Pablo Picasso

gigatos | ianuarie 29, 2022

Rezumat

Pablo Ruiz Picasso (Malaga, 25 octombrie 1881-Mougins, 8 aprilie 1973) a fost un pictor și sculptor spaniol care, împreună cu Georges Braque, a creat cubismul.

Încă de la începutul secolului al XX-lea a fost considerat unul dintre cei mai mari pictori care au participat la diversele mișcări artistice care s-au răspândit în întreaga lume și a exercitat o mare influență asupra altor mari artiști ai timpului său. Lucrările sale pot fi găsite în muzee și colecții din întreaga Europă și din întreaga lume. De asemenea, a lucrat în alte genuri, cum ar fi desenul, gravura, ilustrația de carte, sculptura, ceramica și scenografia și designul de costume pentru producții teatrale. De asemenea, are o scurtă operă literară.

Din punct de vedere politic, Picasso s-a declarat pacifist și comunist. A fost membru al Partidului Comunist Spaniol și al Partidului Comunist Francez până la moartea sa, la 8 aprilie 1973, la vârsta de 91 de ani, în casa sa numită „Notre-Dame-de-Vie” din orașul francez Mougins. Este înmormântat în parcul castelului din Vauvenargues (Bouches-du-Rhone).

Citește și, biografii – Virginia Woolf

Copilărie

Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno Cipriano de la Santísima Trinidad Ruiz Picasso (conform certificatului de naștere) sau Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Crispiniano de la Santísima Trinidad Ruiz y Picasso (conform certificatului de botez), a fost primul fiu al lui José Ruiz y Blasco și al Mariei Picasso López. S-a născut la 25 octombrie 1881 la Malaga (Spania), într-o familie burgheză. Picasso a avut două surori, Dolores (1884-1958) și Concepción (1887-1895). Străbunicul său matern, Tommaso Picasso (născut în 1787), era originar din Sori din Genova, Italia, și s-a mutat în Spania în jurul anului 1807.

Se știe că tatăl său a vrut să fie artist și a predat desenul la Academia Regală de Arte Frumoase din San Telmo. Se știu puține lucruri despre mama sa; se pare că avea o personalitate mai puternică decât cea a soțului ei, iar Picasso a avut întotdeauna un respect și o tandrețe mai mari pentru ea, ceea ce unii cred că se poate vedea în portretul pe care i l-a făcut în 1923. Pablo a început să picteze de la o vârstă fragedă; în 1889, la vârsta de opt ani, după o coridă și sub îndrumarea tatălui său, a pictat El picador amarillo („Picadorul galben”), de care a refuzat întotdeauna să se despartă.

În 1891, familia a fost nevoită să părăsească Malaga din cauza lipsei de stabilitate economică de care se bucurau. José Ruiz Blasco începuse să ceară în repetate rânduri transferul în orașul La Coruña, unde fusese creat un post de profesor la Școala de Arte Frumoase, în urma demiterii sale din funcția de conservator al Muzeului de Arte Frumoase din Malaga în 1888. Schimbarea nu a fost deloc plăcută pentru familia sa, așa cum reiese din expresia pe care Picasso și-o amintește despre tatăl său în această etapă: „Fără Malaga, fără coride, fără prieteni, fără nimic”, „Doar pentru mine mutarea în Galicia a fost o sărbătoare.” În Galicia, Pablo a lucrat la desenele sale și a arătat o încredere puternică în sine și în darurile sale; avea zece ani. Primele sale lucrări, de un realism viguros și aproape feroce, au arătat o predilecție timpurie pentru personajele populare. În La Coruña, la vârsta de treisprezece ani, a făcut prima sa expoziție și a publicat caricaturi și desene în revistele editate manual „La Coruña”, „Azul y Blanco” și „Torre de Hércules”.

Anul 1895 a fost un an cu evenimente importante în copilăria sa; în ianuarie a murit sora sa Concepción, iar în septembrie tatăl său a obținut o catedră la Școala de Arte Frumoase din Barcelona, unde tânărul Pablo a fost admis ca elev și a studiat timp de doi ani, ceea ce l-a determinat să picteze, poate pentru a-i face pe plac tatălui său, o serie de tablouri în care academismul sentimental al stilului a fost surprinzător după vitalitatea portretelor pe care le pictase în La Coruña.

Elev strălucit și precoce, Picasso a trecut examenul de admitere la Ecole de la Lonja într-o singură zi, la vârsta de paisprezece ani, și i s-a permis să sară peste primele două clase. Potrivit uneia dintre numeroasele legende despre artist, tatăl său, care a recunoscut talentul extraordinar al fiului său atunci când i-a văzut primele lucrări în copilărie, i-a dat pensulele și paleta și i-a promis că nu va mai picta niciodată în viața lui.

Spre deosebire de muzică, în pictură nu există copii minune. Ceea ce oamenii percep ca fiind geniul prematur este geniul copilăriei. Ea nu dispare treptat, pe măsură ce îmbătrânește. Este posibil ca un astfel de copil să devină într-o zi un pictor adevărat, poate chiar un mare pictor. Dar va trebui să o ia de la început. Deci, în ceea ce mă privește, nu eram un geniu. Primele mele desene nu au fost niciodată prezentate într-o expoziție de desene pentru copii. Îmi lipsea stângăcia unui copil, naivitatea unui copil. Am făcut desene academice de la vârsta de șapte ani, cu o precizie care mă sperie.

Citește și, biografii – Georgia O’Keeffe

Tinerețe: prieteniile sale din Paris

În 1912, în timpul șederii sale în orașul Paris, Picasso a făcut parte dintr-un cerc de prieteni distinși din cartierele Montmartre și Montparnasse, printre care se numărau poetul André Breton, scriitorul Guillaume Apollinaire, Alfred Jarry și Gertrude Stein. Apollinaire a fost arestat sub suspiciunea că a furat Gioconda de la Luvru și că făcea parte dintr-o bandă internațională de hoți. Apollinaire a dat vina pe prietenul său Picasso, care a fost și el supus unui interogatoriu, dar amândoi au fost ulterior exonerați.

Citește și, biografii – John Everett Millais

Primele picturi

În iarna anului 1895 a pictat prima sa pânză academică de mari dimensiuni, Prima împărtășanie (Museo Picasso, Barcelona), la Barcelona, unde a locuit timp de nouă ani, cu excepția câtorva vacanțe de vară și a unor șederi mai mult sau mai puțin lungi la Madrid și Paris. În 1897 a prezentat pânza Știință și caritate (Museo Picasso, Barcelona) la Expoziția Generală de Arte Frumoase din Madrid. În timpul verii și-a petrecut din nou vacanțele la Malaga, unde a pictat peisaje și lupte cu tauri.

În septembrie a plecat la Madrid pentru a începe studiile la Academia San Fernando, dar a părăsit curând academia: atmosfera intelectuală a capitalei, impenetrabilă la modernismul catalan pe care Picasso încerca să-l introducă (a fondat o mică revistă în 1901, Arte Joven, care a avut o existență destul de scurtă) nu l-a convins. Cu toate acestea, a profitat de vizitele sale frecvente la Museo del Prado pentru a se familiariza mai bine cu opera lui El Greco, care a fost recunoscută de artiști și cercetători de la sfârșitul secolului al XIX-lea.

Din 1898 și-a semnat lucrările cu „Pablo Ruiz Picasso”, apoi cu „Pablo R. Picasso”, iar din 1901 doar cu „Picasso”. Schimbarea nu pare să implice o respingere a figurii paterne, ci mai degrabă s-a datorat dorinței lui Picasso de a se distinge ca personaj, inițiată de prietenii săi catalani, care au început să-l numească după numele de familie al mamei sale, care era mult mai puțin obișnuit decât Ruiz, numele tatălui său.

S-a întors la Barcelona în iunie 1898, bolnav de scarlatină, și s-a mutat la Horta de Ebro (în prezent Horta de San Juan), satul prietenului său Manuel Pallarés, situat la sud de Ebro, în apropiere de orașul Gandesa (Tierra Alta, Tarragona). În timpul acestei șederi, Picasso a redescoperit rădăcinile primordiale ale țării și o anumită întoarcere la natură, mai apropiată de ideologia modernistă, ceea ce a constituit unul dintre primele episoade „primitiviste” din cariera sa.

După ce a renunțat la intenția de a locui la Madrid pentru a se dedica copierii marilor maeștri, în februarie 1899 s-a întors la Barcelona, unde a început să frecventeze berăria Els Quatre Gats, nava amiral a boemei moderniste și locul în care a organizat prima sa expoziție personală și s-a împrietenit cu Jaime Sabartés și Carlos Casagemas. În acest mediu, Picasso a intrat în contact cu gândirea anarhistă, care se stabilise la Barcelona. Mizeria care domnea în mahalalele din Barcelona, soldații bolnavi și răniți care se întorceau în Spania după dezastruosul război din Cuba au creat un teren propice pentru violența socială care a marcat, fără îndoială, sensibilitatea lui Picasso la nivel individual și moral, mai degrabă decât la nivel pur politic, și care poate fi observată în anumite desene realizate între 1897 și 1901: Prizonierul, Un mitocan anarhist și Anarhistul.

Citește și, biografii – George al V-lea al Regatului Unit

Între Barcelona și Paris. Perioada albastră

Perioada albastră a lui Picasso este cunoscută ca fiind perioada cuprinsă între aproximativ 1901 și 1904: acest nume provine de la culoarea care domină gama cromatică a picturilor sale, iar originea sa se află în sinuciderea prietenului său Carlos Casagemas, la 17 februarie 1901, care l-a lăsat pe Picasso plin de durere și tristețe. Casagemas, după ce a încercat să o ucidă pe iubita sa Germaine, o dansatoare la Moulin Rouge care frecventa cercul de artiști spanioli, s-a sinucis la Paris. Motivat și mișcat de moartea prietenului său, Picasso a pictat un tablou pe care l-a numit Înmormântarea lui Casagemas, o pictură alegorică care a început să arate tranziția sa către perioada albastră. Împărțirea spațiului picturii în două părți, pământ și cer, trup și spirit, amintește de Înmormântarea contelui de Orgaz a lui El Greco.

Alte influențe asupra operei lui Picasso în această perioadă au fost Van Gogh și Gauguin, primul mai ales la nivel psihologic, așa cum se reflectă în intensitatea emoțională a picturilor din această perioadă, deși există, de asemenea, o simplificare a volumelor și contururi definite care îl amintesc pe Gauguin, de la care va prelua, de asemenea, o concepție universală a sentimentalismului. Picasso a exprimat solitudinea personajelor prin izolarea lor într-un mediu imprecis, cu o utilizare aproape exclusivă a culorii albastre pentru o perioadă de peste doi ani, un fapt practic fără precedent în istoria artei. De asemenea, alungirea figurilor care a fost introdusă în operele sale a fost din nou o reminiscență a stilului lui El Greco.

Picasso a fost un muncitor neobosit. La sfârșitul lunii aprilie 1901 s-a întors la Barcelona, unde expunea Femeia în albastru (Museo Reina Sofía, Madrid) la Expoziția generală de arte frumoase, iar în mai s-a întors la Paris, unde s-a stabilit pe bulevardul Clichy nr. 130, pe locul unde Casagemas își avea atelierul. Între lunile iunie și iulie ale aceluiași an, Picasso și Iturrino au organizat o expoziție la galeria Vollard din Paris. Fără bani și fără loc de muncă, în iunie l-a cunoscut pe poetul Max Jacob, cu care va menține o relație strânsă până la moartea lui Jacob, în 1944. Mai târziu, poetul și-a amintit că a descoperit opera lui Picasso și, în calitate de critic de artă, și-a exprimat admirația pentru talentul pictorului. La scurt timp după aceea, a primit o invitație de la Mañach, care l-a prezentat tânărului pe care îl reprezenta (au petrecut întreaga zi admirând uriașa operă a lui Picasso, care la acea vreme picta unul sau două tablouri pe noapte, pe care le vindea cu 150 de franci în Rue Laffite. În toamnă a pictat Cei doi arlechini (Arlechino și tovarășul său) (Muzeul Pușkin, Moscova), Arlechino susținut (Portretul lui Jaime Sabartés (Muzeul Picasso, Barcelona), Portretul lui Mateu Fernández de Soto (Muzeul Picasso, Malaga) și Autoportretul albastru (Muzeul Picasso, Paris).

La sfârșitul lunii ianuarie 1902 a rupt înțelegerea cu Mañach și, după ce a încheiat un acord, s-a întors la Barcelona. A început să lucreze în atelierul lui Ángel Fernández de Soto, la numărul 6, Carrer Nou de la Rambla, unde, în primăvară, culoarea albastră a început să domine lucrările sale. Împreună cu Fernández de Soto a vizitat bordelurile din Barcelona, lucru care s-a reflectat într-o serie de desene erotice, printre care un Autoportret cu nud (un desen cu cerneală și acuarelă în care Ángel Fernández de Soto apare alături de o femeie) și La macarra (compoziție alegorică), deținut de Muzeul Picasso din Barcelona.

La Paris, Mañach a organizat o expoziție de picturi și pasteluri la galeria Berthe Weill, între 1 și 15 aprilie, cu lucrări de Picasso și Lemaire, și o alta în iunie, la aceeași galerie, cu lucrări de Picasso și Matisse. La Barcelona, Picasso a primit o notificare de intrare în serviciul militar în octombrie. Pentru a o evita, a trebuit să plătească două mii de pesetas, sumă pusă la dispoziție de unchiul său. Imediat după aceea s-a întors la Paris împreună cu Sébastien Junyer și și-a expus pentru prima dată picturile albastre între 15 noiembrie și 15 decembrie, în cadrul unei expoziții de grup organizate din nou de Mañach la galeria Berthe Weill.

Din acea dată datează un Portret al lui Germaine, pe care Acquavella Galleries l-a achiziționat cu 18,6 milioane de dolari la o licitație Christie”s din 2006. În decembrie 1902, Picasso s-a mutat pentru o perioadă în apartamentul lui Max Jacob de pe Boulevard Voltaire nr. 87; camera avea un singur pat, așa că Picasso lucra noaptea și dormea ziua, în timp ce Jacob lucra. În această perioadă nu a putut cumpăra pânză și a trebuit să se limiteze la desen.

