Paul Gauguin
gigatos | aprilie 11, 2022
Rezumat
Eugène Henri Paul Gauguin (7 iunie 1848 – 8 mai 1903) a fost un artist francez postimpresionist. Neapreciat până după moartea sa, Gauguin este acum recunoscut pentru utilizarea experimentală a culorilor și pentru stilul său sintetist, distinct de impresionism. Spre sfârșitul vieții sale, a petrecut zece ani în Polinezia Franceză. Picturile din această perioadă înfățișează oameni sau peisaje din acea regiune.
Opera sa a influențat avangarda franceză și mulți artiști moderni, precum Pablo Picasso și Henri Matisse, și este bine cunoscut pentru relația sa cu Vincent și Theo van Gogh. Arta lui Gauguin a devenit populară după moartea sa, parțial datorită eforturilor dealerului Ambroise Vollard, care a organizat expoziții ale lucrărilor sale la sfârșitul carierei sale și a ajutat la organizarea a două expoziții postume importante la Paris.
Gauguin a fost o figură importantă a mișcării simboliste ca pictor, sculptor, gravor, ceramist și scriitor. Exprimarea semnificației inerente a subiectelor din picturile sale, sub influența stilului cloisonnist, a deschis calea primitivismului și a revenirii la pastorală. A fost, de asemenea, un practicant influent al gravurii pe lemn și al xilogravurii ca forme de artă.
Citește și, biografii – Bruce Lee
Istoria familiei și primii ani de viață
Gauguin s-a născut la Paris, la 7 iunie 1848, la Paris, din Clovis Gauguin și Aline Chazal, în anul tulburărilor revoluționare din întreaga Europă. Tatăl său, un jurnalist liberal în vârstă de 34 de ani, provenind dintr-o familie de antreprenori din Orléans, a fost nevoit să fugă din Franța atunci când ziarul pentru care scria a fost suprimat de autoritățile franceze. Mama lui Gauguin era fiica în vârstă de 22 de ani a lui André Chazal, un gravor, și a lui Flora Tristan, o scriitoare și activistă în primele mișcări socialiste. Unirea lor s-a încheiat când André și-a agresat soția Flora și a fost condamnat la închisoare pentru tentativă de omor.
Bunica maternă a lui Paul Gauguin, Flora Tristan, a fost fiica nelegitimă a lui Thérèse Laisnay și a lui Don Mariano de Tristan Moscoso. Nu se cunosc detalii despre originea familiei lui Thérèse; Don Mariano provenea dintr-o familie aristocratică spaniolă din orașul peruvian Arequipa. El a fost ofițer de dragoni. Membrii bogatei familii Tristan Moscoso dețineau poziții puternice în Peru. Cu toate acestea, moartea neașteptată a lui Don Mariano a aruncat-o în sărăcie pe amanta și fiica sa, Flora. Când căsătoria dintre Flora și André a eșuat, aceasta a cerut și a obținut o mică despăgubire monetară de la rudele peruane ale tatălui ei. Ea a navigat spre Peru în speranța de a-și mări partea ei din averea familiei Tristan Moscoso. Acest lucru nu s-a concretizat niciodată, dar a publicat cu succes un jurnal de călătorie popular despre experiențele sale în Peru, care i-a lansat cariera literară în 1838. Susținătoare activă a primelor societăți socialiste, bunica maternă a lui Gauguin a contribuit la punerea bazelor mișcărilor revoluționare din 1848. Plasată sub supravegherea poliției franceze și suferind de surmenaj, aceasta a murit în 1844. Nepotul ei, Paul, „și-a idolatrizat bunica și a păstrat cu el copii ale cărților ei până la sfârșitul vieții”.
În 1850, Clovis Gauguin a plecat în Peru împreună cu soția sa Aline și cu copiii săi mici, în speranța de a-și continua cariera de jurnalist sub auspiciile relațiilor sud-americane ale soției sale. El a murit de un atac de cord pe drum, iar Aline a ajuns în Peru ca văduvă cu Paul, în vârstă de 18 luni, și cu sora sa de 21⁄2 ani, Marie. Mama lui Gauguin a fost întâmpinată de bunicul ei patern, al cărui ginere, José Rufino Echenique, urma să preia în scurt timp președinția Peru. Până la vârsta de șase ani, Paul s-a bucurat de o educație privilegiată, asistată de dădace și servitori. El a păstrat o amintire vie a acestei perioade a copilăriei sale, care i-a insuflat „impresii de neșters despre Peru care l-au bântuit tot restul vieții”.
Copilăria idilică a lui Gauguin s-a încheiat brusc atunci când mentorii familiei sale au căzut de la puterea politică în timpul conflictelor civile din Peru, în 1854. Aline s-a întors în Franța cu copiii ei, lăsându-l pe Paul cu bunicul său patern, Guillaume Gauguin, la Orléans. Privată de clanul peruvian Tristan Moscoso de o rentă viageră generoasă aranjată de bunicul ei, Aline s-a stabilit la Paris pentru a lucra ca croitoreasă.
Citește și, batalii – Bătălia de la Cannae
Educație și primul loc de muncă
După ce a frecventat câteva școli locale, Gauguin a fost trimis la prestigiosul internat catolic Petit Séminaire de La Chapelle-Saint-Mesmin. A petrecut trei ani la această școală. La vârsta de 14 ani, a intrat la Institutul Loriol din Paris, o școală pregătitoare pentru marină, înainte de a se întoarce la Orléans pentru a urma ultimul an la Liceul Jeanne D”Arc. Gauguin s-a angajat ca asistent de pilot în marina comercială. Trei ani mai târziu, s-a alăturat marinei franceze, în care a servit timp de doi ani. Mama sa a murit la 7 iulie 1867, dar Gauguin nu a aflat de acest lucru decât după câteva luni, până când o scrisoare de la sora sa Marie l-a ajuns din urmă în India.
În 1871, Gauguin s-a întors la Paris, unde și-a găsit un loc de muncă ca agent de bursă. Un prieten apropiat de familie, Gustave Arosa, i-a obținut un loc de muncă la Bursa din Paris; Gauguin avea 23 de ani. A devenit un om de afaceri parizian de succes și a rămas unul pentru următorii 11 ani. În 1879, câștiga 30.000 de franci pe an (aproximativ 145.000 de dolari în dolari americani din 2019) ca agent de bursă și tot atât de mult în afacerile sale pe piața de artă. Dar în 1882, bursa din Paris s-a prăbușit, iar piața de artă s-a contractat. Câștigurile lui Gauguin s-au deteriorat brusc și, în cele din urmă, a decis să se ocupe cu normă întreagă de pictură.
Citește și, evenimente-importante – Războiul din Coreea
Căsătorie
În 1873, s-a căsătorit cu o daneză, Mette-Sophie Gad (Clovis (și Paul Rollon (1883-1961). În 1884, Gauguin s-a mutat cu familia sa la Copenhaga, Danemarca, unde a urmat o carieră în afaceri ca vânzător de prelate. Nu a fost un succes: Nu știa să vorbească daneza, iar danezii nu doreau prelate franceze. Mette a devenit principala sursă de venit, dând lecții de franceză diplomaților stagiari.
Familia și căsnicia sa din clasa de mijloc s-au destrămat după 11 ani, când Gauguin a fost determinat să picteze cu normă întreagă. S-a întors la Paris în 1885, după ce soția și familia ei i-au cerut să plece, deoarece renunțase la valorile pe care le împărtășeau. Ultimul contact fizic al lui Gauguin cu ei a avut loc în 1891, iar Mette s-a despărțit în cele din urmă de el în mod decisiv în 1894.
Citește și, istorie – Războiul de eliberare din Bangladesh
Primele picturi
În 1873, în perioada în care a devenit agent de bursă, Gauguin a început să picteze în timpul liber. Viața sa pariziană s-a axat pe arondismentul 9 din Paris. Gauguin a locuit la numărul 15, rue la Bruyère. În apropiere se aflau cafenelele frecventate de impresioniști. De asemenea, Gauguin vizita frecvent galerii de artă și cumpăra lucrări ale unor artiști emergenți. S-a împrietenit cu Camille Pissarro și îl vizita duminica pentru a picta în grădina acestuia. Pissarro i-a făcut cunoștință cu diverși alți artiști. În 1877, Gauguin „s-a mutat în partea de jos a pieței și peste râu, în zona mai săracă, mai nouă și mai urbană” din Vaugirard. Aici, la etajul al treilea, la 8 rue Carcel, a avut prima sa locuință cu un atelier.
Prietenul său apropiat Émile Schuffenecker, un fost agent de bursă care aspira și el să devină artist, locuia în apropiere. Gauguin a expus tablouri în cadrul expozițiilor impresioniste organizate în 1881 și 1882 (anterior, o sculptură a fiului său Émile fusese singura sculptură din cadrul celei de-a patra expoziții impresioniste din 1879). Tablourile sale au primit recenzii disprețuitoare, deși câteva dintre ele, cum ar fi Grădinile de piață din Vaugirard, sunt acum foarte apreciate.
În 1882, piața bursieră s-a prăbușit, iar piața de artă s-a contractat. Paul Durand-Ruel, principalul comerciant de artă al impresioniștilor, a fost afectat în mod special de această prăbușire și, pentru o perioadă de timp, a încetat să mai cumpere tablouri de la pictori precum Gauguin. Câștigurile lui Gauguin s-au contractat brusc, iar în următorii doi ani și-a formulat încet planurile de a deveni un artist cu normă întreagă. În următoarele două veri, a pictat cu Pissarro și, ocazional, cu Paul Cézanne.
În octombrie 1883, i-a scris lui Pissarro spunându-i că a decis să trăiască din pictură cu orice preț și i-a cerut ajutorul, pe care Pissarro i l-a acordat cu ușurință. În ianuarie anul următor, Gauguin s-a mutat împreună cu familia sa la Rouen, unde puteau locui mai ieftin și unde credea că a descoperit oportunități atunci când l-a vizitat pe Pissarro în vara precedentă. Cu toate acestea, aventura s-a dovedit a fi un eșec, iar la sfârșitul anului Mette și copiii s-au mutat la Copenhaga, Gauguin urmându-i la scurt timp după aceea, în noiembrie 1884, aducând cu el colecția sa de artă, care a rămas ulterior la Copenhaga.
Viața la Copenhaga s-a dovedit la fel de dificilă, iar căsnicia lor a devenit mai tensionată. La îndemnul lui Mette, sprijinit de familia ei, Gauguin s-a întors la Paris în anul următor.
