James Abbott McNeill Whistler

gigatos | februarie 2, 2022

Post Views: 26

Rezumat

James Abbott McNeill Whistler RBA (11 iulie 1834 – 17 iulie 1903) a fost un pictor american activ în timpul Epocii de aur americane și stabilit în principal în Regatul Unit. El a evitat sentimentalismul și aluzia morală în pictură și a fost unul dintre principalii susținători ai crezului „arta de dragul artei”. Semnătura sa pentru tablourile sale a luat forma unui fluture stilizat care are în loc de coadă un înțepător lung. Simbolul combină ambele aspecte ale personalității sale: arta sa este marcată de o delicatețe subtilă, în timp ce persoana sa publică era combativă. A găsit o paralelă între pictură și muzică și și-a intitulat multe dintre picturile sale „aranjamente”, „armonii” și „nocturne”, subliniind primatul armoniei tonale. Cea mai faimoasă pictură a sa, Aranjament în gri și negru nr. 1 (1871), cunoscută în mod obișnuit sub numele de Mama lui Whistler, este un portret venerat și adesea parodiat al maternității. Whistler a influențat lumea artei și cultura mai largă a timpului său prin teoriile sale și prin prieteniile sale cu alți artiști și scriitori de marcă.

Citește și, biografii – Édouard Manet

New England

James Abbott Whistler s-a născut în Lowell, Massachusetts, la 11 iulie 1834, primul copil al Annei McNeill Whistler și al lui George Washington Whistler, și fratele chirurgului confederat Dr. William McNeill Whistler. Tatăl său a fost inginer de căi ferate, iar Anna a fost cea de-a doua soție a sa. James a trăit primii trei ani din viață într-o casă modestă de pe strada Worthen nr. 243 din Lowell. Casa este acum Whistler House Museum of Art, un muzeu dedicat lui Whistler. În timpul procesului Ruskin, a susținut că Sankt Petersburg, Rusia, este locul său de naștere: „Mă voi naște când și unde vreau, și nu am ales să mă nasc în Lowell”.

Familia s-a mutat din Lowell în Stonington, Connecticut, în 1837, unde tatăl său a lucrat la compania feroviară Stonington Railroad. Trei dintre copiii cuplului au murit în copilărie în această perioadă. Norocul lor s-a îmbunătățit considerabil în 1839, când tatăl său a devenit inginer-șef al Căii Ferate Boston & Albany, iar familia a construit un conac în Springfield, Massachusetts, unde se află acum Muzeul de Istorie Wood. Au locuit în Springfield până când au părăsit Statele Unite la sfârșitul anului 1842. Nicolae I al Rusiei a aflat de ingeniozitatea lui George Whistler în ingineria căii ferate Boston & Albany și i-a oferit un post de inginer la o cale ferată de la Sankt Petersburg la Moscova în 1842, iar familia s-a mutat la Sankt Petersburg în iarna anului 1842.

Whistler a fost un copil temperamental, predispus la crize de furie și insolență, iar după crize de boală a avut deseori perioade de lenevie. Părinții săi au descoperit că desenul îl liniștea și îl ajuta să își concentreze atenția. În anii următori, a pus în evidență legătura mamei sale cu sudul american și rădăcinile sale și s-a prezentat ca un aristocrat sudist sărac, deși nu este clar în ce măsură a simpatizat cu adevărat cu cauza sudistă în timpul Războiului Civil American. A adoptat numele de fată al mamei sale după ce aceasta a murit, folosindu-l ca un al doilea nume suplimentar.

Citește și, biografii – Prince (muzician)

Rusia și Anglia

Începând din 1842, tatăl său a fost angajat să lucreze la o cale ferată din Rusia. După ce s-a mutat la Sankt Petersburg pentru a se alătura tatălui său un an mai târziu, tânărul Whistler a luat lecții particulare de artă, apoi s-a înscris la Academia Imperială de Arte la vârsta de 11 ani. Tânărul artist a urmat programa tradițională de desenare după mulaje din ghips și ocazional după modele vii, s-a bucurat de atmosfera discuțiilor despre artă cu colegii mai mari și și-a mulțumit părinții cu o notă de primă clasă la anatomie. În 1844, l-a întâlnit pe renumitul artist Sir William Allan, care a venit în Rusia cu o comandă de a picta o istorie a vieții lui Petru cel Mare. Mama lui Whistler a notat în jurnalul său: „Marele artist mi-a remarcat: „Băiețelul tău are un geniu ieșit din comun, dar nu-l îndemnați dincolo de înclinația sa””.

În 1847-1848, familia sa a petrecut o perioadă de timp la Londra, la rude, în timp ce tatăl său a rămas în Rusia. Cumnatul lui Whistler, Francis Haden, un medic care era și artist, i-a stimulat interesul pentru artă și fotografie. Haden l-a dus pe Whistler în vizită la colecționari și la conferințe și i-a oferit un set de acuarele cu instrucțiuni. Whistler își imagina deja o carieră artistică. A început să colecționeze cărți despre artă și a studiat tehnicile altor artiști. Când portretul său a fost pictat de Sir William Boxall în 1848, tânărul Whistler a exclamat că portretul „îmi semăna foarte mult și era un tablou foarte frumos. Domnul Boxall este un colorist minunat… Are o suprafață cremoasă frumoasă și pare atât de bogată”. În entuziasmul său înfloritor pentru artă, la cincisprezece ani, și-a informat tatăl prin scrisoare despre viitoarea sa orientare: „Sper, dragă tată, că nu vei avea obiecții la alegerea mea”. Cu toate acestea, tatăl său a murit de holeră la vârsta de 49 de ani, iar familia Whistler s-a mutat înapoi în orașul natal al mamei sale, Pomfret, Connecticut. Planurile sale artistice au rămas vagi, iar viitorul său incert. Familia a trăit frugal și a reușit să se descurce cu un venit limitat. Vărul său a relatat că Whistler la acea vreme era „subțire, cu o față gânditoare și delicată, umbrită de bucle moi și brune… avea o înfățișare și o manieră oarecum străine, care, ajutat de abilitățile naturale, îl făceau foarte fermecător, chiar și la acea vârstă”.

Citește și, istorie – Perioada caldă medievală

West Point

Whistler a fost trimis la Christ Church Hall School, în speranța mamei sale că va deveni preot. Whistler era rareori fără caietul său de schițe și era popular printre colegii săi de clasă pentru caricaturile sale. Cu toate acestea, a devenit clar că o carieră religioasă nu i se potrivea, așa că a aplicat la Academia Militară a Statelor Unite de la West Point, unde tatăl său predase desenul și unde alte rude au frecventat cursurile. A fost admis la această instituție extrem de selectivă în iulie 1851, datorită numelui său de familie, în ciuda miopiei sale extreme și a antecedentelor de sănătate precare. Cu toate acestea, în cei trei ani petrecuți acolo, notele sale au fost abia satisfăcătoare, iar la instrucție și la ținută era o priveliște jalnică, fiind cunoscut sub numele de „Curly” pentru lungimea părului său care depășea regulamentul. Whistler s-a împotrivit autorității, a scuipat comentarii sarcastice și a acumulat abateri. Colonelul Robert E. Lee era superintendentul West Point și, după o indulgență considerabilă față de Whistler, nu a avut de ales decât să îl concedieze pe tânărul cadet. Cea mai mare realizare a lui Whistler la West Point a fost învățarea desenului și a realizării hărților de la artistul american Robert W. Weir.