În ianuarie 1903, Picasso s-a întors la Barcelona. În primăvară a început pictura Viața (Cleveland Museum of Fine Arts), una dintre cele mai mari și mai complexe pânze din perioada sa albastră, considerată cea mai importantă lucrare a sa din acești ani, o lucrare cu un simbolism neobișnuit de obscur în primele sale lucrări și supusă unor multiple interpretări academice, asupra cărora artistul nu s-a pronunțat niciodată. Picasso a realizat patru schițe pregătitoare pentru acest tablou, variind compoziția figurilor de cel puțin două ori; trebuie remarcat faptul că figura masculină, care a început ca un autoportret, a sfârșit prin a fi o reprezentare a prietenului său Carlos Casagemas. Viața rezumă majoritatea temelor și atmosferei din perioada albastră: pesimismul nihilist dezvoltat în anii de formare din Barcelona, intensificat de dificultățile materiale de care suferea în acea perioadă. „Singurătatea copiilor, mizeria săracilor, cerșetorilor și orbilor sunt adesea descrise în tablourile din acea perioadă: Cele două surori (Muzeul Ermitaj, Sankt Petersburg), Săracul de pe malul mării (National Gallery of Art, Washington D. C.), Bătrânul chitarist (The Old Guitarist, St. Petersburg), Săracul de pe malul mării (National Gallery of Art, Washington D. C.), Săracul de pe malul mării (National Gallery of Art, St. C.), Bătrânul chitarist orb (Art Institute of Chicago), Asceticul (Barnes Foundation, Philadelphia) și La Celestina (Carlota Valdivia) (Musée Picasso, Paris) se numără printre primele capodopere ale lui Picasso.

Spre sfârșitul anului 1903, Picasso a început să se gândească la faptul că numai stabilindu-se definitiv în Franța, reputația sa va depăși granițele Spaniei. S-a mutat în atelierul sculptorului Pablo Gargallo (1881-1934), care se afla atunci la Paris, la 28 Carrer del Comerç din Barcelona, unde a terminat La Celestina (Carlota Valdivia) și a început un nou Portret al lui Jaime Sabartés (Muzeul Kunsternes, Oslo), pe care l-a finalizat în primăvara anului 1904.

Citește și, biografii – Wang Zhen (oficial al dinastiei Yuan)

Paris, Bateau Lavoir. Perioada roz

În aprilie 1904, Picasso s-a stabilit la Paris, la Bateau-Lavoir, situat în cartierul Montmartre, într-un atelier pe care prietenul său, sculptorul Paco Durrio, urma să îl părăsească. Acolo a reluat contactul cu mai mulți artiști spanioli care locuiau și ei la Bateau-Lavoir, în special cu Ricardo Canals, care l-a învățat tehnica gravurii în luna septembrie a aceluiași an, și cu soția acestuia; de asemenea, cu Manuel Hugué și soția sa Totote, precum și cu Ramon Pichot și Germaine, dansatoarea pentru care se sinucisese prietenul său Casagemas. În timpul verii a avut o relație cu „Madeleine”, care apare în mai multe desene și picturi, precum The Acrobat”s Wife (Art Institute of Chicago) și care a inspirat subiectul din Familia lui Arlechino (1905). În august 1904, Picasso a întâlnit-o pe prima sa parteneră sentimentală: Fernande Olivier (1881-1966), model de artist și prietenă a soției lui Ricardo Canals, Benedetta, era cunoscută în rândul coloniei spaniole de pe Bateau-Lavoir drept „la belle Fernande”. Amândoi în vârstă de 21 de ani, Fernande a fost prima dragoste adevărată a lui Picasso și a devenit sursa sa de inspirație până în 1910, deși relația lor nu s-a încheiat definitiv decât în 1912.

În octombrie 1904, Picasso l-a cunoscut pe poetul André Salmon, dar și pe Guillaume Apollinaire, poet și scriitor precursor al suprarealismului, cu care a stabilit o relație foarte strânsă. Picasso a devenit un client obișnuit al cabaretului Lapin Agile („Iepurele Agile”) și al Cirque Medrano. Din momentul în care s-a stabilit în Montmartre, paleta și temele lui Picasso au început să se schimbe; sărăcia și greutățile din viața acrobaților și a artiștilor de circ au adus un nou lirism picturilor sale, iar Picasso a trecut de la perioada albastră la așa-numita perioadă roz. Perioada roz se distinge prin culori pastelate și tonuri calde, cu linii moi și delicate; punând un accent deosebit pe linie și desen mai degrabă decât pe culoare, a continuat să lucreze figurile cu proporții alungite care amintesc de admirația sa pentru El Greco, ca în Actorul (MoMA, New York) sau în acuarela Nebunul (Museo Picasso, Barcelona), un recurs la formule manieriste de care s-a subliniat că Picasso s-a folosit constant de-a lungul carierei sale. Temele pe care le-a abordat au fost bucuria și neliniștea existențială; ca și în perioada albastră, o notă de melancolie subînțelege, dar în acel moment dominată de afecțiune, cu multe referiri la lumea grădinii zoologice și a circului. A pictat măști, arlechini, dresori și clovni; aceasta a fost, de asemenea, perioada maternităților roz. Lucrări reprezentative din această perioadă sunt Acrobat cu o minge (Fata cu o minge) (Muzeul Pușkin, Moscova), Familie de acrobați (National Gallery of Art, Washington), Acrobat și tânăr arlechin (Barnes Foundation, Philadelphia) și Familie de acrobați cu o maimuță (Göteborgs Kunstmuseum, Göteborg).

Între 25 februarie și 6 martie 1905, a expus primele sale pânze roz la Galerie Sérurier. Criticii vorbeau despre anunțarea unei transformări luminoase a talentului său; după drama perioadei albastre, Apollinaire descria în Revue immoraliste operele din perioada roz: „Sub sclipiciul acrobaților săi, se simte cu adevărat mila oamenilor, versatili, vicleni, șireți, vicleni, săraci și mincinoși”. După cum spunea Fernande Olivier, Picasso părea să iubească ceea ce nu era făcut pentru el, ceea ce era diferit de el: țiganii, coridele, cabaretele dubioase, clovnii și lumea circului; iubea și se cufunda cu încântare în tot ceea ce avea o culoare locală violentă.

În primăvara aceluiași an a pictat una dintre lucrările sale majore din acel an, Familia de Saltimbanquis, o evoluție clară spre perioada roz; un peisaj gol, neclar, în care sunt încadrate izolat figurile bine desenate și stilizate ale păpușarilor, personaje marginale a căror viață solitară l-a impresionat pe Picasso. Într-o după-amiază, după ce a plecat de la Cirque Médrano cu Max Jacob, a decis să-și modeleze capul în lut și, pe măsură ce lucra la piesă în zilele următoare, a adăugat pălăria și clopotele unui bufon, în stilul personajelor de circ. Piesa se numea „Nebunul (Cap de arlechin)” (Musée Picasso, Paris), pe care galeristul Ambroise Vollard a comandat-o în bronz.

În timpul verii, a făcut o călătorie în nordul Olandei, rămânând șase săptămâni la Schoorl, la invitația scriitorului olandez Tom Schilperoort. În timpul șederii sale a pictat un nud, Frumoasa olandeză (Queensland Art Gallery, South Brisbane), și Cele trei olandeze (Musée Picasso, Paris), o versiune personală a temei clasice a celor trei grații. După o scurtă ședere la Paris, în luna august a petrecut o vacanță cu Fernande la Tiana, la nord-est de Barcelona. La întoarcerea sa în septembrie, Fernande s-a mutat în modestul atelier al lui Picasso de la Bateau-Lavoir; începutul relației lor a fost unul fericit, iar picturile și desenele lui Picasso despre Fernande au celebrat frumusețea și apropierea personală a acesteia. Picasso și-a făcut un obicei din vizitarea micilor galerii și, împreună cu Fernande, a participat la vernisajele populare ale saloanelor oficiale.

Gertrude Stein și fratele ei, Leo, se stabiliseră la Paris și își dedicaseră averea adunării unei colecții de artă extraordinare. Leo Stein a cumpărat Familia de acrobați cu maimuțe de la negustorul de artă Clovis Sagot, prin intermediul căruia Leo și Gertrude au vizitat atelierul lui Picasso și au cumpărat numeroase lucrări de la acesta pentru 900 de franci. Picasso a devenit un vizitator regulat al salonului lui Gertrude Stein din apartamentul ei din Paris; a pictat un portret al lui Leo și al fiului său Michael și a început prima dintre cele optzeci sau nouăzeci de ședințe ale celebrului Portret al lui Gertrude Stein (Metropolitan Museum of Art, New York). Gertrude cumpărase recent Femeia cu pălărie de Matisse și a decis ca cei doi artiști să se întâlnească.

În 1906, după trei luni de lucru la Portretul lui Gertrude Stein, a abandonat temporar lucrarea și a realizat primele schițe pentru Les Demoiselles d”Avignon. A renunțat la tema arlechinelor în favoarea călăreților și a tinerilor în peisaje bucolice, pe linia lui Gauguin și Puvis de Chavannes, într-o căutare a clasicismului tematic și formal, care l-a condus pe Picasso la studiul artei antice; în martie, a descoperit arta spaniolă primitivă la o expoziție de sculpturi iberice descoperite la Louvre în Osuna și Cerro de los Santos, printre care și Doamna din Elche. Galeria lui Ambroise Vollard a achiziționat cele mai multe dintre pânzele roz tot în martie. În luna mai a plecat cu Fernande Olivier la Barcelona, unde a prezentat-o prietenilor și rudelor, iar apoi, în timpul verii, la Gósol, în Lérida, unde a intrat din nou în contact cu primitivismul esențial al culturii populare și a pictat scene de baie și nuduri văzute dintr-o rafinată măiestrie a roșului; această paletă roșiatică de la Gósol reflectă o preocupare pentru modelarea volumelor și o întoarcere la rădăcinile unei Mediteraneene arhaice. Acest lucru l-a inspirat să creeze o serie de tablouri cu figuri care salvează anumite caracteristici ale acelui primitivism, rupându-se de stilul său anterior. Deși simplificarea trăsăturilor și a volumelor sunt precursori ai cubismului, aceasta a fost o etapă cu o entitate proprie, care nu poate fi inclusă în niciun stil recunoscut. Putem observa în aceste tablouri trăsăturile sale faciale chiar și printre figurile feminine, ceea ce se poate observa comparându-le cu autoportretele din această serie. Acest sejur a avut un impact important asupra operei lui Picasso, deoarece picturile lui Gósol au marcat începutul revoluției sale cubiste în anul următor; ani mai târziu, Picasso a preluat ceea ce ar fi fost cursul logic al acestui stil în perioada sa neoclasică.

Citește și, biografii – Andrew Jackson

Protocubism

În august 1906, la întoarcerea de la Gósol, a reluat Portretul lui Gertrude Stein, lucrând din memorie (Stein se afla în Italia) și i-a redus chipul la un fel de mască iberică, în același timp impasibilă și expresivă. Picasso spunea despre Portretul lui Gertrude Stein: „Toată lumea crede că nu seamănă deloc cu portretul ei, dar nu contează, în cele din urmă va reuși să semene cu el. „Influențat de sculptura iberică și de picturile lui Cézanne, pe care le-a văzut expuse în saloane, Picasso a investigat forma și volumul, ceea ce se poate vedea în Autoportretul cu paleta (Philadelphia Museum of Art), un tablou de un arhaism aproape sălbatic care anticipează, de asemenea, influențele acumulate de Picasso începând cu 1905.

În 1906, la Salon d”Automne a fost expusă o retrospectivă a lui Gauguin, care l-a impresionat profund pe Picasso și i-a influențat foarte mult opera; salonul a inclus, de asemenea, zece lucrări ale lui Cézanne, care a murit cam în aceeași perioadă. În timpul iernii, Picasso a pictat Două femei goale (monumentalitatea figurilor și utilizarea autonomă a luminii și a umbrelor amintesc de Marile scăldătoare ale lui Cézanne). Spre sfârșitul anului, se oprește din pictat și se angajează într-o serie de studii și schițe de nuduri pentru o compoziție cu mai multe figuri pe tema bordelului, care va culmina în 1907 cu revoluția reprezentată de Les Demoiselles d”Avignon.

Prima reacție a anturajului lui Picasso la studiile anterioare ale tinerelor doamne a fost în general nefavorabilă: prietenii lui Picasso nu prea înțelegeau acest nou stil. Într-un caiet, Apollinaire a descris-o ca fiind o „limbă minunată pe care nicio literatură nu o poate exprima, deoarece cuvintele noastre au fost deja create”. În primăvara anului 1907, Picasso l-a cunoscut, prin intermediul lui Apollinaire, pe Georges Braque, care, după ce i-a vizitat atelierul, și-a exprimat o anumită agitație față de pictura de mari dimensiuni.

La jumătatea lunii mai a pictat Autoportretul (Národni Galerie, Praga): linia devine un element structural dominant, marcând trăsăturile și chiar conturând celelalte zone ale imaginii, aproape toate pline de culoare și foarte puține modelate. A lăsat chiar și zone din pânză nevopsite. A lăsat chiar și zone din pânză nepictate. Spre sfârșitul lunii mai, a început ultima pânză din „Domnișoarele din Avignon”, iar figurile masculine au dispărut: una dintre ele, un marinar, a fost eliminată, iar un student din stânga a fost înlocuit cu o femeie goală care ține o perdea.

Încurajat de André Derain, Picasso a vizitat Muzeul de Etnografie de la Palatul Trocadero din Paris în 1907. Acesta a fost primul său contact cu un număr mare de piese africane și oceanice, pe care atât Derain, cât și Matisse le colecționaseră de mult timp, dar cărora Picasso nu le acordase prea multă atenție până atunci. Descoperirea artei non-occidentale a dat un nou impuls Tinerelor domnișoare din Avignon și a exercitat, de asemenea, o influență considerabilă asupra operei sale sculpturale. Picasso a modificat apoi chipurile unora dintre doamne, cele două cu cel mai „cubist” aspect dintre cele cinci, semănând cu măștile africane, în timp ce cele două din centru sunt mai apropiate de stilul frescelor medievale și al sculpturilor iberice timpurii; de asemenea, chipul figurii din stânga are un profil care amintește de picturile egiptene. Cu toate acestea, „art négre, connais pas”, a fost răspunsul lui Picasso la o întrebare din revista Action din 1920; această perioadă proto-cubistă, care se întinde între 1907 și 1909, este cunoscută și sub numele de perioada africană, perioada neagră sau perioada întunecată a lui Picasso; stilul său a fost puternic influențat de sculptura africană, dar artistul a avut întotdeauna intenția opusă.