Citește și, biografii – Lady Godiva
Franța 1885-1886
Gauguin s-a întors la Paris în iunie 1885, însoțit de fiul său de șase ani, Clovis. Ceilalți copii au rămas cu Mette la Copenhaga, unde au beneficiat de sprijinul familiei și al prietenilor, în timp ce Mette însăși a reușit să se angajeze ca traducător și profesor de franceză. Inițial, lui Gauguin i-a fost greu să se reintegreze în lumea artei din Paris și și-a petrecut prima iarnă de revenire în sărăcie reală, fiind obligat să accepte o serie de slujbe de jos. În cele din urmă, Clovis s-a îmbolnăvit și a fost trimis la un internat, sora lui Gauguin, Marie, asigurând fondurile necesare. În timpul acestui prim an, Gauguin a produs foarte puțină artă. A expus nouăsprezece picturi și un relief pe lemn la cea de-a opta (și ultima) expoziție impresionistă din mai 1886.
Cele mai multe dintre aceste picturi erau lucrări anterioare din Rouen sau Copenhaga și nu exista nimic cu adevărat nou în cele câteva picturi noi, deși Baigneuses à Dieppe („Femei care fac baie”) a introdus ceea ce avea să devină un motiv recurent, femeia în valuri. Cu toate acestea, Félix Bracquemond a cumpărat unul dintre tablourile sale. Această expoziție l-a consacrat, de asemenea, pe Georges Seurat ca lider al mișcării de avangardă din Paris. Gauguin a respins cu dispreț tehnica neoimpresionistă pointilistă a lui Seurat și, mai târziu, în cursul anului, a rupt în mod decisiv cu Pissarro, care, din acel moment, a fost mai degrabă antagonist față de Gauguin.
Gauguin și-a petrecut vara anului 1886 în colonia de artiști din Pont-Aven, în Bretania. A fost atras în primul rând pentru că era ieftin să locuiască acolo. Cu toate acestea, s-a trezit cu un succes neașteptat în rândul tinerilor studenți la arte care se înghesuiau acolo în timpul verii. Temperamentul său pugilistic înnăscut (era atât boxer, cât și scrimer desăvârșit) nu a fost un impediment în stațiunea relaxată din punct de vedere social de la malul mării. În acea perioadă, a fost ținut minte atât pentru înfățișarea sa ciudată, cât și pentru arta sa. Printre acești noi asociați se număra Charles Laval, care îl va însoți pe Gauguin în anul următor în Panama și Martinica.
În acea vară, a executat câteva desene în pastel cu figuri nud, în stilul lui Pissarro și al lui Degas, expuse la cea de-a opta expoziție impresionistă din 1886. A pictat în principal peisaje, cum ar fi La Bergère Bretonne („Păstorița bretonă”), în care figura joacă un rol subordonat. Lucrarea sa Jeunes Bretons au bain („Tineri bretoni la scăldat”), care introduce o temă la care a revenit de fiecare dată când a vizitat Pont-Aven, este în mod clar îndatorată lui Degas prin designul său și prin utilizarea îndrăzneață a culorilor pure. Desenele naive ale ilustratorului englez Randolph Caldecott, folosite pentru a ilustra un ghid popular despre Bretania, au captat imaginația studenților artiști avangardiști de la Pont-Aven, dornici să se elibereze de conservatorismul academiilor lor, iar Gauguin le-a imitat în mod conștient în schițele sale cu fete bretone. Aceste schițe au fost ulterior transformate în picturi în atelierul său din Paris. Cea mai importantă dintre acestea este „Patru femei bretone”, care se îndepărtează în mod evident de stilul său impresionist anterior și care încorporează ceva din calitatea naivă a ilustrației lui Caldecott, exagerând trăsăturile până la caricatură.
Gauguin, împreună cu Émile Bernard, Charles Laval, Émile Schuffenecker și mulți alții, a vizitat din nou Pont-Aven după călătoriile sale în Panama și Martinica. Utilizarea îndrăzneață a culorilor pure și alegerea simbolistă a subiectelor disting ceea ce se numește acum Școala de la Pont-Aven. Dezamăgit de impresionism, Gauguin a simțit că pictura europeană tradițională devenise prea imitativă și că îi lipsea profunzimea simbolică. În schimb, arta din Africa și Asia i s-a părut plină de simbolism mistic și de vigoare. La acea vreme, în Europa era în vogă arta altor culturi, în special cea a Japoniei (japonismul). A fost invitat să participe la expoziția din 1889 organizată de Les XX.
Citește și, biografii – Filip al II-lea al Spaniei
Cloisonnismul și sintetismul
Sub influența artei populare și a tipăriturilor japoneze, lucrările lui Gauguin au evoluat spre cloisonnism, un stil căruia criticul Édouard Dujardin i-a dat numele pentru a descrie metoda lui Émile Bernard de a picta cu zone plate de culoare și contururi îndrăznețe, care îi amintea lui Dujardin de tehnica medievală de emailare cloisonné. Gauguin a apreciat foarte mult arta lui Bernard și îndrăzneala cu care acesta a angajat un stil care i se potrivea lui Gauguin în încercarea sa de a exprima esența obiectelor în arta sa.
În tabloul lui Gauguin „Hristosul galben” (1889), adesea citat ca fiind chintesența operei cloisonniste, imaginea a fost redusă la zone de culoare pură separate de contururi negre puternice. În astfel de lucrări, Gauguin a acordat puțină atenție perspectivei clasice și a eliminat cu îndrăzneală gradațiile subtile de culoare, renunțând astfel la cele două principii cele mai caracteristice ale picturii post-renascentiste. Pictura sa a evoluat ulterior spre sintetism, în care nici forma, nici culoarea nu predomină, ci fiecare are un rol egal.
Citește și, biografii – Maria Montessori
Martinica
În 1887, după ce a vizitat Panama, Gauguin a petrecut perioada iunie-noiembrie în apropiere de Saint Pierre, pe insula caraibiană Martinica, însoțit de prietenul său, artistul Charles Laval. Gândurile și experiențele sale din această perioadă sunt consemnate în scrisorile adresate soției sale Mette și prietenului său artist Emile Schuffenecker. A sosit în Martinica prin Panama, unde s-a trezit falit și fără un loc de muncă. La acea vreme, Franța avea o politică de repatriere, conform căreia, dacă un cetățean rămânea falit sau eșuat pe o colonie franceză, statul plătea drumul de întoarcere cu barca. După ce au părăsit Panama, protejați de politica de repatriere, Gauguin și Laval au decis să coboare de pe vas în portul St Pierre din Martinica. Cercetătorii nu sunt de acord dacă Gauguin a decis în mod intenționat sau spontan să rămână pe insulă.
La început, „coliba negrilor” în care locuiau îi convenea și îi plăcea să privească oamenii în activitățile lor zilnice. Cu toate acestea, vara, vremea era călduroasă, iar coliba avea scurgeri de apă în caz de ploaie. Gauguin a suferit, de asemenea, de dizenterie și de febra mlaștinilor. În timpul petrecut în Martinica, Gauguin a realizat între 10 și 20 de lucrări (12 fiind cea mai frecventă estimare), a călătorit mult și se pare că a intrat în contact cu o mică comunitate de imigranți indieni; un contact care avea să-i influențeze mai târziu arta prin încorporarea simbolurilor indiene. În timpul șederii sale, pe insulă s-a aflat și scriitorul Lafcadio Hearn. Relatarea sa oferă o comparație istorică pentru a însoți imaginile lui Gauguin.
Gauguin a finalizat 11 picturi cunoscute în timpul șederii sale în Martinica, multe dintre acestea părând a fi derivate din coliba sa. Scrisorile sale către Schuffenecker exprimă entuziasmul față de locația exotică și față de localnicii reprezentați în picturile sale. Gauguin a afirmat că patru dintre picturile sale de pe insulă au fost mai bune decât restul. Lucrările în ansamblu sunt scene figurative în aer liber, viu colorate, pictate lejer. Chiar dacă perioada petrecută pe insulă a fost scurtă, aceasta a fost cu siguranță influentă. A reciclat unele dintre figurile și schițele sale în picturile ulterioare, cum ar fi motivul din Among the Mangoes, care este reprodus pe evantaiele sale. Populațiile rurale și indigene au rămas un subiect popular în lucrările lui Gauguin și după ce a părăsit insula.
Citește și, biografii – Kęstutis
Vincent și Theo van Gogh
Picturile lui Gauguin din Martinica au fost expuse la galeria comerciantului său de culori Arsène Poitier. Acolo au fost văzute și admirate de Vincent van Gogh și de fratele său Theo, negustor de artă, a cărui firmă Goupil & Cie avea relații cu Portier. Theo a cumpărat trei dintre tablourile lui Gauguin pentru 900 de franci și a aranjat ca acestea să fie expuse la Goupil”s, făcându-l astfel cunoscut pe Gauguin unor clienți bogați. Acest aranjament cu Goupil”s a continuat și după moartea lui Theo, în 1891. În același timp, Vincent și Gauguin au devenit prieteni apropiați (din partea lui Vincent, această relație a ajuns la ceva asemănător cu adulația) și au corespondat împreună despre artă, o corespondență care a fost esențială pentru Gauguin în formularea filozofiei sale despre artă.
În 1888, la instigarea lui Theo, Gauguin și Vincent au petrecut nouă săptămâni pictând împreună la Casa Galbenă a lui Vincent din Arles, în sudul Franței. Relația lui Gauguin cu Vincent s-a dovedit a fi una tensionată. Relația lor s-a deteriorat și, în cele din urmă, Gauguin a decis să plece. În seara zilei de 23 decembrie 1888, potrivit unei relatări mult mai târzii a lui Gauguin, Vincent l-a confruntat pe Gauguin cu o lamă de ras. Mai târziu, în aceeași seară, și-a tăiat urechea stângă. A înfășurat țesutul retezat într-un ziar și l-a înmânat unei femei care lucra la un bordel pe care Gauguin și Vincent îl vizitaseră amândoi, rugând-o să „păstreze cu grijă acest obiect, în amintirea mea”. Vincent a fost spitalizat în ziua următoare, iar Gauguin a părăsit Arles. Nu s-au mai revăzut niciodată, dar au continuat să corespondeze, iar în 1890 Gauguin a mers atât de departe încât i-a propus să formeze un atelier de artist în Anvers. Un autoportret sculptural din 1889, Jug in the Form of a Head (Ulcior în formă de cap), pare să facă referire la relația traumatizantă a lui Gauguin cu Vincent.
Mai târziu, Gauguin a afirmat că a influențat dezvoltarea lui Vincent van Gogh ca pictor la Arles. Deși Vincent a experimentat pentru scurt timp teoria lui Gauguin de a „picta din imaginație” în tablouri precum „Amintiri din grădina din Etten”, aceasta nu i s-a potrivit și s-a întors rapid la pictura din natură.