Plecarea sa de la West Point pare să fi fost precipitată de un eșec la un examen de chimie, unde i s-a cerut să descrie siliciul și a început prin a spune: „Siliciul este un gaz”. După cum el însuși a spus mai târziu: „Dacă siliciul ar fi fost un gaz, aș fi fost general într-o zi”. Cu toate acestea, o anecdotă separată sugerează că un comportament neadecvat la ora de desen ar fi fost motivul plecării lui Whistler.

Citește și, biografii – Antonio Canova

Primul loc de muncă

După West Point, Whistler a lucrat ca desenator care a cartografiat întreaga coastă americană în scopuri militare și maritime. Munca i se părea plictisitoare și întârzia sau lipsea frecvent. Își petrecea o mare parte din timpul liber jucând biliard și lenevind, era mereu falit și, deși fermecător, avea puține cunoștințe cu femeile. După ce s-a descoperit că desena șerpi de mare, sirene și balene pe marginile hărților, a fost transferat la divizia de gravură a U.S. Coast Survey. A rezistat acolo doar două luni, dar a învățat tehnica de gravură care s-a dovedit mai târziu valoroasă pentru cariera sa.

În acest moment, Whistler a decis cu fermitate că arta va fi viitorul său. Timp de câteva luni a locuit în Baltimore cu un prieten bogat, Tom Winans, care i-a pus la dispoziție un atelier și bani de buzunar. Tânărul artist și-a făcut câteva contacte valoroase în comunitatea artistică și, de asemenea, i-a vândut lui Winans câteva picturi timpurii. Whistler a refuzat sugestiile mamei sale privind alte cariere mai practice și a informat-o că, cu ajutorul banilor de la Winans, urma să își continue pregătirea artistică la Paris. Whistler nu s-a mai întors niciodată în Statele Unite.

Citește și, biografii – Francisco de Goya

Studiu de artă în Franța

Whistler a sosit la Paris în 1855, a închiriat un atelier în Cartierul Latin și a adoptat rapid viața de artist boem. În curând a avut o prietenă franceză, o croitoreasă pe nume Héloise. A studiat pentru o scurtă perioadă de timp metodele tradiționale de artă la Ecole Impériale și la atelierul lui Marc Charles Gabriel Gleyre. Acesta din urmă a fost un mare susținător al operei lui Ingres și l-a impresionat pe Whistler cu două principii pe care le-a folosit pentru tot restul carierei sale: linia este mai importantă decât culoarea și negrul este culoarea fundamentală a armoniei tonale. Douăzeci de ani mai târziu, impresioniștii aveau să răstoarne în mare parte această filozofie, interzicând negrul și maro ca „culori interzise” și punând accentul pe culoare în detrimentul formei. Whistler a preferat studiul individual și să se bucure de viața de cafenea. în timp ce scrisorile de acasă relatau eforturile de economie ale mamei sale, Whistler a cheltuit în voie, a vândut puțin sau chiar nimic în primul său an la Paris și a avut datorii constante. Pentru a ușura situația, s-a apucat să picteze și să vândă copii după operele de la Luvru și, în cele din urmă, s-a mutat în locuințe mai ieftine. Din fericire, sosirea la Paris a lui George Lucas, un alt prieten bogat, a ajutat la stabilizarea finanțelor lui Whistler pentru o vreme. În ciuda unui răgaz financiar, iarna anului 1857 a fost una dificilă pentru Whistler. Sănătatea sa precară, agravată de fumatul și consumul excesiv de alcool, l-a pus la pământ.

Condițiile s-au îmbunătățit în vara anului 1858. Whistler și-a revenit și a călătorit împreună cu colegul său, artistul Ernest Delannoy, prin Franța și Renania. Ulterior, a realizat un grup de gravuri cunoscute sub numele de „Setul francez”, cu ajutorul maestrului francez al tipografiei Auguste Delâtre. În cursul aceluiași an, a pictat primul său autoportret, Portrait of Whistler with Hat (Portret al lui Whistler cu pălărie), o lucrare întunecată și densă care amintește de Rembrandt. Însă evenimentul cu cea mai mare importanță în acel an a fost prietenia sa cu Henri Fantin-Latour, pe care l-a întâlnit la Luvru. Prin intermediul acestuia, Whistler a făcut cunoștință cu cercul lui Gustave Courbet, din care făceau parte Carolus-Duran (mai târziu, profesorul lui John Singer Sargent), Alphonse Legros și Édouard Manet.

Din acest grup a făcut parte și Charles Baudelaire, ale cărui idei și teorii despre arta „modernă” l-au influențat pe Whistler. Baudelaire i-a provocat pe artiști să analizeze brutalitatea vieții și a naturii și să o descrie cu fidelitate, evitând vechile teme ale mitologiei și alegoriei. Théophile Gautier, unul dintre primii care a explorat calitățile de traducere între artă și muzică, este posibil să-l fi inspirat pe Whistler să privească arta în termeni muzicali.

Citește și, biografii – Alan Rickman

Londra

Reflectând realismul stindard al cercului său de adopție, Whistler a pictat prima sa lucrare expusă, La Mere Gerard, în 1858. A urmat pictura At the Piano (La pian), în 1859, la Londra, pe care a adoptat-o ca locuință, vizitându-și în același timp cu regularitate prietenii din Franța. At the Piano este un portret compus din nepoata sa și mama acesteia în camera lor de muzică din Londra, un efort care a arătat în mod clar talentul și promisiunea sa. Un critic a scris: „o îndrăzneală nesăbuită și o schiță de cea mai sălbatică și mai dură, un sentiment autentic pentru culoare și o splendidă putere de compoziție și design, care denotă o apreciere justă a naturii foarte rară printre artiști”. Lucrarea este lipsită de sentimentalism și contrastează în mod eficient mama în negru și fiica în alb, celelalte culori fiind păstrate în mod restrâns, în maniera sfătuită de profesorul său Gleyre. A fost expusă la Academia Regală în anul următor și în multe expoziții care au urmat.

Într-un al doilea tablou executat în aceeași încăpere, Whistler și-a demonstrat înclinația naturală spre inovație și noutate, realizând o scenă de gen cu o compoziție neobișnuită și o prescurtare. Mai târziu, tabloul a fost redenumit Armonie în verde și trandafir: Camera de muzică. Această pictură a demonstrat, de asemenea, modelul de lucru continuu al lui Whistler, în special în cazul portretelor: un început rapid, ajustări majore, o perioadă de neglijență, apoi o ultimă zvâcnire spre finisare.

După un an petrecut la Londra, în 1860, ca o contrapondere la setul său francez din 1858, a realizat un alt set de gravuri numit Thames Set, precum și câteva lucrări impresioniste timpurii, printre care The Thames in Ice. În acest stadiu, începea să își stabilească tehnica de armonie tonală bazată pe o paletă limitată, predeterminată.

În 1861, după ce s-a întors pentru o perioadă la Paris, Whistler a pictat prima sa lucrare celebră, Simfonia în alb, nr. 1: Fata albă. Portretul amantei și managerului său de afaceri, Joanna Hiffernan, a fost creat ca un simplu studiu în alb; cu toate acestea, alții l-au văzut altfel. Criticul Jules-Antoine Castagnary a considerat tabloul o alegorie a inocenței pierdute a unei noi mirese. Alții au făcut legătura cu Femeia în alb a lui Wilkie Collins, un roman popular al vremii, sau cu diverse alte surse literare. În Anglia, unii au considerat că este o pictură în maniera prerafaelită. În tablou, Hiffernan ține un crin în mâna stângă și stă pe un covor din piele de urs (interpretat de unii ca reprezentând masculinitatea și pofta), capul ursului privind amenințător spre privitor. Portretul a fost refuzat pentru a fi expus la conservatoarea Royal Academy, dar a fost expus într-o galerie privată sub titlul The Woman in White (Femeia în alb). În 1863 a fost expus la Salon des Refusés din Paris, un eveniment sponsorizat de împăratul Napoleon al III-lea pentru expunerea lucrărilor respinse de la Salon.

