Joan Miró
gigatos | ianuarie 24, 2022
Rezumat
Joan Miró, născut la Barcelona la 20 aprilie 1893 și decedat la Palma de Mallorca la 25 decembrie 1983, a fost un pictor, sculptor, gravor și ceramist catalan. A fost unul dintre principalii reprezentanți ai mișcării suprarealiste, definindu-se înainte de toate ca un „catalan internațional”.
Lucrările sale reflectă atracția sa pentru subconștient, pentru „spiritul copilăresc” și pentru țara sa. În lucrările sale timpurii, a arătat puternice influențe fauviste, cubiste și expresioniste, înainte de a trece la pictura plană cu o anumită naivitate. Tabloul Ferma, pictat în 1921, este unul dintre cele mai cunoscute tablouri din această perioadă.
După plecarea sa la Paris, lucrările sale au devenit mai onirice, în conformitate cu principalele tendințe ale mișcării suprarealiste din care făcea parte. În numeroase interviuri și scrieri din anii 1930, Miró și-a exprimat dorința de a abandona metodele convenționale de pictură, pentru a le „ucide, omorî sau viola”, favorizând astfel o formă contemporană de exprimare. Nu a vrut să se supună niciunei exigențe, nici celor ale esteticii și ale metodelor sale, nici celor ale suprarealismului.
În onoarea sa, Fundația Joan Miró a fost creată la Barcelona în 1975. Este un centru cultural și artistic dedicat prezentării noilor tendințe în arta contemporană. Inițial este alimentată de o colecție mare donată de maestru. Alte locuri cu colecții importante ale operelor lui Miró includ Fundația Pilar și Joan Miró din Palma de Mallorca, Muzeul Național de Artă Modernă din Paris, Muzeul de Artă Modernă din Lille și Muzeul de Artă Modernă din New York.
Citește și, biografii – Vasco Núñez de Balboa
Copilărie și studii (1893-1918)
Joan Miró i Ferrà s-a născut la 20 aprilie 1893 într-un pasaj din apropierea Plaça Reial din Barcelona. Tatăl său, Miquel Miró i Adzeries, fiul unui fierar din Cornudella, era orfevrier și deținea un magazin de bijuterii și ceasuri. A cunoscut-o pe Dolores Ferrà i Oromí, fiica unui dulgher din Mallorca, și s-a căsătorit cu ea. Cuplul s-a stabilit în Calle del Crédit din Barcelona, unde s-au născut cei doi copii ai lor, Joan și Dolores. Joan a început să deseneze la vârsta de opt ani.
Miró a respectat dorințele tatălui său și a început să studieze comerțul în 1907, pentru a obține o educație bună și pentru a deveni „cineva în viață”. Cu toate acestea, a abandonat aceste studii pentru a se înscrie la Școala de Arte Frumoase La Llotja în același an, unde a studiat cu Modest Urgell și Josep Pascó. Desenele din 1907, păstrate la Fundația Joan-Miró, poartă influența celui dintâi. Alte desene ale maestrului, executate cu puțin timp înainte de moartea sa, poartă cuvintele „în memoria lui Modest Urgell” și rezumă afecțiunea profundă a lui Miró pentru profesorul său. Există, de asemenea, desene din perioada în care Miró a fost învățat de Josep Pascó, un profesor de arte decorative din perioada modernistă. Există, de exemplu, desene ale unui păun și ale unui șarpe. De la acest profesor, Miró a învățat simplitatea expresiei și tendințele artistice în modă.
La vârsta de șaptesprezece ani, Miró a lucrat timp de doi ani ca funcționar într-un magazin de produse coloniale până când, în 1911, a contractat tifosul și a fost nevoit să se retragă la ferma familiei din Mont-roig del Camp, lângă Tarragona. Acolo a devenit conștient de atașamentul său față de pământul catalan.
Tot în 1911, a intrat la Școala de Artă condusă de arhitectul baroc Francisco Galli din Barcelona, cu intenția fermă de a deveni pictor. În ciuda reticenței sale, tatăl său i-a sprijinit vocația. A rămas acolo timp de trei ani și apoi a urmat cursurile Academiei Libere din Cercle Saint-Luc, desenând după modele nud până în 1918. În 1912, s-a înscris la academia de artă condusă de Francesc d”Assís Galí i Fabra, unde a descoperit cele mai recente tendințe artistice europene. A frecventat cursurile până la închiderea centrului, în 1915. În același timp, Miró a frecventat Cercle Artistique de Saint-Luc, unde a învățat să deseneze după natură. În cadrul acestei asociații i-a întâlnit pe Josep Francesc Ràfols, Sebastià Gasch, Enric Cristòfor Ricart și Josep Llorens i Artigas, cu care a format grupul artistic cunoscut sub numele de Grupul Courbet, care s-a făcut cunoscut la 28 februarie 1918, apărând într-o inserție în ziarul La Publicitat.
Miró a descoperit pictura modernă la Galeria Dalmau din Barcelona, care expunea picturi impresioniste, fauviste și cubiste încă din 1912. În 1915, a decis să înființeze un atelier, pe care l-a împărțit cu prietenul său Ricart. L-a întâlnit pe Picabia doi ani mai târziu.
Citește și, istorie – Templul lui Artemis din Efes
Mai întâi expoziții, apoi faima (1918-1923)
Galeriile Dalmau din Barcelona găzduiesc prima expoziție personală a lui Joan Miró, între 16 februarie și 3 martie 1918. Pictorul catalan este expus printre alți artiști cu influențe diverse. Expoziția cuprinde 74 de lucrări, peisaje, naturi statice și portrete. Primele sale picturi arată o influență clară a curentului post-impresionist francez, a fauvismului și a cubismului. Tablourile din 1917, Ciurana, satul și Ciurana, biserica, arată o apropiere de culorile lui Van Gogh și de peisajele lui Cézanne, întărită de o paletă întunecată.
Unul dintre cele mai interesante tablouri din această perioadă este Nord-Sud, numit după o revistă franceză din 1917, în care Pierre Reverdy scria despre cubism. În această lucrare, Miró combină trăsături ale lui Cézanne cu simboluri pictate în maniera cubistă, Juan Gris și Pablo Picasso. Tabloul Portretul lui V. Nubiola anunță fuziunea cubismului cu culorile fauviste agresive. În aceeași primăvară a anului 1917, Miró a expus la Cercle artistique de Saint-Luc împreună cu membrii grupului Courbet.
Miró a continuat să își petreacă verile la Mont-roig timp de mulți ani, așa cum obișnuia. Acolo a renunțat la culorile și formele dure pe care le folosise până atunci și le-a înlocuit cu altele mai subtile. El explică această abordare într-o scrisoare din 16 iulie 1918 adresată prietenului său Ricart:
„Fără simplificări sau abstractizări. Deocamdată mă interesează doar caligrafia unui copac sau a unui acoperiș, frunză cu frunză, creangă cu creangă, iarbă cu iarbă, țiglă cu țiglă. Acest lucru nu înseamnă că aceste peisaje vor deveni cubiste sau extrem de sintetice. Atunci vom vedea. Ceea ce îmi propun este să lucrez mult timp la pânze și să le termin cât mai mult posibil. La sfârșitul sezonului și după ce am muncit atât de mult, nu contează dacă am puține tablouri. Iarna viitoare, criticii vor continua să spună că sunt încă dezorientat.
– Joan Miró
În peisajele pictate în această perioadă, Miró folosește un nou vocabular de iconografie și simboluri meticulos selectate și organizate. De exemplu, în cazul viței de vie și al măslinilor din Mont-roig, rădăcinile care sunt trase sub pământ și care sunt complet individualizate reprezintă o legătură fizică cu pământul.
Miró a făcut prima sa călătorie la Paris în 1919. A fost doar o ședere scurtă, dar la începutul anilor 1920 pictorul s-a stabilit definitiv în capitala franceză. După ce a locuit o perioadă la Hotelul Namur de pe strada Delambre, apoi într-un apartament mobilat pe strada Berthollet, sculptorul Pablo Gargallo l-a ajutat să găsească un atelier pe strada Blomet nr. 45.
În 1922, Jean Dubuffet îi oferă apartamentul său de pe strada Gay-Lussac. La 45, rue Blomet, Miró a întâlnit pictori și scriitori care i-au devenit prieteni: André Masson, Max Jacob, Antonin Artaud. Acest loc a devenit un creuzet efervescent în care s-au dezvoltat un nou limbaj și o nouă sensibilitate. Miró i-a găsit acolo pe Michel Leiris și Armand Salacrou. Atelierul era situat la câteva sute de metri de rue du Château, unde locuiau Yves Tanguy, Marcel Duhamel și Jacques Prévert. Cele două grupuri s-au întâlnit des și au dezvoltat prietenii calde. Cei mai mulți dintre ei s-au alăturat suprarealiștilor. „Rue Blomet este un loc, un moment decisiv pentru mine. Acolo am descoperit tot ceea ce sunt și tot ceea ce voi deveni. Era legătura dintre Montmartre-ul suprarealiștilor și „retardații” de pe malul stâng.