Citește și, biografii – Wang Zhen (oficial al dinastiei Yuan)
Edgar Degas
Deși Gauguin a făcut unele dintre primele sale progrese în lumea artei sub conducerea lui Pissarro, Edgar Degas a fost cel mai admirat artist contemporan al lui Gauguin și a avut o mare influență asupra operei sale de la început, cu figurile și interioarele sale, precum și cu un medalion sculptat și pictat al cântăreței Valérie Roumi. Avea o profundă venerație pentru demnitatea și tactul artistic al lui Degas. A fost prietenia cea mai sănătoasă și de lungă durată a lui Gauguin, care s-a întins pe întreaga sa carieră artistică până la moartea sa.
Pe lângă faptul că a fost unul dintre primii susținători ai lui Gauguin, cumpărând inclusiv lucrări ale acestuia și convingându-l pe dealerul Paul Durand-Ruel să facă același lucru, nu a existat niciodată un sprijin public pentru Gauguin mai neclintit decât cel al lui Degas. Gauguin a cumpărat, de asemenea, lucrări de la Degas la începutul și până la jumătatea anilor 1870, iar propria sa predilecție pentru monotipuri a fost probabil influențată de progresele lui Degas în acest mediu.
Expoziția Durand-Ruel a lui Gauguin din noiembrie 1893, organizată în principal de Degas, a primit critici mixte. Printre cei care au luat în derâdere s-au numărat Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir și fostul prieten Pissarro. Cu toate acestea, Degas i-a lăudat opera, achiziționând Te faaturuma și admirând somptuozitatea exotică a folclorului evocat de Gauguin. În semn de recunoștință, Gauguin i-a oferit lui Degas tabloul Luna și Pământul, unul dintre tablourile expuse care atrăsese cele mai ostile critici. Pânza târzie a lui Gauguin, Călăreți pe plajă (două versiuni), amintește de tablourile cu cai ale lui Degas, pe care acesta le-a început în anii 1860, mai exact Racetrack și Before the Race, ceea ce atestă efectul durabil al acestuia asupra lui Gauguin. Mai târziu, Degas a cumpărat două tablouri la licitația organizată de Gauguin în 1895 pentru a strânge fonduri pentru ultima sa călătorie în Tahiti. Acestea au fost Vahine no te vi (Femeie cu un mango) și versiunea pe care Gauguin a pictat-o din Olympia lui Manet.
Citește și, biografii – Aleksandr Pușkin
Prima vizită în Tahiti
În 1890, Gauguin a conceput proiectul de a face din Tahiti următoarea sa destinație artistică. O licitație reușită de tablouri la Paris, la Hôtel Drouot, în februarie 1891, împreună cu alte evenimente, precum un banchet și un concert de caritate, au furnizat fondurile necesare. Licitația a fost ajutată în mare măsură de o recenzie măgulitoare din partea lui Octave Mirbeau, curtat de Gauguin prin intermediul lui Camille Pissarro. După ce și-a vizitat soția și copiii la Copenhaga, pentru ceea ce s-a dovedit a fi ultima dată, Gauguin a plecat spre Tahiti la 1 aprilie 1891, promițând să se întoarcă un om bogat și să o ia de la capăt. Intenția sa declarată era să scape de civilizația europeană și de „tot ceea ce este artificial și convențional”. Cu toate acestea, a avut grijă să ia cu el o colecție de stimuli vizuali sub formă de fotografii, desene și gravuri.
Primele trei luni le-a petrecut în Papeete, capitala coloniei și deja foarte influențată de cultura franceză și europeană. Biografa sa Belinda Thomson observă că trebuie să fi fost dezamăgit de viziunea sa despre o idilă primitivă. Nu și-a putut permite stilul de viață de căutare a plăcerilor din Papeete, iar o primă încercare de a realiza un portret, Suzanne Bambridge, nu a fost bine primită. A decis să-și înființeze atelierul în Mataiea, Papeari, la aproximativ 45 de kilometri de Papeete, instalându-se într-o colibă de bambus în stil nativ. Aici a executat tablouri care descriu viața tahitiană, cum ar fi Fatata te Miti (Pe malul mării) și Ia Orana Maria (Ave Maria), acesta din urmă devenind cel mai apreciat tablou tahitian al său.
Multe dintre cele mai bune picturi ale sale datează din această perioadă. Se crede că primul său portret al unui model tahitian este Vahine no te tiare (Femeie cu o floare). Pictura se remarcă prin grija cu care conturează trăsăturile polineziene. El a trimis tabloul patronului său George-Daniel de Monfreid, un prieten al lui Schuffenecker, care avea să devină campionul devotat al lui Gauguin în Tahiti. La sfârșitul verii anului 1892, acest tablou a fost expus la galeria lui Goupil din Paris. Istoricul de artă Nancy Mowll Mathews consideră că întâlnirea lui Gauguin cu senzualitatea exotică din Tahiti, atât de evidentă în pictură, a fost de departe cel mai important aspect al șederii sale acolo.
Lui Gauguin i s-au împrumutat copii ale cărții lui Jacques-Antoine Moerenhout Voyage aux îles du Grand Océan din 1837 și ale lui Edmond de Bovis din 1855 État de la société tahitienne à l”arrivée des Européens, care conțineau relatări complete despre cultura și religia uitată a Tahitiului. Gauguin a fost fascinat de relatările despre societatea Arioi și despre zeul lor „Oro”. Deoarece aceste relatări nu conțineau ilustrații, iar modelele tahitiene dispăruseră de mult timp, Gauguin și-a putut da frâu liber imaginației. În decursul anului următor, Gauguin a executat aproximativ douăzeci de picturi și o duzină de sculpturi în lemn. Primul dintre acestea a fost Te aa no areois (Sămânța lui Areoi), reprezentând-o pe Vairaumati, soția terestră a lui Oro, care se află în prezent la Metropolitan Museum of Art. Caietul său ilustrat din acea perioadă, Ancien Culte Mahorie , este păstrat la Luvru și a fost publicat în facsimil în 1951.
În total, Gauguin i-a trimis nouă dintre tablourile sale lui Monfreid la Paris. Acestea au fost expuse în cele din urmă la Copenhaga, într-o expoziție comună cu regretatul Vincent van Gogh. Rapoartele conform cărora au fost bine primite (deși, de fapt, doar două dintre picturile tahitiene au fost vândute, iar primele sale picturi au fost comparate în mod nefavorabil cu cele ale lui van Gogh) au fost suficient de încurajatoare pentru ca Gauguin să se gândească să se întoarcă cu alte șaptezeci de tablouri pe care le terminase. În orice caz, Gauguin rămăsese în mare parte fără fonduri, depinzând de o subvenție de stat pentru a se întoarce acasă gratuit. În plus, avea unele probleme de sănătate diagnosticate ca fiind probleme cardiace de către medicul local, ceea ce Mathews sugerează că ar fi putut fi primele semne ale sifilisului cardiovascular.
Mai târziu, Gauguin a scris un jurnal de călătorie (publicat pentru prima dată în 1901) intitulat Noa Noa , conceput inițial ca un comentariu la picturile sale și descriind experiențele sale din Tahiti. Criticii moderni au sugerat că conținutul cărții a fost în parte fantezist și plagiat. În ea, el a dezvăluit că, în acea perioadă, a luat ca soție nativă sau vahine (cuvântul tahitian pentru „femeie”) o fată de 13 ani, căsătorie contractată în decursul unei singure după-amieze. Aceasta era Teha”amana, numită Tehura în jurnalul de călătorie, care era însărcinată cu el până la sfârșitul verii 1892. Teha”amana a fost subiectul mai multor tablouri ale lui Gauguin, printre care Merahi metua no Tehamana și celebrul Spirit of the Dead Watching, precum și o remarcabilă sculptură în lemn Tehura, aflată în prezent la Musée d”Orsay. Până la sfârșitul lunii iulie 1893, Gauguin a decis să părăsească Tahiti și nu avea să o mai vadă niciodată pe Teha”amana sau pe copilul ei, chiar și după ce s-a întors pe insulă câțiva ani mai târziu.
Citește și, biografii – Frida Kahlo
Întoarcerea în Franța
În august 1893, Gauguin s-a întors în Franța, unde a continuat să picteze tablouri cu subiecte tahitiene precum Mahana no atua (Ziua zeului) și Nave nave moe (Primăvara sacră, vise dulci). O expoziție la galeria Durand-Ruel în noiembrie 1894 a avut un succes moderat, vânzând la prețuri destul de ridicate unsprezece dintre cele patruzeci de tablouri expuse. Și-a amenajat un apartament pe strada Vercingétorix nr. 6, la marginea cartierului Montparnasse, frecventat de artiști, și a început să conducă un salon săptămânal. A adoptat o personalitate exotică, îmbrăcându-se în costume polineziene, și a avut o relație publică cu o tânără încă adolescentă, „jumătate indiancă, jumătate malaeziană”, cunoscută sub numele de Annah Javaneza.
În ciuda succesului moderat al expoziției sale din noiembrie, a pierdut ulterior patronajul lui Durand-Ruel în circumstanțe care nu sunt clare. Mathews caracterizează acest lucru ca fiind o tragedie pentru cariera lui Gauguin. Printre altele, a pierdut șansa de a se introduce pe piața americană. La începutul anului 1894, Gauguin a pregătit xilogravuri folosind o tehnică experimentală pentru jurnalul de călătorie Noa Noa pe care îl propunea. S-a întors la Pont-Aven pentru vară. În februarie 1895 a încercat să organizeze o licitație a picturilor sale la Hôtel Drouot din Paris, similară celei din 1891, dar nu a avut succes. Cu toate acestea, negustorul Ambroise Vollard i-a expus tablourile la galeria sa în martie 1895, dar, din păcate, nu au ajuns la un acord la acea dată.
A prezentat o sculptură ceramică de mari dimensiuni, numită Oviri, pe care o coase în iarna precedentă, la salonul Societății Naționale de Arte Frumoase din 1895, care se deschidea în aprilie. Există versiuni contradictorii cu privire la modul în care a fost primită: biograful și colaboratorul său Noa Noa, poetul simbolist Charles Morice , susținea (1920) că lucrarea a fost „literalmente expulzată” din expoziție, în timp ce Vollard a declarat (1937) că lucrarea a fost admisă doar atunci când Chaplet a amenințat că își va retrage toate lucrările proprii. În orice caz, Gauguin a profitat de această ocazie pentru a-și spori expunerea publică scriind o scrisoare indignată despre starea ceramicii moderne în Le Soir.