Pictura lui Whistler a fost remarcată pe scară largă, deși a fost eclipsată de tabloul mai șocant al lui Manet, Le déjeuner sur l”herbe. Contracarând criticile tradiționaliștilor, susținătorii lui Whistler au insistat asupra faptului că tabloul era „o apariție cu un conținut spiritual” și că reprezenta teoria sa conform căreia arta ar trebui să fie preocupată în principal de aranjarea culorilor în armonie, nu de o reprezentare literală a lumii naturale.

Doi ani mai târziu, Whistler a pictat un alt portret al lui Hiffernan în alb, de data aceasta arătând noul său interes pentru motivele asiatice, pe care l-a intitulat The Little White Girl. Lucrările sale Lady of the Land Lijsen și The Golden Screen, ambele finalizate în 1864, o înfățișează din nou pe amanta sa, într-o ținută și un cadru asiatic și mai emfatic. În această perioadă, Whistler a devenit un apropiat al lui Gustave Courbet, liderul timpuriu al școlii realiste franceze, dar când Hiffernan a modelat nud pentru Courbet, Whistler s-a înfuriat, iar relația sa cu Hiffernan a început să se destrame. În ianuarie 1864, mama foarte religioasă și foarte corectă a lui Whistler a sosit la Londra, tulburând existența boemă a fiului ei și exacerbând temporar tensiunile familiale. După cum i-a scris lui Henri Fantin-Latour, „Tulburare generală!!! A trebuit să îmi golesc casa și să o purific din pivniță până la streașină”. De asemenea, l-a mutat imediat pe Hiffernan într-o altă locație.

Citește și, istorie – Sfânta Alianță

Nocturne

În 1866, Whistler a decis să viziteze Valparaíso, în Chile, o călătorie care i-a nedumerit pe cercetători, deși Whistler a declarat că a făcut-o din motive politice. Chile se afla în război cu Spania și poate că Whistler a crezut că este vorba de o luptă eroică a unei națiuni mici împotriva uneia mai mari, dar nicio dovadă nu susține această teorie. Ceea ce a produs călătoria au fost primele trei picturi nocturne ale lui Whistler – pe care le-a numit „lumini de lună” și pe care ulterior le-a redenumit „nocturne” – scene nocturne ale portului pictate cu o paletă albastră sau verde deschis. După ce s-a întors la Londra, a pictat mai multe nocturne în următorii zece ani, multe dintre ele reprezentând râul Tamisa și Grădinile Cremorne, un parc de agrement renumit pentru frecventele sale focuri de artificii, care reprezentau o provocare inedită de pictat. În nocturnele sale maritime, Whistler a folosit vopsea foarte diluată ca fond cu culori ușor frământate pentru a sugera nave, lumini și linia țărmului. Unele dintre picturile de pe Tamisa prezintă, de asemenea, similitudini compoziționale și tematice cu gravurile japoneze ale lui Hiroshige.

În 1872, Whistler l-a creditat pe patronul său Frederick Leyland, un muzician amator devotat lui Chopin, pentru titlurile sale inspirate de muzică.

Eu zic că nu pot să vă mulțumesc prea mult pentru numele „Nocturne” ca titlu pentru luminile mele de lună! Nu aveți idee ce iritare se dovedește pentru critici și ce plăcere consecventă pentru mine – în afară de faptul că este într-adevăr atât de fermecător și spune atât de poetic tot ce vreau să spun și nu mai mult decât aș vrea!

În acel moment, Whistler a pictat un alt autoportret pe care l-a intitulat Arrangement in Gray: Portrait of the Painter (c. 1872) și a început, de asemenea, să redenumească multe dintre lucrările sale anterioare folosind termeni asociați cu muzica, cum ar fi „nocturnă”, „simfonie”, „armonie”, „studiu” sau „aranjament”, pentru a sublinia calitățile tonale și compoziția și pentru a scoate în evidență conținutul narativ. Nocturnele lui Whistler s-au numărat printre cele mai inovatoare lucrări ale sale. În plus, faptul că a trimis mai multe nocturne dealerului de artă Paul Durand-Ruel după Războiul franco-prusian i-a oferit lui Whistler ocazia de a-și explica „teoria în artă” în evoluție artiștilor, cumpărătorilor și criticilor din Franța. Bunul său prieten Fantin-Latour, din ce în ce mai reacționar în opiniile sale, în special în ceea ce privește negativitatea sa față de școala impresionistă emergentă, a găsit noile lucrări ale lui Whistler surprinzătoare și derutante. Fantin-Latour a recunoscut: „Nu înțeleg nimic acolo; este bizar cum se schimbă cineva. Nu-l mai recunosc”. Relația lor era aproape de sfârșit în acel moment, dar au continuat să își împărtășească opiniile în corespondență ocazională. Când Edgar Degas l-a invitat pe Whistler să expună împreună cu prima expoziție a impresioniștilor în 1874, Whistler a refuzat invitația, la fel ca Manet, iar unii cercetători au atribuit acest lucru în parte influenței lui Fantin-Latour asupra ambilor bărbați.

Citește și, biografii – Catherine de Aragon

Portrete

Războiul franco-prusian din 1870 a fragmentat comunitatea artistică franceză. Mulți artiști s-au refugiat în Anglia, alăturându-se lui Whistler, printre care Camille Pissarro și Monet, în timp ce Manet și Degas au rămas în Franța. La fel ca Whistler, Monet și Pissarro și-au concentrat eforturile pe vederi ale orașului și este probabil că Whistler a fost expus la evoluția impresionismului fondat de acești artiști și că aceștia îi văzuseră nocturnele. Whistler se îndepărta de „realismul blestemat” al lui Courbet, iar prietenia lor s-a ofilit, la fel ca și legătura sa cu Joanna Hiffernan.

În 1871, Whistler s-a întors la portrete și a realizat în curând cea mai faimoasă pictură a sa, figura aproape monocromatică în lungime întreagă, intitulată Arrangement in Grey and Black No.1, dar denumită de obicei Mama lui Whistler. Un model nu a apărut într-o zi, potrivit unei scrisori a mamei sale, așa că Whistler s-a adresat mamei sale și i-a sugerat să îi facă portretul. La început a pus-o să stea în picioare, în modul său tipic lent și experimental, dar acest lucru s-a dovedit a fi prea obositor, așa că a fost adoptată poziția așezată. A fost nevoie de zeci de ședințe pentru a-l finaliza.

Portretul auster, în paleta sa de obicei limitată, este un alt exercițiu al lui Whistler de armonie tonală și compoziție. Designul înșelător de simplu este, de fapt, un act de echilibrare a diferitelor forme, în special a dreptunghiurilor cortinei, a tabloului de pe perete și a podelei, care stabilizează curba fetei, rochia și scaunul. Whistler a comentat că narațiunea tabloului nu are prea multă importanță, însă tabloul îi aducea un omagiu mamei sale pioase. După șocul inițial al mutării ei cu fiul ei, ea l-a ajutat considerabil, stabilizându-i oarecum comportamentul, îngrijindu-i nevoile casnice și oferindu-i o aură de respectabilitate conservatoare care a ajutat la câștigarea de patroni.