Les Demoiselles d”Avignon (MoMA, New York) a marcat o nouă etapă pentru Picasso, care a eliminat referințele la tradiție prin ruptura cu realismul, abandonând canoanele de adâncime spațială și perspectivă și idealul corpului feminin existent până atunci, reducând lucrarea la un set de planuri unghiulare, fără un fundal delimitat sau perspectivă spațială, în care formele sunt marcate de linii clar-obscure. Tonurile ocru-roșiatice sunt caracteristice perioadei sale roz mai blânde, dar caracterul crud al picturii le face agresive.

Este posibil ca pictura să fi fost influențată și de figurile alungite ale lui El Greco, în special de Viziunea Apocalipsei, pe care Picasso a văzut-o probabil în acea vară la Paris; structura și compoziția sa derivă din Marile scăldătoare ale lui Cézanne; pictura lui Cézanne face din obiecte o prezență reală, punând un accent deosebit pe volume și pe greutatea lor, fără palpitarea atmosferică a impresionismului. Potrivit lui Fermigier, 1969, p. 69, retrospectiva sa de la Salonul de Automne din 1907 a determinat evoluția ulterioară a lui Picasso. Și Braque, inspirat de Cézanne, a început o serie de peisaje care arată tranziția sa de la fauvism la perioada proto-cubistă.

Relația cu Fernande a intrat în criză și au decis să se despartă la sfârșitul verii anului 1907, deși s-au împăcat la sfârșitul lunii noiembrie. În absența lor, Max Jacob și Apollinaire îl convinseseră pe Picasso să fumeze opiu; Picasso oscila între binecuvântarea viziunilor și teama de a ceda la apatie și oboseală față de muncă. Paleta lui Picasso era plină de culori „africane” strălucitoare: a pictat Femeia goală (dansatoarea din Avignon) (colecție particulară, Lausanne), un epilog la Domnișoarele din Avignon, în care elementele bazate pe arta iberică și africană ating un nou grad de simplificare geometrică; în același stil, Dansul voalurilor (nud cu draperie) (Muzeul Ermitaj, Sankt Petersburg), început în vară și cumpărat de Gertrude Stein împreună cu schițele pregătitoare pentru acesta; de asemenea, Flori pe o masă (MoMA, New York). În lucrările ulterioare, tonurile de carne au devenit ocru și maro, iar Picasso s-a confruntat imediat cu numeroase experimente de ruptură în picturile sale: abandonarea perspectivei; cucerirea spațiului, fragmentarea planurilor prin tonuri plate cu contururi groase, definite; căutarea reliefului, prin contururi albastre exagerate pe un fond maro și umbrire groasă; printre acestea se numără Prietenie (Muzeul Ermitaj, Sankt Petersburg) și Nud cu prosop (colecție privată, Paris). Atelierul lui Picasso a devenit un centru de discuții și dezbateri, și nu numai despre opera sa. Braque și-a adus acolo propriile lucrări, Matisse și Picasso au făcut schimb de tablouri: Natura moartă Pichet, castron și lămâie de Picasso (Fondation Beyeler, Riehen, Basel) pentru Portretul lui Matisse al lui Marguerite, fiica sa. Relația dintre Picasso și Matisse a variat de la competiție la batjocură și până la admirație reciprocă intensă; Matisse a spus că nimeni nu s-a uitat la lucrările sale ca Picasso și nimeni nu s-a uitat la lucrările lui Picasso ca el.

Citește și, biografii – Alessandro Valignano

Cubism

Cu Les Demoiselles d”Avignon ca punct de plecare, Braque și Picasso au formulat în cele din urmă cubismul în 1908. Cubismul a reprezentat un punct de cotitură radical în istoria artei, care a inspirat restul avangardei artistice să renunțe la iluzionismul pictural, respingând descrierea naturalistă în favoarea unor compoziții de forme abstracte de percepția convențională, jucându-se cu tridimensionalitatea și structura suprafețelor. Această tehnică, inițiată de Picasso și Braque, a avut numeroși adepți, cum ar fi Juan Gris, Francis Picabia, Brancusi, Delaunay și Albert Gleizes.

În ianuarie 1908, Matisse și-a deschis școala, Academie Matisse. Pe de altă parte, Derain și Braque erau adepții lui Picasso, ceea ce, adăugat la prietenia lor din ce în ce mai mare cu Gertrude Stein, l-a iritat pe Matisse. La Salon des Indépendants din luna mai a aceluiași an, Derain și Braque au prezentat tablouri inspirate de noul stil al lui Picasso, care au stârnit o mare vâlvă în rândul criticilor. Picasso a fost indignat de faptul că prima expoziție de artă cubistă a fost organizată fără a recunoaște rolul său ca sursă de inspirație, în special Femeia (1908), un nud foarte recent al lui Braque, despre care nu discutase cu nimeni, nici măcar cu Picasso. După închiderea Salonului, Braque s-a dus la L”Estaque până în septembrie. Elementele africane au cedat treptat în opera lui Picasso în fața efectelor influenței lui Cézanne, poate legate de reducționismul cezannist al peisajelor lui Braque.

Prietenul său, pictorul german Wieghels, s-a sinucis la Bateau-Lavoir, după o seară în care a consumat în exces diverse droguri; această tragedie i-a convins pe Picasso și Fernande să renunțe la opiu; Compoziție cu un cap de mort (Muzeul Ermitaj, Sankt Petersburg), finalizată la sfârșitul primăverii, poate fi o comemorare a morții lui Wieghels.

În timpul verii, Braque a realizat o serie de peisaje cubiste la L”Estaque, în care, mai degrabă decât o sursă de inspirație, ruptura cu perspectiva mecanizată a lui Cézanne este considerată de pictor o inițiere. Picasso a închiriat o fermă în Rue des Bois-par-Creil-Verneuil-Oise, la 60 de kilometri nord de Paris; Fernande a menționat că, prin această retragere, Picasso a încercat să depășească starea de agitație nervoasă pe care i-o provocase moartea lui Wieghels. Ambii artiști au început să descrie un sentiment de relief prin aplicarea arbitrară a luminii și umbrei în detrimentul umbrărilor naturaliste; formele au fost simplificate la extrem, cu o sculptură mai mare și mai profundă în picturile lui Picasso, a cărui paletă a fost limitată la o gamă de maro, gri și verde. Peisajele lui Picasso sunt influențate de Henri Rousseau (1844-1910) și de un Cezanne timpuriu.

Când Braque și-a prezentat peisajele la Salon d”Automne, în septembrie, juriul, din care făcea parte și Matisse, a respins lucrările. Potrivit lui Apollinaire, Matisse a fost primul care a aplicat termenii „cubist” și „cubism” atunci când a respins lucrările lui Braque prezentate la Salon. Această poveste a fost considerată originea oficială a mișcării încă din 1912. Josep Palau i Fabre subliniază că toamna anului 1908 a marcat începutul a ceea ce el numește perioada verde a lui Picasso: naturile statice pe care le-a pictat în acea perioadă prezintă o stilizare formală care se datorează probabil aplicării postulatelor cezantine, conform cărora formele trebuiau reduse la conuri, cilindri și sfere. Această schematizare geometrică nu implică o pierdere de corporalitate a obiectelor reprezentate și, prin urmare, poate fi descrisă ca un relief plat. Pe parcursul verii și în octombrie a finalizat versiunea finală a Trei femei (Muzeul Ermitaj, Sankt Petersburg), în care influențele africane din primele studii ale picturii sunt diluate în noul stil al perioadei verzi.

În urma expoziției lucrărilor lui Braque la galeria lui Daniel-Henry Kahnweiler, care a fost mai bine primită de critici decât lucrările prezentate la Salon des Indépendants, Picasso a organizat un banchet la Bateau-Lavoir în onoarea lui Rousseau, pentru a sărbători faptul că tocmai cumpărase o lucrare a pictorului, Portret de femeie, cu cinci franci de la anticariatul lui Père Soulier. În timpul acelei ierni, schimbul de idei dintre Braque și Picasso a crescut la un nivel cotidian, în timp ce prietenia lor s-a consolidat. Natura moartă cu fructe, un motiv emblematic al lui Cézanne, a fost una dintre temele pe care cei doi pictori le-au împărtășit în această perioadă: Le compotier (Farfurie de fructe) (MoMA, New York), Natură moartă cu pești și sticle (Musée d”Art Moderne de Lille Métropole, Villeneuve d”Ascq). De asemenea, în timpul iernii a lucrat la Carnaval la Bistrot (Musée Picasso, Paris), care s-a cristalizat la începutul anului 1909 în Bread and Fruit Bowl with Fruit on a Table (Musée d”Art Basel).

Picasso a început să fie apreciat de colecționari; un prieten al familiei Stein, care tocmai cumpărase cele Trei femei, elvețianul Hermann Rupf a cumpărat mai multe lucrări ale sale, iar Dutilleul (de asemenea, un client al lui Braque) și-a început colecția. În martie 1909, în Mercure de France a fost publicat un articol de Charles Morice, în care a apărut pentru prima dată termenul „cubism”. În luna mai, Picasso și Fernande au plecat la Barcelona pentru a-și vizita familia și vechii prieteni; Picasso a pictat un Portret al lui Manuel Pallarés (The Detroit Institute of Arts) în atelierul prietenului său. Ulterior s-au mutat la Horta de San Juan, la unsprezece ani după prima lor vizită, unde a pictat și desenat naturi statice și numeroase portrete ale lui Fernande, inclusiv Femeie goală într-un fotoliu (colecție privată, Franța) și Bust de femeie (Fernande) (Muzeul de Artă din Hiroshima). Seria de portrete ale lui Fernande începută la Paris a culminat cu Femeie cu pere (Fernande) (MoMA, New York). A realizat, de asemenea, șase peisaje de mari dimensiuni, printre care Rezervația (Horta de Ebro) (MoMA, New York); Fabrica Horta (Muzeul Ermitaj, Sankt Petersburg) și Casele de pe deal (Horta de Ebro) (Noua Galerie Națională, Berlin). Acestea au fost începuturile cubismului analitic, datorate conceptelor lui Cézanne privind relieful, „perspectiva inversă” și modelajul.

În lucrările pe care le-a pictat la Horta, copacii și formele naturale au fost eliminate, iar roca, amorfă în aparență, a fost analizată și spartă în planuri și apoi reconstruită prin suprapunerea planurilor; în unele cazuri, geometrizarea s-a extins până la cer, iar ansamblul a oferit o compoziție riguroasă, cu o profunzime care nu invidia perspectiva tradițională. Folosirea luminii a fost în întregime arbitrară, strict pentru a accentua contururile și a evidenția reliefurile. Cu toate acestea, cubismul analitic a fost mai degrabă o revizuire decât o respingere a tradiției; pictura a rămas o fereastră iluzorie către o lume reprezentată și reconstruită. Cubismul sintetic a constituit o negare a tradiției europene; colajul a rupt inviolabilitatea suprafeței tabloului, iar reprezentarea realității a încetat să mai fie scopul tabloului și a devenit punctul de plecare al acestuia.

În septembrie s-a mutat la Paris, la 11 boulevard de Clichy. S-a întors încărcat cu lucrări în noul stil și, în ciuda respingerii de către public și critici la expoziția pe care Vollard a organizat-o pentru ele, grupul select de colecționari condus de Gertrude Stein și Serghei Shchukin a continuat să le cumpere. Închis în noul său atelier, a continuat să dezvolte cubismul, pe care îl împărtășea la acea vreme nu numai cu Braque, ci și cu un grup de artiști din Montmartre puternic influențați de noul stil, printre care Derain, spaniolul Juan Gris și Léger. Cubismul s-a răspândit în Europa, cu constructivistul și suprematistul Malevici în Rusia și Mondrian în Țările de Jos, deși ambii au prezentat diferențe serioase față de stilul lui Picasso: potrivit lui Penrose, urmărirea unei geometrii pure a formelor i-a îndepărtat de subiectul pictural și i-a condus spre abstracție, ceea ce nu făcea parte din instinctele lui Picasso, pentru care eliminarea simbolurilor și a aluziilor poetice din pictură era o formă de castrare; de asemenea, i-a inspirat pe futuriștii conduși de Marinetti în Italia și pe vortiștii din Anglia, care și-au bazat teoria estetică pe formă și pe mișcarea și ritmul mecanic, încercând să introducă timpul în reprezentarea picturală. Dar Picasso nu a căutat dezvoltarea unor teorii sau școli; nevoia sa era de a se rupe de trecut și de a da operei de artă propria sa viață interioară.

În atelierul lui Manuel Hugué a realizat sculpturi precum Cap de femeie (Fernande) (Muzeul Picasso din Barcelona, inspirat de pânzele pe care le-a pictat în Horta. Fernande nu se simțea în largul ei în fața schimbărilor care aveau loc în mediul și stilul lor de viață, tânjea după spontaneitatea primelor lor zile împreună.

Încă din 1909, Picasso a pictat o serie de portrete în care rigoarea disciplinei sale în căutarea unei noi concepții despre spațiu l-a determinat să reducă progresiv utilizarea culorii; în peisajele Horta și în Femeia care coase (Claire B. Zeisler Collection, Chicago), pictate în iarna 1909-1910, paleta se limitează la ocru, griuri și verdețuri, până când a eliminat această culoare și a intrat într-o monocromie întreruptă ocazional cu subtile gradații de griuri și ocru. În 1910 a pictat, printre altele, portretele lui Ambroise Vollard (Muzeul Pușkin, Moscova), Wilhelm Uhde (Colecția Pulitzer, St. Louis) și Daniel-Henry Kahnweiler (Art Institute of Chicago), în care, în ciuda tendinței sale progresive de a picta mai degrabă cu ochiul gândului decât direct din natură, a lucrat în numeroase ședințe cu modelele, asemănător cu ceea ce făcuse anterior cu Gertrude Stein; în ciuda procesului progresiv de segmentare analitică a spațiului și a formei, Picasso a surprins fizionomia figurilor.

Picasso și Fernande au petrecut vara anului 1910 în Cadaqués (au închiriat o casă lângă mare și au fost însoțiți de Derain și de soția sa. După vacanță, Picasso s-a întors încărcat cu lucrări neterminate în care era evident un avans spre noul limbaj al cubismului; în Portretul lui Daniel-Henry Kahnweiler, pe care l-a pictat după vacanță, figura este tratată ca o structură tridimensională care se manifestă prin elemente dislocate în spațiu într-o țesătură transparentă, văzută din mai multe unghiuri și totuși formând un întreg coerent, așa cum se întâmplă și în tablouri precum Femeie goală în picioare (Philadelphia Museum of Art).

