life on the Mantelpiece, 1921, ulei pe pânză (130,5 × 74,3 cm), Metropolitan Museum of Art, Guitar and Still Life on the Mantelpiece sau Guitar and Glass, 1921, ulei pe pânză (43 × 73 cm), Centre national d”art et de culture Georges Pompidou, Paris, la formate din ce în ce mai mari, precum : Chitară și o sticlă de suc de struguri pe o masă, 1930, ulei pe pânză (130,5 × 75 cm), Cleveland Museum of Art, Guitar and Bottle of Grape Juice). Temele sale preferate erau fructele, florile și obiectele. Părea să întoarcă spatele cubismului. Cu naturi statice precum The Large Pedestal Table, intitulată și The Round Table, 1928-1929, ulei și nisip pe pânză (147 × 114 cm, The Phillips Collection) sau The Large Pedestal Table (The Round Table), pe care unii o consideră o „regresie”, iar alții un „avans somptuos”, pictorul și-a practicat arta într-o manieră voluptoasă, realizând în această perioadă cele mai senzuale lucrări ale sale.
Citește și, biografii – Jonas Salk
Din 1932 până în 1944
Dialectica formelor „naturaliste și abstracte în același timp”, așa cum le definea Christian Zervos, capătă o nouă amploare cu variațiuni pe tema lui Le Guéridon, începută în 1928: Le Guéridon, ulei pe pânză (197,7 × 74 cm), Museum of Modern Art, New York, din care Braque a realizat o serie între 1936 și 1939, inclusiv Le Grand Guéridon, intitulat și La Table ronde, ulei pe pânză, The Phillips Collection, care este cea mai impunătoare pânză din serie, potrivit lui Bernard Zurcher, Le Guéridon (SFMOMA), San Francisco Museum of Modern Art, Le Guéridon rouge (început în 1939, revizuit până în 1952, Centre Pompidou). În această perioadă, artistul a acumulat notițe, schițe și desene, care dau aparența înșelătoare a unor schițe pentru viitoarele tablouri, în timp ce ele reprezintă mai degrabă o cercetare din partea unui pictor aflat în incertitudine. Artistul bâjbâie, căutând fundul lucrurilor și, deși fiecare pagină pe hârtie grafică este de mare interes pentru înțelegerea progresului său, nu a fost niciodată publicată. La angoasa războiului se adaugă neliniștea de a nu mai avea vești despre casa sa din Varengeville și despre tablourile care sunt depozitate acolo. Dar după lucrări austere precum Pește sau Soba, 1942-1943, Yale University Art Gallery, Interior mare cu paletă, 1942 (143 × 195,6 cm), Menil Collection, Houston. Tot în această perioadă a început să lucreze la sculptură: Hymen, Hesperis, The Little Horse și mulaje de ghips gravat, precum și la ceramică, înainte de a ajunge la seria Billiards, considerată una dintre temele majore ale artistului.
Citește și, istorie – Marea criză economică
Din 1944 până în 1963
Braque se afla la Varengeville când trupele germane au trecut linia Maginot. Refugiat mai întâi în Limousin, la familia Lachauds, apoi în Pirinei, cuplul s-a întors la Paris, unde a petrecut tot războiul în atelierul construit de Auguste Perret, rue du Douanier . În 1940, pictorul a produs puțin. Abia începând din 1941 a creat două serii impunătoare, pânze austere pe tema bucătăriei și a băii: The Kitchen Table with Grill, The Stove, The Toilet with Green Tiles și imensul Grand intérieur à la palette. Dar această austeritate nu a durat. Din 1946, cu Tournesols, Braque a lăsat culoarea să explodeze.