Publicul a reacționat negativ la acest tablou, mai ales din cauza simplității sale anti-victoriene, într-o perioadă în care în Anglia erau în vogă sentimentalismul și decorațiile extravagante. Criticii au considerat pictura mai degrabă un „experiment” eșuat decât artă. Academia Regală a respins-o, dar apoi a acceptat-o cu părere de rău, după ce Sir William Boxall a făcut presiuni asupra ei – însă a atârnat-o într-un loc nefavorabil în cadrul expoziției lor.

Încă de la început, Mama lui Whistler a stârnit reacții diferite, inclusiv parodie, ridiculizare și venerație, care au continuat până astăzi. Unii au văzut în ea „sentimentul demn al unei bătrâne doamne”, „un sentiment grav de doliu” sau un „simbol perfect al maternității”; alții au folosit-o ca pe un vehicul potrivit pentru batjocură. A fost satirizat în variații nesfârșite în felicitări și reviste, precum și de personaje de desene animate precum Donald Duck și Bullwinkle the Moose. Whistler și-a făcut partea sa în promovarea tabloului și în popularizarea imaginii. El a expus-o frecvent și a autorizat primele reproduceri care au ajuns în mii de case. Tabloul a scăpat la limită de a fi ars într-un incendiu la bordul unui tren în timpul transportului. În cele din urmă, a fost achiziționat de guvernul francez, fiind prima lucrare a lui Whistler într-o colecție publică, și este acum adăpostit la Musée d”Orsay din Paris.

În timpul crizei economice, tabloul a fost prezentat ca fiind o pictură de „un milion de dolari” și a avut un mare succes la Târgul Mondial din Chicago. A fost acceptat ca o icoană universală a maternității de către publicul din întreaga lume, care nu era deosebit de conștient sau preocupat de teoriile estetice ale lui Whistler. Ca recunoaștere a statutului și popularității sale, Statele Unite au emis în 1934 un timbru poștal cu o adaptare a tabloului. În 2015, criticul Peter Schjeldahl de la New Yorker a scris că „rămâne cea mai importantă operă americană care rezidă în afara Statelor Unite”. Martha Tedeschi scrie:

Mama lui Whistler, Goticul american al lui Wood, Mona Lisa a lui Leonardo da Vinci și Strigătul lui Edvard Munch au reușit ceva ce majoritatea picturilor – indiferent de importanța lor istorică, frumusețea sau valoarea lor monetară – nu au reușit: ele comunică un înțeles specific aproape imediat pentru aproape fiecare privitor. Aceste câteva lucrări au reușit să facă cu succes tranziția de la tărâmul elitist al vizitatorului de muzeu la uriașa locație a culturii populare.

Citește și, biografii – Xerxes I

Alte portrete

Printre alte portrete importante realizate de Whistler se numără cele ale lui Thomas Carlyle (istoric, 1873), Maud Franklin (amanta sa, 1876), Cicely Alexander (fiica unui bancher londonez, 1873), Lady Meux (mondenă, 1882) și Théodore Duret (critic, 1884). În anii 1870, Whistler a pictat portrete în mărime naturală ale lui F.R. Leyland și ale soției sale Frances. Ulterior, Leyland i-a comandat artistului să îi decoreze sufrageria (a se vedea mai jos Camera Păunului).

Whistler a fost dezamăgit de acceptarea neregulată a lucrărilor sale pentru expozițiile Academiei Regale și de slaba agățare și amplasare a tablourilor sale. Ca răspuns, Whistler a organizat prima sa expoziție personală în 1874. Expoziția a fost remarcată și remarcată, totuși, pentru designul și decorarea sălii de către Whistler, care se armonizau bine cu picturile, în concordanță cu teoriile sale artistice. Un recenzent a scris: „Vizitatorul este lovit, la intrarea în galerie, de un curios sentiment de armonie și de adecvare care o pătrunde și este mai interesat, poate, de efectul general decât de o singură lucrare”.

Whistler nu a avut același succes ca portretist ca celălalt american expatriat celebru, John Singer Sargent. Tehnica sobră a lui Whistler și dezinteresul său de a-și flata subiecții, precum și notorietatea sa, pot explica acest lucru. De asemenea, lucra foarte încet și cerea ședințe extraordinar de lungi. William Merritt Chase s-a plâns de ședința sa pentru un portret realizat de Whistler: „S-a dovedit a fi un adevărat tiran, pictând în fiecare zi până în amurg, în timp ce membrele mele mă dureau de oboseală, iar capul îmi zbârnâia amețitor. ”Nu te mișca! Nu te mișca!”, striga el ori de câte ori începeam să mă odihnesc.” În momentul în care a câștigat o largă acceptare în anii 1890, Whistler era trecut de prima tinerețe ca portretist.

Abordarea lui Whistler față de portret la maturitatea sa târzie a fost descrisă de unul dintre cei care i-au pictat, Arthur J. Eddy, care a pozat pentru artist în 1894:

Lucra cu mare rapiditate și ore îndelungate, dar folosea culori subțiri și acoperea pânza cu nenumărate straturi de vopsea. Culorile creșteau în profunzime și intensitate pe măsură ce lucrarea avansa. La început, întreaga figură era pictată în tonuri de gri-maroniu, cu foarte puțină culoare de carne, totul amestecându-se perfect cu gri-maroniu al pânzei pregătite; apoi întregul fundal era intensificat puțin; apoi figura era puțin mai puternică; apoi fundalul, și așa mai departe, de la o zi la alta și de la o săptămână la alta, și adesea de la o lună la alta. … Și astfel, portretul ar crește cu adevărat, s-ar dezvolta cu adevărat ca un întreg, foarte asemănător cu un negativ care sub acțiunea substanțelor chimice iese la iveală treptat – lumina, umbrele și totul de la primele indicații slabe până la valorile lor depline. Era ca și cum portretul ar fi fost ascuns în pânză, iar maestrul, trecându-și bagheta zi de zi peste suprafață, ar fi evocat imaginea.

Citește și, biografii – Edgar Ætheling

Printmaking

Whistler a produs numeroase gravuri, litografii și gravuri uscate. Litografiile sale, unele desenate pe piatră, altele desenate direct pe hârtie „litografiată”, sunt poate pe jumătate la fel de numeroase ca și gravurile sale. Unele dintre litografii reprezintă figuri ușor drapate; două sau trei dintre cele mai frumoase litografii au ca subiect Tamisa – inclusiv o „nocturnă” la Limehouse; în timp ce altele înfățișează Faubourg Saint-Germain din Paris și biserici georgiene din Soho și Bloomsbury din Londra.

Gravurile includ portrete de familie, amante și scene de stradă intime din Londra și Veneția. Whistler și-a câștigat o reputație uriașă ca gravator. Martin Hardie a scris: „sunt unii care îl așază alături de Rembrandt, poate chiar deasupra lui Rembrandt, ca fiind cel mai mare maestru al tuturor timpurilor. Personal, prefer să îi consider ca fiind Jupiter și Venus, cei mai mari și mai strălucitori dintre planetele din cerul gravatorului”. A avut mare grijă la tipărirea gravurilor sale și la alegerea hârtiei. La începutul și la sfârșitul carierei sale, a pus un mare accent pe curățenia liniei, deși într-o perioadă de mijloc a experimentat mai mult cu cerneala și utilizarea tonurilor de suprafață.