În timpul iernii 1910-1911, Picasso și Braque au colaborat atât de strâns, încât este dificil de identificat originea ideilor pe care amândoi le-au pus în mișcare și, deoarece nu și-au semnat picturile, au existat momente în care le era greu să își distingă propria operă de cea a celuilalt; pe măsură ce avansau în analiza obiectului, Picasso și Braque simțeau că pierd legătura cu realitatea recognoscibilă a acestuia. Includerea de elemente ale realității în compozițiile lor cubiste i-a condus mai târziu la trompe l”œil și, de aici, la inventarea colajului, rupând astfel tradiția de a nu folosi mai mult de un singur mediu pentru o lucrare și punând sub semnul întrebării principiile picturii însăși.

Picasso a călătorit în Céret, un sat francez din regiunea istorică Roussillon, în iulie 1911. Fernande Olivier și Braque i s-au alăturat în august, iar cei doi pictori și-au continuat colaborarea strânsă în definirea cubismului. Au realizat mai multe tablouri în care au introdus în lucrările lor antetul ziarului local, cu o tipografie gotică recognoscibilă, cum ar fi Evantaiul („L”Indépendant”) (colecție particulară, Ascona, Elveția). La 5 septembrie Picasso s-a întors la Paris și la Salonul de Automne din 1911 a prezentat o sală cubistă, de la care atât el, cât și Braque au lipsit. Acest fapt a șocat presa din New York, Madrid și Amsterdam, care a reflectat evenimentul, fiind cunoscuți ca fiind fondatorii stilului; mai multe articole și eseuri despre Picasso și Braque au fost publicate în toată Europa. Relația cu Fernande s-a deteriorat, iar în toamna aceluiași an Picasso a cunoscut-o pe Eva Gouel (Marcelle Humbert), până atunci partenera sentimentală a pictorului polonez Louis Markus, pe care a numit-o ma jolie (frumusețea mea) în câteva dintre tablourile sale.

La începutul anului 1912, Picasso a realizat prima sculptură construită, Guitar (MoMA, New York), din carton, sfoară și sârmă. Picasso a inițiat în mare măsură un proces care a dus la eliberarea sculpturii de conceptele clasice, cum ar fi volumul, și la înlocuirea proceselor de modelare sau sculptură cu tot felul de tehnici constructive care au constituit o transformare revoluționară în sculptură. Într-o paralelă cu tehnica colajului cubist, al cărui prim exemplu este Natura moartă cu scaun împletit (Musée Picasso, Paris), creat în primăvara anului 1912, formele au fost reduse la planuri care puteau fi articulate liber. Conceptele de asamblare și construcție au făcut posibilă introducerea de noi tehnici și materiale; descompunerea volumului a adus noi perspective, aprecierea golului și a luminii ca elemente sculpturale de aceeași importanță cu masa.

Între 1912 și 1915, Picasso și Braque au dezvoltat cea de-a doua fază a cubismului, în care au readus în lucrările lor un echivalent al conceptelor tradiționale pe care le rupseseră sau eliminaseră în faza precedentă; formele, obiectele și cuvintele au devenit recognoscibile, în timp ce suprafața era reconstituită; au recuperat utilizarea unei cromatici mai solide și mai strălucitoare, planurile erau clar conturate și delimitate, se suprapuneau și păreau să implice suprafețe texturate și modele decorative.

Între aprilie și mai 1912, la Galeria Dalmau din Barcelona a avut loc o expoziție cubistă fără lucrări de Picasso sau Braque. Relația cu Fernande s-a încheiat; Picasso i-a scris lui Braque: „Fernande m-a părăsit pentru un futurist”. Pe 18 mai a sosit la Céret împreună cu Eva, unde a făcut câteva desene pe care a aplicat tapet din secolul al XIX-lea și bucăți de jurnal. Când, în iunie, Picasso află că Fernande plănuiește să plece la Céret pentru vară împreună cu Pitxot și soția sa, îi scrie lui Kahnweiler pentru a-i spune să nu aștepte nimic de la el, că ar fi fericit dacă nu ar mai vedea-o niciodată, reafirmându-și în același timp dragostea pentru Eva, precizând că o va scrie în tablourile sale. Este probabil ca între iunie și septembrie să fi lucrat la Nud feminin („J”aime Eva”) (o lucrare mai ușoară, mai colorată, cu tușe de culori acide, în care construcția figurii feminine derivă din tehnica colajului pe care o folosea în desenele sale). Fugind de vizita lui Fernande, la 25 iunie se mută la Villa des Clochettes, în Sorgues-sur-L”ouvèze. Braque a fost impresionat de picturile lui Céret, iar Picasso i-a cerut părerea despre Violin („Jolie Eva”) (Noua Galerie de Stat din Stuttgart), în care a pictat suprafețe care imitau adaosuri de lemn și hârtii scrise, sau despre The Amateur (Le torero) (Muzeul de Artă din Basel). Braque s-a mutat la Sorgues în august, unde și-au reluat activitatea și au continuat să-și contureze conceptele artistice.

În septembrie 1912 a vizitat Parisul pentru câteva săptămâni pentru a organiza mutarea într-un nou atelier pe bulevardul Raspail nr. 242, dar s-a întors la Sorgues, unde a lucrat la Amatorul (Le Torero) și Poetul (Muzeul de Artă din Basel). Întărirea și aplatizarea formelor caracterizează cubismul ermetic, care marchează începutul tranziției către cubismul sintetic. Spre sfârșitul lunii septembrie, se întoarce la Paris împreună cu Eva pentru a-și lua lucrurile și a se muta în noul studio, unde se instalează pe 1 octombrie. La jumătatea lunii noiembrie începe prima serie de papiers collés, ca răspuns la lucrările lui Braque pe acest suport, aplicând tehnicile de asamblare și încorporare a materialelor din Guitar, Score, Glass (McNay Art Museum, San Antonio, Texas): pe un fond de hârtie pictată, Picasso a lipit fragmente de hârtie printre care se află un titlu din Le Journal pe care a păstrat cuvintele La bataille s”est engagé (Bătălia a început).

La jumătatea lunii decembrie s-a întors la Céret, de unde a călătorit la Barcelona cu Eva în timpul sărbătorilor de Crăciun. S-a întors la Paris la 21 ianuarie 1913, unde a început să lucreze la lucrarea Violin Hanging on the Wall (Musée des Beaux-Arts, Berna), în care a implementat utilizarea adăugării de nisip în vopsea și, într-o dublă imitație, simulează efectul de colaj prin intermediul unor planuri care amintesc de hârtia decupată (care, la rândul ei, imită o textură de lemn) pe care Braque și Picasso obișnuiau să o folosească în colajele lor, În același timp, a produs o a doua serie de papiers collés în care a folosit ziare contemporane din Paris (în câteva dintre ele a folosit Le Figaro) sau din Céret, în care se poate observa o creștere a abstracției și o mai mare coloristică.

La sfârșitul lunii februarie a avut loc prima retrospectivă Picasso în Germania, la Moderne Galerie Heinrich Thannhauser din München; opt lucrări de Picasso și trei de Braque au fost, de asemenea, incluse în Expoziția Internațională de Artă Modernă (Armory Show) de la New York, la 69th Regiment Armory, care a călătorit mai târziu la Chicago și Boston, unul dintre cele mai influente evenimente din istoria artei americane, care a inclus și faimosul Nud coborând o scară al lui Marcel Duchamp.

Picasso și Eva s-au întors la Céret în martie 1913, deși Picasso a călătorit la Barcelona în mai multe rânduri. Tatăl său a murit la începutul lunii mai, iar Picasso a participat la înmormântarea acestuia. Nici starea de sănătate a Evei nu era bună și s-a înrăutățit la sfârșitul primăverii. În iunie, Picasso s-a întors la Paris și, în același timp, s-a îmbolnăvit de angină pectorală sau bronșită (de care s-a vindecat la sfârșitul lunii iulie), la fel ca și Eva, care se pare că nu și-a mai revenit niciodată complet. În august se întoarce la Céret, unde termină Man with a Guitar (MoMA, New York), care arată cubismul sintetic dezvoltat: motive fragmentate din cubismul analitic sintetizate în forme mari, plate, care sunt „semne” de obiecte. După o scurtă ședere, s-au întors la Paris la 19 august, unde au început să se mute într-un nou atelier, situat la 5bis rue Schoelcher, pe bulevardul Raspail, cu vedere la cimitirul Montparnasse. Acesta a fost începutul perioadei cunoscute sub numele de cubism poetic.

În perioada Salon d”Automne, Picasso a pictat două lucrări majore de o importanță deosebită, Jucătorul de cărți (MoMA, New York), care conține multe elemente de colaj trompe l”oeil, și Femeie în cămașă așezată într-un fotoliu (colecție privată, New York), care combină culoarea cubismului analitic și modelele schematice ale cubismului sintetic. De asemenea, a continuat să își dezvolte ansamblurile; spre sfârșitul anului, rusul Vladimir Tatlin, care îi cunoștea lucrările din colecția Shchukin de la Moscova, a vizitat Parisul pentru a-l vizita pe Picasso și atelierul său, unde a văzut construcțiile acestuia din urmă. La întoarcerea sa la Moscova, Tatlin a realizat primele sale construcții.

În 1914, Picasso a realizat o a treia serie de papiers collés. La 14 ianuarie, Kahnweiler a publicat „Asediul Ierusalimului” de Max Jacob, ilustrat de Picasso. A lucrat, de asemenea, la construcțiile sale, inclusiv la The Glass of Absinthe (MoMA, New York), din care dealerul său Kahnweiler a comandat șase exemplare în bronz, pictate în diferite moduri, unele foarte colorate, altele cu o textură nisipoasă.

La sfârșitul lunii iunie, Picasso și Eva s-au mutat la Avignon, lângă Derain, care se afla la Montfavet, și Braque la Sorgues. Atentatul de la Sarajevo, în urma căruia arhiducele Franz Ferdinand al Austriei și soția sa au fost asasinați, a declanșat Primul Război Mondial. Apollinaire a solicitat cetățenia franceză pentru a se înrola ca voluntar; Braque și Derain au fost mobilizați; Picasso și-a luat rămas bun de la ei în gara Avignon, la 2 august 1914. În toamnă, tot la Avignon, Cards, Glasses, Bottle of Rum (Vive la France) (Colecția Leigh B. Bloch, Chicago) a deschis perioada cubismului pointilist. A lucrat la serii de desene cu bărbați sprijiniți pe o balustradă, pe o masă sau pe un scaun, în stiluri care variază de la naturalism la cubism; pânza neterminată The Artist and His Model (Musée Picasso, Paris), probabil Eva, arată o tendință de întoarcere la figurația reprezentativă care va reapărea mai târziu.

La întoarcerea la Paris la mijlocul lunii noiembrie, atitudinea sa oarecum ambivalentă față de război și relația sa cu patronii săi germani Kahnweiler și Thannhauser, împreună cu faptul că majoritatea tinerilor erau pe front, au făcut ca Picasso să fie privit cu suspiciune. În timpul iernii a pictat tabloul în ulei Natura moartă: chitară, ziar, pahar și as de trifoi (Musée Picasso, Paris), care a introdus perioada cunoscută sub numele de cubismul rece, în care compoziția a fost lucrată în culori reci, cu o predominanță a culorii albastre.

În ianuarie 1915 a realizat desenul în creion Portretul lui Max Jacob (Musée Picasso, Paris), într-un stil naturalist. Starea de sănătate a Evei a continuat să se deterioreze și a suferit o operație; în mai, în timp ce se afla într-un sanatoriu, Picasso a avut o aventură cu Gabrielle Depeyre, cu care a făcut o călătorie secretă la Saint-Tropez în același an. În august a realizat un alt desen, Portretul lui Ambroise Vollard (Metropolitan Museum of Art, New York), cu o tehnică clasică și o asemănare aproape fotografică. Desenele de acest tip erau încă contemporane cu picturile cubiste, cum ar fi Arlechino (MoMA, New York), o compoziție austeră de mari suprafețe geometrice monocrome pe fond negru, parte a unei lungi serii pe această temă, care poate fi înțeleasă ca o alegorie a pierderii, în special a bolii fatale a Evei, care a fost transferată la spitalul Auteil în noiembrie. Picasso a avut o perioadă foarte grea, „viața mea este un iad”, îi scria lui Gertude Stein. Eva a murit la 14 decembrie 1915.

În timpul războiului, lucrările sale s-au concentrat pe naturi moarte cubiste și portrete în stil naturalist; cubismul, pointilismul, manierismul și neoclasicismul au coexistat în lucrările sale începând din 1917. La sfârșitul războiului, deși a continuat să lucreze simultan în aceste stiluri disparate, Picasso s-a orientat treptat spre un stil neoclasic, care s-a dezvoltat pe deplin în 1920 și i-a susținut interesul până în 1924.

Citește și, evenimente-importante – Războiul peloponesiac

Ballets Russes

În 1916 a avut relații cu două femei: Gabrielle Lespinasse, o dansatoare din Montparnasse, cu care a avut o aventură fără consecințe, și Elvira Paladini, senzuală și sibarită, a cărei prezență a stimulat o anumită premoniție a Italiei în opera lui Picasso. În martie, Apollinaire s-a întors rănit de pe front, iar Picasso a realizat mai multe desene care îl înfățișează în următoarele trei luni, cum ar fi Portretul lui Apollinaire (colecție particulară), tot în stil realist. În iunie, a început să se mute în rue Victor-Hugo nr. 22, în cartierul Montrouge. A pictat mai multe portrete ale Elvirei Paladini și ale lui Apollinaire, într-un stil realist, și câteva desene cu arlechini care amintesc de perioada roz. Prima expoziție publică a operei Les Demoiselles d”Avignon a avut loc în iulie, în cadrul Salon d”Automne, organizată de André Salmon. Ca și în cazul cubismului, criticii au fost destul de duri cu o operă pe care nu o puteau înțelege.