Până atunci, devenise clar că el și soția sa, Mette, erau irevocabil despărțiți. Deși existau speranțe de reconciliere, s-au certat rapid din cauza problemelor financiare și niciunul nu se vizita pe celălalt. Inițial, Gauguin a refuzat să împartă vreo parte din moștenirea de 13.000 de franci de la unchiul său Isidore, pe care o primise la scurt timp după întoarcere. Mette a primit în cele din urmă 1.500 de franci, dar a fost revoltată și din acel moment a păstrat legătura cu el doar prin intermediul lui Schuffenecker – ceea ce a fost de două ori mai supărător pentru Gauguin, deoarece prietenul său cunoștea astfel adevărata dimensiune a trădării sale.
Până la jumătatea anului 1895, încercările de a strânge fonduri pentru întoarcerea lui Gauguin în Tahiti au eșuat, iar acesta a început să accepte acte de caritate de la prieteni. În iunie 1895, Eugène Carrière a aranjat o călătorie ieftină înapoi în Tahiti, iar Gauguin nu a mai văzut niciodată Europa.
Citește și, biografii – Jean-François Millet
Reședință în Tahiti
Gauguin a pornit din nou spre Tahiti la 28 iunie 1895. Întoarcerea sa este caracterizată de Thomson ca fiind una esențialmente negativă, dezamăgirea sa față de scena artistică pariziană fiind agravată de două atacuri la adresa sa în același număr al revistei Mercure de France: unul de Emile Bernard, celălalt de Camille Mauclair. Mathews remarcă faptul că izolarea sa la Paris devenise atât de amară încât nu a avut altă opțiune decât să încerce să-și revendice locul în societatea tahitiană.
A sosit în septembrie 1895 și avea să petreacă următorii șase ani trăind, în cea mai mare parte, o viață aparent confortabilă ca artist-colon în apropiere de Papeete sau, uneori, în Papeete. În acest timp, a reușit să se întrețină cu un flux tot mai constant de vânzări și cu sprijinul prietenilor și al binevoitorilor, deși a existat o perioadă de timp 1898-1899 când s-a simțit obligat să accepte un loc de muncă de birou în Papeete, despre care nu există prea multe înregistrări. A construit o casă spațioasă din stuf și paie la Puna”auia, într-o zonă bogată situată la 16 km est de Papeete, locuită de familii înstărite, în care a instalat un studio mare, fără să se zgârcească la cheltuieli. Jules Agostini, o cunoștință a lui Gauguin și un fotograf amator desăvârșit, a fotografiat casa în 1896. Mai târziu, o vânzare de teren l-a obligat să construiască una nouă în același cartier.
Avea un cal și o capcană, așa că era în măsură să călătorească zilnic la Papeete pentru a participa la viața socială a coloniei, dacă dorea. S-a abonat la Mercure de France (era chiar acționar), pe atunci cea mai importantă revistă de critică din Franța, și a întreținut o corespondență activă cu alți artiști, comercianți, critici și patroni din Paris. În timpul anului petrecut la Papeete și ulterior, a jucat un rol tot mai important în politica locală, contribuind în mod abraziv la o revistă locală care se opunea guvernului colonial, Les Guêpes (Viespile), care fusese recent înființată, și, în cele din urmă, și-a editat propria publicație lunară Le Sourire: Journal sérieux (Zâmbetul: un ziar serios), intitulată mai târziu pur și simplu Journal méchant (Un ziar rău). O anumită cantitate de lucrări de artă și xilogravuri din ziarul său supraviețuiesc. În februarie 1900 a devenit redactor al publicației Les Guêpes propriu-zise, pentru care primea un salariu, și a continuat ca redactor până când a părăsit Tahiti în septembrie 1901. Ziarul sub conducerea sa s-a remarcat prin atacurile sale calomnioase la adresa guvernatorului și a oficialităților în general, dar nu a fost de fapt un campion al cauzelor indigene, deși era totuși perceput ca atare.
Cel puțin în primul an, nu a pictat niciun tablou, informându-l pe Monfreid că de acum înainte își propune să se concentreze asupra sculpturii. Puține dintre sculpturile sale în lemn din această perioadă au supraviețuit, cele mai multe dintre ele fiind colecționate de Monfreid. Thomson citează Oyez Hui Iesu (Hristos pe cruce), un cilindru de lemn înalt de o jumătate de metru (20″) care prezintă un curios hibrid de motive religioase. Este posibil ca acest cilindru să fi fost inspirat de sculpturi simbolice similare din Bretania, cum ar fi cele de la Pleumeur-Bodou, unde vechile menhirs au fost creștinate de meșterii locali. Când s-a reapucat de pictură, a continuat seria sa de nuduri cu încărcătură sexuală, în picturi precum Te tamari no atua (Fiul lui Dumnezeu) și O Taiti (Niciodată mai mult). Thomson observă o progresie în complexitate. Mathews remarcă o întoarcere la simbolismul creștin, care l-ar fi făcut simpatic coloniștilor din acea vreme, care acum erau nerăbdători să păstreze ceea ce mai rămăsese din cultura autohtonă prin sublinierea universalității principiilor religioase. În aceste tablouri, Gauguin se adresa unui public din rândul coloniștilor săi din Papeete, nu fostului său public avangardist din Paris.
Starea sa de sănătate s-a înrăutățit și a fost spitalizat de mai multe ori pentru diverse afecțiuni. În timp ce se afla în Franța, și-a zdrobit glezna într-o încăierare la beție, în timpul unei vizite pe litoral la Concarneau. Rana, o fractură deschisă, nu s-a vindecat niciodată cum trebuie. Apoi au început să îi apară răni dureroase și debilitante care îi limitau mișcările în sus și în josul picioarelor. Acestea au fost tratate cu arsenic. Gauguin a dat vina pe climatul tropical și a descris rănile ca fiind „eczeme”, dar biografii săi sunt de acord că aceasta trebuie să fi fost o evoluție a sifilisului.
În aprilie 1897, a primit vestea că fiica sa favorită, Aline, a murit de pneumonie. Aceasta a fost, de asemenea, luna în care a aflat că trebuia să părăsească casa, deoarece terenul acesteia fusese vândut. A contractat un împrumut bancar pentru a construi o casă din lemn mult mai extravagantă, cu vedere frumoasă la munte și la mare. Dar s-a întins prea mult în acest fel și, până la sfârșitul anului, s-a confruntat cu perspectiva reală ca banca să îl execute silit. Sănătatea șubredă și datoriile presante l-au adus în pragul disperării. La sfârșitul anului a finalizat monumentalul său volum Where Do We Come From? Ce suntem? pe care o considera capodopera sa și testamentul său artistic final (într-o scrisoare adresată lui Monfreid, a explicat că a încercat să se sinucidă după ce a terminat lucrarea). Pictura a fost expusă la galeria lui Vollard în noiembrie anul următor, alături de opt tablouri legate tematic pe care le terminase până în iulie. Aceasta a fost prima sa expoziție majoră la Paris de la expoziția Durand-Ruel din 1893 și a fost un succes hotărât, criticii lăudând noua sa seninătate. Cu toate acestea, „De unde venim?” a primit recenzii amestecate, iar Vollard a avut dificultăți în a o vinde. În cele din urmă, a vândut-o în 1901 pentru 2.500 de franci (aproximativ 10.000 de dolari americani în anul 2000) lui Gabriel Frizeau , din care comisionul lui Vollard a fost poate chiar de 500 de franci.
Georges Chaudet, dealerul lui Gauguin la Paris, a murit în toamna anului 1899. Vollard cumpărase tablourile lui Gauguin prin intermediul lui Chaudet, iar acum a încheiat un acord cu Gauguin în mod direct. Acordul îi oferea lui Gauguin un avans lunar regulat de 300 de franci contra unei achiziții garantate de cel puțin 25 de tablouri inedite pe an, la 200 de franci fiecare, iar în plus, Vollard se angaja să îi furnizeze materiale de artă. Au existat unele probleme inițiale de ambele părți, dar Gauguin a reușit în cele din urmă să își realizeze planul său de lungă durată de a se stabili în insulele Marchiș, în căutarea unei societăți încă mai primitive. Și-a petrecut ultimele luni în Tahiti, trăind într-un confort considerabil, după cum atestă generozitatea cu care își primea prietenii din acea perioadă.
Gauguin nu a putut să-și continue munca în ceramică în insule din simplul motiv că nu exista argilă adecvată. În mod similar, neavând acces la o presă de tipărit (Le Sourire a fost hectografiat), Gauguin a fost nevoit să apeleze la procedeul monotipului în lucrările sale grafice. Exemplarele supraviețuitoare ale acestor tipărituri sunt destul de rare și impun prețuri foarte mari în saloane.
În această perioadă, Gauguin a întreținut o relație cu Pahura (Pau”ura) a Tai, fiica unor vecini din Puna”auia. Gauguin a început această relație când Pau”ura avea 14 ani și jumătate. A avut doi copii cu ea, dintre care o fiică a murit în copilărie. Pe celălalt, un băiat, l-a crescut singură. Descendenții săi locuiau încă în Tahiti în momentul biografiei lui Mathews. Pahura a refuzat să-l însoțească pe Gauguin în Marchișele, departe de familia ei din Puna”auia (mai devreme îl părăsise când acesta a acceptat să lucreze în Papeete, la doar 16 km distanță). Când scriitorul englez Willam Somerset Maugham a vizitat-o în 1917, ea nu i-a putut oferi nicio amintire utilă despre Gauguin și l-a mustrat pentru că a vizitat-o fără să aducă bani de la familia lui Gauguin.
Citește și, biografii – Erik Satie
Insulele Marquesas
Gauguin își nutrise planul de a se stabili în Marchiș încă de când a văzut o colecție de boluri și arme marchiane sculptate în mod complex în Papeete, în timpul primelor luni petrecute în Tahiti. Cu toate acestea, el a găsit o societate care, ca și în Tahiti, își pierduse identitatea culturală. Dintre toate grupurile de insule din Pacific, Marquisele au fost cele mai afectate de importul de boli occidentale (în special tuberculoza). O populație de aproximativ 80.000 de locuitori din secolul al XVIII-lea scăzuse la doar 4.000 de persoane. Misionarii catolici dețineau controlul și, în efortul lor de a controla beția și promiscuitatea, au obligat toți copiii nativi să frecventeze școlile misionare până la vârsta adolescenței. Regimul colonial francez a fost aplicat de o jandarmerie remarcată prin răutate și prostie, în timp ce comercianții, atât occidentali, cât și chinezi, au exploatat nativii în mod îngrozitor.