Citește și, biografii – Germanicus

Butterfly semnătura și setările de pictură

Faimoasa semnătură de fluture a lui Whistler a apărut în anii 1860, ca urmare a interesului său pentru arta asiatică. El a studiat semnele olarului de pe porțelanurile pe care începuse să le colecționeze și a decis să creeze o monogramă cu inițialele sale. În timp, aceasta a evoluat în forma unui fluture abstract. În jurul anului 1880, a adăugat un înțepător la imaginea fluturelui pentru a crea un semn care să reprezinte atât natura sa blândă și sensibilă, cât și spiritul său provocator și energic. A avut mare grijă la plasarea adecvată a imaginii atât pe tablourile sale, cât și pe ramele făcute la comandă. Accentul pe care îl punea pe importanța echilibrului și a armoniei se extindea dincolo de ramă, la plasarea tablourilor sale în decorurile lor și, mai departe, la proiectarea unui întreg element arhitectural, ca în cazul camerei Peacock Room.

Citește și, biografii – Maximilien de Robespierre

Camera Peacock

Armonie în albastru și auriu: Camera Păunului este capodopera lui Whistler în materie de artă murală decorativă interioară. El a pictat peste camera originală cu panouri proiectată de Thomas Jeckyll (1827-1881), într-o paletă unitară de albastru-verde strălucitor, cu glazură și foiță de aur metalic. Pictată în 1876-1877, este considerată în prezent un exemplu de înaltă ținută a stilului anglo-japonez. Frederick Leyland a lăsat camera în grija lui Whistler pentru a face modificări minore, „pentru a armoniza” camera al cărei scop principal era de a expune colecția de porțelanuri a lui Leyland. Cu toate acestea, Whistler și-a lăsat imaginația să zburde: „Ei bine, știți, am pictat mai departe. Am continuat – fără proiect sau schiță – punând fiecare atingere cu atâta libertate… Iar armonia în albastru și auriu care se dezvolta, știi, am uitat totul în bucuria mea de a o face.” El a pictat complet peste tapițeria de perete din piele de Cordoba din secolul al XVI-lea, adusă pentru prima dată în Marea Britanie de către Ecaterina de Aragon, pentru care Leyland plătise 1.000 de lire sterline.

După ce a achiziționat piesa centrală a încăperii, tabloul lui Whistler „Prințesa din Țara Porțelanului”, industriașul și esteticianul american Charles Lang Freer a cumpărat întreaga încăpere în 1904 de la moștenitorii lui Leyland, inclusiv de la fiica lui Leyland și de la soțul acesteia, artistul britanic Val Prinsep. Freer a instalat apoi conținutul camerei Peacock Room în conacul său din Detroit. După moartea lui Freer, în 1919, The Peacock Room a fost instalată permanent în Galeria de Artă Freer de la Smithsonian din Washington, D.C. Galeria a fost deschisă pentru public în 1923. O caricatură mare pictată de Whistler a lui Leyland, care îl înfățișează pe acesta sub forma unui păun antropomorf cântând la pian și intitulată The Gold Scab: Eruption in Frilthy Lucre – un joc de cuvinte pe seama pasiunii lui Leyland pentru cămășile cu volane – se află acum în colecția Fine Arts Museums of San Francisco.

Citește și, biografii – Cesare Borgia

Procesul Ruskin

În 1877, Whistler l-a dat în judecată pe criticul John Ruskin pentru calomnie, după ce acesta i-a condamnat tabloul Nocturne in Black and Gold: Racheta în cădere. Whistler a expus lucrarea în Grosvenor Gallery, o alternativă la expoziția Royal Academy, alături de lucrări ale lui Edward Burne-Jones și ale altor artiști. Ruskin, care fusese un campion al prerafaeliților și al lui J. M. W. Turner, a făcut o recenzie a operei lui Whistler în publicația sa Fors Clavigera din 2 iulie 1877. Ruskin l-a lăudat pe Burne-Jones, în timp ce l-a atacat pe Whistler:

Pentru binele domnului Whistler, nu mai puțin decât pentru protecția cumpărătorului, Sir Coutts Lindsay nu ar fi trebuit să admită în galerie lucrări în care concepția prost educată a artistului se apropia atât de mult de aspectul unei imposturi intenționate. Am văzut și am auzit multe despre obrăznicia Cockney până acum; dar nu m-am așteptat niciodată să aud un coxcomb cerând două sute de guinee pentru a arunca un vas de vopsea în fața publicului.

Whistler, văzând atacul din ziar, i-a răspuns prietenului său George Boughton: „Este cel mai josnic stil de critică pe care l-am primit până acum”. Apoi s-a dus la avocatul său și a redactat o citație pentru calomnie, care i-a fost comunicată lui Ruskin. Whistler spera să recupereze 1.000 de lire sterline plus costurile acțiunii. Cazul a ajuns la proces în anul următor, după întârzieri cauzate de crizele de boală mintală ale lui Ruskin, în timp ce starea financiară a lui Whistler a continuat să se deterioreze. Procesul a fost audiat la Divizia Exchequer a Înaltei Curți pe 25 și 26 noiembrie 1878, în fața baronului Huddleston și a unui juriu special. Avocatul lui John Ruskin, procurorul general Sir John Holker, l-a interogat pe Whistler:

Holker: „Care este subiectul Nocturne in Black and Gold: The Falling Rocket?”

Whistler se bazase pe mulți artiști care să îi ia apărarea ca martori, dar aceștia au refuzat, temându-se de prejudicii aduse reputației lor. Ceilalți martori în favoarea sa au fost neconvingători, iar reacția juriului la lucrare a fost derizorie. Cu martorii lui Ruskin mai impresionanți, printre care Edward Burne-Jones, și cu Ruskin absent din motive medicale, contraatacul lui Whistler a fost ineficient. Cu toate acestea, juriul a ajuns la un verdict în favoarea lui Whistler, dar a acordat doar un ban ca daune nominale, iar cheltuielile de judecată au fost împărțite. Costul procesului, împreună cu datoriile uriașe rezultate din construirea reședinței sale („The White House” din Tite Street, Chelsea, proiectată împreună cu E. W. Godwin, 1877-8), l-au adus în faliment până în mai 1879, ceea ce a dus la scoaterea la licitație a operelor, colecțiilor și casei sale. Stansky remarcă ironia faptului că Fine Art Society of London, care organizase o colecție pentru a plăti costurile legale ale lui Ruskin, l-a susținut pe acesta în gravura „Pietrele din Veneția” (și în expunerea seriei în 1883), ceea ce a contribuit la recuperarea costurilor lui Whistler.

Whistler și-a publicat relatarea procesului în broșura Whistler vs. Ruskin: Arta și criticii de artă, inclus în lucrarea sa ulterioară The Gentle Art of Making Enemies (1890), în decembrie 1878, la scurt timp după proces. Marea speranță a lui Whistler că publicitatea procesului îi va salva cariera a fost zădărnicită, deoarece, din această cauză, mai degrabă a pierdut decât a câștigat popularitate în rândul patronilor. Printre creditorii săi s-a numărat Leyland, care a supravegheat vânzarea bunurilor lui Whistler. Whistler a realizat diverse caricaturi ale fostului său patron, inclusiv o pictură satirică mușcătoare numită The Gold Scab, imediat după ce Whistler și-a declarat falimentul. Whistler l-a învinuit întotdeauna pe Leyland pentru căderea sa financiară.