După câteva vizite anterioare, Jean Cocteau, pe care îl cunoscuse în luna decembrie a anului precedent, l-a invitat la 1 mai să creeze decorul pentru compania Ballets Russes, în regia lui Sergéi Diágilev, pe un libret scris de Cocteau însuși și pe muzica lui Erik Satie; în timpul vizitei, el urma să realizeze un portret realist al scriitorului. La sfârșitul lunii mai, Cocteau l-a dus pe Diágilev în vizită la atelierul său, unde au discutat despre planurile pentru baletul Parade. În august 1916 a acceptat în cele din urmă să lucreze la baletul Parada. Picasso a adus mai multe modificări operei, idei care i-au plăcut mai mult lui Satie decât lui Cocteau. În cele din urmă, în septembrie, au căzut de acord, iar în ianuarie 1917 a confirmat cu Diágilev acordul de a realiza decorurile și costumele pentru balet pentru suma de 5 000 de franci, cu încă 1 000 de franci în cazul în care ar fi trebuit să meargă la Roma. Între februarie și martie a lucrat la cortina pentru baletul Parade (Musée National d”Art Moderne, Centre Georges Pompidou, Paris).

La 19 februarie a sosit cu Cocteau la Roma pentru a se alătura lui Diagilev și Ballets Russes. A stat timp de opt săptămâni la Grand Hôtel de Russie, situat la colțul dintre Via del Babuino și Piazza del Popolo, unde a făcut multe desene ale Vilei Medici de la fereastra sa. A realizat numeroase schițe pentru costumele și decorațiunile baletului într-un studio închiriat pe Via Margutta nr. 53b. Când nu lucra, a socializat cu Diagilev, coregraful piesei Léonide Massine, scenograful Léon Bakst, Cocteau și Igor Stravinski, cărora le-a făcut portrete și caricaturi rapide. De asemenea, i-a întâlnit pe artiștii futuriști italieni și a vizitat împreună cu aceștia celebrele locuri din oraș: Capela Sixtină, Camerele lui Rafael și muzeele de sculptură de la Vatican. Șederea sa la Roma i-a reînnoit interesul pentru stilul academic al lui Ingres, a cărui influență se va reflecta în lucrările sale din anii următori. În această perioadă a cunoscut-o pe dansatoarea Olga Jojlova, membră a companiei lui Diagilev, cu care s-a căsătorit în cele din urmă.

În martie 1917, Diagilev i-a dus pe Picasso, Stravinski, Cocteau și Massine într-o excursie la Napoli, de unde au vizitat ruinele din Herculaneum și Pompei. În acele zile a apărut la Paris revista literară de avangardă Nord-Sud, care, în timpul scurtei sale existențe, a fost un forum puternic de discuții avangardiste despre cubism și a încercat să reunească centrele pariziene ale literaturii tradiționale și de avangardă, Montmartre și Montparnasse. Printre colaboratorii săi se numără mulți dintre scriitorii care vor da formă suprarealismului: Apollinaire (care a inventat termenul în această perioadă), André Breton, Louis Aragon și Tristan Tzara, printre alții. În aprilie, Cocteau s-a întors la Paris, iar Picasso s-a alăturat companiei Ballets Russes în călătoria lor în Italia pentru a fi aproape de Olga, trecând prin Florența (unde a vizitat Capela Medici, cu mormintele lui Michelangelo) și Veneția.

După turneul din Italia, la sfârșitul lunii aprilie, compania a plecat la Paris, unde, la 18 mai 1917, a avut loc prima reprezentație a spectacolului Parade la Théâtre du Châtelet. Combinația de stiluri avangardiste în artă, muzică și coregrafie, într-o perioadă marcată de războiul din Europa, a făcut din această operă scandalul la care Diágilev spera, fiind catalogată drept „ofensiv antifranceză”. Apollinaire a notat în eseul său pentru programul baletului că sinteza dintre desenele lui Picasso și coregrafia lui Massine a realizat pentru prima dată un fel de „suprarealism în care văd punctul de plecare al unei serii de manifestări ale acestui Nou Spirit”. Pe de altă parte, relatările din presă au fost teribile. Între mai și iunie a realizat un Autoportret realist (Musée Picasso, Paris) și Ochii artistului (Musée Picasso, Malaga).

Îndrăgostit de Olga, Picasso a însoțit Ballets Russes la Madrid, unde au susținut spectacole în luna iunie; influențat de Olga și de contactul său cu compania, Picasso a frecventat înalta societate madrilenă. Pe 23 iunie au ajuns la Barcelona, unde Ballets Russes a jucat Las Meninas la Teatro del Liceo. La sfârșitul lunii, compania a plecat în America de Sud, în timp ce Olga și Picasso, deja logodit, au rămas patru luni la Barcelona, unde prietenii săi artiști catalani Miguel Utrillo, Ángel Fernández de Soto, Ramón Reventós, Pallarés, Ricardo Canals, frații Vidal și Francisco Iturrino i-au oferit un banchet de bun venit la Galerías Layetanes în iulie. A pictat în tehnica naturalistă Arlechinul din Barcelona (Muzeul Picasso, Barcelona) și Olga Jojlova cu Mantilla (Muzeul Picasso, Malaga); Femeia în rochie spaniolă (La Salchichona) (Muzeul Picasso, Barcelona), în tehnica divizionistă; în stil cubist, Femeia așezată într-un fotoliu (Personaj) (Muzeul Picasso, Barcelona) și Bolul de fructe (Muzeul Picasso, Barcelona). A realizat, de asemenea, numeroase desene cu lupte de tauri și portrete și desene ale Olgăi.

În noiembrie, Ballets Russes s-a întors în Spania; au prezentat spectacolul Parade la Barcelona, cu o primire călduță; în timpul spectacolului, sora lui Picasso, Lola, și soțul ei i-au făcut cunoștință cu studentul la arte de atunci, Joan Miró. La sfârșitul lunii noiembrie, Olga și Picasso se pregătesc să se întoarcă la Paris.

Anul 1918 marchează începutul a ceea ce Max Jacob a identificat ca fiind perioada Ducesei, care s-a încheiat în jurul anului 1923. Între 23 ianuarie și 15 februarie 1918, Picasso a expus o serie de picturi proto-cubiste împreună cu Matisse la galeria lui Paul Guillaume. Într-un climat încă ostil cubismului, expoziția a atras numeroase comentarii în presă; este posibil ca Les Demoiselles d”Avignon să fi făcut parte din expoziție. A finalizat un Portret al Olgăi într-un fotoliu (Olga a insistat ca portretele sale să fie recognoscibile.

Între lunile aprilie și mai s-a mutat împreună cu Olga la Hotel Lutetia, un hotel de primă clasă la modă de pe bulevardul Raspail; stilul său de viață s-a schimbat, a frecventat cercul Ballets Russes și s-a mutat în înalta societate. La 12 iulie, s-a căsătorit cu Olga, mai întâi în cadrul ceremoniei legale necesare și apoi în cadrul unei slujbe de trei ore la biserica ortodoxă rusă de pe strada Daru din Paris. Familiile lor nu au fost prezente, iar Picasso i-a rugat pe Jean Cocteau, Max Jacob și Apollinaire să fie martori. După nuntă, Olga a refuzat să meargă la Montrouge, spunând că nu se va mai întoarce niciodată în acea casă „care mirosea a prea multe femei”. Pe 30 iulie au sosit la Biarritz pentru luna de miere; s-au cazat la Villa La Mimoseraie, proprietatea prietenei lor chiliene Eugenia Errázuriz. Acolo a dezvoltat teme marine, cum ar fi The Bathers (Musée Picasso, Paris), într-un stil manierist care amintește de figurile sale alungite inspirate de stilul lui El Greco. Gazda sa i-a făcut cunoștință cu negustorii de artă Georges Wildenstein și Paul Rosenberg; Rosenberg, în numele lui Wildenstein, a încheiat un contract cu Picasso. A realizat câteva portrete în stilul neoclasic al lui Ingres ale femeilor sale și ale vizitatorilor bogați din societate.

La sfârșitul lunii septembrie, s-a întors cu Olga la Montrouge. Paul Rosenberg a devenit dealerul oficial al lui Picasso, care a acceptat doar un acord verbal cu Picasso, oferindu-i dealerului prima alegere a lucrărilor artistului; Daniel-Henry Kahnweiler a fost dealerul său din 1907 până la izbucnirea războiului franco-german și până când a fost forțat să plece în Elveția. La 8 octombrie, Picasso a închiriat un apartament mare în rue de La Boëtie. Este probabil că în acea perioadă l-a cunoscut pe Louis Aragon și, prin intermediul acestuia și al lui Apollinaire, pe André Breton. La scurt timp după aceea, la 9 noiembrie 1918, cu două zile înainte de semnarea armistițiului de la Rethondes, care punea capăt Primului Război Mondial, Apollinaire a murit de gripă spaniolă în apartamentul său de pe bulevardul Saint-Germain. De atunci, Picasso a vizitat mormântul prietenului său din cimitirul Père-Lachaise în fiecare an la acea dată.

În 1919, a continuat să lucreze simultan la lucrări cubiste și realiste. A realizat câteva lucrări realiste, în care se poate observa o anumită monumentalitate și greutate sculpturală în figuri, cum ar fi Natura moartă cu ulcior și mere (Musée Picasso, Paris), în stilul robust și clasic al ultimului Ingres, un caracter sculptural și un aspect masiv al figurilor care vor deveni evidente în lucrările sale neoclasice din 1920.

Sosirea Ballets Russes la Londra după război a coincis cu o perioadă în care interesul pentru artă, în special pentru arta de avangardă, era în vogă, iar baletul a permis o combinație între prestigiul marilor dansatori și scandalul tinerilor artiști revoluționari, ceea ce a plăcut snobilor și a atras intelectualii. Baletul a făcut posibilă combinarea prestigiului marilor dansatori cu scandalul tinerilor artiști revoluționari, ceea ce îi mulțumea pe snobi și îi atrăgea pe intelectuali. În luna mai, Picasso a sosit la Londra, unde Diagilev pregătea un nou balet pe muzica lui Manuel de Falla, El sombrero de tres picos, bazat pe romanul cu același nume de Pedro Antonio de Alarcón. Picasso a fost entuziasmat de această poveste, care se petrece în sudul Italiei în secolul al XVIII-lea, și de oportunitatea de a lucra din nou cu Massine și pentru prima dată cu Falla. Pe parcursul celor trei luni petrecute la Londra, a realizat numeroase schițe, desene și acuarele pentru decoruri, costume și cortine, pe care le-a pictat personal, asistat de Vladimir Polunin și de soția sa Elizabeth. Când nu erau ocupați cu repetițiile și testele de balet, interacționau cu societatea engleză, unde Picasso a cunoscut mulți artiști și scriitori.

Premiera spectacolului El sombrero de tres picos la Teatrul Alhambra, la 22 iulie 1919, a fost un succes uriaș, care a dus în scurt timp la deschiderea unor școli de dans spaniol la Londra. Massine a învățat ritmurile flamenco și le-a aplicat în coregrafia dansatorilor, ale căror costume au fost adaptate la acțiune. Picasso a folosit instinctiv curbele și zig-zagurile, motive caracteristice căruțelor țărănești spaniole, ritmuri care probabil descind din arabescurile caligrafice arabe. Contrastul de verde, roz, roșu și negru a evocat, de asemenea, Spania. Criticul Jean Bernier a scris: „toate costumele sunt, fără excepție, pline de căldură și forță, temperate de un gust pentru demnitate foarte andaluz”.

Succesul baletului a fost însoțit de viața socială; Picasso și Olga, spre încântarea acesteia, au fost invitați la o serie de petreceri ale înaltei societăți. Picasso a comandat costume de la cei mai buni croitori și a apărut impecabil îmbrăcat la recepțiile la modă. În august, Olga și Picasso s-au întors la Paris, iar de acolo au plecat la Saint-Raphaël, pe Coasta de Azur; este probabil ca în timpul călătoriei cu trenul Picasso să fi observat scena recoltei pe care a descris-o în Siesta. Tema ferestrelor din Saint-Raphaël, la care a lucrat în acea vară în numeroase acuarele și desene, a persistat în lucrările lui Picasso la întoarcerea sa la Paris, în toamnă, până la începutul anilor 1920.

Instalându-se în apartamentul său din rue de la Boëtie, Picasso s-a distanțat treptat de stilul de viață boem pe care îl avusese înainte de război; viața sa personală a fost mai liniștită, deși putea fi văzut îmbrăcat elegant la petreceri de cocktail sau luând masa în oraș cu Olga, îmbrăcată în Chanel. Asocierea sa cu Ballets Russes și cu comercianții de artă Léonce și Paul Rosenberg i-a adus o atenție critică și o vizibilitate mai favorabilă.

În decembrie 1919, Diagilev, întors la Paris după stagiunea londoneză, l-a invitat să colaboreze la un nou balet inspirat din Commedia dell”Arte, Pulcinella, cu muzică de Stravinski. Diagilev a respins primele schițe, considerându-le prea moderne și prea ornamentate, iar Picasso le-a simplificat ulterior. Diagilev a respins primele schițe ca fiind prea moderne și ornamentate; Picasso le-a simplificat mai târziu. La începutul anilor 1920, a realizat un număr mare de schițe și studii pentru Pulcinella.

La 23 ianuarie 1920, Pălăria cu trei colțuri a fost jucată la Théâtre National de l”Opéra din Paris, unde l-a invitat pe prietenul său Max Jacob, pe care îl vedea mai rar. În drum spre teatru, Jacob a fost lovit de o mașină și a fost spitalizat; Picasso l-a vizitat frecvent în spital, dar au început să se vadă mai rar după aceea, deoarece Jacob căuta o viață socială mai puțin zgomotoasă și mai puțin publică.

Ideea lui Massine pentru balet a pornit de la spectacolele de stradă pe care le-au văzut în călătoria lor din 1917 la Napoli. Împreună cu Diagilev, au dezvoltat libretul pe baza unor texte napoletane antice; muzica lui Stravinski este un aranjament pe muzica lui Giovanni Battista Pergolesi, un compozitor italian din secolul al XVIII-lea. Primele schițe ale lui Picasso erau într-un stil pseudo-rococo pe care, după respingerea inițială a lui Diagilev, Picasso l-a simplificat într-un stil cubist, cu suprafețe mari și plate în albastru, gri și alb, peste care se detașau costumele personajelor, bazate pe stilul personajelor tradiționale din Commedia dell”Arte. Pulcinella a avut premiera la Théâtre National de l”Opéra din Paris la 15 mai 1920.