Gauguin s-a stabilit în Atuona, pe insula Hiva-Oa, unde a sosit la 16 septembrie 1901. Aceasta era capitala administrativă a grupului de insule, dar era considerabil mai puțin dezvoltată decât Papeete, deși exista un serviciu eficient și regulat de transport cu vapor între cele două. Exista un medic militar, dar nu și un spital. Medicul a fost mutat la Papeete în februarie anul următor, iar după aceea Gauguin a trebuit să se bazeze pe cei doi lucrători din domeniul sănătății de pe insulă, exilatul vietnamez Nguyen Van Cam (Ky Dong), care se stabilise pe insulă, dar nu avea pregătire medicală formală, și pastorul protestant Paul Vernier, care studiase medicina pe lângă teologie. Ambii aveau să devină prieteni apropiați.
El a cumpărat un teren în centrul orașului de la misiunea catolică, după ce s-a învrednicit mai întâi de episcopul local prin participarea regulată la slujbă. Acest episcop era monseniorul Joseph Martin, inițial bine dispus față de Gauguin, deoarece era conștient că Gauguin luase partea partidului catolic din Tahiti în jurnalismul său.
Gauguin a construit o casă cu două etaje pe terenul său, suficient de robustă pentru a supraviețui unui ciclon care a distrus majoritatea celorlalte locuințe din oraș. A fost ajutat în această sarcină de cei doi cei mai buni tâmplari markezani de pe insulă, unul dintre ei pe nume Tioka, tatuat din cap până în picioare în mod tradițional markezan (o tradiție suprimată de misionari). Tioka era diacon în congregația lui Vernier și a devenit vecinul lui Gauguin după ciclon, când Gauguin i-a dăruit un colț din terenul său. Parterul era în aer liber și era folosit pentru a lua masa și a locui, în timp ce ultimul etaj era folosit pentru a dormi și ca atelier al său. Ușa de la ultimul etaj era decorată cu un lințoliu și jambaje sculptate în lemn policrom, care încă supraviețuiesc în muzee. Linstelul numea casa Maison du Jouir (adică Casa plăcerii), în timp ce jambierele aminteau de sculptura sa anterioară din 1889, Soyez amoureuses vous serez heureuses (adică Fiți îndrăgostiți, veți fi fericiți). Pereții au fost decorați, printre altele, cu prețioasa sa colecție de patruzeci și cinci de fotografii pornografice pe care le cumpărase în Port Said la plecarea din Franța.
Cel puțin în primele zile, până când Gauguin a găsit o vahină, casa atrăgea seara mulțimi de localnici care veneau să privească tablourile și să petreacă jumătate de noapte. Inutil să mai spunem că toate acestea nu l-au înduioșat pe Gauguin față de episcop, cu atât mai puțin atunci când Gauguin a ridicat două sculpturi pe care le-a așezat la poalele treptelor sale, ironizându-l pe episcop și pe un servitor care se presupune că era amanta episcopului, și cu atât mai puțin atunci când Gauguin a atacat mai târziu sistemul nepopular de școli misionare. Sculptura episcopului, Père Paillard, se găsește la National Gallery of Art din Washington, în timp ce piesa sa pandantivă Thérèse a realizat o sumă record de 30.965.000 de dolari pentru o sculptură a lui Gauguin la o vânzare Christie”s New York 2015. Acestea se numărau printre cele cel puțin opt sculpturi care împodobeau casa, potrivit unui inventar postum, dintre care majoritatea sunt pierdute astăzi. Împreună, ele reprezentau un atac foarte public la adresa ipocriziei bisericii în materie sexuală.
Finanțarea de stat a școlilor misionare a încetat ca urmare a Legii Asociațiilor din 1901, promulgată în tot imperiul francez. Școlile au continuat cu dificultate să funcționeze ca instituții private, dar aceste dificultăți au fost agravate atunci când Gauguin a stabilit că frecventarea oricărei școli era obligatorie doar într-o zonă de cuprindere pe o rază de aproximativ două mile și jumătate. Acest lucru a dus la retragerea a numeroase fiice adolescente din școli (Gauguin a numit acest proces „salvare”). El a luat ca vahine o astfel de fată, Vaeoho (numită și Marie-Rose), fiica în vârstă de 14 ani a unui cuplu de băștinași care locuia într-o vale adiacentă aflată la șase mile distanță. Nu cred că a fost o sarcină prea plăcută pentru ea, deoarece rănile lui Gauguin erau la acea vreme extrem de nocive și necesitau pansamente zilnice. Cu toate acestea, ea a trăit de bunăvoie cu el și în anul următor a dat naștere unei fiice sănătoase, ai cărei descendenți continuă să trăiască pe insulă.
Până în noiembrie, s-a instalat în noua sa casă cu Vaeoho, un bucătar (Kahui), alți doi servitori (nepoți ai lui Tioka), câinele său, Pegau (un joc de cuvinte după inițialele sale PG) și o pisică. Casa în sine, deși se afla în centrul orașului, era așezată printre copaci și retrasă de priviri. Petrecerile au încetat și a început o perioadă de muncă productivă, trimițând douăzeci de pânze lui Vollard în aprilie anul următor. Credea că va găsi noi motive în Marchiș, scriindu-i lui Monfreid:
Cred că în Marchiș, unde este ușor să găsești modele (lucru care devine din ce în ce mai dificil în Tahiti), și cu o țară nouă de explorat – cu subiecte noi și mai sălbatice, pe scurt – voi face lucruri frumoase. Aici imaginația mea a început să se răcească, și apoi, de asemenea, publicul s-a obișnuit atât de mult cu Tahiti. Lumea este atât de proastă încât, dacă cineva îi arată pânze care conțin elemente noi și teribile, Tahiti va deveni inteligibil și fermecător. Tablourile mele din Bretania sunt acum apă de trandafiri din cauza Tahitiului; Tahiti va deveni apă de colonie din cauza Marchișelor.
De fapt, lucrările sale din Marquesas pot fi diferențiate de cele din Tahiti doar de către experți sau prin datele lor, picturi precum Două femei rămânând incerte în ceea ce privește localizarea lor. Pentru Anna Szech, ceea ce le distinge este odihna și melancolia lor, deși conțin elemente de neliniște. Astfel, în cea de-a doua dintre cele două versiuni ale tabloului Cavaliers sur la Plage (Călăreți pe plajă), norii care se adună și valurile de spumă sugerează o furtună iminentă, în timp ce cele două figuri îndepărtate pe cai gri sunt un ecou al unor figuri similare din alte tablouri care sunt considerate a simboliza moartea.
În această perioadă, Gauguin a ales să picteze peisaje, naturi moarte și studii de figuri, cu gândul la clientela lui Vollard, evitând temele primitive și ale paradisului pierdut din tablourile sale din Tahiti. Dar există un trio semnificativ de tablouri din această ultimă perioadă care sugerează preocupări mai profunde. Primele două dintre acestea sunt Jeune fille à l”éventail (Tânără fată cu evantai) și Le Sorcier d”Hiva Oa (Bărbat maramureșean cu pelerină roșie). Modelul pentru Jeune fille a fost Tohotaua cea roșcată, fiica unei căpetenii de pe o insulă învecinată. Portretul pare să fi fost realizat după o fotografie pe care Vernier i-a trimis-o ulterior lui Vollard. Este posibil ca modelul pentru Le sorcier să fi fost Haapuani, un dansator desăvârșit, dar și un magician de temut, care era un prieten apropiat al lui Gauguin și, potrivit lui Danielsson, căsătorit cu Tohotau. Szech notează că culoarea albă a rochiei lui Tohotau este un simbol al puterii și al morții în cultura polineziană, persoana care se află pe scenă făcând datoria pentru o cultură maohi în ansamblul ei, amenințată de dispariție. Le Sorcier pare să fi fost executat în aceeași perioadă și înfățișează un tânăr cu părul lung purtând o pelerină roșie exotică. Natura androgină a imaginii a atras atenția criticilor, dând naștere la speculații conform cărora Gauguin a intenționat să înfățișeze un māhū (adică o persoană de sexul al treilea) mai degrabă decât un taua sau un preot. Cea de-a treia imagine din trio este misterioasa și frumoasa Contes barbares (Povești primitive), care îl prezintă din nou pe Tohotau în dreapta. Figura din stânga este Jacob Meyer de Haan, un pictor prieten al lui Gauguin de pe vremea când erau la Pont-Aven, care murise cu câțiva ani înainte, în timp ce figura din mijloc este din nou androgină, identificată de unii ca fiind Haapuani. Postura asemănătoare cu cea a lui Buddha și florile de lotus îi sugerează lui Elizabeth Childs că tabloul este o meditație asupra ciclului perpetuu al vieții și a posibilității renașterii. Întrucât aceste tablouri au ajuns la Vollard după moartea subită a lui Gauguin, nu se știe nimic despre intențiile lui Gauguin în executarea lor.
În martie 1902, guvernatorul Polineziei Franceze, Édouard Petit , a sosit în Marchișele pentru a face o inspecție. El a fost însoțit de Édouard Charlier, în calitate de șef al sistemului judiciar. Charlier era un pictor amator care se împrietenise cu Gauguin atunci când acesta a sosit pentru prima dată ca magistrat la Papeete în 1895. Cu toate acestea, relația lor s-a transformat în dușmănie atunci când Charlier a refuzat să o judece pe Pau”ura, pe atunci vahine a lui Gauguin, pentru o serie de infracțiuni banale, presupuse furturi și spargeri de locuințe, pe care aceasta le comisese la Puna”auia în timp ce Gauguin era plecat să lucreze în Papeete. Gauguin a mers atât de departe încât a publicat o scrisoare deschisă în care îl ataca pe Charlier în legătură cu această afacere în Les Guêpes. Petit, probabil avertizat corespunzător, a refuzat să se întâlnească cu Gauguin pentru a-i transmite protestele coloniștilor (Gauguin era purtătorul lor de cuvânt) cu privire la sistemul invidios de impozitare, în urma căruia majoritatea veniturilor din Marchișele erau cheltuite la Papeete. Gauguin a răspuns în aprilie refuzând să-și plătească impozitele și încurajându-i pe coloniști, comercianți și plantatori, să facă același lucru.