După proces, Whistler a primit o comandă pentru a realiza douăsprezece gravuri la Veneția. A acceptat cu entuziasm misiunea și a sosit în oraș împreună cu prietena sa Maud, luând camere într-un palazzo dărăpănat pe care îl împărțeau cu alți artiști, printre care John Singer Sargent. Deși îi era dor de Londra, s-a adaptat la Veneția și a început să-i descopere caracterul. A făcut tot posibilul pentru a-și distrage atenția de la tristețea afacerilor sale financiare și de la așteptata vânzare a tuturor bunurilor sale la Sotheby”s. A fost un invitat obișnuit la petrecerile de la consulatul american și, cu spiritul său obișnuit, i-a încântat pe invitați cu înflorituri verbale de genul „singura virtute pozitivă a artistului este lenea – și sunt atât de puțini cei care sunt înzestrați cu ea”.

Noii săi prieteni au raportat, dimpotrivă, că Whistler s-a trezit devreme și a depus o zi întreagă de efort. El i-a scris unui prieten: „Am învățat să cunosc o Veneție în Veneția pe care ceilalți nu par să o fi perceput niciodată și care, dacă o voi aduce cu mine, așa cum îmi propun, va compensa cu mult mai mult decât toate întârzierile enervante & supărările spiritului.” Misiunea de trei luni s-a întins până la paisprezece luni. În timpul acestei perioade excepțional de productive, Whistler a terminat peste cincizeci de gravuri, câteva nocturne, câteva acuarele și peste 100 de pasteluri – ilustrând atât stările de spirit ale Veneției, cât și detaliile sale arhitecturale fine.Mai mult, Whistler a influențat comunitatea artistică americană din Veneția, în special Frank Duveneck (și „băieții” lui Duveneck) și Robert Blum, care au imitat viziunea lui Whistler asupra orașului și care, mai târziu, i-au răspândit metodele și influența în America.

La Londra, pastelurile s-au vândut deosebit de bine, iar el a glumit: „Nu sunt atât de bune pe cât am presupus. Se vând!” S-a implicat activ în expunerea celorlalte lucrări ale sale, dar cu un succes limitat. Deși încă se lupta din punct de vedere financiar, a fost încurajat de atenția și admirația pe care le-a primit din partea tinerei generații de pictori englezi și americani care l-au făcut idolul lor și au adoptat cu entuziasm titlul de „elev al lui Whistler”. Mulți dintre ei s-au întors în America și au răspândit povești despre egoismul provocator, spiritul ascuțit și declarațiile estetice ale lui Whistler – stabilind legenda lui Whistler, spre satisfacția sa.

Whistler a publicat prima sa carte, Ten O”clock Lecture (Conferința de la ora zece), în 1885, o expresie majoră a credinței sale în „arta de dragul artei”. La acea vreme, domnea noțiunea victoriană opusă, și anume că arta și, de fapt, o mare parte a activității umane, aveau o funcție morală sau socială. Pentru Whistler, însă, arta era propriul său scop, iar responsabilitatea artistului nu era față de societate, ci față de el însuși, de a interpreta prin artă și de a nu reproduce și nici nu moraliza ceea ce vedea. Mai mult, el a afirmat: „Natura are foarte rar dreptate” și trebuie îmbunătățită de artist, cu propria sa viziune.

Deși a fost în dezacord cu Whistler în mai multe puncte, inclusiv în ceea ce privește insistența sa asupra faptului că poezia este o formă de artă mai înaltă decât pictura, Oscar Wilde a fost generos în laudele sale și a apreciat prelegerea ca fiind o capodoperă:

nu doar pentru satira sa inteligentă și glumele sale amuzante… ci și pentru frumusețea pură și perfectă a multora dintre pasajele sale… pentru că, în opinia mea, el este într-adevăr unul dintre cei mai mari maeștri ai picturii. Și pot adăuga că în această opinie, domnul Whistler însuși este întru totul de acord.

Cu toate acestea, Whistler s-a simțit batjocorit de Oscar Wilde și, de atunci, au urmat certuri publice care au dus la o destrămare totală a prieteniei lor, precipitată de un raport scris de Herbert Vivian. Mai târziu, Wilde l-a lovit din nou pe Whistler, bazându-se pe Whistler pentru artistul ucis din romanul său The Picture of Dorian Gray.

În ianuarie 1881, Anna Whistler a murit. În onoarea mamei sale, ulterior, a adoptat public numele de fată al acesteia, McNeill, ca al doilea prenume.

Whistler s-a alăturat Societății Artiștilor Britanici în 1884, iar la 1 iunie 1886 a fost ales președinte. În anul următor, în timpul Jubileului de Aur al reginei Victoria, Whistler i-a prezentat reginei, în numele Societății, un album elaborat care includea o lungă alocuțiune scrisă și ilustrații realizate de el. Regina Victoria a admirat atât de mult „iluminarea frumoasă și artistică”, încât a decretat ca de acum înainte „Societatea să se numească Royal”. Această realizare a fost apreciată pe scară largă de către membri, dar în curând a fost umbrită de disputa care a apărut inevitabil cu Academia Regală de Arte. Whistler a propus ca membrii Societății Regale să se retragă din Academia Regală. Acest lucru a declanșat o ceartă în rândurile membrilor care a umbrit toate celelalte afaceri ale societății. În mai 1888, nouă membri i-au scris lui Whistler pentru a-i cere demisia. La adunarea anuală din 4 iunie, a fost învins pentru realegere cu un vot de 18-19, cu nouă abțineri. Whistler și 25 de susținători au demisionat, în timp ce majoritatea anti-Whistler (în opinia sa) a reușit să îl epureze pentru „excentricitățile” și originea sa „non-engleză”.

În timp ce relația sa cu Maud se destrăma, Whistler a cerut-o brusc în căsătorie și s-a căsătorit cu Beatrice Godwin (numită și „Beatrix” sau „Trixie”), o fostă elevă și văduva arhitectului său Edward William Godwin. Prin prietenia sa cu Godwin, Whistler devenise apropiat de Beatrice, pe care Whistler a pictat-o în portretul în mărime naturală intitulat Harmony in Red (Armonie în roșu): Lamplight (GLAHA 46315). Până în vara anului 1888, Whistler și Beatrice au apărut în public ca un cuplu. La o cină, Louise Jopling și Henry Labouchère au insistat ca ei să se căsătorească înainte de sfârșitul săptămânii.

Ceremonia de căsătorie a fost aranjată; în calitate de membru al Parlamentului, Labouchère a aranjat ca capelanul Camerei Comunelor să căsătorească cuplul. Ceremonia nu a fost dată publicității pentru a evita posibilitatea ca o Maud Franklin furioasă să întrerupă ceremonia de căsătorie. Căsătoria a avut loc la 11 august 1888, la ceremonie asistând un reporter de la Pall Mall Gazette, astfel încât evenimentul să primească publicitate. Cuplul a plecat la scurt timp după aceea la Paris, pentru a evita orice risc de scenă cu Maud.

Reputația lui Whistler la Londra și la Paris era în creștere, iar Whistler a obținut recenzii pozitive din partea criticilor și noi comenzi. Cartea sa The Gentle Art of Making Enemies (Arta delicată de a-și face dușmani) a fost publicată în 1890 cu un succes mixt, dar i-a oferit o publicitate utilă.