Acest stil al decorurilor din Pulcinella a fost extins în pictura lui Picasso, așa cum se poate vedea în Pulcinella cu o chitară în fața unei cortine (Massine Saluting); culorile sunt vii, dar nu stridente, iar suprafața pictată a devenit complet plată. În timpul verii la Juan-les-Pins, a continuat să dezvolte acest stil și acest subiect într-o serie de guașe colorate, geometrice și plate, pe tema Commedia dell”Arte, cum ar fi Pierrot și Arlechin (National Gallery of Art, Washington). În septembrie, tot la Juan-les-Pins, a realizat o serie de desene și acuarele pe o temă din antichitatea mediteraneană, un episod al tentativei de răpire a Deyanirei, soția lui Hercule, de către centaurul Nessus, inspirat de frescele pompeiene pe care le-a văzut în timpul călătoriei sale la Napoli în 1917.

La 4 februarie 1921 s-a născut primul său fiu, Pablo. În primăvară a început să studieze pentru Cuadro flamenco, un alt balet al lui Diagilev, care de data aceasta a angajat un grup de opt dansatori și cântăreți andaluzi pentru care Falla a aranjat muzică populară. Inițial fusese comandat de Juan Gris, tot un spaniol, dar Picasso, pe motiv că Gris era bolnav și nu ar fi avut timp să dezvolte proiectul într-un timp atât de scurt, i-a luat-o înainte, prezentând ideea pe care o abandonase în Pulcinella, de cortină cu ornamente rococo și prosceneu cu cupluri care urmăresc spectacolul, așa cum se poate vedea în Proyecto de decorado para Cuadro flamenco (Museo Picasso, Paris). Relația cu Gris s-a răcit ca urmare, situație care a continuat până la moartea acestuia, în 1927. La 22 mai, lucrarea a avut premiera la Théâtre de la Gaîté-Lyrique. Coperta programului a fost ilustrată cu patru nuduri pe plajă, într-un stil neoclasic, asemănător cu alte lucrări din aceeași perioadă. La întoarcerea sa la Paris, a continuat cu lucrări în stil neoclasic monumental.

În timpul verii, evitând căldura din sudul Franței, s-a mutat cu Olga și Pablo la Fontainebleau. Vara de la Fontainebleau a fost prolifică, cu o majoritate de lucrări în stil sculptural neoclasic. Principalele subiecte sunt mama și copilul și femeile la o fântână; acestea pot fi văzute în Mama și copilul la malul mării (Art Institute of Chicago) și Trei femei la fântână (Musée de l”Orangerie, Paris), cu rochii și coafuri greco-romane. A creat, de asemenea, două capodopere în stil cubist sintetic: Muzicieni cu măști (MoMA, New York) și Muzicieni cu măști (Trei muzicieni) (Philadelphia Museum of Art); subiectul evocă colaborarea sa cu Ballets Russes, în special unele dintre studiile pentru arlechini și pierroți din Pulcinella.

În 1922, Breton, consilierul lui Jacques Doucet pe probleme de artă, a început să-l convingă pe acesta de importanța adăugării unor opere majore de Picasso la colecția sa de artă modernă, ceea ce a dus, în 1924, la achiziționarea operei Les Demoiselles d”Avignon. În iunie, în timpul unei vizite la Dinard (Bretania), a pictat Două femei alergând pe plajă (Cursa) (Musée Picasso, Paris), o idealizare a figurilor monumentale pe care le-a pictat în 1921, cu un element nou, tratarea mișcării, care a servit mai târziu drept model pentru fundalul spectacolului Le Train Bleu al lui Diagilev din 1924. De asemenea, a realizat câteva schițe ale fiului său și ale soției și fiului său împreună, așa cum se poate vedea în Family by the Sea (Muzeul Picasso, Paris). La 20 decembrie 1922, adaptarea modernizată a lui Jean Cocteau a Antigonei lui Sofocle a avut premiera la Théâtre de l”Atelier din Montmartre (Paris). Piesa a avut decoruri de Picasso, costume de Coco Chanel și muzică de Arthur Honegger.

În 1923, Picasso a continuat cu tema arlechinului; a pictat mai multe portrete ale lui Jacint Salvadó deghizat în arlechin, într-un stil mai puțin monumental și mai liric, precum și portrete ale fiului său Pablo și ale soției sale Olga, și Portretul Doña Maria (mama artistului) (colecție privată). A pictat, de asemenea, portretele fiului său Pablo și ale soției sale Olga, precum și Portretul Doña Maria (mama artistului) (colecție privată). În acea vară s-a întors pe Riviera, stabilindu-se la Antibes cu Olga și Pablo. A realizat Flautul lui Pan (Musée Picasso, Paris), precum și mai multe desene și schițe pe aceeași temă. În Antibes, a vizitat mulți dintre turiștii mondeni, cum ar fi pictorul Gerald Murphy și soția sa Sarah (Beaumont i-a cerut să creeze decorul și costumele pentru Mercure, care urma să se deschidă în vara anului 1924).

Coregraful Léonide Massine a părăsit Ballets Russes pentru a produce un balet pentru contele Étienne de Beaumont în cadrul unei serii de spectacole private cunoscute sub numele de Les Soirées de Paris în vara anului 1924, pentru a ajuta aristocrația rusă. Cu muzică de Erik Satie și decoruri și costume de Picasso, Massine a produs Mercure, cel mai ciudat și mai original balet de la Parade încoace. Planurile unghiulare și liniile drepte din Parade au fost înlocuite de linii curbe și ondulate, siluete sinuoase în decor și costume. Premiera spectacolului Mercure, care a avut loc pe 18 iunie la Théâtre de la Cigale, a fost prost primită de critici și de public. Unii dintre suprarealiști au criticat implicarea lui Picasso într-un proiect burghez în ajutorul aristocrației, dar Breton a luat apărarea operei artistice a lui Picasso, proclamând în eseul său Hommage à Picasso: „În ceea ce mă privește, consider colaborarea lui Picasso la Mercure ca fiind cel mai important eveniment artistic din ultimii ani.

Două zile mai târziu, Le train bleu, ultima colaborare cu Ballets Russes ai lui Serghei Diagilev, a fost prezentată la Théâtre des Champs-Elysées. Cortina a fost pictată de pictorul de scenă Alexander Shervashidze, pe baza guașei lui Picasso Două femei alergând pe plajă (Cursa). Picasso însuși a semnat cortina „Dedicat lui Diágilev Picasso 24”.

În vara anului 1924 s-a mutat la Villa La Vigie din Juan-les-Pins. Picasso a elaborat într-un caiet de schițe o serie de desene pre-suprarealiste, constelații de linii și puncte, care au fost folosite ani mai târziu pentru o ediție ilustrată pregătită de Ambroise Vollard a cărții Le Chef-d”œuvre Inconnu de Honoré de Balzac; pentru a sărbători ziua de naștere a fiului său, Picasso a pictat în fiecare an portrete ale băiatului; în 1924 a pictat Pablo de arlechin (Musée Picasso, Paris).

Controversa din jurul Soirées de Paris a luat amploare în timpul verii și a provocat o schismă în rândul foștilor Adadas, opunând grupul lui Breton unui alt grup care se învârtea în jurul lui Ivan Goll. În octombrie, Breton a publicat Manifestul suprarealist, în care a prezentat consecințele artistice ale teoriei lui Sigmund Freud despre psihanaliză și interpretarea viselor. Termenul de suprarealism, inventat de Apollinaire în 1917, a fost adoptat de Breton ca nume al grupului său. Deși Picasso nu s-a alăturat niciodată în mod oficial mișcării suprarealiste, opera sa a fost foarte admirată de Breton, ca și de Tristan Tzara și de dadaiști. Lucrările lui Picasso sunt reproduse în opt din cele unsprezece numere ale revistei La Révolution Surréaliste, publicate între 1924 și 1929.

Citește și, biografii – Franz Marc

Suprarealism

De la căsătoria cu Olga și nașterea primului lor fiu, Pablo, Picasso s-a bucurat de o viață de familie fericită; a dus o viață socială foarte activă, alternând cu aristocrația și intelectualitatea pariziană; criticii avangardiști i-au lăudat realizările artistice, deși s-au concentrat asupra aspectelor formale, ignorând elementele intuitive și psihologice ale operei sale. Acceptat de societate și de critici, Picasso a fost considerat ca făcând parte din tradiția franceză care se situa deasupra bufoneriilor noii generații de dadaiști anti-burghezi, care începeau să fie înlocuiți de grupul care avea să devină cunoscut sub numele de suprarealiști.

În 1925 a pictat Pablo de pierrot (Muzeul Picasso, Paris) pentru cea de-a patra aniversare a fiului său, într-un stil naturalist asemănător cu portretul arlechinului pictat în anul precedent. A pictat, de asemenea, Dansul (Tate Modern, Londra), un moment crucial în dezvoltarea lui Picasso, după o perioadă în care a lucrat atât într-o formă decorativă de cubism sintetic, cât și într-un stil figurativ neoclasic. Dansul este îndatorat ambelor stiluri, dar importanța sa constă în faptul că marchează o ruptură cu o fază senină, clasică, și începutul unei noi perioade de violență emoțională și distorsiune expresionistă.

Dansul a marcat începutul perioadei suprarealiste a lui Picasso, între 1925 și 1938. Antiteză a desenelor sale clasice de dans, caracterul expresionist al tabloului simboliza iritarea crescândă a lui Picasso față de Olga și față de femei în general; rănit de moartea prietenului său Ramon Pichot, el credea că soția sa Germaine, care fusese cauza morții lui Casagemas, l-a distrus pe prietenul său așa cum Olga îl distrugea pe el. Durerea provocată de moartea lui Pichot a fost agravată de cea a muzicianului Erik Satie în iulie, iar în vară a pictat la Juan-les-Pins Sărutul (Musée Picasso, Paris), un tablou cu un spirit și mai agresiv decât Dansul. Motivul capetelor suprapuse, care apare în figura femeii și nu în sculptură, va găsi continuitate în lucrările sale ulterioare. Calitățile iraționale ale acestei serii de lucrări, precum și cele ale primelor lucrări cubiste, au fost ceea ce Breton a găsit analog cu teoria automatismului practicată de artiștii suprarealiști.

În eseul „Suprarealismul și pictura”, publicat în iulie 1925 în numărul 4 al revistei La Révolution Surréaliste, Breton îl declara pe Picasso un pictor model și îl revendica ca fiind suprarealist, subliniind în același timp imposibilitatea de a-i aplica o etichetă care să-i constrângă opera: „Eticheta „cubist” a făcut foarte mult această greșeală. În noiembrie a avut loc „Exposition: La Peinture Surréaliste”, la Galerie Pierre din Paris, care a prezentat două dintre primele picturi cubiste ale lui Picasso, precum și lucrări de Hans Arp, Giorgio de Chirico, Max Ernst, Paul Klee, André Masson, Joan Miró, Man Ray și Pierre Roy; Breton și Robert Desnos au scris prefața catalogului. În recenzia lui Maurice Raynal la această expoziție din L”intransigeant se spunea: „Tatăl cubismului a devenit fiul adoptiv al suprarealiștilor! În noiembrie, Picasso și-a însoțit mama, care își petrecuse vacanța pe coastă, la Barcelona. Acolo l-a întâlnit pe Dalí și a vizitat prima sa expoziție personală la Galeria Dalmau.

În 1926 a lucrat într-un stil care a fost identificat ca fiind cubismul curbiliniu, combinând suprafețele sinuoase ale cubismului decorativ, suprapunerea capetelor pe figuri și deformările curbe explorate în desenele de constelații, aplicate pe o grilă cubistă. Acest lucru poate fi observat în The Dressmakers (Atelierul croitoresei) (Musée National d”Art Moderne, Centre Georges Pompidou, Paris) și The Painter and his Model (Muzeul Picasso, Paris), lucrări monocrome pictate în gri, negru, alb și ocru scorțișoară. A executat, de asemenea, mai multe portrete cu o anumită asemănare cu Marie-Thérèse Walter, o tânără adolescentă pe care unii autori au sugerat că a întâlnit-o pentru prima dată la începutul anului 1925, în Gara Saint-Lazare din Paris. De asemenea, a continuat să lucreze la motivul capetelor suprapuse.

În aprilie a fost vizitat în atelierul său de Dalí; în ciuda admirației lor reciproce, cei doi artiști nu au devenit prieteni apropiați. Recomandarea sa către Diagilev de a lucra cu Miró și Max Ernst la decorurile și costumele pentru Romeo și Julieta a dus la amenințarea acestuia din urmă cu expulzarea din grupul suprarealist, care se opunea colaborării cu „o producție burgheză pentru înalta societate”.

În ianuarie 1927 a întâlnit-o pe Marie-Thérèse Walter, o blondă de 17 ani, în fața Galeriilor Lafayette din Paris (deși unii autori plasează data cu doi ani mai devreme). În șase luni au devenit iubiți. Deși și-au ținut relația secretă până la nașterea fiicei lor, Maya, în 1935, referiri la Marie-Thérèse au apărut în opera sa imediat după ce a cunoscut-o. Tensiunea maritală cu Olga a crescut, viața lui a devenit foarte complicată, el încercând să țină secretă relația lor. A petrecut o vară nefericită la Cannes, tânjind după Marie-Thérèse, în timp ce Olga se resimțea de faptul că Picasso nu era niciodată prezent la întâlnirile sociale pe care le organiza.

La sfârșitul verii a executat un album de desene, Carnet des Métamorphoses, în care a înzestrat scăldătoarele biomorfe cu forme sculpturale elefantice, cu atribute sexuale care ating proporții monumentale, așa cum se poate vedea în Bather in the Cockpit (Female Figure) (Musée Picasso, Paris). Deși acestea sunt probabil studii pentru un monument dedicat lui Apollinaire, Christian Zervos a scris în 1929 că Picasso le-a propus ca monumente pentru Croisette, promenada elegantă care separă plaja de marile hoteluri din Cannes. La sfârșitul anului 1927, revenit la Paris, a lucrat cu tipograful Louis Fort la o serie de treisprezece gravuri, comandate de Vollard, pe tema „artistului și a modelului” pentru cartea Le Chef-d”œuvre Inconnu, pe care o va publica în 1931.

În ianuarie 1928, a realizat un colaj de mari dimensiuni intitulat Minotaurul (Musée National d”Art Moderne, Centre Georges Pompidou, Paris), constând în două picioare care ies dintr-un cap de taur, prima apariție în opera sa a temei mitologice a Minotaurului, jumătate om, jumătate taur, care a culminat cu Guernica din 1937. De asemenea, a continuat să lucreze pe tema scăldătorilor biomorfi și a pictorului și a modelului său.