Cam în aceeași perioadă, starea de sănătate a lui Gauguin a început să se deterioreze din nou, fiind confruntat cu aceeași constelație familiară de simptome care implică dureri de picioare, palpitații cardiace și slăbiciune generală. Durerea de la glezna rănită a devenit insuportabilă și, în iulie, a fost nevoit să comande o trap din Papeete pentru a se putea deplasa în oraș. În septembrie, durerea era atât de puternică încât a recurs la injecții cu morfină. Cu toate acestea, a fost suficient de îngrijorat de obiceiul pe care îl devenise pentru a preda setul de seringi unui vecin, bazându-se în schimb pe laudanum. Vederea începea, de asemenea, să îi lipsească, după cum o dovedesc ochelarii pe care îi poartă în ultimul autoportret cunoscut. Acesta a fost de fapt un portret început de prietenul său Ky Dong și finalizat de el însuși, ceea ce explică stilul său neobișnuit. Acesta prezintă un om obosit și îmbătrânit, dar nu învins în totalitate. Pentru o vreme s-a gândit să se întoarcă în Europa, în Spania, pentru a se trata. Monfreid l-a sfătuit:
Dacă vă întoarceți, riscați să afectați acel proces de incubație care are loc în aprecierea publicului față de dumneavoastră. În prezent, sunteți un artist unic și legendar, care ne trimiteți din îndepărtatele Mări de Sud opere deconcertante și inimitabile, care sunt creațiile definitive ale unui mare om care, într-un fel, a plecat deja din această lume. Dușmanii dumneavoastră – și, ca toți cei care bulversează mediocritățile, aveți mulți dușmani – sunt tăcuți; dar nu îndrăznesc să vă atace, nici nu se gândesc la asta. Sunteți atât de departe. Nu ar trebui să vă întoarceți… Sunteți deja la fel de inatacabil ca toți marii morți; aparțineți deja istoriei artei.
În iulie 1902, Vaeoho, pe atunci însărcinată în șapte luni, l-a părăsit pe Gauguin pentru a se întoarce acasă, în valea vecină Hekeani, pentru a naște printre familie și prieteni. A născut în septembrie, dar nu s-a mai întors. Gauguin nu a mai luat ulterior o altă vahine. În această perioadă, cearta sa cu episcopul Martin cu privire la școlile misionare a atins apogeul. Jandarmul local, Désiré Charpillet, la început prietenos cu Gauguin, a scris un raport către administratorul grupului de insule, care locuia pe insula vecină Nuku Hiva, în care îi reproșa lui Gauguin că îi încuraja pe băștinași să-și retragă copiii de la școală, precum și că îi încuraja pe coloniști să nu-și plătească impozitele. Din fericire, postul de administrator fusese ocupat de curând de François Picquenot, un vechi prieten din Tahiti al lui Gauguin și, în esență, simpatizant al acestuia. Picquenot l-a sfătuit pe Charpillet să nu ia nicio măsură în legătură cu problema școlilor, deoarece Gauguin avea legea de partea sa, dar l-a autorizat pe Charpillet să confiște bunuri de la Gauguin în locul plății impozitelor dacă toate celelalte măsuri eșuează. Probabil din cauza singurătății și, uneori, din cauza incapacității de a picta, Gauguin s-a apucat de scris.
În 1901, manuscrisul lui Noa Noa Noa, pe care Gauguin îl pregătise împreună cu xilogravuri în timpul interludiului său în Franța, a fost în sfârșit publicat împreună cu poemele lui Morice sub formă de carte în ediția La Plume (manuscrisul însuși se află acum la muzeul Luvru). Secțiuni din el (inclusiv relatarea sa despre Teha”amana) fuseseră publicate anterior fără xilogravură în 1897 în La Revue Blanche, în timp ce el însuși publicase extrase în Les Guêpes pe când era editor. Ediția La Plume era planificată să includă xilogravurile sale, dar el a refuzat permisiunea de a le tipări pe hârtie netedă, așa cum doreau editorii. În realitate, a devenit dezinteresat de aventura cu Morice și nu a văzut niciodată un exemplar, refuzând oferta de o sută de exemplare gratuite. Cu toate acestea, publicarea cărții l-a inspirat să se gândească la scrierea altor cărți. La începutul anului (1902), revizuise un vechi manuscris din 1896-97, L”Esprit Moderne et le Catholicisme (Spiritul modern și catolicismul), despre Biserica Romano-Catolică, adăugând vreo douăzeci de pagini care conțineau informații culese din relațiile sale cu episcopul Martin. A trimis acest text episcopului Martin, care i-a răspuns trimițându-i o istorie ilustrată a Bisericii. Gauguin a returnat cartea cu observații critice pe care le-a publicat mai târziu în amintirile sale autobiografice. În continuare, a pregătit un eseu spiritual și bine documentat, Racontars de Rapin (Poveștile unui trântor) despre critici și critica de artă, pe care l-a trimis spre publicare lui André Fontainas, critic de artă la Mercure de France, a cărui recenzie favorabilă la cartea De unde venim? Ce suntem noi? Where Are We Going? contribuise mult la restabilirea reputației sale. Cu toate acestea, Fontainas i-a răspuns că nu îndrăznește să o publice. Ulterior, cartea a fost publicată abia în 1951.
La 27 mai a aceluiași an, vasul cu aburi Croix du Sud a naufragiat în largul atolului Apataki, iar pentru o perioadă de trei luni insula a rămas fără poștă și fără provizii. Când serviciul poștal a fost reluat, Gauguin l-a atacat furibund pe guvernatorul Petit într-o scrisoare deschisă, plângându-se, printre altele, de modul în care au fost abandonați în urma naufragiului. Scrisoarea a fost publicată de L”Indepéndant, ziarul succesor al ziarului Les Guêpes, în luna noiembrie a aceluiași an la Papeete. Petit a urmat de fapt o politică independentă și pro-nativă, spre dezamăgirea Partidului Romano-Catolic, iar ziarul pregătea un atac împotriva sa. Gauguin a trimis scrisoarea și la Mercure de France, care a publicat o versiune redactată a acesteia după moartea sa. A urmat o scrisoare privată adresată șefului jandarmeriei din Papeete, în care se plângea de excesele jandarmului său local Charpillet, care îi punea pe prizonieri să muncească pentru el. Danielsson notează că, deși aceste plângeri și altele similare erau bine întemeiate, motivația pentru toate acestea a fost vanitatea rănită și simpla animozitate. Întâmplarea a făcut ca Charpillet, care era relativ înțelegător, să fie înlocuit în luna decembrie a aceluiași an de un alt jandarm, Jean-Paul Claverie, din Tahiti, mult mai puțin bine dispus față de Gauguin și care, de fapt, îl amendase în primele sale zile la Mataiea pentru indecență publică, după ce îl surprinsese scăldându-se dezbrăcat într-un pârâu local, în urma plângerilor făcute de misionarii de acolo.
Starea sa de sănătate s-a deteriorat și mai mult în decembrie, încât abia dacă mai putea picta. A început un volum de memorii autobiografice pe care l-a numit Avant et après (Înainte și după) (publicat în traducere în SUA sub titlul Intimate Journals), pe care l-a finalizat în următoarele două luni. Titlul trebuia să reflecte experiențele sale înainte și după ce a venit în Tahiti și ca un tribut adus propriei sale bunici, care a publicat memoriile inedite Past and Future. Memoriile sale s-au dovedit a fi o colecție fragmentată de observații despre viața din Polinezia, despre propria sa viață și comentarii despre literatură și pictură. A inclus în ele atacuri la subiecte atât de diverse precum jandarmeria locală, episcopul Martin, soția sa Mette și danezii în general, și a încheiat cu o descriere a filozofiei sale personale care concepea viața ca pe o luptă existențială pentru a reconcilia binariile opuse. Mathews notează două remarci finale ca fiind o distilare a filosofiei sale:
Nimeni nu este bun; nimeni nu este rău; toată lumea este amândouă, în același fel și în moduri diferite. … Este un lucru atât de mic, viața unui om, și totuși există timp pentru a face lucruri mari, fragmente din sarcina comună.
A trimis manuscrisul lui Fontainas pentru editare, dar drepturile au revenit lui Mette după moartea lui Gauguin, iar cartea a fost publicată abia în 1918 (traducerea americană a apărut în 1921).
Citește și, evenimente-importante – Revoluția de la 1848
Moartea
La începutul anului 1903, Gauguin s-a angajat într-o campanie menită să scoată la iveală incompetența jandarmilor de pe insulă, în special a lui Jean-Paul Claverie, pentru că a luat direct partea băștinașilor într-un caz de presupusă beție a unui grup de localnici. Cu toate acestea, Claverie a scăpat de cenzură. La începutul lunii februarie, Gauguin i-a scris administratorului, François Picquenot, acuzând corupția unuia dintre subordonații lui Claverie. Picquenot a investigat acuzațiile, dar nu a putut să le dovedească. Claverie a răspuns prin depunerea unei acuzații împotriva lui Gauguin pentru calomnierea unui jandarm. Ulterior, acesta a fost amendat cu 500 de franci și condamnat la trei luni de închisoare de către magistratul local la 27 martie 1903. Gauguin a făcut imediat apel la Papeete și a început să strângă fonduri pentru a se deplasa la Papeete pentru a-și asculta apelul.
În acest moment, Gauguin era foarte slăbit și avea dureri mari și a recurs din nou la morfină. A murit subit în dimineața zilei de 8 mai 1903.
Mai devreme, trimisese după pastorul său, Paul Vernier, care se plângea de leșinuri. Discutaseră împreună, iar Vernier plecase, crezându-l în stare stabilă. Cu toate acestea, vecinul lui Gauguin, Tioka, l-a găsit mort la ora 11, confirmând acest lucru în modul tradițional maramureșean, mestecându-i capul în încercarea de a-l resuscita. Lângă patul său se afla o sticlă goală de laudanum, ceea ce a dat naștere la speculații că ar fi fost victima unei supradoze. Vernier a crezut că a murit în urma unui atac de cord.
Gauguin a fost înmormântat în cimitirul catolic Calvary (Cimetière Calvaire), Atuona, Hiva ”Oa, a doua zi la ora 14.00. În 1973, pe mormântul său a fost așezat un mulaj din bronz al figurii sale Oviri, așa cum a indicat că era dorința sa. În mod ironic, cel mai apropiat vecin al său în cimitir este episcopul Martin, mormântul său fiind surmontat de o cruce albă mare. Vernier a scris o relatare a ultimelor zile și a înmormântării lui Gauguin, reprodusă în ediția lui O”Brien a scrisorilor lui Gauguin către Monfreid.
Vestea morții lui Gauguin a ajuns în Franța (la Monfreid) abia la 23 august 1903. În absența unui testament, efectele sale mai puțin valoroase au fost scoase la licitație în Atuona, în timp ce scrisorile, manuscrisele și picturile sale au fost scoase la licitație la Papeete, la 5 septembrie 1903. Mathews notează că această dispersie rapidă a efectelor sale a dus la pierderea multor informații valoroase despre ultimii săi ani de viață. Thomson notează că inventarul efectelor sale la licitație (dintre care unele au fost arse ca fiind pornografice) a dezvăluit o viață care nu era atât de sărăcăcioasă sau primitivă pe cât îi plăcea să susțină. Mette Gauguin a primit în timp util încasările din licitație, aproximativ 4.000 de franci. Unul dintre tablourile scoase la licitație la Papeete a fost Maternité II, o versiune mai mică a Maternității I din Muzeul Hermitage. Originalul a fost pictat în momentul în care cea care îi era pe atunci vahină, Pau”ura, în Puna”auia, a dat naștere fiului lor Emile. Nu se știe de ce a pictat copia mai mică. Aceasta a fost vândută pentru 150 de franci unui ofițer de marină francez, comandantul Cochin, care a declarat că însuși guvernatorul Petit oferise până la 135 de franci pentru tablou. A fost vândut la Sotheby”s pentru 39.208.000 USD în 2004.