Miró s-a întors în Spania doar în lunile de vară. A întâlnit membri ai mișcării Dada și s-a reîntâlnit cu Picasso, pe care îl cunoscuse la Barcelona. S-a împrietenit cu poeții Pierre Reverdy, Max Jacob și Tristan Tzara. În 1921 a avut loc prima sa expoziție pariziană la Galerie La Licorne (organizată de Josep Dalmau), cu o prefață de Maurice Raynal. Această expoziție a marcat sfârșitul așa-numitei sale perioade „realiste”.
În perioada 1921-1922, Miró a lucrat la Ferma, care este principala lucrare din această perioadă numită „detailistă”. Început la Mont-roig și finalizat la Paris, acest tablou conține germenii tuturor posibilităților pe care pictorul le va prelua mai târziu, înclinându-le spre fantastic. Este o lucrare de bază, o lucrare-cheie, sinteza unei întregi perioade. Relația mitică întreținută de maestru cu pământul este rezumată în acest tablou, care reprezintă ferma familiei sale din Mont-roig. El separă designul grafic de caracterul ingenuu și realist al obiectelor, al animalelor domestice, al plantelor cu care lucrează omul și al obiectelor cotidiene ale omului. Totul este studiat în cele mai mici detalii, în ceea ce se numește „caligrafia lui Miró”, care a fost punctul de plecare pentru suprarealismul lui Miró în anii următori. Ultimele lucrări din perioada sa „realistă” au fost realizate în 1923: Interior (Fata de la fermă), Flori și fluture, Lampa cu carbid, Spicul de grâu, Grătarul și Lampa cu carbid.
După ce La Ferme a fost finalizată, autorul a decis să o vândă din motive economice. Léonce Rosenberg, care se ocupa de tablourile lui Pablo Picasso, a fost de acord să o ia în depozit. După o perioadă de timp, și la insistențele lui Miró, proprietarul galeriei i-a sugerat pictorului să împartă lucrarea în pânze mai mici pentru a o vinde mai ușor. Miró, furios, a recuperat tabloul din atelierul său înainte de a-l încredința lui Jacques Viot de la Galeria Pierre. Acesta din urmă l-a vândut scriitorului american Ernest Hemingway pentru 5.000 de franci.
Citește și, biografii – Fernando Magellan
Suprarealismul (1923-1930)
La Paris, în 1924, artistul a întâlnit poeți suprarealiști, printre care Louis Aragon, André Breton, Paul Éluard și Philippe Soupault, fondatorii revistei Littérature și, în 1924, ai suprarealismului. Miró a fost introdus cordial în grup. Breton a definit suprarealismul în legătură cu pictura ca fiind „o vacuitate totală, o criză absolută a modelului”. Vechiul model, preluat din lumea exterioară, nu mai este și nu mai poate fi. Cel care îi va urma, luat din lumea interioară, nu a fost încă descoperit.
În acea perioadă, Miró trecea printr-o criză personală. El nu mai era inspirat de realitatea exterioară. A trebuit să lupte împotriva realismului, a tradiției, a convenției, a academismului și a cubismului și să-și găsească propria cale dincolo de Duchamp și Picabia pentru a inventa un nou limbaj. Prezența unor prieteni de nădejde, angajați în aceeași aventură ca și el, a grăbit ruptura decisivă pe care era pe cale să o facă. Alături de ei, Miró a semnat Manifestul suprarealismului. André Breton a declarat că Miró a fost „cel mai suprarealist dintre noi toți”.
În această perioadă, maestrul a renunțat la stilul său detailist. A lucrat la sinteza elementelor magice deja prezente în lucrările sale anterioare. În vara anului 1924, și-a rafinat schematizarea formelor, în special cu Peisaj catalan (intitulat, de asemenea, Vânătorul), în care pictura sa a devenit din ce în ce mai geometrică. Formele simple ale discului, conului, pătratului și triunghiului se regăsesc aici. El reduce obiectul la o linie, care poate fi dreaptă, curbă sau punctată. „Lirismul său spontan al liniei vii, cu o intruziune treptată în minunat”, duce astfel la ideograma într-un spațiu nerealist”, de la care Miró pornește seria „pe care, din comoditate, o vom numi „fundalurile gri”” și din care fac parte Pastorala, Lampa spaniolă, Portretul domnișoarei K, Familia și Portretul unei dansatoare spaniole.
Pentru André Breton, Miró a fost unul dintre principalii recruți ai mișcării suprarealiste.
„Intrarea tumultuoasă a lui Miró în 1924 marchează o dată importantă în arta suprarealistă. Dintr-o singură lovitură, Miró a depășit ultimele bariere care mai puteau sta în calea spontaneității totale de exprimare. De atunci încolo, producția sa atestă o libertate care nu a mai fost depășită. Se poate spune că influența sa asupra lui Picasso, care s-a alăturat suprarealismului doi ani mai târziu, a fost în mare măsură decisivă.
Miró și-a găsit inspirația pentru viitoarele sale lucrări în inconștient și în teme onirice – materiale oferite de tehnicile suprarealiste. Aceste tendințe apar în special în Le Champ Labouré. Aceasta este o aluzie la Ferma, în care elemente suprarealiste precum un ochi și o ureche sunt adăugate lângă un copac. În același timp, descrierea personajului din tabloul Cap de fumător este sintetică.
Între 12 și 27 iunie 1925 a avut loc o expoziție la Galeria Pierre, unde Miró a prezentat 16 picturi și 15 desene. Toți reprezentanții grupului suprarealist semnează o invitație la expoziție. Benjamin Péret își prefațează expoziția personală de la Galeria Pierre Loeb din Paris. Expun și alți pictori suprarealiști, printre care Paul Klee, ale cărui picturi îl impresionează pe Miró. Un eveniment rar la acea vreme a fost deschiderea la miezul nopții, în timp ce o orchestră invitată de Picasso a cântat o sardană afară. La intrare s-au format cozi. Vânzările și recenziile au fost foarte favorabile lui Miró.
În 1926, Joan Miró a colaborat cu Max Ernst pentru piesa lui Serge de Diaghilev, Romeo și Julieta, jucată de Ballets Russes. Premiera a avut loc la 4 mai 1926 la Monte Carlo și a fost jucată pe 18 mai la Teatrul Sarah Bernhardt din Paris. Se zvonea că piesa a alterat gândurile suprarealiștilor și comuniștilor. S-a dezvoltat o mișcare de boicotare a „burghezului” Diaghilev și a „trădătorilor” Ernst și Miró. Prima reprezentație a fost întâmpinată cu fluierături și o ploaie de frunze roșii; Louis Aragon și André Breton au semnat un protest împotriva piesei. Totuși, acesta a fost sfârșitul poveștii și, la scurt timp după aceea, revista La Révolution surréaliste, editată de Breton, a continuat să publice lucrările artiștilor. Începând din acel an, Miró a fost unul dintre artiștii care au expus permanent la Galeria suprarealistă.
Unul dintre cele mai interesante tablouri din această perioadă este, fără îndoială, Carnavalul lui Arlechino (1925). Este o pictură total suprarealistă care a avut un mare succes la expoziția de grup „Peinture surréaliste” de la Galerie Pierre (Paris). A fost expusă alături de lucrări ale lui Giorgio de Chirico, Paul Klee, Man Ray, Pablo Picasso și Max Ernst.
Această pictură este considerată a fi punctul culminant al perioadei suprarealiste a lui Joan Miró. Pictura a fost realizată între 1924 și 1925, într-o perioadă de dificultăți economice pentru maestru, când acesta suferea, printre altele, de penurie de alimente, de care se leagă și tema lucrării:
„Am încercat să traduc halucinațiile pe care le producea foamea. Nu pictam ceea ce vedeam în vis, cum ar spune astăzi Breton și adepții săi, ci ceea ce producea foamea: o formă de transă asemănătoare cu ceea ce simt orientalii.
– Joan Miró
Personajele principale din tablou sunt un automat care cântă la chitară și un arlechin cu o mustață mare. Există, de asemenea, multe detalii pline de imaginație răspândite pe pânză: o pasăre cu aripi albastre care iese dintr-un ou, o pereche de pisici care se joacă cu un ghem de lână, un pește zburător, o insectă care iese dintr-un zar, o scară cu o ureche mare, iar în partea dreaptă sus se poate vedea printr-o fereastră o formă conică, care se presupune că reprezintă Turnul Eiffel.
În 1938, Miró a scris un scurt text poetic despre acest tablou: „Miezurile de ață desfăcute de pisicile îmbrăcate în arlechin se învârt și mă înjunghie pe dinăuntru…”. Pictura se află în prezent în colecția Albright-Knox Art Gallery din Buffalo (New York, SUA).