În martie 1928 și-a reluat prietenia cu sculptorul Julio González, al cărui atelier din rue de Médéah îl vizitează frecvent pentru a continua să învețe tehnici de sudură. În iunie a realizat prima sa sculptură tridimensională din 1914, Metamorfoza I (Bălăcița) din bronz (Musée Picasso, Paris), bazată pe desenele lui Marie-Thérèse, realizate în 1927.

În timpul verii, s-a mutat cu Olga și Pablo la Dinard, în Bretania, Franța; a găzduit-o în secret pe Marie-Thérèse într-o tabără de vară pentru copii din apropiere și a inițiat-o în practicile sale sexuale sadomasochiste preferate. A continuat să lucreze pe tema scăldătoarelor biomorfe în picturi și desene, cum ar fi Bather and Cabin (MoMA, New York), și o serie de studii asupra construcțiilor din metal sudat, după modelul constelațiilor de puncte legate printr-o rețea de linii, în vederea pregătirii unui viitor monument dedicat lui Apollinaire. Întors la Paris, în toamnă, a lucrat cu Gonzalez la acest proiect într-o serie de machete realizate din tije de fier, pe care Kahnweiler le-a descris ca fiind „desene în spațiu”. Modelele au fost respinse de comisia responsabilă de monument ca fiind prea radicale și nepotrivite.

În primăvara anului 1929, a realizat sculptura din fier sudat și pictat Femeie în grădină (Musée Picasso, Paris) în atelierul lui González. De asemenea, a început primele studii pentru Crucificarea (Musée Picasso, Paris), pe care a finalizat-o în 1930. Tensiunea căsătoriei sale cu Olga s-a reflectat în lucrări precum Bust de femeie și Autoportret (colecție privată), în care un cap de femeie sălbatică, cu fălcile deschise, se impune pe un profil clasic al său. De asemenea, în Marele nud într-un fotoliu roșu (Musée Picasso, Paris), unde figura feminină este contorsionată într-un țipăt, dezvăluind elemente tulburătoare din subconștientul artistului. Natura suprarealistă a acestei picturi este evidentă și în multe alte lucrări.

În ianuarie 1930 a pictat Bather Seated by the Sea (MoMA, New York), o femeie concepută ca o structură osoasă, o creatură amenințătoare în contrast cu atmosfera senină a plajei, al cărei cap seamănă cu cel al unei mantis, unul dintre simbolurile preferate ale suprarealiștilor (mantisul își devorează partenerul în timpul actului sexual). Mai multe lucrări anterioare și ulterioare ale lui Picasso au același tip de cap, iar unele dintre ele au și ceea ce se numește vagin dentat, evocând „teama de castrare psihosexuală” pe care suprarealiștii o simbolizau prin intermediul mantistei rugătoare.

Citește și, biografii – Nikolai Karamzin

Boisgeloup

Lucrările sale au fost prezentate pentru prima dată la Muzeul de Artă Modernă din New York (MoMA), fondat în anul precedent, în cadrul expoziției „Painting in Paris”. În iunie, a achiziționat Château de Boisgeloup, la 70 de kilometri nord-vest de Paris. Boisgeloup avea să devină un refugiu în care putea să evadeze cu Marie-Thérèse; a transformat grajdurile într-un atelier de sculptură, unde dorința sa de a se întoarce la modelarea în lut sau în ghips și inspirația tinerei sale iubite l-au stimulat să creeze busturi mari în ghips, unele dintre ele de o natură indubitabil sexuală. În toamna anului 1930 a realizat o serie de sculpturi, majoritatea sculptate în lemn și turnate mai târziu în bronz, de dimensiuni mici și foarte stilizate. În această perioadă, Marie-Thérèse s-a mutat la numărul 44 din rue Boétie, vizavi de apartamentul în care Picasso locuia cu Olga. În timpul acestor primii ani ai anilor 1930, Picasso a fost împărțit între reticența sa de a rupe relația cu Olga și obsesia sa pentru Marie-Thérèse, care a fost principala sursă de inspirație pentru figurile feminine senzuale și sugestive din lucrările sale.

În septembrie 1930 a început seria de o sută de gravuri care vor forma Suita Vollard; Picasso a lucrat la această serie din 1930 până în 1937, deși cea mai mare parte a lucrărilor a fost realizată între 1933 (șaizeci și una de gravuri) și 1934 (douăzeci și patru de gravuri). Hans Bollinger a distins șapte grupuri tematice în Suita Vollard: ((și (vii) Minotaurul orb. „Artistul și modelul” este o temă generală care se regăsește în gravurile din Suita Vollard, în special în cele dedicate atelierului sculptorului. Astfel, Picasso putea să se înfățișeze „inocent” cu Marie-Thérèse, adesea dezbrăcată. Este o temă pe care Picasso a folosit-o pe tot parcursul anilor ”30; a dispărut din lucrările sale în timpul Războiului Civil Spaniol și al ocupației germane a Franței, deși a recuperat-o în ultimii ani de viață.

În ianuarie 1931 a finalizat Figuri lângă mare (Musée Picasso, Paris), o scenă de dragoste pe plajă, în care corpurile, reduse la forme rotunjite, sculpturale, sunt atât de amestecate în îmbrățișare încât nu se poate distinge ce parte a corpului aparține bărbatului sau femeii, figura din dreapta, identificabilă ca fiind Marie-Thérèse după forma capului ei. Picasso a subliniat astfel natura duală a sexualității umane prin contradicția dintre tandrețea aparentă a îmbrățișării și prezența împietrită a figurilor și a limbilor lor ascuțite și agresive. Capetele figurilor amintesc de Sărutul (două capete) (Musée Picasso, Paris) din aceeași dată, unde cele două capete care se devorează reciproc reflectă conflictul cu Olga. În paralel cu picturile de forme monolitice, a realizat o serie de naturi moarte într-un stil cubist decorativ, viu colorat și curbiliniu; este de remarcat în mod deosebit Marea natură moartă cu sfeșnic (Musée Picasso, Paris), unde, într-una dintre cele mai lirice și mai simbolice naturi moarte ale sale, formele organice sugerează trunchiul lui Marie-Thérèse. Tabloul a rămas în colecția personală a lui Picasso până la moartea acestuia, când a fost donat Muzeului Picasso din Paris, alături de alte sute de lucrări, în locul impozitului pe moștenire.

În aprilie, galeria londoneză Alex Reid & Lefevre a organizat o retrospectivă de treizeci și șapte de tablouri, Thirty Years of Pablo Picasso. În luna mai, a intrat în sfârșit în posesia Château de Boisgeloup, unde a continuat să lucreze în metal cu Gonzalez, încorporând obiecte reale în lucrările sale sculpturale. Sculpturile sale din 1930, ansambluri de elemente metalice tăiate și sudate, cum ar fi Femeie în grădină (Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid), pot fi înțelese ca „obiecte poetice, uneori cu o aromă suprarealistă”. A revenit, de asemenea, la modelarea în lut sau ipsos. A realizat mai multe busturi și reliefuri care o înfățișează pe Marie-Thérèse, cum ar fi Bust de femeie (Marie-Thérèse) (Musée Picasso, Paris). Formele rotunjite și reliefurile au o anumită calitate sexuală, iar trăsăturile faciale seamănă uneori cu organele genitale (nasul ca un falus, gura ca un vagin), amintind de sculpturile neolitice și africane. În timpul vacanței de vară la Juan-les-Pins, a realizat o serie de desene și gravuri lirice și erotice, care au stat la baza gravurilor din secțiunea intitulată „Atelierul sculptorului” din Suita Vollard. A pictat, de asemenea, câteva picturi în ulei de mici dimensiuni ale Vilei Chêne-Roc, unde a fost cazat. În toamnă s-a întors la lucrările sale de sculptură.

Polarizarea politică se răspândea în întreaga Europă; în Spania, a fost proclamată cea de-a doua Republică, a cărei constituție, în ciuda libertăților dobândite, nu a reușit să ajungă la un acord în domenii cheie cu dreapta conservatoare, adânc înrădăcinată în zonele rurale, și cu Biserica Catolică, care a fost lipsită de școli și de subvenții publice; în restul Europei a avut loc ascensiunea guvernelor totalitare, în special a fascismului în Germania și Italia și a stalinismului în Uniunea Sovietică. Toate acestea pe fondul unei depresiuni economice mondiale.

La 25 octombrie 1931, Picasso a împlinit cincizeci de ani și a publicat Metamorfozele lui Ovidiu pentru Albert Skira din Lausanne, un total de cincisprezece gravuri de o pagină întreagă și cincisprezece gravuri de jumătate de pagină la care lucrase încă din anul precedent. În această serie de gravuri, Picasso se referă la simplitatea desenului clasic, reprezentând clar obiectele și ființele, așa cum a făcut în Lisistrata lui Aristofan, publicată în 1934. La 12 noiembrie, Ambroise Vollard publică Capodopera necunoscută a lui Balzac, cu treisprezece gravuri de Picasso, în care acesta pune accentul pe tema artistului și a modelului. În roman, Balzac pune în discuție conflictul artistului între finalizarea operei și atingerea perfecțiunii, care se reflectă în gravura din seria intitulată Pictor și model tricotat, în care pictorul transformă motivul prozaic într-o caligrafie curbilinie elegantă.

În decembrie 1931 a pictat Sculptorul (Musée Picasso, Paris) pe tema artistului și a modelului, dezvăluind natura relației dintre Picasso și Marie-Thérèse; sculptorul contemplă bustul pe care l-a creat, cu profilul clasic caracteristic, în timp ce modelul se află în fundal, subordonat artistului și operei create. A început, de asemenea, o serie de portrete ale lui Marie-Thérèse pe o canapea, în care tânărul ei iubit iese de pe margini pentru a ocupa o poziție centrală de „grandoare și siguranță imperturbabilă”. A pictat, de asemenea, Femeia cu un stilet (Moartea lui Marat), care, după sursa istorică, reflectă resentimentul tot mai mare față de gelozia și posesivitatea Olgăi.

În martie 1932 a completat seria de femei adormite cu „Tânără în fața oglinzii” (MoMA, New York), care combină conturul negru și formele organice ale marilor naturi moarte din 1931 într-una dintre cele mai simbolice și „multi-evocative” imagini ale lui Marie-Thérèse create de Picasso.

În luna iunie a fost prezentată o retrospectivă la Galeriile Georges Petit din Paris, cu două sute douăzeci și cinci de tablouri, șapte sculpturi și șase cărți ilustrate selectate de Picasso însuși, de la perioada albastră până la ultimele sale portrete din 1932. Reacția criticilor nu a fost pozitivă, variind de la prudentă la negativă. Se pare că, în timpul acestei expoziții, Olga a descoperit existența lui Marie-Thérèse, ceea ce a provocat „scene incandescente” de gelozie din partea ei, deși confruntarea dintre cele două femei de care se temea Picasso nu a avut loc. Expoziția a fost reluată în septembrie la Kunsthaus Zürich.

În timp ce Olga și Pablo și-au petrecut vara la Juan-les-Pins, Picasso și-a petrecut vara la Boisgeloup cu Marie-Thérèse, unde a continuat să lucreze la nuduri adormite, scene de plajă și câteva mici sculpturi. De asemenea, a realizat mai multe desene din seria Crucifixion a lui Grünewald. La întoarcerea sa la Paris, în toamnă, a continuat cu portretele lui Marie-Thérèse pe o canapea și cu desenele Crucificării lui Grünewald. În octombrie, Christian Zervos a început publicarea unui catalog raisonné (între 1932 și 1974 au apărut 28 de volume, cuprinzând peste 16.000 de lucrări.

Deși Picasso abordase deja această temă într-un colaj din 1928, perioada dintre 1933 și 1938 a fost perioada Minotaurului, în care această figură mitică a apărut în mod repetat în lucrările sale, alături de alte teme clasice. Picasso a găsit în femeia toreador o modalitate picturală de a reflecta conflictele sale cu Marie-Thérèse și Olga, iar în Minotaur, animalul conștient de bestialitatea sa, o personificare a propriului său conflict cu privire la această situație, a divizării sale între dorință și responsabilitate morală. Primul număr al Minotaurului, cu o copertă semnată de Picasso, a apărut în mai 1933. Și-a petrecut vacanța de vară din 1933 la Cannes cu Olga și Pablo. În septembrie, a pictat Moartea unui toreador la Boisgeloup.

În perioada iunie-septembrie 1934, a realizat o serie de picturi, desene și gravuri despre lupte de tauri. În august, a călătorit în Spania cu Olga și Pablo și a mers la coridele din Burgos și Madrid. A vizitat Muzeul de Artă Catalană din Barcelona. A realizat sculpturile Femme au feuillage și Femme à l”orange. În primăvara anului 1935, galeria de expoziții Pierre a expus papiers collés. El a gravat Minotauromaquia. S-a despărțit de Olga în iunie, iar în octombrie s-a născut Maya Picasso, fiica sa cu Marie-Therese Walter.

El a realizat desenele cu apă și altele pe tema Minotaurului. În același an, la izbucnirea Războiului Civil Spaniol, a fost numit director al Muzeului Prado din Madrid. La începutul lunii august, Picasso a plecat la Mougins și a întâlnit-o pe Dora Maar.

Citește și, biografii – Pierre-Auguste Renoir

Guernica și pacifismul

În ianuarie 1937, arhitectul catalan Josep Lluís Sert i-a cerut să colaboreze la realizarea unei picturi murale de mari dimensiuni pentru pavilionul celei de-a doua Republici Spaniole la Expoziția Internațională de la Paris. Guvernul ales al țării se confrunta cu o posibilă înfrângere în timpul Războiului Civil Spaniol de către rebelii militari ai lui Franco, susținuți de Germania nazistă și Italia fascistă. Republica a sperat să arate lumii că ea reprezenta poporul spaniol și realizările sale. Picasso, care în 1936 acceptase o invitație din partea președintelui de atunci al republicii, Manuel Azaña, de a deveni director onorific al Muzeului Prado din Madrid, a fost reticent la început, atât din cauza dimensiunii proiectului, cât și pentru că nu mai acceptase niciodată o comandă de natură propagandistică. În februarie, Dora Maar a găsit un atelier foarte mare pe strada Grands-Augustins nr. 7, unde Picasso a putut realiza proiectul.