Centrul Cultural Paul Gauguin din Atuona are o reconstituire a Maison du Jouir. Casa originală a rămas goală timp de câțiva ani, ușa purtând încă lintelul sculptat al lui Gauguin. Acesta a fost în cele din urmă recuperat, patru dintre cele cinci piese fiind păstrate la Musée D”Orsay, iar cea de-a cincea la Muzeul Paul Gauguin din Tahiti.
În 2014, examinarea medico-legală a patru dinți găsiți într-un borcan de sticlă într-o fântână din apropierea casei lui Gauguin a pus sub semnul întrebării convingerea convențională că Gauguin ar fi suferit de sifilis. Examinarea ADN a stabilit că dinții erau aproape sigur ai lui Gauguin, dar nu s-au găsit urme de mercur, care era folosit la acea vreme pentru tratarea sifilisului, ceea ce sugerează fie că Gauguin nu suferea de sifilis, fie că nu era tratat pentru această boală. În 2007, patru molari putreziți, care ar fi putut fi ai lui Gauguin, au fost găsiți de arheologi pe fundul unei fântâni pe care acesta a construit-o pe insula Hiva Oa, în Insulele Marquese.
Citește și, biografii – Bătălia de la Yarmuk
Copii
Gauguin a trăit mai mult decât trei dintre copiii săi; fiica sa favorită Aline a murit de pneumonie, fiul său Clovis a murit din cauza unei infecții sanguine în urma unei operații la șold, iar o fiică, a cărei naștere a fost reprezentată în tabloul lui Gauguin din 1896 Te tamari no atua, copilul tinerei amante tahitiene a lui Gauguin, Pau”ura, a murit la doar câteva zile după naștere, în ziua de Crăciun din 1896. Fiul său, Émile Gauguin, a lucrat ca inginer constructor în SUA și este înmormântat în Cimitirul istoric Lemon Bay, din Florida. Un alt fiu, Jean René, a devenit un sculptor renumit și un socialist convins. A murit la 21 aprilie 1961, la Copenhaga. Pola (Paul Rollon) a devenit artist și critic de artă și a scris o carte de memorii, My Father, Paul Gauguin (1937). Gauguin a mai avut câțiva copii cu amantele sale: Germaine (și o fiică (născută în 1902) cu Vaeoho (Marie-Rose). Există unele speculații conform cărora artista belgiană Germaine Chardon ar fi fost fiica lui Gauguin. Emile Marae, un Tai, analfabet și crescut în Tahiti de Pau”ura, a fost adus la Chicago în 1963 de jurnalista franceză Josette Giraud și a fost un artist de sine stătător, descendenții săi trăind încă în Tahiti din 2001.
Primitivismul a fost o mișcare artistică din pictura și sculptura de la sfârșitul secolului al XIX-lea, caracterizată prin proporții corporale exagerate, totemuri de animale, desene geometrice și contraste puternice. Primul artist care a folosit în mod sistematic aceste efecte și a obținut un succes public larg a fost Paul Gauguin. Elita culturală europeană, descoperind pentru prima dată arta din Africa, Micronezia și nativii americani, a fost fascinată, intrigată și educată de noutatea, sălbăticia și puterea crudă întruchipate în arta acestor locuri îndepărtate. La fel ca Pablo Picasso la începutul secolului XX, Gauguin a fost inspirat și motivat de puterea brută și de simplitatea așa-numitei arte primitive a acelor culturi străine.
Gauguin este considerat, de asemenea, un pictor postimpresionist. Picturile sale îndrăznețe, pline de culoare și orientate spre design au influențat semnificativ arta modernă. Printre artiștii și mișcările de la începutul secolului XX inspirate de el se numără Vincent van Gogh, Henri Matisse, Pablo Picasso, Georges Braque, André Derain, Fauvismul, Cubismul și Orfismul, printre alții. Mai târziu, l-a influențat pe Arthur Frank Mathews și mișcarea americană Arts and Crafts.
John Rewald, recunoscut ca o autoritate de primă mărime în arta de la sfârșitul secolului al XIX-lea, a scris o serie de cărți despre perioada postimpresionistă, inclusiv Post-impresionismul: From Van Gogh to Gauguin (1956) și un eseu, Paul Gauguin: Letters to Ambroise Vollard and André Fontainas (inclus în Rewald”s Studies in Post-Impressionism, 1986), discută anii petrecuți de Gauguin în Tahiti și luptele pentru supraviețuirea sa, așa cum sunt văzute prin corespondența cu negustorul de artă Vollard și cu alții.
Expozițiile retrospective postume ale lui Gauguin de la Salonul de Automne din Paris din 1903 și, ulterior, de la cea mai mare din 1906, au avut o influență puternică și uimitoare asupra avangardei franceze și, în special, asupra picturilor lui Pablo Picasso. În toamna anului 1906, Picasso a realizat tablouri cu femei goale supradimensionate și figuri sculpturale monumentale care aminteau de lucrările lui Paul Gauguin și arătau interesul său pentru arta primitivă. Picturile lui Picasso cu figuri masive din 1906 au fost direct influențate de sculptura și pictura lui Gauguin, dar și de scrierile acestuia. Puterea evocată de lucrările lui Gauguin a dus direct la Les Demoiselles d”Avignon din 1907.
Potrivit biografului lui Gauguin, David Sweetman, Picasso a devenit un admirator al operei lui Gauguin încă din 1902, când l-a întâlnit și s-a împrietenit cu sculptorul și ceramistul spaniol expatriat Paco Durrio, la Paris. Durrio avea la îndemână mai multe lucrări ale lui Gauguin, deoarece era un prieten al acestuia și un agent neplătit al operei sale. Durrio a încercat să îl ajute pe prietenul său din Tahiti, aflat în sărăcie, promovându-i opera la Paris. După ce s-au întâlnit, Durrio i-a prezentat lui Picasso gresia lui Gauguin, l-a ajutat pe Picasso să realizeze câteva piese de ceramică și i-a dăruit o primă ediție La Plume a operei Noa Noa Noa: The Tahiti Journal of Paul Gauguin. Pe lângă faptul că a văzut lucrările lui Gauguin la Durrio, Picasso le-a văzut și la galeria lui Ambroise Vollard, unde atât el, cât și Gauguin erau reprezentați.
În ceea ce privește impactul lui Gauguin asupra lui Picasso, John Richardson a scris:
Expoziția din 1906 a operei lui Gauguin l-a lăsat pe Picasso mai mult ca oricând în mrejele acestui artist. Gauguin a demonstrat că cele mai disparate tipuri de artă – ca să nu mai vorbim de elemente din metafizică, etnologie, simbolism, Biblie, mituri clasice și multe altele – puteau fi combinate într-o sinteză care era atemporală, dar atemporală. De asemenea, artistul a demonstrat că un artist poate confunda noțiunile convenționale de frumusețe, prin faptul că își poate folosi demonii pentru zeii întunecați (nu neapărat cei tahitieni) și poate exploata o nouă sursă de energie divină. Dacă, în anii următori, Picasso a minimalizat datoria sa față de Gauguin, nu există nicio îndoială că între 1905 și 1907 a simțit o rudenie foarte strânsă cu acest alt Paul, care se mândrea cu genele spaniole moștenite de la bunica sa peruană. Nu cumva Picasso s-a semnat „Paul” în onoarea lui Gauguin.
Atât David Sweetman, cât și John Richardson amintesc de sculptura lui Gauguin numită Oviri (care înseamnă literalmente „sălbatic”), o figură falică macabră a zeiței tahitiene a vieții și a morții, destinată mormântului lui Gauguin, expusă în cadrul expoziției retrospective din 1906, care a condus și mai direct la Les Demoiselles. Sweetman scrie: „Statuia Oviri a lui Gauguin, care a fost expusă în mod proeminent în 1906, avea să stimuleze interesul lui Picasso atât pentru sculptură, cât și pentru ceramică, în timp ce xilogravurile aveau să-i întărească interesul pentru gravură, deși elementul primitiv din toate acestea a fost cel care a condiționat cel mai mult direcția pe care avea să o ia arta lui Picasso. Acest interes avea să culmineze în lucrarea fundamentală Les Demoiselles d”Avignon.”
Potrivit lui Richardson,
Interesul lui Picasso pentru gresie a fost stimulat și mai mult de exemplele pe care le-a văzut la retrospectiva Gauguin din 1906 de la Salon d”Automne. Cea mai tulburătoare dintre aceste ceramici (una pe care Picasso ar fi putut să o fi văzut deja la Vollard) a fost macabrul Oviri. Până în 1987, când Muzeul d”Orsay a achiziționat această lucrare puțin cunoscută (expusă o singură dată din 1906), ea nu fusese niciodată recunoscută ca fiind capodopera pe care o reprezintă, cu atât mai puțin recunoscută pentru relevanța sa pentru lucrările care au precedat Demoiselles. Deși are o înălțime de puțin sub 30 de centimetri, Oviri are o prezență impresionantă, așa cum îi stă bine unui monument destinat mormântului lui Gauguin. Picasso a fost foarte impresionat de Oviri. 50 de ani mai târziu, a fost încântat când Cooper și cu mine i-am spus că am dat peste această sculptură într-o colecție care includea, de asemenea, originalul din ipsos al capului său cubist. A fost o revelație, ca și sculptura iberică? Picasso a ridicat din umeri cu părere de rău și a răspuns afirmativ. Întotdeauna a fost reticent să recunoască rolul lui Gauguin în a-l îndrepta pe drumul spre primitivism.
Inițial, Gauguin a primit îndrumare artistică de la Pissarro, însă relația l-a marcat mai mult pe plan personal decât pe plan stilistic. Maeștrii lui Gauguin au fost Giotto, Raphael, Ingres, Eugène Delacroix, Manet, Degas și Cézanne. Propriile sale convingeri și, în unele cazuri, psihologia din spatele operei sale au fost influențate și de filosoful Arthur Schopenhauer și de poetul Stéphane Mallarmé.