În 1927, Miró a realizat prima sa ilustrație pentru cartea Gertrudis, scrisă de poetul Josep Vicenç Foix. S-a mutat într-un atelier mai mare din Rue Tourlaque, unde și-a regăsit unii dintre prietenii săi, precum Max Ernst și Paul Éluard; i-a cunoscut pe Pierre Bonnard, René Magritte și Jean Arp. A fost introdus în jocul suprarealist „cadavrul rafinat”. În 1928, Miró a călătorit în Belgia și Olanda, unde a vizitat principalele muzee din aceste țări. A fost impresionat de Vermeer și de pictorii din secolul al XVIII-lea. Artistul a cumpărat cărți poștale colorate cu aceste picturi. La întoarcerea sa la Paris, Miró a lucrat la o serie cunoscută sub numele de Interioare olandeze. A făcut numeroase desene și schițe înainte de a picta Interior olandez I, inspirat de Jucătorul de lăută al lui Hendrick Martensz Sorgh, urmat de Interior olandez II, după Jan Havicksz Steen. În această serie, Miró a renunțat la pictura viselor sale suprarealiste. Folosește spațiile goale cu o grafică atentă și revine la perspectivă și la formele analizate.
Seria de Portrete imaginare, pictate între 1928 și 1929, este foarte asemănătoare cu Interioare olandeze. De asemenea, artistul a luat ca punct de plecare picturi existente. Tablourile sale Portretul doamnei Mills din 1750, Portretul unei doamne din 1820 și La Fornarina sunt clar inspirate de picturile omonime ale lui George Engleheart, John Constable și, respectiv, Rafael.
Cel de-al patrulea tablou din serie provine dintr-o reclamă pentru un motor diesel. Miró a metamorfozat reclama într-o figură feminină numită Regina Louise a Prusiei. În acest caz, a folosit pânza nu pentru a reinterpreta o lucrare existentă, ci ca punct de plecare pentru o analiză a formelor pure care s-a încheiat cu figurile lui Miró. Evoluția procesului pe parcursul picturilor poate fi dezvoltată prin analiza schițelor păstrate la Fundația Miró și la Muzeul de Artă Modernă. La scurt timp după aceea, în 1929, Miró l-a introdus pe tânărul Salvador Dalí în grupul suprarealist.
Miró s-a căsătorit cu Pilar Juncosa (1904-1995) în Palma de Mallorca, la 12 octombrie 1929, și s-a mutat la Paris într-o cameră suficient de mare pentru a găzdui apartamentul cuplului și atelierul pictorului. Fiica lor s-a născut în 1930. Acesta a fost începutul unei perioade de reflecție și de întrebări. A încercat să depășească ceea ce făcuse prestigiul picturilor sale: culoarea vie și desenul geometric.
Citește și, istorie – Frontul din Macedonia (Primul Război Mondial)
Ruptura cu suprarealismul (1930-1937)
Între 1928 și 1930, disensiunile din cadrul grupului suprarealist au devenit din ce în ce mai evidente, nu numai din punct de vedere artistic, ci și politic. Miró s-a distanțat treptat de această mișcare. Deși a acceptat principiile estetice ale acesteia, s-a distanțat de demonstrații și evenimente. O întâlnire a grupului suprarealist la Bar du Château, la 11 martie 1929, este deosebit de notabilă în acest sens. Deși Breton era deja membru al Partidului Comunist la acea vreme, discuția s-a deschis în jurul soartei lui Leon Troțki, dar a evoluat rapid și i-a obligat pe fiecare dintre participanți să își clarifice pozițiile. Unii s-au opus unei acțiuni comune bazate pe programul lui Breton. Printre aceștia s-au numărat Miró, Michel Leiris, Georges Bataille și André Masson. Între poziția lui Karl Marx, pe de o parte, care își propunea să „transforme lumea” prin politică, și cea a lui Rimbaud, pe de altă parte, care își propunea să „schimbe viața” prin poezie, Miró a ales-o pe cea din urmă. A vrut să lupte cu vopsea.
Ca răspuns la criticile lui André Breton, care a afirmat că, după La Fornarina și Portrait d”une dame din 1820, pictorul era „un călător atât de grăbit încât nu știe încotro se îndreaptă”, Miró a declarat că vrea să „ucidă pictura”. Fraza a fost publicată sub semnătura lui Tériade, care a cules-o în timpul unui interviu cu Miró pentru ziarul L”Intransigeant, la 7 aprilie 1930, într-o rubrică violent ostilă suprarealismului.
Georges Hugnet explică faptul că Miró nu se poate apăra decât cu propria sa armă, pictura: „Da, Miró a vrut să asasineze pictura, a asasinat-o cu mijloace plastice, cu o artă plastică care este una dintre cele mai expresive ale timpului nostru. A ucis-o, poate, pentru că nu a vrut să se supună exigențelor sale, esteticii sale, unui program prea îngust pentru a da viață aspirațiilor sale.
După o expoziție personală în Statele Unite, își prezintă primele colaje, prefațate de Aragon, la Galeria Pierre din Paris. De asemenea, a început să lucreze cu litografie.
Din acel moment, Miró a desenat și a lucrat intensiv la o nouă tehnică, colajul. El nu a lucrat cu ea așa cum făcuseră cubiștii, tăind delicat hârtia și fixând-o pe un suport. Formele lui Miró nu sunt precise, el lasă piesele să debordeze de pe suport și le unește cu ajutorul graficii. Această cercetare nu a fost în zadar și a deschis porțile sculpturilor la care a lucrat începând cu 1930.
În acel an, își expune sculpturile sale obiect la Galerie Pierre și, în curând, organizează prima sa expoziție personală la New York, cu picturi din 1926-1929. A lucrat la primele sale litografii pentru cartea L”Arbre des voyageurs de Tristan Tzara. În vara anului 1930, a început o serie numită Construcții, o continuare logică a Colajelor. Compozițiile sunt realizate din forme elementare, cercuri și pătrate de lemn așezate pe un suport – în general lemn – precum și din colajul de chei care întăresc liniile cadrului. Aceste piese au fost expuse pentru prima dată la Paris.
După ce a văzut această serie, coregraful Leonide Massine i-a cerut lui Miró să creeze decoruri, haine și diverse obiecte pentru baletul său Jeux d”enfants. Pictorul a acceptat și a plecat la Monte Carlo la începutul anului 1932, la scurt timp după nașterea singurei sale fiice, Dolorès, la 17 iulie 1931. Decorurile au fost realizate din volume și diverse obiecte cu mișcare. Premiera a avut loc la 14 aprilie 1932 și a fost un mare succes. Piesa a fost apoi jucată la Paris, New York, Londra și Barcelona. În 1931, a prezentat primele sale obiecte-sculptură la Galeria Pierre.
Cu grupul suprarealist, a participat, în perioada octombrie-noiembrie 1933, la cel de-al 6-lea Salon des Surindépendants, alături de Giacometti, Dali, Brauner, Ernst, Kandinsky, Arp, Man Ray, Tanguy și Oppenheim. De asemenea, are o expoziție la New York, la Galeria Pierre Matisse, cu care rămâne strâns asociat. Când contractul cu dealerul său de artă, Pierre Loeb, a luat sfârșit în ianuarie 1932, Miró s-a întors la Barcelona cu familia sa, deși a continuat să facă călătorii frecvente la Paris și șederi dese în Mallorca și Mont-roig del Camp. A făcut parte din Associació d”amics de l”Art Nou (Asociația Prietenilor Art Nouveau), alături de oameni precum Joan Prats, Joaquim Gomis și arhitectul Josep Lluís Sert. Scopul asociației este de a face cunoscute noile tendințe artistice internaționale și de a promova arta catalană de avangardă. Acesta a organizat numeroase expoziții la Barcelona, Paris, Londra, New York și Berlin, de care maestrul a beneficiat în mod firesc. În 1933, picturile sale în colaj au fost prezentate într-o importantă expoziție la Paris.
Miró și-a continuat cercetările și a creat Cele optsprezece picturi sub forma unui colaj, folosind imagini preluate din reclame din reviste. Ulterior, el le-a comentat după cum urmează:
„Eram obișnuită să decupez forme neregulate din ziare și să le lipesc pe foi de hârtie. Zi după zi am acumulat aceste forme. Odată realizate, colajele servesc drept punct de plecare pentru picturi. Nu am copiat colajele. Pur și simplu îi las să-mi sugereze forme.
– Joan Miró
Artistul creează noi figuri care poartă o expresie dramatică într-o simbioză perfectă între semne și chipuri. Fundalurile sunt în general întunecate, pictate pe hârtie groasă, așa cum se poate vedea în Bărbat și femeie în fața unui munte de excremente (1935) și Femeie și câine în fața lunii (1936). Aceste picturi reflectă probabil sentimentele artistului cu puțin timp înainte de Războiul Civil Spaniol și de cel de-al Doilea Război Mondial. În 1936, pictorul se afla în Mont-roig del Camp când a izbucnit războiul civil. În noiembrie a mers la Paris pentru o expoziție. Evenimentele din Spania l-au împiedicat să se întoarcă în perioada 1936-1940. Soția și fiica sa i s-au alăturat în capitala Franței. El susține fără rezerve Spania republicană.