În 1890, l-a întâlnit pe Charles Lang Freer, care a devenit un patron valoros în America și, în cele din urmă, cel mai important colecționar al său. În această perioadă, pe lângă portrete, Whistler a experimentat cu primele fotografii color și cu litografia, realizând o serie de lucrări care prezintă arhitectura londoneză și figura umană, în special nuduri feminine. A contribuit cu primele trei litografii ale sale Songs of Stone la The Whirlwind, o revistă neojacobină publicată de prietenul său Herbert Vivian. Whistler l-a cunoscut pe Vivian la sfârșitul anilor 1880, când amândoi erau membri ai Ordinului Trandafirului Alb, prima dintre societățile neojacobite. În 1891, cu ajutorul prietenului său apropiat Stéphane Mallarmé, Mama lui Whistler a fost cumpărată de guvernul francez pentru 4.000 de franci. Aceasta a fost mult mai puțin decât ar fi putut plăti un colecționar american, dar care nu ar fi fost atât de prestigios după părerea lui Whistler.

După o primire indiferentă a expoziției sale personale de la Londra, în care a prezentat mai ales nocturnele sale, Whistler a decis brusc că s-a săturat de Londra. El și Trixie s-au mutat la Paris în 1892 și au locuit la nr. 110 Rue du Bac, Paris, iar atelierul său se afla în partea de sus a lui 86 Rue Notre Dame des Champs, în Montparnasse. S-a simțit bine primit de Monet, Auguste Rodin, Henri de Toulouse-Lautrec și de Stéphane Mallarmé, și și-a amenajat un atelier mare. Era în vârful carierei sale când s-a descoperit că Trixie avea cancer. S-au întors la Londra în februarie 1896, luând camere la hotelul Savoy în timp ce căutau tratament medical. A făcut desene pe hârtie litografică de transfer cu priveliștea râului Tamisa, de la fereastra sau balconul hotelului, în timp ce stătea cu ea.

În 1899, Charles Freer l-a prezentat pe Whistler prietenului său și omului de afaceri Richard Albert Canfield, care a devenit prietenul personal și patronul lui Whistler. Canfield deținea o serie de case de jocuri de noroc la modă în New York, Rhode Island, Saratoga Springs și Newport și era, de asemenea, un om de cultură cu gusturi rafinate în materie de artă. El a deținut mobilier american timpuriu și Chippendale, tapiserii, porțelanuri chinezești și bronzuri Barye, iar înainte de moartea sa, în 1914, deținea a doua cea mai mare și cea mai importantă colecție Whistler din lume. În mai 1901, Canfield a comandat un portret lui Whistler; a început să pozeze pentru Portretul lui Richard A. Canfield (YMSM 547) în martie 1902. Potrivit lui Alexander Gardiner, Canfield s-a întors în Europa pentru a poza pentru Whistler la Anul Nou în 1903 și a pozat în fiecare zi până la 16 mai 1903. Whistler era bolnav și fragil în această perioadă, iar lucrarea a fost ultimul său portret finalizat. Aerul înșelător de respectabilitate pe care portretul i l-a conferit lui Canfield l-a determinat pe Whistler să îl numească „Reverența sa”. Cei doi bărbați au purtat corespondență din 1901 până la moartea lui Whistler. Cu câteva luni înainte de moartea sa, Canfield și-a vândut colecția de gravuri, litografii, desene și picturi de Whistler comerciantului de artă american Roland F. Knoedler pentru 300.000 de dolari. Trei dintre picturile lui Canfield despre Whistler sunt expuse la Muzeul Frick din New York.

În ultimii șapte ani de viață, Whistler a realizat câteva peisaje marine minimaliste în acuarelă și un ultim autoportret în ulei. A corespondat cu numeroșii săi prieteni și colegi. Whistler a fondat o școală de artă în 1898, dar sănătatea sa precară și aparițiile rare au dus la închiderea acesteia în 1901. A murit la Londra la 17 iulie 1903, la șase zile după ce a împlinit 69 de ani. Este înmormântat în Chiswick Old Cemetery din vestul Londrei, învecinat cu Biserica Sfântul Nicolae, Chiswick.

Whistler a fost subiectul unei biografii realizate în 1908 de prietenii săi, soțul și soția lui, Joseph Pennell și Elizabeth Robins Pennell, gravor și, respectiv, critic de artă. Vasta colecție de materiale despre Whistler a familiei Pennell a fost lăsată moștenire Bibliotecii Congresului. Întreaga avere a artistului a fost lăsată cumnatei sale Rosalind Birnie Philip. Aceasta și-a petrecut restul vieții apărând reputația artistului și gestionând operele de artă și obiectele sale, o mare parte din acestea fiind donate în cele din urmă Universității din Glasgow.

Whistler avea o înfățișare aparte, scund și slab, cu ochi pătrunzători și mustață ondulată, purtând adesea un monoclu și o ținută ostentativă de dandy. Avea o postură plină de încredere în sine și excentricitate. Adesea era arogant și egoist față de prieteni și patroni. Un autopromoționar și egoist constant, îi plăcea să șocheze prietenii și dușmanii. Cu toate că putea fi glumeț și dezinvolt cu privire la chestiuni sociale și politice, a fost întotdeauna serios în ceea ce privește arta și a invitat adesea la controverse și dezbateri publice pentru a-și susține teoriile sale puternice.

Whistler avea o voce ascuțită, tratată ca o tragere de inimă și un mod unic de a vorbi, plin de pauze calculate. Un prieten a spus: „Într-o secundă descoperi că nu conversează – el schițează în cuvinte, oferind impresii în sunet și sens pentru a fi interpretate de către ascultător.”

Whistler era cunoscut pentru spiritul său mușcător, în special în schimburile cu prietenul și rivalul său Oscar Wilde. Amândoi erau figuri în societatea cafenelei din Paris și erau adesea „subiect de discuție în oraș”. Au apărut frecvent ca caricaturi în Punch, spre amuzamentul lor reciproc. Cu o ocazie, tânărul Oscar Wilde a participat la unul dintre dineurile lui Whistler și, auzind că gazda sa a făcut o remarcă strălucită, se pare că a spus: „Aș fi vrut să fi spus și eu asta”, la care Whistler a ripostat: „Vei spune, Oscar, vei spune!”. De fapt, Wilde a repetat în public multe dintre glumele ingenioase create de Whistler. Relația lor s-a deteriorat până la mijlocul anilor 1880, Whistler s-a întors împotriva lui Wilde și a Mișcării Estetice. Când Wilde a fost recunoscut public ca fiind homosexual în 1895, Whistler l-a ironizat în mod deschis. Whistler se delecta cu pregătirea și gestionarea reuniunilor sale sociale. După cum a observat un invitat:

Acolo se întâlneau cei mai buni oameni din societate – oamenii cu creier și cei care aveau suficient pentru a-l aprecia. Whistler a fost o gazdă inimitabilă. Îi plăcea să fie Soarele în jurul căruia noi, luminile mai mici, ne învârteam… Toți intrau sub influența lui și, în consecință, nimeni nu se plictisea, nimeni nu era plictisit.

La Paris, Whistler s-a împrietenit cu membrii cercului simbolist de artiști, scriitori și poeți, printre care se număra și Stéphane Mallarmé Schwob l-a cunoscut pe Whistler la mijlocul anilor 1890 prin intermediul lui Stéphane Mallarmé și au avut alți prieteni comuni, printre care Oscar Wilde (până când s-au certat) și cumnatul lui Whistler, Charles Whibley.