Gauguin, la fel ca unii dintre contemporanii săi, precum Degas și Toulouse-Lautrec, a folosit o tehnică de pictură pe pânză cunoscută sub numele de peinture à l”essence. Pentru aceasta, uleiul (liantul) este scurs din vopsea, iar nămolul de pigment rămas este amestecat cu terebentină. Este posibil ca el să fi folosit o tehnică similară în pregătirea monotipurilor sale, folosind hârtie în loc de metal, deoarece aceasta ar absorbi uleiul, conferind imaginilor finale aspectul mat pe care îl dorea. De asemenea, a verificat unele dintre desenele sale existente cu ajutorul sticlei, copiind o imagine dedesubt pe suprafața sticlei cu acuarelă sau guașă pentru imprimare. Xilogravurile lui Gauguin nu au fost mai puțin inovatoare, chiar și pentru artiștii de avangardă responsabili de renașterea xilogravurii care avea loc în acea perioadă. În loc să își incizeze blocurile cu intenția de a realiza o ilustrație detaliată, Gauguin și-a cizelat inițial blocurile într-o manieră similară cu sculptura în lemn, urmată de instrumente mai fine pentru a crea detalii și tonalități în cadrul contururilor sale îndrăznețe. Multe dintre instrumentele și tehnicile sale au fost considerate experimentale. Această metodologie și utilizarea spațiului au mers în paralel cu pictura sa de reliefuri plate, decorative.
Începând din Martinica, Gauguin a început să folosească culori analoge în imediata apropiere pentru a obține un efect de surdină. La scurt timp după aceea, Gauguin a făcut progrese și în domeniul culorilor nereprezentative, creând pânze care aveau o existență independentă și o vitalitate proprie. Acest decalaj între realitatea de suprafață și el însuși l-a nemulțumit pe Pissarro și a dus rapid la sfârșitul relației lor. Figurile sale umane din această perioadă amintesc, de asemenea, de povestea sa de dragoste cu gravurile japoneze, gravitând în special în jurul naivității figurilor lor și a austerității compoziționale ca influență asupra manifestului său primitiv. Tocmai din acest motiv, Gauguin a fost inspirat și de arta populară. El a căutat o puritate emoțională goală a subiectelor sale, transmisă într-un mod direct, punând accentul pe formele majore și pe liniile drepte pentru a defini clar forma și conturul. Gauguin a folosit, de asemenea, decoruri formale elaborate și colorit în modele de abstracție, încercând să armonizeze omul și natura. Reprezentările sale ale băștinașilor în mediul lor natural evidențiază frecvent seninătatea și o sustenabilitate de sine stătătoare. Acest lucru a completat una dintre temele preferate ale lui Gauguin, care era intruziunea supranaturalului în viața de zi cu zi, într-un caz mergând atât de departe încât să amintească de reliefuri funerare egiptene antice cu Numele ei este Vairaumati și Ta Matete.
Într-un interviu acordat publicației L”Écho de Paris, publicat la 15 martie 1895, Gauguin explică faptul că abordarea sa tactică în curs de dezvoltare tinde spre sinestezie. El afirmă:
Într-o scrisoare din 1888 adresată lui Schuffenecker, Gauguin explică pasul uriaș pe care l-a făcut pentru a se îndepărta de impresionism și faptul că acum intenționa să capteze sufletul naturii, adevărurile străvechi și caracterul peisajelor și al locuitorilor săi. Gauguin a scris:
Gauguin a început să realizeze gravuri în 1889, evidențiindu-se printr-o serie de zincografii comandate de Theo van Gogh, cunoscute sub numele de Suita Volpini, care au apărut, de asemenea, în expoziția Cafe des Arts din 1889. Gauguin nu a fost împiedicat de lipsa sa de experiență în domeniul tiparului și a făcut o serie de alegeri provocatoare și neortodoxe, cum ar fi o placă de zinc în loc de calcar (litografie), margini largi și coli mari de hârtie galbenă pentru afișe. Rezultatul a fost viu până la punctul de a fi strident, dar prefigurează experimentele sale mai elaborate cu imprimarea în culori și intenția de a înălța imaginile monocrome. Primele sale capodopere de tipar au fost cele din suita Noa Noa din 1893-94, unde a fost unul dintre numeroșii artiști care au reinventat tehnica xilogravurii, aducând-o în epoca modernă. A început seria la scurt timp după ce s-a întors din Tahiti, dornic să își revendice poziția de lider în cadrul avangardei și să împărtășească imagini bazate pe excursia sa în Polinezia Franceză. Aceste xilogravuri au fost prezentate în cadrul expoziției sale nereușite din 1893 la Paul Durand-Ruel, iar cele mai multe erau direct legate de picturi ale sale în care revizuise compoziția originală. Ele au fost prezentate din nou la o mică expoziție în atelierul său în 1894, unde a obținut rare laude din partea criticii pentru efectele sale picturale și sculpturale excepționale. Preferința emergentă a lui Gauguin pentru xilogravură nu a fost doar o extensie naturală a reliefurilor și sculpturilor sale în lemn, ci este posibil să fi fost provocată și de semnificația sa istorică pentru artizanii medievali și japonezi.
Gauguin a început să realizeze monotipuri în acuarelă în 1894, suprapunându-se probabil peste xilogravurile Noa Noa, poate chiar servind drept sursă de inspirație pentru acestea. Tehnicile sale au rămas inovatoare și a fost o tehnică potrivită pentru el, deoarece nu necesita un echipament elaborat, cum ar fi o presă de tipărire. În ciuda faptului că a fost adesea o sursă de practică pentru picturi, sculpturi sau xilogravuri înrudite, inovația monotipului său oferă o estetică distinctă și eterică; imagini fantomatice care pot exprima dorința sa de a transmite adevărurile imemoriale ale naturii. Următorul său proiect major de xilogravură și monotipie a fost abia în 1898-99, cunoscut sub numele de Suita Vollard. El a finalizat această serie întreprinzătoare de 475 de gravuri din aproximativ douăzeci de compoziții diferite și le-a trimis negustorului Ambroise Vollard, deși nu a făcut niciun compromis în ceea ce privește solicitarea acestuia de a avea lucrări vandabile și conforme. Vollard a fost nemulțumit și nu a făcut niciun efort pentru a le vinde. Seria lui Gauguin este puternic unificată cu o estetică alb-negru și este posibil ca Gauguin să fi intenționat ca printurile să fie similare unui set de cărți myriorama, în care acestea pot fi așezate în orice ordine pentru a crea multiple peisaje panoramice. Această activitate de aranjare și rearanjare a fost similară cu propriul său proces de refolosire a imaginilor și motivelor sale, precum și cu o tendință de simbolism. A tipărit lucrarea pe hârtie japoneză subțire ca un țesut, iar multiplele probe de gri și negru puteau fi aranjate una peste alta, fiecare transparență de culoare ieșind la iveală pentru a produce un efect bogat, de clar-obscur.
În 1899 a început experimentul său radical: desenele în ulei prin transfer. La fel ca și tehnica sa de monotip în acuarelă, aceasta era un hibrid între desen și gravură. Transferurile au reprezentat marea culme a căutării sale pentru o estetică a sugestiei primordiale, care pare să fie transmisă în rezultatele sale care au ecou în frecările antice, frescele uzate și picturile rupestre. Progresul tehnic al lui Gauguin de la monotipie la transferurile în ulei este foarte vizibil, trecând de la mici schițe la foi ambițioase, de mari dimensiuni și foarte bine finisate. Cu aceste transferuri a creat profunzime și textură prin imprimarea mai multor straturi pe aceeași foaie, începând cu creion de grafit și cerneală neagră pentru delimitare, înainte de a trece la creion albastru pentru a întări linia și a adăuga umbrire. Adesea, el completa imaginea cu o spălare de cerneală măslinie sau maro cu ulei. Această practică l-a consumat pe Gauguin până la moartea sa, alimentându-i imaginația și concepția de noi subiecte și teme pentru picturile sale. Această colecție a fost trimisă, de asemenea, lui Vollard, care a rămas neimpresionat. Gauguin prețuia transferurile în ulei pentru modul în care transformau calitatea liniei desenate. Procesul său, aproape alchimic prin natura sa, avea elemente de întâmplare prin care apăreau în mod regulat semne și texturi neașteptate, lucru care îl fascina. În metamorfozarea unui desen într-o imprimare, Gauguin a luat decizia calculată de a renunța la lizibilitate pentru a obține mister și abstractizare.
A lucrat în lemn de-a lungul întregii sale cariere, în special în perioadele sale cele mai prolifice, și este cunoscut pentru că a obținut rezultate radicale în sculptură înainte de a face acest lucru cu pictura. Chiar și în primele sale expoziții, Gauguin a inclus adesea în expoziție sculpturi în lemn, din care și-a construit reputația de cunoscător al așa-numitului primitiv. O serie dintre primele sale sculpturi par să fie influențate de arta gotică și egipteană. În corespondență, își afirmă, de asemenea, pasiunea pentru arta cambodgiană și pentru coloritul magistral al covorului persan și al covorului oriental.
Moda pentru lucrările lui Gauguin a început imediat după moartea acestuia. Multe dintre picturile sale ulterioare au fost achiziționate de colecționarul rus Serghei Shchukin. O parte substanțială a colecției sale este expusă la Muzeul Pușkin și la Ermitaj. Tablourile lui Gauguin sunt rareori puse în vânzare, prețurile lor ajungând la zeci de milioane de dolari americani în saloanele de vânzare atunci când sunt oferite. Lucrarea sa din 1892, Nafea Faa Ipoipo (Când te vei căsători?), a devenit a treia cea mai scumpă operă de artă din lume atunci când proprietarul său, familia lui Rudolf Staechelin, a vândut-o în mod privat pentru 210 milioane de dolari americani în septembrie 2014. Se crede că cumpărătorul ar fi muzeele din Qatar.
Muzeul Gauguin, în stil japonez, situat vizavi de Grădina Botanică din Papeari, în Papeari, Tahiti, conține câteva exponate, documente, fotografii, reproduceri și schițe originale și gravuri de Gauguin și tahitieni. În 2003, Centrul Cultural Paul Gauguin a fost deschis în Atuona, în Insulele Marchize.
În 2014 a fost descoperit în Italia tabloul „Fructe pe o masă” (1889), cu o valoare estimată între 10 și 30 de milioane de euro (8,3 și 24,8 milioane de lire sterline), care fusese furat la Londra în 1970. Tabloul, împreună cu o lucrare de Pierre Bonnard, fusese cumpărat de un angajat al Fiat în 1975, la o vânzare de bunuri pierdute la calea ferată, pentru 45.000 de lire (aproximativ 32 de lire sterline).
Pentru o listă completă a picturilor lui Gauguin, a se vedea Lista picturilor lui Paul Gauguin.
Autoportrete:
sursele