În noiembrie 1936, Miró a mers la Paris pentru o expoziție programată acolo. Odată cu drama războiului civil spaniol, a simțit nevoia de a picta din nou „din natură”. În tabloul Natură moartă cu un pantof vechi, există o relație între pantof și restul mesei de pe masă, paharul, furculița și o bucată de pâine. Tratamentul culorilor contribuie la un efect de cea mai mare agresivitate, cu tonuri acide și violente. În acest tablou, vopseaua nu este plană, ca în lucrările anterioare, ci în relief. Aceasta conferă profunzime formelor obiectelor. Acest tablou este considerat o piesă cheie a acestei perioade realiste. Miró spune că a realizat această compoziție gândindu-se la Pantofii țăranului de Van Gogh, un pictor pe care îl admira.
Citește și, biografii – Robert Delaunay
Evoluția din 1937 până în 1958
După ce a creat posterul Help Spain pentru un timbru poștal destinat să ajute guvernul republican spaniol, Miró a acceptat sarcina de a picta lucrări de mari dimensiuni pentru pavilionul celei de-a doua Republici Spaniole la Expoziția Internațională de la Paris din 1937, care s-a deschis în iulie. Pavilionul a prezentat, de asemenea, lucrări ale altor artiști: Guernica lui Pablo Picasso, Fântâna lui Mercur a lui Alexander Calder, sculptura La Montserrat a lui Julio González, sculptura lui Alberto Sánchez Poporul spaniol are un drum care duce la o stea și altele.
Miró a prezentat El Segador, un țăran catalan cu o coasă în pumn, un simbol al unui popor în luptă, inspirat în mod clar de cântecul național catalan Els segadors. Lucrarea a dispărut la finalul expoziției, când pavilionul a fost demontat. Au rămas doar fotografii alb-negru. În această perioadă, Balthus a pictat un portret al lui Miró împreună cu fiica sa Dolorès.
Între 1939 și 1940, a stat la Varengeville, unde i-a întâlnit pe Raymond Queneau, Georges Braque și Calder au întreținut o relație de prietenie și încredere, deși se poate spune că apropierea de atunci și prietenia dintotdeauna nu au făcut ca drumul niciunuia dintre ei să se abată vreun milimetru.
Braque l-a invitat pur și simplu pe prietenul său catalan să folosească procedeul „papier à report”, o tehnică de imprimare pentru litografie. Acesta este un procedeu pe care Braque însuși îl folosește, care constă în desenarea cu un creion litografic pe hârtie pregătită, ceea ce permite transferul prin transfer pe piatra sau pe foaia de zinc.
Când Germania nazistă a invadat Franța, Miró s-a întors în Spania și s-a stabilit acolo, mai întâi în Mont-roig, apoi în Palma de Mallorca și, în cele din urmă, în Barcelona, între 1942 și 1944. În 1941, prima sa expoziție retrospectivă a avut loc la New York, la Muzeul de Artă Modernă.
În Mallorca, începând din 1942, Miró și-a construit stilul definitiv prin evoluții succesive. Noul său contact cu Spania, și în special cu Mallorca, a fost fără îndoială decisiv. Acolo s-a reîntâlnit cu o cultură ale cărei siurells (sculpturi micuțe, naive, din Mallorca) le-a admirat și a fost uimit de îndrăzneala gotică a lui Gaudi, care a restaurat catedrala fortificată în 1902. Trăiește fericit într-o singurătate profundă, mergând adesea la catedrală pentru a asculta muzică. Se izolează, citește mult și meditează.
În 1943 s-a întors la Barcelona împreună cu familia sa; producția sa abundentă s-a limitat la lucrări pe hârtie, cercetări fără idei preconcepute, folosind toate tehnicile. A fost un adevărat „laborator” în care artistul a cercetat frenetic o singură temă, „Femeia pasăre stea”, care este titlul multor lucrări ale sale. În această perioadă, a creat figuri, semne și asociații folosind pastel, creion, cerneală de India și acuarelă pentru a crea figuri umane sau animale ale căror forme simplificate le-a găsit foarte repede.
La sfârșitul anului 1943, galeristul Joan Prats i-a comandat o serie de 50 de litografii sub titlul Barcelona. „Litografia alb-negru i-a oferit priza de care avea nevoie pentru a-și exprima emoțiile violente. Seria Barcelona dezvăluie o furie similară cu cea provocată de deteriorarea situației internaționale”, explică Penrose. Această lansare l-a determinat să se întoarcă la pictura pe pânză după o pauză de patru ani. Picturile sunt deconcertante prin simplitatea, spontaneitatea și dezinvoltura lor. În același spirit, Miró a pictat pe bucăți neregulate de pânză, „ca și cum absența unui șevalet l-ar fi eliberat de o constrângere”. În acest fel, a inventat un nou limbaj care a dus, în 1945, la seria de pânze de mari dimensiuni care se numără printre cele mai cunoscute și cel mai des reproduse, aproape toate pe fond deschis (Femeie în noapte, Răsărit de soare), cu excepția a două pe fond negru: Femeie ascultând muzică și Dansatoare ascultând orga într-o catedrală gotică (1945). Artistul era atunci în căutarea unei „mișcări nemișcate”:
„Aceste forme sunt atât imobile, cât și mobile – ceea ce caut eu este mișcarea imobilă, ceva care este echivalentul elocvenței tăcerii.
– Joan Miró
Preocuparea pentru reprezentare și semnificație logică îi este străină lui Miró. Iată cum explică el „The Running of the Bulls”: corida este doar un pretext pentru pictură, iar pictura este mai mult ilustrativă decât cu adevărat revelatoare. Taurul, interpretat foarte liber, ocupă întreaga pânză, ceea ce Michel Leiris i-ar reproșa. În 1946, Jean Cassou, curatorul Muzeului Național de Artă Modernă din Paris, a cumpărat acest tablou de la el, într-o perioadă în care niciun muzeu francez nu deținea vreo lucrare importantă a artistului.
Din 1945, la un an după moartea mamei sale, Miró a dezvoltat trei noi abordări ale artei sale: gravura, ceramica, modelajul și sculptura. În acel an, a început o colaborare cu prietenul său din adolescență, Josep Llorens i Artigas, pentru producția de ceramică. A efectuat cercetări privind compoziția pastelor, pământurilor, glazurilor și culorilor. Formele ceramicii populare sunt o sursă de inspirație pentru el. Există puține diferențe între aceste ceramici timpurii și picturile și litografiile din aceeași perioadă.
În 1946, a lucrat la sculpturi care urmau să fie turnate în bronz. Unele dintre ele urmau să fie pictate în culori vii. În acest domeniu, Miró a fost interesat de cercetarea volumelor și a spațiilor. De asemenea, a căutat să încorporeze obiecte cotidiene sau pur și simplu obiecte găsite: pietre, rădăcini, tacâmuri, tricorni, chei. El topește aceste compoziții folosind procesul de ceară pierdută, astfel încât semnificația obiectelor identificabile se pierde prin asocierea cu celelalte elemente.
În 1947, artistul a plecat pentru opt luni la New York, unde a lucrat o vreme la Atelier 17, condus de Stanley William Hayter. În timpul acestor câteva luni petrecute la New York, a lucrat la tehnici de gravură și litografie. Învață, de asemenea, calcografie și realizează plăcile pentru Le Désespéranto, unul dintre cele trei volume ale cărții L”Antitête a lui Tristan Tzara. În anul următor, colaborează la o nouă carte a aceluiași autor, Parler seul, și realizează 72 de litografii color.
Din aceste lucrări, Miró a participat, împreună cu unii dintre prietenii săi poeți, la mai multe publicații. Acesta a fost cazul Anthologie de l”humour noir a lui Breton (pentru René Char, Fête des arbres et du chasseur și À la santé du serpent; pentru Michel Leiris, Bagatelles végétales) și pentru Paul Éluard, À toute épreuve, care conținea 80 de gravuri pe lemn de box. Producția acestor gravuri a durat din 1947 până în 1958.
Cu puțin timp înainte de izbucnirea celui de-al Doilea Război Mondial, atmosfera din Paris era tensionată. Miró a locuit în Varengeville-sur-Mer, pe coasta Normandiei, într-o vilă donată de prietenul său, arhitectul Paul Nelson. Satul, aproape de natură, îi amintea de peisajele din Mallorca și de Mont-roig. A decis să se stabilească acolo și a cumpărat o casă.
Între 1939 și 1941, Miró a locuit la Varengeville-sur-Mer. Cerul satului l-a inspirat și a început să picteze o serie de 23 de pânze mici, intitulate generic Constelații. Acestea sunt realizate pe un suport de hârtie de 38 × 46 cm, pe care artistul îl înmoaie în benzină și îl freacă până când capătă o textură aspră. Apoi a adăugat culoarea, menținând o anumită transparență pentru a obține aspectul final dorit. Pe acest fond de culoare, Miró desenează cu culori foarte pure pentru a crea un contrast. Iconografia constelațiilor are ca scop reprezentarea ordinii cosmice: stelele se referă la lumea cerească, figurile simbolizează pământul, iar păsările reprezintă uniunea dintre cele două. Aceste picturi integrează perfect motivele și fundalul.