Ultimii ani ai carierei pictorului, de la sfârșitul războiului până în seara morții sale, au fost cei mai străluciți, potrivit lui John Golding. Numeroși critici de artă englezi au ovaționat în picioare seria Billiards, apoi seria Ateliers, dar și peisajele realizate în formate întinse și înguste, expuse la Royal Academy din Londra în 1997, Braque, The Late Works. Expoziția a fost apoi prezentată la Menil Collection, care a publicat catalogul. În Franța, nu s-a vorbit prea mult despre acest eveniment, după cum arată scurtul articol din L”Express. Ultimii ani ai pictorului au fost, de asemenea, cei ai poeziei, cu litografii care au ilustrat cărți prețioase precum L”Ordre des Oiseaux (1962) de Saint-John Perse. Tema majoră a ultimilor ani este cu siguranță cea a păsărilor, a căror apoteoză este reprezentată de Păsările negre, de dimensiuni foarte mari. În ciuda simplității aparente și a îndrăznelii sale, seria de păsări sfidează descrierea și analiza. Braque a spus:
„A defini ceva înseamnă a înlocui definiția cu lucrul respectiv. Există un singur lucru care este cu adevărat valoros în artă, și acela este ceea ce nu poate fi explicat. Braque, Braque”s Notebook, citat de John Golding .
Citește și, biografii – Nikolai Karamzin
Les Bijoux de Braque (1961-1963)
„În 1961, din ce în ce mai bolnav și în imposibilitatea de a mai lucra mult timp la picturile sale, Braque a acceptat să preia desene care să fie folosite ca modele pentru bijuterii, în special camee de onix montate în inele. I-a dăruit soției sale unul reprezentând profilul lui Hecate Reproducerea lui Hecate într-o broșă, Gouache și reproducerea lui Hecate într-o broșă, iar el însuși a purtat unul ca inel de sigiliu în ultimul an al vieții sale: La Métamorphose d”Eos, oiseau blanc reprezentând zorii.”
Citește și, biografii – Alfons Mucha
Sculpturi, tapiserii, tencuieli gravate
Ultima lucrare din cadrul Metamorfozelor este o guașă executată de pictor în 1963 (38 × 33 cm), în semn de omagiu și prietenie față de Pablo Picasso, intitulată Les Oiseaux bleus (Omagiu lui Picasso). Această lucrare a fost folosită după moartea pictorului. Realizată sub formă de tapiserie (195 × 255 cm), realizată manual în 6 exemplare, de către fabrica Robert Four, a fost vândută la licitație de către casa Millon, care menționează clar „După Georges Braque”. Aceeași guașă a fost executată ca sculptură în bronz cu patină de medalion albastru-negru, produsă în opt exemplare (58 × 255 cm) și vândută la licitație la casa de licitații din Cannes și la Millon, Paris.
Timp de patruzeci de ani, Georges Braque nu a avut parte de o retrospectivă în Franța, până la cea din 2013-2014, la Grand Palais. Este o expoziție foarte mare, cu aproximativ 236 de referințe, inclusiv desene, sculpturi și fotografii. Totalitatea lucrărilor este dificil de reunit într-un singur loc, cu atât mai mult cu cât Grand Palais dedică încă o retrospectivă bijuteriilor Cartier în perioada 4 decembrie 2013 – 6 februarie 2014.
Expoziții complementare aduc un omagiu și altor lucrări ale lui Braque, în aceeași perioadă 2013-2014. Bijuteriile din guașele realizate de artist, între 1961 și 1963, au fost expuse la Muzeul Georges-Braque din Saint-Dié-des-Vosges, între 29 iunie și 15 septembrie 2013, gravurile și tipăriturile artistului sunt expuse în prezent la Centrul de Artă La Malmaison din Cannes, între 4 decembrie 2013 și 26 ianuarie 2014, iar Château-Musée de Dieppe dedică o expoziție gravurilor lui Braque între 25 noiembrie 2013 și 5 ianuarie 2014.
Pe baza dublei expoziții Braque, the Late Years, 1997, Londra și Houston, istoricul de artă englez John Golding a realizat un catalog raisonné al operelor lui Braque. Lucrările sale nu au fost incluse în cataloagele raționale publicate de Maeght, care au încetat în 1957, spre marea indignare a lui Alex Danchev.
În 2008, o retrospectivă cu 80 de lucrări ale lui Braque a avut loc la Viena, la Bank Austria Kunstforum, un centru de artă situat într-o fostă clădire a Bank Austria, principalul sponsor.
Citește și, istorie – Atahualpa
Bibliografie
Document utilizat ca sursă pentru acest articol.
sursele