În același an, a realizat Visul și minciuna lui Franco, două gravuri într-un format asemănător benzilor desenate sau aleluiatelor spaniole, cu un total de optsprezece scene, destinate a fi reproduse ca tipărituri sau cărți poștale, în care denunța lovitura de stat fascistă și sublinia crimele războiului, înfățișându-l pe Franco ca pe o figură malefică și grotescă. Picasso a început să graveze aceste imagini pe 8 ianuarie, ceea ce înseamnă că a putut să le conceapă din proprie inițiativă înainte de a primi comanda pentru Guernica. A terminat plăcile în iunie, iar setul a fost publicat în beneficiul Republicii, împreună cu o poezie scrisă de el (Fandango de lechuzas).

La 26 aprilie 1937, Legiunea Condor germană a bombardat Guernica la cererea lui Franco. Picasso, care până atunci nu fusese foarte clar cu privire la subiectul picturii, a fost inspirat de acest eveniment să elaboreze pictura murală pentru pavilionul celei de-a doua Republici, iar la 1 mai s-a angajat în realizarea uneia dintre cele mai faimoase opere ale sale: Guernica (Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid), care a fost expusă în cele din urmă în Pavilionul Spaniei la Expoziția Internațională. Dora Maar a fotografiat procesul și diferitele etape ale picturii, pe care Picasso a finalizat-o la începutul lunii iunie. Tabloul simbolizează întreaga oroare a războiului și tragedia morții multor victime nevinovate.

De asemenea, antirăzboi, cu ocazia calității sale de membru al Consiliului Mondial al Păcii, a pictat celebrul Porumbelul Păcii în 1949. A primit Premiul Internațional pentru Pace în 1955.

În perioada octombrie-decembrie 1937, pictează Femeia care plânge (Paris, Muzeul Picasso). Apoi, în 1938, a realizat un colaj de mari dimensiuni, Les Femmes à leur toilette (Paris, Musee National d”Art Moderne). În iulie 1938, a plecat la Mougins cu Dora Maar. În iulie 1939 a plecat cu Dora Maar să locuiască cu Man Ray la Antibes, unde a realizat Pêche de nuit à Antibes (Museum of Modern Art, New York). Din septembrie 1939 până la începutul anului 1940, a pictat Séquence de femmes au chapeau la Royan.

În 1941, a scris o piesă de teatru în stil suprarealist, „Dorința prinsă de coadă”, pe care a citit-o în martie 1944 la Michel Leiris, alături de prietenii săi Simone de Beauvoir, Jean-Paul Sartre, Albert Camus, Louise Leiris și Pierre Reverdy, printre alții. Piesa a avut în cele din urmă premiera în iulie 1967. De asemenea, a mai scris două opere literare: Cele patru fetițe și Înmormântarea contelui Orgaz.

Între 1942 și 1943 a realizat ansamblul Bull”s Head (Paris, Musée Picasso), La Aubade (Paris, Musee National d”Art Moderne), L”Homme au mouton (Paris, Musée Picasso) și a cunoscut-o pe Françoise Gilot în mai 1943.

Citește și, biografii – Thomas Newcomen

Angajamentul față de Partidul Comunist

După sfârșitul celui de-al Doilea Război Mondial, tablourile sale au devenit mai optimiste, mai vesele, arătând, așa cum arată titlul unei serii din 1946, Bucuria de a trăi simțită în acel moment. Picasso a locuit cu Marie-Therese în timpul insurecției de la Paris din august 1944. În octombrie s-a înscris în Partidul Comunist Francez și tot în octombrie a inaugurat Salon d”Automne și retrospectiva Picasso. The Ossuary (New York, Museum of Modern Art) a fost pictat în aprilie și mai 1945, pe baza amintirii descoperirii, în decembrie 1944, a cadavrului prietenului său executat, tânărul poet suprarealist Robert Rius.

În iulie, Picasso a plecat cu Dora Maar la Cap d”Antibes, iar la 26 noiembrie Françoise s-a întors să locuiască cu Picasso. După război, cercul de prieteni al lui Picasso a fost format din artiști și intelectuali comuniști, ceea ce a marcat, într-un anumit sens, cel puțin o parte din opera sa între 1946 și 1953.

Citește și, biografii – Francis Bacon

Perioada Vallauris

În 1946, Picasso și Françoise au plecat să locuiască în Golfe-Juan, iar Picasso l-a vizitat pe Matisse la Nisa. La începutul lunii iulie, a plecat la Ménerbes (Vaucluse) cu Françoise, în casa pe care i-o dăduse Dorei Maar. A primit zilnic scrisori de la Marie-Thérèse. Françoise era nefericită și a plecat după trei săptămâni pentru a face autostopul până la Marsilia cu niște prieteni; Picasso a întâlnit-o pe drum și i-a cerut să se întoarcă, sugerându-i că ar trebui să aibă un copil. Au vizitat Vallauris, unde a modelat trei piese de ceramică în atelierul de ceramică Madoura al lui Georges Ramié. La întoarcerea lor la Golfe-Juan, în august, Françoise era însărcinată. Picasso l-a întâlnit pe Romual Dor de la Souchère, curatorul Muzeului din Antibes, la Palatul Grimaldi, dar a preferat să decoreze muzeul; între septembrie și octombrie a pictat douăzeci și două de panouri pentru palat, care mai târziu va deveni Muzeul Picasso din Antibes, cu teme marine și compoziții mitologice. Studiile de fauni și figuri clasice au culminat cu tripticul La joie de vivre (Pastorale) (Musée Picasso, Antibes), un titlu împrumutat de la prietenul său Matisse, pentru un tablou care reflectă fericirea pe care o împărtășea în acel moment cu Françoise. În octombrie, l-a întâlnit pe Breton, care tocmai se întorsese din exilul din Statele Unite, la prima ediție a Festivalului de Film de la Cannes. Breton, care refuzase să-l întâmpine în august, când se întâlniseră la Golfe-Juan, l-a refuzat din nou pe Picasso din cauza afilierii sale la Partidul Comunist; nu s-au mai văzut niciodată. Acest gest a fost un preludiu la ruptura violentă dintre suprarealiști și comunism, începând din 1947.

În 1947 a lucrat la naturi statice cu tema Bufnița pe un scaun și la gravuri cu fauni, centauri și bacante, pe tema verii la Antibes; la sfârșitul lunii ianuarie a terminat lucrarea în ulei Monumentul morților spanioli pentru Franța (Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid), pe care o începuse la sfârșitul anului 1945. În februarie a început seria de patruzeci și unu de gravuri și acuarele pentru ediția Luis de Góngora y Argote: Vingt Poèmes (Douăzeci de poeme), publicată la Paris de Les Grands în 1949; la sfârșitul lunii martie a realizat mai multe litografii pe David și Betsabea de Lucas Cranach cel Bătrân (1472-1553); la 15 mai s-a născut la Paris fiul său Claude, nume ales de Françoise în onoarea lui Claude Gillot, profesorul lui Watteau. Cuplul a petrecut din ce în ce mai puțin timp în atelierul de la Paris și din ce în ce mai mult la Golfe-Juan, unde s-au mutat cu copilul la sfârșitul lunii iunie; în august a revizitat atelierul de ceramică al lui Georges Ramié din Vallauris și a început o producție intensă, aproximativ două mii de piese între octombrie 1947 și 1948, introducând inovații formale, tehnice și coloristice care au dus la o revitalizare a industriei ceramicii din oraș, aflată în declin de la Primul Război Mondial. În pictură și gravură a realizat câteva lucrări doar până la sfârșitul anului; a continuat să lucreze la gravurile pentru Vingt Poèmes de Góngora, la câteva portrete ale lui Françoise și la naturi moarte. În decembrie a realizat decorurile pentru Oedipus Rex de Sofocle, în regia lui Pierre Blanchar.

În primăvara anului 1948, Picasso și Françoise au părăsit apartamentul lor din Golfe-Juan, iar în mai Picasso a început să lucreze la o serie de treizeci și opt de gravuri și patru acuarele pentru a ilustra Carmen de Prospero Mérimée (Paris, La Bibliothèque Française), pe care a finalizat-o în noiembrie. În timpul verii s-au mutat într-o casă mică, numită La Galloise, pe dealurile din jurul Vallauris. Françoise a stabilit un dialog artistic deschis cu Matisse, prin corespondență și vizite la artist. Picasso a finalizat poemul în șase acte Les Quatre Petites Filles, pe care a început să-l scrie în noiembrie 1947. Pe 25 august, Picasso a participat la Congresul intelectualilor pentru pace de la Wroclaw, revenind la Vallauris la mijlocul lunii septembrie. În octombrie s-a întors la atelierul său din Paris, Françoise fiind din nou însărcinată. A început să lucreze pe tema femeii-fluture și mai multe naturi statice. A pictat două versiuni ale tabloului La Cuisine (Bucătăria), una la Muzeul Picasso din Paris și cealaltă la MoMA din New York, compoziții liniare construite prin ritmuri și linii puternice, cu o utilizare redusă a culorii. În decembrie a pictat mai multe portrete ale fiului său Claude și a tipărit douăzeci și șapte de machete din Femme assise dans un fauteuil, o serie în care Françoise poartă o haină pe care Picasso i-a adus-o din Polonia, care a continuat în ianuarie 1949. De asemenea, a continuat să lucreze la naturi moarte cu crustacee; Nature morte au poron (Natură moartă cu un porron, Galerie Fabien Boulakia), Le grand homard rouge (Marele homar roșu, colecție privată).

În februarie 1949, Louis Aragon a mers la atelierul lui Picasso din Paris pentru a selecta un desen pentru afișul Congresului Mondial al Partizanilor pentru Pace, care urma să aibă loc la Paris în luna aprilie a aceluiași an. Colomba, un desen în creion albastru pe hârtie, a fost motivul ales de Aragon, iar imaginea a devenit repede cunoscută sub numele de Porumbelul păcii.

În martie a început o serie de picturi cu Françoise așezată, intitulată Femme assise (Femeie așezată). În primăvară, s-a întors pentru scurt timp la Vallauris și a cumpărat o fabrică de esențe abandonată pentru a o folosi ca atelier și a folosit câteva camere pentru a-și depozita lucrările de ceramică. De asemenea, a început să colecționeze obiecte și vechituri, pe care le va reutiliza mai târziu în diverse piese. Și-a intensificat activitatea de sculptură, pe care o reluase în anul precedent: Femme enceinte (Femeia însărcinată) reprezintă o formă feminină dintr-o tijă lungă de metal, la care a adăugat două brațe deasupra și două picioare dedesubt, precum și o burtă umflată cu doi sâni mici în centru. A realizat din nou o serie de lucrări inspirate de picturile lui Lucas Cranach cel Bătrân: litografiile Vénus et l”Amour (Jeune fille inspirée par Cranach), deținută de Christie”s, și David et Bethsabée (Cranach) VII (David și Betsabea (Cranach) VII), care se află la Musée Picasso, Paris. Variațiunile lui Picasso asupra tabloului David și Betsabea de Cranach își au originea într-o reproducere alb-negru a catalogului unei expoziții din 1937 despre artist, organizată la Berlin, pe care Kahnweiler i l-a oferit.

La 19 aprilie 1949, în ziua deschiderii Congresului Păcii, s-a născut cea de-a doua fiică a sa, pe care a decis să o numească Paloma, după simbolul pe care îl crease pentru afișele care au apărut pe toate străzile Parisului.După naștere, Françoise și-a reluat activitatea de pictoriță, iar Kahnweiler i-a oferit un contract pentru a fi dealerul său exclusiv de artă. Familia s-a întors la Vallauris în toamnă, iar Picasso, care își pierduse o parte din interesul pentru ceramică, s-a întors la pictură și sculptură într-un mod mai concentrat, producând mai multe bronzuri, unele cu motive africane. În anul următor, sculptura i-a ocupat cea mai mare parte a timpului.

La 6 august 1950, Laurent Casanova a inaugurat expoziția L”Homme au mouton la Vallauris. Picasso a pictat „Capra”, „Femeia cu un cărucior” și „Fata care sare pe frânghie”. Pe 15 ianuarie 1951, a pictat Masacrul din Coreea. În 1952, a desenat Război și pace pentru a decora capela din Vallauris, a scris o a doua piesă: Les Quatre Petites Filles.

În aprilie 1954 a pictat portretele lui Sylvette David. În decembrie a început seria de variațiuni pe tema Femeilor din Alger de Delacroix. În mai 1955, s-a mutat cu Jacqueline Roque la vila La California din Cannes. În iunie, a avut loc o retrospectivă la Musée des Arts Décoratifs. În timpul verii, a lucrat cu Henri-Georges Clouzot pentru filmul Picasso Mystère.

În 1956 a realizat The Bathers, sculpturi în lemn (Stuttgart, Staatsgalerie), care au fost ulterior sculptate în bronz. A pictat Atelierul din California. La 17 august 1957 a început să lucreze la o serie de 58 de interpretări ale operei Las Meninas (Barcelona, Museo Picasso). La 29 martie 1958 a prezentat decorația pentru Unesco: The Fall of Icarus. În septembrie, Picasso a cumpărat Château de Vauvenargues și a pictat The Bay of Cannes.

S-a căsătorit cu Jacqueline la Vallauris, la 2 martie 1961, iar în iunie s-a mutat la Notre-Dame-de-Vie din Mougins (lângă Cannes). A pictat: La Femme aux bras écartés, La silla, La mujer y los niños, Los Futbolistas. În noiembrie 1962, a pictat Răpirea Sabinelor, o versiune a căreia se află la Musée National d”Art Moderne din Paris. Deschiderea retrospectivei la Grand Palais și Petit Palais a avut loc la 19 noiembrie 1966.

În ianuarie 1970, Muzeul Picasso din Barcelona a primit o donație a operelor păstrate de familia sa. O expoziție cu lucrările sale a avut loc la Palais des Papes din Avignon, din mai până în octombrie. În aprilie 1971, Galeria Louise Leiris a expus 194 de desene realizate între 15 decembrie 1969 și 12 ianuarie 1971. O nouă expoziție la Galeria Louise Leiris în ianuarie 1973, care prezintă 156 de gravuri realizate între sfârșitul anului 1970 și martie 1972.

Citește și, civilizatii – Republica Venețiană

Moartea

În 1973, la vârsta de nouăzeci și unu de ani, a murit din cauza unui edem pulmonar în locuința sa din Mougins, Franța. Cu toate acestea, autoritățile locale nu i-au permis să fie înmormântat în conac, iar soția sa, Jacqueline, a decis să îl înmormânteze în castelul din Vauvenargues, deținut tot de Picasso, unde avea să fie înmormântată și ea ani mai târziu.

Citește și, biografii – Kālidāsa

Alte linkuri interesante

sursele

1. Pablo Picasso
2. Pablo Picasso