Miró și soția sa s-au întors la Barcelona în 1942, cu puțin timp înainte de moartea mamei sale în 1944. În acel moment s-au mutat în Mallorca, unde, potrivit lui Miró, el era „doar soțul lui Pilar”. În 1947, a călătorit pentru prima dată în Statele Unite. Acolo a pictat prima sa pictură murală, care a fost urmată de altele de-a lungul carierei sale. În același an, Galeria Maeght a organizat importante expoziții ale lucrărilor sale la Paris, iar în 1954 a primit Premiul pentru gravură la Bienala de la Veneția, alături de Max Ernst și Jean Arp.
Mai târziu, în 1958, Miró a publicat o carte intitulată tot Constelații. Această ediție limitată conține reproducerea a două poeme: Vingt-deux eaux de Miró și Vingt-deux proses parallèles de André Breton.
Începând cu 1960, artistul a intrat într-o nouă etapă a vieții sale artistice, care reflectă ușurința cu care se descurcă cu grafica. A desenat cu o spontaneitate apropiată de un stil copilăresc. Liniile groase sunt realizate cu culoare neagră, iar pânzele sale sunt pline de tablouri și schițe care amintesc mereu de aceleași teme: pământul, cerul, păsările și femeile. În general, el folosește culori primare. În același an, Fundația Guggenheim din New York i-a acordat Marele Premiu.
Între 1955 și 1959, Miró s-a dedicat în întregime ceramicii, dar în 1960 a început să picteze din nou. Seria pe fond alb și tripticul Bleu I, apoi Bleu II și Bleu III datează din 1961. Aceste pânze, care sunt aproape în întregime albastre monocrome, amintesc în unele privințe de picturile lui Yves Klein. După ce a creat un fundal albastru, Miró controlează spațiul cromatic cu semne minimaliste: linii, puncte și tușe de culoare, aplicate cu precauția „gestului unui arcaș japonez”, după spusele artistului.Aceste tablouri seamănă cu cele din 1925, când a pictat seriile monocrome Dansatoare I și Dansatoare II. El își rezumă atitudinea prin următoarea frază:
„Este important pentru mine să ating intensitatea maximă cu mijloace minime. De aici și importanța crescândă a vidului în picturile mele.
– Joan Miró
În timpul șederii sale la New York, a pictat un perete de 3 × 10 metri pentru restaurantul hotelului Cincinnati Terrace Hilton și a ilustrat cartea L”Antitête de Tristan Tzara. Mai târziu, în Barcelona, a primit ajutor de la fiul lui Josep Llorens, Joan Gardy Artigas. Miró își petrecea verile în atelierul din ferma familiei Llorens din Gallifa. Cei doi tovarăși au efectuat tot felul de teste de ardere și de vitraj. Rezultatul a fost o colecție de 232 de lucrări, care au fost expuse în iunie 1956 la Galeria Maeght din Paris și mai târziu la Galeria Pierre Matisse din New York.
În 1956, Miró s-a mutat în Palma de Mallorca, unde a avut un atelier mare proiectat de prietenul său Josep Lluís Sert. În această perioadă a fost însărcinat să creeze doi pereți de ceramică pentru sediul UNESCO din Paris. Acestea măsurau 3 × 15 m și, respectiv, 3 × 7,5 m și au fost inaugurate în 1958. Deși Miró lucrase deja cu formate mari, nu o făcuse niciodată cu ceramică. Împreună cu ceramistul Josep Llorens, a dezvoltat la maximum tehnicile de ardere pentru a crea un fond ale cărui culori și texturi seamănă cu picturile sale din aceeași perioadă. Compoziția trebuie să aibă ca temă soarele și luna. În cuvintele lui Miró:
„Ideea unui disc mare, de un roșu intens, se impune pe un perete mai mare. Replica sa pe peretele mai mic ar fi un sfert de semilună albastră, impusă de spațiul mai mic și mai intim pentru care este destinată. Aceste două forme, pe care le-am vrut foarte colorate, trebuiau să fie întărite prin lucrări în relief. Anumite elemente ale construcției, cum ar fi forma ferestrelor, m-au inspirat pentru a crea compoziții la scară și formele personajelor. Am căutat o expresie brutală pe peretele mare, o sugestie poetică pe cel mic.
– Joan Miró
Citește și, biografii – Cuauhtémoc
Majorca și Marele Atelier (1956-1966)
Timp de cinci ani, artistul s-a dedicat în principal ceramicii, gravurii și litografiei. Cu excepția unei duzini de mici picturi pe carton, Miró nu a realizat niciun tablou. Activitatea sa a fost întreruptă de mutarea sa în Palma de Mallorca. Aceasta a fost o schimbare pe care o aștepta și care a fost realizată cu ajutorul arhitectului Josep Lluís Sert, care i-a proiectat un studio vast la poalele reședinței lui Miró. Pictorul a fost deopotrivă încântat și dezorientat de mărimea clădirii și a început să anime și să populeze acest spațiu mare și gol. S-a simțit obligat să își îndrepte pictura într-o nouă direcție. A trebuit să redescopere „furia iconoclastă a tinereții sale”.
A doua sa ședere în Statele Unite a fost decisivă. Tinerii pictori americani i-au deschis calea și l-au eliberat, arătându-i cât de departe se poate merge. Producția abundentă de la sfârșitul anilor 1950 și 1960 arată afinitatea lui Miró cu noua generație, deși el a fost în primul rând o sursă de inspirație: „Miró a fost întotdeauna un inițiator, mai mult decât oricine altcineva. Mulți dintre pictorii noii generații și-au recunoscut cu ușurință datoriile față de el, inclusiv Robert Motherwell și Jackson Pollock.
Pe de altă parte, maestrul catalan nu a considerat că nu este demn de el să meargă să se întâlnească cu ei și chiar să împrumute unele dintre tehnicile lor, cum ar fi picurarea sau proiecțiile. Din această perioadă provin picturile în ulei Femme et oiseau (1959, o continuare a seriei Femme, oiseau, étoile), Femme et oiseau (1960, picturile VIII-X pe sac). The Red Disc (ulei pe pânză, expus la Muzeul de Artă din New Orleans, SUA), Femeie așezată (1960, tablourile IV și V), expuse la Muzeul Regina Sofia din Madrid.
După o perioadă de producție abundentă, Miró și-a golit mintea, a declarat un vid și a început să picteze mai multe tripticuri, printre care Albastru I, Albastru II și Albastru III.
Anul 1961 marchează o etapă specială în producția pictorului, cu realizarea unor tripticuri, dintre care unul dintre cele mai cunoscute este Bleu, păstrat în întregime la Centre national d”art et de culture Georges-Pompidou din 1993. Bleu I a fost achiziționat la această dată în urma unei subscripții publice.
Din 1963 au urmat alte tripticuri. Acesta este în special cazul Picturilor pentru un templu, în verde, roșu și portocaliu, apoi Pictură pe fond alb pentru celula unui condamnat (1968), ulei pe pânză, de aceleași dimensiuni ca și picturile albastre păstrate la Fundația Miró.
În cele din urmă, în 1974, a fost finalizat L”Espoir du condamné à mort (Fundația Miró). Acest ultim triptic a fost finalizat într-un context politic dureros, în momentul morții prin împușcare a tânărului Salvador Puig i Antich, pe care Miró l-a descris ca fiind un naționalist catalan, într-un interviu acordat lui Santiago Amón pentru El País Semanal (Madrid, 18 iunie 1978). „Groaza resimțită de o întreagă națiune la moartea prin gargară a unui tânăr anarhist catalan, în momentul morții lui Franco, este la originea ultimului triptic aflat acum la Fundația Miró din Barcelona. Cuvântul „Speranță” fiind conceput ca o formă de batjocură. Este cert, așa cum subliniază Jean-Louis Prat, că Miró a traversat această perioadă cu furie: „La patruzeci de ani de la prima sa furie față de prostia care afectează uneori lumea, catalanul este încă capabil să-și strige dezgustul prin pictura sa. Și să o expunem la Barcelona.
De la începutul anilor 1960, Miró a fost implicat activ în marele proiect al lui Aimé și Marguerite Maeght, care își înființaseră fundația la Saint-Paul-de-Vence. Cuplul, inspirat de o vizită la atelierul pictorului din Cala Major, a apelat la același arhitect – Josep Lluís Sert – pentru a construi clădirea și a proiecta grădinile. Un spațiu special a fost rezervat pentru Miró. După o lungă perioadă de meditație, s-a dedicat labirintului său. A colaborat cu Josep și Joan Artigas la realizarea ceramicii și cu Sert la proiectarea întregului ansamblu. Lucrările monumentale din labirint au fost create special pentru fundație. Miró a proiectat mai întâi modele de-a lungul traseului trasat de Josep Lluís Sert, care au fost apoi realizate în ciment, marmură, fier, bronz și ceramică. Dintre aceste sculpturi, Furculița și Discul sunt printre cele mai importante. Prima a fost realizată în 1963 (bronz, 507 × 455 × 9 cm), iar cea de-a doua în 1973 (ceramică, 310 cm în diametru).