Pe lângă Henri Fantin-Latour, Alphonse Legros și Courbet, Whistler s-a împrietenit cu mulți alți artiști francezi. A ilustrat cartea Les Chauves-Souris împreună cu Antonio de La Gandara. De asemenea, i-a cunoscut pe impresioniști, în special pe Édouard Manet, Monet și Edgar Degas. Ca tânăr artist, a întreținut o prietenie strânsă cu Dante Gabriel Rossetti, membru al Frăției Prerafaeliților. Prieteniile sale apropiate cu Monet și cu poetul Stéphane Mallarmé, care a tradus în franceză Conferința de la ora zece, au contribuit la consolidarea respectului publicului francez pentru Whistler. Whistler s-a împrietenit cu colegii săi de la atelierul lui Gleyre, inclusiv cu Ignace Schott, al cărui fiu, Leon Dabo, Whistler l-a îndrumat mai târziu.

Joanna Hiffernan, iubita lui Whistler și modelul pentru Fata albă, a pozat și ea pentru Gustave Courbet. Istoricii speculează că Courbet a folosit-o ca model pentru tabloul său erotic L”Origine du monde, ceea ce ar putea duce la ruperea prieteniei dintre Whistler și Courbet. În anii 1870 și o mare parte a anilor 1880, a locuit cu Maud Franklin, amanta sa-model. Capacitatea ei de a suporta ședințele sale lungi și repetitive l-a ajutat pe Whistler să își dezvolte abilitățile de portretist. Nu numai că i-a făcut mai multe portrete excelente, dar ea a fost și o dublură utilă pentru alte persoane care i-au stat în fața lui.Whistler a avut mai mulți copii nelegitimi, dintre care Charles Hanson este cel mai bine documentat. După ce s-a despărțit de amanta lui, Joanna Hiffernan, aceasta a ajutat la creșterea fiului lui Whistler, Charles James Whistler Hanson (1870-1935), rezultat al unei aventuri cu o servitoare de salon, Louisa Fanny Hanson. Cu amanta sa de drept comun, Maud Franklin, Whistler a avut două fiice: Ione (născută în jurul anului 1877) și Maud McNeill Whistler Franklin (născută în 1879). Uneori se referea la ea însăși ca „doamna Whistler”, iar la recensământul din 1881 și-a dat numele ca „Mary M. Whistler”.

În 1888, Whistler s-a căsătorit cu Beatrice Godwin (căreia Whistler îi spunea „Beatrix” sau „Trixie”). Ea era văduva arhitectului E. W. Godwin, care a proiectat Casa Albă a lui Whistler. Beatrix era fiica sculptorului John Birnie Philip și a soției acestuia, Frances Black. Beatrix și surorile sale Rosalind Birnie Philip și Ethel Whibley au pozat pentru multe dintre picturile și desenele lui Whistler; Ethel Whibley a fost model pentru Mother of perla și argint: Andaluzul (1888-1900). Primii cinci ani de căsnicie au fost foarte fericiți, dar ultimii ani de viață ai acesteia au fost o perioadă de suferință pentru cuplu, din cauza bolii ei și a morții în cele din urmă din cauza cancerului. Aproape de sfârșit, a stat în comă o mare parte din timp, complet subjugată de morfină, administrată pentru calmarea durerii. Moartea ei a fost o lovitură puternică pe care Whistler nu a reușit să o depășească niciodată.

Whistler s-a inspirat din mai multe surse și a încorporat în arta sa numeroase surse, inclusiv lucrările lui Rembrandt, Velázquez și sculpturile grecești antice, pentru a-și dezvolta propriul stil individual și foarte influent. A fost expert în multe medii, având peste 500 de picturi, precum și gravuri, pasteluri, acuarele, desene și litografii. Whistler a fost un lider al Mișcării Estetice, promovând, scriind și ținând conferințe despre filozofia „arta de dragul artei”. Împreună cu elevii săi, el a pledat pentru un design simplu, pentru economia de mijloace, pentru evitarea tehnicii prea laborioase și pentru armonia tonală a rezultatului final. Whistler a fost subiectul a numeroase expoziții, studii și publicații importante în muzee. Ca și impresioniștii, a folosit natura ca resursă artistică. Whistler a insistat asupra faptului că artistul avea obligația de a interpreta ceea ce vedea, de a nu fi sclavul realității și de a „scoate din haos o armonie glorioasă”.

În timpul vieții sale, a influențat două generații de artiști, în Europa și în Statele Unite. Whistler a avut contacte semnificative și a făcut schimb de idei și idealuri cu pictori realiști, impresioniști și simboliști. Printre protejații săi celebri s-au numărat, pentru o vreme, Walter Sickert și scriitorul Oscar Wilde. Tonalismul său a avut un efect profund asupra multor artiști americani, printre care John Singer Sargent, William Merritt Chase, Henry Salem Hubbell și Willis Seaver Adams (cu care s-a împrietenit la Veneția). O altă influență semnificativă a fost asupra lui Arthur Frank Mathews, pe care Whistler l-a întâlnit la Paris la sfârșitul anilor 1890. Mathews a dus tonalismul lui Whistler la San Francisco, generând o largă utilizare a acestei tehnici în rândul artiștilor californieni de la începutul secolului al XX-lea. După cum scria criticul american Charles Caffin în 1907:

A făcut mai mult decât să atragă câțiva adepți și imitatori; a influențat întreaga lume a artei. În mod conștient sau inconștient, prezența sa este resimțită în nenumărate ateliere; geniul său pătrunde în gândirea artistică modernă.

În timpul unei călătorii la Veneția în 1880, Whistler a creat o serie de gravuri și pasteluri care nu numai că i-au revigorat finanțele, dar au revigorat și modul în care artiștii și fotografii au interpretat orașul – concentrându-se pe străduțele din spate, canalele laterale, intrările și modelele arhitecturale – și surprinzând atmosfera unică a orașului.

În 1940, Whistler a fost comemorat pe un timbru poștal din Statele Unite, când Poșta americană a emis un set de 35 de timbre comemorând autori, poeți, educatori, oameni de știință, compozitori, artiști și inventatori celebri din America: „Famous Americans Series”.

Opereta Patience a lui Gilbert și Sullivan ironizează mișcarea Estetică, iar personajul principal Reginald Bunthorne este adesea identificat ca fiind o imitație a lui Oscar Wilde, deși Bunthorne este mai degrabă un amalgam de mai mulți artiști proeminenți, scriitori și figuri estetice. Bunthorne poartă un monoclu și are dungi albe proeminente în părul său negru, la fel ca Whistler.

Whistler a fost artistul preferat al cântăreței și actriței Doris Day. Aceasta deținea și expunea o gravură originală a lui Whistler din Rotherhithe și două dintre litografii originale ale acestuia, The Steps, Luxembourg Gardens, Paris și The Pantheon, from the Terrace of the Luxembourg Gardens.

Casa în care s-a născut Whistler este acum conservată ca Muzeul de Artă Whistler House. Este înmormântat la Biserica Sfântul Nicolae din Chiswick.

Whistler a obținut recunoaștere mondială în timpul vieții sale:

O statuie a lui James McNeill Whistler, realizată de Nicholas Dimbleby, a fost ridicată în 2005 la capătul nordic al podului Battersea, pe râul Tamisa, în Regatul Unit.

La 27 octombrie 2010, Swann Galleries a stabilit un preț record pentru o gravură a lui Whistler la licitație, când Nocturne, o gravură și drypoint imprimată în negru pe hârtie japoneză caldă, crem, 1879-80, s-a vândut cu 282.000 de dolari.

Citește și, biografii – Robert Frost

Surse primare

sursele