Cei patru catalani „s-au angajat într-o consultare entuziastă pentru instalarea a 13 lucrări pentru Labirint, dintre care unele nu vor fi amplasate decât la câteva luni, sau chiar ani, după inaugurarea sitului la 28 iulie 1964″. În anii care au urmat începerii Labirintului, Miró a livrat Fundației Maeght un număr impresionant de lucrări pictate și sculptate. Majoritatea sculpturilor erau din bronz. În 1963, a creat Femme-insecte, Maquette de l”Arc pentru Fundația Maeght. În 1967, a creat Femme, Tête et oiseau, Personnage et oiseau, apoi, în anii 1970, Monument (1970), Constellation și Personnage (1971). În 1973, a creat Grand personnage. Fundația a primit, de asemenea, ceramică: Femme et oiseau (1967), Personnage totem (1968), Céramique murale (1968), precum și marmură, cum ar fi Oiseau solaire și Oiseau lunaire, sculptate în 1968.
Fundația Maeght deține 275 de lucrări de Miró, inclusiv 8 picturi de mari dimensiuni, 160 de sculpturi, 73 de acuarele, guașe și desene pe hârtie, o tapiserie monumentală, un vitraliu important integrat în arhitectură, 28 de ceramică, precum și lucrări monumentale create special pentru grădina labirint. Toate aceste creații au fost donate fundației de către Marguerite și Aimé Maeght, precum și de către Joan Miró și, ulterior, de către descendenții familiilor Maeght și Miró, precum și de către Sucessió Miró. „Datorită generozității lor de neegalat, s-a construit un patrimoniu fabulos, unic în Franța, un loc privilegiat pentru a împărtăși mai bine visele lui Joan Miró.”
Citește și, biografii – Jan Hus
Ultimii ani (1967-1983)
În 1967, Miró a realizat La Montre du temps, o lucrare creată dintr-un strat de carton și o lingură, topite în bronz și îmbinate pentru a forma un obiect sculptural care măsoară intensitatea vântului.
În urma primei expoziții majore a operei maestrului la Barcelona în 1968, mai multe personalități din domeniul artei au sprijinit crearea unui centru de referință pentru opera lui Miró în oraș. În conformitate cu dorințele artistului, noua instituție ar trebui să promoveze difuzarea tuturor fațetelor artei contemporane. Într-o perioadă în care regimul lui Franco închidea panorama artistică și culturală a orașului, Fundația Miró aduce o nouă viziune. Clădirea a fost construită după un concept foarte îndepărtat de noțiunile general acceptate ale muzeelor la acea vreme și a căutat să promoveze arta contemporană mai degrabă decât să se dedice conservării acesteia. A fost inaugurat la 10 iunie 1975. Clădirile au fost proiectate de Josep Lluís Sert, un discipol al lui Le Corbusier și un complice și prieten al marilor artiști contemporani cu care acesta colaborase deja (Fernand Léger, Alexander Calder, Pablo Picasso). Colecția inițială a fundației, de 5.000 de piese, provine de la Miró și de la familia sa.
„Pictorul nu a vrut să rămână pe marginea construcției fundației sale și nici nu a vrut să se limiteze la donații. A vrut să participe în mod concret, prin munca sa de pictor, la munca colectivă a arhitecților, a zidarilor și a grădinarilor. Pentru aceasta, a ales locul cel mai retras: tavanul sălii de spectacole, unde pictura sa putea da o rădăcină vie clădirii. Acest tablou de mari dimensiuni, 4,70 × 6 m, executat pe plăci aglomerate, a fost finalizat și semnat la 11 mai 1975.
Între 9 iunie și 27 septembrie 1969, Miró și-a expus gravurile la Geneva în cadrul expoziției „Œuvres gravées et lithographiées” la Galeria Gérald Cramer. În același an, la Norton Simon Museum (California) a avut loc o retrospectivă majoră a lucrărilor sale de grafică.
În colaborare cu Josep Llorens, a construit Zeița mării, o sculptură mare din ceramică pe care au scufundat-o în Juan-les-Pins. În 1972, Miró și-a expus sculpturile la Walker Art Center din Minneapolis, la Cleveland Museum of Art și la Art Institute of Chicago. Începând cu 1965, a realizat un număr mare de sculpturi pentru Fundația Maeght din Saint-Paul-de-Vence. Cele mai notabile lucrări sunt Oiseau de lune, Lézard, Déesse, Fourchette și Femme aux cheveux emmêlés.
În 1974, Galeries nationales du Grand Palais din Paris a organizat o mare expoziție retrospectivă cu ocazia împlinirii a 80 de ani de la nașterea sa, în timp ce în anul următor, Fundația Miró a fost construită de Luis Sert în Montjuïc, în Barcelona. Acesta găzduiește o colecție importantă de lucrări ale sale.
În 1973, pianistul Georges Cziffra a cumpărat ruinele bisericii colegiale Saint-Frambourg din Senlis pentru a găzdui fundația sa, care a fost creată în anul următor. În 1977 au fost instalate noi vitralii; opt dintre ele au fost încredințate de pianist prietenului său Joan Miró. Pictorul le-a proiectat, iar realizarea lor a fost încredințată maestrului sticlar din Reims, Charles Marcq. Pictorul a comentat cu această ocazie:
„M-am gândit toată viața să fac vitralii, dar nu mi s-a prezentat niciodată ocazia. Am devenit pasionat de ea. Această disciplină pe care mi-o dicta capela m-a făcut să am o mare libertate, m-a împins să fac ceva foarte liber, apropiindu-mă de această virginitate. Stelele se regăsesc foarte des în lucrările mele pentru că mă plimb adesea în miez de noapte, visez la cerul înstelat și la constelații, acest lucru mă impresionează și această scară de evadare care este foarte des evidențiată în lucrările mele reprezintă un zbor spre infinit, spre cer părăsind pământul.
În 1980, a fost distins cu Medalia de Aur pentru Meritul pentru Arte Plastice de către Ministerul Culturii.
În aprilie 1981, Miró a inaugurat la Chicago o sculptură monumentală de 12 metri, cunoscută sub numele de Miss Chicago; la 6 noiembrie, alte două bronzuri au fost instalate în Palma de Mallorca. În anul următor, orașul Houston a inaugurat Personaj și pasăre.
În 1983, în colaborare cu Joan Gardy Artigas, artistul a creat Femeie și pasăre, ultima sa sculptură, destinată orașului Barcelona. Acesta este realizat din beton și acoperit cu ceramică. Starea de sănătate precară a lui Miró l-a împiedicat să ia parte la ceremonia de inaugurare. Aflată în Parc Joan-Miró din Barcelona, lângă un iaz artificial, lucrarea de 22 de metri înălțime are o formă alungită, în vârful căreia se află un cilindru scobit și o semilună. Exteriorul este acoperit cu ceramică în cele mai clasice culori ale artistului: roșu, galben, verde și albastru. Ceramica formează mozaicuri.
Joan Miró a murit în Palma de Mallorca la 25 decembrie 1983, la vârsta de 90 de ani, și a fost înmormântat în cimitirul Montjuïc din Barcelona.
În același an, Nürnberg a organizat prima expoziție postumă a operei lui Miró, iar în 1990, Fundația Maeght din Saint-Paul de Vence a organizat, de asemenea, o retrospectivă intitulată „Miró”. În cele din urmă, în 1993, Fundația Miró din Barcelona a făcut același lucru cu ocazia centenarului nașterii sale.
În 2018, Grand Palais din Paris organizează o retrospectivă de 150 de lucrări, care urmărește evoluția artistului de-a lungul a 70 de ani de creație.
Citește și, biografii – Papa Pius al VII-lea
În vopsea
Primele picturi ale lui Miró, din 1915, sunt marcate de influențe diverse, mai întâi de cele ale lui Van Gogh, Matisse și ale fauvilor, apoi de cele ale lui Gauguin și ale expresioniștilor. De asemenea, Cézanne i-a oferit construcția volumelor cubiste. O primă perioadă, numită „fauvism catalan”, a început în 1918, odată cu prima sa expoziție, și a continuat până în 1919 cu tabloul Nud cu oglindă. Această perioadă a fost marcată de amprenta cubismului. În 1920, a început așa-numita perioadă realistă „detailistă” sau „precisionistă”: ochiul naiv al pictorului se concentra pe reprezentarea celor mai mici detalii, în maniera primitivilor italieni. Tabloul Peisaj din Mont-roig (1919) este caracteristic acestei perioade. Influența cubistă este încă puternică și poate fi observată în utilizarea unghiurilor, în compoziția în planuri decupate și, de asemenea, în utilizarea culorilor vii (Autoportret, 1919, La Table (Nature morte au lapin), 1920).
În 1922, tabloul Ferma a marcat sfârșitul acestei perioade și apariția unei noi tehnici marcate de gândirea suprarealistă. Lucrările Le Chasseur (1923) și Le Carnaval d”Arlequin (1924-1925) sunt cele mai semnificative expresii ale acestui lucru. Spațiul pictural este plat, nu mai reprezintă o a treia dimensiune. Obiectele au devenit semne simbolice, iar Miró a reintrodus culoarea vie în picturile sale (Nașterea lumii, 1925, Peisaje imaginare, 1926, Câinele care latră la lună, 1926). Munca asupra spațiului și a semnelor a dus la crearea unui adevărat „mirómonde”, potrivit lui Patrick Waldberg.
În 1933, artistul și-a creat picturile din colaje, un procedeu deja folosit de un alt suprarealist, Max Ernst. Cu toate acestea, Miró a experimentat o gamă largă de tehnici de realizare a picturilor sale: pastel, șmirghel, acuarelă, guașă, tempera de ou, lemn și vopsea de cupru, printre altele. Seria Peintures sauvages, din 1935 și 1936, are ca temă Războiul din Spania și folosește tehnici multiple de pictură. Seria Constelații, „picturi lente” (1939-1941) și „picturi spontane” (inclusiv Compoziție cu frânghii, 1950) demonstrează, de asemenea, versatilitatea lui Miró. Alte experimente, mai abstracte, folosesc monocromia; acesta este cazul tripticului L”Espoir du condamné à mort (1961-1962), care constă doar într-o arabescură neagră pe un fundal alb.
În cele din urmă, artistul a realizat numeroase picturi murale în Statele Unite (pentru Plaza Hotel din Cincinnati în 1947, pentru Universitatea Harvard în 1950) și la Paris (seriile Bleus I, II și III din 1961 și Peintures murales I, II și III din 1962).
Citește și, biografii – Maria Montessori
În sculptură
Miró a fost inițiat în sculptură de profesorul său, Gali. Încă de la început, Miró a fost, de asemenea, elevul ceramistului Artigas, prietenul său, împreună cu care a realizat lucrări ceramice impresionante. Primele sale încercări, în vara anului 1932, datează din perioada suprarealistă și sunt intitulate „obiecte poetice”. Cu Artigas, din 1944 încoace, Miró a ajuns să stăpânească această artă. Căutând strălucirea culorilor, urmând tehnica chinezească „grand feu”, a trecut de la ceramică la crearea de bronzuri fuzionate între 1944 și 1950. Artistul a început să colecționeze tot felul de obiecte diferite și să le folosească pentru a crea sculpturi eterogene.
Citește și, biografii – Octavianus Augustus
Caligrafie Mironiană
Prima sursă de inspirație a lui Miró sunt cele două infinituri, de la crenguțele infinit de mici ale „caligrafiei mironiene” la spațiile goale infinit de mari ale constelațiilor. Această caligrafie dă formă hieroglifelor printr-o geometrie schematică foarte diversă. Ea este de fapt alcătuită din puncte curbe, linii drepte, volume alungite sau masive, cercuri, pătrate etc. După ce a asimilat principalele curente artistice ale vremii sale, între 1916 și 1918, Miró a pus treptat la punct elementele care alcătuiesc acest limbaj „detailist”, în care acordă aceeași importanță atât elementelor mici, cât și celor mari. El a explicat că „un fir de iarbă este la fel de grațios ca un copac sau un munte”.
După ce și-a detaliat pânzele până la rădăcinile plantelor, Miró și-a îndreptat atenția spre reprezentarea spațiilor mari. În timp ce în anii 1920 lucrările sale aminteau de mare, picturile sale din anii 1970 evocau cerul printr-o cartografie stelară exagerată. În „The Running of the Bulls”, acest detaliu folosește desenul filigranat pentru a defini siluete mari. Acest veritabil limbaj poetic al lui Miró reflectă evoluția relației sale cu lumea:
„Sunt copleșit când văd semiluna sau soarele pe un cer imens. În picturile mele, există forme foarte mici în spații mari și goale.
– Joan Miró
Influența caligrafiei orientale și a celei din Orientul Îndepărtat este evidentă în opera lui Miró, în special în Autoportretul său (1937-1938). Pentru el, „plasticitatea trebuie să realizeze poezia”, explică Jean-Pierre Mourey. Walter Erben subliniază relația dintre simbolurile artistului și ideogramele chinezești sau japoneze: „Un prieten al lui Miró, care cunoștea bine caracterele japoneze, a reușit să „citească” într-o serie de semne inventate de pictor însuși sensul pe care acesta îl atribuise acestora. Semnătura lui Miró este în sine o ideogramă care constituie o pictură în pictură. Uneori, pictorul care plănuiește să picteze o frescă începe prin a-și aplica semnătura. Apoi o întinde pe cea mai mare parte a pânzei, cu litere riguros distanțate și spații umbrite cu culoare. Miró și-a folosit adesea semnătura pe postere, coperți de cărți și ilustrații.
Citește și, batalii – Bătălia de la Cannae
Teme
Femeile, relațiile bărbat-femeie și erotismul sunt o sursă majoră de inspirație pentru maestru. Reprezentarea lor abundă în opera lui Miró, atât în picturi, cât și în sculpturi. Cu toate acestea, el nu s-a concentrat pe simpla descriere canonică a corpurilor, ci a încercat să le reprezinte din interior. În 1923, Fata de la fermă a succedat Ferma, pictată cu un an mai devreme. În anul următor, în La Baigneuse sugerează feminitatea prin grația liniilor, iar în Le Corps de ma brune, pânza însăși evocă femeia pe care o iubea. În 1928, cu Portretul unei dansatoare, pictorul ironizează grația dansatoarelor. Motivul femeii și al păsării este comun în lucrările lui Miró. În catalană, pasăre (ocell) este și porecla penisului și este asociată cu multe dintre lucrările sale. Acest motiv a apărut încă din 1945, dar și în sculptură, în primele sale teracote de inspirație mitică.
După ce s-a stabilit la Paris, și în ciuda dificultăților pe care le-a întâmpinat, Miró îi scria prietenului său Ricart în iunie 1920: „Categoric, niciodată Barcelona! Paris și la țară, și asta până la moarte! În Catalonia, nici un pictor nu a atins plenitudinea! Sunyer, dacă nu se decide să facă șederi lungi la Paris, va adormi pentru totdeauna. S-a spus că caravelele din țara noastră au făcut minunea de a-l trezi, dar acestea sunt vorbe de intelectuali din Lliga. Trebuie să devii un catalan internațional.
Cu toate acestea, în Mallorca și apoi la Barcelona și-a găsit inspirația și stilul său a evoluat în mod decisiv între 1942 și 1946, cu o întoarcere la rădăcinile sale și la cultura spaniolă.
Catalonia, și în special ferma părinților săi de la Mont-roig del Camp, a ocupat un loc important în opera lui Miró până în 1923. A stat în acest sat în tinerețe și a revenit acolo pentru jumătate de an în 1922 și 1923. De acolo și-a tras inspirația, senzațiile și amintirile, relația sa cu viața și cu moartea. Vegetația, clima aridă, cerul înstelat, precum și personajele din mediul rural se regăsesc în creațiile sale.
Ferma și Catalanul sunt, fără îndoială, cele mai importante tablouri din acest aspect al operei lui Mirón. Personajul din Toreador este, din acest punct de vedere, unul dintre cele mai enigmatice. Tabloul prelungește seria de la Țăranul catalan (1925-1927) până la limita abstracției, cu o figură eminamente spaniolă, în care roșul din fața muletei evocă mai mult barretina țăranului catalan decât sângele taurului.
Rularea taurilor, inspirată de întoarcerea sa la Barcelona în 1943, arată continuitatea creației spontane din Femeie, pasăre, stea. În notițele sale, el vorbește despre un proiect pentru o serie pe tema alergării taurilor: „să caute simboluri poetice, ca banderillero să fie ca o insectă, batistele albe ca aripile de porumbel, evantaiele care se desfășoară, mici sori”. Nu o dată se referă la taurul, figura centrală a tabloului, pe care l-a mărit peste măsură. Walter Eben sugerează o explicație: lui Miró îi plăceau doar senzațiile colorate ale arenei de tauri, care îi ofereau o serie întreagă de armonii și tonuri puternic evocatoare. A asistat la coridă ca la o sărbătoare populară cu tentă erotică, dar nu a fost conștient de miza acestei lupte. El nu s-a limitat la aspectul tragic al cursei, ci a introdus numeroase evocări comice.
Citește și, biografii – Mary Cassatt
Discret
În perioada suprarealistă, cea mai reprezentativă lucrare a lui Miró este Le Carnaval d”Arlequin (1924-1925), care a fost expusă la Galerie Pierre, alături de alte două lucrări ale sale: Le Sourire de ma blonde și Le Corps de ma brune. Cu toate acestea, deși lucrări ale artistului au fost reproduse în La Révolution surréaliste, deși Breton l-a declarat „cel mai suprarealist dintre noi toți” și deși Miró a participat la o expoziție colectivă a grupului, adeziunea sa la mișcare nu a fost lipsită de reticențe.
„În plină revoluție avangardistă, Miró a continuat să aducă un omagiu originilor sale (Cap de țăran catalan), de care nu s-a despărțit niciodată, revenind în mod regulat în Spania.
Deși este pe deplin integrat în grupul cu care are o relație excelentă, apartenența sa este mai degrabă „distrasă”:
„Chiar dacă a participat la întâlnirile de la cafeneaua Cyrano, iar Breton îl considera „cel mai suprarealist dintre noi toți”, nu a urmat niciunul dintre cuvintele de ordine ale mișcării și a preferat să se raporteze la Klee, pe care prietenii săi Arp și Calder i-l prezentaseră.
La cafeneaua Cyrano, a rămas tăcut. Tăcerile sale erau renumite, iar André Masson ar spune că a rămas intact. Miró a fost, înainte de toate, un tovarăș de drum în această mișcare și și-a condus cu discreție propriul experiment poetic și pictural, „care l-a dus la extremul a ceea ce era posibil în pictură și chiar în inima acelei adevărate suprarealități a cărei margini nu era recunoscută decât de suprarealiști.
În cadrul grupului suprarealist, Miró a fost un artist aparte. Prietenul său, Michel Leiris, a explicat că a fost adesea ironizat pentru corectitudinea sa oarecum burgheză, pentru refuzul său de a avea mai multe aventuri feminine și pentru accentul pus pe țara sa natală, rurală, spre deosebire de centrul parizian.
Citește și, biografii – Clement Attlee
Naivul
Ceea ce Breton numește „o anumită arestare a personalității în stadiul copilăriei” este, în realitate, o cucerire acerbă a puterilor pierdute din copilărie. Refuzul lui Miró de a-și intelectualiza problemele, modul său de a picta tablouri în loc să vorbească despre pictură, l-au făcut suspect în ochii „gardienilor vigilenți ai gândirii maestrului Breton” (José Pierre, printre alții) și ai ortodoxiei suprarealiste. A fost tratat cu același respect ca un copil minune, cu un pic de dispreț condescendent pentru ușurința, profunzimea și bogăția naturală a darurilor sale.
Inițial un tânăr prodigios al mișcării, a fost pus pe tușă de Breton în 1928. Breton îl dăduse deja la o parte: faimosul citat al lui Breton, care îl face pe Miró „cel mai suprarealist dintre noi toți”, conține în versiunea sa completă condescendență și dispreț, nu laudă, așa cum pare să facă versiunea trunchiată. José Pierre, un maestru al ortodoxiei suprarealiste, i-a reproșat lui Jacques Dupin că este un adversar al lui Breton pentru că acesta a publicat citatul integral al lui Breton. În 1993, Dupin a republicat citatul în întregime:
„Pentru o mie de probleme care nu-l preocupă în nici un fel, deși sunt cele de care este plină mintea omenească, nu există poate la Joan Miró decât o singură dorință: aceea de a se abandona picturii, și numai picturii (ceea ce pentru el înseamnă să se limiteze la singurul domeniu în care suntem siguri că are mijloacele necesare), la acel automatism pur la care eu, în ce mă privește, nu am încetat niciodată să apelez, dar căruia mă tem că Miró însuși i-a verificat foarte sumar valoarea, rațiunea profundă. Poate din acest motiv poate fi considerat cel mai „suprarealist” dintre noi toți. Dar cât de departe suntem de acea chimie a inteligenței de care am vorbit.
Respingerea lui Miró de către Breton a devenit mai radicală în 1941, când pictorul a refuzat să accepte orice dogmă estetică. Breton și-a corectat afirmațiile în 1952, cu ocazia expoziției Constelații, dar le-a repetat la scurt timp după aceea, publicând Lettre à une petite fille d”Amérique (Scrisoare către o fetiță din America), în care declara: „Unii artiști moderni au făcut totul pentru a se reconecta cu lumea copilăriei, și mă gândesc în special la Klee și Miró, care, în școli, nu puteau fi prea favorabili”.
Citește și, biografii – Spartacus
Maestrul liber
Miró a scris poezii suprarealiste. Numeroasa sa corespondență, interviurile cu critici de artă și declarațiile din revistele de artă au fost adunate de Margit Rowell într-un singur volum, Joan Miró: Selected Writings and Interviews, care include interviul din 1948 cu James Johnson Sweeney și un interviu inedit cu Margit Rowell. A ilustrat, de asemenea, colecții de poezii sau proză ale altor reprezentanți ai mișcării suprarealiste sau „tovarăși de drum” ai suprarealiștilor: Jacques Prévert, Raymond Queneau, René Char, Jacques Dupin, Robert Desnos.
Spontaneitatea pictorului nu se potrivește cu automatismul susținut de suprarealism. Picturile sale, fie că au fost realizate în anii 1920 – în timpul așa-numitei perioade suprarealiste – sau mai târziu, sunt de cea mai absolută și personală spontaneitate. Este împlinirea unui vis pe pânză. Miró a abordat doar pentru scurt timp suprarealismul, nu a fost un adevărat reprezentant al acestuia.
„Îmi încep picturile din cauza unui șoc pe care îl simt și care mă face să evadez din realitate. Cauza acestui șoc poate fi un fir mic care se desprinde de pânză, o picătură de apă care cade, amprenta pe care o lasă degetul meu pe suprafața mesei. În orice caz, am nevoie de un punct de plecare, chiar dacă este doar un fir de praf sau o sclipire de lumină. Lucrez ca un grădinar sau ca un vinificator.
Joan Miró a primit o educație catolică. Teza Robertei Bogni indică faptul că era mai degrabă religios și că i-a oferit fiicei sale o educație catolică. Bogni notează, pe lângă frecventarea Cercle Artístic Sant Lluc, condus de episcopul Josep Torras i Bages, interesul său pentru spiritualitate, impregnarea dogmelor religioase catolice în opera sa și un anumit misticism care i-a inspirat simbolismul. În special, Miro a fost inspirat de opera apologetului medieval maiorescian Ramon Llull, pe care îl cunoștea foarte bine. Cu toate acestea, în 1978, Episcopia a refuzat să-i permită să lucreze la o lucrare pentru Catedrala din Palma, argumentând că este ateu. Scriitorul Jacques Dupin arată că este probabil ca el să fi crezut în existența unei ființe superioare.
Numele de familie „Miró” este asociat în Mallorca cu ascendența evreiască, ceea ce a dus la distrugerea picturilor sale de către Tineretul antievreiesc de scurtă durată din 1930 și la etichetarea afișelor pentru expozițiile sale cu „Chueto” în Palma.
Citește și, biografii – Charles Rennie Mackintosh
Vopsele principale
Surse :
Citește și, biografii – Ansel Adams
Ilustrații principale
În 1974, reinterpretarea păsării poștale, logo-ul serviciului poștal francez, a devenit prima operă artistică special creată pentru a fi reprodusă pe un timbru din „seria artistică”, în Franța și la Barcelona.
Lucrările artistului au devenit foarte populare după o serie de articole și recenzii. Multe dintre lucrările sale sunt realizate pe obiecte de zi cu zi: haine, vase, pahare etc. Există, de asemenea, un parfum Miró, a cărui sticlă și ambalaj sunt suveniruri ale artistului.
Începând cu anii 1980, banca spaniolă La Caixa a folosit ca logo o operă a lui Miró: o stea albastru marin, un punct roșu și un punct galben.
Afișul oficial al Cupei Mondiale de Fotbal din 1982 este, de asemenea, o operă a lui Miró. După câteva modificări aduse de artist, a fost preluată de Oficiul de Turism spaniol. Este vorba despre un soare, o stea și textul España, în roșu, negru și galben.
Un cvartet de coarde din Austin, Texas, a fost înființat în 1995 sub numele de Cvartetul Miró.
Google îi dedică un doodle artistului, la 20 aprilie 2006, cu ocazia celei de-a 113-a aniversări a nașterii lui Miró.
În episodul Moartea avea dinții albi din serialul Hercule Poirot, celebrul detectiv însoțit de căpitanul Hasting, în cadrul anchetei lor, merg la o expoziție de pictură contemporană unde contemplă un tablou de Miró intitulat „Omul care aruncă o piatră într-o pasăre”, care îl lasă pe căpitan întrebându-se care este omul și care este pasărea și chiar piatra.
Picturile artistului Joan Miró au un mare succes pe piața de artă și se vând la prețuri foarte mari. Uleiul pe pânză „Caress of the Stars” a fost vândut cu 17.065.000 de dolari pe 6 mai 2008 la casa Christie”s din New York, adică 11.039.348 de euro. Picturile lui Miró sunt, de asemenea, printre cele mai falsificate din lume. Marea popularitate a picturilor și valoarea ridicată a operelor încurajează dezvoltarea falsurilor. Printre cele mai recente tablouri confiscate de poliție în timpul Operațiunii Artist se numără în principal lucrări de Miró, Picasso, Tàpies și Chillida.
Citește și, istorie – Al Doilea Război al Burilor
Legături externe
sursele
